Introduzione

Non è la prima volta che mi ritrovo a parlare di Puzzle Bobble, un gioco che ha segnato profondamente la mia infanzia videoludica e che ho voluto approfondire nella rubrica Abiura di Nerd.

Negli anni ho cercato di trovare bubble shooters che mi dessero le stesse emozioni di Puzzle Bobble, ma senza alcun successo.
Infatti, nonostante la sua semplicità, questo gioco rimane inimitabile al 100% e l’unico titolo che può avvicinarsi all’originale è solo un altro Puzzle Bobble. Taito questo lo sa bene e colpisce ancora nel segno con Puzzle Bobble Everybubble!, un nuovo capitolo che vede, ancora una volta, come protagonisti i draghetti Bub e Bob.

Recensione

A livello di gameplay non troviamo grandi differenze rispetto all’originale; infatti, l’obiettivo principale rimane sempre quello di far scoppiare le bolle colorate formando gruppi di almeno tre colori uguali, evitando lo scadere del tempo o che le bolle tocchino terra.

Ti starai probabilmente chiedendo che senso abbia giocare questo nuovo capitolo, se non hanno apportato grandi modifiche. Quindi ora ti parlerò un po’ più nel dettaglio delle novità introdotte rispetto al classico da cabinato.

Bolle Speciali e Ostacoli

Di Puzzle Bobble ho sempre amato la sua componente “puzzle” che richiedeva l’utilizzo della testa per risolvere i livelli nel minor tempo possibile. In Puzzle Bobble Everybubble!, oltre a dover riflettere sulla traiettoria delle bolle che spariamo, dobbiamo utilizzare saggiamente le bolle speciali che troviamo sul campo da gioco.

Alcune bolle ci daranno un enorme vantaggio, per esempio quelle che fanno esplodere tutte le bolle di un colore, oppure le bolle vuote che si trasformano nella bolla che le colpisce. Altre, invece, saranno un po’ più complesse perché cambiano colore e potremmo sbagliare il timing per colpirle.

Un’ulteriore difficoltà è data dagli ostacoli, oggetti che non possono essere distrutti e che potrebbero portarci al game over se toccano terra. L’introduzione di questi elementi rende la sfida più adrenalinica e stimolante.

Modalità di Gioco

Puzzle Bobble Everybubble!, oltre alle modalità storia e sfida (già presenti in passato), offre ai suoi giocatori una grande novità: la modalità Puzzle Bobble VS Space Invaders.

Due giochi arcade storici di Taito si fondono per creare una sfida ancora più pazzesca: le navicelle spaziali di Space Invaders saranno racchiuse nelle bolle e per poter salvare la Terra, dovrai far scoppiare le bolle come in Puzzle Bobble, evitando però di essere colpito dai raggi laser nemici.

Due classici intramontabili del mondo arcade, che si combinano alla perfezione in questa modalità di gioco semplicemente pazzesca.

Questa modalità di gioco mi è piaciuta parecchio, ma si è rivelata bella tosta; infatti, non sono ancora riuscita a eliminare tutte le astronavi aliene (e dubito ci riuscirò mai), ma nonostante i continui fallimenti sono contenta di migliorare, di volta in volta, il mio punteggio.

Continuando a parlare della difficoltà del gioco, devo dire che mi sono trovata meglio con la modalità storia, in quanto i livelli sono gradualmente più difficili e pian piano vengono introdotti sia nuove bolle speciali sia nuovi ostacoli, permettendoti così di comprendere appieno il loro funzionamento.

La storia è sempre abbastanza semplice e lineare, ma risulta funzionale all’introduzione dei vari mondi e dei rispettivi abitanti.
Senza fare troppi spoiler, Bub e Bob, insieme alle loro controparti femminili Peb e Pab, dovranno liberare l’Isola Arcobaleno dalle bolle create dai Miniroon (piccoli draghetti verdi), per colpa di un mago cattivo che ama creare il caos.

Ogni volta che risolveremo tutti i livelli di un mondo, sbloccheremo nuovi personaggi, poi utilizzabili nella modalità sfida.
In questa modalità, potrai sfidare la CPU o un amico, sia online che in locale, rivivendo così i vecchi tempi delle sale giochi.

Tra le grandi novità abbiamo l’introduzione della modalità cooperativa locale fino a 4 giocatori e la Torre Baron, in cui potrai cercare di fare il punteggio migliore e confrontarti con giocatori da tutto il mondo.

Grafica e Sonoro

La grafica si adatta agli standard moderni mantenendo l’estetica “carina e coccolosa” che da sempre caratterizza i vari capitoli di Puzzle Bobble. Ritroviamo personaggi già apparsi nei precedenti capitoli, ma grazie a questo nuovo titolo abbiamo la possibilità di sbloccare nuove skin per i personaggi giocabili e i loro companion.

La colonna sonora dei primi Puzzle Bobble rimane per me una delle più memorabili di sempre insieme a quelle di Super Mario e Pokémon. Tuttavia, in questo nuovo capitolo, nessuna “musichetta” carina si è infilata nel mio cervello come un girino di Baldur’s Gate 3. Pertanto, sono rimasta un po’ delusa da questa mancanza, così come dalle poche catchphrase dei personaggi giocabili, a parte il “Payonpah” urlato da Bub (il draghetto verde) ogni volta che fa cadere tante bolle con una sola mossa.

Ho però apprezzato la piccola chicca musicale nascosta nel menù di scelta dei personaggi, che potremmo definire una sorta di easter egg per i gamer nostalgici come me.

In Conclusione

Puzzle Bobble Everybubble! si dimostra nel complesso un buon bubble shooter che non spicca dal punto di vista narrativo, ma che sicuramente ha preso il meglio dai primi capitoli aggiungendo delle novità capaci di rendere il titolo, ancora oggi, interessante e adrenalinico. Ringrazio ancora Taito per avermi dato la possibilità di rivivere le emozioni che mi dava Puzzle Bobble da bambina e penso che questo nuovo capitolo possa piacere sia ai bimbi di oggi che a quelli di ieri come la sottoscritta.

Se ti interessa recuperare questo nuovo capitolo e ami le sfide, il gioco è disponibile sia su Steam che su Nintendo Switch.

Nerdando In Breve

Puzzle Bobble Everybubble! prende il meglio dai vecchi capitoli aggiungendo diverse novità che lo rendono un bel bubble shooter, capace di intrattenere ancora oggi sia i nuovi giocatori sia quelli di vecchia data abituati ai cabinati.

Trailer

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Introduzione

Per alcuni, gli scacchi appaiono come un gioco lento e complesso, riservato magari solo agli intellettuali o ai vecchi. Un po’, ero anche io di quell’idea ma, insegnando, ho conosciuto ragazzi e ragazze appassionati di scacchi che, con i loro successi, mi hanno fatto avvicinare a questo mondo. Diversamente da loro, però, sono molto incostante e, soprattutto, impaziente, quindi non sono mai diventata brava.

Gambonanza è un videogioco in cui gli scacchi si fondono con le meccaniche roguelike e deckbuilding. Ringrazio Blukulélé, la casa che ha sviluppato questo videogioco, per avermi dato la possibilità di giocarlo, poiché ha riacceso quell’interesse per gli scacchi e penso che possa avere questo effetto anche su chi non è un appassionato, soprattutto se ha amato Balatro.

Recensione

Gambonanza prende un gioco classico come quello degli scacchi e lo rimodernizza a tal punto che ogni partita tira dopo l’altra come se fosse uno snack che dà assuefazione. Ma cos’è che permette di creare questa sorta di dipendenza? Vediamolo assieme!

Gameplay

Nel gioco degli scacchi la figura del re è cruciale: le pedine devono difenderlo e, allo stesso tempo, devono fare in modo di eliminare il re avversario per ottenere così la vittoria. Per vincere in Gambonanza, tuttavia, sarà necessario mangiare tutte le pedine; pertanto, il re ha lo stesso valore dei suoi “servitori”.

Un altro importante cambiamento rispetto alla tradizione riguarda la scacchiera e la posizione dei pezzi. Una scacchiera tradizionale è composta da 64 caselle e da 32 pedine che vanno disposte in un modo ben preciso prima di iniziare la partita. In Gambonanza la scacchiera è ridotta a 16 caselle, che aumenteranno a ogni nuovo stage, e inizierai con tre pedine casuali da disporre dove meglio credi prima di iniziare la partita (potrai aumentare il numero di pedine in campo solo pagando degli upgrade nello store).

Ecco un esempio della schermata di gioco. Sul lato destro trovi i gambit (ovvero i potenziamenti permanenti) mentre su quello sinistro lo stock con i pezzi extra da poter utilizzare all’occorrenza. Le caselle dorate ti permetteranno di guadagnare più soldi se ci passi sopra, invece, quelle viola sono caselle “benedette” e rigenerano nello stock il pezzo mangiato che vi si trovava sopra.

Per vincere Gambonanza dovrai completare cinque stage e battere i relativi boss, i quali ti forniranno malus che potrebbero mettere in crisi tutta la giocata e la tua strategia, ma non disperare, nel corso delle partite che precedono lo scontro finale potrai guadagnare soldi e acquistare potenziamenti e nuovi pezzi per poter mangiare più pedine in meno tempo possibile.

Cosa rimane della tradizione se i pezzi in campo sono meno e possono essere posizionati praticamente ovunque? Se sei un purista, non temere. Le regole che determinano il movimento di ciascuna pedina rimangono invariate; pertanto il cavallo continuerà a spostarsi a L e la regina potrà muoversi in tutte le direzioni.

Altro elemento che resta invariato è la possibilità di promuovere i pedoni quando raggiungono l’estremità dell’area nemica, trasformandoli in un pezzo più forte, come la regina.

Ciò che non cambia rispetto a una partita classica è la mentalità di gioco. Per giocare bene a scacchi bisogna riflettere bene su ogni mossa e avere una visione d’insieme sia dei propri pezzi che di quelli dell’avversario. Con Gambonanza ho capito meglio la necessità di non avere fretta di attaccare. A volte è meglio fare un passo indietro o aspettare (usando uno dei tre “wait” a disposizione) e far sì che sia il nemico a commettere un errore.

Per velocizzare la partita, Gambonanza ha introdotto la “Crumble mode“, cioè una fase del gioco in cui le caselle della scacchiera iniziano a cadere dopo un certo numero di turni (indicati nella schermata di gioco). Durante questa fase, dobbiamo fare in modo che nessuna delle nostre pedine sia a rischio caduta e non abbia buchi che possano intralciare il suo movimento.

Ma adesso andiamo a vedere nel dettaglio i potenziamenti e perché, grazie a loro, Gambonanza è divertente e crea dipendenza.

I potenziamenti

In Gambonanza è possibile rompere il gioco con la giusta combinazione di due tipi di potenziamento: i gambit e le caselle speciali.

I gambit funzionano un po’ come le carte Joker in Balatro, donando effetti permanenti che possono influenzare le run e sono acquistabili nel negozio, scegliendoli direttamente o tramite una macchinetta gacha.

Nel corso della partita, potrai sbloccare nuovi gambit (ben 200!) e riuscire così ad avere sempre una partita diversa anche se le pedine avversarie manterranno sempre la stessa formazione a ogni run (questo può essere un aspetto negativo se si ha una buona memoria).

Ecco lo shop in cui potrai fare acquisti o tentare la fortuna. Se avevate un problema con le slot machine in Pokémon, meglio andarci piano, perché i soldi potrebbero servirti andando avanti.

I nomi dei gambit e i loro effetti sono a volte geniali e citazionistici come nel caso di “Queen of Gambit“, un omaggio a La Regina degli Scacchi di Netflix, che ha un design in pixel art che ricorda proprio la protagonista della serie.

Oltre a tentare la fortuna con i gachapon per ottenere nuovi gambit, possiamo sfidare la sorte per modificare la nostra scacchiera con caselle speciali. Infatti, pagando un token, sarà possibile giocare un minigioco simile al pachinko per ottenere dei potenziamenti da applicare alle nostre caselle. Per esempio, se spostiamo una pedina su una casella fantasma, nel nostro stock dei pezzi comparirà una copia fantasma del pezzo che svanirà a fine partita, ma che potremo sacrificare senza farci troppi problemi.

Un altro potenziamento utile è la trappola, se un pezzo avversario ci finisce sopra, non potrà muoversi al turno successivo e questo, fidati, ti darà un enorme vantaggio.

