Recensione

In realtà il sottotitolo che avrei voluto utilizzare per questo articolo era soltanto “Finalmente!“, ma sarebbe parso un po’ troppo polemico.

Infatti, nonostante molte persone anche qui in redazione avessero tutto sommato apprezzato Alien: Covenant, la precedente iterazione della saga uscita ormai 7 anni or sono, il sottoscritto no. Ma proprio no.

In quell’occasione, avevo scritto un listone dei 9 motivi per cui Alien: Covenant non mi aveva entusiasmato; sono lieto del fatto che, grazie agli dei del cinema, Alien: Romulus li smentisce puntualmente.

Scrivo ora, appena uscito dall’anteprima, così ho tutto in mente fresco fresco; ma come sempre, andiamo con ordine.

La saga

Innanzitutto, dove si colloca temporalmente Alien: Romulus?

Immagino che questa sia un’ottima domanda, visto che nei 45 anni di vita (!) di questo franchise, di materiale ne è stato prodotto un bel po’.

La saga principale è stata composta, finora, di sette capitoli, il cui ordine cronologico è il seguente:

• Prometheus (2012), ambientato nel 2089-93;
• Alien: Covenant (2017), ambientato nel 2104;
• Alien (1979), ambientato nel 2122;
• Aliens: Scontro Finale (1986), ambientato nel 2179;
• Alien3 (1992), ambientato anch’esso nel 2179;
• Alien: La Clonazione (1997), ambientato nel 2379.

Abbandonate le velleità di fornire un sequel ai prequel (ovvero, Prometheus e Covenant), si torna dove tutto ha avuto origine; Alien: Romulus è stato definito un midquel (che orrore di termine), e si colloca circa 20 anni dopo l’originale Alien e più o meno 37 anni prima di Aliens.

Il futuro immaginato dalla saga di Alien è oscuro, dominato dalle sconfinate ambizioni della megacorporazione Weyland-Yutani, amministratrice delle colonie terrestri fuori dal sistema solare e disposta a tutto pur di aumentare il suo potere: anche ad utilizzare delle forme di vita imbattibili ed ingestibili come gli xenomorfi per i suoi scopi.

Si potrebbe pensare che lo xenomorfo, alla fin fine, non sia il vero cattivo della saga, poiché agisce per puro istinto; la Weyland-Yutani, invece, lo fa per pura avidità e sete di potere, incarnando molto meglio un male oscuro e nascosto, che nasce in seno alla stessa umanità.

E anche in Alien: Romulus non si smentiranno, vedrete.

Trama

Della trama non voglio dirvi molto, perché il bello di questo tipo di film è anche gustarseli scoprendo cosa accade man mano. Perciò, vi faccio una sintesi estrema dell’incipit del film.

Rain, la protagonista, è una ragazza di 25 anni che, dopo la morte dei genitori, vuole trovare una vita migliore in un luogo lontano da Jackson’s Star, la colonia mineraria in cui vive. Jackson’s Star è un vero postaccio, un incubo di pianeta sul quale il sole non si vede mai e Rain lavora duramente soltanto per poter finalmente smarcarsi dagli obblighi verso la compagnia ed andarsene via verso un posto più decente insieme a quello che lei chiama fratello, Andy.

In un momento di disperazione, alcuni suoi amici, tra i quali il suo ex, le fanno una proposta abbastanza azzardata ma che potrebbe portarli finalmente tutti via da quel pianeta orrendo.

Lei è riluttante, perché lo spirito di autoconservazione è sempre preponderante, anche in quasi tutti i protagonisti dei film horror, ma alla fin fine, cosa potrà mai esserci di peggio di un pianeta minerario coi cieli neri, dove se ti va bene muori di malattia per colpa del lavoro estenuante?

C’è di peggio che nello spazio, come da tradizione, nessuno può sentirti urlare, e le pessime idee vanno a finire molto male.

No, il perché il film si chiami così non ve lo dico, anche perché si scopre dopo quaranta minuti abbondanti, abbiate pazienza.

Le mie impressioni

Vi giuro che sono entrato in sala con le aspettative a zero, date le due delusioni precedenti; è probabilmente questo il modo migliore di approcciare ad Alien: Romulus, anche nelle intenzioni del regista Fede Alvarez, che voleva portare il franchise di Alien ad una nuova generazione, dopo aver ricevuto il testimone da Ridley Scott.

Questa sorta di passaggio generazionale è anche sancito dal cast scelto: i protagonisti della vicenda sono tutti ragazzi sulla ventina che sognano un futuro diverso; a differenza del piattume dei personaggi di Covenant, qui andiamo molto meglio. Qualche stereotipo c’è, ci mancherebbe, ma almeno non servono cappelli da cowboy per distinguere i personaggi.

La protagonista Rain, interpretata da Cailee Spaeny, non è Ripley, e ci mancherebbe, ma fa il suo: fragile, dubbiosa, ma determinata. Una persona normale, con la quale è semplice identificarsi. Si soffre confortevolmente nei suoi panni.

Cailee Spaeny as Rain Carradine in 20th Century Studios’ ALIEN: ROMULUS. Photo courtesy of 20th Century Studios. © 2024 20th Century Studios. All Rights Reserved.

Bene anche i comprimari, tra i quali spicca a mio avviso la Kay di Isabela Merced, con una interpretazione molto “fisica”.

Isabela Merced as Kay in 20th Century Studios’ ALIEN: ROMULUS. Photo courtesy of 20th Century Studios. © 2024 20th Century Studios. All Rights Reserved.

Il mio personaggio preferito fra tutti è pero sicuramente Andy, interpetato da David Jonsson, che riesce a rendere benissimo la dualità del suo ruolo; nella prima parte fa una tenerezza infinita, nella seconda non vi dico, perché sennò farei spoiler.

David Jonsson as Andy in 20th Century Studios’ ALIEN: ROMULUS. Photo courtesy of 20th Century Studios. © 2024 20th Century Studios. All Rights Reserved.

Comunque, anche se hai dei buoni protagonisti senza un intreccio decente non vai da nessuna parte, e anche in questo caso Alien: Romulus è ben carrozzato perché, grazie a premesse semplici ma ben sviluppate, il film tiene incollati alla sedia per le sue due ore scarse di durata, trasmettendo un senso di urgenza e tensione continui, che non finiscono nemmeno quando pensi di poterti rilassare e dici “ok, è fatta”.

Nossignore. Qui si soffre fino ai titoli di coda.

Ci sarà pure meno filosofia, meno voglia di alzare il tono delle tematiche, ed è un Alien che vuole chiaramente tornare a fare quello che Alien sa fare meglio, e va benissimo così, perché ci riesce alla grande.

