Ogni inizio ha la sua fine

Sembra incredibile ma siamo giunti alla fine: quello di oggi, dedicato a Strange World – Un mondo misterioso, è l’ultimo appuntamento di NerDisney. Un viaggio iniziato nel settembre 2021, che ci ha portati a ripercorrere i classici Disney in ordine cronologico, riscoprendone emozioni e curiosità e che ci ha accompagnati per poco più di due anni.

Strange World – Un mondo misterioso è infatti il 61° classico Disney (non l’ultimo ma il penultimo se contiamo anche Wish, uscito nel dicembre 2023) ed è arrivato nei cinema nel novembre 2022. Personalmente non ho ricordi sul film, avendolo guardato solo in streaming qualche giorno fa. La mia prima impressione, comunque, è quella di una pellicola interessante, che punta su una storia ecologista che presenta molti parallelismi, seppure declinati in chiave fantastica, con il mondo attuale e lascia molto su cui riflettere.

Trama

Nella terra di Avalonia, Jaeger Clade è un famoso e intrepido avventuriero che, insieme al figlio Searcher, sfida la natura selvaggia per esplorare nuovi mondi. Obiettivo della loro ultima spedizione è quello di aggirare la gigantesca montagna che circonda Avalonia, per scoprire cosa si cela al di là. Prima di riuscirci, tuttavia, la spedizione si imbatte in una pianta in grado di emanare energia. Searcher e la capo spedizione, Callisto, si convincono che l’obiettivo è raggiunto, visto che erano partiti proprio con l’intento di scoprire una fonte di energia che potesse permettere ad Avalonia di progredire a livello tecnologico. Jaeger tuttavia non è d’accordo e decide di proseguire l’esplorazione da solo, mentre il resto del gruppo torna in città con la pianta, che prenderà il nome di Pando.

25 anni dopo, Searcher è diventato un rinomato agricoltore e, grazie alla sua scoperta del Pando, ha garantito prosperità ed energia ad Avalonia. Ora vive con la moglie Meridian e il figlio sedicenne Ethan ma non si è mai riconciliato con il padre Jaeger, che non ha mai fatto ritorno dalla spedizione intrapresa.
Quando però il Pando inizia misteriosamente a perdere energia, Searcher viene coinvolto da Callisto in una nuova esplorazione per scoprire l’origine del problema.

Curiosità

La prima cosa che mi è saltata agli occhi guardando Strange World – Un mondo misterioso è la grande inclusività che lo contraddistingue: etnie diverse, disabilità, omosessualità, tutto ciò che generalmente era tradizionalmente considerato un tabù per il mondo Disney in questo film è presente ed è un’ottima cosa.
Certo, questa scelta ha causato anche più di un problema di distribuzione: la pellicola, infatti, non è stata distribuita nei paesi in cui la presenza di personaggi omosessuali ne avrebbe causato la censura (Russia, Indonesia, Malesia, alcuni paesi arabi e africani).
Ciononostante il tentativo è ammirevole e un deciso passo in avanti nelle iconografie Disney, fino a questo punto decisamente omologate.

Il cast di voci originali si dimostra decisamente all star: Jake Gyllenhaal presta la voce a Searcher, Gabrielle Union a Meridian, Lucy Liu è Callisto e Dennis Quaid Jaeger. Il poliedrico Alan Tudyk, già doppiatore in Oceania, qui interpreta il narratore, Duffle, Legend, Splat e il conduttore radiofonico.

Strange World – Un mondo misterioso si è rivelato un clamoroso flop: costato la bellezza di 180 milioni di dollari, ne ha incassati appena 53,5 in tutto il mondo. Curiosamente è diventato il film più visto in assoluto sulla piattaforma Disney+ e ha comunque ricevuto recensioni per lo più positive da parte della critica.

Le mie impressioni

Strange World – Un mondo misterioso nel complesso non mi è dispiaciuto: oltre alla svolta inclusiva di casa Disney, ne ho apprezzato la tematica ecologista di fondo, intrecciata a una storia di riconciliazione familiare e rispetto delle diversità di ognuno. Era dai tempi di Wall-E che un film animato non mi portava a riflettere sull’impatto che abbiamo sul mondo che ci circonda e questo è sicuramente un valore aggiunto.
Come invecchierà questa pellicola? È presto per dirlo, ma sicuramente Strange World non è uno dei classici più riusciti di sempre. Un po’ l’assenza delle canzoni, un po’ il fatto che si riveli poco coinvolgente personalmente non mi spingono a riguardarlo (almeno per il momento) e, tra i film più recenti, gli preferisco sicuramente esperimenti in stile Raya e l’ultimo drago.

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I miei ricordi

A novembre 2021 ho avuto la fortuna di poter andare all’anteprima di Encanto, il sessantesimo classico Disney e uno dei miei preferiti in assoluto! È sicuramente nella mia personale top 3 insieme a La bella e la Bestia e Rapunzel, e in questi 2 anni penso di averlo rivisto almeno 10 volte, ho imparato a memoria tutte le canzoni e non mi stanca mai! Adoro la trama familiare intima e profonda (forse non adattissima ad un pubblico di bambini che potrebbero non cogliere tutte le sfumature) e soprattutto le canzoni, scritte dal mio idolo Lin-Manuel Miranda, che mi ritrovo molto spesso a canticchiare, in particolare “The family Madrigal” ma anche “We don’t talk about Bruno“, “Waiting on a miracle“, “What else can I do“, “Surface pressure“, “Dos oruguitas“… insomma in pratica tutte. Ho apprezzato moltissimo il fatto che la protagonista del film, Mirabel, a differenza di altre eroine Disney precedenti, non solo è molto intelligente e capace ma anche imbranata e imperfetta.

Il classico più familiare

La storia ruota attorno alla famiglia Madrigal, che vive in un incantevole villaggio magico nascosto nei monti colombiani, grazie al “miracolo” che ha aiutato 50 anni prima la nonna a fuggire dalla guerra in Colombia. Da 3 generazioni tutti i membri della famiglia possiedono un’abilità speciale, un dono, che dovrebbe servire ad aiutare la famiglia e la comunità: tutti tranne una ragazza di nome Mirabel.

