Questo mese avete aperto le uova per poi scoprire il solito braccialetto di plastica? Beh, qui troverete qualcosa di decisamente più interessante: ecco il #NerdandoConsiglia di Aprile 2026!

Replaced

Zeno2k: Un action platform cyberpunk in pixel art.

Un’intera recensione che potrebbe finire in una sola riga.

Da aggiungere invece: disponibile su Game Pass.

Personalmente ha tutto quel che mi aspettavo: ambienti distopici, trama soffocante, personaggi disperati, hacking, AI… il tutto con quel fascino retrò che non guasta mai.

The Thaumaturge

Zeno2k: Il fascino della prospettiva isometrica in una Varsavia di inizio secolo, tra mutamenti sociali, crisi politiche e misticismo.

In questo rpg fantasy polacco con combattimenti a turni, missioni secondarie, esplorazione, investigazione ed entità soprannaturali.

Lo avevo puntato da tempo, ed ora è disponibile su Game Pass, un’occasione ghiotta per tuffarsi in questo universo narrativo intrigante e non troppo complesso.

Hansa Teutonica – Big Box

Cavaliere: Se Hansa Teutonica fosse stato pubblicato in Italia quest’anno, probabilmente gli avrei dato il mio Award per il gioco da tavolo. Si tratta della riedizione del grande classico di Andreas Steding originariamente pubblicato nel 2009.

Hansa Teutonica rientra nella categoria dei giochi all’europea ma rimane fresco, visto che nonostante utilizzi meccaniche familiari riesce a offrire un’esperienza unica nel suo genere. In pratica, dovremo occupare un’intera rotta commerciale tra due città per stabilire i nostri uffici o riscattare poteri che renderanno una delle nostre azioni più forti. Le tante possibilità offerte senza mai rendere Hansa Teutonica soverchiante, unite all’interazione data dal fatto che i giocatori si contenderanno le tratte più appetibili, rendono questo titolo una perla all’interno del genere.

Infine, un grande vantaggio è che è indipendente dalla lingua. Quindi il fatto che, al momento in cui scrivo, la versione italiana pubblicata da Ghenos sia introvabile non è un ostacolo!

Frieren – Oltre la fine del viaggio – Seconda stagione

frieren scena

Cavaliere: Ho dedicato una recensione NO SPOILER bella approfondita sulla seconda stagione di questo anime. Quindi in questa sede mi limito a dire che mi è piaciuta e che attendo la terza!

The People v. O. J. Simpson: American Crime Story

Cavaliere:  Una storia vera, grandi attori e focus sulle persone dietro a quello che fu il caso statunitense del secolo.

Ti consiglio di vedere la prima stagione di American Crime Story, dedicata a uno dei processi mediatici per eccellenza: quello che coinvolse l’ex stella del football americano O. J. Simpson.

La trovi su Disney+.

Dexter: New Blood

Hardcase: Indeciso se scrivere di un libro o di una serie Tv, questa volta ho optato per la seconda visto che è qualcosa che non faccio di rado. E, se è vero che poche locuzioni come “puntualmente in ritardo” sono in grado di descrivermi, è normale che, anche stavolta, finisca con lo scrivere di qualcosa che ha già “sul groppone” il suo bel numero di anni. 

Mentre, infatti, si fa un gran parlare della seconda stagione di Dexter Resurrection, io ho appena finito di vedere la mini serie precedente, dedicata al nostro serial killer preferito questa volta lontano dal gran caldo di Miami.

DNB rappresenta, per molti versi (almeno per le prime 2 o 3 puntate), un cambiamento quasi destabilizzante per il fan medio della serie. Via la misoginia, via il passeggero oscuro e via l’afa, quello che rimane è un ritratto spiazzante del protagonista principale. Ma ognuno di noi sa che, in fondo, tutto questo cambiamento non può durare per sempre  altrimenti, diciamocelo, che Dexter sarebbe?

Ciononostante, la serie rappresenta una bella sferzata, un vento (gelido) di novità che era assolutamente necessario per lo show. 

La regia, peraltro, è decisamente più ispirata delle ultime stagioni canoniche ed anche l’interpretazione dei personaggi principali e secondari è buona.

Certo stiamo pur sempre parlando di Dexter, quindi tra incongruenze di vario tipo, serve sempre una buona dose di sospensione di incredulità per godersi appieno lo spettacolo, ma, fatto questo, il risultato finale è soddisfacente. 

Gnarls Barkley – Atlanta

Hardcase: Quando si dice “fare le cose con calma”. 

Ci sono voluti 18 lunghissimi anni per poter tornare ad ascoltare qualcosa di nuovo di questo gruppo, ma neanche il tempo di gioirne che subito è arrivata la brutta notizia. “Atlanta” sarà il loro ultimo disco assieme, poi il duo, composto da Danger Mouse e CeeLoo Green, si scioglierà definitivamente.

Se ti stai chiedendo chi diavolo siano i Gnarls Barkley sappi che: a) non sei certo il solo; b) che nella tua testa gironzolano, inconsciamente, almeno un paio di loro hit.

Per dovere di cronaca i Gnarls Barkley hanno fatto irruzione sulla scena musicale nel 2006 sbaragliando la concorrenza con la trascinante Crazy, poi di lì hanno sfornato un paio di altri album di buon successo, tutti all’insegna del soul fuso all’elettronica. 

Atlanta prosegue lungo il solco già tracciato, ma abbandona l’easy listening per una maggiore profondità e qualità delle canzoni, con un risultato che a me pare eccellente.

Piccola curiosità in chiusura. 

Leggenda vuole che CeeLo Green, per la registrazione della parte vocale di Crazy, non certo facilissima, abbia avuto bisogno di un solo “take”. Niente male, davvero niente male. Peccato che poi, come uomo, abbia dimostrato di valere decisamente meno della sua voce.

Minishoot’ Adventures

Hardcase: Che ognuno di noi sia oramai perseguitato da un backlog lungo quanto la fila sulla A22 durante l’estate è un dato di fatto e questa è una delle ragioni per cui continuo a chiedermi perché si realizzino tutt’ora giochi da 100 e più ore.

Pur essendo un appassionato di RPG quando leggo che per completare un gioco bisogna buttarci dentro una quota abnorme del mio già scarno tempo libero, mi scoraggio al punto che neanche lo comincio. 

Per questa ragione, quando mi capitano titoli geniali che durano 8-10 ore esulto fanciullescamente.

Minishoot’ Adventures l’ho conosciuto e provato un po’ per caso, complice la sua presenza sul Game Pass. L’idea di tornare a sparare con un’ “astronavina” come nei vecchi cabinati, in un contesto metroidvania, mi ha subito soggiogato.

Il gioco nella sua essenza non è nulla di realmente rivoluzionario, ma unire un bullet hell coi fiocchi a meccaniche metroidvania, dedicando un’attenzione spasmodica ai dettagli è stata una scelta, secondo me, assolutamente vincente.

Gli sviluppatori, infatti, avrebbero potuto fare come tanti altri, diluire la qualità e la cura per il gioco in uno sproposito di ore e invece Minishoot’ è un concentrato di giocabilità e simpatia.

Io l’ho finito in 8 ore godendomi ogni singolo secondo!

Thelma

Kiarakala: Quante volte abbiamo ricevuto messaggi con scritto “Mamma/Papà, mi si è rotto il telefono, puoi mandarmi dei soldi su questo conto?” ? Se non si hanno figli è facilissimo capire che si tratta di un tentativo di truffa, ma se fossimo una dolce nonnina che stravede per il nipote, potremmo cascare in una di quelle dannate truffe telefoniche come la povera Thelma.

Thelma però non ci sta, non le piace essere stata ingannata e soprattutto non vuole che la sua famiglia la veda come una vecchia incapace da ricoverare in ospizio, per questo escogita un piano per riprendersi i suoi soldi.

Una commedia divertente con una protagonista incredibile che non si arrende all’età che avanza, così come il cast di attori ultra novantenni che non sembrano per nulla affaticati dal tempo. Un film che celebra la vita e che rappresenta un bellissimo rapporto tra nonna e nipote uniti dal desiderio di non essere considerati inutili.

Il film attualmente si trova nel catalogo di Netflix ed è ottimo se si vuole passare una serata leggera.

Something Very Bad Is Going To Happen

Tencar: miniserie di 8 puntate che trovi su Netflix. Sembra andare in una direzione e poi vira in maniera drastica: non voglio spoilerarti nulla ma guardala se ti piacciono le storie inquietanti.

Baby Reindeer

Tencar: altra miniserie che trovi su Netflix di 7 puntate che racconta la storia (quasi vera) di un aspirante comico e la sua stalker: è davvero molto, molto triste ma interessante. Assicurati di essere nel mood giusto.

Vampire Crawlers: The Turbo Wildcard from Vampire Survivors

Tencar: dannata Poncle che riesce in tutto quello che fa. Un dungeon crawler deckbuilder ambientato nell’universo di Vampire Survivors che riesce a intrattenerti in sessioni che dovrebbero durare trenta minuti. Dovrebbero, te l’assicuro, poi ti accorgi che è passata un’intera serata.