Vi giuro, per la prima parte di film avevo in mente “ti prego, non mandare il film, in vacca, ti prego, vai avanti così, che va bene”, e niente, sono stato esaudito. Questo a proposito del partire con zero aspettative.

Qualche parola mi preme spenderla anche per l’estetica di questo film, che reputo estremamente riuscita. È sporca, rozza, fangosa, e i colori dominanti per la maggior parte del tempo sono il nero, il giallo e il rosso, un rosso caldo e cattivo, che non lascia scampo e non ti fa rilassare, già che ce n’era bisogno.

E rosso è anche il sangue ovviamente; infatti, il film ha una vena horror importante, più marcata degli ultimi film della saga, e va benissimo perché non è buttata lì tanto per, ma è invece un pilastro importante attorno al quale è costruito il ritmo della pellicola.

Xenomorph in 20th Century Studios’ ALIEN: ROMULUS. Photo courtesy of 20th Century Studios. © 2024 20th Century Studios. All Rights Reserved.

Due paroline sugli effetti speciali: la produzione si è affidata parecchio ai cari, vecchi trucchi del mestiere piuttosto che abusare della CGI, e l’effetto è molto riuscito, rievocando le atmosfere e la “realtà” delle prime pellicole; unico effetto stonato una CGI non eccellente su un volto che…vabbé, capirete quando lo vedrete, altrimenti sarebbe spoiler.

In conclusione

Mi sono alzato dalla poltroncina dopo queste due ore di tensione con la miglior faccia da “Obama soddisfatto” e con il “Finalmente!” di cui sopra sulla punta della lingua.

Questo film torna al cuore di ciò che Alien sa fare meglio, e lo fa molto bene, spazzando via quel senso di insoddisfazione che mi avevano lasciato, ormai da lungo tempo, le iterazioni del franchise su grande schermo. È un film di fantascienza orgogliosamente horror, e tanto mi basta.

Quella famosa lista dei nove punti che non mi avevano convinto di Alien: Covenant, beh, smentita, punto per punto.

Forse è bene che Ridley Scott abbia affidato la sua creatura a qualcuno che diceva di avere idee giuste, e non aver voluto interferire: bisogna avere il coraggio di lasciar andare.

Alien: Romulus vi attende al cinema dal 14 agosto, io ve lo consiglio.

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Nerdando in breve

Alien torna al cinema, e finalmente lo fa in modo convincente. Alien: Romulus è un film di fantascienza horror fatto come si deve.

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Un mese bello ricco quello di Eagle Pictures, che ci svela le sue novità home video di marzo 2022. Ci sarà spazio per novità freschissime, grandi classici e intramontabili cult.

Per cominciare, direttamente dalla corsa agli Oscar 2022, arriva House of Gucci (che quest’anno ha centrato la doppia candidatura, essendo presente anche tra i nominati ai Razzie 2022). Il film diretto da Ridley Scott e interpretato da Adam Driver, Lady Gaga, Al Pacino e Jared Leto e ispirato alla storia vera che coinvolse la casa d’alta moda arriva in DVD, Blu-Ray, doppio disco Blu-Ray + 4K e in una esclusiva Steelbook completa di block notes. Lo troverete a partire dal 23 marzo.

Arriva invece a partire dal 3 marzo Chi è senza peccato – The Dry, thriller con Eric Bana tratto dal romanzo pluripremiato di Jane Harper. Lo troverete in DVD e Blu-Ray.

La data da segnare è il 23 marzo, invece, per Scompartimento n.6, il film che racconta un poetico viaggio su un treno che segnerà il destino di due sconosciuti e vincitore del Gran Premio della Giuria all’ultimo Festival di Cannes. I formati disponibili saranno DVD e Blu-Ray.

Due interessanti novità anche per la collana 4Kult, che propone ogni mese grandi classici ed indimenticabili cult della storia del cinema in versione restaurata in 4K. Questo mese, se siete patiti dell’action, non potrete resistere al richiamo di John Wick, primo capitolo della saga interpretata da Keanu Reeves che sarà disponibile a partire dal 23 marzo in edizione speciale a tiratura limitata 4K Blu-Ray insieme ad un’esclusiva card da collezione.

Sempre per 4Kult e sempre a partire dal 23 marzo sarà la volta anche di La La Land, il sognante film sul cinema e la musica diretto da Damien Chazelle e interpretato da Emma Stone e Ryan Gosling. L’edizione speciale a tiratura limitata sarà disponibile in 4K Blu-Ray insieme ad un’esclusiva card da collezione.

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Disney+

Il mese del Natale e alle porte e niente di meglio di un film o una serie TV da gustarsi in compagnia per riunire la famiglia.
Scopriamo le novità in catalogo di Disney+ per il mese di dicembre 2021, per vivere tutta la magia delle festività natalizie.

Serie

L’universo narrativo di Star Wars è in piena attività e questo mese è pronto a regalarci un nuovo prodotto seriale che promette grandi emozioni: The Book of Boba Fett. Prodotta da Jon Favreau, Dave Filoni e Robert Rodriguez, la serie si concentra sul famoso cacciatore di taglie e sarà in streaming a partire dal 29 dicembre.

Dal 1° dicembre arriva invece The Big Leap – Un’altra opportunità, dramedy che segue le vicende di un gruppo assortito di personaggi sfortunati che cercano di cambiare la propria vita partecipando a un reality show sulla danza.

Film

Dopo aver conquistato ottime recensioni nei cinema (nonostante al botteghino non si sia rivelato un grandissimo successo), il nuovo film di Ridley Scott arriva in streaming per tutti gli abbonati Disney+. The Last Duel, interpretato da Adam Driver e Matt Damon sarà disponibile a partire dal 1° dicembre.

Molti di noi ricordano l’episodio avvenuto in Thailandia nel 2018, quando un allenatore di calcio salvò i ragazzini della sua squadra che erano rimasti intrappolati in una grotta allagata. Quell’incredibile vicenda diventa ora protagonista di un intenso film documentario: The Rescue – Il salvataggio dei ragazzi sarà in streaming dal 31 dicembre 2021.

Lo abbiamo detto, dicembre è soprattutto il mese di Natale e, per l’occasione, Disney+ ci offre una ricchissima programmazione a tema costituita da grandissimi classici. Tra i film di Natale troverete infatti Mamma ho perso l’aereo, Mamma ho riperso l’aereo: mi sono smarrito a New York, Nightmare Before Christmas, A Christmas Carol, Frozen – Il regno di ghiaccio, Frozen 2 – Il segreto di Arendelle e tantissimi altri titoli.