Mirabel osserva i suoi familiari godere dei loro poteri magici, ma si sente esclusa e diversa. Quando la magia dell’incanto della famiglia inizia a svanire, Mirabel sembra essere l’unica ad accorgersene e si sforza di trovare un modo per salvare la sua famiglia e il loro amato villaggio.

Durante la sua ricerca, Mirabel ritrova uno zio che tutti credevano scomparso e scopre un segreto che mette in pericolo l’intera famiglia Madrigal: deve radunare il coraggio e affrontare i suoi familiari per proteggere e rinforzare il loro prezioso incanto, e così facendo impara che la sua unicità e le sue abilità speciali non derivano da un vero potere magico, ma dalla sua forza interiore, dalla sua determinazione e soprattutto dal grande amore per la sua famiglia. Alla fine, Mirabel riesce a salvare l’incanto della sua famiglia e dimostra che non è necessario avere un potere magico per essere straordinari.

Curiosità

Da recenti interviste sembra che spesso il mitico Lin-Manuel Miranda, autore delle canzoni, riceva telefonate da varie celebrità che lo “ringraziano” per il fatto che i loro figli non fanno altro che cantare “We don’t talk about Bruno“! Beh, è davvero una canzone che tende a rimanere incastrata nella testa…

Stefanie Beatriz, che interpreta la protagonista Mirabel, era in travaglio mentre registrava la canzone “Waiting on a miracle“! Direi che è per questo che l’interpretazione dell’attrice risulta così forte e intensa, e che il titolo del brano è più che azzeccato per il momento che stava vivendo!

Per la casa vivente, la Casita, gli animatori hanno preso ispirazione non solo dalle case tradizionali colombiane ma anche dalle case animate di altri film, in particolare quella di Beetlejuice di Tim Burton.

Data l’importanza che la danza ha nella cultura colombiana, Encanto è il primo classico Disney per il quale sono stati coinvolti coreografi dall’inizio dello sviluppo dell’intero film e non solo per singole scene, affinché la danza colombiana fosse parte integrante delle animazioni e della storia. Ogni personaggio inoltre ha un diverso stile di danza, infatti se ci fate caso ad esempio Luisa balla il raegetton mentre Mirabel balla la salsa.

La miriade di piante e animali che si vedono in Encanto non è stata scelta a caso: anche in questo caso gli animatori si sono avvalsi dell’aiuto di consulenti colombiani per rappresentare al meglio la flora e la fauna della Colombia e rendere più realistici possibili gli “uragani” di jacarandas, i flor de mayo, i fichi strangolatori, le piante di caffè e così via. Imho il giaguaro del film è un po’ troppo coccoloso, ma a chi non piacerebbe abbracciare un gattone gigante come quello? A me sicuramente, per cui sorvolerò sul dettaglio.

Colonna sonora

Encanto, come i migliori classici Disney, ha moltissime parti cantate, anche più di quante ne abbiamo viste nei lungometraggi degli ultimi anni, per la mia somma gioia… L’autore delle canzoni è il grandissimo e pluripremiato Lin-Manuel Miranda, che ha già collaborato in passato con Disney, ha infatti scritto le canzoni di Oceania e quelle nuove del live action de La Sirenetta, ma soprattutto Miranda è famoso nel mondo per essere il creatore (e interprete) del musical più premiato di sempre, Hamilton (che trovate su Disney+). [Curiosità: interpreta il dio Hermes nel recentissimo Percy Jackson e gli dei dell’Olimpo su Disney+]. L’impronta musicale di Lin-Manuel è molto riconoscibile, e si sente che le canzoni sono profondamente studiate e che sono molto “da musical”, con le armonie vocali e i temi ripetuti, inoltre Miranda è di origine sudamericana (per l’esattezza portoricana) per cui si vede che ha messo tutto il cuore nello scrivere per un film ambientato in Sud America.

Come è invecchiato

Encanto non è per niente invecchiato, non solo perché è di soli 2 anni e mezzo fa: la storia familiare è molto attuale e moderna, l’ombra della guerra è sempre presente soprattutto in alcune zone del mondo, e le animazioni e la grafica sono di altissimo livello. Soprattutto, Encanto è un viaggio emozionante che celebra l’amore familiare, l’accettazione di sé e l’importanza di credere nelle proprie qualità, anche quando sembra di essere diversi dagli altri.

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I miei ricordi

Vado pazza per i draghi di ogni tipo per cui, quando nel 2018 Disney ha annunciato un nuovo film con dentro in qualche modo un drago, sono impazzita! Ho atteso pazientemente fino a marzo del 2021 e, finalmente, purtroppo non al cinema ma su Disney+ sul mio divano, ho potuto vedere Raya e l’ultimo drago. Purtroppo il film ha sofferto il fatto di essere stato rilasciato in un momento storico che conosciamo bene tutti in cui non si poteva uscire e andare al cinema, per cui anche la promozione da noi è stata piuttosto sottotono, ed è un vero peccato, perché secondo me è un bellissimo film (migliore di altri usciti di recente) e avrebbe meritato più successo e più incassi. In America invece, dove la situazione normativa era un pochino diversa, il film ha incassato bene anche nelle sale ed è stato uno dei film più visti in streaming dell’anno, ricevendo anche una nomination agli Oscar.

Ho adorato in particolare il personaggio di Sisu, il drago, soprattutto nella versione originale in cui è doppiata dalla comica Awkwafina, ma anche i nostri doppiatori italiani hanno fatto un lavoro splendido. Brava anche Kellie Marie Tran che interpreta la protagonista Raya, come anche il resto del cast: Gemma Chan, Daniel Dal Kim, Benedict Wong e Sandra Oh.

Il classico più orientale

Raya e l’Ultimo Drago segue le avventure di Raya, una giovane guerriera alla ricerca dell’ultimo drago, Sisu, guidata dalle antiche leggende che il padre le raccontava da piccola. A causa dell’avidità e della paura umana, i terribili mostri chiamati Drunn, che hanno il potere di pietrificare le persone, hanno invaso Kumandra, lasciando in vita solo pochissimi abitanti. Durante anni di ricerche in lungo e in largo attraverso le cinque regioni in cui è diviso il regno di Kumandra, Raya cerca di unire i frammenti di un antico artefatto magico il cui potere potrà salvare il suo regno diviso e sconfiggere i Druun, dovendo nel frattempo vedersela anche con la forte guerriera Namaari che un tempo era sua amica.

