Marzo 2022

Il mese del risveglio della primavera è arrivato, anche se tra temperature glaciali, ed è arrivato il momento per noi di scoprire le novità che Koch Media ha in serbo per marzo 2022. Uno sguardo, come sempre, anche a Midnight Factory e Anime Factory.

Koch Media

50 anni tondi tondi per il capolavoro di Francis Ford Coppola: Il Padrino, per l’occasione, non solo torna al cinema ma arriva anche in home video per la prima volta in 4K UHD. Il cofanetto da collezione Il Padrino Trilogia – Edizione 50° anniversario contiene i tre film della saga in Blu-Ray UHD assieme a tre ritratti illustrati e un artbook con copertina rigida interamente in italiano. Lo troverete a partire dal 22 marzo 2022.

Un ritorno graditissimo per tutti i nostalgici del cinema anni Ottanta è Il Principe cerca figlio, sequel che vede Eddie Murphy tornare in uno dei ruoli più rappresentativi della sua carriera. Dal 22 marzo sarà in DVD e Blu-Ray in un’edizione ricchissima di contenuti speciali.

Uno dei thriller più riusciti e sottovalutati dei primi anni Duemila è pronto a prendersi la sua rivincita in home video. Gone baby gone, scritto e diretto da Ben Affleck e interpretato dal fratello Casey, Michelle Monaghan e Morgan Freeman arriva dal 22 marzo in DVD e Blu-Ray.

Infine anche uno dei miti cinematografici degli anni Novanta torna a nuova vita: Trainspotting, cult diretto da Danny Boyle e interpretato da Ewan McGregor sarà disponibile dal 22 marzo in DVD e Blu-Ray.

Midnight Factory

Midnight Classics si arricchisce sempre di cult da non perdere e per questo mese ci propone l’iconica trilogia horror di Clive Barker: Hellraiser Trilogy arriva il 22 marzo in DVD e Blu-Ray. In esclusiva su Fan Factory Shop troverete l’edizione limitata e numerata in 1000 copie con booklet esclusivo.

Tra le novità che la fabbrica della paura propone questo mese da segnalare Thirst, nuovo horror del regista dell’acclamato Old Boy, Dal 22 marzo sarà in DVD e Blu-Ray in edizione limited con booklet.

Anime Factory

Compleanni di prestigio in casa Anime Factory: questo mese celebra i suoi 60 anni Tatsunoko Production e, per festeggiare, in esclusiva su Fan Factory Shop troverete Tatsunoko Super Heroes – OAV Collection, in edizione limitata in 500 copie corredata di booklet. Sarà disponibile in DVD e Blu-Ray a partire dal 22 marzo.

Inoltre, continua la pubblicazione di una delle serie animate sportive più amate di tutti i tempi, per la prima volta in alta definizione in Blu-Ray. Mimì e la nazionale di pallavolo – Volume 3 arriva il 22 marzo anche in DVD.

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Gennaio 2022

Un nuovo anno è alle porte e questo comporta novità di ogni tipo, anche per quanto riguarda cinema e TV. Scopriamo allora le novità che arricchiscono il catalogo Infinity+ a gennaio 2022.

Film

Cominciamo con una pellicola tutta al femminile: Le Ragazze di Wall Street – Business is Business, interpretato da Jennifer Lopez, che sarà dal 1° gennaio su Infinity+. Un’ex spogliarellista e una donna d’affari sicura di sé sono pronte a mettere a fare di tutto per guadagnarsi il loro posto nel mondo.

Shining è stato una pietra miliare della letteratura prima e del cinema poi. A distanza di oltre trent’anni arriva finalmente il sequel cinemarofrafico. Doctor Sleep vede Ewan McGregor calarsi nei panni di un ormai adulto Danny Torrance, ancora alle prese con spiriti poco amichevoli. Lo troverete su Infinity+ dal 5 gennaio anche in 4K.

Un autentico cult che è stato in grado di influenzare definitivamente un’intera generazione: Trainspotting, diretto da Danny Boyle nel 1996 e interpretato da Ewan McGregor e Robert Carlyle, è tratto dal romanzo di Irvine Welsh e merita sempre un rewatch. Potete concedervelo dal 7 gennaio su Infinity+.

Per tutti gli appassionati di azione adrenalinica, il consiglio giusto xXx – il ritorno di Xander Cage, terzo capitolo della saga muscolare e iperattiva con Vin Diesel. Lo troverete a partire dal 13 gennaio su Infinity+.

Per concludere, un grande classico nella sua versione più moderna: A Star is born ha segnato il debutto alla regia di Bradley Cooper, protagonista insieme a Lady Gaga e ha conquistato una valanga di premi ed elogi. Dal 14 gennaio su Infinity+.

Serie TV

E per gli amanti del piccolo schermo? Non temete, perché Infinity ha in serbo novità interessanti anche per voi. A gennaio arriva infatti The Goldbergs, apprezzata sitcom ambientata negli Stati Uniti degli anni Ottanta, disponibile dal 17 gennaio.

E per chi apprezza le sitcom, questo mese c’è spazio anche per Bob Hearts Abishola, creata da Chuck Lorre, che sarà in catalogo dal 18 gennaio.

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Grandi classici, musical, commedie leggere e storie di passione: quest’anno Amazon Prime Video offre per San Valentino una carrellata di film e serie televisive per i romantici di ogni tipo. Ecco quelli più interessanti da guardare per entrare con lo spirito giusto nella festa di coppia per eccellenza.

Abbasso l’amore

Bridget Jones e Obi Wan nella New York del 1962 in una deliziosa commedia sui diritti delle donne e su come l’amore possa far capitolare anche il più convinto dei/delle maschilisti/femministe. Una storia leggera e divertente ispirata ai film con Sandra Dee, con una bella colonna sonora completa di Michael Bublé ed un inedito duetto cantato dei due protagonisti.

Sylvie’s Love

Nella New York del 1957 nasce la passione tra Robert, sassofonista appassionato, e Sylvie che aiuta il padre nel negozio di dischi in attesa che il proprio fidanzato torni dalla guerra in Corea. A dispetto delle differenze di classe e degli impegni sentimentali scopriranno di non poter resistere alla propria passione. Su Rotten Tomatoes ha ricevuto un tasso di approvazione del 94%.

Once

Premiato nel 2008 dall’Academy per la miglior canzone originale e vincitore di un Independent Spirit Award come miglior film straniero, questo musical moderno racconta la nascita e l’evoluzione della love story tra un musicista di strada ed una ragazza madre sul suggestivo sfondo di Dublino. È piaciuto molto anche a Steven Spielberg.