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Era tanto tempo che non tornavo al cinema per un’anteprima stampa e direi che la ripartenza è stata col botto: The Last Duel sono 152 minuti di fiato sospeso, tensione, romanticismo, brutalità e un sacco di emozioni forti e contrastanti che mi hanno tenuta sveglia nonostante le poche ore di sonno alle spalle. Da persona con la palpebra pesante, quando un film riesce a intrattenermi per oltre un’ora, già ha vinto; se arrivo sveglia al finale, dev’essere davvero valido, ma questo qui mi ha proprio sconvolta e quindi ora vediamo di fare un attimo di chiarezza e di capire come mai.

Recensione

Ridley Scott dirige Matt Damon, Adam Driver, Jodie Comer e Ben Affleck in una storia drammatica e brutale ambientata nella Francia del XIV secolo. Il film è prodotto da 20th Century Studios e sarà al cinema dal 14 ottobre 2021. La storia si basa sull’omonimo libro di Eric Jager, edito in Italia da Bur Rizzoli.

Trama

The Last Duel racconta la vicenda di Marguerite Carrouges (Jodie Comer) che, stuprata, anziché adattarsi alla consuetudine dell’epoca (la quale prevedeva un tacito assenso), denuncia pubblicamente la violenza carnale subita.

Lì per lì non ci si rende conto che sia questa la vera trama del film, in quando la medesima vicenda è narrata da tre punti di vista differenti. Il primo è quello di Jean de Carrouges (Matt Damon), lo sfortunato scudiero del re di cui seguiamo le vicende in guerra, e che decide di difendere l’onore dell’amata moglie sfidando a duello il colpevole di tale oltraggio. Il secondo è quello di Jacques Le Gris (Adam Driver), che ci viene presentato come l’ex compagno d’armi di Carrouges, ora più incline a una vita agiata, che, innamorato di Marguerite, non riesce a resistere alla passione del suo sentimento convincendo la donna amata a concedersi a lui. Il terzo è infine quello di Marguerite, che ripropone non solo la vicenda narrata nel suo svolgimento, ma anche il ritratto non più così romanzato dei due precedenti narratori, ora descritti più realisticamente come pessime persone.

Manco a dirlo, “l’Ultimo Duello” del titolo è quello che si svolgerà fra i due uomini, riprendendo ipotesi a lungo sostenute sull’ultimo duello autorizzato in Francia.

Resa

Magistralissima Jodie Comer. Tutto il cast bravissimo, per carità, lodi ed encomi non si sprecano: ciascun personaggio riesce a mostrarsi vittima e carnefice della stessa vicenda a seconda del narratore, riuscendo a mettere in scena lo stesso personaggio, che compie le medesime azioni, con gli stessi panni, negli stessi attimi, ma con quella sottile differenza che stravolge completamente l’ottica con cui la si racconta. Soprattutto Damon, da marito fedele e amorevole riesce a ricostruire il ruolo di un uomo possessivo e violento, dalla cui moglie è attratto unicamente per vanità e desiderio di generare un erede maschio. È impressionante vedere come, pur mantenendo invariati abiti, taglio di capelli e cicatrice sul volto, riesca con una sola occhiata a connotare in modi diametralmente opposti il personaggio che interpreta.

Ma Jodie Comer, mi ha obbligata a distogliere lo sguardo dalla scena. Si è immedesimata talmente tanto nella parte, che durante la scena della violenza ho avuto il forte desiderio di mandare avanti veloce, saltare il passaggio, arrivare subito al dopo. Invece no, Scott ci obbliga a guardare, a essere spettatori di una violenza drammatica e brutale di cui è proprio il dramma l’unica parte che viene resa esplicita. “Non si vede nulla” ma si vede tutto: lacrime, una bocca che rimane aperta per lo sgomento, incapace di muoversi per l’inerzia che subentra dopo la disperazione. Lacrime, sconforto, paura di denunciare, coraggio di denunciare. Senza paura, il coraggio è solo un modo di agire di persone impavide e avventate. Agire nonostante la paura, questo sì che è coraggio, e Jodie Comer ne imprime ogni minima sottigliezza in modo disarmante.

Poi sì, belli i costumi, i paesaggi, i castelli, la luce e tutto il resto. Diciamo che ero così presa dalla trama che non ho prestato particolari attenzioni ai dettagli, ma sicuramente non ci sono state grosse stonature o me ne sarei accorta, presumo. Tuttavia, va anche detto che non sono una cultrice di storia medievale: non so se sia accurato dal punto di vista della verosimiglianza di scenografie e costumi, però sicuramente rendeva l’idea di una Francia alle prese con la guerra dei Cent’anni. Se poi amate la storia e volete fare le pulci ad armature, abiti e ricostruzioni storiche, fate pure.

Conclusione

The Last Duel mi è piaciuto? Sì, molto. Lo riguarderei? Non penso proprio. Bello, sicuramente ricco di emozioni forti ben rese e coinvolgenti, ma non il tipo di emozioni con cui personalmente amo empatizzare quando mi metto a guardare un film. Mi piacciono molto i film d’azione e di fantascienza (e quelli con i mostri grossi), ma quando ci sono in ballo storie vere e drammatiche, se posso, distolgo lo sguardo.

Inoltre, questo è un film ambientato più o meno nel ventennio 1370-1390, eppure non riuscivo ad accettare le immagini che avevo di fronte pur sapendo che i fatti narrati, all’epoca, erano socialmente accettati. La rabbia verso quanto accadeva, la delusione di scoprire, man mano che il film procedeva, che tutti i personaggi apparentemente solidali con la protagonista erano in realtà ancor più meschini di quanto immaginassi, sono sentimenti con cui non vado molto d’accordo.

Tuttavia, come vi dicevo all’inizio, se un film riesce a tenermi così tanto incollata allo schermo, a farmi arrabbiare, intenerire, piangere, arrabbiare di nuovo e poi uscire dalla sala con addosso il residuo di tutte queste emozioni contemporaneamente, non si può dire che non abbia intrattenuto, e principalmente questo mi aspettavo che avrebbe fatto. Quindi “ci sta”.

Poi oh, i combattimenti erano splatter a sufficienza, avrei potuto limitarmi a dire questo e tanto mi sarebbe bastato per promuoverlo come film meritevole di essere visto, quantomeno da persone poco suggestionabili. Se lo siete, andate a vederlo, che poi magari ne riparliamo.

Nerdando in breve

Uno stupro raccontato da tre punti di vista differenti nella Francia del XIV secolo, ossia secoli prima che fosse ritenuto un crimine contro la persona. Il marito la cui moglie viene violentata, il violentatore e, astutamente solo infine, la violentata, raccontano la stessa vicenda in modi concordi ma sufficientemente diversi da poter raccontare tre storie differenti, il cui finale però è uno solo, e non sarò certo io a dirvi quale.