Nel corso della sua avventura, Raya si imbatte non solo in Sisu, l’ultimo drago rimasto dopo che centinaia di anni prima i Druun avevano invaso Kumandra per la prima volta, ma anche in altri strani personaggi come il giovane cuoco Boun, la piccola ladra Noi e il guerriero gigante Tong, formando con loro un gruppo eterogeneo e improbabile di alleati, con i quali affronta sfide e impara importanti lezioni sulla fiducia e sull’unità.

Curiosità

Il film è ambientato in un mondo immaginario fantastico, Kumandra, ispirato ai paesi del sud-est asiatico, in particolare a  Thailania, Vietnam, Indonesia, Cambogia, Birmania, Laos e Filippine. I produttori hanno fatto molti viaggi in quelle parti del mondo per assicurarsi di essere il più fedeli possibile nella rappresentazione delle culture asiatiche, consultando molti esperti per evitare di cadere in facili stereotipi. Il fiume che attraversa Kumandra è ispirato al Mekong, che cambia colore per indicare in quale parte del mondo si trova a viaggiare Raya.

Sisu e gli alti draghi sono ispirati dalla figura mitologica del “naga”, un essere che può manifestarsi sia come serpente che come essere umano e che è legato all’elemento acqua.

Il titolo originalmente proposto per Raya e l’ultimo drago era Dragon Empire, molto interessante ma che forse fa troppo venire in mente un videogioco.

Colonna sonora

Raya e l’ultimo drago non è un musical, purtroppo per me che li adoro: sarà stata la mancanza di una hit musicale trascinante (come ad esempio Un sogno splende in me per Wish o Let it go per Frozen) a segnarne lo scarso successo in Europa? O semplicemente è stata l’uscita direttamente in streaming in pieno periodo covid a penalizzarlo? Imho certamente la seconda, dato che a me è piaciuto moltissimo, con o senza canzoni. Le musiche, molto belle, sono state scritte da James Newton Howard, che ha già collaborato altre volte in passato con Disney (per Atlantis e Il pianeta del tesoro).

Come è invecchiato

… poiché Raya e l’ultimo drago è uscito solo 2 anni fa, lascio ai posteri l’ardua sentenza! Le animazioni sono di altissimo livello per cui credo che almeno dal punto di vista tecnico dovranno passare molti anni prima di poterlo definire “vecchio”, mentre i messaggi trasmessi dal film, cioè l’amicizia, la tolleranza e soprattutto l’unione pacifica tra i popoli, dovrebbero essere universali e non invecchiare mai.

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I miei ricordi

Ero riuscita a vedere Frozen 2 – Il segreto di Arendelle ancora prima che uscisse ufficialmente e fin da subito ne avevo apprezzato luci, musiche e trama. Mi aveva fatto storcere il naso la parte legata alla memoria dell’acqua, temevo che il film sarebbe stato reso oggetto di polemiche per via di un implicito riferimento all’omeopatia ma il tempo mi ha fatta ricredere parecchio. Per fortuna, Frozen 2 non è stato subissato di polemiche (o, se ce ne sono state, me le sono perse), anche se purtroppo il film non ha riscosso il successo che secondo me meritava.

Dopo averlo visto (e rivisto molte altre volte) resto dell’idea che sia un vero e proprio seguito: senza Frozen – Il regno di ghiaccio, questa storia non avrebbe il senso che ha. È uno di quei rari casi in cui il senso dell’opera cambia nettamente se si è visto, oppure no, il capitolo che lo precede. Per carità: è possibile guardarlo e apprezzarlo pur non avendo visto il suo predecessore, eppure sono convinta che la gran parte del significato simbolico di cui è intriso non potrebbe manifestarsi senza l’interiorizzazione del primo capitolo.

Insomma, un film che mi è entrato nel cuore (e nella gola: sogno di recitare in un musical interpretando una delle due sorelle) e di cui mi accingo a parlarvi brevemente.

Trama

Gattiveria ha già provveduto a raccontarci la trama oggettiva (la trovate nella recensione che sta qui). Lasciate dunque che provveda a raccontarvi ciò che ci ho trovato io: dopo aver avuto un grave problema di accettazione del sé, che l’ha portata all’auto isolamento, Elsa si è finalmente stabilizzata e vive serena con sorella e compagnia. Tuttavia, come nei più veritieri dei percorsi di recovery, la trama non è lineare: nonostante tutto sembri essersi normalizzato, Elsa sente ancora una voce che la chiama. Una voce che può sentire ma a cui non vuole dare ascolto, perché, citando la celebre Into the Unknown, “I’ve had my adventure, I don’t need something new“: la sua avventura già c’è stata e ora che è tutto tranquillo, non vuole perturbazioni ulteriori.

Eppure.

Il dubbio che forse quella voce sia sintomo di qualcosa di più grande s’insinua nella giovane Elsa (che, ricordiamo, pur di non perdere i suoi cari ha deciso di vivere ogni giorno correndo il rischio di poterli ferire, e se siete persone un minimo altruiste, ben sapete quanto sia difficile da sostenere).

D’altronde, Elsa non appartiene a quella normalità che si è costruita intorno con un gigantesco compromesso fra la sua natura e il desiderio di non abbandonare regno e sorella. Tanto è vero che, sempre in Into the Unknown, ci dice “Every day’s a little harder/As I feel my power grow“: lei quotidianamente percepisce una forte spinta dentro sé stessa ma gli affetti più cari sembrano chiederle di ignorarla, e quindi cerca di mettersi a tacere. Quando però questa forza pulsante comincia a provenire anche dall’esterno di sé, non le resta altro da fare che fare appello a tutto il proprio coraggio e partire.

Di seguire l’istinto

Una nuova avventura, un nuovo viaggio, molto più introspettivo del precedente. Una scoperta delle proprie origini, di una storia familiare che viene narrata e rinarrata nei secoli ma che ora trova dettagli imprescindibili che ne ribaltano i significati. Finalmente, Elsa riesce a trovare il coraggio di seguire le proprie orme, di essere sé stessa, e la gran conseguenza di ciò è che, proprio grazie a questa scelta, anche Anna può iniziare a vivere la propria vita adulta. Anna inizia ad assumersi le proprie responsabilità in quanto sé stessa e non solo nel ruolo di caregiver, con un’evoluzione del personaggio che ne raffigura una maturazione a tutto tondo.

