Ma quanti giochi ha messo sul mercato Milestone nel 2026? Partendo dall’ottimo RIDE 6, autentico compendio delle 2 ruote, passando per il consueto MotoGP annuale, fino ad arrivare all’acclamato Screamer. Pensavi fosse finita qui? E invece no, la carrellata di titolo motoristici si conclude con l’arcade racing-game Hot Wheels Infinite Rush. Il celeberrimo brand di macchinine Mattel, dopo Hot Wheels Let’s Race: Ultimate Speed torna nelle sapiente mani della software-house italiana. Al contrario che nei due eccellenti Hot Wheels Unleashed, Milestone, questa volta, punta sull’open-world in salsa Forza Horizon, piuttosto che sui circuiti chiusi.

Recensione

Ho testato Hot Wheels Infinite Rush in lungo e largo grazie a una copia per la recensione ricevuta dalla redazione. Ci tengo, pertanto, a ringraziare il publisher in questa sede.

Ho riscattato il codice su Steam e ho giocato il video game interamente su Steam Machine. Dopo diversi tentativi ho deciso di settare il gioco sui 1080p, 60 fps, con dettagli grafici al massimo. L’FSR integrato ha ovviamente fatto il resto in termini di qualità dell’immagine. Durante la mia prova non ho incontrato bug game-crashing ma più di una volta mi sono imbattuto in evidenti cali di frame-rate. Questi ultimi mi sono sembrati completamente randomici e non sono riuscito a determinare in quali situazioni avvenissero.

La novità open world

Come anticipato poco più su, Hot Wheels Infinite Rush presenta un modello di gioco open world, il tutto diviso in 4 mappe a tema. Si va dall’urbana Wheelwood, caratterizzata da un’ambientazione metropolitana tutta acciaio e cemento per arrivare a Drifty Temples, isola d’ispirazione orientale. Le isole si sbloccano tutte in una manciata di ore e sono caratterizzate e diversificate a dovere. È stato sempre un piacere esplorarle sebbene ritengo che, alla lunga, possano risultare un po’ piccole e facili da memorizzare.

Quasi ogni elemento dell’ambiente può essere distrutto. Panchine, staccionate, semafori, tutto ciò che abbatterai ti garantirà punti stile utili poi per generare monete d’oro. Ho particolarmente apprezzato il fatto che le macchinine presenti nel traffico non rappresentino un ostacolo al passaggio del giocatore. Queste, infatti, sono leggerissime, quasi immateriali, e verranno sbalzate al nostro passaggio. Per quanto anti-intuitivo, questo sistema è per me vincente perché non spezza il ritmo in un gioco basato su velocità e divertimento.

Le mappe sono disseminate di eventi secondari, contrassegnati da punti interrogativi, i quali verranno scoperti avvicinandosi ad essi. Non mancano, inoltre, eventi dinamici casuali come quelli ribattezzati Daredevil, che ho molto apprezzato. Di tanto in tanto ti capiterà di incontrare una Hot Wheels rara, nel mondo di gioco. Se riuscirai ad avvicinarti e a sfidarla, avrai la possibilità di gareggiare contro di lei e, potenzialmente, di vincerla.

Le mappe di gioco però soffrono della mancanza dello spostamento rapido. È vero, come detto, che gli ambienti non sono sconfinati ma dover raggiungere gli eventi certe volte risulta tedioso.

Gameplay

Pad alla mano il feeling di guida è assolutamente soddisfacente. D’altronde stiamo parlando della software house che ha dato i natali ai già citati e pluripremiati due capitoli di Hot Wheels Unleashed. Le fondamenta sono senz’altro quelle e dai quei giochi Infinite Rush eredita l’importanza del controllo della derapata, manovra sempre divertente da effettuare e che esalta il buonissimo sistema di guida arcade. Questa si attiva premendo il tasto del freno durante l’inserimento in curva. Una volta iniziata starà a te domare il bolide di turno.

Parlando di mezzi è interessante notare come questi appartengano a 4 classi diverse. Saltare da una all’altra, tra l’altro, è comodissimo e in tempo reale (nel free roaming). Di seguito ti elenco le classi. Versatile: come dice il nome, un mezzo tuttofare senza particolari specialità. ​Drifter: per gli amanti delle derapate, caricano il turbo solo se messe di traverso. Speeder: auto votate alla velocità pura, meno stabili da controllare ma capaci di altissime velocità. ​Titan: Veicoli pesanti e di conseguenza più stabili. Tra tutte presentano la meccanica del turbo più interessante.

Se da un lato il gameplay puro è forse il lato migliore di Hot Wheels Infinite Rush, non posso affermare lo stesso della progressione. Il gioco presenta una struttura a punti, utili per sbloccare boss e mini boss ma, onestamente, risulta alquanto ripetitiva molto presto. Ogni isola, tra l’altro, costringe il giocatore a reiniziare questa scalata per arrivare al boss finale di turno. A peggiorare la situazione concorrono eventi “doppi” che richiedono di ripetere il circuito appena affrontato. Purtroppo, non ho mai sentito un incentivo ad andare avanti nella campagna nelle mie ore spese con Hot Wheels Infinite Rush. Il sistema di valuta in game, tra l’altro, è parecchio avaro e accumulare monete per comprare altre macchinine può risultare in un noioso esercizio di grinding.

Comparto artistico e editor

Milestone da anni delizia gli occhi dei giocatori con comparti grafici da urlo e Hot Wheels Infinite Rush, a mio parere, non fa eccezione. Certo, parliamo di un gioco che riproduce dei toy, dei mezzi di plastica non realistici ma che sono riprodotti in maniera maniacale in 3D. I fan non potranno che essere felici dei modelli dei veicoli, oltre che delle loro texture. Il roster al lancio, tra l’altro, vanta circa 150 veicoli.

Ho particolarmente apprezzato l’audio del gioco. La colonna sonora è di ottima qualità e accompagna alla grande sia la fase esplorativa che le gare. Inoltre, gli effetti audio sono credibili ed efficaci, che sia nelle derapate, negli scontri o, perché no, nella distruzione degli ambienti.

Se sei un appassionato di editing, sappi che la modalità messa a disposizione dei giocatori è di tutto rispetto. Io non sono un asso con questo tipo di attività ma ho potuto saggiare la bontà del track builder. Questo si attiva nell’open world e sono rimasto piacevolmente impressionato dalla semplicità con cui i pezzi del circuito interagiscono, non solo tra loro, ma anche con le mappe di gioco. Ovviamente non può mancare, in pieno stile Milestone, un notevole editor delle livree.

Versioni e prezzi

Come detto in apertura, ho giocato Hot Wheels Infinite Rush su Steam Machine. Parlando di PC, il gioco è acquistabile anche sull’Epic Games Store. Se invece possiedi una console, sappi che il gioco è stato pubblicato anche su PlayStation 5, Xbox Series X/S e Nintendo Switch 2.

Il gioco è acquistabile in 3 edizioni differenti: ​Standard Edition (49,99 €), ​Deluxe Edition (79,99 €) e ​Ultimate Edition (99,99 €). Ovviamente aspettati di trovare nelle edizioni più costose pacchetti di veicoli aggiuntivi. Trovo molto corretto il prezzo della Standard Edition. Qui i contenunti, nel dettaglio, di ogni versione.

Concludendo

All’interno di Hot Wheels Infinite Rush convivono due anime. Da un lato il gioco convince e sorprende per il suo ottimo modello di guida arcade mentre, dall’altro, è azzoppato da una progressione che avrebbe potuto offrire di più. Il passaggio all’open world è promosso, ma rimane un po’ di amaro in bocca vista l’intrinseca ripetitività degli eventi che propone. Un titolo senz’altro consigliato agli appassionati accaniti delle Hot Wheels che potrà trovare l’interesse anche di molti giocatori di racing arcade.

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Nerdando in breve

Hot Wheels Infinite Rush è un video game di corse arcade sviluppato da Milestone.

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In passato ti ho parlato di diverse tipologie di cartucce Evercade, da quelle che contengono una gran moltitudine di titoli, a quelle dual-cartridge. In alcune rare occasioni ci si può imbattere però in quelle che vengono chiamate single-cartridge: cartucce che contengono un solo gioco. Ricevere un trattamento simile da parte di Blaze Entertainment è quasi una garanzia di qualità, come a voler gridare a piena voce che quel particolare gioco è così ben progettato che non ha bisogno di essere inserito in una selezione. La mia prima esperienza con questa tipologia di pubblicazioni è avvenuta nelle scorse settimane, dove mi sono divertito come un matto giocando a Roguecraft DX. Il titolo sviluppato da Badger Punch Games è un’assoluta gemma modern-retro, una cartuccia must-have al pari di Goodboy Galaxy & Witch n’ Wiz. Evercade: Roguecraft DX, pur essendo una single-cartridge (o single-game-catridge), farà la gioia degli appassionati di roguelike dungeon crawler retro-style.

Recensione

La cartuccia Roguecraft DX è stata pubblicata meno di un anno fa, nell’Agosto 2025. È la numero 9 della “collezione blu”, quella dedicata al mondo home computer.

Ho terminato svariate run (molte delle quali senza successo) di Roguecraft DX e me lo sono goduto un po’ su tutte le console Evercade che posseggo, ma in particolare su VS-R. Come sempre, vale la pena ricordare che le cartucce in questione sono compatibili con i sistemi Evercade (Alpha, EXP-R, VS-R) e il Super Pocket di HyperMegaTech!.

In ogni recensione, ti consiglio di dare un’occhiata al libretto allegato nelle confezioni Evercade. La raccomandazione vale doppio per Roguecraft DX, che vanta un booklet particolarmente sostanzioso da cui ho estrapolato tante nozioni interessanti, incluse in questo articolo. Qui invece trovi la pagina dedicata sul sito ufficiale Evercade.

Lo sviluppo di Roguecraft DX

La storia di Roguecraft inizia nel dicembre del 2020, quando il publisher Bitmap Soft organizzò un evento di beneficenza. Il tema dell’evento fu ribattezzato “Cassette 50”, una selezione di 50 giochi che potessero girare su home-computer 8-bit del 1983. Il compito degli sviluppatori che vi parteciparono non fu semplice. D’altronde, con un hardware così limitato e uno spazio di appena 4 kilobytes, non riesco nemmeno a immaginare come si possa creare qualcosa di appetibile ancora oggi.

Lo sviluppatore Badger Punch Games portò Rogue4K, un nome che sicuramente ti dirà qualcosa se segui questa particolare tipologia di pubblicazioni ludiche. In ogni caso, in Rogue4K si possono intravedere le basi per quello che poi diventerà Roguecraft DX. Seguì poi Rogue64, altro nome che gli appassionati Evercade conoscono da tempo e che è stato inserito come gioco segreto nelle console Evercade come EXP-R e VS-R.

Lo sviluppo di Roguecraft però iniziò solo nel 2022 e, anche in questo caso, il videogame fu rivelato a un altro evento che richiamava sviluppatori modern-retro chiamato AmiGameJam. Dopo il rilascio di alcune demo e dei conseguenti feedback della community, Badger Punch Games pubblicò ufficialmente il gioco nel settembre 2024. Nel 2025 Roguecraft ricevette il prestigioso Retro World Award ai Debug Indie Game Awards, consolidando il suo status di gemma assoluta del mondo Amiga. La versione per Evercade, ribattezzata appunto Roguecraft DX, aggiunge diverse feature, tra cui una grafica migliorata, una colonna sonora più ricca e un gameplay rifinito.

Gameplay

Anno: Roguecraft 2024, Roguecraft DX 2025 – Sviluppatore: Badger Punch Games – Genere: Isometric Roguelike / Dungeon Crawler RPG – Player: 1
Piattaforme originali: Roguecraft – Amiga 500
Disponibile su piattaforme contemporanee: sì, Roguecraft su itch.io – Versione di Roguecraft DX su Steam

La virtù più emblematica di Roguecraft DX è, probabilmente, la sua innata immediatezza. Attenzione: non sto dicendo che il gioco sia facile, ma per giocarlo non sono necessarie chissà quali doti manuali o mnemoniche. Questo RPG si gioca letteralmente solo con le direzioni. È vero che c’è un inventario da gestire, ma quest’ultimo è minuscolo e sempre su schermo.