The Map of perfect tiny things

Mark e Margaret hanno in comune il destino del dover rivivere in loop la stessa giornata. L’incontro tra di loro permetterà ad entrambi di cogliere tutte le piccole cose che davvero contano nella quotidianità. Tratto dall’omonimo romanzo del giornalista Lev Grossman, è disponibile dal 12 febbraio prossimo.

Modern Love

Otto bellissimi episodi per raccontare l’amore in tutte le sue sfumature. Ispirata alle lettere ricevute in risposta alla rubrica Modern Love del New York Times, questa bellissima serie tv del 2019 racconta storie vere che ci fanno per riflettere su quanti tipi diversi d’amore rapporti possano nascere. Strepitosa la puntata con Anne Hathaway.

Io prima di te

La madre dei draghi nei panni di una giovane badante a cui tocca un bellissimo e ricco giovane londinese (Sam Claflin) rimasto sulla sedia a rotelle dopo un incidente. Scontro di classe con prevedibile innamoramento finale, tratto dal best seller omonimo di JoJo Moyes.

Shakespeare in love

Non si può parlare di San Valentino senza includere l’autore della storia d’amore per eccellenza, William Shakespeare. Vincitore di sette premi Oscar del 1999, vede Joseph Fiennes nei panni del drammaturgo alle prese con il proprio amore per la bella Gwyneth Paltrow.

Notting Hill

Hugh Grant e Julia Roberts in un grande classico (nel 1999 fu il film britannico con i maggiori incassi nella storia del cinema – prima dell’arrivo di Harry Potter). Il quartiere più bianco ed elegante di Londra diventa lo scenario di una favola d’altri tempi in cui la più famosa attrice del mondo finisce per caso nella piccola libreria londinese di uno sconosciuto.

Lost in Translation

Bill Murray e Scarlett Johansson nel lungometraggio premiato nel 2004 con l’Oscar per la Miglior sceneggiatura originale. Due americani che si ritrovano in una Tokyo così diversa dalla loro quotidianità si troveranno alle prese con un sentimento inaspettato. Diretto dalla bravissima Sofia Coppola.

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Curiosità su Star Wars

Con l’arrivo al cinema di Star Wars Episodio IX – L’ascesa di Skywalker il nostro argomento del mese non poteva che essere proprio Star Wars!
Dopo aver esplorato i temi musicali più belli della saga cinematografica e aver sbirciato le ispirazioni da cui George Lucas ha attinto per crearla, concentriamoci su alcune delle curiosità che forse ancora non conoscete sul mondo di Star Wars.

Scelte di casting

All’inizio della saga, l’attore di gran lunga più importante presente nel cast era senza dubbio Sir Alec Guinness. L’interprete del teatro shakespeariano in realtà non aveva una buona opinione del film in cui stava recitando, ritenendolo un’opera di second’ordine. Ma, per sua stessa ammissione, aveva bisogno di soldi in quel periodo, e quindi accettò la parte e negoziò anche un accordo che gli concedeva il 2% degli incassi lordi.
Guinness però non prese bene la scelta di uccidere il suo personaggio e, richiamato per apparire in L’Impero colpisce ancora, accettò a patto che le sue scene fossero girate tutte in un solo giorno di riprese.

Avrete notato che Mark Hamill, interprete di Luke Skywalker, appare diverso in L’Impero colpisce ancora rispetto a Una nuova speranza. Questo perché, poco prima di intraprendere le riprese del secondo film, l’attore restò coinvolto in un gravissimo incidente che gli devastò il volto e gli lasciò cicatrici ben visibili. Per giustificare il cambiamento anche nel film, venne quindi introdotta la scena del Wampa.

La differenza di altezza tra Carrie Fisher e Harrison Ford è decisamente notevole: in molte scene, infatti, l’attrice è stata costretta a recitare su di una pedana per minimizzarla. Inoltre la celebre battuta che Leia e Han si scambiano prima che quest’ultimo venga ibernato nella grafite è stata inserita perché Harrison Ford non aveva alcuna intenzione di riprendere ancora il ruolo.

Ewan McGregor, interprete di Obi Wan Kenobi nella trilogia prequel è il nipote di Denis Lawson, che era stato il pilota Wade Antilles nella trilogia originale.

Ian McDiarmind, interprete dell’imperatore Palpatine a partire da Il ritorno dello Jedi avrebbe inizialmente dovuto prestare solo le fattezze al personaggio ed essere doppiato. L’attore però impressionò tanto George Lucas da guadagnarsi la possibilità di interpretare l’imperatore anche con la voce.

Nella trilogia originale dietro la maschera di Darth Vader si cela David Prowse che, tuttavia, prestò solo le movenze al personaggio: la voce era infatti di James Earl Jones.
Come se non bastasse, nelle scene in cui Vader viene mostrato senza maschera, il volto che vediamo è quello di Sebastian Shaw mentre nelle scene di combattimento il personaggio era interpretato dal maestro di scherma Bob Anderson.

Questione di comodità

In Una nuova speranza era un nome di rilievo anche Peter Cushing, che presta il volto al generale Tarkin. L’attore, però, trovava così scomodi gli stivali di scena che in gran parte del film preferì recitare indossando delle pantofole: ecco svelato il motivo per cui Tarkin è spesso inquadrato in piano americano.

Anche Anthony Daniels, interprete di C3PO ebbe non pochi problemi con il suo costume, che era strettissimo e molto complesso da indossare. In molte scene di Una nuova speranza, infatti, il personaggio viene inquadrato a mezzo busto perché l’attore non indossava la parte inferiore dell’armatura.
Non solo, Daniels fu protagonista anche di un vero e proprio attacco di panico nella scena iniziale di Il ritorno dello Jedi ambientata nel palazzo di Jabba the Hutt.

In L’Impero colpisce ancora possiamo notare come nella sequenza del combattimento tra Luke e Vader venga inquadrato il più delle volte proprio Luke: questo perché Bob Anderson, interprete di Darth Vader in quell’occasione, recitava senza casco per riuscire a muoversi più agevolmente.

La location giusta

Alcune scene dei film sono state girate all’interno del Ranch Skywalker, la residenza di George Lucas. Ad esempio, il funerale di Darth Vader alla fine de Il ritorno dello Jedi o le scene nel lago di Dagobah del L’Impero colpisce ancora, che era stato ricreato nella piscina di Lucas.

Le lingue della galassia lontana lontana

Il cacciatore di taglie Greedo si esprime in una linguaggio realmente esistente: la lingua sudamericana Quechua. Alla stessa lingua è ispirato l’Huttese, lingua parlata da Jabba the Hutt.