In tutto ciò, le due rimangono unite e in contatto, in un modo che però non richieda alle due parti di sacrificare la propria essenza.

Frozen 2 è una storia di crescita triplice: nel corso del secondo film, proprio grazie a quanto raccontato nel primo, assistiamo alla maturazione di due persone singole e del legame che le unisce. Il tutto, con qualche canzone che non fa da sottofondo alle azioni ma che rappresenta delle vere e proprie azioni nodali. [Poi c’è anche qualche canzone che fa semplicemente da sfondo o contorno fra le scene ma ehi, ho detto che Frozen 2 mi è piaciuto tanto, mica che è perfetto!]

Curiosità

Frozen 2 – Il segreto di Arendelle contiene alcune citazioni ad altri media. Una fra le più immediate è il riferimento alla storia scritta da un “celebre autore danese”: ovviamente si tratta di Hans Christian Andersen, autore di moltissimi racconti fra cui La Regina delle Nevi (la storia che ha parzialmente ispirato il primo film).

Altra citazione eclatante è il riferimento a Bohemian Rapsody dei Queen, che vediamo comparire a schermo durante Lost in the woods (la canzone solista di Kristoff) grazie a un quartetto di renne canterine.

Infine, sappiate che a inizio film, quando le piccole Elsa e Anna stanno giocando coi pupazzetti, è possibile scorgere un’action figure di Baymax (quello di Big Hero 6) insieme a una di Totoro (da Il mio vicino Totoro), un piccolo elefantino che assomiglia molto a Dumbo e la cara Biancaneve.

Per altri Easter Egg, guardate il film!

Colonna sonora

Come vi anticipavo, LA canzone del film è Into the Unknown, cantata dall’irreprensibile Idina Menzel (voce di Elsa nella versione originale del film). Di quella i Panic! at the Disco hanno realizzato una cover dinamica e pop punk che personalmente gradisco assai (ma questo dipende dal fatto che in generale mi piace molto il pop punk).

Ciò detto, altre due canzoni incredibilmente pregne di significato (soprattutto se ne leggete il testo inglese) sono Show Yourself e The next right thing. La prima accompagna Elsa nella discesa verso la propria essenza, e nel film d’animazione vediamo la trasposizione immaginifica di quanto narrato nel testo. La discesa non è solo metaforica, poiché le immagini, i colori che gradualmente mutano fino a poi esplodere con la loro potenza cromatica accompagnano la giovane donna nel viaggio di scoperta della propria natura.

La seconda, invece, è un soliloquio di Anna che, chiusa in una grotta, trova la forza di rialzarsi e uscire a riveder le stelle, con la consapevolezza che la propria identità è profondamente mutata da prima che vi entrasse. Un brano fatto di pause e riprese più armoniose, con un’intensità crescente che ben si armonizza con quanto la coprotagonista sta attraversando emotivamente. Di questa canzone, in particolare, ho scritto alcune riflessioni un po’ personali che stanno in bozze da luglio: sarà il 2024 l’anno in cui troverò il coraggio di condividerle apertamente? Chissà.

Comunque, Into the Unknown ha ottenuto la candidatura come miglior canzone agli Oscar del 2020 e ai Golden Globe dello stesso anno, non vincendo però l’ambito premio (che in entrambe le occasioni andò a (I’m Gonna) Love Me Again, dal film Rocketman).

Sequel

Parrebbe che il 2025 ci porterà Frozen 3 e Bob Iger, CEO di Disney, ha addirittura accennato a un Frozen 4… Sarà così? Chissà. Vi confesso che l’idea di un altro seguito non mi entusiasma particolarmente, il rischio di creare solo un’altra storia con i personaggi più celebri è davvero tanto alto. Tuttavia, così come la paura delle polemiche omeopatiche si è poi rivelata vana, sono pronta a ricredermi e a lasciarmi sorprendere da un nuovo capitolo!

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Senza ricordi

Ci siamo. Arrivati al Classico numero 57, per la prima volta non ho memorie associate al film perché non l’avevo ancora visto. Uscito nel 2018. Ralph spacca Internet di Rich Moore e Phil Johnson mi è scappato via e da allora non l’ho mai recuperato, nonostante mi fosse piaciuto molto il suo predecessore Ralph spaccatutto. A volte la vita va così, capita mentre sei indaffarato a fare altre cose, parafrasando John Lennon.

Trama

Dopo gli eventi del primo film, Ralph e Vanellope sono felici e contenti nella loro sala arcade, anche se Vanellope inizia ad annoiarsi della routine. Finché non si rompe il volante del cabinato di Sugar Rush, il videogioco di Vanellope. Per salvare il cabinato, i due entrano nella rete per trovare un nuovo volante su eBay. Non sarà facile navigare tra le insidie del mondo della rete – scusate le espressioni anni ’90 per descrivere internet.

Licenze a go-go

La trama già mostra qualcosa di com’è il film. Non ho citato eBay a caso, Ralph e Vanellope visitano proprio il sito di aste. E non solo, il film è praticamente un compendio di tutte i marchi e siti più famosi presenti su internet. Come nel predecessore, c’è uno sfoggio enorme di licenze, questa volta su tutto il mondo digitale, da Google a Instagram, fino all’antivirus Norton. Disney gioca ancora di più in casa, perché una sequenza è ambientata nel sito Ohmydisney.com e compaiono personaggi da tutti i franchise Disney. Inoltre una delle scene più famose e il deus-ex-machina finale usa le Principesse Disney come co-protagoniste. Ammetto che è stato divertente vedere Biancaneve, Ariel, Elsa e via dicendo interagire e venir prese in giro con i soliti cliché, ma il rovescio della medaglia è che il film si appoggia davvero troppo al citazionismo e alla meme culture. È un film che rischia davvero di invecchiare precocemente e qualche avvisaglia si vede già adesso a cinque anni dall’uscita – per dire, c’è una sequenza su Twitter con gli uccellini che twittano che non credo Elon Musk approverebbe.

A questo punto a salvare Ralph spacca Internet ci vorrebbe la storia e il messaggio, cosa che salvava il primo film e anche un film simile come The Lego Movie. Purtroppo, a differenza degli altri due film, questi elementi sono entrambi riusciti solo a metà, troppo coperte da strati di citazioni, momenti meta e side-quest per mostrare pezzi di internet. Il film vorrebbe avere un cuore e parlare di crescita personale e rapporti di amicizia, ma pare più interessato a farci vedere come si diventa virali. La posta in gioco della storia rimane sempre bassa con più di un buco di sceneggiatura. Peccato, perché si intravede sotto tutte le citazioni che c’erano i presupposti per un film migliore.