Tunic

Jedi.lord: È un piccolo rpg che non nasconde amore ed ispirazione ai vari Legend of Zelda del passato, con un’idea di base che mi ha lasciato divertito: quella di non dirti da subito come si gioca e lasciartelo scoprire pian piano, scoprendo…le pagine del manuale! Intrigante, divertente e anche carino da vedere: io l’ho provato perché lo avevo su PS Plus, un giro lo merita senza dubbio se ti piace il genere o anche se ti interessano le piccole perle al di fuori del mondo tripla A.

Zootropolis 2

Jedi.lord: Mica me lo aspettavo un sequel così divertente! Il primo Zootropolis mi era piaciuto da pazzi, e del secondo me ne avevano parlato come un sequel carino e niente più. Io invece mi sono divertito come non accadeva da tempo, alcune trovate sono assolutamente degne della grande tradizione Walt Disney Animation e il film è uno dei più piacevoli che ho guardato nell’ultimo periodo. Mai fidarsi troppo delle voci, sempre toccare con mano.

Halo: Combat Evolved

Jedi.lord: E quindi, Halo. Mi sono comprato il megabundle che si chiama Master Chief Collection di una saga che non mi è mai interessata, il perché non lo so nemmeno io. Forse per colmare una lacuna della mia carriera videoludica, fatto sta che ho cominciato il primo capitolo della serie e ora capisco perché fosse così celebrato. Risente un po’ del peso dell’età – come tutti noi, d’altronde – ma lo trovo divertente, in attesa di scoprire come prosegue la storia.

Forse mi sono ricordato: ho guardato un reel sui social a proposito dei più grandi momenti dei videogiochi, e tra gli altri era citato lo sbarco sul mondo ad anello. Ne valeva la pena.

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Abiura di Nerd – Una nuova rubrica tra musica e videogiochi

Musica e videogiochi sono senza ombra di dubbio due mie grandi passioni e da un po’ volevo dedicarmi a un progetto che si discostasse dalle recensioni ed è così che, ascoltando la canzone Abiura di Me di Caparezza, nasce questa idea: giocare tutti i giochi citati nella canzone e raccontarvi un po’ la loro storia e la mia esperienza di gioco.

Caparezza nei suoi pezzi dà sfogo al suo essere un nerd e condivide con l’ascoltatore le sue passioni, come l’arte nell’album Museica o i fumetti nel recentissimo Orbit Orbit. In Abiura di Me, il “Capa” cita numerosi giochi e console ormai considerati del passato, ma in molti casi si tratta di veri e propri classici come Crash Bandicoot, Super Mario e Metal Gear Solid; tuttavia, tra i titoli citati mi sono accorta che molti non li ho giocati e altri vorrei rigiocarli per vedere se con gli anni è cambiato qualcosa.

Quindi con quale gioco partiamo per quest’avventura?

Se pensi che possa cambiare il mondo ti sbagli alla grande.
È già tanto se mi cambio le mutande
Voglio solo darti un’emicrania lancinante
Fino a che non salti nel vuoto come uno stunt man
Pensavi che sparassi balle? Bravo!
Io sono il drago di Puzzle Bobble

Il primo gioco che troviamo nel testo è un titolo che appartiene alla mia infanzia videoludica e di cui ho spesso parlato durante le live de Il Cabinato delle Curiosità: Puzzle Bobble.

E allora sei pronto a fare questo viaggio nel passato insieme a me?

La storia di Puzzle Bobble

Puzzle Bobble è un titolo arcade rompicapo di Taito, nato nel 1994 come spin-off di Bubble Bobble, da cui provengono i due draghetti protagonisti, Bob e Bub. Un altro nome con cui potreste averlo conosciuto è Bust-a-Move, in quanto questo è il nome con cui è noto negli Stati Uniti e in alcuni paesi europei.

Il concetto alla base del gioco è abbastanza semplice ed è probabilmente grazie al suo essere così intuitivo che ha avuto successo e ha dato vita a un vero e proprio genere: i bubble shooter.

Puzzle Bobble rimarrà iconico per tanti motivi e tra questi sicuramente la sua musichetta che entra in testa e difficilmente ne esce.

Nell’area di gioco, tipicamente rettangolare, troviamo predisposte delle bolle colorate e per superare il livello dovremo farle scoppiare tutte. Per riuscirci dobbiamo sparare con un cannone le bolle, le quali esploderanno solo una volta che avranno formato gruppi da tre o più bolle dello stesso colore. La difficoltà del gioco è data dalla traiettoria delle bolle, per cui bisogna prendere bene la mira e usare con astuzia i rimbalzi sulle pareti, e soprattutto dal tempo, poiché ogni tot la nostra area di gioco si ridurrà e farà avvicinare le bolle alla base dell’area di gioco causando così il game over.

Una delle particolarità di Puzzle Bobble era che, oltre a sfidare la CPU, era possibile giocare con e/o contro un amico (o un bambino random incontrato in sala giochi), rendendolo ancora più divertente.

Il gioco ha avuto subito successo tra i cabinati e anche in Italia è diventato presto popolare, tanto da essere ricordato da tanti come uno dei primi giochi provati da bambini. Con l’arrivo e la maggiore diffusione delle console casalinghe come Super Nintendo o Game Gear e dei primi PC domestici, Puzzle Bobble è un titolo che non poteva assolutamente mancare, pertanto, Taito decise di puntare anche su questo tipo di mercato.

Il successo del primo capitolo spinge Taito a far uscire l’anno dopo, nel 1995, Puzzle Bobble 2, un altro successo che approda, prima sempre tra i giochi arcade, e in seguito pure su PlayStation, Nintendo 64 e Game Boy.

La meccanica di gioco rimane la stessa, ma vengono introdotti nuovi personaggi giocabili oltre ai due draghetti. Nel ’96 e poi nel ’97 escono rispettivamente Puzzle Bobble 3 e Puzzle Bobble 4, che è il capitolo a cui io sono maggiormente legata. Insomma, squadra che vince non si cambia e Taito continua ancora oggi a pubblicare ogni tanto nuovi capitoli con i due celebri draghetti, anche dopo l’acquisizione da parte di Square Enix, avvenuta nel 2005.

Puzzle Bobble 4 permetteva di scegliere tra diversi personaggi, ognuno proveniente da un regno diverso. Il mio preferito era il bimbo rana e il tuo?

In Italia, tuttavia, molti di questi giochi non sono mai arrivati, e la scomparsa dei cabinati nei bar e nelle sale giochi ha contribuito a rendere Puzzle Bobble un lontano ricordo del passato.
Per sopperire a questa mancanza ci siamo dovuti accontentare delle “brutte copie” e di altri bubble shooter come Bubble Witch Saga, diventato celebre come mobile game.

Sebbene questi giochi propongano una sfida simile, negli anni non sono riuscita a trovare qualcosa che mi desse le stesse emozioni di Puzzle Bobble.

Quindi perché non approfittare di questa nuova rubrica per riprovarlo e vedere come rigiocarlo dopo quasi vent’anni?

La mia esperienza

Ho deciso di partire con il primo capitolo della serie e già all’avvio, sentendo la vocina che dice “Taito”, mi sono un po’ emozionata.

Il primo round è sempre il più facile, poi passi ai successivi e quando riesci a terminarli in pochi secondi grazie al tiro giusto, sale in te un senso di invincibilità. Tuttavia, questa sensazione è destinata a terminare immediatamente quando la sequenza di bolle non gira a tuo favore, sbagli la traiettoria del lancio e, come un effetto a catena, tutto improvvisamente sembra crollarti addosso come la parete che pian piano scende con il tempo.

Round dopo round, la sfida cresce e diventa sempre più difficile la mia sopravvivenza. Purtroppo non sono riuscita ad arrivare al livello finale, ma magari più in là ci riproverò.

Dopo aver rigiocato il primo capitolo, non potevo però non riprovare il mio Puzzle Bobble preferito, ovvero il 4. Lo avevo per la prima PlayStation e lo avevo conosciuto come Bust-a-Move 4,  il che da piccola creò un po’ di confusione perché non sapevo più quale fosse il nome vero del gioco.

Da bambina lo adoravo alla follia perché era il gioco che giocavo più spesso con il mio migliore amico, e tuttora, quando ci sentiamo, capita di riparlarne e ripensare ai ricordi legati a esso; quindi riavviarlo dopo anni sulla Play è stato come un fiume in piena di emozioni e nostalgia.

Oltre alla modalità Arcade di sopravvivenza, il gioco presenta una modalità storia in cui superare i livelli permette di proseguire con la trama (abbastanza semplice e lineare) e di sbloccare nuovi personaggi. Parlando dei personaggi, li trovo ancora oggi iconici sia per il loro design sia per le loro catchphrase.

Insomma, direi che nonostante gli anni, Puzzle Bobble riesce ancora a trasmettermi le stesse emozioni di quando ero piccola e sembra non essere invecchiato per nulla. Il gioco funziona ancora bene oggi e mantiene la sua capacità di creare dipendenza, soprattutto se non si ha più bisogno delle monetine per giocare come negli anni ’90.