Nello store è possibile acquistare nuovi pezzi, opzione molto interessante se non siamo contenti di quelli che abbiamo o se nella partita precedente abbiamo perso tanti validi soldati. Anche per le pedine sarà possibile “giocare d’azzardo” per ottenerle e in questo caso il minigioco proposto sarà la slot machine.

Grafica e Audio

Gambonanza ha una bella estetica retrò grazie alla pixel art e al filtro CRT, sembra, infatti, di essere tornati indietro nel tempo e di giocare davanti a un vecchio televisore al tubo catodico.

Il design delle pedine è quello tradizionale, ma si sono sbizzarriti con quello dei gambit. Infatti, nonostante i limiti imposti dalla quantità dei pixel, questi potenziamenti sono tutti diversi e così particolari da farti venire la voglia di sbloccarli tutti e scoprire i vari easter egg.

Una menzione particolare va fatta per il design dei boss. Dal primo incontro con ciascuno di loro si può subito notare il forte legame tra il loro aspetto e i malus che causano, segno di uno studio accurato che c’è dietro che ti porterà a pensare che gli sviluppatori siano dei geni del male per aver creato nemici simili.

Ecco uno dei boss che potresti dover affrontare. Questo robot è un infame e fidati che può crearti grossi problemi.

Questo viaggio nel tempo è reso possibile anche dalla musica composta da Mathieu Dubois. Nell’arco dei vari stage, verrai accompagnato da una colonna sonora leggermente tensiva, ma che non ostacola il momento di riflessione sulla prossima mossa. Le cose cambiano un po’ durante la Crumble Mode e la tensione aumenterà non solo a causa della caduta delle caselle.

Il gioco attualmente non è localizzato in italiano, ma le meccaniche sono facilmente comprensibili anche per chi ha un inglese base, quindi non lasciarti scoraggiare da questa mancanza.

In conclusione

Gambonanza dà una ventata d’aria fresca al gioco degli scacchi e lo rende un po’ più alla portata di tutti perché permette di vedere le possibili mosse e risposte dell’avversario. Inoltre, ti dà il brivido della scommessa senza però rischiare di perdere soldi veri: gli unici euro che dovrai usare sono per l’acquisto del gioco che potrai trovare su Steam a 14,99€ , ma anche su Apple Store e Google Store a 5,99€ a partire dal 1 maggio 2026.

Per concludere, sono rimasta molto soddisfatta da questo videogioco e penso possa avvicinare le persone al mondo degli scacchi senza spiegazioni lunghe e tediose, ma solo attraverso la pratica e imparando dai propri errori. Pertanto, lo consiglio sia a chi ama gli scacchi sia a chi è neofita, perché è un ottimo modo per tenere la mente allenata e imparare a essere più pazienti, ma soprattutto perché, ingranata la marcia, poi ti divertirai un sacco e non potrai farne a meno!

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Nerdando in breve

Gambonanza è un roguelike con gli scacchi che tiene la mente allenata, ma divertendoti un sacco, soprattutto grazie alle combinazioni folli di potenziamenti. Un titolo consigliato sia agli appassionati di scacchi sia a chi ci si avvicina per la prima volta, perché lo spasso è garantito.

Trailer

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Abiura di Nerd – Una nuova rubrica tra musica e videogiochi

Musica e videogiochi sono senza ombra di dubbio due mie grandi passioni e da un po’ volevo dedicarmi a un progetto che si discostasse dalle recensioni ed è così che, ascoltando la canzone Abiura di Me di Caparezza, nasce questa idea: giocare tutti i giochi citati nella canzone e raccontarvi un po’ la loro storia e la mia esperienza di gioco.

Caparezza nei suoi pezzi dà sfogo al suo essere un nerd e condivide con l’ascoltatore le sue passioni, come l’arte nell’album Museica o i fumetti nel recentissimo Orbit Orbit. In Abiura di Me, il “Capa” cita numerosi giochi e console ormai considerati del passato, ma in molti casi si tratta di veri e propri classici come Crash Bandicoot, Super Mario e Metal Gear Solid; tuttavia, tra i titoli citati mi sono accorta che molti non li ho giocati e altri vorrei rigiocarli per vedere se con gli anni è cambiato qualcosa.

Quindi con quale gioco partiamo per quest’avventura?

Se pensi che possa cambiare il mondo ti sbagli alla grande.
È già tanto se mi cambio le mutande
Voglio solo darti un’emicrania lancinante
Fino a che non salti nel vuoto come uno stunt man
Pensavi che sparassi balle? Bravo!
Io sono il drago di Puzzle Bobble

Il primo gioco che troviamo nel testo è un titolo che appartiene alla mia infanzia videoludica e di cui ho spesso parlato durante le live de Il Cabinato delle Curiosità: Puzzle Bobble.

E allora sei pronto a fare questo viaggio nel passato insieme a me?

La storia di Puzzle Bobble

Puzzle Bobble è un titolo arcade rompicapo di Taito, nato nel 1994 come spin-off di Bubble Bobble, da cui provengono i due draghetti protagonisti, Bob e Bub. Un altro nome con cui potreste averlo conosciuto è Bust-a-Move, in quanto questo è il nome con cui è noto negli Stati Uniti e in alcuni paesi europei.

Il concetto alla base del gioco è abbastanza semplice ed è probabilmente grazie al suo essere così intuitivo che ha avuto successo e ha dato vita a un vero e proprio genere: i bubble shooter.

Puzzle Bobble rimarrà iconico per tanti motivi e tra questi sicuramente la sua musichetta che entra in testa e difficilmente ne esce.

Nell’area di gioco, tipicamente rettangolare, troviamo predisposte delle bolle colorate e per superare il livello dovremo farle scoppiare tutte. Per riuscirci dobbiamo sparare con un cannone le bolle, le quali esploderanno solo una volta che avranno formato gruppi da tre o più bolle dello stesso colore. La difficoltà del gioco è data dalla traiettoria delle bolle, per cui bisogna prendere bene la mira e usare con astuzia i rimbalzi sulle pareti, e soprattutto dal tempo, poiché ogni tot la nostra area di gioco si ridurrà e farà avvicinare le bolle alla base dell’area di gioco causando così il game over.

Una delle particolarità di Puzzle Bobble era che, oltre a sfidare la CPU, era possibile giocare con e/o contro un amico (o un bambino random incontrato in sala giochi), rendendolo ancora più divertente.

Il gioco ha avuto subito successo tra i cabinati e anche in Italia è diventato presto popolare, tanto da essere ricordato da tanti come uno dei primi giochi provati da bambini. Con l’arrivo e la maggiore diffusione delle console casalinghe come Super Nintendo o Game Gear e dei primi PC domestici, Puzzle Bobble è un titolo che non poteva assolutamente mancare, pertanto, Taito decise di puntare anche su questo tipo di mercato.

Il successo del primo capitolo spinge Taito a far uscire l’anno dopo, nel 1995, Puzzle Bobble 2, un altro successo che approda, prima sempre tra i giochi arcade, e in seguito pure su PlayStation, Nintendo 64 e Game Boy.

La meccanica di gioco rimane la stessa, ma vengono introdotti nuovi personaggi giocabili oltre ai due draghetti. Nel ’96 e poi nel ’97 escono rispettivamente Puzzle Bobble 3 e Puzzle Bobble 4, che è il capitolo a cui io sono maggiormente legata. Insomma, squadra che vince non si cambia e Taito continua ancora oggi a pubblicare ogni tanto nuovi capitoli con i due celebri draghetti, anche dopo l’acquisizione da parte di Square Enix, avvenuta nel 2005.

Puzzle Bobble 4 permetteva di scegliere tra diversi personaggi, ognuno proveniente da un regno diverso. Il mio preferito era il bimbo rana e il tuo?

In Italia, tuttavia, molti di questi giochi non sono mai arrivati, e la scomparsa dei cabinati nei bar e nelle sale giochi ha contribuito a rendere Puzzle Bobble un lontano ricordo del passato.
Per sopperire a questa mancanza ci siamo dovuti accontentare delle “brutte copie” e di altri bubble shooter come Bubble Witch Saga, diventato celebre come mobile game.

Sebbene questi giochi propongano una sfida simile, negli anni non sono riuscita a trovare qualcosa che mi desse le stesse emozioni di Puzzle Bobble.

Quindi perché non approfittare di questa nuova rubrica per riprovarlo e vedere come rigiocarlo dopo quasi vent’anni?

La mia esperienza

Ho deciso di partire con il primo capitolo della serie e già all’avvio, sentendo la vocina che dice “Taito”, mi sono un po’ emozionata.

Il primo round è sempre il più facile, poi passi ai successivi e quando riesci a terminarli in pochi secondi grazie al tiro giusto, sale in te un senso di invincibilità. Tuttavia, questa sensazione è destinata a terminare immediatamente quando la sequenza di bolle non gira a tuo favore, sbagli la traiettoria del lancio e, come un effetto a catena, tutto improvvisamente sembra crollarti addosso come la parete che pian piano scende con il tempo.

Round dopo round, la sfida cresce e diventa sempre più difficile la mia sopravvivenza. Purtroppo non sono riuscita ad arrivare al livello finale, ma magari più in là ci riproverò.

Dopo aver rigiocato il primo capitolo, non potevo però non riprovare il mio Puzzle Bobble preferito, ovvero il 4. Lo avevo per la prima PlayStation e lo avevo conosciuto come Bust-a-Move 4,  il che da piccola creò un po’ di confusione perché non sapevo più quale fosse il nome vero del gioco.

Da bambina lo adoravo alla follia perché era il gioco che giocavo più spesso con il mio migliore amico, e tuttora, quando ci sentiamo, capita di riparlarne e ripensare ai ricordi legati a esso; quindi riavviarlo dopo anni sulla Play è stato come un fiume in piena di emozioni e nostalgia.

Oltre alla modalità Arcade di sopravvivenza, il gioco presenta una modalità storia in cui superare i livelli permette di proseguire con la trama (abbastanza semplice e lineare) e di sbloccare nuovi personaggi. Parlando dei personaggi, li trovo ancora oggi iconici sia per il loro design sia per le loro catchphrase.

Insomma, direi che nonostante gli anni, Puzzle Bobble riesce ancora a trasmettermi le stesse emozioni di quando ero piccola e sembra non essere invecchiato per nulla. Il gioco funziona ancora bene oggi e mantiene la sua capacità di creare dipendenza, soprattutto se non si ha più bisogno delle monetine per giocare come negli anni ’90.

E tu hai mai giocato a Puzzle Bobble? Se sì, che ricordi hai di questo grande classico? Ma soprattutto accetti la mia sfida a raggiungere il livello più alto?

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Introduzione

Da quando faccio parte di Nerdando, sono inevitabilmente diventata “l’esperta furry” della redazione, vista la mia passione per tutto ciò che ha come protagonisti animali antropomorfi. Sebbene una parte di me volesse scrollarsi di dosso questa etichetta, quando ho visto il trailer di Back to the Dawn, come un vero animale, non ho potuto rinunciare alla mia vera natura e ho voluto assolutamente giocarlo e ringrazio tantissimo Spiral Up per avermi dato questa possibilità per poterne poi parlare qui.

Nonostante questa mia fama, ci tengo a sottolineare che la presenza o meno di furry è un elemento marginale che attira la mia attenzione, ma che non condiziona il mio giudizio finale su un prodotto. Back to the Dawn, infatti, è un gioco che può perfettamente funzionare anche con personaggi umani o umanoidi e ora ti spiego perché mi è piaciuto e voglio continuare a giocarlo ancora per parecchio tempo.

Recensione

Back to the Dawn è un RPG sviluppato da Metal Head Games e ambientato in una prigione di massima sicurezza. Sebbene sia uscito a luglio 2025 su Steam, ha recentemente fatto il suo debutto anche su Switch e, avendo avuto modo di giocarlo su Switch 2, devo dire che è un titolo che si adatta bene alla portatilità della console.

A colpire principalmente in questo gioco non è solo la pixel art dettagliatissima, ma anche la narrazione con le sue scelte da prendere e la struttura del GDR, con tiri di dado per superare sfide. Ma andiamo per piccoli passi e iniziamo a parlare della storia.

La Storia

In Back to the Dawn avrai la possibilità di scegliere se affrontare la dura vita del carcere nei panni di Thomas la Volpe o di Bob la Pantera. Io, da sempre amante di personaggi Disney come Robin Hood e Nick Wilde (la volpe di Zootropolis), non potevo non scegliere Thomas, un giornalista d’inchiesta che viene incastrato e arrestato dopo aver indagato su un grave caso di corruzione che coinvolge il sindaco.