Con il d-pad si sposta il proprio eroe (potrai sceglierne uno tra i 3 proposti) e, per attaccare i nemici, basterà andargli incontro. Credimi, in queste poche parole ti ho spiegato tutti i comandi necessari per giocare a Roguecraft DX. Immediatezza a parte, ti basterà davvero una partita per intuire la bontà del game design, il divertimento offerto dal core loop e la profondità strategica.

Lo scopo di ogni livello è quello di sopravvivere (ovviamente) e di trovare la botola che fa scendere a quello successivo. Ogni quadro, generato proceduralmente, è disseminato di nemici molto aggressivi (e, non chiedermi perché, di polli altrettanto antipatici) i quali droppano randomicamente dei potenziamenti. Nel corso di una run si possono migliorare la propria vita e la potenza del proprio attacco, oltre che raccogliere pozioni che presentano effetti diversi a ogni partita. La sopravvivenza passa per la tua abilità nel gestire questi pochi elementi e, fidati, arrivare in fondo non è per nulla una passeggiata. Le partite a Roguecraft DX sono pensate per durare 30/40 minuti ma, magicamente, mi sono ritrovato a spendere ore, sia in portatile che su VS-R, su questo piccolo gioiello.

Comparto artistico

La visuale di gioco è splendidamente isometrica. Senz’altro causa qualche grattacapo iniziale ma, dopo un po’, la memoria muscolare ti aiuterà ad associare le direzioni del D-Pad al movimento dell’eroe. Seppur il comparto tecnico sia quello di un videogame modern-retro, le ambientazioni sono ottimamente caratterizzate e dense di un immaginario estetico fortemente Lovecraftiano.

Anche la qualità della colonna sonora si allinea a quella generale del comparto visuale. Tra l’altro, si può mutare completamente la musica di sottofondo semplicemente premendo il tasto dorsale; funzione utile se preferisci ascoltare altro mentre giochi.
Come dicevo, ho testato il gioco su tutte e 3 le piattaforme ad oggi acquistabili firmate Evercade. Roguecraft DX brilla su ognuna di esse, configurandosi anche come un’ottima scelta sul Super Pocket di HyperMegaTech!. Faccio notare, però, che sulla più economica delle console compatibili con cartucce Evercade, non è presente la funzione di “sospensione” che permette di riprendere una partita interrotta.

Versione e prezzi

Nel momento in cui scrivo, ovviamente la cartuccia Evercade Roguecraft DX non è in stato “Legacy”. Ti ricordo, qualora te ne fossi dimenticato, che questo è il gergo che Evercade usa per indicare le cartucce non più in produzione. In Italia è acquistabile sia su Amazon che su Funstock. Il prezzo ufficiale è di 25 €, ma per qualche ragione questa single-game-cartridge è piuttosto rara. Non posso dirlo con assoluta certezza ma, probabilmente, il fatto che sia un videogame così tanto amato dalla community aiuta a renderlo più richiesto e quindi più difficile da trovare.

Roguecraft DX è disponibile, dal 10 settembre 2026, anche su Steam e Tencar lo ha testato, grazie a una copia ricevuta dagli sviluppatori. Il suo giudizio è estremamente positivo: la prova è andata bene su PC e benissimo su Steam Deck.

Concludendo

Un videogame come Roguecraft DX, così immediato, divertente e strategicamente profondo, merita senz’altro di essere inserito in una cartuccia Evercade single-game-cartridge. Basta davvero poco per innamorarsi di questo roguelike RPG e ritengo che rappresenti, da solo, un ottimo motivo per entrare nel mondo Evercade. Il mio consiglio è quello di accaparrarti questa cartuccia o di procurartelo su Steam/itch.io, indipendentemente dal tuo genere di preferenza.

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Nerdando in breve

Evercade Roguecraft DX è una single-single-cartridge contenente un fantastico videogame Roguelike / Dungeon Crawler RPG.

Trailer

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Orfani di The Witcher (o meglio, in attesa del nuovo capitolo), è il momento di provare The Blood of Dawnwalker! Gioco di debutto di Rebel Wolves, studio polacco fondato nel 2022 a Varsavia da un gruppo di veterani di CD Projekt Red, oggi cresciuto fino a 160 persone sotto la guida di Konrad Tomaszkiewicz, già game director di The Witcher 3 e co-regista/capo della produzione su Cyberpunk 2077. Un bel pedigree che, inutile girarci intorno, si porta dietro aspettative pesanti. Il gioco, un action RPG open world con tinte dark fantasy sviluppato in Unreal Engine 5 e pubblicato da Bandai Namco Entertainment (che ringrazio per la copia review), segna anche il primo capitolo di una saga pensata per proseguire su più episodi. Io l’ho giocato su PS5 Pro. Scopriamo assieme com’è essere un Dawnwalker.

Recensione

Siamo nell’Europa del XIV secolo, tra guerre e Morte Nera, in Valle Sangora, una regione immaginaria incastonata tra i monti Carpazi. Nel caos generale i vampiri escono dall’ombra e reclamano il dominio sulla valle: al vertice c’è Brencis, signore vampirico che governa con il pugno di ferro insieme ai suoi fidati luogotenenti. Il protagonista è Coen, giovane travolto da una ribellione finita male, che viene trasformato dallo stesso Brencis in un “Dawnwalker“: non più del tutto umano, non ancora del tutto vampiro, condannato a vivere sospeso tra due nature. La sua famiglia è il fulcro emotivo del tutto: Coen ha trenta giorni e trenta notti per salvarla (o per scegliere la vendetta contro chi lo ha trasformato).

Non esiste però un’unica strada già tracciata: possiamo cercare alleati, colpire le fondamenta del potere dei vampiri, inseguire i segreti della valle o tentare di prepararci abbastanza per affrontare direttamente il suo signore.

L’ambizione dichiarata da Rebel Wolves è quella di costruire un vero sandbox narrativo, nel quale anche ciò che scegliamo di ignorare può modificare gli eventi. Le missioni dovrebbero quindi intrecciarsi all’obiettivo principale, mentre personaggi, alleanze e rapporti di forza possono cambiare sulla base delle azioni e delle scelte di Coen. È una promessa importante, soprattutto in un genere in cui troppo spesso il mondo sembra restare immobile in attesa del giocatore.

Ovviamente non aggiungo altro circa la trama, punto di forza di questo gioco assieme ai suoi personaggi principali, ben scritti. Toccherà a voi scoprire cosa riserverà il destino a Coen e alla sua famiglia!

Gameplay

Il sistema più particolare di The Blood of Dawnwalker riguarda il tempo. Non si tratta di un conto alla rovescia che continua a scorrere mentre esploriamo la mappa: muoversi liberamente nella Valle Sangora non consuma minuti preziosi. Il tempo avanza in segmenti prestabiliti quando iniziamo o portiamo avanti determinate missioni, quando ci alleniamo o quando apprendiamo alcune abilità, e il gioco segnala in anticipo il costo delle nostre decisioni. In questo modo le trenta giornate diventano una risorsa da amministrare, esattamente come l’equipaggiamento o i punti abilità.

La doppia natura di Coen modifica anche gli strumenti a nostra disposizione. Di giorno possiamo affidarci alla scherma e alla stregoneria, con magie offensive, effetti di controllo e potenziamenti. Di notte emergono artigli e poteri vampireschi, alimentati dalla salute e dal livello di corruzione, oltre ad abilità di movimento capaci di aprire percorsi differenti. Esperienza e punti abilità sono condivisi, ma i rami di crescita seguono regole diverse: oltre ai classici punti abilità che conquisteremo ad ogni level up, dei manuali acquistabili o reperibili in giro permettono di ampliare scherma e stregoneria, mentre nutrirsi col sangue (umano, animale, e non solo…) e accettare la corruzione sblocca capacità vampiresche più potenti. Come dicevo, anche imparare richiede tempo, e questo rende la progressione parte della stessa economia di scelte che regola le missioni.

Il combattimento propone due livelli di controllo. Omniattacco e Omniblocco scelgono automaticamente la direzione del colpo o della difesa, rendendo gli scontri più accessibili a scapito di un consumo maggiore della resistenza; il sistema direzionale permette invece di leggere i movimenti avversari, scegliere l’angolo corretto e cercare parate perfette e contrattacchi utilizzando la levetta sinistra e anche le icone su schermo che ci daranno una mano. Spade corte, lunghe e a due mani cambiano la velocità delle offensive, mentre stregoneria e capacità vampiresche ampliano le possibilità attraverso abilità attive.

The Blood of Dawnwalker prova quindi a legare esplorazione, combattimento e crescita allo stesso principio: non possiamo fare tutto, vedere tutto, imparare tutto e aiutare tutti in una sola partita. La tua partita quindi è basata anche su delle rinunce, e starà a te rendere le tue decisioni interessanti e come scegliere al meglio il tuo tempo. Aggiungo infatti che alcune missioni sono da eseguirsi entro un tot di tempo, altrimenti l’orologio del gioco andrà avanti e il mondo continuerà per la sua strada indipendentemente da noi.

Devo dire che questo aspetto di The Blood of Dawnwalker è particolarmente intrigante, perché mi ha fatto veramente sentire in un GdR da tavolo, dove il master fa sapientemente succedere cose mentre chi gioca passa il proprio tempo a capire se quella porta ha trappole. Qui non perderai tempo davanti a porte chiuse, ma dovrai decidere bene cosa fare e lasciar andare la voglia di completismo in una singola run. Anzi, come accennavo, qui già si pensa a una saga, pertanto un salvataggio potrà aprire strade particolari in un secondo capitolo, cosa che un approccio diverso potrebbe non fare.

E allora cos’è che funziona a metà? Purtroppo il gioco ha un po’ di difetti specie per quanto riguarda la gestione dei combattimenti, che a volte ho trovato legnosi e un po’ confusionari, così come anche il movimento di Coen, a volte poco fluido per una produzione del 2026. Il sistema di puntamento non riesce a cambiare più rapidamente il suo bersaglio, e a volte si resta scoperti quando tanti nemici attaccano assieme; a inizio gioco il nostro Coen è abbastanza debole e la curva di crescita sembra essere un po’ lenta, salvo a una certa diventare forse anche troppo potente per un “neonato”.

Inoltre l’esplorazione open world, per quanto libera dal giogo del tempo, mi è risultata un po’ confusionaria, alternando grandi spazi vuoti a missioni che quasi ti cadono addosso; il viaggio rapido funziona ma è un po’ (volutamente?) macchinoso, sono state messe le classiche torri di osservazione ma scalarle a volte è un po’ un dramma nonostante il “Passo d’Ombra”, fighissima abilità che ci permette di teletrasportarci a distanze più o meno ravvicinate.

Audio e Video

Come per il gameplay, anche sul discorso grafico siamo di fronte a un gioco a metà: The Blood of Dawnwalker ha una direzione artistica eccellente, ma non possiamo dire lo stesso della direzione e realizzazione tecnica.

La grafica è artisticamente molto bella, ambientazione creata veramente ad hoc, non sono mai stato sui Carpazi nel 1300 ma è così che me li immagino, pieni di boschi, paludi, villaggi marci pieni di soldati ubriaconi e popolani oppressi – insomma, un bel posticino. Anche i personaggi sono ben realizzati, in particolare modo quelli principali, e ho apprezzato alcune scelte stilistiche circa i Vrakhir, ossia i vampiri di questo mondo.

E cos’è che non va, invece? Beh, ogni tanto le texture fanno i capricci, il gioco rallenta, ogni tanto alcuni elementi sono poco definiti, cosa che oggi come oggi non ti aspetteresti da un gioco così curato. Visti gli iniziali problemi di framerate, è stata rilasciata una patch al day one che dà la modalità performance a 60fps, che è quella che ho usato sulla mia PS5 Pro per questa recensione: va bene, però secondo me ogni tanto qualcosa “non torna”, e non è “giusto” relegare l’esperienza migliore a un singola modalità di visualizzazione.