E tu hai mai giocato a Puzzle Bobble? Se sì, che ricordi hai di questo grande classico? Ma soprattutto accetti la mia sfida a raggiungere il livello più alto?

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C’è aria di primavera – come si ricordano bene le persone che soffrono di allergie – e c’è aria di tanti bei suggerimenti della redazione: ecco il #NerdandoConsiglia di Marzo 2026!

Rooster

Zeno2k: L’immenso Bill Lawrence (Scrubs, Shrinking, Ted Lasso) ne partorisce un’altra delle sue e dà vita a una serie con protagonista uno straordinario Steve Carell, ambientata in un surreale campus universitario, con la solita sequenza di battute folgoranti e volti noti che è sempre un piacere ritrovare. Tra tutti, John Christopher McGinley (Dr. Cox di Scrubs) e Phil Dunster (Jamie di Ted Lasso).

Drop Ducky

Zeno2k: Molto divertente e decisamente più profondo e sfidante di quanto non sembri inizialmente, combina le meccaniche immortali di Tetris con un misto di esplorazione, tower defence e deck building. Il tutto a tema medioevale.

Dobbiamo raccogliere risorse, posizionare correttamente le armate e pianificare gli attacchi. Semplicissimo da acquisire, dannatamente complesso e stratificato da padroneggiare.

Rush M.D.

Cavaliere: Pinzette, siringhe (ovviamente finte), lettini, clessidre e giocatori che si dimenano nella corsa contro il tempo per curare i pazienti. Si può definire l’erede spirituale di Kitchen Rush, ma a questo giro l’ambientazione è medica e non più culinaria; tuttavia l’ansia la fa sempre da padrona!

Rush M.D. è un gioco da tavolo cooperativo in tempo reale e qui urge una traduzione: giocheremo insieme per arrivare a un tot di punti a seconda della difficoltà scelta; tutto ciò lo dovremo fare prima che scadano i quattro minuti del round! E per non farci mancare nulla, troviamo anche la meccanica del piazzamento lavoratori, visto che le clessidre simulano i turni di infermieri e medici.

Le Mans ’66 – La grande sfida

Cavaliere: Dal titolo potrebbe sembrare che si tratti “solo” di un film con protagonisti auto e piloti in pista. Invece Le Mans ’66 – La grande sfida è molto di più, visto che racconta le storie delle persone dietro la ventiquattr’ore di Le Mans. Un ottimo film sia per chi ama il motorsport e quindi gli scendono le lacrimucce nel vedere su schermo Carroll Shelby e Ken Miles, interpretati rispettivamente da Matt Damon e Christian Bale, sia per chi vuol vedere una storia ben raccontata.

Lo trovi in streaming su Disney+ .

The Owl House – Aspirante Strega

Cavaliere: Ti consiglio questa ottima serie animata firmata Dana Terrace: parte lenta, ma ne vale la pena! Lo so che l’hai sentito mille altre volte, ma fidati che stavolta è proprio così!
Si tratta di una serie che ha uno zoccolo duro di appassionati ma che, fuori da quella bolla, in Italia, purtroppo, non è così famosa.

Tre stagioni in un continuo crescendo. La trovi su Disney+, così potrai anche tu teorizzare su tutti i non detti!

Miss Merkel e l’Omicidio nel Castello

Kiarakala: Sicuramente se si pensa ai romanzi gialli di Agatha Christie, si pensa subito al grande Hercule Poirot. Sebbene io adori i gialli che lo vedono come protagonista, il mio cuore è profondamente legato a Miss Marple, un’anziana signora delle campagne inglesi che, tra una tazza di tè e un lavoro a maglia, risolve delitti all’apparenza irrisolvibili dimostrando che anche l’ordinario può essere straordinario grazie al suo intuito e alla sua incredibile intelligenza. Parlando di un’altra celebre detective un po’ avanti con l’età, è impossibile non citare Jessica Fletcher, ovvero La Signora in Giallo, interpretata dalla straordinaria Angela Lansbury.

Nel mio cuore, tuttavia, è entrata un’altra insospettabile pensionata-detective e mai avrei pensato che sarebbe stata l’ex cancelliera tedesca Angela Merkel!

Dopo essersi ritirata dalla vita politica, Angela Merkel ha deciso di trasferirsi in un tranquillo paesino tedesco per godersi la pensione insieme al suo adorato marito Achim, con la protezione della sua guardia del corpo e di Putin, il suo simpatico carlino. La tranquillità, tuttavia, è destinata ad aver vita breve non appena avviene un omicidio in paese e Angela, stanca della vita da pensionata, si trasforma in una detective provetta, una vera Miss Marple tedesca che alterna tè e dolci a scene d’azione e gag comiche.

Un giallo divertente, ma che lascia col fiato sospeso e ci spinge a leggere capitolo dopo capitolo quasi senza pausa.

Non mancano battute e riferimenti alla politica nazionale e internazionale e, personalmente, sono quelle che mi hanno divertito di più, ma in generale ho trovato gran parte dei dialoghi esilaranti.

Per il momento ho solo letto Miss Merkel e L’Omicidio nel Castello, ma ho intenzione di recuperare i titoli successivi e poi guardare la serie omonima perché ho davvero amato questa folle combinazione di mistero e comicità.

L’Elbano Errante – Pino Cacucci

Hardcase: Ci sono libri che alcuni scrittori tengono nascosti nel proprio cassetto dei sogni per una vita intera, sempre lì in bilico tra il desiderio di dare loro vita e le mille difficoltà da affrontare per realizzarli. È proprio questo il caso de L’Elbano Errante di Pino Cacucci, un libro che, sin dalle prime pagine, rivela tutta la cura e l’amore riversati dall’autore nel raccontare la storia di Lucero. 

Il libro, per certi versi, è un omaggio alla figura del Capitano Alatriste di Arturo Perez-Reverte e narra le imprese di Lucero, un ragazzino spensierato che assiste impotente al rapimento della sorella ad opera dei Turchi, durante una delle loro frequentissime scorribande sull’isola d’Elba. 

Per ritrovarla, diventerà cavaliere di ventura al soldo di uno dei tanti signori in lotta tra loro, nella turbolenta Italia del 1500. Combatterà, si venderà e invecchierà, sempre nell’attesa che il Fato gli offra la giusta occasione per compiere la missione della sua vita e ritrovare così la sorella.

L’Elbano Errante narra, dunque, l’epopea di un uomo in lotta contro il destino, e rappresenta un inno alla testardaggine e al senso dell’onore, senza alcuna concessione a visioni romantiche o retoriche. Peraltro, a dispetto della mole, l’opera si lascia leggere tutta d’un fiato… beh, a patto ovviamente di essere dei campioni di apnea, viste le 900 pagine complessive. 

Ad ogni modo è un libro capace di emozionare e rimanere nel cuore, un po’ come le vecchie leggende di un tempo. 

The Dead South – Chains & Stakes

Hardcase: Fino a qualche anno fa non sapevo neanche cosa fosse il Bluegrass, poi un giorno un mio amico, strano quanto me, mi manda il link di una canzone, In Hell I’ll be in good company, e scatta la folgorazione.

Ora, al di là del titolo, per me quasi profetico, scopro subito un genere di musica davvero strano, che fatico addirittura a descrivere. 

È uno strano miscuglio di country, folk e musica irlandese, tutto suonato solo con strumenti analogici. Sei confuso? È comprensibile. 

Forse il miglior modo per descrivere il genere di musica dei The Dead South è richiamare l’immagine che mi è balzata in mente la prima volta che li ho ascoltati: pensa alla scena di un vecchio film western, con uomini e donne seduti attorno al fuoco, nel bel mezzo del deserto, intenti a suonare e cantare una musica allegra e malinconica al tempo stesso. La musica perfetta per scacciare la paura della notte.

Con questo Chains & Stakes, i nostri simpaticissimi musicisti piazzano 13 canzoni che sorprendono e divertono costantemente. Una boccata d’aria fresca nel mondo della musica prodotta in scatola!

Deep Sleep: Labyrinth of the Forsaken

Hardcase: Credo che le avventure grafiche, in termini videoludici, siano l’equivalente degli scarafaggi sul piano dell’evoluzione darwiniana (!). Sono, cioè, il genere che, forse, meno si è evoluto dalla nascita dei videogiochi ad oggi.

Pensiamoci bene, tra i primissimi Monkey Island e tutti i suoi figli, anche più recenti, non ci sono mai state in termini di gameplay delle vere e proprie evoluzioni (e, men che meno, rivoluzioni). Questo almeno finché non è arrivato… Deep Sleep!

E già, perché questo gioco, immeritatamente misconosciuto a dispetto dei diversi premi vinti, è riuscito, qualche anno fa, ad ibridare il genere delle avventure grafiche con quello degli RPG, grazie a una formula riuscitissima. 

Insomma, qui facciamo lavorare il cervello, ma ogni tanto meniamo pure le mani, anche se sempre in un’ottica fortemente strategica, attraverso degli interessanti combattimenti a turni.