Curiosità e musiche

I due protagonisti sono doppiati in originale nuovamente da John C. Reilly e Sarah Silverman, mentre Gal Gadot doppia la pilota Shank. Alan Tudyk, dopo aver doppiato Re Candito nel primo film, qui doppia il motore di ricerca Lesotutte. Le Principesse sono tutte doppiate dalle loro voci originali.

Il film segna il grande ritorno di Alan Menken in una produzione Disney. Il compositore di tanti Classici del Rinascimento Disney infatti firma insieme a Tom MacDougall e Phil Johnson A place called Slaughter Race, la canzone meta di Vanellope. Ovviamente nel corso del film si sentono pezzi di canzoni e colonne sonore delle varie principesse Disney e nei dialoghi usano tante citazioni tratte dai loro film – almeno in originale.

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I MIEI RICORDI

Sette anni fa, quando Oceania è uscito al cinema, non l’ho visto subito come al solito: per una serie di circostanze, ho atteso parecchie settimane prima di vederlo, e sinceramente non so perché ma non mi aveva attirato più di tanto. Poi finalmente sono andata al cinema e già il corto che precedeva il film, Lava, mi ha steso: pochi minuti di storia mi hanno fatto piangere come se mi fosse morto di nuovo il cane. Non guardatelo se siete persone sensibili, oppure guardatelo lo stesso perché è bellissimo ma a vostro rischio e pericolo. Ho iniziato quindi a guardare Oceania già in un stato d’animo provato, e purtroppo le lacrime non si sono più fermate e ho pianto diverse volte durante la visione. Ma perché, direte voi? Oceania non è un film particolarmente triste, non ci sono le classiche scene devastanti disneyane tipo morti di genitori o tragedie varie, anche se muore la nonna che però poi torna, quindi perché ho versato un oceano (è il caso di dirlo) di lacrime? Dopo 7 anni me lo sto ancora chiedendo. Probabilmente dato che le scene che mi hanno commosso di più sono quelle in cui si vedono le navi che solcano l’oceano, è il senso estremo di libertà che trasmettono che ha risvegliato qualcosa in me? Se lo capirò, ve lo farò sapere.

IL CLASSICO PIÙ BAGNATO

Oceania è ambientato in un’isola del Pacifico chiamata Motunui, che ospita una tribù comandata dal capo Tui che ha bandito la navigazione oltre la barriera corallina in quanto da lui ritenuta troppo pericolosa. Sua figlia Vaiana si sente però attratta dal mare fin dall’infanzia e cerca in tutti i modi di salire su una barca e scoprire cosa c’è oltre il reef. Quando l’sola comincia a dare meno frutti e il pesce comincia a scarseggiare, mettendo così a rischio la sopravvivenza dei suoi abitanti, Vaiana in quanto futura guida del suo popolo si sente in dovere di andare alla ricerca di un modo per salvare la sua terra, e grazie all’incoraggiamento dell’anziana nonna e dello stesso oceano trova una barca e parte tra le onde pur non essendo capace di navigare.

In un viaggio epico, Moana cerca il semidio Maui, un eroe leggendario che ha il potere della creazione ma che è anche responsabile della maledizione che ha colpito le isole: Maui infatti ha rubato il cuore della dea Te Fiti, la “madre terra” polinesiana. Inizialmente riluttante ad aiutare Vaiana, Maui acconsente a guidarla verso Te Fiti per restituirle il cuore e porre fine alla maledizione, affrontando nel frattempo vari pericoli e sfide, tra cui creature marine e tempeste, che Vaiana supera con coraggio, intelligenza e perseveranza. Nel frattempo, Maui combatte i suoi demoni personali e impara ad apprezzare il valore di Vaiana.

Quando finalmente raggiungono Te Fiti devono sconfiggere Te Ka, un lava-demonio che protegge l’isola: Moana capisce che Te Ka in realtà è Te Fiti, che era stata privata del suo cuore e si è trasformata in mostruosa creatura: in una scena molto emozionante Vaiana raggiunge Te Ka e le restituisce il cuore facendo così rinascere la dea Te Fiti e spezzando la maledizione.

CURIOSITÀ

Partiamo subito dal titolo: in tutto il mondo tranne che in Italia e pochi altri paesi europei Oceania si chiama in realtà Moana, che è anche il nome della protagonista (che da noi invece si chiama Vaiana che in lingua locale tahitiana significa “ragazza”): questa scelta di cambiare titolo e nome è stata presa perché a detta della produzione in alcune nazioni la parola “Moana” sarebbe stata inutilizzabile in quanto marchio registrato di non si sa cosa, si sospetta però che la reale motivazione fosse di non rischiare confusione con la famosa pornostar nostrana Moana Pozzi. Mi chiedo se ce ne fosse davvero la necessità dopo più di 20 anni dalla morte dell’attrice…

Non è una novità che nei film Disney vengano inserite citazioni di altri film, e succede anche in Oceania in particolare nella parte ambientata nella terra dei mostri: fate un po’ di attenzione e noterete la comparsa di un personaggio di Frozen (non vi dico chi).

Oceania ha avuto delle critiche: secondo molti il film perpetua degli stereotipi sul popolo polinesiano poiché Maui è stato raffigurato come obeso, inoltre non è stato apprezzato il fatto che erano stati messi sul mercato dei costumi a lui ispirati con la pelle scura e i tatuaggi sacri tradizionali: i costumi sono stati ritirati dal commercio. Non è piaciuto nemmeno il fatto che nel film siano presenti delle inesattezze in quanto secondo una leggenda neozelandese Maui non ruba il cuore di Te Fiti ma della dea della notte Hine-nui-te-po.

Se avrete la pazienza di aspettare la fine dei titoli di coda troverete una piccola scena post-credit, mentre chi ha acquistato il blu-ray del film potrà vedere un piccolo corto in cui Vaiana fa degli scherzi a Maui.