E Ben Affleck?

Il ruolo di Ben Affleck all’interno del film è paragonabile a quello di questo paragrafo all’interno della recensione: c’è, ma è abbastanza marginale rispetto a tutto il resto. Nella seconda narrazione del fatto, riveste i panni dell’aiutante del protagonista (che in quel momento è Le Gris), solo che poi c’è la terza, quella di Marguerite, e a lui resta solo il ruolo di spettatore passivo.

Trailer

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Autunno 2021

Ci siamo, è il momento di tornare al cinema. Il grande schermo ci è mancato come l’aria, in questa lunga epoca pandemica ma adesso sembra proprio arrivato il momento di riprendere possesso della sala cinematografica, pur con qualche piccola limitazione.

E le case di distribuzione, in effetti, non si sono fatte attendere e per i prossimi mesi promettono di sfornare più di una pellicola interessante. Andiamo allora a scoprire il cinema per l’autunno 2021, da qui fino a dicembre.

Settembre

Il primo mese d’autunno 2021 si è aperto sotto i migliori auspici e, al momento in cui scrivo, sono già usciti alcuni titoli da non perdere. Il primo è stato senz’altro Dune, per il quale c’era sicuramente moltissima attesa. Il film diretto da Denis Villeneuve a partire dal romanzo di Frank Herbert è interpretato da un cast di stelle, tra cui Timothée Chalamet, Zendaya, Oscar Isaac e Josh Brolin. È uscito in Italia il 16 settembre e sembra aver soddisfatto le aspettative di chi sperava nel riscatto dopo il drammatico lungometraggio diretto nel 1984 da David Lynch.

È uscito il 23 settembre, invece, Space Jam: New Legends, sequel del cult a base di Looney Toons e basket interpretato da Micheal Jordan nel 1996. Questa volta a sfidare il mondo dei cartoni animati a colpi di schiacciate a canestro è LeBron James, per un film che è stato stroncato dalla critica oltreoceano. Ma, diciamocelo, Space Jam ci fa battere il cuore e andremo lo stesso tutti a vederlo.

Il mese si conclude poi con l’agente segreto più famoso del mondo: No Time to Die (o Bond 25) arriva finalmente, dopo rinvii su rinvii, nelle sale italiane a partire dal 30 settembre. In cabina di regia c’è Cary “True Detective” Fukunaga e a vestire i panni di James Bond c’è per l’ultima volta Daniel Craig. Aggiungiamoci anche che parte delle riprese si è svolta nella splendida cornice di Matera e il gioco è fatto.

Ottobre

Ottobre ci regalerà emozioni di ogni genere. A partire dal 14 ottobre, data in cui usciranno due film che più diversi non si potrebbe. Il primo è The Last Duel, (pen)ultima fatica di Ridley Scott ambientata nel medioevo e interpretata da Ben Affleck, Matt Damon e Adam Driver.
A partire dalla stessa data troverete Venom: La furia di Carnage, che vedrà tornare Tom Hardy nei panni del villain di Casa Marvel, affiancato stavolta da Woody Harrelson nei folli panni di Carnage.

Il 21 ottobre avremo poi modo di prepararci alla festa delle streghe con Halloween Kills: diretto da David Gordon Green e interpretato dall’inossidabile Jamie Lee Curtis è il secondo capitolo del reboot/sequel del 2018 che ha dato nuova linfa alla saga di Micheal Myers.

Il mese si conclude con un gioiellino di casa nostra: Freaks Out, nuovo film di Gabriele Mainetti (Lo chiamavano Jeeg Robot) con Aurora Giovinazzo, Pietro Castellitto, Claudio Santamaria e Giorgio Tirabassi ci porta indietro nel tempo fino alla Seconda Guerra Mondiale in compagnia di un circo itinerante di personaggi dotati di poteri particolari. Arriverà in sala il 28 ottobre.

Novembre

Il mese più ricco tra quelli in arrivo è però sicuramente quello di novembre, che ci porterà anche alcuni dei titoli che aspetto di più in assoluto.

Si comincia il 3 con Eternals, ultima fatica del Marvel Cinematic Universe che lascia intendere una svolta autoriale grazie alla regia della Premio Oscar Chloé Zhao. Nel cast Richard Madden, Angelina Jolie, Kit Harington e Salma Hayek.

Il 4 novembre, invece, arriverà il film che mi ha rubato il cuore già dai primi trailer: Ultima notte a Soho, nuovo film di quel genio di Edgar Wright (qualcuno ha sentito parlare della Trilogia del Cornetto?) che promette suspense, brividi e colpi di scena. A dare volto ai protagonisti sono Anya Taylor-Joy (La regina degli scacchi), Thomasin McKanzie (Jojo Rabbit) e Matt Smith (The Crown).

L’altro pezzo da novanta del mese è senza dubbio Ghostbusters: Legacy, l’attesissimo sequel del franchise degli Acchiappafantasmi. Diretto da Jason Reitman, il film è interpretato da Paul Rudd e Finn Wolfhard ma promette anche apparizioni del cast storico (Bill Murray, Dan Aykroyd, Sigourney Weaver, Ernie Hudson, Annie Potts) e sembra davvero aver catturato lo spirito di Ghostbusters. Per scoprire se ha colto nel segno, dovremo aspettare l’11 novembre.

Nella stessa data, per gli amanti delle eleganti simmetrie del cinema di Wes Anderson il titolo da segnalare è The French Dispatch. L’ultima fatica del regista texano promette di essere un omaggio al mondo del giornalismo e vanta un cast di stelle, tra cui possiamo ricordare Timothéè Chalamet, Adrien Brody, Willem Dafoe, Saoirse Ronan, Tilda Swinton, Bill Murray e Owen Wilson.

Dicembre

Per concludere, a dicembre saranno molti i titoli interessanti in compagnia dei quali potremo scegliere di festeggiare un Natale a tutto cinema. Una scelta potrebbe essere Diabolik, trasposizione in pellicola del celebre ladro creato dalle sorelle Giussani. In cabina di regia, un’altra coppia di fratelli, i Manetti Bros., per un film interpretato da Luca Marinelli, Miriam Leone e Valerio Mastandrea.

Nella stessa data usciranno altri due film che si preannunciano interessanti. Il primo è House of Gucci, rivisitazione a firma Ridley Scott di una delle vicende più oscure della moda. A dare volto ai protagonisti saranno Lady Gaga, Adam Driver, Jared Leto, Jeremy Irons, Salma Hayek e Al Pacino.
Arriverà anche il West Side Story di Steven Spielberg, musical che promette di essere ancora più fedele al libretto originale di quanto ha fatto il film del 1961 con Natalie Wood.