All’inizio dell’avventura, dopo aver scelto difficoltà e personaggio, potrai scegliere anche tra tre diversi background, in questo caso legati alla tipologia di giornalista (televisivo, d’inchiesta o reporter in guerra), che determineranno non solo il passato del personaggio, ma anche le sue caratteristiche e le sue abilità da usare durante il gioco.

Dopo aver effettuato queste scelte e aver assistito al momento in cui il povero Thomas viene ingiustamente arrestato, ha inizio la nostra vita in carcere. Ogni giornata è scandita da orari precisi; dopo la conta mattutina possiamo decidere se lavorare e guadagnare denaro o svolgere altre attività all’interno del carcere, come parlare con altri detenuti, sgraffignare oggetti dall’infermeria e svolgere quest per le guardie o le gang della prigione.

In prigione potremmo svolgere alcuni lavori, come in lavanderia o in cucina. Non importa cosa deciderai di fare, l’importante è guadagnare perché in questo carcere ogni cosa ha un prezzo e spesso sarà pure caro.

Avremo tempo sino a mezzogiorno e mezza, ora dedicata al pranzo in cui potremo riempire il nostro stomaco con piatti che varieranno ogni giorno e che daranno dei bonus alle statistiche. Ma ricorda, tutto ha un costo e per questo converrà sempre lavorare un po’ la mattina o fare quest ben retribuite.

Terminato il pranzo, avrai un po’ di tempo da passare all’aria aperta prima che scatti l’ora di cena. L’esterno della prigione ci offre varie possibilità come allenarsi, pregare in chiesa per purificare la nostra mente dagli incubi notturni, leggere o semplicemente parlare con altri detenuti e fare amicizia.

Il coprifuoco è alle 21:30, ma prima che scatti potrai decidere di passare il tuo tempo con attività ricreative come guardare la TV o scommettere sui combattimenti clandestini. Quando sarà l’ora, potremo andare a dormire e sperare di non avere incubi, per poi ricominciare con una nuova giornata quasi identica.

Nonostante le restrizioni, potrai uscire a prendere una boccata d’aria, sempre che non commetti qualche sbaglio e finisci in isolamento per un paio d’ore…

Se si è innocenti e si desidera vendicarsi di chi ci ha incastrato, la voglia di rimanere ad attendere in prigione è molto scarsa. Per questo motivo, Thomas pian piano elaborerà un piano di fuga e cercherà di ottenere oggetti utili e favori dagli altri prigionieri affinché questo piano si realizzi.

Narrativamente parlando, mi è piaciuta la suddivisione in capitoli e la presenza di flashback che danno al gioco un taglio quasi cinematografico ma, soprattutto, la presenza di numerosi personaggi con cui interagire che hanno diverse storie da raccontare.

Gameplay

Back to the Dawn ha tutte le caratteristiche per essere un buon GDR. Innanzitutto, dà al giocatore la possibilità di fare diverse scelte sia di dialogo che morali. Infatti, potremmo decidere di commettere furti, attaccare altri carcerati con armi improvvisate o entrare a far parte di una gang. In base a come deciderai di interpretare il personaggio, vedrai dei cambiamenti in Thomas o in Bob e la loro reputazione nel carcere cambierà, così come il modo in cui gli altri interagiranno con loro.

Un altro elemento che ho apprezzato tantissimo come GDR è sicuramente il lancio dei dadi per azioni un po’ più di sfida o scelte di dialogo che richiedono abilità specifiche. In caso di fallimento potremmo ritentare usando punti focus, ma se li abbiamo terminati e non abbiamo oggetti che aiutano a ripristinarli, subiremo eventuali conseguenze.

Come ho detto in precedenza, scegliendo il background del personaggio avremo delle specifiche abilità e caratteristiche; tuttavia, nel corso del gioco sarà possibile ottenere punti per poterne sbloccare di nuove e ottenere così dei vantaggi durante i tiri dei dadi.

Una piccola anticipazione di cosa ci attende durante la fuga.

Le giornate possono sembrare ripetitive e richiedono una buona organizzazione del tempo e del denaro per poter sopravvivere alla dura vita del carcere, in quanto dobbiamo tenere sempre alte le nostre statistiche (salute, energia, salute mentale, fame e igiene personale). Nonostante ciò, avremo alcuni momenti in cui svolgere minigiochi per passare il tempo o ottenere oggetti. Per esempio, prima di automatizzare il lavoro in lavanderia, ho dovuto fare un minigioco in cui bisogna azzeccare i secondi necessari per stirare un indumento specifico. Personalmente, nella vita vera stirare è qualcosa che detesto fare, ma come minigioco l’ho trovato parecchio divertente.

Parlare con gli altri detenuti può essere la chiave per la tua libertà, ma non potrai contare solo sugli altri e dovrai farcela con le tue zampe. Dentro la tua cella, infatti, avrai la possibilità di craftare oggetti: alcuni saranno utili alle missioni, altri si riveleranno indispensabili per la  tua fuga.

Insomma, le giornate sono apparentemente tutte uguali, ma avremo la possibilità di fare cose diverse ogni giorno e trovare così pian piano la via di fuga.

Grafica e Sonoro

Trovo impossibile non rimanere colpiti dalla bellezza della pixel art di questo gioco e, fin da subito, si nota una cura nei dettagli, sia nella realizzazione delle ambientazioni che nel character design. Sebbene lo stile sia cartoonesco, la combinazione di pixel ci fa comunque immergere nei tristi ambienti della prigione. Tuttavia, facendo salti nel passato dei nostri protagonisti, vediamo anche ambienti diversi da quello del carcere e anche in questi è impossibile non ammirarne la bellezza e la cura dei dettagli.

Ecco un esempio di un ambiente diverso da quello della prigione, un locale con dettagli su cui indagare.

Inoltre, ho apprezzato l’estetica di vari elementi di gioco, partendo dall’interfaccia della schermata, che ci permette di tenere sotto controllo le statistiche del personaggio, fino ai vari menù, che risultano semplici ma chiari e, in questi casi, vale assolutamente il concetto di “Less is More“.

Tale immersione nella storia è garantita anche dalle musiche, le quali intensificano l’esperienza della vita in carcere creando pathos nei punti salienti; per questo consiglio di giocarlo con il volume e di spuntare l’opzione del voice over anche se in giapponese (il gioco è localizzato in inglese, ma è doppiato solo in cinese e giapponese). Sebbene solitamente io preferisca i doppiaggi italiani o americani, ho trovato l’interpretazione del voice actor giapponese di Thomas molto espressiva e coinvolgente.

In conclusione

Back to the Dawn è un gran bel GDR e, sebbene i character design degli animali giocano una forte componente per i miei gusti personali, sono convinta che se al posto di Thomas la volpe avessimo avuto un uomo un po’ smilzo con i capelli rossi, mi sarei divertita lo stesso tantissimo a interpretarlo, perché questo gioco ha le caratteristiche giuste per essere un buon gioco, soprattutto perché dà al giocatore quello che ci si aspetta da un’evasione dal carcere.

Io continuerò a giocarlo sulla mia Switch perché l’ho trovato davvero coinvolgente e voglio assolutamente provare anche l’arco narrativo della pantera Bob per vedere eventuali differenze tra i due personaggi e nella storia. Magari una volta completato, chissà, potrebbe entrare tra i miei Nerdando’s Choice, per il momento si dovrà accontentare dell’oro, perché è un titolo che mi sta piacendo parecchio soprattutto a livello narrativo e di gameplay.

Il tropo narrativo della fuga dalla prigione ha funzionato in passato con film come Fuga da Alcatraz o in serie TV come Prison Break, ma anche in videogiochi come A Way Out, e continua a funzionare anche qui in Back to the Dawn. Quindi, al di là della presenza di animali antropomorfi, se ti piacciono i GDR e le grandi fughe, questo è il titolo adatto a te.

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Nerdando in breve

Back to the Dawn è un RPG ambientato in una prigione di massima sicurezza per animali antropomorfi da cui dovrai scappare. Un ottimo gioco per chi adora i furry, ma soprattutto per chi ama fare scelte tirando dadi e organizzare evasioni come nei grandi film.

Trailer

L'articolo Back to the Dawn – Una fuga da Alcatraz bestiale proviene da Nerdando.

Introduzione

Bye Sweet Carole è sicuramente uno dei videogiochi che mi hanno colpito di più quest’anno, tant’è che ho voluto candidarlo ai Nerdando Awards. Essendo una produzione italiana, volevo provare a fare qualche domanda al suo creatore, Chris Darril, per scoprire alcune curiosità sul gioco e comprenderne meglio il lavoro dietro. Con nostro grande piacere siamo riusciti a organizzare un’intervista e ringrazio tantissimo Chris e il suo team per averci dato questa opportunità.

Nato a Catania nel 1989, Chris Darril è un creativo a tutto tondo: scrittore, regista, art director, game director e fondatore di Little Sewing Machine. Prima del successo di Bye Sweet Carole si era già fatto conoscere per il suo lavoro con la saga di Remothered e per la regia di alcuni corti tra cui Before Saying Goodbye.

Inizialmente, doveva essere un’intervista scritta tuttavia, per esigenze di Chris, si è trasformata in una piacevolissima chiacchierata fatta di domande ma anche digressioni su cinema, videogiochi, femminismo e cancel culture.
Un testo molto lungo generalmente scoraggia la lettura, lo so, ma ho voluto ridurre al minimo l’editing dell’intervista, cercando di far vivere l’esperienza di sentire parlare Chris anche a chi ci legge, limitandomi a tagliare le digressioni che fanno perdere un po’ il filo del discorso.

Intervista

Kiarakala: Ciao Chris, grazie per aver accettato di fare questa intervista, per me è un piacere e un onore parlare con te.

Chris Darril: Dai, no, veramente, anzi è un piacere veramente… Vi ringrazio dello spazio che ci state concedendo ma anche della recensione, quindi sono onorato io in realtà.

K: Fa molto piacere. Adesso inizio con le domande. Dai, partiamo con la prima. Da dove nasce l’idea di realizzare un gioco come Bye Sweet Carole dove c’è questo ritorno alla tecnica tradizionale, nonostante la tendenza odierna nel mondo dell’animazione di usare la computer grafica e i modelli 3D?

C: Allora, da dove nasce? Se vogliamo, l’esperimento in sé nasce da un errore a tutti gli effetti. Perché mi era capitato di rieditare un vecchio prototipo, una vecchia build dei miei precedenti titoli, quindi Remothered, che nasceva sotto forma di prototipo su RPG Maker XP che, non so se ricordi, è una sorta di software che ti permette di fare questi giochini un po’ stile RPG, con visuale isometrica, ecc.
Io all’epoca lo spinsi un po’ oltre, per così dire, con charset, tileset, quindi scenari e personaggi che comunque uscivano fuori dagli schemi di RPG Maker, e quello fu il primo prototipo di Remothered, che poi è uscito nel 2018 con un software Unreal Engine, quindi tutt’altra formula.
Mi ricapitò questa build in un periodo abbastanza particolare, perché lasciavo il progetto Remothered, una condizione sofferente già agli inizi della produzione del secondo capitolo, per via di un ambiente tossico dove non mi trovavo minimamente bene.
Secondo me, tanto più che stiamo facendo arte, credo che non ci debba essere mai nessuna condizione di clima di tensione perché altrimenti non si lavora, come dire, con la giusta ispirazione.

Quindi ho lasciato questo progetto: sicuramente è stata una scelta sofferta e in più attraversavo la fase dell’inizio dell’accettazione del lutto per la perdita di mia madre, dopo una sofferta malattia – un cancro contro cui ha lottato per oltre sette anni.
E quindi, un po’ come quando si cerca di strimpellare al pianoforte qualche nota, così a tempo perso volevo strimpellare con questa vecchia build di questo prototipo di Remothered, e mi ero deciso che avrei fatto una versione in 4K.