Il gioco offre testi, sottotitoli e doppiaggio completo in italiano; il doppiaggio è buono, ma alcune voci sembrano poco ispirate. Lo so che di solito gioco sempre con il doppiaggio “originale”, e anche questa volta è in effetti possibile impostare i dialoghi in polacco: io però non ce l’ho fatta, scegliendo un più comodo italiano, questa volta. La colonna sonora, guidata dal compositore Nikola Kołodziejczyk, utilizza archi, voci e strumenti legati alla tradizione dell’Europa medievale e dell’area dei Carpazi, cercando sonorità differenti per il giorno e per la notte e riuscendo ottimamente nel suo intento, risultando gradevole e inquietante a seconda delle diverse situazioni.

Concludendo

The Blood of Dawnwalker è un gioco molto ambizioso e secondo me è in gran parte riuscito nel suo intento. Nonostante infatti alcuni difetti che ho elencato nelle righe sopra, mi ha preso e ho iniziato a macinare missioni una dopo l’altra, spinto dalla storia e dalla volontà di vedere come si sarebbe dipanato il tutto, sia lato trama che lato gameplay. A volte ho avuto qualche esperienza un po’ frustrante (e ripetitiva a dire il vero) durante dei combattimenti; interessante comunque che il gioco ti metta da subito di fronte a minacce potenzialmente mortali di fronte alle quali è cosa buona e giusta girare i tacchi. E fai attenzione ai cinghiali!

Rebel Wolves ha imbastito un bel progetto anche se un po’ acerbo, e forse non è riuscita a ricreare “il miracolo Expedition 33“, ma ha in ogni caso prodotto un buon gioco che, con qualche patch e magari un buon seguito, può diventare qualcosa di interessante da seguire nel corso del tempo.

Le scelte stilistiche e artistiche sono efficaci e molto intriganti, e se ti va di passare sopra a qualche problemino tecnico e a gestire un open world non perfetto, allora ti troverai di fronte a un buon numero di ore di divertimento assieme a Coen e alla sua sete di sangue.

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Nerdando in breve

The Blood of Dawnwalker, progetto d’esordio di Rebel Wolves, è un action RPG open world con un’ottima direzione artistica e qualche difettuccio tecnico che però non rovina eccessivamente il gioco.

Trailer

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Ci sono serie che si perdono per strada e serie che restano lì, in attesa che qualcuno si ricordi di loro. Onimusha per me apparteneva alla seconda categoria: dopo Dawn of Dreams, nel 2006, Capcom ha semplicemente smesso di parlarne, e vent’anni di silenzio bastano a trasformare l’attesa in rassegnazione. Onimusha: Way of the Sword, è arrivato il 4 settembre su PlayStation 5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch 2 e PC. L’ho giocato su PlayStation 5 Pro grazie a una copia recensione inviata da Capcom, che ringrazio. Te lo dico subito, perché tutto quello che leggerai dopo parte da qui: mi è piaciuto tantissimo. È un gioco che sa esattamente cosa vuole essere, senza rincorrere le mode del momento, e che proprio per questo mi ha tenuto incollato dall’inizio alla fine.

Recensione

La storia di Onimusha: Way of the Sword è completamente autonoma, quindi potrai affrontarla anche senza aver mai toccato un Onimusha in vita tua. Siamo in una Kyoto di epoca Edo attraversata da una corruzione soprannaturale che richiama in città i Genma, e colui che si ritrova a fare da argine è niente di meno che Miyamoto Musashi, giovane, irruento e ancora parecchio lontano dal mito. Il Guanto Oni che gli viene imposto è tanto un’arma quanto una condanna, e dentro ci abita uno spirito femminile che diventa presto la voce con cui Musashi discute, litiga e ragiona. Attorno a lui ruotano tanti personaggi, tra cui il rivale Sasaki Ganryu, l’Okuni che tutti conosciamo come inventrice del kabuki e una galleria di antagonisti che pescano a piene mani nel folklore giapponese, Shuten Doji compreso.

Ed è qui che il gioco mi ha conquistato più di quanto mi aspettassi. La mitologia fa da tessuto al racconto invece che da verniciatura esotica: le missioni dedicate ai misteri della città sono piccole favole popolari, spesso macabre, che spiegano il mondo mentre te lo fanno attraversare.

Sul protagonista serve una doverosa premessa. Il Musashi storico, vissuto tra la fine del Cinquecento e la metà del Seicento, fu il fondatore della scuola a due spade Niten Ichi-ryu e l’autore del Libro dei cinque anelli, ma l’immagine che quasi tutti abbiamo in testa nasce dal romanzo di Eiji Yoshikawa, che ne ha fatto un personaggio popolare. Da quel romanzo derivano sia la trilogia cinematografica di Hiroshi Inagaki, girata tra il 1954 e il 1956 con Toshiro Mifune nei panni del guerriero, sia il Vagabond di Takehiko Inoue.

Capcom ha ottenuto dalla Mifune Productions il diritto di usare le sembianze dell’attore, quindi il rimando al cinema è letterale, ce l’avrai proprio davanti agli occhi! Il carattere però guarda altrove: questo Musashi sporco, ostinato e ancora tutto istinto somiglia parecchio al Takezo che Takehiko Inoue (sì, l’autore di Slam Dunk e Vagabond!) disegna nelle prime centinaia di pagine. Volto di Mifune, temperamento da Vagabond, e la sintesi funziona benissimo. Anzi, nelle prime fasi di gioco c’è persino della comicità in alcune situazioni, cosa che mi ha totalmente ricordato quei film e l’umorismo tipicamente giapponese.

Riuscirà il nostro Musashi a sopravvivere in questo mondo divenuto particolarmente ostile, e quali sono i misteri dell’indecifrabile “Uomo in bianco“? A te il piacere di scoprirlo!

Gameplay

Partiamo dalle basi: Onimusha: Way of the Sword vuole essere un gioco all’altezza del tempo in cui ci troviamo ma senza snaturare la sua essenza. La struttura alterna infatti livelli piuttosto lineari a una Kyoto che si apre progressivamente e fa da base tra un capitolo e l’altro. Non aspettatevi un open world e nemmeno un metroidvania: si va avanti, si torna indietro quel tanto che basta a raccogliere quello che avevate lasciato lì, e il backtracking non diventa mai un lavoro. Anzi, l’esplorazione leggera è una delle cose che ho apprezzato di più, perché ti concede una pausa tra uno scontro e l’altro senza mai spezzare il ritmo. Le deviazioni sono brevi, le ricompense arrivano subito e la Visione Oni aiuta a scovare passaggi e nemici nascosti senza trasformare il gioco in una caccia al tesoro, anche se ammetto che per raggiungere qualche oggetto è stato interessante girare fra i vicoli della vecchia Kyoto (e non solo).

Il combattimento è il cuore di tutto ed è tarato sulla lettura, non sulla velocità delle dita. Attacco leggero, attacco pesante, parata e schivata: le fondamenta sono semplici, ma la profondità arriva dal tempismo. Parare al momento giusto riempie una barra che permette di aprire la guardia avversaria, e da lì si passa all’Issen, il colpo perfetto che è la firma della serie fin dal primo capitolo. Dovrai in pratica colpire l’avversario quasi in contemporanea ad un suo colpo, e non c’è alcun indicatore a schermo che suggerisca l’istante buono, toccherà impararlo osservando le animazioni, ed è esattamente questo che rende ogni esecuzione così soddisfacente. Le varianti che permettono di incatenare l’Issen su più nemici o di infierire su un avversario in stordimento allargano il ventaglio quanto basta.

Inoltre, c’è la modalità ardente, che sbloccherai abbastanza presto: parando all’ultimo, riempirai una barra che ti permetterà di essere più letale e anche di ridurre prima la resistenza del nemico. Insomma, tanti modi per far male a chi si frapporrà tra te e il tuo obiettivo.

Il Guanto Oni gestisce le anime: quelle gialle rimettono in sesto la salute, quelle rosse servono a comprare potenziamenti, quelle blu alimentano le armi Oni (martello, lancia, clave, e così via), utilizzabili solo per un numero limitato di colpi ma con effetti decisamente importanti. Questa scarsità mi è piaciuta, perché costringe a decidere quando spendere la propria carta migliore invece di premere un tasto ogni volta che si accende un’icona. Ovviamente le anime blu saranno leggermente più rare da trovare.

Parlando degli Oni, accennavo circa le loro armi, tuttavia non dimentichiamoci le Abilità Oni! Queste abilità, sbloccabili nel corso dell’avventura, ci permetteranno di scoprire segreti nascosti agli occhi umani, avere forza sovrannaturale per sfondare i blocchi che troveremo in giro, fino a risvegliare il nostro “Oni interiore” per aprirci con facilità un varco tra le schiere nemiche. Molto interessanti, non c’è che dire.

Sulla crescita del personaggio qualcuno storcerà il naso, ma io la vedo diversamente. L’albero delle abilità è completo, tocca tutto quello che serve, e i materiali che si raccolgono in giro permettono di rinforzare l’equipaggiamento in modo graduale. Non è un sistema enorme e non pretende di esserlo: la componente “ruolistica” resta volutamente al minimo, perché il gioco vuole che pensi al duello e non alle statistiche. Per come è costruito il resto, è secondo me la scelta giusta.

Il livello di sfida cresce in modo evidente man mano che si avanza, e i boss sono davvero il punto più alto della produzione. Le missioni secondarie di puro scontro, invece, restano la parte forse più dimenticabile del pacchetto: servono a fare scorta di materiali e a poco altro, e qualche nemico lo rivedrete più volte del necessario. Aggiungo infatti che, come nel migliore dei soulslike (ma per fortuna qui siamo ad anni luce di distanza!), accedere agli specchi sparsi qua e là per la mappa permetterà di salvare e di potenziarci, attivando tuttavia il respawn dei nostri nemici. Pazienza, anime in più da raccogliere.

Audio e Video

Lo stile grafico è una meraviglia. La Kyoto di Onimusha: Way of the Sword è cupa, umida, piena di lanterne e legno annerito, e il RE Engine restituisce templi e vicoli con una cura che si sente in ogni inquadratura. Il design dei Genma è grottesco al punto giusto, con creature che sembrano uscite da una stampa antica e passate dentro un incubo. So che una palette così cupa non metterà d’accordo tutti, io ci ho visto una direzione artistica coerente e parecchio evocativa, e in più di un’occasione mi sono fermato semplicemente a guardare. Ammetto che alcuni passaggi mi hanno ricordato il buon Sekiro, che già tanti anni fa ci aveva dato un Giappone decisamente bello da vedere (e dove si moriva male, come scrivevo nella mia recensione).

Il capitolo tecnico più interessante riguarda però il volto del protagonista. L’animazione facciale ricostruita a partire dalle sembianze di Mifune è impressionante, con microespressioni e scatti dello sguardo che riconoscerai se hai presente l’attore, e le sequenze di intermezzo hanno un taglio quasi cinematografico. Su PlayStation 5 Pro troverai le due modalità ormai consuete, una orientata alla risoluzione e una alle prestazioni, e il colpo d’occhio regge in entrambi i casi, quindi la scelta dipende più dal tuo gusto che da un reale scarto qualitativo. Rarissimi sono stati i cali di framerate nella modalità qualità, ma davvero nulla di che.

Sul fronte sonoro la colonna sonora punta su strumenti tradizionali giapponesi e lavora bene di atmosfera. Forse capiterà anche a te, ma uno dei brani mi ha ricordato lo sfondo sonoro del menu principale della PS5, e mi sono chiesto un paio di volte se non avessi scoperto un nuovo bug!

Merita una segnalazione il doppiaggio italiano, presente per la prima volta nella storia della serie e realizzato con attenzione. Tuttavia, chi mi conosce lo sa, non posso che consigliare quello originale giapponese, dove potrai ascoltare anche i modi di parlare diversi dei vari personaggi, perfettamente in linea con il contesto.

Concludendo

Onimusha: Way of the Sword è il ritorno che speravo e non credevo più di vedere. Capcom ha ripreso una formula vecchia di vent’anni, l’ha ripulita, le ha dato un protagonista carismatico e un immaginario folklorico ricchissimo, e ha avuto il buon senso di non appesantirla con sistemi che non le servivano. Il combattimento regge tutta la struttura e migliora man mano che si gioca, la progressione è misurata, la direzione artistica è tra le cose più belle che abbia visto quest’anno. I limiti ci sono e li ho segnalati, ma restano confinati nelle attività secondarie più ripetitive, che si possono tranquillamente centellinare senza perdere nulla di importante.