Peraltro, il tema trattato, ovverosia quello che segna il sottile filo di separazione tra incubo e sogno, è davvero suggestivo e richiama alla memoria, non solo l’ovvio Silent Hill, ma anche quella piccola perla di film anni ’80 chiamato Nightmare 3 – I guerrieri del sogno.

Vedremo così la vita quotidiana della giovane protagonista risucchiata da incubi in costante evoluzione, mentre lei si ostinerà a cercare una risposta per la morte improvvisa del fratello. Insomma, mica poco!

Tu, invece, non fare come mia moglie, dammi retta per una volta e provalo, ne rimarrai stregato!

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Il 2026 è qui, l’anno nuovo è qui, il “January Blues” è quasi alle spalle: ciò vuol anche dire che è il momento del #NerdandoConsiglia di Gennaio 2026!

Cronos: The New Dawn

Zeno2k: Te ne ho parlato tempo fa e oggi torno a consigliartelo. Soprattutto ti consiglio di sopravvivere alla tentazione di rompere il controller nelle prime ore di gioco.

Non è impossibile, ma è dannatamente stretto e cattivo: girerai con le munizioni contate e le tasche sempre piene, continuando a decidere a cosa rinunciare nell’esplorazione di questo mondo crudele e contorto.

Ottima la lore, che si approfondisce centellinandola, ma non terribilmente astrusa come in altri titoli in cui occorre rivolgersi alle wiki anche dopo averlo finito. E non manca un easter egg di Bloober Team a Silent Hill 2 Remake!

The Pitt

Zeno2k: Sei abbastanza “agée” da essere orfano di E.R.? Non hai mai trovato un altro medical drama degno del grande predecessore? Qui non c’è Seattle o New York che tenga, perché andiamo direttamente nelle profondità del “pozzo“.

Ambientato a Pittsburg ed ovviamente erede spirituale di E.R. (anche perché prodotto e interpretato da Noah Wyle) presenta una struttura assolutamente originale: ogni stagione (è in corso la seconda, su HBO Max) è composta da un unico turno di lavoro e ogni episodio è un’ora di lavoro. Stupendo.

Il resto è il solito carosello di disperazione, speranze e problemi umani con le classiche contrapposizioni tra medici in carriera o aspiranti tali, tossici, barboni, molestatori o semplici disgraziati con malattie astruse. Il tutto ben scritto e con un ritmo serrato che la sua natura oraria gli regala.

Una nota finale: la cosa che ho davvero apprezzato per la verosimiglianza e che, a memoria, non ho mai visto in nessun altro show del genere, è la totale assenza di censura. Non lo auguro a nessuno, ovviamente, ma quando si viene presi e curati si è generalmente nudi e se l’emergenza lo richiede non c’è spazio per il pudore. In The Pitt nemmeno. Non mancano primi piani di vagine partorienti, seni e peni eretti affetti da priapismo.

Non per i deboli di cuore.

Animal Crossing: New Horizons

Kiarakala: Nel marzo 2020, durante la pandemia e i vari lockdown, Nintendo venne in mio soccorso facendo uscire un gioco molto atteso che si rivelò in qualche modo terapeutico in un periodo così provante per la salute mentale di molti. Sto parlando di Animal Crossing: New Horizon, il primo capitolo uscito per Switch che ci donò uno scopo nella vita quando eravamo chiusi in casa senza sapere cosa sarebbe successo.

Ho passato almeno 200 ore a giocarci, ma ammetto che, come tanti, una volta che è ripresa la normalità e ho iniziato a lavorare, pian piano la voglia di giocarci è scemata a tal punto da abbandonarlo per 3 anni (riprendendo ogni tanto a giocare il DLC in cui si arredano delle stanze senza dover occuparsi della raccolta di materiali o costruzione di oggetti).

Ti starai chiedendo perché, se ho abbandonato questo gioco, lo sto consigliando, domanda legittimissima. La risposta è che il 15 gennaio è uscito un aggiornamento piuttosto grosso che mi ha fatto tornare la voglia di rigiocare e riscoprire la bellezza di questo titolo.

Nell’aggiornamento, se saremo andati abbastanza avanti col gioco, troveremo un nuovo edificio: il Kappa Hotel. Ogni giorno possiamo decorare due stanze dell’hotel e sfogare così la nostra creatività e ottenere nuovi oggetti; inoltre, per far conoscere la nostra isola ci verrà richiesto di creare degli oggetti ogni settimana e questo è un nuovo stimolo a svolgere attività ripetitive come il farming di risorse, che forse è qualcosa che in questo momento mi sta aiutando.

Nuovi stimoli a collaborare con gli altri giocatori grazie alla presenza di isole sogno collaborative e soprattutto, se si è stufi della propria isola ma non si vuole perdere tutto, sarà possibile rimuovere tutti gli oggetti grazie al ritorno del signor Resetti (che è molto meno aggressivo).

Insomma, Animal Crossing è un gioco consigliatissimo per chi ha bisogno di un po’ di calma e tranquillità e questo aggiornamento è perfetto per coloro che, come me, lo hanno abbandonato in cerca di nuovi stimoli.

P.S. L’aggiornamento è gratuito sia per Switch 1 sia per Switch 2, ma se acquisti la versione pensata per la 2, avrai qualche funzione in più e una maggiore ottimizzazione del gioco.

I Pirati Dei Caraibi – La Trilogia

Cavaliere: Avevo un bellissimo ricordo di La maledizione della prima luna (il primo Pirati dei Caraibi) e per questo mi sono detto “Vediamo com’è la saga nel 2025”. La trilogia è ancora oggi perfetta per il suo scopo: una saga per il grande pubblico (fossero tutti così i film pop!). Non mi dilungo, visto che ho scritto un Nerdando Consiglia dedicato qui! 

Balatro

Cavaliere: Mi sono divertito veramente tanto con Balatro e quindi sono contento per la sua vittoria ai Nerdando Awards 2024 e in generale per il successo di critica e pubblico. Un ottimo titolo che devi assolutamente recuperare se ami i giochi di carte e i roguelike/roguelite! Ti lascio alla recensione di Tencar.

Il Ragazzo e l’Airone

Cavaliere: Se di Miyazaki ti piacciono film come Ponyo sulla scogliera o Kiki – Consegne a domicilio, ti dico che l’ultima opera del regista giapponese è agli antipodi. “È divisivo”, per usare un’espressione abusata. Infatti mi ricordo che al cinema c’era un clima di spaesamento.

Invece a me a caldo piacque, ma per dare un giudizio definitivo avevo bisogno di una seconda visione e Rai 3 me ne ha dato l’occasione! “E quindi?” E quindi guardalo!

A Short Hike

Ayr: come già evidente dal titolo, l’indie game sviluppato da Adamgryu è, appunto, “short”. Tanto compresso da permettere di vedere i titoli di coda in appena un’ora e mezza. Eppure, questa brevissima avventura è stata perfettamente capace di affascinarmi e catturarmi.

Forte di una grafica molto personale e di un gameplay chill, A Short Hike riesce anche a emozionare per via del suo finale e della metaforica scalata che coinvolge, contemporaneamente, sia la protagonista principale che il giocatore.

Giocato interamente su Steam Deck, posso dirti che A Short Hike è presente praticamente su ogni piattaforma a prezzi sempre accessibili. Te lo consiglio!

Piccoli Atti di Misericordia – Dennis Lehane

Hardcase: L’autore lo conosciamo tutti, è quello che già tante volte in passato ci ha fatto emozionare e riflettere con le sue storie capaci di mescolare umanità e quotidiana violenza. Uno di quelli spesso saccheggiati dai grandi registi che, nel suo caso, hanno tirato fuori film memorabili come Mystic River di Clint Eastwood o Shutter Island di Martin Scorsese.

Di certo è uno scrittore che, anche quando tratta temi scottanti come la pedofilia, non ama utilizzare filtri o indorare la pillola. Preferisce colpire forte per scuotere le coscienze addormentate di tutti noi.

Lo fa anche con questo libro che tratta il tema del razzismo, affrontato, però, da una prospettiva non convenzionale, per dimostrarci che alle volte veleni come questo contaminano non solo l’anima dei persecutori, ma anche quella delle vittime, senza lasciare scampo per nessuno.

È un’opera che fa piangere, infuriare, ma soprattutto riflettere sulla fragilità delle cosiddette società progredite, sempre più edificate sull’odio.

Peggio di Niente – Ministri

Hardcase: Francamente non so se questa rubrica possa ospitare anche consigli dedicati alla musica, io, però, nel mio piccolo ci provo, anche perché sono uno di quei tipi che, qualunque cosa facciano durante il giorno, non possono fare a meno di ascoltare musica.

Non mi sono mai posto limiti di “genere”, motivo per cui posso passare dal blues, al country o, come in questo caso, all’indie rock.

La canzone, dal titolo geniale, è stata scritta da Ministri durante il periodo del lockdown e ha il merito, secondo me, di ricordarci quanto l’umanità possa cadere in basso quando a guidarla è solo la paura e l’istinto di sopravvivenza.