Nel modificare i frame di animazione disattivai su Photoshop i layers che corrispondevano a luci e ombre, quindi tutti quei layers che gli davano un senso di tridimensionalità e profondità, e mi comparve questo fotogramma flat, letteralmente piatto, con quei colori, oltretutto non propriamente saturi. E lì ho detto: potrebbe essere una bella idea. Poi io sono da sempre un amante dell’animazione tradizionale, ancor più che dell’animazione attuale in 3D con la computer grafica. Quindi da lì nasce questa idea. Non ti nego che i primi tempi ho valutato anche la questione di farne piuttosto un film d’animazione. Però alla fine ho detto: a tutti gli effetti comunque è andata molto bene con Remothered, quindi tutto sommato c’era già un seguito che non vedeva l’ora eventualmente di mettere le mani su una produzione che si rifaceva a Clock Tower, genere hide and seek classico che è stato appunto introdotto da Clock Tower stesso. E quindi nasce questa idea, che prima era solo un’idea e poi diventa una cosa, come dire, concreta a tutti gli effetti. Non senza dubbi o rischi, della serie: testiamo, valutiamo se una cosa del genere è fattibile. E alla fine almeno in parte ce l’abbiamo fatta.

Chris mi ha raccontato quanto fosse stato difficile lasciare Remothered, ma col senno di poi abbandonare la saga si è rivelata la scelta giusta da fare per il proprio benessere e la sua creatività

K: Sì, ce l’avete fatta ed è uscito comunque un gran bel lavoro, devo dire. Prima hai parlato della tua passione per l’animazione tradizionale, da dove nasce?

C: Per me sono indelebili quegli anni, ogni volta poco prima di Natale quando usciva un nuovo classico della Disney e tu lo attendevi tutto l’anno. E non lo so, è un’associazione forse anche involontaria, perché quello lo ricordo come un periodo bellissimo. Usciamo dalle sale super eccitati, entusiasti del nuovo capolavoro della vecchia Disney, sapendo che da lì a un anno ne sarebbe uscito uno nuovo e chissà di cosa avrebbe parlato stavolta.
Il mio primo approccio, anche col cinema, fu la prima volta che vidi al cinema La Bella e la Bestia nel ’92, quindi i primi mesi del ’92: avevo due anni e perciò fu da subito la mia passione.
Mia madre stessa fu sorpresa dal fatto che un bambino di due anni riuscisse a stare calmo e sereno a guardare per intero il film. Tra l’altro mi ci riportò un’altra volta e, da lì, nacque anche una sorta di mio desiderio di scoprire com’è che nascevano i cartoni animati, una volta che avevo ben appreso che non si trattava di attori in carne ed ossa.
Mia madre mi volle spiegare come funzionava la tecnica che si fa disegnando fotogramma per fotogramma. E quella cosa mi è rimasta così impressa che forse ho voluto, onorando mia madre, risvegliare un po’ la mia infanzia, probabilmente quello che io associo a dei bellissimi ricordi.

Una pagina dell’artbook in cui è possibile vedere il processo fatto per realizzare Lana, la protagonista di Bye Sweet Carole

K: Trovo che sia una cosa meravigliosa quella che hai fatto e quindi mi viene da dire che con questo videogioco, oltre a omaggiare i grandi registi dell’animazione del passato, hai fatto anche un grosso omaggio a tua mamma. Da questo aspetto bellissimo capisco anche una cosa che volevo chiederti. Ovvero come hai fatto a non cadere nel rischio del plagio. Perché per quanto lo stile ricordi molto Disney e alcuni cartoni di Don Bluth, giocandolo ti rendi conto che Bye Sweet Carole ha un’anima tutta sua.

C: Non saprei dirti. È vero che a me ogni lavoro che dirigo piace riempirlo di citazioni. Io adoro l’omaggio. Anche perché non c’è un solo artista o un solo artigiano che non si rifaccia ai grandi del passato. Come ti dicevo poc’anzi, io penso di essermi trascinato dietro questo desiderio di fare qualcosa associato all’animazione tradizionale quando da bambino mia madre mi regalò una risma di carta, quella per la stampante, e sapendo che appunto i film di animazione venivano disegnati fotogramma per fotogramma, la mia intenzione fu subito quella di disegnare, scarabocchiare foglio per foglio e infilarlo nel videoregistratore, convinto che il film avrebbe preso vita nella TV a tubo catodico invece… distrusse il videoregistratore.

Mia madre l’ha preso come una cosa ammirevole, dopo il primo cazziatone, l’ha presa come una cosa che denotava probabilmente una mia predisposizione per questo settore affascinantissimo; nel produrre qualcosa come è stato fatto in passato, e quindi chiaramente omaggiando registi come Gary Trousdale e Kirk Wise, i registi de La Bella e la Bestia, ma anche Glen Keane e sicuramente Don Bluth. Ovunque c’è qualche richiamo a qualche scena da qualche cult, anche d’annata, come Cenerentola nel caso della trasformazione di Lana. Non solo ispirazione da Don Bluth, ma, volendo, anche da L’Incantesimo del Lago, che non è conosciutissimo, però, sicuramente alla fine degli anni ’90 è stato uno dei capisaldi, per così dire, dell’animazione che cercava di primeggiare con altre major…

Quindi sì, per me è stato una sorta di bisogno di risvegliare il fanciullo che c’era in me, quasi con una morale pascoliana, se vogliamo. Perché ogni tanto si cresce in fretta ed è giusto che sia così. Purtroppo, nella vita accadono cose che sicuramente possono essere spiacevoli e ci cambiano. Anziché guardare subito avanti e mirare a reagire come un adulto dovrebbe fare, ho preferito guardare al passato e rivivere in qualche modo quella spensieratezza, sempre con quelli che sono un po’ i miei marchi di fabbrica: l’avventura un po’ piu creepy, una storia un po’ più articolata che poi si sbroglia alla fine come una matassa, con colpi di scena.

Chissà, magari gli anni cambieranno la mia poetica. Per il momento, è stato molto terapeutico lavorare a Bye Sweet Carole. Consiglierei a tutte le persone che stanno vivendo un periodo grigio della propria vita, chi per un lutto, chi perché decide di abbandonare un’altra realtà, ma anche chi ha una relazione che finisce, di dedicarsi tantissimo all’arte, di fare arte, di provare a scrivere, o a disegnare, di mettersi in gioco. Credo che non ci sia veramente terapia superiore a questa.

K:Mi trovi perfettamente d’accordo, un ottimo consiglio.

C: Lo sai qual è la reazione tipica? Lasciarsi prendere dallo sconforto e deprimersi. È brutto da dire, perché ovviamente la morte di mia madre è stata l’evento più traumatico di tutta la mia vita, non lo potrei paragonare a nient’altro, ma in quello stesso periodo io decisi di prendere la mia vita letteralmente in pugno e dissi: Io non me la sento di continuare così.

Io volevo già lasciare il progetto Remothered a gennaio 2020, e poi alla fine ho lasciato il gioco a ottobre 2020, quindi già mesi prima rispetto dell’effettivo lancio. Non mi sentivo minimamente ispirato, ero game director, ma solo di facciata, perché a tutti gli effetti non avevo nessuna responsabilità creativa. Quello che vedevo in gioco era tutta un’altra cosa rispetto a quelle che erano le mie specifiche.
Lì, definitivamente, ho detto: Io non voglio continuare con qualcosa che non mi rende felice. Oggi ci siamo, purtroppo domani potremmo non esserci più. Quindi a un certo punto lo potevo fare e ho deciso di tagliare corto e voltare completamente pagina.

C’è stato un periodo in cui non volevo più fare niente e non fare videogiochi per un po’. Poi invece, fortunatamente, ho detto no, proprio questo è un periodo in cui devo, secondo me, sublimare i miei stati d’animo e creare qualcosa che potrebbe far sentire meglio una persona. Per me riuscirci è già un successo.

Pagina dell’artbook dedicata al buffo Mr. Baesie, fedele suddito di Corolla pronto ad aiutare Lana nella sua terrificante avventura.

Bye Sweet Carole nasce come reazione a quello che mi stava succedendo. Ci voleva questo progetto che nasce proprio in quel periodo un po’ buio, ed è andato avanti senza subire variazioni sino al lancio.
C’era qualche dubbio sul nome. Inizialmente avevo pensato a Hide Sweet Carole, ovvero Nasconditi, Dolce Carole, ma aveva più un’impronta sulla questione del bullismo. Poi ho detto a un certo punto: Perché non un arrivederci? Perché non un addio? Perché associamo tutti l’addio a una cosa tragica, tristissima, ma l’addio alle volte può essere utile per andare avanti. Un po’ come si direbbe nella poetica siciliana, la questione della “teoria della cozza”: si rimane attaccati allo scoglio a tal punto che poi si rimane lì. Ogni tanto bisogna dire addio alle cose affinché queste possano andare meglio, ma non solo per noi, spesso anche per gli altri.
Stessa cosa quando purtroppo c’è un lutto (la tematica principale del gioco è anche l’accettazione del lutto), lo si fa anche per il bene delle persone che non ci sono più, che fino a quel momento sicuramente ci hanno dato tanto e per loro in primis bisogna reagire e andare avanti, fare cose belle nel loro nome, volendo.

K: Non posso che concordare e il gioco rende bene questo concetto del dire addio al passato o comunque alle persone care per poi poter andare avanti, verso il proprio futuro come fa Lana, la protagonista.
Abbiamo parlato di traumi e del ritornare all’infanzia, di risvegliare il bambino interiore. Recensendo Bye Sweet Carole l’ho definito un horror che risveglia un po’ quei traumi dell’infanzia, quelle paure che magari ci hanno trasmesso certi cartoni animati degli anni ‘80-’90. Da dove nasce questo desiderio di risvegliare certe paure?

C: La paura è il sentimento della formazione. Cosa attiva l’ansia da prestazione è il fatto di doversi concentrare e impegnare più del dovuto pur di raggiungere un obiettivo. La paura è un’emozione accessoria, in ogni singolo aspetto. Ho paura prima di un esame oppure mi piace quella ragazza, vado a lottare per quella ragazza, ci provo, mi lancio nonostante la paura di fallire, ma si può anche fallire. Quella paura, comunque, ha permesso di conoscerti meglio, di sapere come approcciarti magari la prossima volta.
Secondo me il genere horror, diciamo quello canonico, è quello che veramente nei videogiochi ha permesso anche l’evoluzione del settore. A partire da com’è cambiato il game design, com’è cambiata la caratterizzazione dei personaggi, anche la crossmedialità col cinema.

Se io penso ogni volta a produzioni, quelle un po’ più blasonate, quelle un po’ più importanti, quelle che poi hanno fatto la differenza, prevalentemente sono giochi horror. Basti pensare che ormai tutti i giochi action con una visuale in seconda persona sono di moda, non c’è più un gioco action con una visione in seconda persona, quello nasce da Resident Evil 4. O la questione della psicologia, in un horror come Silent Hill e Silent Hill 2, o la struttura della trama come elemento cardine ma anche elemento portante di un’opera, basti pensare a Rule of Rose, ma tanti altri titoli, lo stesso Silent Hill 2, dove la narrazione è veramente il fulcro di un’opera videoludica.

Pagina dell’artbook dedicata all’inquietante Mr. Kyn, fonte di incubi e distruzione.

K: Io lo ammetto, non sono una grande amante dei giochi horror o dei film horror, quindi per me è stata una bella sfida iniziare a giocare Bye Sweet Carole e affrontare la paura, un’ansietta che pian piano inizi ad apprezzare e diventa compagna di viaggio.

C: L’hanno chiamato più un “cutie horror”, nel senso che sì, hai momenti in cui fa un po’ paura, fa sobbalzare, mette un po’ d’ansia, però poi fortunatamente l’aspetto grafico più gradevole, ti dice “vai tranquillo, non avere paura”.
Ti dico che ci sono stati anche scontri, non negativi ma comunque scontri, durante il brainstorming, anche col publisher. Si discuteva sul rendere un po’ più esplicita la componente grottesca del gioco, ma anche la gore. Io mi sono sempre opposto: per carità loro hanno capito benissimo, hanno creduto veramente in me e nel progetto sin dal principio.
Io non volevo uscire fuori dai binari. Secondo me l’eleganza dell’animazione tradizionale andava rispettata anche nella sua natura. L’horror era già preesistente secondo me nei film d’animazione, che a loro volta hanno dovuto fare un procedimento artistico e creativo nel portare sul grande schermo delle favole che comunque erano veramente crude, veramente toste.
Sequenza un po’ più creepy, come Malefica che spunta nel caminetto per incantare Aurora ne La Bella Addormentata o la regina Grimilde che prende la pozione e minaccia di uccidere Biancaneve, oppure L’ala Ovest ne La Bella e la Bestia, che ritengo il miglior film di animazione mai creato, e quindi diciamo che io ho voluto adottare la stessa filosofia.

