Recensione

Il digitale è arrivato ovunque, ha cambiato le nostre vite. È dunque normale vederlo arrivare nel mondo del fumetto. L’app tutta italiana Jundo si presenta come la versione fumettistica di Netflix, pronta a farci fare binge-reading dei nostri nuovi fumetti preferiti.

L’interfaccia di Jundo è effettivamente molto simile a Netflix. Si sceglie un nome e un avatar, si indicano preferenze di genere e si parte. Il catalogo è suddiviso in generi, con sezioni diverse, ormai familiari per chiunque bazzichi lo streaming legale. E dunque esiste una versione in primo piano, una sezione leggi dopo con i fumetti selezionati dall’utente, una sezione con i fumetti più segnalati dagli altri utenti e via dicendo.

Rispetto a Netflix ha anche la possibilità di segnalare fumetti che non sono piaciuti, in modo da migliorare sensibilmente l’esperienza futura di lettura, evitando consigli futuri basati su letture che non hanno interessato. Ritengo questo una scelta di civiltà, mi si passi l’espressione, perché troppo spesso ho avuto consigli di film o serie tv basate su robe che non mi sono piaciute e quindi il poter ancor di più personalizzare l’algoritmo di scelta mi piace molto.

Il punto di forza

Ovviamente Jundo è principalmente i suoi fumetti. L’app ha accordi con la casa editrice di Taiwan Dala Publishing, ma sopratutto con l’americana Dark Horse, potendo così offrire agli utenti il meglio del fumetto indipendente USA. In aggiunta, ci sono gli originali Jundo, prodotti da autori italiani. Il catalogo è comunque costantemente aggiornato e le uscite cadenzate come vuole la tradizione.

Trovo che sia lodevole voler puntare molto su fumetti nostrani, dando modo a nuove vocie di emergere e di pubblicare i propri fumetti. Magari può voler dire qualità altalenante, ma allo stesso tempo può creare gemme nascoste. Insomma, è una bella idea, nella quale anche gli utenti possono partecipare. C’è infatti una sezione dove ci si può proporre come autore.

C’è quindi il tentativo di includere gli utenti e lettori nel mondo Jundo, creando sinergie che per app grandi e grosse sono impossibili e che testimoniano quanto possa essere bello e vario il mondo del fumetto. La carta è forse inimitabile, ma il digitale è funziona e può dar vita a soluzioni inedite e altrettanto bella. Jundo ce lo dimostra, il tutto al prezzo irrisorio di €1.99 al mese.

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Il finale (per ora) di una saga leggendaria come Star Wars non può che portare a celebrazioni in ogni dove e noi di Nerdando non ci facciamo mancare niente. Quindi dopo aver parlato di musica e delle ispirazioni della saga, parliamo di fumetti.

Fumetti stellari

I fumetti di Star Wars hanno una storia lunga e un po’ travagliata. La prima serie esce nel 1977 insieme al film, pubblicata da Marvel Comics che pubblicherà una serie regolare e gli adattamenti a fumetti della prima trilogia.  A fine anni ’80 i diritti passano a Dark Horse che fino al 2014 pubblicherà una notevole quantità di serie e miniserie legate al cosidetto Universo Espanso.

Nel 2015 i diritti tornano a George Lucas, che a quel punto vuol dire Disney e quindi i nuovi fumetti escono in “casa” e nuovamente per Marvel.

Con un piccolo cambiamento: vengono dichiarate non-canon tutte le storie dell’Universo Espanso. Si decide infatti di ripartire da zero e raccontare nuove storie legate al nuovo corso e legate da una continuity comune e stretta con i film. Le vecchie storie Marvel e Dark Horse sono state da allora ristampate come Legends e sono considerate fuori continuity.

Questa lista, creata insieme ai Grand Moff di Star Wars della redazione di Nerdando jedi.lord e Frankiededo, include sia storie considerate oramai Legends, sia storie del nuovo corso Marvel. Perché una bella storia è sempre una bella storia.

Dark Empire

Con il trailer di Episodio IX: L’ascesa di Skywalker e quella risata, questa saga è diventata ancor più ufficialmente il più grande What If? di Star Wars. Che ovviamente non toglie niente alla storia in sé.

Uscita tra 1991 e 1998, scritta da Tom Veitch e disegnata da Cam Kennedy e Jim Baikie, Dark Empire è la prima (e per molti anni unica) saga che parla del post-Ritorno dello Jedi.

Nella saga, divisa in tre capitoli, Palpatine ritorna tramite cloni e Luke cede momentaneamente al Lato Oscuro. Inoltre viene introdotto il figlio di Leia e Han Solo, Anakin.

Una saga epica e monumentale, per vedere un’altra versione di Star Wars e un modo diverso di dare un seguito alle avventure della trilogia classica. Una gemma fuori dal tempo.

Le Cronache dei Jedi: Età d’oro dei sith/Vecchia repubblica

Bariamo un po’, inserendo quelle che sono due saghe ma appartenenti alla stessa serie e alla stessa grande storia. Le Cronache dei Jedi è stata una serie uscita tra 1994 e 1998 che racconta la prima guerra tra la Repubblica e i Sith.

Ambientata millenni prima di Star Wars, quindi ancora più tempo fa e in un galassia molto più lontana, Le Cronache dei Jedi furono un progetto ambizioso di dare ancora più profondità ai concetti e all’universo di Star Wars.

Un passato così remoto non si era mai visto. Questo permise agli autori, tra gli altri Kevin J. Anderson, Tom Veitch, Chris Gossett, Dario Carrasco Jr., di andare dove nessun uomo era mai andato prima (no, aspettate, ho sbagliato franchise) in direzioni fresche e inusuali.

Nel corso delle varie saghe vengono introdotti concetti, razze aliene, personaggi e ambientazioni che verranno poi riprese in altri prodotti, dai videogiochi (Knights of the Old Republic, anyone?) ai film.

Darth Vader: Dark Lord of the Sith

Non c’è bisogno che vi venga a dire io che Darth Vader è forse il personaggio più noto della saga no? È quindi normale che già nel 2015 gli viene dedicata una serie personale. Quella serie è ambientata tra Guerre Stellari: Una nuova speranza e L’Impero Colpisce Ancora, ed è una buona serie.