Lo consiglio a chi ama gli action in cui conta la lettura dell’avversario più della frenesia, a chi ha nostalgia dei capitoli su PlayStation 2 e a chiunque abbia un debole per il folklore giapponese. Potrebbe risultare ostico a chi cerca combo lunghissime e libertà assoluta di movimento, e frustrante a chi non ha pazienza con le parate a tempo, perché lì il gioco non fa sconti a nessuno.

Per il resto, buon divertimento e attenzione all’Uomo in bianco!

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Cosa c’è ancora da dire riguardo a Elden Ring che non sia già stato scritto o urlato altrove? D’altronde, quello che tantissimi considerano il capolavoro massimo di From Software ha fatto incetta di premi dalla sua originale uscita nell’ormai lontano Febbraio del 2022 a oggi. Pur non essendo un asso con i soulslike, anche io apprezzo particolarmente il genere (vedi la mia recente recensione di Mina The Hollower) e ricordo nitidamente la sensazione che ebbi, pad alla mano, giocando nei panni del Senzaluce. Quella magia, oggi, è stata perfettamente tradotta su Switch 2, regalando ai suoi possessori un’opera senza tempo che non può mancare nella ludoteca di ogni appassionato di videogiochi. Se la console Nintendo è la tua unica opzione, sappi che puoi finalmente goderti Elden Ring Tarnished Edition, in tutta la sua immensa bellezza, in un porting che non potrei che definire ottimo.

Recensione

Come puoi ben immaginare, ho giocato Elden Ring Tarnished Edition, ovviamente, su Nintendo Switch 2. Ci ho passato poco più di 10 ore in compagnia, scorrazzando per Limgrave e aree adiacenti. Ho iniziato a scrivere questa recensione poco dopo aver battuto Godrick. Ho visto abbastanza di questo gioco per poterti assicurare due cose molto importanti, se sei in dubbio se comprarlo o meno. La prima: il porting eseguito spazza via ogni perplessità, visto che il gioco se la cava alla grandissima sulla piccola di casa Nintendo. La seconda, forse ancora più importante, è che continuerò al 100% a giocare a Elden Ring anche dopo aver chiuso la recensione. E se sei un lettore abituale di recensioni di videogame, capirai benissimo il valore di un’affermazione simile.

Ho giocato la maggior parte del tempo in modalità docked, ma sappi che ho testato largamente il gioco anche in portatile. Il Pro Controller, tra l’altro, si è rivelato un fedele alleato nell’avventura del Senzaluce, vista la possibilità di mappare i pulsanti posteriori. Ci tengo in questa sede, inoltre, a ringraziare il publisher per la copia ricevuta per la recensione.

Un accenno al gioco originale

Tutto ciò non è necessario, me ne rendo conto. Ma se hai vissuto in una caverna, senza Wi-Fi, per gli scorsi 4 anni e mezzo forse non saprai che cos’è Elden Ring. Sviluppato dall’oramai celeberrima e pluripremiata From Software e pubblicata da Bandai Namco, Elden Ring è un action-RPG dotato di un immenso open world. Vincitore di una quantità incredibile di premi nell’anno in cui uscì, è un titolo che, a mio parere, ha avuto l’immenso coraggio di raccogliere due pesanti eredità e mescolarle a dovere. Da un lato il collaudato gameplay tipico dei soulslike di From Software, dall’altro un approccio all’esplorazione capace, finalmente, di reinterpretare quanto mostrato in The Legend of Zelda: Breath of the Wild. Elden Ring Tarnished Edition è un gioco difficile, forse difficilissimo (anche se è un dibattito aperto nella community dei super appassionati che a volte lo considerano facile), ma è sempre capace di premiare la curiosità del giocatore. Dotato di una quantità smodata di dungeon e mini-dungeon, invoglia il player a spingersi sempre di più, a rischiare di girare l’angolo ancora una volta al fine di recuperare quella spada o quell’armatura che tanto sognava.

Cuore pulsante di questa avventura, notoriamente, sono i boss. Questi non solo offrono la consueta e sperata dose di sfida, ma sono caratterizzati da un design quantomai creativo e coraggioso. In ogni caso, se sei affezionato lettore di Nerdando, ricorderai l’epica serie di gameplay che il buon Tencar offriva sulla piattaforma viola per la nostra community. E, rimanendo in casa Nerdando, non posso che rimandarti alla super esaustiva recensione di Zeno2K che, al contrario mio, è un vero maestro dei soulslike.

Cos’è la Tarnished Edition?

La versione proposta su Nintendo Switch 2 si chiama Elden Ring Tarnished Edition. Questa contiene non solo l’enorme mondo di gioco contenuto nel titolo originale, ma anche l’espansione Shadow of the Erdtree. Anche in questo caso, il modo migliore per capire bene cosa c’è in questa espansione sarebbe rimandarti alla recensione dell’esperto Zeno2K. Io invece ti do una sintesi che credo sia perfettamente capace di descriverti la magnitudine di quel DLC. Sappi, infatti, che Shadow of the Erdtree, nel 2024, è stata la prima espansione nella storia del gaming a guadagnarsi, da sola, la nomina come gioco dell’anno ai TGA. Il polverone che causò tale scelta tutt’oggi è ancora visibile, ma, opinioni personali a parte, questo dovrebbe farti capire quanto From Software abbia spinto in alto l’asticella della qualità. Sono presenti inoltre altre aggiunte minori, come skin cosmetiche per Torrente e set aggiuntivi di armature.

Prestazioni su Nintendo Switch 2

Nelle settimane precedenti l’uscita di Nintendo Switch 2 serpeggiava parecchio malumore in merito alle prestazioni di Elden Ring su di essa. Quei tempi ora sembrano così incredibilmente lontani, vista l’assoluta bontà del porting messo in piedi da From Software sulla piccola console ibrida giapponese.

Elden Ring Tarnished Edition sembra nato per essere giocato su Switch 2, poco da dire. Considerando l’hardware di riferimento, gira meravigliosamente, sia in modalità portatile che docked. Il frame-rate è sbloccato e, nella mia personale esperienza, non è mai sceso sotto i 30 fps. Chi conosce il gioco sa bene quanto caotiche certe fasi possano risultare. Ebbene, anche in quelle più concitate, non ho avvertito alcun rallentamento. La batteria, in modalità portatile, è ovviamente messa a dura prova dal gioco, ma dopo 40/50 minuti avevo ancora più del 40% di carica.

La qualità grafica è decisamente sorprendente e la tecnologia di upscaling fa il suo dovere in ogni condizione. La differenza rispetto a PS5 e Xbox Series è notabile davvero solo nei video side-by-side. Certo, elementi come il foliage, le ombre e le texture in lontananza ricordano a tutti che stiamo parlando di Nintendo Switch 2 dopotutto. E se sei un talebano dei 60 fps faresti bene a girare alla larga da questa edizione, ma Elden Ring Tarnished Edition ricorda a tutti, ancora una volta, di cos’è capace questa piccola console. Esempi recenti come 007 First Light, dopotutto, avevano già sgombrato il campo da ogni quesito.

Versione e prezzo

Elden Ring Tarnished Edition è proposto, per Nintendo Switch 2, in una sola edizione. Questa costa la bellezza di 79,99 €. Se stai pensando che sia un prezzo troppo alto per un videogame uscito anni fa su altre console, stai prendendo un granchio. Il gioco è non solo perfettamente attuale, ma presentato in forma smagliante su una console che è ben lontana dalla potenza garantita dalle concorrenti. Se possiedi solo Nintendo Switch 2, ti assicurerai centinaia di ore di divertimento di ottima qualità ad un prezzo corretto.

Concludendo

Se stai leggendo questa recensione è perché, avendo solo Nintendo Switch 2, in questi anni non ti sei potuto godere Elden Ring. Beh, gioisci allora, perché il capolavoro From Software è perfettamente a proprio agio su una macchina ben meno potente delle sue sorelle maggiori. Giocare Elden Ring Tarnished Edition su Switch 2 è stato (e continuerà a essere) per me un piacere immenso, sia in modalità portatile che su TV.

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Nerdando in breve

Elden Ring Tarnished Edition è l’edizione per Nintendo Switch 2 del famoso soulslike open world di From Software.

Trailer

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Recensione

In attesa di un altro seguito per cui mi sto mangiando le dita per le aspettative (Lords of the Fallen 2), ho avuto il privilegio di poter sperimentare invece Mortal Shell II, del cui capostipite avevo apprezzato la filosofia di base, nonostante fosse decisamente ancora grezzo e “immaturo” a confronto di altri soulslike.
Grazie quindi a Playstack per avermi dato la possibilità di scoprire cosa i ragazzi di Cold Symmetry sono stati in grado di mettere assieme per ricordami in modo inequivocabile che siamo fatti per soffrire, che la vita è punitiva e che, fondamentalmente, sono un grande masochista (come amano ricordarmi Giando e Jedi.Lord).

Trama

Tu sei l’Araldo. E sei morto.
Nemmeno sto a dirti quanto male, tanto è solo l’incipit di un viaggio fatto di sangue, smembramenti e tanta, tanta sofferenza (la tua, principalmente).
Il punto è che la Sottomadre (che non è una mamma sottona, ma una dea) ti ha scelto come suo messaggero per recuperare le centinaia di uova (sì, uova) che ha deposto e che sono state trafugate.

Partendo dalla Cittadella, che è il classico hub in cui tirare un po’ il fiato, inizierai una lenta esplorazione guidato da pochi disseminati frammenti di mappa, la guida sibillina di un corvo gigante (ovviamente: morto) e inizierai a portare il messaggio di morte e distruzione della Sottomadre, così da far capire chi comanda.

Spoiler: non sei tu.

Gameplay

Nell’ormai folto panorama dei soulslike è necessario mettere in pista qualcosa che sappia distinguersi. Siamo abituati a trame sibilline, a messaggi nascosti, a lore da ricostruire pezzo per pezzo e, fondamentalmente, muoverci per ore in un mondo crudele senza sapere esattamente cosa stiamo facendo.
Lo so io, lo sai tu, lo sanno gli altri masochisti che amano il livello di sfida e frustrazione che ci accompagna nelle nostre sessioni di gioco.

Mortal Shell II, rispetto al primo capitolo, fa un enorme passo avanti da tutti i punti di vista a cui puoi pensare: al di là dell’aspetto tecnico, di cui parleremo nel prossimo paragrafo, a colpire immediatamente è la vastità e complessità del mondo di gioco.
Senza fare paragoni con altri titolo del genere, ma solo col suo predecessore, la mappa è raddoppiata di dimensioni, così come raddoppiati sono gli involucri (shell) che dovremo trovare e imparare a conoscere e padroneggiare.

Non voglio tirarla troppo per le lunghe: il cuore pulsante dell’esperienza di gioco risiede proprio nell’idea, a mio avviso vincente, degli involucri. Il tuo araldo è un guerriero amorfo e limitato nelle capacità di attacco e difesa, ma una volta vestite le spoglie di precisi eroi (ovviamente: morti) ne acquisiscono le abilità peculiari. Maggiore sarà la conoscenza del singolo involucro e migliore sarà la sua capacità e versatilità.

Dopo averne trovato uno, tornerai a Marrow Keep per presentare l’involucro e, spendendo punti visione potrai accedere ai ricordi dell’individuo, comprendendo la sua storia e sbloccando nuove abilità.
Questo ci consente di specializzarci in tecniche differenti, con alcuni più adatti di altri per specifici boss, ma che fondamentalmente andranno a rispecchiare il tipo di approccio che vorrai dare al tuo gameplay. Quindi il consiglio è ovviamente quello di cercarli tutti e provarli finché non trovi quello giusto per te. Personalmente, come potrai vedere dal mio ultimo screenshot, il mio gameplay è stato sigillato da Sister Genessa (che usa i cloni e se lo sblocchi presto, rompe il gioco).