Infine, per chiudere l’anno in bellezza, il 29 dicembre è previsto l’arrivo in Italia di The King’s Man – Le origini, terzo capitolo della fortunata saga cinematografica ispirata ai fumetti di Mark Millar. A dirigere c’è ancora una volta Matthew Vaughn e i protagonisti sono incarnati da Ralph Fiennes, Daniel Bruhl e Djimon Hounsou.

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NerdandoSu Marte

Come saprete se siete appassionati di spazio (ma anche se guardate un TG ogni tanto) Perseverance, la sonda inviata dalla NASA su Marte, è atterrata con successo sulla superficie del Pianeta Rosso proprio alla fine di febbraio scorso.

Per celebrare questo importante traguardo, abbiamo deciso di dedicare il nostro NerdandoSu proprio a Marte e a come è stato ritratto nei media più disparati. Oggi vi porto con me in un viaggio sul Pianeta Rosso, attraverso i film che lo hanno scelto come protagonista.

Piccola precisazione: noterete sicuramente l’assenza di John Carter. Ho preferito non considerarlo, perché sull’argomento vi ha già detto tutto quello che c’è da sapere il nostro Giakimo.

Adesso fate partire Life on Mars di David Bowie in sottofondo e tuffatevi nella lettura.

Atto di forza

È vero, esistono due film tratti dal racconto breve di Philip Dick Ricordiamo per voi. Ma io ho deciso di raccontarvi quello del 1990 di Paul Verhoeven e interpretato da Arnold Schwazenegger e Sharon Stone perché è un cult e perché ci sono affezionata.

Tra i film più famosi ambientati su Marte, Atto di forza si svolge in un 2084 in cui Marte non solo è stato raggiunto con successo dall’essere umano ma è diventato una vera e propria colonia terrestre.
Arnold Schwazenegger interpreta Douglas Quaid, operaio edile ossessionato dall’idea di visitare Marte. Pian piano, però, scoprirà un passato personale legato al pianeta rosso che era stato rimosso dalla sua memoria.
Il film è stato premiato con il Premio Oscar per i migliori effetti speciali nell’edizione del 1991.

Sopravvissuto – The Martian

Nel 2015 Ridley Scott, uno che di angosce spaziali se ne intende, decideva di portarci su Marte in compagnia di Matt Damon.
La missione NASA Ares 3 sul Pianeta Rosso è costretta a ripartire in tutta fretta per via di una terribile tempesta. Durante l’evacuazione l’astronauta Mark Watney viene separato dalla squadra e, dato per morto, si ritrova abbandonato su Marte. Dovrà darsi da fare per sopravvivere.

Il film è stato premiato con un Golden Globe per il miglior film commedia o musicale e uno per il miglior attore in una commedia o film musicale.

Mars Attacks!

Altro film a cui sono affezionatissima è Mars Attacks!, diretto nel 1996 da Tim Burton a partire da una popolare serie di figurine anni Sessanta e interpretato da Jack Nicholson, Micheal J. Fox, Glenn Close, Pierce Brosnan, Natalie Portman, Sarah Jessica Parker, Martin Short, Annette Bening e Tom Jones.

Commedia nera che nasce come parodia dei B movie di fantascienza anni Sessanta, Mars Attacks! racconta con grande ironia e cinismo un’invasione aliena da parte di crudeli e astuti marziani.

Mission to Mars

Anche un maestro della suspense come Brian De Palma ha voluto confrontarsi con Marte e il suo fascino. Lo ha fatto nel 2000 con Mission to Mars, interpretato da Gary Sinise, Tim Robbins e Don Cheadle.
Ambientato nel 2020, il film segue la prima missione spaziale con equipaggio umano inviata su Marte. Le cose però si complicheranno più del previsto.

Mission to Mars non è stato un grande successo, anzi: per la sua regia Brian De Palma ha ricevuto una candidatura ai Razzie Awards di quell’anno come peggior regista (senza tuttavia vincere: fu battuto da Roger Christian per il terribile Battaglia per la Terra – Una saga dell’anno 3000).

Fantasmi da Marte

Non è la sua opera migliore, ma come si può lasciare John Carpenter fuori da questa cinquina?
Nel 2001 il regista porta Jason Statham e Ice Cube sulla superficie del Pianeta Rosso per una audace commistione di horror e western (e fantascienza, ça va sans dire).
In un Marte perfettamente terraformato del 2176, una poliziotta e un prigioniero si troveranno alle prese con spettri vendicatori.

Curiosità interessante: il film doveva essere incentrato sul personaggio di Jena Plissken ma, visto lo scarso successo di Fuga da Los Angeles, si preferì cambiare idea.

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Donne toste al cinema

Film, serie TV, videogiochi, libri, animazione: le forme di intrattenimento sono costellate di protagoniste femminili emancipate, in gamba e intriganti.
Dopo avervi ricordato alcune tra le migliori protagoniste del panorama videoludico, mostrato le nostre eroine della TV preferite e presentato le donne regista della storia, per la festa della donna 2020 abbiamo pensato di passare in rassegna le più memorabili donne toste del panorama cinematografico.

Il mondo del cinema è da sempre capace di creare figure femminili in grado di imprimersi nella mente dello spettatore e, di fatto, la scelta è quanto mai ampia. Per la nostra lista, quindi, abbiamo deciso di escludere tutti i personaggi che provengono da altri media e solo in un secondo momento hanno preso vita al cinema. Non troverete, quindi, protagoniste di libri, fumetti o ispirate a figure reali ma solamente eroine che sono nate direttamente sul grande schermo.

9. Juno (da Juno, 2007)

Anticonformista, sicura di sé e in grado di non lasciarsi influenzare dall’opinione comune, Juno è la protagonista dell’omonimo film diretto da Jason Reitman e ha le fattezze della talentuosa Ellen Page. Premiato agli Oscar per la migliore sceneggiatura originale, il film racconta le vicende dell’adolescente Juno che, rimasta incinta alla prima esperienza sessuale, decide di portare avanti la gravidanza e far adottare il nascituro.
Buona scrittura, verve e colonna sonora stupenda fanno da contorno a una protagonista iconica.