Ma è la serie del 2017 ad avere una marcia in più. Scritta da Charles Soule e disegnata da Giuseppe Camuncoli, Dark Lord of the Sith inizia nel momento in cui finisce Episodio III:La vendetta dei Sith e racconta i tumultosi primi giorni di Darth Vader e dell’Impero, quando nessuno sa chi è Darth Vader e cosa fare dell’eredità dei jedi.

Non è il Vader dei film ma una versione ibrida, che sta sempre di più immergendosi nel Lato Oscuro. E per questo è ancora più affascinante. È una vera e propria coming-of-age, solo nerissima e senza speranza, conoscendo quello che è successo e quello che succederà.

Un tassello fondamentale nell’evoluzione di uno dei personaggi più famosi di sempre.

Lando

Le nuove storie Marvel hanno il pregio di concentrarsi sui “buchi” tra i vari film e di puntare i riflettori verso specifici personaggi. E chi meglio di Lando Calrissian si meritava una miniserie?

Lando, uscita nel 2015, è tra le miniserie più incensate dai fan. Scritta da Charles Soule e disegnata splendidamente da Alex Maleev, Lando racconta di un tentativo di rapina spaziale per ripianare i propri debiti da parte dell’ex proprietario del Millenium Falcon.

Nel corso della storia abbiamo modo di approfondire il suo carattere e la sua personalità borderline, di scommettitore seriale e seduttore incallito. Aspetti che lo differenziano dall’amico Han Solo e che lo porteranno nei guai fino a tradire l’amico in L’Impero colpisce Ancora.

Nella mini Lando s’imbarca in una missione semi-suicida che diventa via via sempre più cupa e senza speranza. Parte come Ocean’s Eleven e finisce come Alien, per usare paragoni cinematografici.

Dottoressa Aphra

La Dottoressa Aphra è senza dubbio il personaggio originale più celebre del mondo fumettistico di Star Wars, tanto da essere arrivata in videogiochi, giochi da tavolo e, si vocifera, in una futura serie TV a lei dedicata.

Compare per la prima volta nella serie regolare di Darth Vader e il motivo del suo successo è presto detto: è un’archeologa egoista, approfittatrice, codarda, filo-imperiale e cinica, cosa non è da amare? Kieron Gillen, creatore del personaggio, ha detto che per crearla ha pensato a Indiana Jones ma donna e amorale.

Viene reclutata spesso da Darth Vader per recuperare manufatti preziosi, con la promessa di essere uccisa velocemente a fine del lavoro, ma per un motivo o un altro riesce sempre a scappare. La accompagna la coppia di droidi appartenenti a Vader, suoi amici-nemici, 0-0-0 e BT-1. In pratica, la versione sadica e omicida di C-3PO e R2-D2.

Dopo numerose apparizioni a fianco di Vader, si è guadagnata una serie regolare, scritta da Kieron Gillen e Si Spurrier e disegnata tra gli altri da Salvador Larroca e Kev Walker. Nella sua serie regolare incontra personaggi celebri della saga di Star Wars e, fra le altre cose, è il primo personaggio esplicitamente LGBT di questo universo, una caratteristica che sarà inserita in modo perfetto e organico nelle sue avventure.

Insomma, uno dei personaggi più riusciti del nuovo corso Disney in una delle serie a fumetti più divertenti ambientate nel mondo di Star Wars.

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Sapete di cosa abbiamo più bisogno? Di prodotti ispirati a Grosso Guaio a Chinatown. Per fortuna SaldaPress ci ha dato l’occasione di leggere The Ghost Fleet, uno dei primi lavori del nuovo golden boy del fumetto americano Donny Cates, coaudivato ai disegni da Daniel Warren Johnson e uscito tra 2014 e 2015 per Dark Horse.

Recensione

The Ghost Fleet inizia (più o meno) durante la guerra anglo-americana del 1812. Scopriamo infatti l’esistenza di una società segreta attiva da sempre e specializzata nel trasportare in segreto qualsiasi cosa. Basta pagare. E ai giorni nostri una consegna di detta compagnia finisce male e da lì parte veramente la nostra storia. Una storia di vendetta, società segrete e mostri apocalittici, le solite cose. Non vado tanto nel dettaglio per non spoilerare.

Come potete capire da queste poche righe Cates inserisce tanti elementi. Uno potrebbe dire troppi ma non è vero. Perché Cates dimostra di saper bilanciare bene tutto e ha sempre il controllo della storia e dei suoi elementi. Ed è qui che arriva Grosso Guaio a Chinatown. Come nel capolavoro di John Carpenter, Cates pesca a piene mani da più parti per farci una storia di camion e mostri.

A Cates piace la fantascienza e il fantasy ma gli piace ancora di più mischiare questi generi nel profondo dell’America. Lo si vedeva già in Redneck e nel bellissimo God Country e anche qui i protagonisti si ritrovano tra Nevada e Texas a combattere esseri mitologici.

Il protagonista Trace non ha il carismo tamarro di Jack Burton e in generale il tono del fumetto è meno ironico di Grosso Guaio a Chinatown ma a parte questo siamo lì. The Ghost Fleet si regge benissimo in bilico tra le sue parti ed è una miniera di trovate e idee. Ma tipo che quasi in ogni capitolo c’è qualcosa su cui si potrebbe fare un fumetto a parte. E sarebbe un fumetto fichissimo (ad esempio un fumetto con Mickey Reno lo leggerei immediatamente). Un ragionamento simile vale anche per il finale. La storia a un certo punto sembrava destinata ad una seconda parte che tirasse le fila e invece prende una piega diversa ma comunque geniale e finisce tutto così, con una conclusione un po’ spiazzante e aperta.

Da un lato questa sovrabbondanza di idee può stranire e può non essere per tutti. Alcune pezzi della storia forse avrebbero avuto bisogno di qualche spiegazione o approfondimento in più, in particolare nei rapporti tra i personaggi. Però d’altro canto oggigiorno sempre più fumetti seguono la strada della decompressione massima per cui è una boccata d’aria fresca leggere una storia coesa e sparata a mille senza dover aspettare dieci volumi per veder succedere qualcosa.

Ai disegni Daniel Warren Johnson infonde alla storia la giusta frenesia e ha l’occhio cinetico per le scene d’azione che in un fumetto del genere sono il 90% del lavoro. Colori e chine sono perfetti per rappresentare tutta l’esplosività della storia. Ci sono un paio di splash page di una cafonaggine pazzesca e che mi sono goduto appieno.