Ti do solo un consiglio, frutto delle lacrime che ho versato nella prima ora di gioco, inizia da sud, da Widow’s Overlook, quindi punta al Villaggio dei Funghi e recupera l’Involucro di Tiel, un ex ladro semplicemente fantastico per schivate e stealth.
Esplorare con indosso un eroe semplifica la vita, ma non la rende facile. Morire però ci dà la possibilità di continuare come semplice araldo e versando un po’ di sangue (sempre di più ogni volta), potremo riprendere l’involucro senza resettare tutto.

Ma torniamo alle peculiarità di Mortal Shell II. Ovviamente in giro per il mondo ci sono le classiche lanterne/falò/Santi di Grazia/Stargazer che in questo titolo prendono il nome di beacon. Dopo averli attivati li potremo usare come già sai: riposo (che rigenera quasi tutti i mostri), potenziamento di livello e trasporto. Ma c’è di più: potremo purificarli entrandoci dentro ed eliminandone la corruzione. Si tratta di piccoli dungeon non eccessivamente impegnativi in cui dovremo eliminare un po’ di nemici e un mini boss, ottenendo quindi importanti ricompense e modificatori e, ancora, altre uova per la nostra missione.

Ma nel mondo troverai anche Cancelli corrotti da ripulire, prove estemporanee, mini dungeon (alcuni difficili da scovare) e tanto, tantissimo ancora.
Non mancano (anzi abbondano) i segreti (già la Cittadella ne è piena). Il gioco ti spinge ad esplorare ogni anfratto e non è detto che sia sufficiente. Raggiunto un certo punto si potrà attivare la night mode: in pratica giocherai in notturna, aumentando sensibilmente il tasso di difficoltà (sì, perché non è abbastanza bestemmioso già di suo) e le ricompense, ma soprattutto accedendo a luoghi che non sono altrimenti disponibili di giorno, alcuni mercanti compresi.
Per cui, come se non fosse abbastanza vasta la mappa, potrai esplorarla due volte.

Troppo difficile: bene, sappi che esiste un modo per semplificarti l’esperienza di gioco. Nella cittadella è disponibile il sigillo (ce ne sono molti e sono fondamentalmente dei buff) dello slayer. In pratica potenzia enormemente il giocatore rendendo l’esperienza di gioco quasi una passeggiata (quasi) ma siccome la vita ci odia, c’è un prezzo da pagare (c’è sempre un prezzo). In questo caso consiste nella disabilitazione permanente di obiettivi e trofei.
Sì: l’ho buttato via subito.

Comparto tecnico

Mortal Shell II come detto compie un balzo enorme qualitativo e quantitativo. Visivamente è un vero spettacolo ed esplorare le crudeltà del mondo di gioco è una festa per gli occhi, soprattutto se non sei del tutto sano di mente, come me.

Il gameplay si è rivelato solido e funzionale, aperto a moltissime combinazioni e build capaci di soddisfare tutti i gusti. Personalmente ho trovato molto gratificante imparare a padroneggiare la parata, che incrementa una barra di stordimento dei nemici (boss compresi) aprendo, una volta completata, ad attacchi devastanti capaci di abbattere i nemici minori e castigare anche i più tosti, il tutto con un’animazione dedicata per ogni avversario.
Per alcuni boss è semplicemente imprescindibile.

Naturalmente esistono attacchi impossibili da parare per cui occorre impratichirsi anche con la schivata, e perché no, non disdegnare l’attacco a distanza e i perk degli involucri. Mortal Shell II richiede tempo e dedizione, ma è capace di ripagare appieno gli sforzi e l’impegno profuso per padroneggiarlo.
Se sei un amante del genere, non ti deluderà.

A proposito di build e combinazioni possibili, il web sta già letteralmente strabordando di guide su come costruire il personaggio combinando i più disparati elementi di gioco: dall’involucro perfetto e micidiale, alle pietre magiche, alle armi che meglio consentono di affettare anche i mostri più ostici.
Il mio consiglio, in realtà, è quello di dedicare una prima blind run al titolo, così da lasciarti stupire e sorprendere dall’infinità di dettagli e segreti da scoprire. Per spulciare le guide ci sarà tempo nella seconda (o terza) run, necessarie se vorrete platinarlo.

Personalmente lo ho giocato su Xbox Series X su cui non ho proprio da lamentarmi per quanto riguarda le prestazioni offerte.

Conclusioni

Aspettavo da tempo un nuovo gioco che mi prendesse così, che mi spingesse a tornare ancora e ancora per superare quel maledetto boss, o finire di pulire quel beacon che sembra tanto alla portata e poi ti schianta sul più bello, o ancora che desse tanta soddisfazione nella scoperta di quel segreto che è sempre stato dietro l’angolo ma ti è sfuggito per un soffio fino ad ora.
Mortal Shell II ha scavalcato nella prima ora tutti gli altri titoli che stavo giocando, scalando la mia classifica del backlog e facendomi mettere in pausa altri titoli che credevo mi avrebbero tenuto incollato.

Come accennato prima, il colpo d’occhio è davvero notevole e con alcuni spunti davvero interessanti per quanto riguarda l’esplorazione di determinate aree che risultano particolarmente ispirate. C’è un po’ di ripetitività nel modelli e nei mostri, occorre ammetterlo, e col passare delle ore i dungeon iniziano a presentare un po’ il fianco a una certa ripetitività che li rende poco interessanti se non per raccogliere qualche consumabile o altra risorsa.

Insomma: per me è una grandissima scoperta. Ha ancora qualche piccolo angolo da smussare, ma il lavoro fatto dal primo al secondo capitolo è stato semplicemente incredibile.

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Nerdando in breve

Mortal Shell II espande ed amplifica l’esperienza punitiva del primo capitolo.

Trailer

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Il mio rapporto con i videogiochi di Captain Tsubasa parte da lontano. In un vecchio articolo di Non è un gioco per vecchi raccontai quanto avessi consumato la mia PlayStation giocando a Captain Tsubasa J: Get in the Tomorrow, mentre nel 2020 accolsi con piacere quel titolo divertente, esplosivo e caciarone che era Rise of New Champions. Sei anni dopo, Tamsoft e Bandai Namco tornano con Captain Tsubasa 2: World Fighters, disponibile su PlayStation 5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch e PC. L’ho provato su PlayStation 5 grazie a una copia recensione inviata da Bandai Namco, che ringrazio. Avevo aspettative piuttosto alte, proprio per il mio legame con la serie, ma questa volta l’entusiasmo si è affiancato a un po’ di confusione.

Recensione

Captain Tsubasa 2: World Fighters riprende gli eventi successivi al torneo Junior Youth raccontato nel primo capitolo e accompagna Tsubasa Ozora (il nostro Holly) e la nazionale giapponese verso il World Youth. Il percorso parte dal Brasile, passa attraverso il ritorno in Giappone e le qualificazioni asiatiche, fino ad arrivare al grande confronto con le migliori nazionali giovanili del mondo.

Il punto di vista principale è quello di un calciatore creato da noi nella modalità New Stars. Possiamo personalizzarne aspetto, fisico, ruolo e tecniche, scegliendo questa volta anche di giocare come portiere. Il nostro alter ego entra in contatto con i protagonisti della serie, stringe legami con loro e ne apprende le mosse, seguendo una struttura che conserva quella componente leggermente ruolistica che avevo apprezzato in Rise of New Champions.

La storia alterna eventi tratti dal manga a sviluppi originali supervisionati da Yoichi Takahashi. Gli appassionati troveranno parecchi personaggi conosciuti, rivalità storiche e una generosa quantità di fan service (calcistico, eh!). Alcune scene si attivano direttamente durante le partite e possono persino modificarne l’andamento, mentre specifici obiettivi permettono di ottenere tecniche, elementi cosmetici e sequenze aggiuntive. Completata la campagna si aprono anche episodi dedicati ai rivali e scenari alternativi che immaginano incontri diversi da quelli dell’opera originale.

Il problema è che il nostro personaggio rimane spesso un invitato dentro una storia appartenente agli altri. Le scelte nei dialoghi aggiungono un po’ di personalità, ma non cambiano davvero il percorso, e molte sequenze seguono una struttura da visual novel piuttosto statica. Le ore di gioco ci sono, soprattutto volendo sbloccare ogni contenuto, ma il single player procede lungo un binario ben definito e offre poca libertà. Considerando quanto mi fosse già dispiaciuto vedere l’offline del primo capitolo passare in secondo piano, speravo sinceramente in un’evoluzione più coraggiosa.

Gameplay

Come scrissi anche nel 2020, scordati EA Sports FC o eFootball. Qui il calcio serve come terreno di scontro per tiri capaci di incendiare l’erba, scivolate lunghe diversi metri e portieri che devono essere lentamente demoliti prima di lasciar passare il pallone. Questa identità sopra le righe continua a essere il principale elemento distintivo della serie.

Tamsoft ha però modificato profondamente il sistema di gioco. Nel primo capitolo dribbling e contrasti funzionavano attraverso una dinamica abbastanza leggibile, simile a un sasso-carta-forbici. In World Fighters ogni calciatore possiede una barra della resistenza, consumata dalle azioni offensive e difensive. Un normale dribbling permette di mantenere il pallone finché rimane energia sufficiente; quando il contrasto azzera la resistenza, il difensore conquista il possesso.

A questa base si aggiungono Dribbling Max e Contrasto Max, manovre più lente da preparare ma capaci di superare automaticamente le azioni normali. Quando si affrontano due mosse Max, prevale quella attivata per ultima. Esiste poi il Dribbling Perfetto, eseguito premendo il comando con il giusto tempismo poco prima dell’impatto, che consente di evitare anche gli interventi più pericolosi.

Spiegato così sembra tutto piuttosto logico. Sul campo, almeno durante le prime partite, l’impressione è molto diversa. Tra indicatori, barre, distanze di attivazione e brevi animazioni, ho faticato a capire perché un avversario riuscisse a fermarmi e quale fosse il momento corretto per reagire. Alcuni interventi, specialmente quelli speciali o effettuati da lontano, sembrano quasi inevitabili. Il gioco mette a disposizione diversi tutorial, ma spiegare separatamente ogni regola non equivale a rendere immediatamente leggibile una partita. La difficoltà iniziale nasce quindi dalla comprensione del sistema più che dalla bravura degli avversari, e non è una sensazione particolarmente piacevole.

Il sistema Chain prova ad aggiungere una componente tattica: concatenando dribbling, recuperi, passaggi e mosse speciali si aumenta un contatore che velocizza la carica dei tiri e ne amplifica l’efficacia. La catena, curiosamente, passa all’avversario quando perdiamo il pallone, rendendo ogni possesso potenzialmente decisivo. Anche le super mosse sono state estese a passaggi, contrasti e blocchi, trasformando buona parte dei giocatori in protagonisti di brevi sequenze spettacolari.

Interessante anche la nuova gestione dei portieri. Al momento del tiro, attaccante ed estremo difensore scelgono una direzione tra sei possibilità. Indovinare consente una Parata Perfetta, mentre una lettura sbagliata comporta una perdita maggiore di resistenza. Continuare a bombardare la porta rimane una strategia valida, ma ora esiste almeno un confronto più attivo rispetto al semplice svuotamento della barra visto in Rise of New Champions.

Tutte queste aggiunte rendono il gameplay più stratificato, ma anche meno spontaneo. Le animazioni speciali interrompono spesso l’azione e, quando più difensori intervengono consecutivamente, il ritmo si spezza di continuo. Il primo episodio poteva diventare ripetitivo, ma era più facile da prendere in mano; questo seguito cerca maggiore profondità e finisce per risultare un po’ più macchinoso.

Fuori dalla campagna troviamo allenamento, partite contro la CPU, multiplayer locale e modalità online regolari o classificate. Il baricentro competitivo è evidente, anche se non è più possibile assemblare liberamente una squadra dei sogni come nel precedente capitolo: si utilizzano le formazioni ufficiali, eventualmente inserendo il proprio avatar. Le 22 nazionali vengono sbloccate avanzando nella storia. Chi ama la competizione online potrà investire tempo nel padroneggiare sistemi e tempismi, mentre chi preferisce giocare da solo rischia di esaurire abbastanza presto gli stimoli una volta conclusi gli episodi narrativi.