La lingua dei Jawa è invece tratta dalle parlate africane e le voci degli interpreti sono registrate e velocizzate; la lingua degli Ewok, invece, è un mix di diverse lingue tra cui il cinese, il norvegese, il nepalese e il tibetano.

Nella versione originale di L’Impero colpisce ancora la resistenza recita con accento americano mentre l’Impero con accento inglese: il regista Irvin Kershner voleva suggerire in questo modo una rilettura della rivoluzione americana.

Richiami e inside jokes

In episodio VI appaiono tre guardie di Jabba the Hutt che si chiamano Klaatu, Barada e Nikto: i nomi sono una citazione diretta di Ultimatum alla Terra. E sì, questi tre termini sono stati riutilizzati anche ne L’Armata delle Tenebre.

Per accontentare le figlie, George Lucas fece fare ai membri della band musicale NSYNC una comparsata in L’attacco dei cloni. La scena che li vedeva protagonisti, però, fu poi tagliata in fase di montaggio. Sono state lasciate, invece, le sequenze che vedevano apparire Ahmed Best (interprete di Jar Jar Binks) e Anthony Daniels (C3PO) con le loro normali fattezze. Nello stesso film tutti e tre i figli di George Lucas e lui in persona appaiono come comparse.

Nelle scene ambientate nel senato galattico possiamo scorgere alcuni rappresentanti della razza aliena di E.T. apparire in uno dei seggi. Non è la prima volta che Spielberg e Lucas si scambiano omaggi nei loro film.

La frase “Ho un brutto presentimento” viene pronunciata in ogni film della saga. Inoltre, ogni film di Star Wars finora è uscito nei cinema nel mese di maggio perché è quello in cui George Lucas compie gli anni. L’ascesa di Skywalker, in uscita a dicembre, sarà il primo a rompere questa tradizione.

La sigla THX e la sequenza numerica 1138 appaiono spesso nel corso dei film: sono un omaggio a THX 1138 (L’uomo che fuggì dal futuro), primo film diretto da George Lucas.

Nel corso della saga, poi, sono molti gli attori ad essere apparsi qua e là: Keira Knightley, per esempio (controfigura della regina Amidala), Simon Pegg (Unkar Platt), Kevin Smith e Daniel Craig nei panni di due Stormtrooper.

Le spade laser

Le iconiche spade laser inizialmente avrebbero dovuto essere solo di due colori: azzurre per i buoni e rosse per i cattivi. E infatti nei primi due film appaiono armi solo in questi colori. In Il ritorno dello Jedi viene introdotta la prima variazione: la spada che Luke brandisce infatti è di colore verde. La scelta aveva una motivazione nella trama, perché Lucas voleva che agli spettatori fosse chiaro che si trattava di un’arma nuova rispetto a quella che Luke aveva perso nel corso de L’Impero colpisce ancora. Ma c’era anche una motivazione pratica: la spada verde sarebbe risaltata meglio nelle scene ambientate in esterno.
In La minaccia fantasma, poi, l’attore Samuel L. Jackson pretese per il suo personaggio una spada viola, il che ampliò nuovamente le possibilità di colorazione della spade laser.

Per creare l’iconico suono delle armi l’ingegnere Ben Burntt ebbe l’idea di combinare il rumore del motore di un vecchio proiettore cinematografico e l’interferenza di un televisore su un microfono non schermato. Muovendo il microfono si ottenevano le variazioni nel suono che simulavano il movimento della spada.

L’arte del riciclo

Il cacciatore di taglie Bossk indossa una tuta spaziale riciclata da un episodio di Doctor Who: è effettivamente identica.
Il cacciatore di taglie droide IG-88, invece, è stato ricavato assemblando oggetti di scena dei film precedenti: è possibile vedere, infatti, la sua testa usata come distributore di bevande nella scena della cantina di Una nuova speranza.

In La minaccia fantasma Qui-Gon Jinn si serve di un comunicatore che altro non era che… un rasoio da donna opportunamente ricoperto di vernice argentea.

In L’attacco dei cloni vediamo delle strane creature che ricordano delle mucche e che vengono riutilizzate nelle scene ambientate nello spazio per dare vita agli asteroidi.

Depistaggi

Per evitare troppi curiosi sul set di Il ritorno dello Jedi, si utilizzò un nome fittizio per la lavorazione: Blue Harvest, che sarebbe dovuto essere un film horror. Il riferimento era al romanzo Red Harvest, che ispirò il film di Akira Kurosawa La Sfida del Samurai. Blue Harvest è stato poi il titolo scelto da I Griffin per lo speciale dedicato a Star Wars.

Per evitare che la rivelazione finale de L’Impero colpisce ancora potesse trapelare, erano in pochissimi a conoscerla davvero. All’attore David Prowse, interprete di Vader, era stato infatti chiesto di recitare la battuta “Obi Wan ha ucciso tuo padre“. La vera rivelazione è stata aggiunta solo in fase di post produzione e la conoscevano solo James Earl Jones, doppiatore di Vader, Mark Hamill, George Lucas e il regista Irvin Kershner.

Effetti speciali

Quando nella caverna del Wampa Luke, appeso a testa in giù, utilizza i suoi poteri Jedi per recuperare la sua spada laser la scena fu semplicemente girata facendo lanciare all’attore la spada nella neve e rimontata poi al contrario.

Durante la sequenza dei meteoriti ne L’Impero colpisce ancora sembra che nel campo di asteroidi siamo possibile scorgere i più disparati oggetti, tra cui anche una patata e una scarpa da ginnastica.

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Doctor Sleep

Halloween è ancora nell’aria e forse è ancora il momento di immergersi con lo spirito giusto nel periodo più spaventoso dell’anno.
In redazione vi abbiamo preparato un bel po’ di curiosità sui film, i racconti, i videogames, la musica, le creepypasta, i luoghi e le serie più spaventosi di sempre. Dovreste già essere carichi, insomma.

Questo 31 ottobre, al cinema, è arrivato insieme al ritorno della luccicanza.
Non so voi, ma io sono piuttosto curiosa di scoprire come sarà il Doctor Sleep sul grande schermo.

Come già detto in più articoli, ho scoperto da non molto un amore insospettato per le storie di Stephen King e per una che con American Horror Story non è riuscita ad andare oltre alla sigla per paura di restare sveglia la notte, è tanta roba.

Un po’ come chi avanza con l’età sente sempre più bisogno di dolci, a me viene voglia di storie da paura.

Ecco dunque i cinque motivi che mi portano ad aspettare con una certa ansia la visione (spero a brevissimo) del film.