Conclusioni

The Ghost Fleet è un lavoro meno sentito di altri di Cates ma un perfetto ponte per spiegare alcuni sui fumetti mainstream tipo Cosmic Ghost Rider (esiste davvero). Già all’inizio della sua carriera Cates sapeva bene cosa fare e cosa dire. Non aspettatevi grosse introspezioni o tematiche profonde. Qui siamo troppo occupati ad essere lanciati con un camion a mille all’ora mentre lottiamo con demoni biblici per pensare ad altro.

Nerdando in breve

Grosso Guaio a Chinatown con più camion, più mostri e più sangue.

Nerdandometro: [usr 4.0]

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Recensione

Nel 1984 James Cameron faceva la storia con Terminator, film di fantascienza destinato a diventare un cult, a lanciare la stella di Arnold Schwarzenegger e a far scervellare gli spettatori sui loop temporali (non so voi, ma io ancora oggi sto lì ad arrovellarmi).

A 35 anni di distanza, il mito di Terminator è ancora più che mai vivo, alimentato da diversi sequel (più o meno riusciti) su grande schermo, un reboot cinematografico, una serie TV e numerose trasposizioni su altri media. Pronto a spegnere 35 candeline il 26 ottobre 2019, il capolavoro di Cameron tornerà al cinema il mese successivo con un sequel (Terminator – Destino Oscuro) che vedrà Arnold Schwarzenegger e Linda Hamilton riprendere i ruoli che li resero immortali nel 1984.
Ma prima ancora, per la precisione il 26 settembre, le celebrazioni si trasferiranno sulle pagine grazie a SaldaPress, che pubblica Terminator – 35° anniversario.

Lo speciale, che contiene le storie “Tempesta” e “Un solo colpo“, porta in Italia una pietra miliare del fumetto americano, pubblicata in America da Dark Horse dopo il successo della prima pellicola e prima del sequel canonico del 1990 e ci mostra come gli autori John Arcudi e Jamie Robinson si siano lasciati ispirare dalle suggestioni del film per proseguire la storia.

Sfogliare l’albo, devo ammetterlo, è un tuffo nel passato: le tavole di Chris Warner e Paul Guinan nel primo racconto e di Matt Wagner nel secondo sono riuscite a riprodurre pienamente le atmosfere che hanno reso celebre il film e gli autori delle due storie hanno saputo immergersi e rispettare coerentemente la narrazione, dando vita ad un microcosmo legato alla pellicola e allo stesso tempo pienamente autonomo.

Trama

Come detto, entrambe le storie si collegano direttamente al primo film ignorando i successivi sviluppi visti al cinema. E d’altra parte, non potrebbe essere altrimenti, visto che sono state immaginate prima che si desse vita ai sequel filmici.

In Tempesta John Arcudi immagina una prosecuzione diretta del film. Dopo gli eventi visti al cinema, infatti, John Connor manda nel passato un plotone d’assalto con lo scopo di uccidere il dottor Hollister, responsabile della messa a punto di Skynet. I soldati umani, però, vengono raggiunti nel passato da un gruppo di Terminator, con l’obiettivo di proteggere il professore a qualunque costo e uccidere i ribelli.
Grazie anche ai disegni di Chris Warner e Paul Guinan ci troviamo di fronte a una storia muscolare e adrenalinica, ricca di colpi di scena e rovesciamenti di campo che scorre via tutta d’un fiato.

Un solo colpo, invece, si ambienta contemporaneamente agli eventi mostrati nel film Terminator. Mentre Sarah Connor e Kyle Reese cercano disperatamente di sfuggire al T-800 a Los Angeles, a San Francisco si sta consumando un dramma analogo. Il T-800, infatti, non è l’unico Terminator mandato nel passato da Skynet a terminare Sarah Connor: una sua controparte dall’aspetto femminile è sulle tracce della Sarah Connor sbagliata ma non per questo è meno determinato a portare a termine il lavoro. La storia scritta da Jamie Robinson è forse più introspettiva di Tempesta ma conserva perfettamente lo spirito del film, aiutata dalle tavole di Matt Wagner, che personalmente ho adorato.

Volume

Terminator – 35° anniversario è un volume da non perdere, curato nei dettagli e che non scontenterà gli appassionati del classico di Cameron.
Le 160 pagine a colori, concluse da alcune splendide tavole e racchiuse in volume cartonato di pregio, saranno in vendita dal 26 settembre 2019 al prezzo di copertina di 24,99€.

Il fumetto, oltre a celebrare l’importante ricorrenza dei 35 anni dell’opera originale, inaugura anche la pubblicazione da parte di SaldaPress della serie mensile Terminator, che sarà pubblicata a partire da ottobre 2019.

Nerdando in breve

Terminator – 35° anniversario porta in Italia il sequel ufficiale a fumetti pubblicato in America dopo l’uscita del film del 1984. Un’occasione da non perdere!

Nerdandometro: [usr 4.2]

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Recensione

C’era davvero bisogno di un reboot cinematografico di Hellboy?

Penso che questa sia la domanda che tutti noi ci siamo fatti all’annuncio del nuovo film diretto da Neil Marshall, che di fatto resetta la presenza cinematografica del personaggio creato da Mike Mignola nel 1993, il cui esordio sul grande schermo porta invece la data del 2004.

Dopo due film, diretti dal plurivincitore di premi Oscar Guillermo del Toro, il Rosso (questo il soprannome di Hellboy) torna nei cinema con rinnovato vigore, facendo piazza pulita delle storie raccontate dal talentuoso regista messicano e ricominciando, effettivamente, da capo.

Molta importanza si è data al maggior coinvolgimento di Mignola sia nella sceneggiatura che in generale nella creazione di questo nuovo inizio, che andrebbe quindi a fornirci un’immagine del Rosso molto più vicina a quella del suo papà su carta; inoltre l’aver affidato la regia ad un autore di film horror servirebbe a virare lo stile della pellicola verso atmosfere più consone al personaggio.

Ma bando alle ciance, che sennò vi spazientite: lo so cosa volete sapere, quindi cominciamo ad andare dritti al punto.