8. Maria (da Metropolis, 1927)

Poteva nel 1927 il cinema dare spazio a una protagonista femminile non stereotipata e al centro dell’azione? Poteva, se a dirigere c’era Fritz Lang. In Metropolis la giovane Maria è la guida spirituale e politica degli oppressi nel futuro distopico che ci viene mostrato.
Nonostante gli anni, il film è all’avanguardia per la presenza femminile ma è anche uno dei migliori esponenti del cinema espressionista e fonte di ispirazione per gran parte del cinema di fantascienza moderno.

7. Thema e Louise (da Thelma & Louise, 1991)

Doppietta in settima posizione per la coppia tutta al femminile più iconica della storia del cinema. Susan Sarandon e Geena Davis interpretano due amiche che intraprendono un viaggio che si trasforma presto in fuga per la libertà a bordo di una Ford Thunderbird.
Premiato con l’Oscar alla migliore sceneggiatura originale, il film diretto da Ridley Scott è  tuttora un capolavoro insuperato sul desiderio di libertà.

6. Shosanna Dreyfus (da Bastardi senza gloria, 2009)

Interpretata da Mélanie Laurent, Shosanna Dreyfus è uno dei personaggi più riusciti e iconici del capolavoro di Quentin Tarantino Bastardi senza gloria.
Nell’ucronia immaginata dal regista, Shosanna è una giovane ragazza ebrea che, scampata al massacro della sua famiglia, coglie un’occasione propizia per potersi vendicare dei nazisti.
Premiato con un Oscar al miglior attore non protagonista (Christoph Waltz nei panni del Colonnello Landa), per me resta il miglior Tarantino finora.

5. Leila Organa (da Guerre Stellari, 1977)

Perfettamente interpretata da Carrie Fisher, la Principessa Leila è l’unico personaggio femminile presente nella prima trilogia cinematografica creata da George Lucas ma riesce a rappresentare al meglio le donne.
Caparbia, scaltra, indomita e tenace, Leila è in grado di cavarsela in qualunque situazione e di guidare al meglio la Ribellione prima e la Resistenza poi.
Una vera eroina.

4. Beatrix Kiddo (da Kill Bill: Volume 1, 2003)

Quentin Tarantino sembra essere parecchio bravo a tratteggiare donne forti e indipendenti, tanto che appare due volte nella nostra lista. La Sposa, interpretata da Uma Thurman, è un personaggio a tutto tondo, temibile e inarrestabile nel suo proposito di vendetta.
Un personaggio che è rimasto nella storia del cinema.

3. Imperatrice Furiosa (da Mad Max: Fury Road, 2015)

Diretto da George Miller, il film è stato tra le rivelazioni dell’ultimo decennio cinematografico e vanta tra i protagonisti una splendida figura femminile interpretata da Charlize Theron.
In un futuro distopico in cui le risorse sono praticamente esaurite e l’umanità è regredita ad un livello praticamente tribale, Furiosa è una fiera combattente, che non si tira indietro nel difendere le donne della Cittadella.
L’incarnazione dei valori femministi, quelli veri.

2. Sarah Connor (da Terminator, 1984)

Creata dalla mente di James Cameron e protagonista di uno dei migliori film mai girati, Sarah Connor si ritrova ad essere, da ragazza comune, l’ultima speranza dell’umanità nel futuro distopico dominato dalle macchine.
Interpretata da Linda Hamilton, sa tirare fuori i muscoli e competere con i terribili cyborg inviati per ucciderla.

1. Ellen Ripley (da Alien, 1979)

Ancora Ridley Scott a dirigere uno dei capisaldi della fantascienza. Alien e Aliens – Scontro finale (diretto invece da James Cameron) portano sullo schermo la protagonista femminile senza dubbio più tosta e carismatica del cinema. Interpretata da Sigourney Weaver, qui al suo primo ruolo importante, rappresenta tuttora una delle migliori eroine mai apparse su celluloide.
E pensare che Ripley non doveva essere nemmeno una donna…

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È stato, e per molti versi lo è ancora, il mio film preferito. Una pietra miliare del mio avvicinamento al mondo nerd, e manifestazione di un certo tipo di fantascienza, disperata e malinconica, nichilista e rassegnata, che ha sempre incontrato le mie corde.
Non potevo quindi esimermi dallo scrivere un pezzo su questo capolavoro assoluto che, nonostante gli anni, non accenna a dar segni di invecchiamento.

Ora che è arrivato il novembre 2019, in cui è ambientato il film, ecco quindi nove motivi per amarlo, riscoprirlo e viverlo ancora una volta.

I lavori in pelle

Chi vuole un replicante in casa? Non un elettrodomestico, stile uomo bicentenario, ma proprio uno come Pris (Daryl Hannah) con cui fare le peggio cose a nostro uso e capriccio?
Tanto sono oggetti, giusto?

Ecco il motore della storia: gli elettrodomestici iniziano ad avere le palle piene degli umani. Sono i nuovi schiavi, hanno cinque anni di vita, e durante questi anni devono obbedire senza fiatare agli umani che li hanno creati.
Peccato che siano superiori a loro in tutto, e nel momento in cui se ne rendono conto, per noi mortali sono dolori.
Si comincia con pochi ribelli, si finisce con Skynet.

È la grande metafora che nasconde malamente la storia dell’umanità: il più forte comanda e sfrutta il più debole, anche se poi debole non è. E quando si ribella, l’uomo è costretto a cambiare le proprie posizioni. È già successo, molte volte. Continuerà a succedere.

La fotografia

Una delle due cose più belle ed emozionanti di questo film. La pioggia incessante, le luci al neon, la sovrappopolazione, l’inquinamento incessante. Blade Runner è ambientato in un mondo malato, morente, disperato. Ovunque spazi lo sguardo, tutto è morto o morente, privo di speranze, che si trascina come può in attesa della propria fine.

Vangelis

E questa è la seconda: la colonna sonora dei Vangelis, e in primis il sax di “Love theme from Blade Runner”, sono entrati di diritto nella storia della musica (e delle colonne sonore). Difficile immaginare un connubio meglio riuscito tra questa fotografia e questa colonna.
Capolavoro assoluto.

Dammi una copia su carta di questo

Ammettiamolo: chi mai non ha desiderato avere una macchina fotografica tridimensionale che ti consente di entrare nelle foto, girare gli angoli, spostare i soggetti, e vedere dietro?
Tra le tante cose fenomenali del film, questa è la più eclatante a mio avviso, e quella che vorrei avere sul comodino.

7 versioni per un delitto

Il delitto ovviamente è quello di aver tolto la voce narrante. Lo so, sto andando controcorrente, fuori dal coro, bestemmie e blasfemie e come se non bastasse Ridely Scott mi maledirà in eterno.
Pazienza: sono cresciuto con la primissima versione, quella con il voiceover che ti accompagna passo per passo in un film davvero di difficile comprensione, e quella è la MIA versione di Blade Runner.
Non che le altre non mi piacciano e ammetto che Harrison Ford ha recitato quel voiceover davvero male… ma non il suo doppiatore, che ha invece contribuito a renderlo a tutto tondo.
E poi a me è piaciuto il lieto fine.