Idem per la questione della violenza, è come se avessi voluto creare una storia che poteva essere presa come una favola a sé perché, se togliamo tutta la questione delle suffragette, dell’emancipazione femminile, il giallo da risolvere e qualche elemento creepy, in realtà, a tutti gli effetti potrebbe passare per una favola.
Con l’elemento portante della favola ho voluto trattare tematiche attuali. A partire dal fiocco per i capelli di Lana. Questo non è stato molto afferrato come concetto, ma il fiocco che lega i capelli di Lana e viene tolto dalla protagonista durante la trasformazione è un riferimento alla forma di ribellione delle donne iraniane che lasciano i capelli sciolti per protestare contro il regime che impone loro il velo e altre forme di oppressione. Ho messo il fiocco in parallelo come simbolo.

O la questione stessa dei conigli, i conigli non sono solo simbolo della codardia, della paura di ribellarsi o della preda. I conigli rappresentano il modo in cui le donne venivano viste e tutt’ora vengono percepite: fattrici destinate solo a fare figli, figli e figli. Ed è brutto da dire, ma purtroppo fa parte della nostra storia, che lo si voglia o meno, abbiamo fatto schifo tutti, tutti indistintamente. E il coniglio a tutti gli effetti è quella rappresentazione del figliare costantemente.

Con la presenza dell’automa, che è fuori contesto e fuori epoca, ho voluto rendere un parallelismo di come la società andasse di fretta e furia con ottenimenti di un certo livello da un punto di vista industriale e tecnologico, ma ancora arrancasse per i diritti umani. E questo è tuttora così, perché tutti hanno l’iPhone, però poi molti non hanno neanche una professione stabile, le coppie dello stesso sesso vengono additate e insultate, oppure le donne che tuttora subiscono cat calling.
Ma parlare ancora nel 2025 di diritti delle donne, dei diritti delle minoranze è ridicolo. Bisognerebbe dare diritti a essere umani in quanto esseri umani, quindi col diritto che deve essere innato a prescindere.

Da questo momento in poi io e Chris abbiamo iniziato un lungo discorso su diritti e femminismo, soffermandoci anche sul rischio di essere accusati di aver realizzato un gioco woke.[N.d.A.]

C: Qualcuno mi ha criticato dicendo: “Perché un uomo grande e grosso dovrebbe fare una storia sull’emancipazione femminile dove il cast è prevalentemente di donne?”  Non ha senso come critica, nel senso che, per carità, sicuramente non avrò gli stessi strumenti per riuscire a immedesimarmi in un personaggio che chiaramente non sono io, per date caratteristiche. Però credo che sia giusto dare l’assoluto supporto anche se non si fa parte direttamente di certe comunità o minoranze e dare almeno la possibilità di un maggiore spazio e di rappresentazione al genere femminile e altre categorie che subiscono più discriminazioni.

K: Guarda, mi trovi assolutamente d’accordo. Di solito c’è questa tendenza a pensare in negativo i personaggi femminili scritti da uomini anche perché spesso lo fanno attraverso stereotipi e per questo ricevono critiche. Io personalmente, prima di recensire un gioco, preferisco non avere troppe informazioni, quindi non sapevo nulla di te e su chi avesse realizzato Bye Sweet Carole, quindi l’ho giocato senza sapere che l’avesse scritto un uomo. E in tutta onestà non ho percepito la componente delle sufragette e dell’emancipazione femminile come una forma di femminismo performativo per cercare di passare per attenti al problema e fare bella figura. L’ho percepito più come un elemento in linea con il periodo storico che fa da cornice e motiva maggiormente le azioni di Lana e Carole.

C: Sono consapevole del fatto che, se non avessimo trattato la questione dell’emancipazione, la storia poteva andare serena comunque. Nel senso che poi a tutti gli effetti era la storia di questa ragazzina che viveva per la seconda volta la situazione dell’abbandono e questa volta ancora più risonante perché aveva una responsabilità diretta nella sparizione della sua amica.
La storia poteva andare comunque. Io ho preteso di inserire questo argomento non solo per quanto ho detto prima, ma perché mia madre teneva molto all’argomento delle suffragette. Ricordo quando mi raccontò da bambino la questione delle suffragette, quando vidi Mary Poppins e non capivo la madre dei due bambini che cosa facesse con quel nastro che pensavo fosse una cosa di Miss Italia. Lei aveva la capacità di spiegare con parole adeguate a un bambino. È una tematica che mi è rimasta molto impressa e, anche riguardando Mary Poppins, l’ho visto totalmente da tutt’altra prospettiva, sapendo cosa la madre rappresentava.

C’è molto di Mary Poppins, se vogliamo, anche in Bye Sweet Carole, ma ripeto, io ho voluto fare un omaggio in generale a quello che per me sono stati gli anni ’80 e gli anni ’90. C’è tanto di Labyrinth, La Storia Infinita e, anche se visto da grandicello, ovviamente anche il Labirinto del Fauno.

Ho detto: voglio fare questa storia, sono consapevole che se tratterò questa tematica ci additeranno come woke. Sì, sono sicuro che le recensioni verranno seccate almeno di un 20-30%, e così è stato, ma non me ne frega niente.
Io penso che se non abbiamo noi la libertà come indipendenti di scrivere e di raccontare la storia come vogliamo, chi lo deve fare più?
Io non ho mai voluto dirigere un videogioco per attirare pubblico. È triste da dire, ma la formula per il gioco che spacchi c’è, si sa. Basta mettere orde di zombie, i fucili, personaggi come Duke Nukem.
Fondamentalmente, il gioco che ha la formula perfetta per la killer application o il best selling game ce l’abbiamo, ma non mi interessa. Io ho sempre preferito puntare a una nicchia di pubblico che poi può essere rimasta contenta o delusa.

Volendo, il gioco è molto polarizzante anche per sua natura, perché è un gioco che è anche difficile da schematizzare; anche col publisher ho avuto difficoltà nel decidere quale genere di riferimento per recensirlo, se dirlo come un adventure game, un punta e clicca, o solo horror, anche là abbiamo avuto delle difficoltà.
A me piace fare in questo modo. Non è detto che incontri i gusti di tutti, ma ripeto, credo che almeno la libertà autoriale debba essere rispettata.
Fortunatamente dal lato prettamente imprenditoriale è andato molto meglio delle aspettative e delle previsioni del publisher.
Quindi vuol dire che abbiamo incontrato anche un pubblico più vasto. Ma, soprattutto, la cosa che non mi aspettavo è che il gioco diventasse addirittura trend su X e siamo più che felici di aver fatto quello che abbiamo fatto e di essere rimasti fino alla fine integri e fedeli a noi stessi e all’idea del progetto che volevamo lanciare dal principio. Poteva venire meglio, certo, ma poteva anche uscire peggio.

Parlando di Cancel Culture, Chris mi ha rivelato che in origine aveva pensato al personaggio di una cameriera nera, Erietta, per aiutare Lana e le altre ragazze.

K: Ok. Allora adesso ti volevo chiedere qualcosa riguardo alla tua carriera, perché comunque magari tra i nostri lettori c’è chi sta ancora decidendo che studi intraprendere o comunque magari è appassionato di videogiochi e vorrebbe intraprendere questa carriera. Qualche consiglio e puoi dirci anche come è stato il tuo percorso per arrivare a realizzare prima Remothered e poi Bye Sweet Carole?

C: Allora, partendo dal consiglio, sicuramente è quello di restare sempre fedeli a se stessi, sempre e comunque. Se io credo di avere a cuore una storia, una tematica, un soggetto, devo portarlo avanti: è lì che probabilmente eccellerò maggiormente rispetto a fare qualcosa che attira il pubblico perché gli piace. Secondo me quest’ultimo è il metodo più errato, perché credo che gli autori più grandi dei videogiochi hanno fatto la storia rimanendo fedeli alle loro idee pur ispirandosi alle cose che amano. Per esempio Kojima: il fatto che non puoi paragonarlo a nessun altro è perché ha deciso di fare qualcosa che all’epoca andava fuori dagli schemi, pur omaggiando sci-fi e action degli anni ‘80 come Commando e 1997: Fuga da New York, da cui ha preso il personaggio di Jena (Kurt Russell) per ispirarsi nel creare Solid Snake. Che cosa vuol dire questo? Rendi tuo ciò che ti piace, fai parlare la tua ispirazione piuttosto che il guadagno facile, poiché il pubblico apprezza davvero un gioco quando ci vede il cuore dietro. Quindi questo è il consiglio che do: restare assolutamente fedeli a se stessi, giocare sempre d’intelligenza e integrità, e fare le cose come piace farle. È normale all’inizio, ai primi tempi, accettare di lavorare per altri progetti perché non si può partire in quinta e pensare già di dirigere una produzione hollywoodiana.

Per quanto riguarda invece il mio percorso, è un po’ particolare, nel senso che io potevo fare tutt’altro. Il mio sogno quando stavo alle superiori era quello di fare il chirurgo plastico, quindi tutt’altro ambiente. Mi piaceva l’idea di specializzarmi nella ricostruzione del volto per pazienti che avessero malformazioni congenite, tipo il labbro leporino. Poi il destino ha voluto che finisse una relazione con una ragazza che si è poi iscritta a Medicina e quindi ho cambiato strada. Non so esattamente come ho iniziato… mi piaceva già molto disegnare, quindi ho iniziato a illustrare per qualche piccola realtà come il supermercato sotto casa volantini e manifesti. In parallelo iniziava il prototipo di Remothered, quindi la mia prima idea di gioco realizzato e diretto da me, come sviluppatore da casa.
Inizio a far parlare di me e mi contattano due aziende in parallelo. La prima era la canadese Psychose Interactive e la seconda era la Nude Maker, per il progetto di NightCry. Nel giro di due mesi vengo promosso dall’azienda canadese come direttore artistico, quindi lì ho visto letteralmente la differenza, non perché ho sbloccato un guadagno maggiore, ma perché ho appreso che veramente c’è una forma di meritocrazia. Io ho fatto un passo avanti perché avevo dimostrato che al di là delle mie capacità nel disegno per fare concept art avevo un’ambizione, avevo altre capacità che potevano essere impiegate in altro, come in questo caso la direzione artistica di Forgotten Memories e in parallelo come head maker mi hanno affiancato a Masahiro Ito e Kiyoshi Shirai (Kiyoshi Shirai e un illustratore di diversi Final Fantasy e Masahiro Ito e l’art director di Silent Hill 2 e Silent Hill 3). Potermi permettere di dire che a ventiquattro anni ero un direttore artistico assieme a due pilastri del genere è stata una cosa che sicuramente mi ha permesso la svolta.

K: Ti sei sentito finalmente davvero valorizzato. Passiamo alla domanda successiva. Bye Sweet Carole è per me la dimostrazione che in Italia è possibile realizzare giochi di qualità. Mi piacerebbe sapere la tua opinione riguardo alla situazione attuale del settore videoludico in Italia, pensi si possa fare qualcosa per valorizzarlo di più?

C: Purtroppo il problema dell’Italia è anche quello. Per farti capire: è uscito Bye Sweet Carole, non abbiamo scoperto l’acqua calda, ne siamo consapevoli e nessuna rivista generalista ne ha parlato. Ma è una produzione che comunque si distingue in Italia e direi anche in diversi Paesi per diverse motivazioni, non solo la questione dell’animazione tradizionale ma anche il fatto che si tratta di una produzione italiana con un budget veramente striminzito, dove oltretutto il team è formato per oltre il 70% da donne. La cosa comica è che però siamo finiti sul New York Times o su Forbes. Cioè, in Italia si è ignorato il discorso che ci possa essere una produzione videoludica di questo tipo, mentre sono subito pronti a fare servizi in cui si dice che i videogiochi sono diseducativi, fanno male ai bambini ecc.

Poi, ti dico, ci sono realtà che fortunatamente stanno un po’ ammortizzando la situazione in Italia. Mi viene da pensare a IIDEA, che comunque sta facendo tanto e fa quello che può. A noi ha permesso, anche insieme al MIC, il Ministero della Cultura, di avere l’attivazione del 25% sul tax credit. Siamo stati riconosciuti da loro come opera di interesse artistico e culturale. Quindi qualcuno, purtroppo anche se nell’ombra, si muove. Ma rimane nell’ombra perché viene messo nell’ombra…

Al tempo stesso, tante persone mi hanno scritto disgustate dall’assenza totale di Bye Sweet Carole alle nomination all’evento dei The Game Awards, che almeno meritava, secondo molti, la nomination come miglior direzione artistica. Ma anche solo per il lavoro che è stato fatto. Tutti pensano a Cuphead, ma il lavoro che abbiamo fatto noi, con tutto il rispetto per Cuphead, risulta tipo tre volte tanto.