Chi è Hellboy

Due parole sul personaggio, siate pazienti, ve le devo pur dire, che non tutti quelli che arrivano qui magari conosceranno vita, morte e miracoli del bestione rosso.

Hellboy è sostanzialmente un demone, che fu evocato sulla Terra dallo stregone siberiano Rasputin al soldo dei nazisti nel 1944; fu sottratto ai Nazisti ancora cucciolo, fu allevato dal professor Trevor Bruttenholm che lo crebbe come un umano.

Particolarità dell’aspetto di Hellboy sono le corna tagliate, che egli stesso evita di far crescere, e la mano destra gigantesca, cui è legata buona parte del destino del personaggio.

Da adulto Hellboy entra a far parte del Bureau of Paranormal Research and Defense (BPRD) ed insieme alla sua squadra si occupa di casi paranormali in tutto il mondo.

Il fumetto di Hellboy è pubblicato dal 1994, quando esce il primo numero della prima serie per i tipi della Dark Horse, “Il seme della distruzione” e prosegue da allora in modo molto differente dal classico fumetto supereroistico, dato che la scrittura è del solo Mignola che ne detta i ritmi.

Un caso quindi di fumetto molto più autoriale di quanto si possa credere e che vanta fan affezionatissimi allo stile peculiare delle storie, dei disegni e delle tematiche trattate, che affondano le radici nell’horror, nei romanzi pulp e nel folklore popolare.

In Italia le storie di Hellboy sono pubblicate dalla Magic Press, che ne detiene i diritti, in volumi che raccolgono cicli narrativi. Quest’anno vedrà la luce una edizione speciale per il 25esimo anniversario.

Trama

Come da tradizione, qui su Nerdando.com gli spoiler sulla trama sono banditi perché possiate goderne al meglio su grande schermo; ciò però non mi impedisce di accennarvi ad un canovaccio e citare ispirazioni.

La trama del nuovo Hellboy è tratta dalla miniserie più lunga tra tutte le storie scritte sul personaggio e quella probabilmente più importante, dato il forte impatto sulla sua biografia: “La caccia Selvaggia” (The Wild Hunt, pubblicato nel nono volume italiano della serie), che fa parte di una trilogia iniziata con “Il richiamo delle tenebre” e conclusa con “La tempesta e la furia“, dalle quali la pellicola trae alcuni spunti.

Niente racconto delle origini (o quasi…), e immediatamente uno snodo principale della vicenda.

Come scelta a mio avviso non è affatto male, in tempo di cinema super decompresso in cui per assistere al finale di una vicenda devi aspettarti quantomeno una trilogia; il ritmo è gestito bene, velocemente, forse anche troppo e di certo non c’è tempo per annoiarsi.

Tra forti scene d’azione, colpi di scena incredibili, morti violente e caciara il film passa in fretta, e forse abbiamo poco tempo per approfondimenti di personaggi, psicologia spiccia e roba simile, ma quantomeno il personaggio principale ci apparirà molto ben delineato.

Hellboy ha un gran carisma proprio di suo e spicca tra tutti i personaggi per il suo essere un vero e proprio antieroe grezzo, brutale, sarcastico e profondamente umano.

Ovviamente, come ci si poteva aspettare, il finale lascia ampio spazio per un seguito (o più di uno), lasciando anche aperta una delle trame secondarie della vicenda. Ci sta, dopotutto, oggigiorno è impensabile far uscire al cinema un personaggio dei fumetti per farlo durare un solo film.

Personaggi

Hellboy interpretato da David Harbour (Jim Hopper in Stranger Things) mi ha convinto parecchio, forse anche più di quello di Perlman dei film precedenti: è una forte presenza fisica sullo schermo, le fattezze e le movenze sono esattamente quelle che mi sarei aspettato, compresa la punta di ironia cinica che ci sta alla grande.

Anche la voce (l’ho guardato in originale) è perfetta per un demone umanizzato. Dal punto di vista del protagonista, casting azzeccato.

Hellboy di David Harbour è bellissimo.

Il professor Broom, interpretato da Ian McShane è più sui generis e diverso dal vecchietto che ricordavamo, ma non per questo meno buono: è un personaggio molto più in linea con i tempi moderni e con gli odierni film di supereroi.

Milla Jovovich interpreta invece Nimue, principale antagonista del nostro bestione e devo dire che come parte le sta bene, con il suo sguardo glaciale e distaccato sembra proprio provenire dalle nebbie dei secoli bui.

Come comprimari avrei preferito i classici Abe e Liz Sherman perché ci sono affezionato, ma devo dire che Alice mi ha convinto, un po’ meno Daimio, interpretato da una vecchia conoscenza dei fan di Lost, ma sono gusti.

Stile

Ecco che ci addentriamo nel punto focale del discorso, anche se vi sembrerà strano.

Infatti, devo confessarvi che, uscito dal cinema, non avevo ben capito se mi fosse piaciuto o no, questo reboot.

La trama non mi era dispiaciuta, anzi, così come gli attori e in generale come erano stati trattati i personaggi.

Cos’era allora, quella punta di insoddisfazione?

Credo, dopo una notte di sedimentazione delle emozioni, di averlo individuato nello stile del film.

Vi spiego.

La regia di Marshall è parecchio orientata all’azione, e le scene di combattimento in effetti sono belle e furiose; la provenienza dal mondo degli horror si riflette in una decisa virata verso lo splatter e gli spargimenti di sangue, tanto che negli USA il film è stato classificato come PG-17.

Il problema è che questo stile non mi ha convinto del tutto.

Io Hellboy me lo immagino sempre come gotico, oscuro, crepuscolare e la super velocità delle scene, l’utilizzo eccessivo della musica rock nei momenti d’azione e  il voler a tutti i costi portare nella modernità un personaggio che è affascinante anche per i continui riferimenti al passato che permea completamente le storie è, a mio avviso, un po’ forzato.

Senza dubbio si tratta di un film moderno, modernissimo anzi, ma con un cuore ancorato ai B-Movie dei decenni passati; se più horror doveva essere, me lo aspettavo più oscuro e meno rispondente ai canoni del classico film d’azione/supereroistico degli ultimi anni.

Di sicuro ho in mente il ricordo delle vicende narrate da quel grande bardo dell’inquietudine che è Del Toro, ben altro talento (che io personalmente adoro), senza voler nulla togliere a Marshall, e il confronto ne risente assai.