Il cast di doppiatori è stato scelto facendo molta attenzione alle origini degli attori, tutti provenienti dalla Polinesia: la protagonista Vaiana è doppiata in originale da Auli’i Carvalho, il semidio Maui ha la voce di The Rock, Temuera Morrison/Boba Fett doppia il padre di Vaiana, Nicole Scherzinger doppia la madre e Jemaine Clement interpreta il gigantesco granchio Tamatoa. L’immancabile e immenso Alan Tudyk (che però è inglese) doppia il divertentissimo pollo Heihei.

Notevole nel doppiaggio italiano la presenza di Raphael Gualazzi nel ruolo parlato e cantato del granchio Tamatoa.

Oceania è stato diretto da Ron Clements e John Musker, già registi di La principessa e il ranocchio.

LA COLONNA SONORA

La colonna sonora del film è stata composta da Mark Mancina, mentre le canzoni sono state scritte dal grandissimo e inimitabile Lin-Manuel Miranda, infatti sono tutte bellissime… Scusate ma per me tutto ciò che fa Miranda è oro, mi sperticherò di nuovo in lodi per lui quando tra qualche mese scriverò di Encanto! Miranda si è avvalso della collaborazione del musicista samoano Opetaia Foa’i per scrivere brani che fossero il più possibile adatti a rappresentare la cultura locale. La bellissima canzone “How far I’ll go” ha avuto la nomination per miglior canzone agli Oscar e ai Golden Globe ma purtroppo non ha vinto, battuta da “City of stars” (La La Land). Sono molto belle secondo me anche “Shiny” e “You’re welcome”.

IL LIVE ACTION

È stato annunciato qualche mese fa il live action di Oceania in cui The Rock riprenderà il ruolo di Maui mentre Auli’i Carvalho non tornerà nei panni di Vaiana/Moana. È stata annunciata anche una serie animata che uscirà nel 2024.

COME È INVECCHIATO

“Invecchiato” è una parola grossa dato che il film ha solo 7 anni! Oceania ci regala un’altra protagonista femminile forte e coraggiosa, che non esita a sfidare le tradizioni e la sua stessa famiglia pur di realizzare i propri sogni e soprattutto di salvare la sua terra e le persone che ama. Il messaggio molto attuale che trasmette il film credo che sia che lo sfidare le tradizioni non più utili e l’abbracciare l’evoluzione e il cambiamento è molto importante, come anche l’attenzione all’ecologia: la mano dell’uomo, come quella di Maui che ruba il cuore di Te Fiti, è responsabile della distruzione del nostro mondo e, come Maui, dovrebbe fare ammenda e cercare di mettere a posto le cose (ma purtroppo nel mondo reale non credo che accadrà).

Dal punto di vista tecnico, posso solo dire che la grafica è stupenda e ho adorato il modo in cui sono stati realizzati i movimenti dell’acqua, oltre che gli incredibili colori della Polinesia.

L'articolo NerDisney #56 – Oceania proviene da Nerdando.

Siamo arrivati così vicini ai giorni nostri, che ho già recensito il film in questione, il Classico numero 55, Zootropolis di Rich Moore, Byron Howard e Jared Bush nel lontano 2016. All’epoca notavo come fosse un film che avesse il cuore dei grandi classici, inserito in un contesto moderno e non favolistico. La penso allo stesso modo? Sì e non solo. Ma andiamo con ordine.

Trama

Il coniglio Judy Hopps ha un sogno: diventare una poliziotta nella città di Zootropolis, la grande metropoli dove gli animali di tutte le specie vivono in armonia. Per realizzare il suo sogno dovrà combattere con tanti pregiudizi e si troverà invischiata in un’indagine pericolosa e dalle conseguenze molto vaste.

Zootropolis è quanto di più simile a un poliziesco Disney ha mai fatto, quantomeno tra i Classici. Judy e Nick Wild, la volpe riluttante che finisce per aiutarla nelle indagini, sono una classica coppia da buddy-cop movie. Nello specifico nella prima recensione citavo apertamente 48 Ore di Walter Hill, con Nick Nolte ed Eddie Murphy, per elemento temporale e perché la coppia è composta da un poliziotto e da un criminale. Il paragone regge ancora, con un’aggiunta importante che ho notato riguardando il film.

Metafore di fino

Non so se ad una prima visione non ci feci caso o decisi apposta di non parlarne, ma Zootropolis è un film con un metaforone bello grosso ed evidente. L’intero impianto del film e i suoi svolgimenti narrativi infatti sono una metafora evidente del razzismo e di come superare le apparenze. Judy e Nick sono entrambi giudicati immediatamente per quello che sono, per la loro razza animale. Judy decide di combattere i pregiudizi, mentre Nick si arrende ad essi. Il bello è che Zootropolis parla di razzismo in un modo estremamente interessante e pieno di livelli, molto più di tanti film più espliciti sull’argomento. Potenza della fantasia, immagino sia più facile imbastire una metafora contro il razzismo usando conigli e volpi rispetto all’usare esempi dal mondo reale. Non parlerò più sull’argomento, perché mi toccherebbe fare spoiler belli grossi, ma davvero complimenti ai realizzatori perché sono riusciti a produrre un grandissimo film.

Il film fu il frutto del lavoro di Byron Howard, che propose a John Lasseter, all’epoca direttore creativo Disney, varie storie con animali antropomorfi, esplicitamente riprendendo l’esempio del Robin Hood disneyano. Da quelle idee si sviluppò poi il film, anche grazie all’arrivo a bordo dell’altro regista Jared Bush.

Legacy

Il film all’uscita fu un successo enorme, il quarto incasso del 2016, superando il miliardo di dollari al botteghino. Dopo i grandi successi di Frozen e Big Hero 6, era chiaro che gli studi Disney erano entrati in un nuovo rinascimento produttivo. Zootropolis vinse ovviamente la statuetta come miglior film d’animazione.

Nel 2022 è uscita una serie animata su Disney+ che esplora il mondo della città animale, intitolata Zootropolis+ – nome originale, lo so. Si parla anche di un sequel da parecchio, ma al momento non c’è niente di ufficiale al riguardo.