Sette versioni, quindi, tra director’s cut, final cut, domestic cut, international cut… Unicorni che entrano o escono di scena, occhi che brillano o che non lo fanno. Insomma: ignorate le 5 in mezzo e guardatevi solo la prima e l’ultima, ove a parte il finale tagliato e il già citato voiceover, a cambiare è la natura di Deckard: umano nella prima (innamorato di un androide in fuga verso una vita normale), replicante nell’altra (mano per mano verso un destino comune con l’altra replicante e verso una fine repentina).

Lacrime nella pioggia

Alzi la mano chi non ha mai sentito, almeno una volta, lo struggente monologo finale di Roy, a cui il compianto Rutger Hauer ha dato il proprio contributo manipolando il testo.
È l’emblema del dramma dei replicanti, che poi è quello anche di noi umani: quando arriveremo alla fine dei nostri giorni e tireremo le somme di quanto fatto, anno dopo anno, la domanda che resterà è sempre la stessa “cosa resterà di noi“? Cosa resterà delle cose che abbiamo visto, vissuto, conosciuto?
È l’unico, enorme, mistero della vita. Non tanto se dopo ci sia o meno qualcosa, ma a cosa siano serviti anni di affanni se poi tutto deve finire, spegnersi, perdersi per sempre in un mare d’acqua in cui la nostra intera vita altro non è che un goccia destinata a perdersi.

Le curiosità

Nel corso di questi anni sono molte le curiosità che sono state raccolte sul film e sulla sua produzione. Ormai non sono un vero segreto per nessuno: dalle litigate tra Harrison Ford e Ridley Scott, agli occhi arancioni per i replicanti, o che il protagonista doveva essere Dustin Hoffman. Insomma: non fanno più notizia, e, a dirla tutta, questo sviscerare a tutti i costi le pieghe della produzione a mio avviso tende un po’ a snaturarne la magia.
La verità è che ogni film ha tonnellate di curiosità e particolarità, il fatto che stiamo parlando di un capolavoro fa sì che si vada a caccia di ogni particolarità che lo circonda.

Con questo è tutto, ma se non riuscite proprio a staccarvi e ne avete bisogno ancora ed ancora… beh, lasciate perdere il pessimo Blade Runner 2049 e recuperate invece il videogioco, targato anni ’90, in cui guideremo un blade runner a caccia di replicanti negli stessi ambienti del film, e con la stessa splendida voce narrante: Michele Gammino.
E oltretutto ci fa giocare con il test Voight-Kampf e la macchina fotografica 3D.

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40 anni di Alien

Nel 1979, esattamente 40 anni fa, usciva nelle sale cinematografiche Alien. Il geniale gioellino diretto da Ridley Scott era destinato ad entrare nella Storia e a regalare ancora oggi momenti di puro terrore con semplici e ben studiati elementi.
La pellicola fonde alla perfezione horror e fantascienza avvalendosi di una storia e una messinscena all’apparenza semplici eppure di grandissimo impatto. D’altronde, 40 anni dopo siamo ancora qui a parlarne.
Il successo di Alien è stato tale da dare vita ad un longevo franchise che prosegue ancora adesso, non solo al cinema (con un sequel, Aliens, al livello dell’originale ed una serie di lungometraggi di dubbio gusto) ma anche a fumetti, con le storie pubblicate in Italia da SaldaPress.

Per celebrare l’importante anniversario, abbiamo pensato di raccogliere qualche curiosità su Alien, il primo film che ha dato origine al mito.

Come nasce Alien

Soggetto e sceneggiatura di Alien sono firmati da Dan O’Bannon, che lavorava a questa idea fin dai tempi dell’università. Le origini del capolavoro fantascientifico, però, affondano addirittura…nella Seconda Guerra Mondiale: è in questa epoca che il film doveva essere inizialmente ambientato e doveva raccontare la storia di un Gremlin che si infiltrava all’interno di un bombardiere B-17.
L’idea però venne rivoluzionata dall’autore che, con l’aiuto dell’amico Ronald Shusett, spostò l’azione nello spazio profondo e nell’anno 2122, mantenendo però la situazione angosciante di essere rinchiusi in compagnia di una minaccia letale.
Con il titolo di “Star Beast“, lo script venne rifiutato da quasi tutte le case di produzione, attirando infine l’attenzione della 20th Century Fox nelle persone di Walter Hill (che inizialmente avrebbe dovuto essere anche regista del progetto) e David Giler, affascinati da “Lo Squalo ambientato nello spazio“.
I due contribuirono in maniera significativa a rimaneggiare e ultimare la sceneggiatura, aggiungendo il personaggio di Ash.

Questione di ispirazione

Alien è una storia che funziona alla perfezione ma, a ben guardare, non è nulla di particolarmente innovativo. L’ispirazione da alcuni cult della fantascienza è evidente e dichiarata, tra cui La cosa di un altro mondo (1951), Il pianeta proibito (1956), Il mostro dell’astronave (1958) e Terrore nello spazio (1965).
Ridley Scott ha dichiarato di essere stato influenzato dalla visione di Non aprite quella porta.

Ma tante ispirazioni di solito portano anche problemi e infatti non sono mancati nemmeno in questo caso: lo scrittore di fantascienza A.E. van Vogt citò per plagio gli autori del film, accusandoli di aver copiato il suo racconto del 1939 “Discord in Scarlet“. Alla fine le parti vennero ad un accordo economico.

Casting riusciti

Alien è la dimostrazione che un casting azzeccato può fare la differenza in un film. E nel caso specifico i responsabili ebbero carta bianca nella scelta degli attori visto che la sceneggiatura specificava che ciascun personaggio era unisex: poteva essere interpretato indifferentemente da un uomo o da una donna ed era indicato solo con il cognome.

Per il ruolo centrale di Ripley si optò per una donna e nello specifico per l’allora sconosciuta Sigourney Weaver, alla sua prima parte da protagonista in un film. L’attrice fu l’ultima ad essere scritturata, quando le scenografie erano già ultimate. L’interpretazione fu perfetta: la Weaver vide aprirsi davanti a sé una brillante carriera e ricevette il BAFTA come miglior attrice esordiente.