Il regista: Mike Flanagan

Già in due differenti occasioni vi ho parlato di opere horror che mi hanno davvero affascinato: Hill House, l’inquietante serie Netflix in cui una famiglia paga per tutta la vita il prezzo della scelta di una dimora non idonea e la bellissima mini serie de Il gioco di Gerald, in cui la burrosa Carla Gugino si ritrova ammanettata al letto con un cadavere addosso per un gioco erotico finito male. Entrambi i prodotti sono stati diretti da Mike Flanagan, talentuoso regista nato a Salem, conosciuto per Ouija e Oculus.
Davvero bravo, e spesso in produzioni low cost, è capace di alimentare la tensione senza trasformare una storia horror in un cliché. Specializzato nel gestire storie di spiriti e dipendenze da sostanze tossiche, immagino sarà stato fenomenale nel raccontare l’incubo di Dan Torrance.

Il protagonista: Ewan McGregor

Da quando l’ho visto la prima volta in Piccoli omicidi tra amici, sono follemente innamorata di questo pallido scozzese, che mi è piaciuto moltissimo in Trainspotting, mi ha sorpreso in Moulin Rouge e commosso in Big Fish.
Non saprei giudicare il suo Obi Wan Kenobi perché con Alec Guinness è difficile confrontare chiunque, ma l’ho trovato davvero speciale in Abbasso l’amore ed in Velvet Goldmine.
Nei panni di Christopher Robin è stato bravo, pur immerso in un film noiosissimo. Trovo speciale la sua capacità di confrontarsi con ruoli diversissimi e dare vita a personaggi che hanno sempre in comune una leggera malinconia, ho grandi aspettative.

Il confronto: l’opera di Kubrick

Shining porta con sé il doppio peso di un libro importante e di una regia maniacale. Il film è entrato nell’immaginario collettivo in modo talmente forte che certe scene sono iconiche anche per chi non ha mai visto la pellicola: le due gemelle, il ragazzino che corre col triciclo nei corridoi dell’Overlook Hotel, la voce stridula di Jack Torrance che chiama la dolce metà: “Wendy…. Wendyyyy“. Kubrick nel 1980 realizzò un film straordinario, che però piacque talmente poco a King da voler realizzare una serie TV per rendere giustizia al proprio libro.

Il male: Rose Hatter

La figura che nella storia rappresenta il Male è uno di quei personaggi che se ben costruito può essere davvero interessante. Un po’ vampira e un po’ zingara, è una delle tipiche figure care al Re: carismatica, carogna fino all’osso e molto determinata. Purtroppo il nome del suo personaggio tradotto come Rose Cilindro la fa sembrare una sorta di Mary Poppins, ma se correttamente valorizzato potrebbe essere il nuovo elemento di rilievo dell’universo della Luccicanza.

Il mito attraverso gli anni: King nel tempo

Qui si parla di un autore straordinario, non solo per la quantità di romanzi che continua a sfornare a settant’anni suonati, ma anche per la sua capacità di scrivere storie sempre attuali, che rimangono adattabili nel tempo. I tantissimi adattamenti fatti delle sue opere non sempre hanno retto al passaggio del tempo e, rivisti a distanza di anni, risultano davvero datati. Shining, aldilà della bravura degli attori e del regista, è una storia girata ed ambientata nel medesimo periodo storico. Funzionano ancora le storie di luccicanza nel 2019?

Nerdando in breve

Doctor Sleep al cinema ha tutti i numeri per risultare un ottimo film, aldilà dell’ingombrante eredità letteraria e cinematografica di Shining. Speriamo bene!

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In questi giorni si parla molto di un film che sta per uscire al cinema, Doctor Sleep, tratto da un romanzo di Stephen King, soprattutto in relazione a un grande classico cinematografico anch’esso tratto da un lavoro di King, cioè Shining. Se siete curiosi di sapere come sono collegati tra loro i 2 film e i 2 romanzi, continuate a leggere!

Trama

Vado diretta al punto: Doctor Sleep è il seguito di Shining.

Ambientato una trentina di anni dopo gli avvenimenti del famoso romanzo horror del 1977, Doctor Sleep racconta la storia di Daniel Torrance, il figlio del protagonista di Shining, Jack. La tremenda vicenda vissuta dal piccolo Danny nell’Overlook Hotel lo ha segnato profondamente, e anche se momentaneamente sconfitti in seguito all’incendio dell’hotel, i terrificanti mostri che ha affrontato continuano a perseguitarlo a causa della sua “luccicanza”, il particolare potere psichico che possiede. Grazie alla luccicanza però Danny riesce a contenere le malvagie entità che abitavano l’Overlook relegandole in una scatola chiusa all’interno della sua mente, ma questo non è l’unico uso che, ormai adulto, fa del suo potere: l’uomo infatti lavora come inserviente in una casa di riposo e riesce ad accorgersi di quando qualcuno sta per morire, e con la mente accompagna  dolcemente i moribondi verso il sonno eterno, ed è per questo motivo che tutti lo chiamano Doctor Sleep.

Sembra che vada tutto bene per Danny, che ha sconfitto l’alcolismo e conduce una vita tranquilla in una cittadina del Maine, quando una nuova minaccia si fa viva all’orizzonte: delle entità molto simili a quelle che abitavano nell’Overlook Hotel e che si fanno chiamare il Vero Nodo cacciano coloro che possiedono la luccicanza e se ne nutrono uccidendoli. Una ragazzina di nome Abra, che possiede una forte luccicanza, si accorge di loro e, terrorizzata, si mette in contatto psichico con Danny. Ora mi devo fermare altrimenti rischio di fare spoiler… Se volete sapere come la storia va avanti, l’appuntamento è al cinema dal 31 ottobre 2019!

Cast & crew

Il protagonista Danny Torrance è interpretato da Ewan McGregor, mentre tra i co-protagonisti troviamo la bellissima Rebecca Ferguson, Bruce Greenwood e la piccola Kyliegh Curran; la regia è di Mike Flanagan, una garanzia per i fan del cinema horror che ha già avuto a che fare con un’opera di Stephen King nel 2017 quando ha scritto e diretto Il gioco di Gerald per Netflix.

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Recensione

“Prima o poi, il tuo passato ti raggiunge” è la frase che compare sulle locandine di Ritorno al Bosco dei 100 Acri, il nuovo lungometraggio Disney che sarà nelle sale italiane dal 30 agosto 2018.

Se non sapessi che si tratta di un live action/CGI ispirato a Winnie the Pooh, probabilmente avrei supposto che fosse la morale di un inquietante film horror. Per chiunque abbia visto Black Mirror, e in particolare Crocodile (S4E03), mi sto riferendo proprio a qualcosa del genere: un segreto tanto grosso quanto scomodo, che si cerca di seppellire sotto il peso di anni trascorsi, ma che immancabilmente torna a galleggiare in superficie costringendo ciascuno di noi a dare spiegazioni e ad agire di conseguenza.