Altro punto discutibile, sempre secondo il mio umil parere, è la CGI: le scene sono molto curate senza dubbio, ma ho trovato l’utilizzo della computer grafica non a livello in tutte le scene. Addirittura alcune mi sono sembrate tratte dal film con una ventina d’anni sulle spalle!

Queste critiche prendetele, ovviamente, per quello che sono: un punto di vista personale influenzato da ciò che io mi aspettavo dopo aver visto e letto le intenzioni della produzione. Non è detto che a molti di voi questo stile potrà farvi impazzire.

In conclusione

In conclusione, com’è questo reboot?

Lo definirei un film modernissimo ma dall’estetica che guarda con non poca nostalgia a certi B-Movie degli anni ’90, che porta idealmente Hellboy nel XXI secolo con tanta azione, tanto sangue, e un cast azzeccato, ma pure con la strizzata d’occhio, appunto, a quella nostalgia che tanto va di moda; qualche dubbio me lo lascia l’impronta troppo moderna e caciarona su un eroe crepuscolare e quasi drammatico, anche se a lui, sostanzialmente, del dramma non frega nulla.

Ottima senza dubbio la scelta dell’interprete principale, un Harbour perfettamente calato nel ruolo. Molto bene anche le scene d’azione, ipercinetiche e a tratti tamarrissime.

Non lo promuovo a pieni voti, sperando in un sequel che sappia aggiustare il tiro su alcuni aspetti che a me personalmente non hanno convinto appieno.

Hellboy esce in Italia in anteprima mondiale l’11 aprile 2019 e il 12 in tutto il resto del mondo.

Nerdando in breve

Hellboy è la nuova incarnazione cinematografica del personaggio di Mike Mignola con nuovo attore, nuova trama e nuovo regista. E anche un nuovo stile.

Nerdandometro: [usr 3.0]

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C’è chi li ama e chi li odia, gente! Di cosa stiamo parlando?

Ma dei crossover, naturalmente!

Nel caso sentiste questa parola per la prima volta, crossover deriva dall’inglese to cross, traducibile con “attraversare”. In termini spicci, il concetto prevede di unire in un’unica narrazione due o più personaggi appartenenti a mondi completamente diversi.

1. Freddy vs. Jason

Diretto dal regista cinese Ronny Yu, questo film horror del 2003 metteva per la prima volta a confronto i due… mostri sacri del cinema.
Dopo ben 7 pellicole dedicate al famoso Freddy Krueger e 10 legate all’universo di Venerdì 13, pare che i fan fossero entusiasti all’idea di vedere uno scontro tra i due personaggi; l’accoglienza, infatti, fu tale che la pellicola incassò circa 15 milioni di dollari e arrivò a piazzarsi come il secondo film più proficuo nella saga di Nightmare.

Si è parlato anche di un sequel, a dir la verità. La seconda pellicola avrebbe dovuto vedere l’ingresso di Ash Williams de La Casa come terzo polo narrativo, ma Sam Raimi (fortunatamente, verrebbe da dire) si è sempre dichiarato contrario a questa eventualità. Non mancano, tuttavia, voci che gradirebbero la partecipazione di Michael Meyers di Halloween ad un eventuale secondo capitolo; nello stesso primo film, infatti, i creatori avevano avuto la tentazione di inserire altre icone del cinema slasher (Pinhead di Hellraiser era l’indiziato numero uno in tal senso) e il serial killer di Haddonfield sembra un avversario più che degno per i due protagonisti del film.

2. Alien vs. Predator

Appena un anno dopo, nel 2004, ci pensa la 20th Century Fox a proseguire sulla scia degli incontri improbabili. Già ideato negli anni 80 da Randy Stradley, che con una serie di fumetti editi da Dark Horse Comics aveva narrato l’incontro tra le due diverse razze aliene, lo scontro tra la creatura di Ridley Scott e il letale cacciatore era, sulla carta, estremamente interessante. Dopo il finale di Predator 2, in cui è visibile un teschio di xenomorfo, i fan già speravano in una pellicola in grado di sintetizzare il meglio delle due saghe e di creare qualcosa di originale ma aderente allo spirito dei personaggi.

3. Batman v Superman: Dawn of Justice

Chi non ha fatto il tifo per l’uomo pipistrello alzi la mano.
Seriamente, la Warner Bros. sembra aver tentato di tutto per cercare di tenere sullo stesso livello il kryptoniano perfettino e l’alter ego di Bruce Wayne, ma c’è stato davvero poco da fare.

Con un aspetto più maturo e cattivo rispetto a quanto visto nei precedenti film, Batman torna in azione con un giovanissimo Alfred e tanta rabbia nei confronti di una minaccia potenzialmente incontenibile quale il superpotente alieno Clark Kent.

Per la prima volta i fan si sono potuti godere una vera e propria super scazzottata tra i due e questo, per me, è semplicemente imbagabile.

4. The Avengers

Lo hanno annunciato ed il respiro di tutti si è fermato.
Stiamo parlando del lontano 2012 ed ormai l’idea di vedere gli eroi più potenti della terra uniti contro una minaccia più grande non suscita la stessa emozione di un tempo, ma io ricordo bene quando, al termine del primo film dedicato a Capitan America, la sensazione di trovarsi di fronte a qualcosa di grandioso non riusciva a togliermisi dalla mente.

Rendere sullo schermo l’epicità dei fumetti dei Vendicatori sembrava un’impresa quasi impossibile, ma Disney è riuscita a cavarsela egregiamente.

5. La rivincita dell’incredibile Hulk

Qui si parla davvero di storia.
Era il 1988 l’anno in cui Nicholas Corea pensò di far scontrare l’irascibile omaccione verde con il dio del tuono.

L’inserimento del personaggio di Thor all’interno del film che doveva fungere da termine per la serie televisiva dedicata al dr. Banner e, al contempo, da pretesto per la creazione di una serie interamente dedicata all’eroe vichingo; il progetto, però, non ebbe successo e alla fine si risolse in un nulla di fatto.

Lou Ferrigno ed Eric Kramer hanno dato vita a dei personaggi molto diversi dalla loro controparte cartacea, ma il film segna davvero un punto di svolta per ogni vero appassionato di fumetti.