Inizialmente per Ripley era stata scritturata Veronica Cartwright, che alla fine ha interpretato Lambert. L’attrice venne a sapere del cambio di ruolo solamente quando arrivò sul set ed inizialmente non era convinta del nuovo personaggio e della sua fragilità. Scott riuscì a convincerla spiegandole che Lambert rappresentava la paura del pubblico, era un riflesso di quello che avrebbero provato gli spettatori in sala.

A completamento del cast, gli attori d’esperienza John Hurt e Ian Holm, Tom Skerritt (che prese il ruolo rifiutato da Harrison Ford) e Harry Dean Stanton, che si presentò all’audizione ribadendo che “non amava la fantascienza e neppure i film di mostri“. Scott lo convinse a prendere parte al film dicendogli che il suo Alien sarebbe stato più simile a Dieci piccoli indiani di Agatha Chrstie.

Buona la prima

Una delle voci più insistenti che girano intorno alla lavorazione di Alien è quella che vuole che al momento di girare la famosa scena dell’alieno che esce dallo stomaco di John Hurt, il cast fosse all’oscuro di quanto sarebbe successo.
È tutto vero: John Hurt e il cast tecnico erano gli unici a sapere nello specifico cosa avrebbero girato, mentre il cast artistico conosceva la scena solo a grandi linee e, nella sequenza mostrata al cinema, ha effettivamente reazioni spontanee e genuine.
Sigourney Weaver ha dichiarato successivamente che lei e i suoi colleghi avevano comunque intuito che sarebbe successo qualcosa di piuttosto forte, dal momento che i tecnici indossavano tutti degli impermeabili.

Lo Xenomorfo

In Alien rivestiva un ruolo centrale lo Xenomorfo, la creatura aliena che dà la caccia ai protagonisti. Era fondamentale, quindi, dare vita ad un essere credibile e minaccioso. Il concept della creatura è stato realizzato da H.R. Giger, scelto da Ridley Scott dopo che era rimasto affascinato dai suoi disegni. La Fox era restia a scritturare l’artista, temendo che il suo tratto risultasse troppo spaventoso per il pubblico, ma alla fine cedette alle insistenze del regista.
Giger creò una creatura dai tratti vagamente umani, corazzata e dotata di un paio di mascelle faringee da usare come arma; insistette inoltre perché lo Xenomorfo non avesse occhi, tratto che lo avrebbe reso ancora più spaventoso.

Carlo Rambaldi realizzò effettivamente il mostro, costruendo tre teste animatroniche: due per i primi piani e una per i campi lunghi. Il suo lavoro fu premiato con due premi Oscar per gli effetti speciali.
Ad interpretare l’alieno quando appariva per intero fu Bolaji Badejo, grafico scoperto in un pub che aveva le caratteristiche fisiche perfette per interpretare la creatura, essendo alto più di due metri e dotato di arti lunghi e sottili.

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Mute

La fantascienza sembra essere tornata di moda sul grande e piccolo schermo, in particolare nella sua variante cyber-punk e distopica.

E in questo filone si inserisce Mute, ambizioso progetto del regista Duncan Jones, distribuito su Netflix a partire dal 23 febbraio 2018.

Jones, figlio d’arte (suo padre era David Bowie), si era già fatto notare con lo sperimentale e acclamato Moon, per poi lasciare tutti perplessi con il decisamente meno ispirato Warcraft – L’inizio. Mute, secondo lo stesso regista, è un seguito spirituale proprio del riuscito Moon.

Il risultato, però, non è esattamente come mi sarei aspettata.

Trama

Il giovane Leo ha un’incidente in barca con la famiglia: il bambino si ritrova con le corde vocali gravemente danneggiate e, per salvargli la capacità di fonazione, sarebbe necessario un intervento chirurgico. La famiglia, però, rigidamente Amish, rifiuta.

Ritroviamo Leo, muto e ormai cresciuto, nel 2052 in una Berlino piovosa, cupa e distopica. L’uomo si guadagna da vivere facendo il barista in un club, nel quale conosce l’amore della sua vita: la cameriera Naadirah.

Quando la donna scompare in circostanze misteriose, Leo si mette sulle sue tracce, incontrando la propria strada con due chirurghi americani che collaborano con la mafia.

Recensione

Togliamoci il sasso dalla scarpa: Mute non è un film riuscito ma non è nemmeno un completo disastro; anzi presenta alcuni aspetti davvero interessanti e ben fatti che meritano di essere sottolineati.

In particolare l’ambientazione, davvero riuscita: la Berlino del futuro ricorda da vicino la città che abbiamo amato in Blade Runner, risultando un chiaro omaggio al cult di Ridley Scott.

La Germania del futuro, in Mute, è multietnica, affollata, eternamente cupa e caratterizzata da laser e bagliori. Perfino le automobili volanti e l’abbigliamento sembrano presi di peso da Blade Runner e, a livello visivo, l’ambientazione è una vera gioia per gli occhi e, come vi dirò tra poco, è anche l’aspetto che maggiormente conquista e coinvolge lo spettatore.

Pollice in alto anche per i protagonisti che, nonostante si trovino a recitare personaggi non troppo ben scritti, riescono a regalare grandi interpretazioni. In particolare Alexander Skarsgård che, dopo essersi fatto notare in Big Little Lies, riesce in Mute a nobilitare un personaggio che, altrimenti, non risulterebbe affatto empatico. Recitare senza parlare non è certo un compito facile ma Skarsgård merita di essere promosso.

Altrettanto da lodare sono gli interpreti dei due chirurghi americani: Paul Rudd, smessi i panni di Ant-Man, dà vita ad un personaggio ricco di chiaro scuri e Justin Theroux, irriconoscibile, si fa carico di un personaggio scomodo rendendolo estremamente umano. Simpatica, poi, la comparsata di Dominc Monaghan (che i fan di Lost e de Il Signore degli Anelli ricorderanno bene).

Qui però, purtroppo, finiscono gli aspetti positivi, soffocati dai troppi difetti: in particolare una scrittura confusa, affatto coinvolgente, che fatica a decollare. La storia procede lenta e caotica, come se nello scriverla non fosse stata posta la giusta attenzione.

Il risultato è un film dimenticabile, salvato appena dall’ambientazione magnifica non adeguatamente sfruttata e da una triade di ottimi attori alle prese però con personaggi incompleti.

Un vero peccato, perché Mute aveva del potenziale e poteva dare nuova linfa ad un genere fecondo in cerca di rinnovamento. Le produzioni originali Netflix, nonostante la grande accuratezza per le serie TV, continuano purtroppo a lasciare a desiderare quando si parla invece di lungometraggi.

Nerdando in breve

Mute è un film ambizioso con un’ambientazione cyber-punk da paura che finisce però per essere soffocata da una storia caotica e confusionaria.

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