In un certo senso è esattamente ciò a cui sarà sottoposto l’ormai adulto Christopher Robin, il quale, pressato dallo stress del lavoro e dalle vicissitudini quotidiane, ha lasciato andare quel pascoliano fanciullino che tante estati passò nel Bosco dei 100 Acri.

Trama

Ritorno al Bosco dei 100 Acri è la storia di una promessa fatta da un bambino al suo migliore amico, e di come quella promessa abbia avuto enormi ripercussioni a distanza di anni.

Ne “La strada di Puh” (A. Milne, 1928) compare uno dei più iconici scambi di battute fra Christopher Robin e l’orsetto Pooh, il quale viene fedelmente citato all’inizio della pellicola:

Christopher Robin: “Pooh, promettimi che non ti scorderai mai di me. Nemmeno quando avrò cento anni.”
Pooh: “Quanti anni avrò io per allora?”
Christopher Robin: “Novantanove.”
Pooh: ”Lo prometto.”

E infatti così fu: per anni l’orsetto attese che il suo compagno di esplorazioni sbucasse dall’albero, ma tanti inverni e tante estati dovettero darsi il cambio prima che i due si incontrassero di nuovo. Uno strano giorno però, l’orsetto si sveglia e non trova più nessuno dei suoi compagni: Pimpi, Tigro, Tappo, Ih-Oh e tutti gli altri sono misteriosamente scomparsi. Di conseguenza, dopo una buona scorta di miele, ecco che l’impavido orsacchiotto si mette a cercare l’unica persona mai incontrata, degna di compiere una simile spedizione di ricerca: Christopher Robin.

Nel frattempo, dopo anni di collegio e servizio militare, Chris è diventato un uomo fatto e finito, determinato a fare carriera e dedito al lavoro come un dipendente provetto. Tuttavia, a causa della troppa assennatezza, quel bimbo che tanto amava il dolce far niente ha lasciato andare il beneamato orsetto dalla testa piccola ma dal cuore grande.

Ci vorranno viaggi inaspettati, nuove amicizie e improbabili avventure, perché ciascuno dei due possa rimettere le zampe su quella fetta di affetti che il tempo minacciava di allontanare per sempre.

Fedeltà

Ciò che ho tanto apprezzato in Ritorno al Bosco dei 100 Acri, è la capacità con la quale il team diretto da Marc Forster ha saputo trasformare la pellicola in un libro vero e proprio, che fra luci e voci prende vita sul grande schermo.

Chiunque di voi si sia mai imbattuto in un vecchio libro di Winnie the Pooh, di certo ricorderà i disegni in bianco e nero figli di Ernest Howard Shepard, il quale, con pochi tratti e linee, seppe concretizzare nell’immaginario collettivo i testi di Milne. Alcuni di quei disegni ritornano pari pari nella pellicola, in un perfetto connubio fra citazione e implementazione; altri invece vengono ricreati ad hoc, come se lo stesso Shepard avesse potuto prendere parte alla realizzazione del film.

Diverse scene si aprono e si chiudono partendo proprio da una fittizia pagina del libro, la quale viene creata con la maggior fedeltà possibile, al fine di raccontare ciò che sta per accadere, mantenendo la stessa matrice alla quale la coppia Milne-Shepard ci ha abituati. Per altro, non è la prima volta che ciò accade: dopo Winnie Puh (1926) e La strada di Puh (1928), venne alla luce Ritorno al Bosco dei 100 Acri, un sequel canonico scritto nel 2009 da David Benedictus e disegnato da Mark Burgess. Il duo seppe dare un degno seguito ai romanzi, restando fedele a quella storia scritta più di ottant’anni prima, e riuscendo a mantenere gli stessi tratti che la caratterizzavano, pur apportando innovazione.

Lo stesso accade nel film, dove possiamo trovare numerosi riferimenti a diversi racconti contenuti nei tre libri sopra citati, che sia qualche scambio di battute o semplicemente un’immagine dei romanzi rifatta in live action. Anche i capitoli citati, “Capitolo Quarto, nel quale Christopher Robin incontra Evelyn“, ricalcano perfettamente lo stile letterario (es: “Capitolo Quarto, nel quale Isaia perde la coda e Puh la ritrova“).

Numerosi gli elementi del mondo di Pooh che compaiono nella pellicola, dalla fissazione dell’orsetto per miele e palloncini rossi, al gioco dei bastoncelli dal ponte. Chiunque fra voi conosca almeno un poco le avventure dell’orsetto Pooh, sicuramente ricorderà la gara di bastoncelli sul fiume. Il gioco consiste nell’andare, con almeno un amico e muniti di un ramoscello, su un ponte che attraversi un fiume, e di posizionarsi controcorrente. Ciascuno dei giocatori deve poi lanciare il proprio bastoncello nel fiume, correre dall’altra parte del ponte e vedere quale dei bastoncelli, trasportato dalla corrente, superi per primo il ponte e prosegua più a lungo il tragitto, prima di arenarsi.

In più, troverete il tema di Winnie the Pooh suonato a carillon, Tigro che canta la sua canzoncina, la coda di Ih-Oh che va riattaccata e molti altri riferimenti alle amabili vicende narrate nei libri e trasformate in cartone animato dalla Disney.

Del perché abbiamo bisogno di Winnie the Pooh

Quando ero piccola, ricordo di non essere stata un’amante dell’orsacchiotto. Per carità, apprezzabile eh, le videocassette che avevo sono state ampiamente consumate, eppure ricordo che c’era sempre qualcosa di diverso rispetto agli altri cartoni animati. I colori erano più tenui, nessuna tinta sgargiante; i paesaggi nei quali erano ambientate le vicende erano così bucolici e tranquilli che quasi mi infastidivano, così come la pacatezza dell’orsetto o il continuo tentennare di Pimpi. I miei personaggi preferiti erano proprio Christopher Robin e Tigro, gli unici due elementi dinamici all’interno di un contesto fin troppo pacato per i miei sogni di avventuriera in erba.

Tuttavia, ciò che Ritorno al Bosco dei 100 Acri ha saputo insegnarmi, è che devo dare un’altra possibilità all’orsetto, così come mi sono ritrovata a fare con il Piccolo Principe (altro libro dal quale, da bambina, non ero riuscita a lasciarmi catturare).