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L'articolo Crossover – i 5 più famosi della storia del cinema proviene da Nerdando.

Recensione

Bentornati all’ormai consueto appuntamento con il mensile dedicato all’universo degli xenomorfi.

Questo mese il menù del mensile di Aliens, precisamente il numero 9, ci propone la seconda parte dell’apprezzata miniserie del 1999 intitolata “Aliens: Apocalypse – The destroying angels“, la cui prima parte era stata pubblicata il mese scorso.

Bando alle ciance e andiamo a vedere come si conclude la vicenda!

Trama e personaggi

Avevamo lasciato la nostra protagonista (sempre una donna super tosta, come da tradizione dell’universo Alien) in una situazione spinosa ed inquietante: rinchiusa in una cittadella aliena, alla mercé di xenomorfi comandati da… uno scienziato umano.

Come sia possibile questo non ve lo dirò perché ve lo lascio scoprire leggendo la storia, ma sappiate che la trama imbastita fa Mark Shultz viene portata a compimento in modo degno, soprattutto considerando di quanti anni sia precedente alle nuove pellicole cinematografiche.

Infatti, come dicevamo il mese scorso, questa miniserie in qualche modo anticipa alcuni dei concetti su cui sono fondate sia Prometheus che Alien: Covenant, ma con un velo di misticismo maggiore, donando alle creature più temute dell’universo un valore quasi biblico: gli Angeli della Morte, coloro cui è stato dato il compito di perpetrare l’Apocalisse anche ai danni degli stessi creatori.

Una sorta di Cavalieri dell’Apocalisse con la bava acida e verde.

Non so a voi quando la leggerete (o se l’avete già fatto) ma a me ha ricordato moltissimo la questione dei Razziatori in Mass Effect. E quella è una trama che mi è sempre piaciuta.

Uno sguardo di certo interessante e non banale, che coinvolge anche la razza degli Ingegneri visti in Prometheus: ricordiamo che all’epoca tutto ciò che si sapeva proveniva unicamente dalla prima pellicola del 1979 e Ridley Scott non era ancora riuscito a confonderci con delle trame piene di mancanze e confusione.

Ehm, ma non sono qui per dirvi questo.

Ho apprezzato molto il personaggio che dovrebbe essere il “malvagio” della storia, che si rivela una sorta antieroe, capace di commettere crimini mostruosi per un bene superiore. Non un qualcosa di nuovissimo, ma ben scritto.

Alla fine della fiera, lo svolgimento della storia mi ha convinto, seppur forse con una fase un  po’ lunga di spiegone, che però chiarisce l’intenzione di questa storia classica che, pur essendo probabilmente non più canonica a causa dell’uscita dei nuovi film, rimane per gli appassionati un must-read.

Disegni

Doug Wheatley è l’autore dei disegni anche della seconda parte della storia, in cui possiamo ammirare ancora meglio la sua assoluta capacità di disegnare ambienti alieni inquietanti e in perfetto stile Giger, capacità che è ugualmente ammirevole sulle creature aliene, splendide nella loro crudeltà (citazione dovuta per Dedo, ndr).

Ripeto, invece, i dubbi espressi lo scorso mese circa la rappresentazione degli umani: bene, ma non benissimo, alcune scene d’azione sono poco dinamiche, altre scene molto teatrali come impostazione.

Anche per il colorista Chuckry, stesso giudizio del mese scorso: bene il tratteggio sui corpi e il pastellato, meno l’uniformità e le sfumature sugli sfondi.

Editoriali

Questo mese grande spazio viene dato alla spiegazione delle tematiche espresse nella minisaga, con approfondimento legato al confronto con Prometheus e Alien: Covenant. Non guasta di certo, essendo una storia così importante per questo universo fumettistico.

Conclusione

Si conclude in questo numero una miniserie tra le più amate del franchise e a ragione: anticipando i temi di Prometheus, Shultz e Wheatley gettano un nuovo sguardo sulla natura dello xenomorfo, degli Ingegneri e dell’universo tutto. Prossimo mese, si parte con una nuova saga!

Nerdando in breve

Apocalisse si conclude qui: una miniserie assolutamente da recuperare per tutti gli appassionati di Alien!

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L'articolo Aliens #9 – Apocalisse, parte seconda proviene da Nerdando.

Recensione

Bentornati all’ormai consueto appuntamento con il mensile dedicato all’universo degli xenomorfi.

Siamo al nono mese di uscita e Aliens #8 ci propone una nuova direzione da esplorare per quanto riguarda le storie degli alieni più pericolosi di sempre.

Non che possiate aspettarvi di meno, se il titolo della nuova minisaga è addirittura “Apocalisse“.

Trama e personaggi

Apocalisse (in originale “Aliens: Apocalypse – The destroying angels“) è una mini serie in quattro parti uscita originariamente nel 1999 e ci accompagnerà anche il mese prossimo, quando potremo leggerne la conclusione.

Chi segue l’universo di Aliens sa che una delle domande fondamentali insite in molte delle storie trattate riguarda proprio le origini del fenomenale predatore xenomorfo, una forma di vita che sembra essere architettata per distruggere.

Se gli ultimi due film della serie cercano proprio questo tipo di risposte più profonde, intrecciando l’archeologia, la bioingegneria e la genetica, Apocalisse tenta di gettare uno sguardo più mistico alla ricerca della verità che circonda gli alieni dalla bava acida.

E ho come l’impressione che lo faccia anche meglio di quelle due pellicole.

Tenendo presente che, appunto, Apocalisse risale a ben 18 anni fa, non deve sembrare una scopiazzatura ritrovare alcune situazioni che echeggino di Covenant e Prometheus. Per intenderci: gli stilemi classici delle storie di Alien ci sono tutti e sappiamo come esse siano, purtroppo o per fortuna, un marchio di fabbrica che qualunque appassionato sa di potersi aspettare.

Però Mark Shultz, lo scrittore della storia, pur basandosi su queste solide basi, scrive una storia che sa camminare sulle sue gambe: al tema della classica spedizione perduta e alla seguente missione di salvataggio, aggiunge un’inquietante società che persegue la scienza pura come nobile ideale, ma che porta un nome che echeggia di setta religiosa.