Un aspetto però negativo è che alla fine non c’è mordente nello scegliere una squadra palesemente inferiore al Giappone, alla Germania, al Brasile e in generale alle nazionali: perché darsi la zappa sui piedi, al netto di voler aumentare il livello di sfida?

Audio e Video

Dal punto di vista visivo, Captain Tsubasa 2: World Fighters sa ancora come attirare l’attenzione. Il cel shading riproduce bene i personaggi di Takahashi e le oltre 150 sequenze dedicate alle mosse riescono a trasformare ogni tiro importante in una scena da anime. Il roster supera i 110 calciatori e la varietà di tecniche permette di incontrare a lungo nuove animazioni, anche se quelle legate ai contrasti finiscono inevitabilmente per ripetersi.

Su PlayStation 5 le partite risultano generalmente fluide e il gioco punta ai 60 fotogrammi al secondo. Il vero limite tecnico riguarda la leggibilità: effetti, indicatori e movimenti speciali affollano lo schermo, mentre la telecamera non sempre aiuta a capire da dove stia arrivando un avversario. Le sequenze narrative sono molto più semplici rispetto a quelle sul campo, con ambientazioni poco dettagliate e personaggi spesso fermi durante i dialoghi.

Il comparto sonoro può contare su oltre cento brani composti da Tadayoshi Makino, comprese riuscite rielaborazioni delle musiche della serie. Il doppiaggio è disponibile in giapponese e inglese, mentre testi e sottotitoli sono tradotti in italiano. Personalmente continuo a preferire le voci giapponesi: sentire i calciatori chiamarsi durante i passaggi e urlare le proprie tecniche conserva ancora una buona parte del fascino di Captain Tsubasa.

Anche perché, diciamocelo, se mettessi la telecronaca in italiano vorrei ritrovare il telecronista del “cartone animato” che chiama i personaggi con i nomi ai quali siamo abituati noi ragazzini un po’ troppo cresciuti, e forse è chiedere tanto.

Concludendo

Captain Tsubasa 2: World Fighters è un seguito più ricco di sistemi, mosse e personaggi, ma non necessariamente più divertente in maniera esponenziale. Tamsoft ha cercato di correggere la semplicità del primo capitolo introducendo nuove variabili in ogni fase della partita. Il risultato, almeno per me, è stato un gioco un po’ confusionario, soprattutto nelle prime ore, in cui troppo spesso non riuscivo a capire come evitare interventi avversari apparentemente inevitabili e come mantenere la palla il tempo giusto per effettuare un tiro con successo.

Gli appassionati dell’anime troveranno una rappresentazione fedele e spettacolare del World Youth, mentre chi desidera studiare il sistema e confrontarsi online potrebbe apprezzarne maggiormente la profondità. Gli amanti del single player devono invece tenere conto di una campagna molto guidata e di poche alternative realmente sostanziose.

Da un seguito di Rise of New Champions speravo in un’esperienza capace di recuperare quella semplicità immediata che mi aveva fatto amare il vecchio Get in the Tomorrow. Ho trovato un titolo più complesso e tecnicamente più ambizioso, ma anche meno naturale da giocare e, alla fine, un po’ meno coinvolgente.

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Spettacolare e fedele all’anime, Captain Tsubasa 2: World Fighters arricchisce il gameplay, ma confusione iniziale e offerta single player limitata ne frenano un po’ il tiro.

Trailer

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The Plucky Squire

Ayr: torno sul NerdandoConsiglia mensile, dopo un lungo letargo, e la faccio con un bel sorriso stampato sul viso e il merito è tutto di The Plucky Squire! Questo platform action-adventure sviluppato da All Possible Future e pubblicato da Devolver Digital era proprio ciò di cui avevo bisogno in un periodo stressante come questo. E, onestamente, se anche tu sei in balia di brutti pensieri, beh, non posso che consigliarlo.

Questo è uno di quei video game che si gioca davvero sempre col sorriso, viste le geniali soluzioni di gioco che offre in ogni momento. Si impersonal Jot, un giovane e intrepido eroe che, insieme ai suoi amici vive in un libro di fiabe. Le prime fasi di gioco si vivono proprio nel libro, sfogliando le pagine mano a mano che si procede nei livelli. Col tempo, però, in modo ampiamente giustificato sul piano narrativo, Jot sarà però capace di “uscire” dal libro per entrare nel mondo nostro, quello reale. Il video game a quel punto si trasformerà e a aggiungerà la terza dimensione arricchendo infinitamente i puzzle offerti.

The Plucky Squire è un gioco da non perdere, soprattutto se sei un amante del genere. Non è lunghissimo e per tutta la sua durata non diventa mai noioso. Io me lo sono goduto su Steam Machine ma è presente praticamente per ogni piattaforma.

Roads & Boats: 20th Anniversary Edition

Cavaliere: Il gioco da tavolo della Splotter Spellen si caratterizza per la sua bellezza (gameplay) inversamente proporzionale alla sua bruttezza (estetica). È la dimostrazione che quello che conta è l’esperienza ludica, la cosa che rimane maggiormente impressa. Io spesso mi trovo a dire “ti ricordi quella volta in cui facesti quella mossa?”, cioè momenti che diventano aneddoti da raccontare. Di contro, su di me, la bella grafica o i bei materiali hanno un impatto solo la prima volta.

Nel mio piccolo è quello che cerco di fare, cioè trattare titoli che non hanno quella spinta data da una bella estetica e dal marketing, ma che meritano tanto, come feci ad esempio con Doubt Is Our Product.

In Roads & Boats, i giocatori iniziano con una misera quantità di risorse che saranno la base per costruire strade ed edifici che permetteranno di sviluppare la civiltà. Attenzione che non è il classico titolo in cui ognuno cura il suo orticello, anzi!

Roads & Boats richiede tanto, sia in termini di tempo sia di difficoltà e attenzione, ma in cambio restituisce tutto!

La Cina è un’aragosta

Cavaliere: Giada Messetti ha incontrato diverse persone negli ultimi viaggi in Cina. Queste testimonianze sono state la base per analizzare le varie questioni presenti nel libro, dall’inquinamento all’invecchiamento della popolazione. La Cina è un’aragosta è un libro che trovo molto utile visto che parte dal punto di vista cinese al quale l’autrice aggiunge contesto, storia e statistiche senza mai essere né pesante né semplicistico, cosa non così comune quando si parla del Celeste Impero.

Il Monologo della Speziale – Prima e seconda stagione

Cavaliere: Nel tempo, su questi lidi ho parlato positivamente di varie opere relativamente alla maestria nel trattare certi temi, come la trilogia dei Pirati dei Caraibi o Nel nido dei serpenti. Il monologo della speziale rientra nel club.

Questo anime è ambientato in un posto di fantasia che, senza nasconderlo, ricalca la Cina imperiale ed è in questo contesto classista che avvengono le vicende di Maomao, una speziale. Si tratta di una riuscitissima fusione tra La signora in giallo, Scooby-Doo, commedia, tragedia, storia, equivoci, mistero e un pizzico di risvolto sentimentale.

La seconda stagione, che affronta temi più “pesanti” e anche la trama si complica, mi è piaciuta ancor di più rispetto alla prima! Per me è ai livelli di Frieren e detto da me vuol dire molto!

Ho guardato le prime due stagioni, disponibili doppiate anche in italiano, su Crunchyroll in attesa della prima parte della terza ad ottobre.

Ann Droid

FrankieDedo: Da grande fan degli svarioni di Philomena Cunk pensavo che questo Ann Droid, creato e interpretato dalla stessa Diane Morgan, fosse una roba similmente demenziale e invece…

Sei puntate tragicomiche raccontano la vita di un’anziana e un robot assistente e di come questo incontro riveli cosa rende umani e cosa rende amici. Si parla molto di tematiche legate alla terza età e al rapporto con la modernità, ma questo aspetto si lega a tanto altro: lutto, intelligenza artificiale, noia, mortalità, depressione per il presente, felicità per la vita passata e ansie per il futuro. Tutto in un modo delicato e allo stesso tempo senza pillole dorate, con un’ironia british contaminata da una dolcezza inaspettata. Una piccola perla diversa dai classici del genere, che vi potrebbe pure strappare qualche lacrima.

Lo voglio definire come The Office UK che incontra Detroit: Become Human.

Lofi Cozy Room

Kiarakala: Durante l’estate ho avuto modo di provare Lofi Cozy Room, un mix tra un gioco e un lettore di musica Lofi realizzato dal team di Bloomery, che ringrazio per avermi fatto conoscere un’alternativa molto più interattiva alla celebre playlist della Lofi Girl su Youtube.

In Lofi Cozy Room, infatti, si ha la possibilità di realizzare un proprio avatar e osservarlo in diverse stanze di una casa mentre legge o lavora e godersi nel mentre della rilassantissima musica Lofi, che personalmente apprezzo tantissimo quando necessito di concentrarmi.

Le playlist risultano piuttosto ricche e variegate e sarà possibile aggiungere rumori ambientali come la pioggia e con questo caldissimo agosto non fa male l’illusione di temporale estivo.

La stanza del nostro avatar può inoltre essere ridotta a un cubo da tenere sullo schermo mentre si lavora o studia e ho trovato incentivante la presenza di una valuta, i punti ambra, utili a sbloccare cose. Inoltre, ritengo molto utile anche la possibilità di prendere degli appunti o completare una to-do-list visto che senza tendo a dimenticare sempre qualcosa.

Insomma, dopo un periodo di calma come quello di agosto non vedo l’ora di utilizzarlo al suo massimo potenziale quando riprenderò a essere sommersa da burocrazia scolastica, per il momento mi tiene compagnia mentre scrivo qui su Nerdando.

Fargo (Serie TV)

Kiarakala: La filmografia dei fratelli Coen è senza ombra di dubbio caratterizzata da numerosi film capolavoro e tra questi è impossibile non nominare Fargo (che, se non hai visto, allora includo tra i consigli del mese).

La bellezza di questo film del 1996 ha spinto poi nel 2014 ha realizzare una serie TV omonima, ma che racconta nuove vicende in cui polizia e malavita si incontrano e scontrano a Fargo e in altre fredde località del Minnesota.

Al momento ho visto solo le prime due stagioni (ma ho intenzione di continuarla sino alla fine) e, sebbene la seconda inizialmente mi era sembrata più debole come storia, si è conclusa riprendendosi notevolmente. Pertanto, straconsiglio entrambe le stagioni, soprattutto, se ti piacciono i polizieschi e quei racconti tipici dei podcast “True Crime”, anche se qua è tutta finzione (o forse no).

Il nido del corvo

Kiarakala: Per me l’estate è il periodo in cui riesco a leggere di più e, dopo essere rimasta completamente ammaliata dalla scrittura di Piergiorgio Pulixi ne La Libreria dei Gatti Neri, non potevo non leggere un altro suo romanzo e questa volta ho puntato su uno dei suoi ultimi lavori: Il Nido Del Corvo.

Si tratta di un noir ambientato nella zona dell’Oristanese, una delle aree in Italia considerate tra le più sicure e dove il massimo della criminalità è rappresentata da furti, di certo non ci si aspetterebbe di ritrovare una mano mozzata appartenente a una ragazza scomparsa da mesi e neppure un sociopatico che vuole divertirsi a giocare con la polizia.

Il Nido del Corvo è un romanzo che cattura il lettore non solo con la suspense creata dall’indagine, ma anche grazie alla presenza di due detective con cui è impossibile non empatizzare e con cui a volte si possono ritrovare pezzi di vita vissuta o che si ha paura di dover vivere.

Ho adorato questo libro e, dopo averlo letto, ho avuto un po’ di difficoltà a leggere altri autori, pertanto, non potevo non includerlo tra i consigli di questo mese.

Resonance: A Plague Tale Legacy

Zeno2k: Dopo aver amato il primo e adorato il secondo mi aspettavo un salto di qualità col terzo, nella speranza che questa IP non si perdesse. Arrivato su Game Pass, ci ho già speso un numero piacevole di ore e posso dire che le aspettative sono state ampiamente ripagate.