Immersa in una vita ormai frenetica e alle volte stressante, durante la visione del film sono stata letteralmente travolta dalla genuina bontà di Winnie. Inutile dirvi che è riuscito a strapparmi più di qualche lacrima, con quelle sue riflessioni tanto spontanee da sembrare alle volte ingenue, ma che colpiscono per la forza del messaggio che portano. Ciò che ho maggiormente apprezzato dell’intera pellicola è proprio la fedeltà nel riprodurre esattamente quel modo di fare che ricordavo, ma che oggi ha saputo comunicarmi ciò che ai tempi dell’asilo non mi diceva nulla. E per forza! Essendo bambina, tutto ciò che diceva Pooh era assolutamente normale e non molto diverso da ciò che (credo) avrei risposto io al suo posto; oggi invece, abituata a costruire castelli di carta con parole superflue, è stato un piacevolissimo pugno nello stomaco.

Inizio a sospettare che l’orsetto altri non sia che il Piccolo Principe del Bosco dei 100 Acri, con una passione per il miele al posto che per le pecore, ma per verificare questi miei sospetti dovrò mettere mano ai racconti cartacei.

Sconfiggere mostri che non esistono

C’è un punto, circa verso la metà del film, nel quale il personaggio di Christopher Robin adulto ha la svolta che lo porterà a riaprire gli occhi. Eccezion fatta per l’orsetto, nessun altro membro del gruppo di animali lo riconosce. Sono trascorsi diversi decenni e il piccolo Christopher è cambiato molto, ma non tanto nell’aspetto, quanto più nell’atteggiamento e nel modo di porsi. Nessuno lo riconosce più perché, durante l’attacco degli efelanti, il ragazzo si rifiuta di combattere.

Convinto che gli efelanti non esistano, davvero non riesce a capire da cosa siano terrorizzati gli amici animali. Prova a spiegare loro con la più tranquilla razionalità che a produrre versi strani e molesti non è un mostro, bensì un segnavento di ferro un po’ arrugginito. Lo prende, lo mostra loro ma benché lui tenga in mano l’effettiva causa del problema, nessuno viene tranquillizzato, anzi.

Il motivo è semplice: nell’immaginario di tutti, gli efelanti esistono, perciò sapere che un pezzo di ferro produce fastidiosi rumori non è sufficiente per annientare quella paura che ormai ciascun membro del gruppo porta dentro di sé come un pesante fardello. Occorre costruire gli efelanti per poterli sconfiggere. Così, dopo un buffo scontro che non vi racconterò, l’eroe del Bosco dei 100 Acri è tornato tale. A Pimpi, Tigro, Tappo e gli altri serviva soltanto qualcuno che li rassicurasse sconfiggendo i mostri che tanto li tormentavano, non che ne negasse l’esistenza; qualcuno in grado di mettersi al loro stesso livello e di interpretare l’eroe che non meritavano ma di cui avevano bisogno, che si fidasse di loro prima di pretendere che loro si fidassero di lui.

Sono convinta del fatto che non sia necessario essere Chrispoher Robin (o Batman) per essere empatici con chi ci chiede aiuto, dando una mano senza la superbia del negare la necessità dall’aiuto stesso, perché l’importante è solo che, alla fine della storia, gli efelanti non esistano più.

Conclusioni

Ci sono ancora molti aspetti dei quali non vi ho parlato, ma non posso dirvi troppo, altrimenti non avrete più nulla per cui sorprendervi. Vi basti sapere che Ritorno al Bosco dei 100 Acri è un film che merita davvero di essere visto. Al di là di tematiche e contenuti, se amate i film ambientati nel primo ‘900, con tinte tenui e toni raffinati, con dettagli pregevoli che rendono altamente realistico ogni istante della pellicola, e una fotografia davvero niente male, allora lo apprezzerete.

In fondo, sapere che “prima o poi, il tuo passato ti raggiunge” è più una speranza che una paura, o forse solo un efelante col quale dover saldare i conti.

Nerdando in breve

Con un Ewan McGregor molto convincente nella parte di un adulto che ha dimenticato la propria infanzia, ma che man mano riesce a riappropriarsene, e con un orsetto di stoffa che sa essere maturo e infantile allo stesso tempo, Ritorno al Bosco dei 100 Acri vi farà passare 104 minuti in davvero ottima compagnia.

Nerdandometro: [usr 4.8]

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Trailer

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Belle è la principessa dei nerd. Asociale, colta, sempre con la testa tra le nuvole e gli occhi incollati alle pagine di un libro, si cura poco del mondo che la circonda, fatto di omaccioni ignoranti e di svenevoli e vuote coetanee, preferisce fuggire in fantastici mondi immaginari e andare per la propria strada. La Bestia, per fortuna, intuisce la sua natura e per arrivare dritto al suo cuore le mostra la sua enorme… biblioteca. È stato facile per me da bambina identificarmi in lei, più che in altre principesse Disney del periodo come Ariel o Jasmine, ed è per questo che Belle è sempre stata la mia preferita. Il fatto poi che, unica, Belle si innamori non del bel principe di turno ma di una mostruosa bestia non so perché non può che farmela amare. Che poi, mostruosa, diciamolo: non era poi così brutta! Ricordo che da piccola è stato un trauma per me vedere finalmente il vero volto del principe e accorgermi che non era poi tutta questa gran bellezza che mi sarei aspettata, e so di non essere stata l’unica traumatizzata, ho le testimonianze di molte altre ex-bambine!

Ovviamente La Bella e la Bestia è il mio lungometraggio Disney preferito, so ancora a memoria tutte le canzoni e da qualche parte ho anche l’album delle figurine (completo!). Quando ho scoperto mesi fa che Disney aveva intenzione di trarne un film in live action, come Maleficient e Cenerentola, mi sono un po’ preoccupata, non perché non avessi fiducia (ho amato Maleficient e anche Cenerentola è venuto bene), ma perché si andava a toccare un pilastro della mia infanzia. Ho iniziato a cercare di carpire ogni notizia su casting e produzione e beh, l’hype è salito alle stelle quando ho scoperto che la trama e l’ambientazione sarebbero rimaste le stesse identiche del cartone, che il cast è decisamente azzeccato, ma soprattutto che sarebbe stato un musical, con le stesse canzoni che già abbiamo ascoltato e amato nel 1991. Il primo trailer mi ha decisamente emozionato e finalmente ieri, dopo tanta attesa, ho visto il film. L’ho trovato semplicemente meraviglioso.

È una storia sai, vera più che mai

Sono state risolte alcune lacune della trama del cartone andando a pescare direttamente dalla favola originale, e sono state date finalmente risposte a domande che mi facevo da anni (come ad esempio, perché sono stati maledetti anche gli abitanti del castello?); è stato raccontato anche il passato di Belle, tutto scorre ed ha senso. La canzoni sono le stesse, e ne sono state aggiunte alcune nuove; le parole italiane sono state leggermente cambiate e all’inizio quando cercavo di cantare il mio cervello è andato in tilt, ma ho capito che ciò è stato fatto per un ottimo motivo: far coincidere il labiale con le parole, cosa che trovo fantastica e che raramente ho visto in precedenza. Sono rimaste uguali solo le parole della canzone della scena del ballo, lì ho potuto cantare!