L’esplorazione di antichi relitti, uno studioso impazzito, un nobile predatore e l’ignobile e ombrosa longa manus della onnipresente ed onnivora giga-corporazione Weyland – Yutani ammantano, di nuovo, l’ambientazione spaziale di quel miscuglio di incertezza e paura propri del franchise e ci portano ad approfondire, ancora una volta, un aspetto che non conoscevamo della storia di questo futuro immaginario e fosco.

I personaggi di Apocalisse coprono l’ampio spettro che va dal cliché della carne da cannone che muore subito, al comandante burbero ma di cuore alla nostra protagonista: un altro caposaldo dell’universo Alien è quello di avere le donne come protagoniste principali delle sue storie. A noi le donne toste ci piacciono, anche quelle che portano nomi particolari come Aletto Throop, la nostra specialista della missione di recupero.

Raffinatezza nei nomi dei classici sintetici ambigui, chiamati come antiche divinità legate all’ambito della paura e in maggioranza nella spedizione. Il personaggio forse più interessante è però quello che si vede di meno, lo scienziato Dott. Keitel, che avrà molto da spiegare nell’episodio del mese prossimo…

Disegni

I disegni di quest’albo, targati Doug Wheatley, un veterano dei comics, convincono molto per quanto riguarda la presentazione degli xenomorfi e degli ambienti alieni, ma riecheggiano un po’ troppo di quella ipertrofia caratteristica del fumetto supereroistica del fumetto di fine secolo scorso, che non è che mi facesse impazzire già da allora.

I colori di Chris Chuckry, altra vecchia conoscenza dei comics, tendono al pastellato, una curiosa ricorrenza nei fumetti di Alien e anche qui viaggiano a mio avviso tra alti e bassi: bene il tratteggio sui corpi, meno l’uniformità e le sfumature sugli sfondi.

Che poi, sono gusti, eh.

Editoriali

Questo mese saldaPress ci riserva uno sguardo alla saga Fire and Stone, appena conclusasi con i suoi cinque volumi (di cui abbiamo parlato anche in queste pagine) e approfondisce la carriera dei due autori di Apocalisse.

Conclusione

Nuovo numero, nuova miniserie per Aliens: torniamo al 1999 con una saga a quanto pare apprezzatissima, che viaggia su toni più mistici del solito e anticipa le tematiche trattate nei recenti film del franchise. E a mio avviso lo fa meglio.

Nerdando in breve

Inizia una nuova saga dell’universo Alien, che ci terrà compagnia anche il mese prossimo: Apocalisse, una saga dai toni mistici che viene direttamente dal 1999.

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L'articolo Aliens #8 – Apocalisse, parte prima proviene da Nerdando.

Recensione

E così, anche questo maxi evento è giunto al termine.

Sto parlando, come si evince dal titolo, di Fire and Stone, il primo, grande crossover fumettistico che ha coinvolto tutti i franchise afferenti all’universo Alien, che si prefiggeva per la prima volta di riunirli tutti in modo coerente e comprensivo.

A ciascun sotto-universo è stata riservata una mini-serie, con uno scrittore ed un disegnatore dedicato e di ciascuno di essi abbiamo diffusamente parlato qui su Nerdando.com.

In caso vi siate persi le puntate precedenti, qui trovate gli articoli relativi rispettivamente a Prometheus, Aliens, Alien vs. Predator.

Ora, bando alle ciance, è arrivato il momento di andare a vedere come tutto si conclude e se Dark Horse e i team dedicati siano riusciti in un’impresa ardua, perché si tratta comunque di brand diversi tra loro, che hanno avuto vite piuttosto diverse al cinema e sugli altri mezzi di intrattenimento, seppur con felici incontri di tanto in tanto (non ultimo il bellissimo videogioco Alien vs. Predator dei primi anni 2000).

Ancora una volta grazie a saldaPress, che ne cura l’edizione italiana e ci ha permesso di leggere questo Prometheus: Fire and Stone Omega.

Trama e personaggi

[Nota: seguono piccolissimi spoiler perché erano necessari per parlare del fumetto. Mi dispiace molto ma non cito nulla di così grave che possa inficiare la lettura.]

Prometheus: Fire and Stone Omega è il quinto volume di questa saga che ci ha accompagnato per tutto il 2017 (qui in Italia, negli USA risale a due anni fa) e che fa parte del progetto di rilancio dell’Aliens Universe a fumetti nel paese del tricolore.

Per il gran finale è stata scelta la penna di Kelly Sue DeConnick, già al lavoro su Captain Marvel della casa delle Idee e moglie del collega Matt Fraction (che ha scritto una delle poche serie di supereroi che ho letto in questi ultimi anni, ma questa è un’altra storia).

Ricapitolando le trame dei capitoli precedenti, in modo breve e conciso, una spedizione era partita per cercare la scomparsa nave Prometheus, vista nell’omonimo film e succede un bordello; anni dopo i fuggitivi di Hadley’s Hope, ovvero la colonia vista nel film Aliens – Scontro  Finale (quello di “vengono fuori dalle fottute pareti”, diretto da James Cameron) hanno una sfiga talmente cieca da andare a sbattere proprio sul pianeta dove si era perduta la spedizione di cui prima e succede, guarda un po’, un ennesimo bordello. Dulcis in fundo, nel marasma generale ci vanno di mezzo pure i temibili Predator: sangue, mazzate e violenza ovunque.

Or ora, sul pianeta delle sfighe più clamorose abbiamo i nostri fuggitivi (o perlomeno, i sopravvissuti alla mattanza del volume Aliens: Fire and Stone), compreso il personaggio più odioso dell’universo di Alien (e non è un Predator), Achab, che si è unito al gruppo dei disperati ed è il più figo di tutti.

L’arrivo (il ritorno, in effetti) di Elden, il sintetico mutato in essere malvagio dal mutageno dei precedenti episodi, si unisce al bel quadretto familiare e comincia la festa.

A questo punto, visti i precedenti, uno si aspetterebbe un finale piuttosto banale pieno di morti, azione e sangue. E invece, per la seconda volta in questo mese, sono qui a smentirmi.

Perché, come accaduto nel finale di Aliens: Defiance (che è stato pubblicato su un mensile sempre sotto etichetta saldaPress) all’ultimo atto si cambia rotta: lungi dal fornire tutte le risposte che aspettavamo e che potevano chiudere in modo definitivo le questioni rimaste aperte, il finale è molto più “lostiano”: un gruppo eterogeneo di personaggi (no, persone non potevo scriverlo) alla ricerca di una verità che, forse, non conosceremo mai.