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I mei ricordi

Big Hero 6 esce al cinema nel 2014, periodo in cui iniziavo effettivamente ad andare al cinema con una certa frequenza e senza l’accompagnamento di un adulto. Per diverse ragioni, al film ho legato due ricordi molto forti e fra loro disgiunti: il primo amore e il primo lutto imprevedibile (di quelli che non succedono per vecchiaia, ecco). Inutile dire quindi che quando ho riguardato il film per poterne scrivere, mi sono commossa per quasi tutto il tempo. È stata una commozione dolce, però, di quelle a metà fra il catartico e il lenitivo, con una punta di tristezza ma ancora tanta capacità di mostrare bellezza.

Per me Big Hero 6 è uno dei film Disney più significativi, ma anche senza le intersezioni autobiografiche, devo dire che è proprio un signor Film: avvincente, sorprendente e ricco d’azione dall’inizio alla fine. Se non l’avete mai visto, ve lo consiglio di cuore: sta su Disney +, se vi piacciono i supereroi e le storie di giovanissimi scienziati talentuosi, Big Hero 6 fa al caso vostro.

Trama

Nella città di San Fransokyo, Hiro Hamada vive la sua vita da anomalo tredicenne. Nonostante la giovanissima età, infatti, il ragazzino ha già conseguito titoli scolastici che lo rendono idoneo per partecipare alla selezione d’ammissione al San Fransokyo Institute of Technology. L’istituto annovera fra i suoi iscritti le migliori menti del secolo e Hiro stringe una strettissima amicizia con alcuni degli studenti: GoGo, Wasabi, Honey Lemon e Fred.

Il gruppo gli viene presentato da Tadashi, il fratello maggiore che da sempre lo affianca nel quotidiano nonché altra mente brillante fonte di ispirazione. Fra tutte le invenzioni in fase di sviluppo, c’è Baymax, un robot bianco e panciuto progettato per fornire assistenza medica in caso di necessità. Quando un uomo mascherato minaccia la tranquillità di San Fransokyo, Hiro e i quattro amici (e Baymax) creano una squadra di grandi eroi volta a contrastare il nemico. È così che nascono i Big Hero 6.

Curiosità

Forse non sapete che in Big Hero 6 fa la sua comparsa anche il compianto Stan Lee! Anche se il film ha visto la luce nelle sale cinematografiche solo nel 2014, è bene sapere che le sue tavole originali sono comparse circa 16 anni prima in casa Marvel. Per questo il fumettista, noto ai fan per i suoi cammei nelle pellicole di produzione propria, ha voluto metterci la faccia anche se si tratta di animazione. Tuttavia, anche se il film conserva l’omonimia con il fumetto, le due storie differiscono per svariati aspetti fra cui molti nomi, etnie, storie dei personaggi e diversi risvolti di trama. Insomma: Big Hero 6 non è la trasposizione in film d’animazione del fumetto.

Stando a quanto riportato da IMDB, per decidere come creare il movimento alveare dei microbot il team di animazione si è ispirato ai video degli sciami di formiche.

Infine, se decidete di guardare Big Hero 6 sappiate che il film, così come i celebri film di casa Marvel, ha una scena dopo i titoli di coda. Tuttavia, l’opera non è in alcun modo collegata con l’MCU né con i film Marvel più recenti. Pare infatti che tutta la storia sia ambientata nel 2032 ma di un altro Universo Narrativo (e cinematico).

Colonna sonora

La colonna sonora di Big Hero 6 è composta quasi integralmente da Henry Jackman, il compositore inglese che si è occupato di tutte le parti strumentali, eccetto una. Quell’unico pezzo mancante è invece Immortals dei Fall Out Boy, gruppo pop punk statunitense capitanato da Patrick Stump, colui che canta personalmente anche la versione italiana del pezzo. Di tecnicismi musicali non me ne intendo quindi non mi imbarco in analisi specifiche; sappiate solo che la ritmicità dinamica del brano riesce sempre a darmi un po’ di carica emotiva. Ve ne lascio qui sotto la versione originale, con il video musicale uscito in concomitanza del film.

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I miei ricordi

Oggi Frozen – Il regno di ghiaccio è probabilmente uno dei film Disney più famosi di sempre, soprattutto tra i giovanissimi. Nel 2013, quando uscì nelle sale cinematografiche, io invece non andai a vederlo al cinema, all’epoca per me il tempo dei classici Disney era in momentaneo standby.
I ricordi che ho di Frozen – Il regno di ghiaccio, invece, sono legati alla più forte emicrania della storia: è in quella occasione che lo guardai per la prima volta, infatti, approfittando del canale dedicato da Sky ai classici Disney e del fatto di essere bloccata sul divano da un fortissimo cerchio alla testa.
Nonostante questo ricordo non proprio felice, però, ammetto di essere rimasta decisamente colpita da Frozen: una storia nuova e classica allo stesso tempo, che ha saputo segnare l’epoca della rivalsa per i film Disney.

La favola della riscossa

Il 53° classico Disney è stato il film dei record: Frozen – Il regno di ghiaccio ha rappresentato al suo esordio il film d’animazione con il maggior incasso di sempre nella storia del cinema. Almeno fino al 2019, quando è stato superato proprio dal suo sequel: Frozen II – Il segreto di Arendelle.
Enorme successo di pubblico, soprattutto tra i più giovani, Frozen è stato apprezzato anche dalla critica, collezionando riconoscimenti. 2 Oscar (miglior film d’animazione e miglior canzone), Golden Globe, BAFTA sono solo alcuni dei premi nel suo palmares.

Liberamente ispirato alla fiaba La regina delle nevi di Hans Christian Andersen, Frozen – Il regno di ghiaccio è scritto da Jennifer Lee, anche regista insieme a Chris Buck e sviluppa una storia originale e moderna, che reinventa gli stilemi della fiaba classica per presentarci una morale al passo con i tempi.

Trama

Nel regno scandinavo di Arendelle, la principessa Elsa nasce con poteri magici: quando, da bambina, ferisce involontariamente la sorella minore Anna, i regnanti decidono di allontanare Elsa e tenerla nascosta al mondo e alla sua stessa sorella.
Costretta a crescere da sola, Elsa vede il proprio potere crescere e diventare sempre più incontrollabile, tanto da chiudersi totalmente in se stessa evitando ogni contatto con gli altri.
Al compimento dei 21 anni di Elsa, arriva per lei il momento dell’incoronazione: in occasione della cerimonia, la ragazza perde il controllo del suo potere, scatenando involontariamente un inverno perenne su Arendelle.
Sconvolta, Elsa fugge e si rifugia nelle montagne del Nord mentre Anna decide di lanciarsi al suo inseguimento per riportarla a casa.