Il ritmo infernale e versi come “Ho visto il tempo volare, ho visto il tempo cadere, ho visto il buio per sempre” ci trasmettono bene il senso di cieco terrore che abbiamo provato tutti noi, soprattutto nelle prime fasi della pandemia.

Chiudo con una piccola (e facile) sfida: nella canzone è citato un verso del grande De Andrè. Vediamo chi lo trova.

Philna Fantasy

Hardcase: Vi capita mai di trovarvi ad accendere il computer con la voglia di giocare a qualcosa che sia semplice, divertente e non troppo impegnativo?

Voglio dire, persino io, che solitamente sono un tipo da CRPG a turni piuttosto complicati, alle volte sento il bisogno di staccare completamente il cervello e dedicarmi a un RPG più immediato.

Ecco, in casi come questo, un gioco come Philna Fantasy può risultare davvero perfetto.

Per intenderci, è un classico ARPG con visuale dall’alto, che per certi versi ricorda i primi Zelda, ma che attualizza la formula mettendoci dentro tutto quello che ormai siamo abituati a trovare nei giochi più recenti: un mondo semi-open world, dungeon, puzzle, crafting, pet e così via.  Insomma, sulla carta non manca nulla e quasi tutto quello che c’è è realizzato con competenza.

Intendiamoci, nulla di innovativo o che faccia gridare al miracolo, ma chi l’ha detto che deve essere sempre così?

Philna Fantasy è semplicemente quel “giochino” che ogni tanto ognuno di noi sente il bisogno di lanciare per divertirsi anche solo per 15 minuti, lasciandosi alle spalle cogitazioni e affanni quotidiani.

WWE: la storia dietro le quinte

Tencar: La prima stagione di WWE: la storia dietro le quinte mi aveva spiazzato e, stavolta, sapevo già cosa aspettarmi. Nonostante questo, sono riuscito a emozionarmi ancora una volta sentendo le storie di questi fantastici atleti e scoprendo il loro lato umano. Imperdibile sia se ti piace il wrestling, sia se ami i documentari sportivi.

Rick and Morty

Tencar: Credo che Rick and Morty sia la serie, assieme a South Park, che più mi fa divertire e riflettere. Anche questa ottava stagione è un caleidoscopio di emozioni: imperdibile.

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Aprile 2024

Un aprile 2024 densissimo di novità quello che ci aspetta su Prime Video! L’arrivo della primavera è segnato da alcuni titoli per cui c’era grande attesa. Andiamo a scoprirli tutti!

Film

Il primo lungometraggio da segnalare questo mese è Mùsica, in arrivo il 4 aprile 2024. Ambientato nel New Jersey, è basato sulla vita dello scrittore e regista Rudy Mancuso. Una storia d’amore e di formazione diretta e interpretata dallo stesso protagonista, insieme a Camila Mendes.

A partire dal 5 aprile 2024 sarà disponibile la commedia How to Date Billy Walsh: i giovani Amelia e Archie sono migliori amici fin dall’infanzia, anche se Archie è segretamente innamorato dell’amica. Proprio quando trova il coraggio di dichiararsi, Amelia perde la testa per Billy Walsh, il nuovo studente americano appena arrivato in città.

Tra i film in arrivo su Prime Video questo mese possiamo ricordare anche Jumanji: Benvenuti nella giungla (il 1°), Risen (il 12), Shark – Il primo squalo (il 15), The Beekeeper (il 19) e The Baker (il 21).

Serie

Il piatto forte delle novità in casa Prime Video, ad aprile 2024, comunque riguarda il piccolo schermo. A partire dal 1° del mese, come regalo di Pasquetta, è infatti disponibile LOL: chi ride è fuori – Stagione 4.
I primi 4 episodi del popolare show sono già disponibili, con gli ultimi due in arrivo l’8 aprile. A sfidarsi quest’anno sono Diego Abatantuono, Loris Fabiani, Edoardo Ferrario, Angela Finocchiaro, Maurizio Lastrico, Aurora Leone, Lucia Ocone, Giorgio Panariello, Claudio Santamaria e Rocco Tanica. A guidare i giochi, Fedez, Frank Matano e Lillo Petrolo.

Per tutti gli amanti delle trasposizioni videoludiche, la data da segnare in calendario è l’11 aprile, quando arriverà Fallout. La serie originale basata su uno dei più grandi franchise dei videogiochi di tutti i tempi.
200 anni dopo l’Apocalisse, gli abitanti dei lussuosi rifugi antiatomici si vedono costretti a tornare nell’infernale paesaggio contaminato dalle radiazioni che i loro antenati si sono lasciati alle spalle: scopriranno un universo totalmente inaspettato.

Tra le serie in arrivo ad aprile ricordiamo anche: Naruto: Shippuden – Sesta stagione (dal 1°), Dragon Ball – Quarta stagione (dal 9), Dragon Ball Z – Quinta stagione (dal 9), Loro: La Paura (dal 25).

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BAO Publishing dà vita ad un progetto davvero molto intrigante: si chiama The Prism e con il suo primo volume Burn inizia a prendere forma un’avventura fantascientifica che mischia esplorazione spaziale e musica rock.
Scopriamo insieme cosa nasce da questo strano connubio.

Recensione

Che la musica sia parte della nostra vita, del nostro essere umani, e che lo sia da sempre, è ormai cosa nota. Così come sono infinti gli studi, le analisi e le sperimentazioni che da decenni accompagnano la storia della musica, da Brian Eno a Peter Gabriel, dal compianto Duca Bianco a John Cage.
Così come è possibile ricondurre tutta la musica ad una mera questione fisica: armoniche, vibrazioni, onde. E da lì alla matematica.

Ed è forse questa l’idea che sta alla base del progetto, e parte da un assunto davvero affascinante: può la musica salvare il mondo?

Trama

Il mondo sta morendo colpito dall’ennesimo, e ormai irreversibile, disastro ambientale causato dal suo nemico di sempre: l’uomo.
La mega corporazione Plexi, che figura come produttrice musicale, ha però l’idea che è in grado di fermare e forse invertire gli effetti di questa piaga, evocativamente chiamata Smoke on the Water: SOTW. Il piano è quello di radunare i cinque migliori musicisti del mondo e inviarli nello spazio per raccogliere le vibrazioni cosmiche e dare vita all’album che salverà il mondo, invertendo l’effetto di SOTW grazie alle armoniche perfette del loro sound. Ah sì, e nel frattempo guadagnare un sacco di soldi.

I cinque artisti, che mai si sono incontrati e mai hanno suonato assieme prima, vengono quindi prelevati e portati sulla base lunare. Da qui, dopo le sessioni di promozione pubblicitaria, vengono effettivamente portati nello spazio e viene dato loro il via libera allo sperimentare, comporre, creare. Insomma, fare quello per cui sono nati: il rock. Nasce così Burn: il singolo di apertura dei P.R.I.S.M.
Ma non c’è rocker che si rispetti che non abbia i propri demoni, e che se li porti con sé quando dà vita a quelle sette note, trasformandole in infinite melodie. Protagonisti di questa avventura sono Dorian Lavochkin, il batterista introverso; Alice Griffon, bassista dal corpo mozzafiato; Paul Duncan, chitarrista sopra le righe; Björn Æsisson, tastierista dal passato misterioso; Yu Murakami, la voce del gruppo.
Ovvio che una combinazione così assortita dia vita ad equilibri precari ed esplosivi, tutti da scoprire.

Stile grafico

Matteo De Longis è colui che ha concepito questa space opera, ed è anche l’uomo dietro le “matite”: ha dato vita ai disegni e ai colori di questo volume, e si è dovuto scontrare con l’arduo compito di rendere visibile a tutti i lettori l’effetto del sonoro. E non un suono qualsiasi, ma quello trascinante e dirompente della musica rock.
Una sfida a mio avviso più che vinta, perché dalle pagine sembra davvero trasparire l’emozione e il pathos che si respira quando si è immersi in un concerto trascinante.

Dal punto di vista dell’impianto generale, poi, devo dire che le scelte stilistiche mi sono piaciute: evocative al punto giusto e con molto richiami alla fantascienza pop. Il tutto condito da un design nipponico che rievoca nella mente immagini di celebri anime del nostro passato.
Nel complesso, a mio avviso, una scelta davvero azzeccata.

Commento finale

Combinare musica e fantascienza è un’idea che mi ha decisamente convinto; sopra ogni cosa, però, sono rimasto affascinato dalla sfida di base: il riuscire a “far sentire” ai lettori il rock prodotto dai protagonisti, trasmettere passione, emozione e sonoro attraverso le pagine di un fumetto. Il tutto legato ad una trama avvincente, che risuona nella nostra mente come un pericoloso campanello d’allarme.
Perché quando la catastrofe arriverà nel mondo reale, forse non ci saranno musicisti in grado di salvarci da lei.