Le scenografie e la cgi? Perfette e bellissime, non si poteva chiedere di meglio. Spesso ho notato come inquadrature e sequenze siano state prese pari pari dal cartone e riprodotte live, e la cosa mi è piaciuta molto.

Ho adorato il modo in cui è stata interpretata la Bestia, perché è stata svecchiata: si vede che è un giovane uomo, sia dall’atteggiamento che dalla voce, mentre nel cartone sembrava più vecchio, ed ora ha più senso una relazione con la giovane Belle. Complimenti a Dan-Legion-cugino Matthew-Stevens, che oltre ad essere bravo è anche piacevole alla vista (per non dire gran figo), sicuramente di più di quanto lo fosse il principe disegnato. Emma Watson, che all’inizio non mi convinceva, invece è una Belle azzeccata, magari solo leggerissimamente altezzosa. Bravissimi tutti i grandi attori che interpretano i servitori-oggetti: Ewan McGregor, Emma Thomson, Ian McKellen, Stanley Tucci, la grandissima Audra McDonald. Gaston (Luke Evans) è incredibilmente uguale alla versione disegnata, cattivo e stupido fino al midollo, ed è uno dei personaggi più riusciti, mentre Le Tont (Josh Gad) è stato fatto diventare più buono, cosa che ho apprezzato, e si, è decisamente gay fatevene una ragione: it’s 2017 for f*** sake (cit. Ewan McGregor). Ottimo anche Kevin Kline nel ruolo di Maurice (non più inventore pazzerello), non si può non volergli bene.

In conclusione

Concludendo (anche perché sto finendo i superlativi), avevo paura di poter essere delusa dal film e invece non posso essere più soddisfatta di così, tutti i miei complimenti agli autori che sono riusciti a prendere una cosa che era già bellissima e a migliorarla e renderla perfetta. W Disney!

Nerdando in breve

Ottima versione in live action di uno dei capolavori Disney più amati, consigliatissimo a grandi e piccini.

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“Questa volta è magia vera” era il claim del primo tentativo di Disney di portare in live action uno dei suoi classici. Correva l’anno 1996 e il film in questione era La carica dei 101. All’epoca il risultato fu altalenante, ma molte cose sono cambiate negli ultimi vent’anni e recentemente Disney si è mostrata molto più attenta e matura nelle sue trasposizioni. Lo abbiamo visto in Cenerentola e ne Il libro della giungla (Maleficent fa storia a sé) e, dopo l’esperienza maturata, ecco arrivare la prova del fuoco con uno dei classici più amati di sempre: La Bella e la Bestia.

Recensione

Una doverosa promessa: giunto alla soglia dei quarant’anni ho visto transitare nei cinema un numero molto elevato di Classici Disney. Personalmente, complice anche l’uscita dall’infanzia, non ho vissuto con grande passione il così detto Rinascimento Disney, di cui La Bella e la Bestia fa parte. Per questa ragione ho affrontato l’anteprima stampa del live action con totale rilassatezza, senza la paura tipica di chi teme di veder rovinato un bel ricordo della propria fanciullezza.

Altra premessa è che, avendo recuperato l’opera omnia della Disney a causa della sopraggiunta paternità, ho stilato una personale classifica dei Classici e questo, in particolare, non è ai primi posti, sebbene ne riconosca il valore.

Detto questo, andiamo a parlare del film vero e proprio.

La cornice è quella del cinema Odeon di Milano (ora The Space), la sala è gremita di gente in attesa e quando finalmente le luci si spengono il silenzio regna sovrano: è quel genere di attesa in cui la curiosità e la tensione diventano quasi palpabili. Poi la magia inizia e veniamo proiettati nel paesino della Francia settecentesca teatro della vicenda.

Trama

Per chi non lo sapesse, Belle è una ragazza di campagna che si differenzia da tutte le altre perché intelligente, colta e stravagante. Vive col padre Maurice ai margini del paese e non fraternizza con gli altri abitanti, principalmente a causa del loro modo di vivere retrogrado. Belle ha uno spasimante, Gaston, un ex soldato-eroe con uno stuolo di ammiratori e ammiratrici alle spalle, la cui massima aspirazione è sposare Belle, metter su famiglia e passare il tempo andando a caccia o gozzovigliando con l’amico Le Tont alla locanda del paese. Belle, però, non ha la minima intenzione di farsi mettere la palla al piede e ne rifiuta decisamente le avance.

Un giorno il padre di Belle, mentre si reca al mercato, si smarrisce nel bosco e giunge in una zona in cui sembra non giungere mai l’estate: qui, tra lupi affamati e tempeste di neve, si cela un misterioso castello apparentemente abbandonato. Maurice vi trova riparo e scopre che è abitato da un arredamento vivente al soldo di un padrone dalle fattezze mostruose.
Belle, il giorno dopo, vede tornare a casa il cavallo senza il padre e si mette alla ricerca di Maurice, trovando a sua volta il castello e scambiando il proprio posto nella prigione della Bestia al fine di lasciar libero il padre. Inizia quindi lo strano rapporto tra Belle e la Bestia, in cui si scopriranno essere non così diversi come avevano immaginato; il tutto mentre Maurice cerca di liberare la figlia dal castello maledetto.

Recitazione

Mettiamo subito il campo il punto più spinoso. Emma Watson è molto brava, ma questo personaggio non è fatto per lei: è davvero poco credibile nei momenti di canto solitario, e il climax che la porta in cima alla collina a sfogarsi nella classica wish song disneyana non sta in piedi. Sembra una brutta scimmiottatura di sua maestà Julie Andrews che in Tutti insieme appassionatamente tiene in piedi l’intera sequenza allargando le braccia e girando su sé stessa. Intendiamoci: non voglio dire che sembra di vedere Hermione con il vestito giallo, ma manca quell’incollatura tra attore e personaggio che fa sospendere l’incredulità.

Infinitamente meglio la Bestia portata in scena da Dan Stevens (Downton Abbey, Legion), complice anche una maggior centralità del ruolo rispetto al cartone, che risulta credibile in ogni scena.

Il migliore in campo, tuttavia, è senza dubbio alcuno Luke Evans (Fast & Furious, Lo Hobbit): il suo Gaston è semplicemente perfetto; arrogante, divertente, insopportabile al punto giusto in un mix davvero riuscito. La scena della taverna in cui viene consolato da tutti i suoi ammiratori è tra le migliori del film.