Per cui ho pubblicato quel post riguardo ai TGA perché per la decima edizione consecutiva dei The Game Awards ancora una volta non c’è un solo titolo italiano. Molti dicono che c’è stato Mario + Rabbids, lo sappiamo, ma sappiamo anche che è una produzione francese che si è avvalsa dell’outsourcing di Ubisoft Milano, basato su un IP giapponese per metà francese, perché sono appunto Super Mario e Rayman.
Quindi chiaramente è opinabile come l’unico titolo italiano che sia mai finito in una delle cinquine dei The Games Awards. Chiaramente sono deluso che in un anno come questo, in cui sono uscite produzioni del calibro di The Lonesome Guild o Simon the Sorcerer Origins, neanche uno, anche noi nel nostro piccolo, sia riuscito a entrare in una delle cinquine, sebbene abbiamo veramente dimostrato che in Italia non per forza si deve fare produzioni che fanno il verso a oltreoceano.
E purtroppo, ancora una volta, a determinare la situazione dei videogiochi in Italia, in primis è il pubblico della stampa stessa. Molti della stampa italiana fanno parte della giuria dei Game Awards, loro stessi fanno il cosiddetto ballot, in cui inseriscono i titoli candidabili per categorie X piuttosto che Y.

K: Tra pochissimo ti lascio andare, ti chiedo giusto un’ultima domanda. Con Bye Sweet Carole mi hai fatto ritornare indietro nel tempo e hai risvegliato la paura che provavo da bambina guardando Biancaneve perduta nel bosco o Brisby e il segreto di NIHM. Qual è il cartone della tua infanzia che ti ha terrorizzato così tanto da in qualche modo condizionarti anche nella realizzazione del gioco?

C: Ti dirò, mmm, forse già quando guardavo allora i film d’animazione avevo quell’accezione dell’ansia e della paura come qualcosa di affrontato, vivendola con quell’inquietudine impastata alla curiosità, quindi non ricordo di aver avuto particolare paura per qualche scena in particolare di Biancaneve o di altri vecchi classici. Forse quella che mi ha inquietato di più è stata Lady Tramaine, quando chiude in camera Cenerentola e le si evidenziano gli occhi carichi di odio. Mi ha veramente inquietato in quanto era una persona normale, una figura che doveva essere materna anche per la protagonista che si rivela spietata per il bene delle sue figlie; tra i vari cattivi Disney e l’unica che, volendo, ha una motivazione comprensibile, in quanto quasi tutti i genitori darebbero un braccio per garantire la felicità ai propri figli.

Con Chris abbiamo poi continuato la chiacchierata parlando di altri traumi infantili provenienti da altri cartoni come Gli Animali di Bosco Piccolo e di come oggi i cartoni affrontino meno certe tematiche più crude e violente, chiedendoci se effettivamente sia un bene cancellare il brutto e il male del mondo, o addirittura gli eventi storici considerati scomodi. [N.d.A.]

Lascio la riflessione a te, caro lettore (se vuoi anche la parola sui social o sul nostro Discord) e ti ringrazio per aver letto sino alla fine. Ringrazio ancora Chris Darril per la sua disponibilità e la bella chiacchierata.

Vuoi chiacchierare e giocare con noi? Vienici a trovare sul nostro Server Discord e sul nostro Gruppo Telegram.

L'articolo Due Chiacchiere con: Chris Darril (Bye Sweet Carole e Remothered) proviene da Nerdando.

Introduzione

Chi mi conosce sa molto bene che amo i topolini e tutto ciò che li riguarda, dai film ai videogiochi, e persino le carte di Magic nell’espansione Bloom Burrow. Per questo motivo sono stata attirata dalla demo di Winter Burrow durante lo Steam Next Fest ma, ora che ho avuto modo di giocare la versione completa grazie a Pine Creek Games, posso affermare che la bellezza di questo gioco non è dovuta solo all’adorabile topino protagonista.

Recensione

Winter Burrow è un videogioco di sopravvivenza nel bosco molto “cozy” in cui un topolino si impegna a riportare al suo vecchio splendore il rifugio della sua infanzia. Ho atteso un po’ a scrivere questa recensione perché volevo testare se e dopo quanto tempo mi sarei annoiata a cercare risorse, ma ancora non è successo, anzi, se non fosse stato per gli impegni della vita privata e il lavoro avrei giocato senza sosta. Ma come ha fatto questo gioco a crearmi tale dipendenza? Analizzando diversi aspetti, cercherò di spiegartelo.

Trama

La storia in questo gioco è portata avanti da poche immagini fisse, ma decisamente evocative. L’inizio del gioco ci porta prima a un ricordo del passato del protagonista, quando la sua famiglia ha lasciato la tana nel bosco per trasferirsi in città e vivere una vita migliore. La città si rivela però un’illusione e viverci è un incubo. Per questo motivo, quando i genitori del protagonista muoiono senza poter soddisfare il desiderio di tornare a vivere nel bosco, lui decide di recuperare le proprie origini e abbandonare la città.

Nel bosco troverà una tana abbandonata e decadente con molte cose da riparare. Ma non disperare, in suo soccorso arriverà l’anziana zia Betullina, che con la sua saggezza lo aiuterà, così come altri abitanti del bosco, tra cui uno scoiattolo smemorato e un rospo fabbro.

La trama non è particolarmente elaborata, ma le vicende del bosco e le storie dei suoi abitanti spingono il giocatore a cercare risorse per aiutare tutti rendendo il “farming” per nulla noioso.

Gameplay

Winter Burrow può essere suddiviso in due fasi: una di esplorazione e l’altra di crafting. Fin dall’inizio, il gioco ti richiederà di trovare risorse per riparare parti della casa e costruire utensili necessari per ottenere le materie prime. Questo processo sarà graduale: dai ramoscelli e sassi vicino alla tana, dovrai poi addentrarti nel bosco per ricavare materiali più rari, come il granito o la seta, affrontando il rigido inverno e pericolosi insetti.

Durante l’esplorazione scoprirai nuovi luoghi e materiali, ma soprattutto farai la conoscenza degli altri abitanti del bosco che ti aiuteranno a migliorare il tuo inventario con nuove ricette per strumenti e missioni che rendono l’esplorazione sempre interessante e mai noiosa.

Una volta che abbiamo raccolto materiali sufficienti e il nostro zaino sarà troppo pieno, sarà meglio fare rientro a casa prima che si faccia troppo buio; quando scende la sera, infatti, il freddo è più pungente e, se non ti scaldi in tempo, potresti perdere i sensi e tutte le risorse ottenute.

Solo quando sarai nuovamente all’interno delle mura domestiche riscaldate da un bel fuoco, potrai fabbricare oggetti utilizzando il tavolo da lavoro. Il crafting in questo gioco include però anche la cucina e il lavoro a maglia: infatti, il topolino potrà cucinare utilizzando gli ingredienti trovati in giro (bacche, noci, funghi, ecc.) deliziosi piatti o snack da portare con sé durante le sue escursioni e realizzare indumenti più caldi per affrontare il freddo.

L’inventario inizialmente sarà ridotto, tuttavia, andando avanti con il gioco, sarà possibile realizzare zaini più capienti e decidere così di affrontare spedizioni più lunghe usando fuochi da campo e scorte di cibo che aiutano a migliorare le statistiche.

Ogni volta che esci dalla tana dovrai tenere sotto controllo queste statistiche: la salute, la fame, il calore e l’energia. Gli indicatori dei livelli di queste statistiche si trovano in basso a sinistra e potrai tenerli sotto controllo con facilità, se però sei troppo impegnato a “farmare” risorse e non ti accorgi che il tuo topino rischia di morire per la fame o per iportemia, una vibrazione ti farà notare che il livello è vicino al limite.

Cosa succede se queste statistiche raggiungono lo zero? Nel caso dell’energia il topolino avrà bisogno di riposarsi un po’ per recuperare fiato, correre e usare l’ascia o il piccone consumano energia, quindi meglio non affaticarsi troppo. Nel caso della fame e del calore, se questi saranno pari a zero, faranno diminuire anche il livello di salute. Tuttavia, se dovessi perdere tutta la salute, non temere, non sarà game over. Ti ritroverai, infatti, nella tua tana ma senza risorse. Nonostante ciò, sarà possibile recuperare dalla cassetta delle lettere una piccola parte del contenuto del tuo zaino e tentare così una nuova spedizione.

Per orientarti nel bosco non avrai l’ausilio di alcuna mappa, ma dovrai fare affidamento sulla tua memoria e ricordare dettagli del bosco per percorrere il sentiero giusto, e se ti dovessi perdere potrai tornare indietro sui tuoi passi, letteralmente, visto che le impronte delle zampine rimangono a lungo sulla neve e potrai seguirle per ritrovare la strada di casa.

Come accennato sopra, durante le esplorazioni potresti incontrare sia nuovi amici sia diversi nemici, per lo più insetti con pattern d’attacco ben precisi e quindi facili da prevedere. Ucciderli ti permetterà di ottenere carne (da mangiare sia cruda che cotta) e materiali. Tra i nemici più difficili da abbattere si trovano i ragni e devo dire che, da aracnofobica, ho apprezzato tantissimo la possibilità di toglierli e vederli sostituiti da altri insetti simili a formiche.

Uno degli aspetti che ho apprezzato di più in questo gioco è che, sebbene presenti caratteristiche classiche dei giochi survival, diversamente da questi, la sopravvivenza diventa qualcosa di rilassante e non angosciante. Inoltre, la violenza è qualcosa di non strettamente necessario, in quanto potremmo decidere di usare l’ascia o il piccone per attaccare gli insetti e difenderci, ma anche evitare gli scontri nascondendoci nell’erba alta o correndo lontano da loro.

Il gioco è localizzato in diverse lingue tra cui anche l’italiano e le traduzioni sono fatte piuttosto bene, quindi non troverai alcuna difficoltà nel comprendere le missioni da portare avanti.

Grafica e Sonoro

L’estetica di questo gioco ha un che di fiabesco, un videogioco che sembra muoversi tra le pagine di un libro per l’infanzia. Nello specifico, gli animali un po’ antropomorfi, ma non troppo, mi hanno ricordato I Racconti del Bosco di Tony Wolf, un libro che adoravo da bambina.

I paesaggi innevati sono piacevoli da attraversare, non risultano mai vuoti e invitano il giocatore a esplorarli completamente. Saranno diverse le zone in cui muoverci, ma in qualche modo tutte collegate tra loro, e avranno flora e fauna diverse per accrescere l’inventario.

In Winter Burrow è impossibile non apprezzare la cura dei dettagli. Partendo dai singoli oggetti dell’inventario, che sono numerosi e tutti diversi tra loro o i mobili e i vestiti, che sembrano quasi delle miniature realizzate per bambole o pupazzetti della Sylvanian Families.

Ad essere particolarmente gradevole non è solo l’ambiente di gioco, ma anche l’aspetto e le grafiche dei vari menu e dell’UI che riprende lo stile di un’opera cartacea e non solo audiovisiva.

La musica gioca un ruolo importante nel trasmettere tranquillità e rendere questo titolo un “survival cozy” (così è stato definito dai suoi sviluppatori). Sarai confortato da una piacevole musica quando ti troverai nei pressi di un caldo fuoco o vicino a un abitante del bosco che si mostra amichevole; tuttavia, quando gli abitanti non saranno amichevoli e vorranno attaccarti, la musica cambierà per allertarti del pericolo e dovrai scegliere se combattere o scappare.

La musica è un’ottima compagna di viaggio durante le esplorazioni e dà un senso di calma così piacevole che sto valutando di tenerla in sottofondo anche mentre lavoro. Un’altra cosa che ho adorato un sacco sono i versi del topino, tipo quando mangia o è affaticato dopo aver tagliato tanta legna, sono semplicemente adorabili.

In Conclusione

Winter Burrow è un gioco che dà assefuazione e non stanca mai grazie all’ambientazione fiabesca e ai suoi tempi lenti che ti permettono di fare tutto con calma e senza agitazioni. Ottimo per chi cerca giochi cozy con personaggi carini o vuole un survival più rilassato.

Io ho giocato la demo sul PC, ma il gioco completo su Switch (anche Switch 2) e devo dire che è un titolo perfetto per le console portatili perché ti permette di goderti l’avventura rilassandoti tranquillamente sul divano con una bella coperta per proteggerti pure tu dal vero e unico nemico del gioco: il freddo.