Per quanto riguarda il piano dell’opera: ovviamente siamo davanti ad un volume introduttivo, in cui viene dato spazio a tutti in egual modo, così da iniziare a prendere confidenza coi molti personaggi di questa epopea. Nel futuro avremo volumi più verticali, dedicati ciascuno ad una canzone dell’album e alle origini di ciascuno dei musicisti. E qui viene la parte più incredibile: il piano prevedere l’uscita di 7 volumi a distanza di due anni l’uno dall’altro.

Avete letto bene: la saga si concluderà tra dodici anni.
Un’idea e un progetto davvero ambizioso, per non dire azzardato. Il mio augurio è naturalmente quello di giungere a compimento, nella speranza che il mercato sia ricettivo e pronto ad accogliere questo progetto così particolare.

Prima di concludere una piccola nota: il volume è arricchito da una postfazione scritta da Adrian Fartade: divulgatore scientifico, attore e scrittore, che fa anche la sua breve comparsa tra i personaggi della storia.

The Prism #1: Burn! è disponibile al prezzo di 21,00€.

Nerdando in breve

The Prism #1: Burn! è il fumetto che ci porta nello spazio a ritmo di rock.

Nerdandometro: [usr 4.0]

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Il 9 novembre si celebra la caduta del muro di Berlino. 30 anni fa per migliaia di persone è finito un incubo. Un insulto alla libertà che in 28 anni ha provocato direttamente o indirettamente la morte di 133 persone (secondo le fonti ufficiali, anche se in realtà sono state più di 200), per motivazioni talmente futili che non dovrebbero essere accettate neanche per una sceneggiatura di bassa qualità.

Io c’ero, avevo 16 anni e con la mia famiglia sono andata a vedere questo muro, o meglio quello che ne restava. L’immagine che vedete sopra è il pezzo di muro che all’epoca portammo a casa. Nell’agosto del 1990, quando nei bagni della dogana cecoslovacca il sapone era infilato in una rete di nylon e legato con una catena alla parete per paura che la gente se lo portasse via. Quando nei negozi dei paesi dell’Est vendevano addirittura le lame per i temperini sfuse e passando da una parte della città all’altra sembrava di fare un tuffo nel passato nel giro di pochi metri: da un lato edifici moderni, vetri e specchi nei grattacieli e dall’altra i resti dei carri armati russi ed i banchi in cui si vendevano i colbacchi e le divise dell’Unione Sovietica.

Fa una certa impressione pensare di aver attraversato un momento storico fondamentale ed averlo visto da vicino. Non tanto perché ci si senta vecchi ma perché aiuta a capire quanto le nostre vite siano piccole di fronte ai cambiamenti a volte di portata enorme. Ecco di seguito qualche info sui cult dei soggetti nerd che nel 1989 vivevano la propria giovinezza.

La colonna sonora di un evento

Mentre Tina Turner urlava You’re simply the best, Madonna spronava le ragazzine ad emanciparsi con Express Yourself e riscopriva le proprie origini con Like a Prayer, Phil Collins ci faceva sognare con Another day in Paradise e i più sciolti di bacino si lasciavano andare al ritmo della Lambada. Freddie l’onnipresente dichiarava I Want It All, Prince era in piena Batdance e i Milli Vanilli stavano per essere svergognati con lo scandalo delle voci non originali: già erano due fighi pazzeschi, che avessero anche una bella voce era improbabile in effetti. In Italia era il momento di Raf, che ancora aveva una voce e si chiedeva Cosa resterà di questi anni ’80, Zucchero tirava fuori il Diavolo in sé e il mare impetuoso al tramonto e Mia Martini incantava con Almeno tu nell’Universo.
Parlando del muro più in generale e non solo del 1989, vanno assolutamente citati due tra i riferimenti musicali più importanti di sempre e del loro legame con la città.

Il Duca Bianco a Berlino passò parecchio tempo, soprattutto per riprendersi dall’abisso in cui le dipendenze lo avevano portato e partecipò attivamente in più occasioni per sostenere l’abbattimento del Muro. Heroes, uno dei suoi capolavori, nacque proprio a ridosso del muro, dietro il quale si nascondevano due amanti clandestini di sua conoscenza. Nel 1987 organizzò un concerto facendo installare il palco talmente vicino al confine orientale della città da far risuonare la sua musica aldilà della barriera di cemento e la reazione del pubblico dell’Est fu talmente forte da far vibrare le vetrate di Platz Der Republik.

Tantissimi sono stati i musicisti che hanno lasciato un segno nella storia del muro (Lou Reed, Bruce Springsteen, Scorpions e U2 ad esempio) ma per assurdo quella che viene più comunemente associata a questo momento storico ha per oggetto un muro che in realtà è quello mentale del protagonista della canzone. Another brick in the Wall, il brano del ’79 dei Pink Floyd comunque si presta e diviene il 21 luglio del 1990 la registrazione dal vivo dell’Opera rock The Wall, eseguita a Berlino, davanti ad una platea di 350.000 spettatori.

Il post guerra fredda al cinema

Il primo Batman di Tim Burton con Michael Keaton, Jack Nicholson e Kim Basinger.
Indiana Jones e l’ultima crociata di Steven Spielberg con Harrison Ford e Sean Connery.
La sirenetta Disney.
Harry ti presento Sally con Billy Crystal e Meg Ryan.
Ritorno al Futuro parte II.

Devo aggiungere altro?

A cosa si giocava nell’89?

Per quanto riguarda l’ambito dei videogiochi nel periodo del crollo del muro di Berlino esordiva Prince of Persia, si costruivano le città con SimCity, è stato inventato Campo minato, semplicissima droga da PC in cui si cercavano le mine senza esplodere. Il GameBoy dovevi averlo per non essere uno sfigato. E quei pochi ragazzini che passavano i pomeriggi con quel trabiccolo in mano invece di giocare a calcio erano considerati nerd (non necessariamente con accezione positiva).

La tv senza l’on demand

Le serie Tv nel 1989 erano sostanzialmente molto diverse da adesso, si guardavano al pomeriggio, non c’erano durante il weekend ed erano piene zeppe di pubblicità. C’era quel gran figo di McGyver che con una graffetta di metallo ed una scatola di cotton fioc creava un esplosivo, c’era Baywatch quando ancora David Hasselhoff si reggeva in piedi, Cybill Sheperd affiancava un capelluto Bruce Willis in Moonlighting e Scott Bakula viaggiava nel tempo in Quantum Leap. Il capitano Picard affrontava la Next Generation e Johnny Depp era un bel visino sconosciuto in 21 Jump Street.

Conclusioni

Se siete di nuova generazione ecco quello che vi siete persi non avendo vissuto in diretta il crollo del Muro di Berlino.
Se invece appartenete alla categoria di quelli che certi passaggi li hanno metabolizzati come parte della propria crescita verso il mondo adulto, chiedo una monetina per ogni assenso con la testa che avrete fatto leggendo.

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Introduzione

Ci sono alcuni film horror che hanno fatto la storia, ma avete mai provato a guardare un lungometraggio di questo tipo senza soundtrack? Vi assicuro, fa metà, se non un terzo della paura che farebbe se la colonna sonora fosse presente.

Così ho pensato che sarebbe stato interessante, anche per cultura personale, analizzare le canzoni che hanno fatto la storia nell’ambito horror e scoprire perché aiutano la sensazione di paura trasmessa dal film.

Prima di entrare nel dettaglio, però, dobbiamo farci una domanda: perché questo tipo di musica ci fa spaventare?

Teoria

Secondo lo studio di Hans-Eckhardt Schaefer ( Music-Evoked Emotions—Current Studies, https://www.ncbi.nlm.nih.gov/pmc/articles/PMC5705548/) le onde sonore sono interpretate dall’orecchio e trasformate in segnali neurali che vengono inviati al cervello.

Ci sono quattro meccanismi nel suono che hanno rilevanza sulle nostre emozioni perché intervengono sui segnali che arrivano al cervello, questi sono: tempo, timbro, volume e consonanza.

Facendola molto, ma molto semplice, potremmo dire che: mischiando nella maniera corretta questi quattro segnali, si ottengono delle onde sonore che stimolano l’amigdala. Essa è il centro nervoso che controlla anche la paura, e che, se sollecitata, va a stimolare la ghiandola surrenale. Tale ghiandola inizia a produrre noradrenalina, una parola difficile che indica l’ormone che prepara il corpo a reagire in situazioni di imminente pericolo, principalmente aumentando la frequenza cardiaca.

Ma queste sono solo parole, passiamo al concreto!

Profondo Rosso – Goblin e Giorgio Gaslini

Questa composizione è veramente un capolavoro, invidiata da qualsiasi thriller/horror di altre nazioni.

In questa musica viene a galla il concetto di consonanza, ossia il suonare contemporaneamente due note (che possono essere sia differenti, sia uguali ma di ottave diverse) di modo che ascoltate assieme producano una melodia che sia orecchiabile.

La base di questo brano è semplicemente un giro di note fisso in consonanza, più precisamente ogni nota viene suonata in una ottava base e in due ottave più alta.

Per i non avvezzi un’ottava è una scala completa di otto note, ad esempio nella scala DO RE MI FA SOL LA SI DO il primo DO sarà quello di riferimento, mentre il secondo sarà un’ottava più alto.