La cosa principale da dire è che si è trattato di un cambio pesante di gameplay: da stealth ad action, con quel tipico salto nel buio che può generare grandi malcontenti ma che de facto è necessario per evitare di riproporre sempre la stessa minestra riscaldata (qualcuno ha detto Assassin’s Creed?).

La storia, un prequel degli eventi narrati di Innocence e Requiem (che aveva un finale perfetto), non delude sul fronte narrativo, che è da sempre il punto di forza di questa IP (oltre ad un’estetica di prim’ordine). Ben scritto, ben recitato, è una lenta e inesorabile discesa verso abissi a tinte sempre più cupe che sfociano a tratti nell’horror.

Dal mio punto di vista: uno dei migliori giochi di quest’anno e che merita sicuramente di essere goduto a pieno.

Final Fantasy X

Jedi.lord: 25 anni, un quarto di secolo. Sembrano tanti per una vita umana, pensa per un settore come quello dei videogiochi che corre(va) veloce insieme all’hardware.

Pensa per un videogioco di una serie storica ed importante come quella di Final Fantasy, che per la prima volta era in 3D e con il parlato. Quanto tempo è passato, eh? Quando uscì, il consenso fu unanime e tutt’oggi è ricordato come uno dei migliori capitoli della saga, e uno dei migliori JRPG di sempre (confermo, ndR). E io non l’avevo mai giocato, pur essendone attratto.

Siccome qualche mese fa sono riuscito a finire Final Fantasy VII Remake che avevo in sospeso da anni, mi è presa la fregola dei Final Fantasy e ho scelto questo. E mi sono innamorato, ma di brutto. Roba che, mentre sono in ufficio con il corpo, con la mente sono insieme a Yuna e gli altri a congelarmi le chiappe sul Monte Gagazet.

È un gioco che ha la sua età e per alcuni aspetti (e non intendo la grafica) te ne accorgi, ma quando hai un classico, come per i libri, te ne accorgi: se è un classico, non lo è per caso.

Se ti piacciono le belle storie, i personaggi ben scritti e anche un sistema di combattimento a turni spettacolare, beh, secondo me Final Fantasy X ha ancora molto da dire.

E poi con l’edizione Remaster puoi giocarlo su qualsiasi piattaforma tu possa desiderare.

Immortale.

Final Fantasy VI

Jedi.lord: Come dicevo, sono entrato in una Final Fantasy Era. In realtà c’è sempre stata, ma sopita per lungo, lungo tempo. Nella mia ricerca sui capitoli della serie che meritano di essere giocati, e dopo aver letto la nostra incredibile disamina sulla saga, ho messo subito in wishlist il sesto capitolo, uno dei più celebrati della “vecchia scuola“. E dalla wishlist, come per magia, c’è voluto un momento per farlo cadere nel carrello: se c’è qualcosa che prima o poi mi farà morire, quella è la curiosità.

Durante le ferie non potevo giocare al decimo capitolo, perché non avevo con me la console, e quindi mi sono detto “perché non vediamo di cosa si tratta?“.

Vuoi per la musica, vuoi per il fascino dei pixel grossi, vuoi per una scrittura che ancora oggi è fresca come una mattina a Narshe, ma Final Fantasy VI ha fatto colpo sul mio vecchio cuore da videogiocatore rimasto negli anni ’90: strano a dirsi, ma un titolo del 1994 sa ancora stupire con le sue idee e le sue trovate, e con un cuore grande così.

Bellissimo anche questo.

Ora ho due Final Fantasy da portare avanti parallelamente. Ci sono modi peggiori di soffrire.

Spider-Man: Brand New Day

Jedi.lord: Sì, Tom Holland è il mio Spidey preferito, ed è talmente Peter Parker, che anche Telemaco sembra Peter. Comunque sia, questo Brand New Day mi è piaciuto moltissimo. È davvero Brand New? Forse no. Ma era necessario averlo completamente nuovo? Non penso, perché questo film fa tutto ciò che avrei potuto chiedergli: diverte, emoziona, mi fa vedere un sacco di personaggi e rimette in moto gli altri miei personaggi preferiti della Marvel.

Dopo anni di stanca, a salvare la baracca chi poteva arrivare se non il nostro amichevole ragno di quartiere?

Cent’anni di solitudine (Serie TV)

Jedi.lord: Cent’anni di solitudine è forse il mio romanzo preferito e, se non lo fosse, comunque sarebbe sul podio. Ma queste classifiche, si sa, sono abbastanza inutili.

L’anno scorso ho scoperto dell’esistenza di questa serie che si proponeva di mettere in scena il capolavoro di Marquez, e mi ci sono approcciato con una curiosità infinita, dopo aver scoperto che, sì, è una produzione Netflix, ma tutta completamente colombiana.

La prima parte l’ho trovata straordinaria per praticamente qualsiasi aspetto: cast, messa in scena, fotografia, musica e colori. Tanti, tantissimi colori. La seconda è appena uscita e porta a casa il risultato in modo eccellente. Si sa che gli adattamenti dei libri si prestano al facile commento “eh, ma è meglio il libro”, ma questo è fatto molto, molto bene.

Se non conosci Cent’anni di solitudine, un po’ ti invidio perché puoi leggerlo per la prima volta; se lo conosci fidati di me, guarda la serie che è uno spettacolo magnifico.

Francesco Guccini

Hardcase: Preferisco non ricorrere a soprannomi o etichette per ricordare Francesco Guccini, semplicemente perché lui, che ha sempre fatto della spontaneità e della sincerità la sua cifra stilistica, non credo meriti di essere in qualche modo incasellato o ascritto a una particolare categoria. 

Per decenni, giornalisti, più o meno quotati, si sono affannati nel considerarlo ora anarchico, ora comunista, ora sapiente, ora ignorante, ma se vogliamo Guccini sapeva e poteva essere tutte queste cose assieme.

Spiegare chi era Guccini rischia di essere, quindi, un’impresa tanto difficile quanto inutile. Sarebbe, infatti, una perdita di tempo spiegare chi era Guccini sia a chi Guccini lo ha sempre amato, sia a chi, invece, lo ha sempre detestato. 

Per tale ragione, preferisco rivolgermi a tutti coloro che non l’hanno mai conosciuto o non hanno mai approfondito il personaggio, provando a dar loro qualche consiglio musical-letterario.

Per capire chi era il cantautore, un buon inizio potrebbe essere rappresentato dall’ascolto del mitico live Fra la via Emilia e il West, scrigno di tesori prevalentemente registrati durante lo storico concerto di Piazza Maggiore del 21 giugno 1984, davanti a un oceano di circa 160 mila persone. Magari, poi, volendo, si potrebbe proseguire con l’ascolto di altre perle più recenti come Cirano o Vorrei.

Non da meno, però, è il Guccini scrittore, capace di regalarci, assieme al grandissimo Loriano Macchiavelli (in un matrimonio letterario che non può non ricordare Fruttero & Lucentini) alcuni romanzi formidabili tra cui cito un po’ a caso: Macaronì. Romanzo di santi e delinquenti, Questo sangue che impasta la terra o Malastagione. 

A ben pensarci, poi, il fatto che alle canzoni Guccini abbia, nel corso del tempo, deciso di sostituire man mano i romanzi non deve stupire più di tanto, visto che è difficile trovare sue canzoni che non siano innanzitutto piccoli e mirabolanti racconti.

Ovviamente, saggiate le due facce artistiche di Guccini, lascio al singolo decidere se abbiamo perso un grande artista o meno. La mia, di opinione, l’hai già intuita.

In chiusura, però, lasciami dire una cosa: se è vero che viviamo in un mondo in cui la sincerità è un grandissimo lusso che pochi possono permettersi, beh, allora lui era uno degli ultimissimi “ricchi”. 

Lavoreremo da grandi

Hardcase: Visto solo una settimana fa in streaming, dopo averlo “mancato” all’uscita nei cinema, Lavoreremo da grandi è un film che nel complesso ha soddisfatto le mie aspettative.

Certo, Albanese dai tempi della Gialappa’s ne ha fatta di strada e se una volta, per interpretare Frengo e Stop, doveva mettersi un cuscino sulla pancia, adesso decisamente non ne ha più bisogno. Rimane, comunque, un percorso artistico di assoluto rispetto, che gli ha permesso di affiancare a ruoli più marcatamente comici (Cetto La Qualunque in primis), altri più complessi e dalle sfumature drammatiche.

Per tale ragione, quando ho visto il trailer del film, mi sono incuriosito. Mi è parsa la sua occasione perfetta per tornare ad una comicità più diretta, senza però rinunciare nel contempo ad un po’ di sana analisi e critica sociale.

E, in effetti, Lavoreremo da grandi è proprio questo, una sorta di ironico noir che segue le sorti di alcuni amici, tutti accomunati da un presente fallimentare, alle prese con un investimento notturno e con i conseguenti tentativi di cancellare l’accaduto. Alla fine si tratta di poco più di un simpatico pretesto per potersi soffermare sugli strampalati protagonisti incapaci di reggere le rigide aspettative che i nostri tempi oramai invariabilmente ci impongono.

Il film si svolge tutto nel corso di una notte, un notta folle, piena di imprevisti e di personaggi lunari, strampalati, che vanno a creare situazioni spesso surreali e grottesche. Così, nel corso dei 90 minuti, facciamo la conoscenza del figlio di buona famiglia che ha dilapidato in poco tempo tutto il patrimonio, del tipo disonesto che non riesce a farsi valere neanche come criminale e del povero diavolo colpevole d’essere “l’unico idraulico povero d’Italia”.

Gli interpreti sono tutti molto bravi, a cominciare da Albanese stesso, qui nel doppio ruolo di attore e regista, e del sempre eccezionale Giuseppe Battiston.

Insomma, se vuoi ritrovare le atmosfere grottesche di Ogni maledetto Natale con una spruzzatina di follia alla Un weekend da leoni, potrebbe essere il film che fa per te. 

Magari non è un capolavoro, ma è indubbiamente un film piacevolissimo.

Resident Alien

Hardcase: Di serie TV interessanti ce ne sono diverse sui vari canali streaming, ma, per non risultare banale, evito di solito di parlare delle più famose, preferendo piuttosto concentrarmi su alcuni prodotti che, sebbene non eclatanti, riescono a intrattenere con intelligenza e garbo.

Arriviamo così a Resident Alien, serie di fantascienza tratta dall’omonimo fumetto di Peter Hogan e Steve Parkhouse. Il simpatico e bravo Alan Tudyk interpreta un alieno che si reca sulla Terra con l’obiettivo di sterminare l’umanità intera (sic!). Pian piano, però, farà la conoscenza della comunità – un po’ stramba a dire il vero – della piccola cittadina di Patience e diventerà sempre più umano tanto da vedersi costretto a rivalutare le proprie priorità.

Felicemente conclusasi dopo ben cinque stagioni, la caratteristica forse più riuscita dell’intera serie è l’umorismo caustico e cinico dell’alieno, ben lontano dagli stilemi spielberghiani di ET. Insomma un umorismo cattivello che porta una ventata di aria fresca nel panorama buonista della TV.

Anche in questo caso, non siamo di fronte a un capolavoro, ma davanti a una serie a suo modo originale e ben confezionata.

Poker Face

Tencar: Sky, ogni tanto, regala emozioni e, totalmente a caso, mi sono ritrovato a guardare Poker Face, serie di due stagioni incentrata su una truffatrice che ha un particolare dono, quello di individuare quando qualcuno le dice una bugia.

Pensavo che la storia seguisse una trama e invece, dopo la terza puntata, mi sono ritrovato a guardare La Signora in Giallo in chiave moderna e con qualche puntata molto figa (un episodio è stato diretto dal mio amato Ti West).

WWE: la storia dietro le quinte (terza stagione)

Tencar: Il documentario, targato Netflix, che spiega il dietro le quinte della WWE funziona e continua a farmi scoprire il lato umano di wrestler che mi sono sempre sembrati insulsi e che, invece, hanno tanto da raccontare.

Guarda la puntata dove c’è Matt Cardona, per favore.

Scream 7

Tencar: Scream 7 è appena approdato su Paramount + e, da amante della serie, l’ho visto immediatamente. Tra nuovi personaggi e graditi ritorni, il film vola via andando a toccare tutti i cliché del genere, che non è una roba negativa, per me.