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Nerdando in breve

Winter Burrow è un survival cozy che non stanca mai, grazie alla sua ambientazione un po’ fiabesca e alle missioni da portare avanti senza alcuna fretta. Un titolo perfetto per chi adora i giochi rilassanti con personaggi adorabili, ma anche i giochi di sopravvivenza.

Trailer

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Il 7 novembre è uscito A Pizza Delivery, un nuovo titolo indie realizzato da Eric Osuna ed edito da Dolores Entertainment. Si tratta di un gioco narrativo ed esplorativo con qualche enigma da risolvere per poter andare avanti.
Un grazie a JF Games PR Agency per avermi mandato una copia (e per la pazienza con le tempistiche!)

Trama

Consegnare una pizza non sembra qualcosa di particolarmente entusiasmante, ma A Pizza Delivery propone al giocatore una consegna piuttosto insolita. Infatti, vestendo i panni di B, ti ritroverai a vagare con il tuo scooter per le consegne in un mondo surreale, fatto di spazi liminali e paesaggi immersivi e al contempo vuoti, come se si trattasse di un “luogo non luogo“.

B si ritrova a consegnare la sua ultima pizza della giornata, tuttavia, nel corso del viaggio potrà incontrare altre persone con cui condividere una fetta di pizza e la loro storia. Parlando con questi personaggi, pian piano iniziamo a formulare ipotesi su dove effettivamente ci troviamo, sbrogliando la matassa di mistero che avvolge il gioco.

Come si gioca

Per consegnare le pizze, B potrà usare il suo scooter, tuttavia alcune zone saranno interdette e dovrà procedere a piedi facendo attenzione a non bagnare il cartone della pizza in caso di pioggia: una pizza fredda è sempre buona, una pizza bagnata no. Dal momento che si deve guidare la moto è consigliabile l’utilizzo di un controller per aver un maggior controllo del mezzo. Il gioco è tradotto in diverse lingue tra cui l’italiano, il che può aiutare a immergersi di più nei dialoghi e nella storia.

Concludendo

La consegna della pizza è una scusa per fare in realtà un viaggio introspettivo, su chi siamo noi e su chi è B. L’atmosfera, a tratti calma ma a volte anche angosciante, ci accompagna per tutto il percorso; il mondo in cui ci troviamo sembra solo in parte reale e ti farà domandare: Dove mi trovo?

Sebbene nella mia esperienza di gioco si siano presentati alcuni problemi, A Pizza Delivery è stata una piccola avventura introspettiva. Quel senso di blocco che prova la protagonista, in qualche modo, è qualcosa che accomuna un po’ tutti: tutti abbiamo passato momenti in cui non sapevamo che fare della nostra vita, una sorta di paralisi che nel gioco prende la forma di una panchina. Chi si ferma è perduto. Il gioco invita a riflettere su quel blocco ma anche ad andare avanti affrontando le difficoltà che la vita ci propone e questo concetto è stato stimolante anche per la mia di vita.

Sebbene all’uscita il gioco presentasse qualche bug, A Pizza Delivery secondo me è una breve avventura che merita per l’esperienza introspettiva e la narrazione che offre.

Nel frattempo, però, è stato rilasciato un aggiornamento per risolvere i problemi segnalati dagli utenti, pertanto se siete curiosi lo si può trovare sia per PC che per Playstation 5 e Xbox Series X|S.

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Nerdando in breve

A pizza delivery è un breve viaggio in cui una consegna diventa più un’esplorazione di se stessi. Gioco narrativo con enigmi che immerge il giocatore in paesaggi liminali di un mondo a tratti surreale.

Trailer

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Introduzione

La mia infanzia così come quella di altri redattori di Nerdando è stata segnata dai cartoni Disney ma anche dai traumi causati dai film realizzati dallo straordinario Don Bluth, che ha dato vita a capolavori come Anastasia e Fievel Sbarca in America ma anche a scene spaventosissime come il T-Rex ne Alla Ricerca della Valle Incantata e le sperimentazioni sui topi nel film Brisby e il segreto di NIMH.

Chris Darril e il team di Little Sewing Machine omaggiano l’animazione tradizionale e i grandi registi del passato, realizzando un piccolo gioiello tutto italiano: Bye Sweet Carole, un mix tra un gioco platform con elementi horror e un vero e proprio film d’animazione.

Recensione

Non appena ho visto il trailer di Bye Sweet Carole sono rimasta colpita dalla qualità dell’animazione e dal suo stile e volevo assolutamente giocarlo sebbene io sia una fifona di prima categoria. Ringrazio Maximum Entertainment che mi ha permesso di soddisfare la mia curiosità e, anche se ho perso qualche anno di vita per gli spaventi, ti spiego perché sono felice di essere uscita dalla mia comfort zone giocandolo.

Da fifona quale sono, qui ammetto di aver perso qualche anno di vita e urlato una serie di parolacce.

Storia

Bye Sweet Carole ci catapulta nell’Inghilterra dei primi del ‘900, un periodo segnato dalla rivoluzione industriale e dai primi movimenti femministi guidati dalle suffragette. In questa atmosfera di cambiamento ti troverai a vestire i panni di Lana Benton, una giovane ragazza ospite dell’orfanotrofio Bunny Hall, che decide di indagare sulla scomparsa della sua migliore amica Carole.

Le indagini di Lana si fanno sempre più interessanti e scopriamo la presenza di un misterioso ragazzo, soprannominato il “francese”, con cui Carole aveva una corrispondenza epistolare. Nel cercare di scoprire la verità, però, Lana si ritrova a dover sopravvivere in bilico tra due mondi, quello reale e quello di Corolla, un regno di cui lei è la principessa, ma che è minacciato dall’inquietante Mr. Kyn, noto anche come la pece che corrompe e distrugge tutto.

Sarà proprio Mr. Kyn la fonte principale dei nostri incubi, insieme al suo gufo e alle altre creature fatte di pece perciò, mentre cercherai di indagare sulla scomparsa di Carole, dovrai cercare di scappare da lui e soprattutto non cedere alla sua richiesta di consegnarli Corolla.

La narrazione è un punto di forza enorme di questo gioco, ti sembrerà, infatti, di guardare un film vero e proprio grazie alle splendide cut scenes. La trama non è affatto scontata e tiene attanagliati al controller, tant’è che sono passata dal giocarlo lentamente perché avevo bisogno di fare qualche pausa per riprendermi dall’adrenalina delle fughe, al non voler chiudere il gioco e divorare i capitoli uno dopo l’altro.

Gameplay

Bye Sweet Carole si presenta come un mix tra un gioco platform e un horror survival, capace di far sobbalzare dalla sedia grazie ad alcuni jump scare, senza però davvero terrorizzare come giochi propriamente horror come Silent Hill o Resident Evil.

Nei panni di Lana dovrai esplorare il Bunny Hall e risolvere enigmi, eventualmente combinando oggetti per riuscire ad andare avanti. La risoluzione degli enigmi risulta piuttosto intuitiva e difficilmente si rischia di rimanere bloccati in qualche area.

In Bye Sweet Carole conviene sempre guardarsi intorno perché potremmo trovare oggetti molto utili.

Lana acquisterà inoltre la capacità di trasformarsi in coniglio e questa sua dote le permetterà di raggiungere aree interdette e saltare più in alto. Personalmente ho apprezzato tantissimo questa meccanica così come la possibilità di usare Mr. Baesie, il fedele servitore di Corolla che verrà spesso in aiuto di Lana.

Sebbene abbia trovato alcune meccaniche molto interessanti, ho trovato il gioco un po’ ripetitivo, specialmente verso la fine e sono rimasta un po’ delusa dalle sezioni rhythm game e combat, le quali sembrano molto meno curate rispetto al resto e inserite solo ai fini della trama.

Grafica

L’altro grande punto di forza di questo gioco è senza ombra di dubbio la sua estetica e la perizia con cui sono state realizzate le animazioni, fotogramma dopo fotogramma e tutte a mano come in tecnica tradizionale. La cura dei movimenti non la troviamo solo nelle cut scenes ma anche nelle sezioni di gameplay in cui vediamo Lana trasformarsi in coniglio, nascondersi dai nemici e ahimè anche morire se non faremo attenzione.

Per poter apprezzare appieno la cura dei dettagli di questo gioco, ammetto di essermi trasformata in una sadica curiosa e ho fatto morire Lana in modi diversi solo per poter guardare le diverse animazioni della sua morte. Giuro che era solo per scopi di ricerca e nella realtà non torturerei mai una persona, ma devo confessare che quelle animazioni le ho trovate geniali e divertenti, e mi hanno ricordato un po’ le scene di Dragon’s Lair, il celebre videogioco anni ’80 realizzato in collaborazione con Don Bluth.

Lana che si destreggia nel pantano mi ha riportato all’ansia provata da bambina quando Biancaneve si ritrovava nella foresta impaurita.

L’estetica di Bye Sweet Carole a tratti ricorda molto quella disneyana delle principesse. La protagonista, infatti, mi ha ricordato un po’ sia Biancaneve che Alice, per via dell’aspetto ma anche del carattere dolce e curioso. Il mondo fiabesco con le sue forme morbide e i colori pastello è temporaneo e viene corrotto dalla pece che ingrigisce tutto e diventa un posto ostile da cui è difficile scappare.

Audio

Il senso di cupo e l’ansia non sono dati solo dai colori scuri, ma anche e soprattutto dalle musiche. Molta della tensione è data proprio dai suoni dell’ambiente apparentemente desolato e dagli improvvisi cambi della musica che riesce ad accrescere la paura e l’adrenalina. Anche qui, ritroviamo, come nei vecchi cartoni, i suoni terrificanti che accompagnavano le scene più spaventose in cui compariva il mostro di turno.

Altro aspetto importante di questo gioco è sicuramente il doppiaggio, che troviamo sia in inglese che in italiano. Nella versione italiana, inoltre, Lana è stata doppiata da Rossa Caputo, doppiatrice e dialoghista famosa per diversi ruoli, ma nell’ultimo periodo soprattutto per essere la voce di Charlie in Hazbin Hotel.

Screenshot di una delle cut scenes, per darvi una maggiore idea della qualità elevata delle animazioni di questo gioco che sembra uscire da una delle nostre videocassette dell’infanzia.

Il doppiaggio nel complesso risulta fatto bene e le voci azzeccate; ho riscontrato, tuttavia, qualche problema verso gli ultimi capitoli dove la registrazione della voce di qualche personaggio secondario risultava meno pulita e con i volumi non sempre coerenti con la scena, ma è risaputo che doppiare i videogiochi senza una scena da guardare o indicazioni precise risulta parecchio difficile e, nel complesso, trattandosi di un gioco indie, è stato fatto un lavoro incredibile.

In Conclusione

Bye Sweet Carole è un gioco che colpisce per la sua storia e per la sua altissima qualità, nonostante presenti qualche difetto e io sia una fifona mi è piaciuto molto giocarlo. Un titolo perfetto se ami l’animazione 2D e ti piace provare un po’ il brivido con giochi horror molto soft come ad esempio Little Nightmares o Limbo, che generano un’ansietta e un senso di inquietudine.
Questo gioco è l’ennesima dimostrazione che in Italia è possibile creare videogiochi di qualità e bisogna continuare a crederci sostenendo realtà come Little Sewing Machine.

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Nerdando in breve

Bye Sweet Carole è una perfetta favola horror che combina la magia delle principesse alla paura dei mostri che popolavano gli incubi dell’infanzia e lo fa con animazioni incredibili e una storia coinvolgente che segna un po’ il passaggio all’età adulta.

Trailer

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Introduzione

Gli italiani sono famosi per la loro abilità in cucina, ma sono altrettanto bravi nel realizzare videogiochi?
Il team di Studio Pizza si è messo d’impegno per dimostrare che la cultura del buon cibo e la passione per i videogames possono coesistere, attraverso la realizzazione del loro primo videogioco: Monster Chef.

Monster Chef è un action RPG disegnato a mano in cui componenti roguelite si fondono con quelle tipiche dei gestionali. Infatti, nel gioco impersoniamo un piccolo chef di nome Pranzo, il quale di giorno dovrà cacciare e cucinare i mostri della foresta e di notte servire i clienti della sua locanda. Grazie a Studio Pizza ho avuto modo di provare la demo e avere così un assaggio di quello che sarà il gioco una volta pronto.