Alla base si aggiunge poi un giro note suonate su un basso tagliate occasionalmente da alcuni picchi altissimi in timbro e molto forti in volume (minuto 0:25 nel video).

Ultimo ad arrivare sono gli accordi (gruppi di note suonate insieme) di organo assieme alle percussioni, fatti partire sul climax dell’azione nella scena (minuto 0:50 nel video).

Come è facile notare, questa parte ha una connotazione lugubre, che è data dall’uso di accordi in forma minore, il che significa la nota principale dell’accordo è spostata in basso di una terza (le terze funzionano allo stesso modo delle ottave).

The Murder – Bernard Herrmann

Non poteva mancare la colonna sonora di Psycho, il film horror per antonomasia, più precisamente quella della scena del delitto.

Staccato è la parola chiave di questo componimento. Lo Staccato è una tecnica ritmica in cui, come si può facilmente dedurre dal nome, si applica una pausa netta, di silenzio, tra un suono e quello successivo.

La prima parte di questo brano è una serie in Staccato di note di volume e tono estremamente alti, come per comunicare un senso di crescente ansia. Ovviamente non può mancare il solito gioco di consonanze (lungo tutta l’opera).

Passato il momento di climax, ossia quello dell’accoltellamento, il ritmo rallenta e il tono si abbassa notevolmente, mantenendo una punta di Staccato. Questo suscita allo spettatore la sensazione della morte lenta e dolorosa della protagonista. Se provate ad ascoltare questa parte con gli occhi chiusi, vi accorgerete di poterla paragonare al respiro rotto di chi è sul punto di morte (minuto 0:24 nel video).

The Shining – Wendy Carlos e Rachel Elkind

Per questo film ho deciso di prendere solo il brano iniziale, questo perché The Shining non ha un vero e proprio brano iconico, ma sono tutti egualmente peculiari. Per questo ho deciso, per evitare di scrivere un trattato, di parlare solo del tema iniziale.

Avete presente tutto quello che ci siamo detti finora? ritmi veloci, toni alti e altri mezzi per trasmettere ansia? Beh, dimenticate tutto perché The Shining è tutta un’altra storia.

Qui lo scopo fondamentale è quello di favorire l’inquietudine nello spettatore, far capire che, anche se la scena sembra mostrare una famiglia andare in vacanza, non è un film per bambini.

Questo scopo lo adempie eccome, attraverso l’utilizzo magistrale degli Ottoni: strumenti a fiato composti da ottone, come il trombone o il corno francese (dall’inizio).

La base di questo componimento sono note basse, molto allungate, punto di forza degli strumenti usati.

A favorire il senso di inquietudine, ogni tanto verrà fatto suonare uno strumento a corde, che però produrrà un suono distorto e con molto eco (minuto 1:15 nel video).

Ma non è finita qui, l’ultima chicca che porta questo brano è l’utilizzo di una voce (opportunamente modificata tramite dispositivi elettronici) come strumento (minuto 1:47 nel video).

Non so se è la presenza di inquietanti voci, ma sicuramente questa è la colonna sonora che svolge meglio il suo lavoro tra quelle che fino ad ora ho descritto.

Tubular Bells – Mike Oldfield

L’Esorcista, ci siamo arrivati.

Il titolo di questo brano, ossia Campane Tubulari, è il nome dello strumento a percussione usato come principale, assieme ad un piano.

Questa composizione, a parte per le sue campane tubulari, è veramente molto simile a Profondo Rosso.

La base è sempre composta da una serie di note in consonanza, con delle note di basso a condire il tutto (dall’inizio del brano).

A differenza però del primo brano di cui abbiamo parlato, qui troviamo una prepotente introduzione della chitarra elettrica distorta (minuto 3:52 nel video).

Udite udite signori e signore, mi permetterò di fare una critica ad un capolavoro come questo: secondo me Oldfield poteva fare a meno della chitarra elettrica. Non so perché, ma mi crea un senso di disorientamento, siamo sul set de L’Esorcista o ad un concerto Rock?

È chiaro, però, che questo strumento è una peculiarità, un qualcosa che nessuno aveva all’epoca.

Questo brano è bello perché è vario, pieno di particolarità e intrigante all’orecchio.

Conclusione

L’avventura alla scoperta dei misteri delle colonne sonore dei film horror più famosi è arrivata alla sua conclusione, un peccato, perché mi sono veramente divertito a scrivere questo articolo, è come se avessi dovuto immergermi nella testa dell’autore, per capire cosa intendesse fare con ogni cambio di tonalità o stile.

Ma è stato anche molto difficile, infatti chiedo scusa ai musicisti, di sicuro ho trattato qualche argomento troppo superficialmente.

Spero che questo articolo possa aiutarvi a capire meglio i prossimi film horror che andrete a vedere, inoltre, quali altre canzoni avreste inserito come iconiche? Raccontatemelo sul nostro gruppo Facebook!

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Recensione

Era il 1965 quando il giovane Roger Keith Syd Barrett si univa ai The Tea Set, gruppo in cui figuravano già Nick Mason, Roger Waters e Richard Wright.
I Pink Floyd (The Pink Floyd Sound il nome scelto per sostituire il precedente, già in utilizzo da altri) assunsero presto un ruolo da protagonista nel panorama underground della musica londinese.

Guidati dal loro carismatico e creativo frontman, i ragazzi che avrebbero cambiato la storia della musica vennero a contatto con il variegato e complesso mondo dello show business e ne furono irrimediabilmente cambiati.
Gli equilibri creati, le situazioni a cui la band venne esposta e, non ultimo, il particolare clima socio-politico del periodo incisero soprattutto su Syd che, preda del suo disturbo psichico e delle sostanze allucinogene di cui faceva utilizzo, si trovò sempre più isolato da tutto ciò che lo circondava.

Il volume edito da Nicola Pesce Editore e realizzato da Matteo Regattin e Simone Perazzone si propone proprio il compito di far sentire la voce del personaggio tanto discusso e, verrebbe da dire, tanto sfruttato da Waters e co.

Contenuto

Per mezzo di un racconto in prima persona, il lettore è immediatamente messo di fronte alla domanda più importante: chi era davvero Syd Barett?

Cambridge, 2013: è qui che inizia il nostro viaggio.
Attraverso i luoghi simbolo della vita dell’artista, la narrazione ci riporta indietro nel tempo, fino a quando tutto è iniziato.

Le pagine fluiscono rapide, snodandosi con abilità tra le parti in cui la storia appare più lineare e le sezioni in cui la psichedelia prende il sopravvento. Non sappiamo se a causa della malattia, a causa della particolare natura artistica e visionaria del nostro o, ancora, se per l’utilizzo eccessivo di sostanze stupefacenti, ma assistiamo rapidamente al mutamento del giovane che, quasi per gioco, si era unito a un gruppo di coetanei per suonare insieme.

Ingabbiato in un contesto estraneo ed estromesso dagli altri membri del gruppo, Barrett risponde con il totale estraniamento dalla realtà, con comportamenti bizzarri e una creatività difficilmente inquadrabile in una singola forma artistica.
Questa inquietudine generatrice si manifesta in più modi, a cominciare dalla scelta di spettacoli di luci da abbinare alle esibizioni musicali della band, dalla propensione dell’artista per la pittura fino alla vera e propria sperimentazione musicale (quella sperimentazione che poi, adeguatamente modificata, darà identità ai Pink Floyd che verranno).

Letteralmente sostituito dal neo entrato David Gilmoure, chiamato in causa per l’inaffidabilità del frontman, che spesso si presentava in stati disastrosi alle esibizioni o, addirittura, mancava perfino di presenziare a prove e spettacoli, Syd si rifugia nel proprio mondo e viene completamente esautorato da qualsiasi potere nelle scelte musicali.

Nel 1968 avviene la separazione definitiva.

Disegni

Personale, tetro, cupo e, essenzialmente, astratto lo stile che accompagna la narrazione si dimostra perfetto per rappresentare la materia trattata.
I disegni, così in grado di rievocare alla mente le illustrazioni che poi hanno accompagnato molti dei lavori dei Pink Floyd, sono perfettamente plasmati e funzionali alla situazione che devono rappresentare, con una griglia semplice e lineare nei momenti della semplice narrazione e dei riquadri a tutta pagina adottati per le rappresentazioni più particolari e astratte, in cui viene fatto sfoggio anche di notevole abilità nella resa delle distorsioni delle immagini.

Colpisce la scelta del bianco e nero per un lavoro di questo tipo, ma il perfetto utilizzo del chiaro-scuro si adatta perfettamente alla natura del personaggio indagato e si dimostra un contributo essenziale per permettere alla qualità dello scritto di emergere.

Concludendo

Un’opera particolare quella di Regattin e Perazzone, questo è innegabile.
Penso che il volume abbia una forza potente e quasi primordiale nel modo che ha di comunicare il proprio messaggio, così come potente e primordiale trovo fosse la forza comunicativa di Barrett.
Probabilmente la forza maggiore dell’elaborato sta proprio nella grande capacità di rispettare lo spirito, lo stile e l’essenza stessa del lavoro e della vita dell’artista.