È qui che capiamo quel “Prometheus” nel titolo: il finale si rifà proprio alla linea narrativa dell’ultimo franchise del gruppo, puntando più sul lato ragionato che su quello delle sparatorie.

È soddisfacente? Io credo di sì, pur con tutte le riserve date dal fatto che si tratta di un finale aperto e che non sappiamo se e quando avrà ripercussione sull’universo Alien e se mai rivedremo i nostri protagonisti.

Oppure, e questa è un’altra ipotesi che ho voluto leggerci io, la filosofia di fondo di tutta l’opera potrebbe essere racchiusa nell’ultima frase che chiude Omega: ciò che importa è l’esser vivi, non chi ci ha generati o perché: cosa ci interessa degli Ingegneri, del mutageno e compagnia, quando tutto ciò che potremmo ricavare dal giocare a fare Dio, o sostituendoci a lui, è solo morte e distruzione a causa della nostra stessa arroganza?

La figura di Elden (il vero Prometeo di tutto il crossover) è emblematica in tal senso:

“Vogliamo trovare un senso a noi stessi, siamo assetati di comprensione. Nella nostra arroganza, crediamo di esser fatti per qualcosa di più grande e che conoscere quello scopo ci renderà liberi… giocattoli rotti… miracoli banali… ci hanno creati perché potevano!”

La seconda storia che troviamo nel volume, o per meglio dire “ministoria”, scritta da Chris Roberson e intitolata “Aliens: Rapporto Operativo“, è un piccolo riempitivo non necessario, ma tutto sommato serve a dare una collocazione temporale agli eventi del crossover, se non fosse ancora sufficientemente chiaro (e io stesso avevo tentato di dare una timeline nella recensione del volume Aliens: Fire and Stone).

Disegni

I disegni di Prometheus: Fire and Stone Omega, affidati a Agustin Alessio,  richiamano lo stile del primo volume della saga, ma li trovo molto più raffinati, sia nella rappresentazione dei personaggi che in quella degli ambienti, rendendo il volume molto piacevole sia da sfogliare che da leggere. Merito anche dell’ottima colorazione ad effetto pastellato.

Discorso diverso per la ministoria, illustrata da Paul Lee: le illustrazioni sono molto più oscure e piuttosto anonime, non si perdono in chissà che particolari. Senza infamia e senza lode, direi, ma appunto la storia è un piccolo filler, quindi nessuno si lamenterà più del dovuto.

Edizione

Il progetto del rilancio dell’universo Aliens a fumetti in Italia è un progetto cui saldaPress ha creduto fortemente e che ci sembra, ora che è ben avviato ed indirizzato, un successo: storie con alti e bassi ma sempre godibili e divertenti, ben illustrate e presentate dall’editore con una cura certosina e maniacale, ricche di spunti, editoriali e approfondimenti che di certo non sono un pregio da far passare in secondo piano: io, da collezionista di fumetti, preferisco sempre acquistare un volume che non sia solo bello da leggere, ma anche da tenere in mano e in libreria.

Anche questo volume conclusivo di Fire and Stone non è da meno, anzi: la storia principale occupa circa la metà del volume, mentre il resto è una lussuosissima carrellata di interviste, approfondimenti, bozzetti, curiosità e making of che lo rendono la degnissima conclusione di una saga che ci ha accompagnati durante tutto l’anno.

In conclusione

Fire and Stone poteva essere di più? Forse sì, ma il progetto era piuttosto ambizioso e il finale gli rende giustizia: abbiamo letto, in questi mesi, storie divertenti, ben disegnate e che gettano un ulteriore sguardo su questo universo affascinante ed oscuro, per la prima volta in modo totalmente coeso.

Poco importa se il finale è aperto e non avremo tutte le risposte servite su un piatto d’argento: il seguito di Fire and Stone esiste, si chiama Life and Death e saldaPress ce lo sta portando, pronto per essere divorato con avidità.

Nerdando in breve

Fire and Stone termina con questo volume che racchiude un bel finale evocativo, tanti extra e una ministoria bonus: il tutto edito con la consueta perizia che contraddistingue saldaPress e delle belle illustrazioni.

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La primavera del 2017 sarà la stagione della seconda giovinezza per American Gods, uno dei romanzi più amati di Neil Gaiman, vincitore dei premi Nebula e Hugo nell’ormai lontano 2002. Dopo la conferma da parte del network Starz che la messa in onda della serie televisiva, scritta da Bryan Fuller, avverrà proprio nella prossima primavera è anche arrivato da Dark Horse l’annuncio dell’adattamento a fumetti dell’opera. La serie sarà scritta dallo stesso Gaiman in collaborazione con P. Craig Russell, con cui ha già realizzato Sandman e la trasposizione di Coraline e The Graveyard Book, ed illustrata da Scott Hampton, disegnatore di Hellboy e Batman. La versione regular della copertina del primo numero, di cui potete vedere un dettaglio nell’immagine, porta le prestigiose firme di Glenn Fabry, famosissimo per le cover di Preacher, ed Adam Brown, mentre David Mack e Dave McKean cureranno le copertine variant.

Lo stesso Neil Gaiman si è detto molto entusiasta di come il clamore suscitato dalla serie televisiva a casa propria e nel mondo abbia permesso di tenere nascosto così bene e così a lungo il progetto relativo al fumetto di American Gods. Inoltre ha dichiarato che guardare Russell scomporre il libro per renderlo più adatto alla sua forma, Hampton dipingere il fumetto pagina per pagina e Fabry realizzare le cover lo abbia reso assolutamente certo che l’adattamento di American Gods sarà “stupefacente, fedele e bellissimo”.

Dark Horse ha già reso noto che l’opera sarà divisa in ventisette spillati ed il primo di essi, intitolato American Gods: Shadows #1, sarà in vendita negli Stati Uniti a partire dal 15 Marzo del prossimo anno. La trama sarà divisa in tre archi narrativi principali: Shadows, My Ainsel, The Moment of the Storm ed ognuno di essi verrà anche raccolto e pubblicato sotto forma di graphic novel in altrettanti volumi deluxe con copertina cartonata.

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