Recensione

Sebbene il team di Studio Pizza sia piuttosto piccolo (ci lavorano in totale otto persone), da questa demo si percepisce l’alta qualità del lavoro svolto tra grafiche, gameplay e musiche. Ma andiamo a vedere nel dettaglio questi aspetti del gioco.

Gameplay

Come accennato, la nostra giornata sarà scandita in due momenti: il giorno e la notte. Durante il giorno Pranzo dovrà andare a caccia di mostri nelle Terre Selvagge di Delizia per preparare quello che sarà il menù del giorno da servire per cena ai clienti della sua locanda.

Per combattere possiamo usare un coltello da cucina oppure una saliera e in base al modo in cui indeboliamo i mostri, potremo realizzare diversi piatti gustosi tra cui paste, panini e insalate. Come avviene però la cottura del mostro? Semplicemente scagliandogli contro una pentola che imprigionerà la creatura. Questa meccanica ricorda un po’ la cattura dei Pokémon con le Poké Ball, in questo caso, però, i mostri non entreranno a far parte di una squadra, bensì di un menù appetitoso.

Dopo aver indebolito il mostro, appare una scritta che ci indica quale piatto cucineremo e siamo pronti a lanciargli contro una delle nostre pentole: Gotta Cook’em all !

Muoversi all’interno della foresta risulta a volte un po’ dispersivo in quanto la mappa cambia ogni volta che entriamo e le aree si assomigliano molto tra di loro, tuttavia ho apprezzato tantissimo la funzione del Senso da Chef, la quale quando viene attivata in prossimità di un mostro del menù, rilascia delle scie colorate che permettono di orientarsi e individuare i mostri e il portale per ritornare alla locanda.

La sera prima di addentrarci nelle terre selvagge dovremo scegliere quale menù preparare e potremo scegliere in base alla difficoltà o in base alle richieste che ci verranno fatte da alcuni personaggi che incontreremo. Per ottenere tutti gli ingredienti abbiamo però un limite di tempo e quando inizia a tramontare il sole è meglio far ritorno alla locanda il prima possibile, perché con il calar delle tenebre la foresta diventa pericolosa e potremmo perdere i sensi e quindi fallire la missione.

Nel caso in cui questo accadesse perché abbiamo perso tutti i cuori o il buio ci sorprende, non dobbiamo disperarci. Infatti, non perdiamo tutti i piatti preparati, ma ce ne rimarranno alcuni da poter comunque servire ai clienti e guadagnare così monete utili a ottenere potenziamenti.

Il rientro alla locanda segna il momento gestionale del gioco, qui infatti dovremo pian piano sistemare la locanda e le sue varie stanze (alcune non sbloccabili nella demo, ma sembrano parecchio interessanti) utilizzando i materiali ottenibili durante le escursioni nelle terre selvagge, e servire i piatti preparati nella foresta agli avventori della locanda.

In mancanza di personale il piccolo Pranzo è guerriero, chef e pure cameriere, per chi come me adorava i giochi flash in cui bisognava servire ai tavoli, questa parte sarà sempre divertente da giocare.

Il servizio al tavolo deve essere rapido e impeccabile, altrimenti si rischia di perdere “forchette“, stemmi che indicano la qualità della locanda e il suo prestigio, pertanto dovremo fare molta attenzione ai clienti che entrano e tenere tutto pulito. Scaduto il tempo, la locanda chiuderà al pubblico e dopo aver scelto il menù del giorno inizierà una nuova giornata.

Grafica e Audio

La prima cosa che salta all’occhio osservando Monster Chef è la sua estetica, i disegni fatti a mano riprendono uno stile cartoonesco che a tratti ricorda però anche un libro pop-up ambientato in un mondo fantasy medievale abitato da elfi, umani, orchi e altre creature fantastiche.

Per il momento nella demo incontriamo solo alcuni personaggi, ma il character design è fatto con molta cura e personaggi come il piccolo scudiero Spuntino o l’orchessa Furia mi hanno sicuramente colpito per il loro aspetto.
Il design di Pranzo potrebbe sembrare apparentemente semplice, un personaggio piccolo ma agile nonostante l’armatura da cavaliere e la divisa da chef, il cui volto rimane oscurato. Questo però non impedisce al piccolo Pranzo di essere molto espressivo sia nei dialoghi che durante la partita con le sue facce buffe.

Ecco uno screenshot in cui ammirare la stanza di Pranzo e il simpatico scudiero Spuntino che sarà sempre disponibile a venderci oggetti utili.

Le animazioni sono fluide sia nei combattimenti che nella parte gestionale e alcune le ho trovate semplicemente adorabili, soprattutto quando Pranzo si mette a pulire o roteare tra i tavoli.

Le giornate di Pranzo non passano certamente silenziose, ma sono accompagnate da suoni e musiche che contribuiscono a far immergere maggiormente il giocatore nell’ambientazione. I dialoghi non sono doppiati, ma le personalità dei personaggi si percepiscono anche dai loro versi. Parlando di versi, ovviamente, anche i mostri ci avvertiranno della loro presenza con suoni particolari e imparando a conoscerli potremo anche evitare meglio i loro attacchi.

Un dettaglio per me non trascurabile quando si parla di giochi made in Italy sicuramente è la capacità di non risultare “troppo italiano” (citando Stannis La Rochelle di Boris), infatti, sebbene ci sia qualche riferimento alla cultura italiana come la “mano a cucchiaio” tipica della gestualità nostrana, nella demo il gioco non presenta elementi di una italianità stereotipata o riferimenti comprensibili solo ai connazionali, come l’uso di dialetti o la cultura pop. Pertanto, in quella che è la sua attuale forma, trovo che Monster Chef possa avere buone chance di incuriosire e conquistare il pubblico anche all’estero.

La mia allergia ai pomodori è aumentata dopo aver incontrato questo mostro.

In Conclusione

Dalla demo di Monster Chef possiamo intuire tutto il grande lavoro che c’è dietro e da quello che ho potuto vedere il gioco sembra promettere molto bene. Il ripetersi delle giornate potrebbe a lungo andare risultare un po’ ripetitivo, ma spero che nella versione completa questo rischio diminuisca man mano che si sbloccano nuove aree sia per cacciare che per migliorare la locanda.

L’uscita del gioco è prevista per il 2026 e sarà inizialmente disponibile su PC e Steam Deck e in seguito anche su altre console, personalmente ce lo vedrei bene su una console portatile come Switch. In attesa della sua uscita però consiglio di dargli un assaggio anche voi scaricando la demo disponibile su Steam e supportare Studio Pizza aggiungendolo alla vostra wishlist.

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Nerdando in breve

La demo di Monster Chef ci dà un assaggio alquanto gustoso di quello che sarà il primo gioco realizzato da Studio pizza. Un action colorato e graficamente accattivante in cui cuciniamo mostri per poi servirli ai clienti della nostra locanda.

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Introduzione

BoJack Horseman è stato un grandissimo successo Netflix e nel corso delle sue sei stagioni ha appassionato il pubblico con il suo umorismo folle, che ancora oggi viene citato, e il dramma interiore dei suoi personaggi. Pertanto, ha lasciato un grosso vuoto quando si è conclusa.

Ad agosto è approdata su Netflix Long Story Short, una nuova serie animata per adulti realizzata dallo stesso autore di BoJack Horseman e speravo che avrebbe colmato quel vuoto. Volevo a tutti i costi un perfetto sostituto, ma solo smettendo di cercarlo sono riuscita ad apprezzare questa serie e a comprenderne la sua bellezza.

Recensione

Dopo aver visto lo sfarzo di Hollywoo (per chi si ricorda la D era caduta) e una popolazione composta da umani e animali antropomorfi, ci si aspetterebbe da Raphael Bob-Waksberg (il papà di BoJack), qualcosa di altrettanto fuori di testa e inusuale, ma non è così. Long Story Short si concentra sulla banalità della quotidianità familiare, nello specifico quella di una famiglia ebrea che vive negli Stati Uniti.

Può una semplice famiglia competere con un’ex star televisiva piena di problemi e dipendenze? No. Tuttavia, solo smettendo di restare ancorati al passato si può davvero apprezzare questa serie e appassionarsi alla storia della famiglia Schwooper.

Nel corso di 10 puntate da circa 20 minuti veniamo catapultati in momenti importanti nella vita dei diversi membri della famiglia, in particolare quelli che riguardano i tre figli: Avi, Shira e Yoshi.

I viaggi in auto sono spesso stressanti sia per i genitori che per i figli e la famiglia Schwooper non è da meno.

La narrazione

La narrazione non segue un ordine cronologico; vediamo i tre fratelli durante diverse fasi della loro vita e anche se non in modo lineare assistiamo alla loro crescita e a come affrontano le varie sfide dell’età adulta, il tutto incorniciato dalla cultura e religione ebraica.

Narrativamente parlando, Long Story Short non risulta sicuramente innovativa, dal momento che sono numerose le serie animate e le sit-com incentrate sulle famiglie, ma riesce comunque a distinguersi grazie al suo umorismo, per certi versi simile a quello di BoJack, e soprattutto alla caratterizzazione dei personaggi.

Nelle sit-com troviamo spesso dei ruoli fissi, per esempio le madri severe, i padri invece più permissivi e magari un figlio un po’ problematico. Anche in Long Story Short troviamo questi tropi narrativi, tuttavia quella che ci viene mostrata non è una semplice stereotipizzazione, bensì troviamo persone con cui è facile immedesimarsi ed empatizzare.

Nel primo episodio, incentrato sulla festa di Bar mitzvah di Yoshi, per esempio, lo spettatore si può immedesimare facilmente in Jen, la fidanzata di Avi, che fa la conoscenza della famiglia Schwooper in un momento piuttosto delicato e il disagio che prova sentendosi fuori posto e forse di troppo è sicuramente qualcosa che almeno una volta anche noi abbiamo provato.

Scena tratta dal primo episodio dove riusciamo a percepire tutto il disagio che sta provando Jen.

I temi trattati sono maturi ed è facile rispecchiarsi nella vita di questa famiglia. Dopotutto, tutti noi siamo figli e conosciamo bene la difficoltà di dialogare con i propri genitori ma, osservando le famiglie create dai tre fratelli, tra cui quella omogenitoriale di Shira e sua moglie Kendra, comprendiamo anche la difficoltà di essere genitori.

Sebbene la serie si concentri principalmente sulle gioie e i dolori di questa famiglia qualunque, attraverso la quotidianità riesce a raccontare anche l’attualità e come in BoJack Horseman non manca la satira che evidenzia le assurdità della società moderna.

L’animazione

Lo stile dei disegni è lo stesso di BoJack Horseman, quindi non rimarrete delusi dal character design dei vari personaggi che compaiono nella serie. Tuttavia, si percepisce un minore interesse nella cura dei dettagli nella realizzazione degli sfondi, come se si volesse concentrare l’attenzione dello spettatore solo sui componenti della famiglia e sugli eventi importanti.

Non ho trovato alcuna conferma a questa mia teoria, ma mi piace pensare che, trattandosi di ricordi del passato, sia normale che non siano perfettamente nitidi. In alternativa, è molto più probabile che tale scelta stilistica sia stata dettata dal budget o dai tempi stretti di consegna.

Anche se li vediamo crescere e diventare adulti, certe dinamiche tra fratelli non cambiano e la macchina rimane uno scenario perfetto per i litigi.

La serie si trova doppiata in italiano e l’adattamento non ne stravolge particolarmente l’umorismo (e soprattutto non trasforma una famiglia ebrea in italoamericana come nel caso della sit-com La Tata), quindi se non amate leggere i sottotitoli è consigliatissima anche con le voci italiane, che ho trovato abbastanza affini ai personaggi.

Conclusione

Long Story Short non si pone come sostituto di BoJack Horseman come inizialmente speravo, ma proprio come un figlio, nonostante la somiglianza di alcuni “tratti somatici”, prende la sua strada e si crea la sua identità come serie comedy.

Long Story Short è un’ottima serie animata capace di coinvolgere lo spettatore grazie alla naturalezza con cui racconta una semplice famiglia con cui pian piano si rivivono momenti importanti e lo si fa a volte ridendo e altre volte commuovendosi, finendo per sentirsi un po’ uno Schwooper.

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Nerdando in breve

Long Story Short è una serie animata realizzata dallo stesso creatore di BoJack Horseman, ma sebbene ci siano alcune similitudini, riesce perfettamente a crearsi una sua identità divertendo e commuovendo il pubblico con le vicende di una normale famiglia ebrea.

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