Viene da pensare che, finalmente, sia stata data voce ad una parte mai troppo pubblicizzata della storia dei Pink Floyd e che, come enfatizzato nella storia, il gruppo inglese debba davvero tanto ad un personaggio che, se spesso ricordato, è stato allontanato molto facilmente.

Se siete dei fan del gruppo o del cantante, sicuramente i rimandi e le strizzatine d’occhio vi colpiranno per eleganza e sottigliezza, che, in generale sono solo uno degli aspetti della delicatezza riservata al racconto di una storia così controversa. Io, personalmente, non ho potuto fare a meno di apprezzare la graphic novel di NPE per le sensazione che è riuscita a trasmettermi.

Nerdando in breve

Un prodotto particolare, interessante e pieno di personalità. Consigliatissimo agli amanti della musica e alla storia di uno dei gruppi più significativi di sempre.

Nerdandometro: [usr 3.7]

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Con mio sommo piacere, ieri mattina ho avuto modo di incontrare alcuni membri del cast di Penny on M.A.R.S., la nuova serie targata Disney Channel che verrà trasmessa a partire dal 7 maggio 2018 sul canale 613 di Sky. Olivia-Mai Barret (Penny), Shannon Gaskin (Camilla), Finlay MacMillan (Sebastian) e Claudio Norza (il regista) hanno risposto alle domande dei redattori che sono intervenuti all’incontro.

La serie

In principio era Alex & Co., sitcom italiana incentrata su 5 amici e sulle loro vicissitudini quotidiane, alternate fra la carriera scolastica e quella musicale. Nel giugno 2017, quattro episodi speciali hanno messo fine alla serie, introducendo però alcuni personaggi che ritroviamo nello spin-off Penny on M.A.R.S.

Elizabeth De Grassi, director programming Disney, ha spiegato l’innovazione che porterà Penny on M.A.R.S.
Dopo il successo di Violetta e di Alex & Co., Disney ha deciso di fare il passo successivo: le serie che hanno avuto successo in Italia, hanno sempre trovato difficile l’approdo nei paesi anglofoni per via della poca propensione di questi ultimi alla visione di prodotti doppiati. Per questa ragione, Penny on M.A.R.S. è stato girato direttamente in lingua inglese, con un cast anglosassone ma conservando la produzione italiana.

Dopo Alex & Co., Claudio Norza si è cimentato nella regia della nuova serie, ideata e prodotta da 3Zero2Tv in collaborazione con The Walt Disney Company Italia. I 16 episodi di cui si compone saranno trasmessi in Italia a partire dal 7 maggio 2018, dal lunedì al venerdì alle 20.10 su Disney Channel; inoltre, è già stata prevista una seconda stagione.

(Curiosità: Il liceo M.A.R.S. è a Milano, presso il campus di Bovisa del Politecnico di Milano.)

Trama

Le tematiche affrontate sono quelle che più coinvolgono i giovani ai quali è indirizzata: l’amicizia la farà da padrona, seguita dai primi amori e dalla capacità dei giovani talenti di saper credere in loro stessi.

Saranno raccontate le vicende di Penny, figlia dell’icona pop del momento, Bakìa.
Cresciuta in un collegio svizzero in gran segreto (affinché la sua esistenza non ostacolasse la carriera artistica della madre), raggiunti i sedici anni, Penny si ribella. Decide di iscriversi al M.A.R.S., una delle più esclusive scuole di performing arts al mondo.

L’unica regola alla quale dovrà attenersi sarà quella di non rivelare a nessuno chi siano i suoi reali genitori. Compito non troppo difficile: sebbene infatti la notorietà della madre sia una difficoltà alquanto importante, sul fronte paterno nessun problema. La giovane Pentachord (questo il nome di battesimo) non ha mai avuto la fortuna di incontrare il proprio padre, motivo per cui, durante il processo di crescita, farà in modo di scoprirne l’identità al fine di poterlo finalmente conoscere.

A tenerle compagnia ci saranno numerosi personaggi, fra i quali l’inseparabile Camilla, migliore amica e fedele confidente, e l’irresistibile Sebastian, talentuoso compagno di studi che farà battere il cuore a entrambe le fanciulle.

Il parere del regista

Prima di parlare direttamente con i membri del cast, abbiamo potuto ascoltare l’opinione del regista, Claudio Norza, in merito al lavoro svolto. Tanto per cominciare, egli ha ribadito quanto si senta onorato per essere stato riconfermato da Disney e 3Zero2, complice l’ottimo risultato raggiunto da Alex & Co. A differenza della precedente serie, nella quale non avevano enfatizzato il fatto di averla girata in Italia, con Penny On M.A.R.S. hanno deciso di sottolineare la location milanese, anche per mettere in risalto tutti gli aspetti che la caratterizzano, dall’architettura, all’essere un punto di riferimento per il mondo della moda.

Per quanto riguarda il clima sul set, ha raccontato di quanto fosse disteso e sereno. Buona parte del motivo dipende proprio dal cast: lavorare con ragazzi giovani offre numerosi vantaggi, fra i quali la genuinità delle emozioni e la mancanza di superbia degli attori. Inoltre, fra cast e membri del set si è instaurato un feeling vero e proprio che ha permesso a tutti di capirsi solo con uno scambio di sguardi, motivo per cui, passati i primi giorni, è stato semplice superare le differenze linguistiche. Il team degli addetti ai lavori è infatti tutto italiano, essendo stati riconfermati quasi tutti i reparti intervenuti per Alex & Co., mentre i giovani attori, di origini anglosassoni, non padroneggiano ancora la nostra lingua.

Parola agli attori

Dopo aver ascoltato l’opinione del signor Norza, Olivia-Mai Barret, Shannon Gaskin e Finlay MacMillan l’hanno raggiunto sul palco, dove hanno potuto rispondere alle nostre domande.

Olivia ha raccontato di non essersi sentita molto spaesata a Milano: benché infatti fosse la sua prima volta in Italia, il clima frenetico della grande città non le è sembrato molto diverso da quello londinese. Simile al personaggio che interpreta per le passioni comuni (quali il canto e il divertimento nel tingersi i capelli di colori accesi e vivaci), anche caratterialmente non differiscono molto. Nonostante sia un’attrice, Olivia dice di essere una ragazza molto timida, proprio come Penny. Tuttavia, ha trovato molta difficoltà nell’interpretare un personaggio che cresce. Olivia è un po’ più adulta di Penny, ma le è piaciuto molto poter riaffrontare le tappe essenziali alla maturazione che conducono gli adolescenti all’età adulta. Appassionata di felini, ha apprezzato molto durante le riprese i numerosi gatti presenti al Castello Sforzesco, che si è divertita a inseguire (e coccolare), incurante della produzione che tentava di tenerla lontana.

Shannon (alla quale tutte le persone presenti hanno cantato “Happy birthday to you“, diretti da Finley), è invece l’opposto. Estroversa ed esuberante proprio come Camilla, ama il tiramisù, la musica e sa come essere un’ottima amica (anche nella vita reale). Ha raccontato di essersi divertita molto durante le riprese, fra aneddoti buffi, inconvenienti e duro lavoro, ha instaurato un buon rapporto con gli altri membri del cast. Inoltre, ha espresso il suo amore verso le città italiane: avendo già visitato Roma in passato, ha colto l’occasione della serie per passare da Venezia, la quale l’ha colpita per la mancanza di smog o traffico e per la sola presenza del suono dell’acqua dei canali.

Per quanto riguarda Finley, ha definito la recitazione “un’esperienza meravigliosa”. Dopo aver interpretato Enoch O’Connor in Miss Peregrine – La casa dei ragazzi speciali, MacMillan cede al fascino di ballo e canto. Ha rivelato di non aver mai danzato prima d’ora davanti allo schermo, grande o piccolo che sia, mentre con Penny On M.A.R.S. è arrivato addirittura a scrivere canzoni. Ha infatti espresso la sua gratitudine al produttore per avergli permesso di comporre personalmente alcune delle musiche che sentiremo nella serie.
Di fatto, la musica lo appassiona sin dall’infanzia: all’età di 5 anni, la madre gli regala una chitarra, con la quale il piccolo Finley impara a strimpellare qualche accordo. Tuttavia, raggiunti i 21 anni inizia a ricredersi sulle proprie capacità: “Non sono certo un prodigio” racconta attraverso la traduttrice “A cinque anni ho imparato a suonacchiare; ora ne ho ventuno e conosco ancora solo 3 accordi. Magari per il prossimo anno imparo il quarto.”

La musica quindi è il denominatore comune dei tre artisti: da una parte Olivia, amante dei Led Zeppelin, dall’altra Shannon che varia da Sia a Stevie Wonder, per concludere con Finley che sceglie Bob Dylan e i Rolling Stones.

Quindi, se avete amato Alex & Co., Violetta (o Il Mondo di Patty), l’appuntamento è da lunedì 7 maggio 2018, dal lunedì al venerdì, alle 20.10 solo su Disney Channel (canale 613 di Sky).

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