Produzione

La produzione di Frozen – Il regno di ghiaccio, in realtà, affonda le radici molto più indietro nella storia Disney di quanto si potrebbe immaginare: già nel 1938, ai tempi di Biancaneve e i sette nani, negli Studios si parlava di realizzare un film in tecnica mista basato sulle opere di Hans Christian Andersen.
L’idea venne comunque archiviata con l’inizio della Seconda Guerra Mondiale, rimanendo a decantare nei decenni successivi.

Dopo l’acquisizione di Pixar da parte di Disney, tuttavia, si riprese a ragionare sulla possibilità di adattare La regina delle nevi: fu così che iniziò a prendere vita quello che sarebbe diventato uno dei classici Disney più famosi di sempre.
Per ricreare le atmosfere di Arendelle, gli animatori si ispirarono ai paesaggi norvegesi e, nonostante il film sia realizzato in CGI, presenta anche effetti speciali realizzati in maniera tradizionale.

Particolarità di Frozen – Il regno di ghiaccio è che è finora l’unico classico Disney ad avere due principesse sorelle per protagoniste. Il rapporto tra sorelle, peraltro, è perno del film come mai era accaduto prima. Un rapporto di amore profondo, che supera e innova quello principe-principessa che troviamo sempre nelle fiabe.

Colonna sonora

Tra gli elementi più famosi e iconici di Frozen – Il regno di ghiaccio, c’è sicuramente la colonna sonora. Composta da Kristen Andersen-Lopez e Robert Lopez, è sicuramente trainata da Let it Go, il brano portante, interpretato in lingua originale da Idina Menzel e da Demi Lovato nella versione pop.
In Italia è stato tradotto con All’alba sorgerò, con l’interpretazione di Serena Autieri durante il film e di Martina Stoessel durante i titoli di coda.

Premiata con l’Oscar per la migliore canzone, Let it Go è diventata un vero e proprio fenomeno virale, vendendo circa 11 milioni di copie in tutto il mondo.
La canzone, nata quando la trama e i personaggi di Frozen non erano ancora altro che una semplice bozza, si rivela fondamentale per lo sviluppo e la caratterizzazione di Elsa, che in una fase iniziale era stata pensata come la cattiva del film. Grazie a Let it Go, invece, permise di definire un nuovo corso della trama, inedito e spiazzante, che avrebbe premiato decisamente la pellicola.

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I miei ricordi

Ho ricordi veramente nitidi di Ralph Spaccatutto, il 52° classico Disney. E non solo perché è uno dei più recenti (anche se, a ben guardare, ha già ben 11 anni). Era il Natale 2012: Tencar e io stavamo insieme da due mesi e siamo andati al cinema per vedere Ralph Spaccatutto. Non solo, per me si trattava di un vero e proprio ritorno alle origini perché, da bambina, i classici Disney erano stati per molti anni il mio appuntamento fisso natalizio. Nel 2012 avevo perso questa abitudine da un bel po’ e riprenderla dopo anni di pausa mi faceva veramente felice.
Al di là delle mie personalissime sensazioni, comunque, Ralph Spaccatutto prometteva bene: un classico dalla storia completamente originale, che strizzava l’occhio al mondo dei videogiochi e prometteva ironia e uno stile più moderno.
Insomma, le aspettative erano alte. E devo dire che il film le ha ripagate completamente.

Trama

Ralph Spaccatutto è il cattivo del cabinato anni Ottanta Felix Aggiustatutto ma è infelice: essere un cattivo, odiato da tutti e costantemente destinato alla sconfitta non gli basta più e, stufo del trattamento che gli riservano tutti gli altri, decide di intrufolarsi in un altro gioco per guadagnare una medaglia e dimostrare a tutti il proprio valore.

Dopo essere riuscito a conquistare l’agognata medaglia nello sparatutto Hero’s Duty, Ralph finisce però per sbaglio nel gioco di kart Sugar Rush. Lì incontra Vanellope, che lo raggira e gli ruba la medaglia, per usarla per iscriversi alla corsa dei kart.
Infuriato, Ralph segue la ragazzina e scopre che Vanellope condivide un destino simile al suo: emarginata da tutti per via della sua natura di glitch, viene bullizzata e tenuta ai margini dagli altri personaggi del suo videogioco.

I due decidono di allearsi per ottenere ciascuno il proprio obiettivo ma non sanno che, nel frattempo, Felix l’aggiustatutto e i soldati di Hero’s Duty sono sulle tracce di Ralph.

Curiosità

Con le voci originali di John C. Reilly nel ruolo di Ralph e di Alan Tudyk in quello del Re Candito, Ralph Spaccatutto è stato dirompente tanto quanto il suo titolo.
Divertente e con un messaggio profondo ma mai eccessivamente didascalico, Ralph Spaccatutto coinvolge e tiene il ritmo alto, anche grazie all’effetto nostalgia garantito dai numerosi cameo.

Un film che si ambienta nel mondo dei videogiochi, infatti, non può certo prescindere dalle citazioni a un mondo composito e amatissimo: durante tutta la pellicola troviamo numerosi riferimenti alle serie videoludiche che hanno fatto la storia del medium e per i fan più accaniti è una vera gioia divertirsi a scovare anche il più nascosto dei rimandi.

Tra le note positive di Ralph Spaccatutto c’è senza dubbio anche la colonna sonora: composta da Henry Jackman, mixa brani originali ad altri famosissimi titoli della scena pop, come Shut up and drive di Rihanna o Celebration dei Kool & the Gang.

Piccola e gustosa nota aggiuntiva per un film che parla di videogiochi: Disney Interactive e Activision hanno sviluppato un videogioco dal titolo Ralph Spaccatutto che al suo interno includeva Felix Aggiustatutto, Sugar Rush e Hero’s Duty. I tre titoli, poi, sono stati resi disponibili gratuitamente online sul sito ufficiale di Disney.

Sequel

Ralph Spaccatutto si è rivelato un ottimo successo al botteghino, tanto da meritarsi il suo personale sequel: diretto ancora una volta di Rich Moore e interpretato da John C. Reilly, Ralph Spacca Internet è uscito nel 2018.
Ma questa è un’altra storia di NerDisney e ne parleremo molto presto!

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