Poco da dire, invece, sui nomi illustri che popolano questa pellicola. Non ho ancora avuto modo di vedere la versione originale, per cui non mi posso esprimere; sulla fiducia, però, è difficile immaginare che celebrità del calibro di Ewan McGregor, Ian McKellen, Stanley Tucci ed Emma Thompson possano aver fatto qualcosa di meno di un capolavoro. Emma Thompson, inoltre, ha da portare sulle spalle la difficile eredità di Angela Lansbury ma non ho dubbi che sia stata all’altezza, come sempre.

Un’ultima parola per Kevin Kline, nei panni di Maurice. Ho sempre adorato questo attore e anche qui onora il mio amore per lui: la sua parte è ovviamente marginale, ma recitata con sublime perizia.

Differenze con il cartone

Trasformare un classico tanto amato in un live action richiede una buona dose di pelo sullo stomaco. Prima di tutto occorre modernizzare il film: vent’anni sono tanti e il gusto delle persone è cambiato; chi andrà al cinema aspettandosi di vedere un copia & incolla del cartone con attori veri, rimarrà deluso. Personalmente la ritengo una pretesa insensata: i puristi del cartone forse farebbero meglio ad evitare di vederlo perché troveranno sicuramente materiale di critica; io penso che sia invece stato fatto un ottimo lavoro per mantenere l’equilibrio tra l’omaggio e la modernizzazione.

Tra le principali differenze troviamo le canzoni: ce ne sono due o tre in più, dedicate agli approfondimenti dei personaggi che mancavano nella storia originale. Scopriamo quindi come mai Belle e Maurice vivono in quel paesino e perché non c’è la madre. Scopriamo anche qualcosa sull’infanzia del principe e di come il suo carattere venne forgiato in quello che farà scatenare l’ira della strega che lo tramuterà in Bestia. Il risultato è che il film viene trasformato in un vero e proprio musical, scelta che potrebbe dare fastidio ai fan più accaniti.

Semplicemente imperdonabile, invece, il cambio delle parole durante la canzone finale: tutti sappiamo qual è il testo originale e abbiamo da anni accettato di sentir cantare “la felicità” invece di “Beauty and the Beast”. La scelta di mettere invece le parole “per la Bestia e Belle” è come sentire le unghie grattare contro una lavagna di ardesia.

Il ruolo dell’inventore è spostato da Maurice a Belle, su espressa richiesta dell’interprete: Emma Watson ha infatti chiesto un retroscena più marcato per il suo personaggio, che motivasse con ancor più forza la differenza dagli altri abitanti. La vediamo quindi mettere in campo una lavatrice ante-litteram mentre può dedicarsi al suo passatempo preferito: la lettura.

Altra differenza è che la Bestia nel film è un uomo molto colto, che cita Shakespeare, mentre nel cartone era analfabeta.
Grandi polemiche, infine, per il primo personaggio “dichiaratamente gay” della Disney. Parliamo di Le Tont, che è vittima di sentimenti contrastanti nei confronti dell’amico Gaston. In realtà di “dichiarato” c’è davvero poco e le allusioni all’amore romantico nei confronti di Gaston sono appena accennate.

Considerazioni finali

Come dicevo all’inizio, non sono un grande amante del Classico. Ieri sera, alla prima, mi sono divertito: un paio di brividi sulla schiena li ho provati e non posso che reputarmi soddisfatto di quel che ho visto sullo schermo.

Ho notato, tuttavia, qualche problema col doppiaggio: in più occasioni, durante le canzoni, il lip sync è andato a farsi benedire e se questo era accettabile in Mary Poppins nel 1964, oggi non lo è più. Lo scollamento è evidente e fa crollare intere scene svalutando di molto la resa complessiva.

Nel complesso, però, siamo ben oltre la sufficienza. La scena della cena resa davvero bene, con il ritmo, i balli e i fuochi d’artificio che ci si aspettava; il ballo tra Belle e la Bestia è un altro di quei nodi che può scatenare le ire dei puristi; il vestito di Belle è diverso rispetto a quello del cartone, lo ammetto: personalmente l’ho trovato più bello dell’originale.

E se le mie parole possono sembrare dettate dal buon senso, all’anteprima avevo con me due spettatrici senza filtri né peli sulla lingua, che amano il cartone e che hanno trovato il film semplicemente stupendo. Insomma: forse non piacerà a voi, ma piacerà sicuramente ai vostri figli.

La Bella e la Bestia è un film altamente metaforico, i cui molteplici significati sfuggono a chi si limita ad osservarne la patina dorata: da un lato abbiamo l’anima di Belle, in aperto contrasto con il corpo di Gaston, a simboleggiare l’eterna lotta dicotomica tra desiderio e realtà, tra sogno e materialismo. In questa lotta appare quindi la figura paterna di Maurice, che ha il compito (marginale ma fondamentale) di dare all’anima gli strumenti per vivere nel mondo, per uscire dall’ambiente protetto della famiglia ed affrontare le sfide del mondo esterno. Il tutto attraverso un viaggio irto di pericoli (la foresta, i lupi) per giungere infine al castello della Bestia, immagine della corporeità dell’uomo a tutto tondo: forte e irruento quando occorre (contro i pericoli di cui sopra) ma dotato di una sensibilità spesso messa a tacere dalla crudeltà del mondo, eppure sempre presente e pronta ad eruttare con forza nel momento in cui si congiunge alla sua anima.

Belle e Bestia, quindi, rappresentano le due facce della medaglia “essere umano”, la tesi e l’antitesi che solo grazie ad un lungo e doloroso processo di sintesi riesce a raggiungere l’agognato equilibrio, quella completezza di cui infondo siamo tutti alla ricerca. Ed ecco che, raggiunto l’agognato finale, i mostri sono sconfitti: la caduta catartica dell’ego (Gaston) ha concesso il via al processo di rinascita, la re-umanizzazione della bestia, che può godere della propria raggiunta maturità nel fiorire della primavera della vita simboleggiata dalla fine dell’inverno; il tutto sotto gli occhi di un attento padre (Maurice) che viene messo da parte perché ha portato a termine il suo compito, marginalizzato ma non dimenticato.
La Bella e la Bestia, è insomma metafora di tutti noi, del nostro passaggio dalla fanciullezza all’età adulta e delle lotte che questo passaggio richiede.

Nerdando in breve

La bella e la bestia è un ottimo prodotto. Non privo di difetti ma assolutamente godibile: realizzato con la cura e l’amore necessari a renderlo un nuovo classico.

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