Companion

Tencar: Un film diviso in due parti. La prima sembra banalotta ma poi, una volta iniziata la seconda, mi sono trovato spiazzato e soddisfatto, molto. Da vedere se ti piacciono i thriller atipici.

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Mercoledì 19 agosto 2026, nel pieno delle mie sudate (per vari motivi) ferie, Wizards of the Coast mi ha invitato a un esclusivo evento per la stampa dove è stato mostrato il primo gameplay di Warlock: Dungeons & Dragons.

Cosa sappiamo di Warlock: Dungeons & Dragons

Warlock: Dungeons & Dragons è un open world action adventure single player in terza persona (da leggere tutto d’un fiato), sviluppato da Invoke Studios (che ha al suo interno professionisti che hanno lavorato a franchise apprezzati come Watch Dogs, Deus Ex e Far Cry), in uscita nel 2027 per PC, Xbox Series X|S e PlayStation 5.

La protagonista è Kaatri, interpretata da Tricia Helfer (vista in Lucifer e, soprattutto, Battlestar Galactica), presentata come guerriera veterana ma direi anche warlock poiché stringe un patto con una patrona piuttosto conosciuta, Tasha, impersonata da Maggie Robertson (se hai giocato a Baldur’s Gate 3 e Resident Evil Village, ti ricorderai di lei perché ha dato voce a Orin e Lady Dimitrescu) che le dona la capacità di percepire la Raw Magic, un potere che le permetterà di compiere azioni impossibili per le persone comuni. Tutto ciò mentre esplora Darkon, un Dominio del Terrore di Ravenloft.

Le mie sensazioni

Il gameplay, che ti lascio in fondo all’articolo, è volato via in un battito di ciglia e ha catturato completamente la mia attenzione.

Dopo aver gradito la presenza di Tasha che è, da anni, il mio avatar su Magic the Gathering: Arena, si entra subito nel vivo di Darkon, territorio che mi intriga essendo appassionato di horror e, di conseguenza, di Ravenloft.

Ciò che mi ha colpito fin da subito è che, durante i suoi primi passi, Kaatri utilizza le sue capacità magiche per interagire con molti degli elementi presenti per aprirsi strade inizialmente chiuse e procedere con l’esplorazione, raggiungendo posti che potrebbero sembrare, a una prima occhiata, inaccessibili. Gli enigmi ambientali mi hanno sempre stimolato, soprattutto se c’è – come sembra – più di una soluzione.

Viene mostrata una città pulsante e piena di vita, con artigiani che lavorano e mendicanti pronti a chiacchierare in cambio di qualche moneta, quindi mi è sembrato che si potrà chiacchierare con tanti png durante le sessioni.

Ho davvero amato la magia e i combattimenti. Gli incantesimi a disposizione di Kaatri sono numerosi, vederla compiere rituali è stato emozionante e ci sono parecchie sinergie da creare: sono rimasto a bocca aperta quando l’ho vista modificare il tempo atmosferico, scatenando una violenta pioggia sui nemici per sfruttare al meglio i suoi fulmini. E queste capacità, come ho scritto prima, non vengono utilizzate solo in battaglia. Gli scontri sono tattici e, in un’interessante commistione di arti occulte e armi tradizionali, si potranno realizzare tante combo per portare a casa la vittoria impiegando un po’ di immaginazione e fantasia. La parte action sembra ben marcata, con incontri dove si useranno schivate, parate, pozioni di cura e poteri sovrannaturali. Durante la conferenza è stato confermato che la difficoltà sarà regolabile, rendendo il titolo accessibile anche alle persone meno esperte.

Le mie aspettative si sono alzate parecchio e non vedo l’ora di scoprire qualcosa di più su Warlock: Dungeons & Dragons che è finito, immediatamente, nella mia wishlist.

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Gameplay

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Dopo 3 anni (di già!) dalla prima collezione di remaster della fantastica saga di Hideo Kojima, eccoci qui a parlare di Metal Gear Solid: Master Collection Vol. 2, ultima uscita che contiene due giochi “e mezzo”, ossia Metal Gear Solid 4: Guns of the Patriots, Metal Gear Solid: Peace Walker e Metal Gear: Ghost Babel. Chi mi conosce lo sa quanto sia un grande fan della saga targata Konami, quindi è con vero piacere che ho potuto provare questo gioco grazie a Konami, che ringrazio per la copia che è stata usata per questa recensione, giocata (ovviamente) sulla mia fiammante (fa troppo caldo) PlayStation 5 Pro.

Recensione

Dunque, dove eravamo rimasti?

Dopo MGS 3: Snake Eater, che ci aveva accompagnato indietro nel tempo a vivere le avventure che hanno portato alla nascita di Big Boss, futuro “padre” di Solid e Liquid Snake (e non solo…), ci troviamo nel 1974 in Sudamerica, dove il nostro Big Boss si è ritirato al fine di fondare la sua compagnia privata di mercenari, i “Militares Sans Frontières”. All’inizio di Metal Gear Solid: Peace Walker (PSP, 2010) viene raggiunto dal suo secondo Kazuhira Miller, che gli chiede di affrontare una spinosa organizzazione che sta occupando alcuni territori della Colombia. Da qui parte la classica escalation che vede – guarda un po’ – la presenza di un nuovo tipo di Metal Gear, questa volta il Peace Walker, pronto a lanciare l’atomica in caso di necessità. Gli eventi di MGS: PW fanno da anticipo a quella che sarà l’ultima parte della storia di Big Boss, ossia il duetto Ground Zeroes e Metal Gear Solid 5: The Phantom Pain, ma questa è un’altra storia, o meglio, un’altra remaster.

Metal Gear Solid: Ghost Babel (Game Boy Color, 2000) ci porta al primo spin-off della saga tra Metal Gear 2: Solid Snake e il “primo” Metal Gear Solid, con una piccola avventura di Solid Snake in una nazione africana dove è stato ricreato Outer Heaven, che era la nazione militare ideata da Big Boss. Solid non può non intervenire, e anche qui scoprirà che ci sono dei Metal Gear pronti a fare fuoco, e spetterà a lui risolvere di nuovo la situazione, affrontando alcuni fantasmi del passato.

Torniamo invece ai giorni nostri, dal nostro Solid Snake, che appare tremendamente invecchiato all’inizio di Metal Gear Solid 4: Guns of the Patriots (PS3, 2008) a causa del suo patrimonio genetico, tanto da fargli ottenere il nuovo nome di Old Snake. Dopo gli avvenimenti di MGS2 sono passati 6 anni, e Liquid Ocelot ha in mente una nuova insurrezione contro i Patriots, tanto per cambiare. Il maggiore Campbell dà a Old Snake un’ultima missione: trovare e neutralizzare Liquid Ocelot. Ciò mette in moto tutta una serie di avvenimenti dei quali non posso parlare in maniera dettagliata, rischiando di tirar giù degli spoiler enormi. Basterà sapere che Kojima ha abbastanza superato se stesso nello scrivere MGS4, e che i colpi di scena e i ribaltamenti di fronte sono davvero dietro l’angolo.

Qui ci fermiamo, in attesa di una potenziale Master Collection Vol. 3, e andiamo a vedere qualche dettaglio dei singoli giochi.

Metal Gear Solid 4: Guns of the Patriots

Di certo questo è il piatto forte di questa Metal Gear Solid: Master Collection Vol. 2, soprattutto poiché è la prima volta che esce dall’ecosistema PlayStation. Gioco acclamato dalla critica, fautore di mille mal di testa a causa della storia intrecciata, titolo che ci ha fatto chiedere che cosa ci fosse nelle bevande degli sceneggiatori, si tratta di un capitolo molto importante della saga che ha portato diverse novità. Innanzitutto la tecnologia PS3 permetteva una mappa finalmente più ampia e con un controllo libero della visuale, cosa che aumenta l’approccio tattico/stealth; il gioco mette subito in mostra i muscoli con la prima parte ambientata in una zona di guerra in Medioriente, dove potremo decidere il nostro approccio e il percorso da effettuare in totale autonomia.

Come è ben noto, le cutscenes qui sono sempre belle lunghe e intense, ma occhio alla pressione di alcuni tasti per cambiare prospettiva o per dei simpatici effetti. Dal punto di vista tecnico, questo porting non ha subito particolari modifiche lato grafico, infatti fa ancora la sua buona figura anche se qua e là si vede che è un gioco di 18 anni fa. Concludo con una breve storia triste: avevo il gioco originale per PS3, per me un vero tesoro, preso con risparmi e sacrifici, e lo prestai con un po’ di leggerezza a un vicino di casa. Non serve che io aggiunga altro.

Metal Gear Solid: Peace Walker

Seconda uscita per la mitica PlayStation Portable, MGS:PW portò due innovazioni che poi rimasero negli altri capitoli della saga: il gioco online e la struttura a missioni con tutta la gestione della base e delle risorse, cosa evidente soprattutto in MGS5. Qui c’è da fare una precisazione: nella Master Collection Vol. 2 è inclusa la versione “HD Edition” del gioco, ossia del primo porting che venne realizzato nel 2011 per PS3 e Xbox 360.

La possibilità di dividere l’azione tra il proseguimento della storia principali e le missioni secondarie ha dato molta profondità al gioco; un’altra caratteristica è che alcune cutscenes sono realizzate con uno stile fumettoso molto figo, e in queste sequenze ci sono anche dei Quick Time Event, quindi occhio alle distrazioni! Infine, ci sono diverse opzioni di visualizzazione, potendo scegliere di portare il gioco a una risoluzione più alta; il mio consiglio è di configurare bene questi settaggi per avere l’esperienza ottimale in base alla posizione di gioco a disposizione.

Metal Gear: Ghost Babel

Qui griderei quasi al miracolo: come portiamo in maniera soddisfacente un gioco del Game Boy Color su uno schermo da 50-60 pollici? Beh, Konami ci è riuscita, e posso garantire che l’esperienza di gioco è scorrevole e divertente, pur essendo un titolo secondario e con delle limitazioni “hardware” che richiedono un approccio diverso, ma pur sempre valido. Già ai tempi questo gioco fu un piccolo miracolo, spremendo gli 8 bit della console portatile Nintendo, e ora è giocabile comodamente sul divano.

Anche qui si possono impostare alcune opzioni, e forse bisogna fare ancora più attenzione per evitare di fare qualche pasticcio con le opzioni. In ogni caso, è divertente giocare con un Game Boy Color enorme!

Concludendo

Metal Gear Solid: Master Collection Vol. 2 è il giusto proseguimento della prima Master Collection, quindi non posso che consigliarlo a chiunque voglia giocare di nuovo a dei titoli che hanno fatto la storia, oppure a chi vuole avvicinarsi a questa folle e meravigliosa saga per la prima volta. La presenza di MGS4 per me vale da sola l’intero acquisto, ma non sottovalutare assolutamente PW o Ghost Babel!

Giusto per completare il quadro, voglio ricordare che oltre ai tre giochi, ci sono numerosi contenuti extra: Screenplay e Master book per MGS4 e PW, Soundtrack digitale e soprattutto un fantastico MGS4 Database, utilissimo per avere più informazioni e nerdare allegramente sul quarto capitolo, davvero pieno zeppo di elementi da notare e osservare.

Insomma: una grande Master Collection! A differenza della prima, qui secondo me il lavoro è stato fatto in maniera più accurata, e le opzioni di personalizzazione rendono il tutto più personalizzabile. Non ho avuto quindi la sensazione di “porting pigro”, ma credo che siano i giochi stessi a permettere un approccio diverso. C’è da chiedersi se arriverà la terza, ma soprattutto c’è da chiedersi se il buon Kojima riprenderà mai in mano la saga per un ipotetico MGS 6… ma questa è davvero un’altra storia.

Vuoi chiacchierare e giocare con noi? Vienici a trovare sul nostro Server Discord e sul nostro Gruppo Telegram.

Nerdando in breve

Metal Gear Solid: Master Collection Vol. 2 ci porta a giocare Guns of the Patriots, quarto capitolo principale della saga, l’ottimo Peace Walker e lo spin-off Ghost Babel.

Trailer

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