Un’introduzione “con colpi di scena”

Di Coyote vs. Acme si parla dal 2023 per via delle sue vicissitudini. Il film era finito, ma la Warner, per scaricare il costo di produzione dalle tasse, voleva distruggerlo visto che secondo i loro calcoli conveniva fare così (e non sarebbe stata nemmeno la prima volta, vedasi il film su Batgirl). Quando ciò è venuto fuori si è sollevato un tale vespaio che alla fine lo hanno venduto ad altri distributori.
Perché sto scrivendo di tutto ciò? Questa vicenda da un lato ha portato a ragionare sulla gestione delle multinazionali da parte dei dirigenti, cosa che non ci riguarda in questa sede; dall’altro ha permesso di sfruttare tutto questo clamore per indirizzare la comunicazione. Come? Nel modo che funziona di più oggi: ironia, riferimenti a fatti reali e slogan del tipo “Mostriamo il film che non vi volevano far vedere”, che poi alla fine non è nemmeno così falso!

Cos’è Coyote vs. Acme

Coyote vs. Acme è un film in tecnica mista, per capirci alla Space Jam o Chi ha incastrato Roger Rabbit, nelle sale italiane dal 2 settembre (e non è una marchetta, visto che sono andato al cinema da semplice spettatore pagante!).
Da notare che c’è anche lo zampino di James Gunn sia come coproduttore sia come coautore del soggetto. Infatti John Cena, che nella pellicola interpreta il cattivo, aveva già collaborato col famoso regista in The Suicide Squad – Missione suicida e Peacemaker.
Il film si ispira all’articolo “Coyote v. Acme” del 1990 di Ian Frazier pubblicato su The New Yorker, qui il link per leggerlo gratuitamente. Si tratta della (immaginaria, sicuramente sarà superfluo precisarlo, ma lo dico ugualmente…) causa legale intentata da Willy il Coyote nei confronti della Acme per farsi risarcire i danni causati dai prodotti difettosi dell’azienda.

Recensione di Coyote vs. Acme

Trama

Willy il Coyote vede in TV la pubblicità di “Avery, Jones & Maltese Justice”, uno studio legale di Albuquerque specializzato proprio nei casi come il suo. Così incontra Kevin Avery, socio dello studio, che non vuole arrischiarsi in un processo contro una multinazionale. Invece Willy vuol far causa alla Acme e alla fine raggiunge il suo obiettivo. I nostri maldestri eroi cercheranno di racimolare prove e testimoni mentre i loro avversari giudiziari proveranno a fermarli, nel più classico Davide contro Golia. A proposito: i personaggi mi sono piaciuti, soprattutto gli antagonisti che nel loro essere un po’ macchiettistici sono perfetti in quel contesto.

Questa commedia legale scorre benissimo tra colpi di scena (telefonati, ma al tempo stesso funzionali e gradevoli), gag, citazioni e camei di personaggi dei Looney Tunes. Infatti, quando è arrivato l’intervallo ci siamo stupiti visto che non c’eravamo accorti di essere già a metà proiezione.

La travagliata storia della pellicola ci condiziona?

Di base per me è una buona idea dedicare un film a Willy il Coyote in quanto è un personaggio che funziona: come si fa a non empatizzare con lui, uno che ci mette l’anima senza però riuscire a ottenere mai nulla? È lo stesso meccanismo che si crea con Paperino, per usare un personaggio della “concorrenza”, ma all’opposto! Forse anche per questo c’è stato un moto popolare per salvare questa pellicola mentre in altri casi non è successo; o forse è stata la nostalgia di vedere i cartoni animati con gli attori reali. Inoltre l’idea stessa della causa contro la Acme mi fa stampare un sorriso che nemmeno lo dico.
Considerato tutto ciò, capisco benissimo tutto questo affetto nei confronti del film, dimostrato anche dall’ottima accoglienza da parte di pubblico e critica. È un problema? No, visto che l’imparzialità non esiste, quello che conta è l’onestà intellettuale.

Coyote vs. Acme è inaspettatamente politico

Non ero convinto quando leggevo e sentivo di un film politico, sinceramente mi sembrava un po’ un’esagerazione dovuta anche a tutto il contesto di cui sopra. Invece avevano ragione: Coyote vs. Acme è molto politico, ovviamente in modo un minimo velato e per essere un film dei Looney Tunes.
Non solo c’è un personaggio sbruffone che palesemente è una figura pubblica contemporanea, ma è soprattutto la raffigurazione della Acme (e di come influenza il mondo) ad avere una forte valenza sociale e critica. Ovviamente non avremo mai la controprova, ma nulla mi toglie dalla testa che sia per quello che la Warner lo ha inizialmente cancellato. Giustamente penserai: “Allora perché lo hanno approvato?” Perché nel 2020 c’era stato l’annuncio dell’uscita in sala tre anni dopo e all’epoca c’erano altri dirigenti; anche per questo ho raccontato la sua epopea!
Quindi non è una sovrastruttura figlia della narrazione social sul film, è proprio così! Attenzione: non sto dicendo che sia un film “pesante” o non adatto alla famiglia, anzi!

Concludendo

Insomma, tutto il casino fatto è servito a qualcosa visto che il risultato finale è valido e gestisce molto bene anche le citazioni, cosa su cui io sono particolarmente severo! Infatti sono stato contento di aver pagato il biglietto! Mi fa piacere aver “votato col portafoglio” a favore di una pellicola che al contempo è gradevole e coraggiosa. Non sto gridando al capolavoro né a livello tecnico (visto che a volte l’effetto visivo sui cartoni animati secondari non mi ha convinto) né come originalità, ma se i film commerciali fossero tutti così ci metterei la firma!

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Nerdando in breve

Coyote vs. Acme è riuscito ad arrivare al cinema dopo una travagliata storia durata anni. Ne è valsa la pena? Sì!

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Mi spiace ma non ce la faccio proprio a usare il nome italiano: la protagonista veste un nome bellissimo e significativo, Moana, che per chi non lo sapesse vuol dire oceano, trasmettendo quel legame insolubile tra i popoli delle isole del pacifico e lo sconfinato mare che è tutto il loro universo.

Fatta questa dovuta premessa, andiamo a incominciare grazie a Disney che mi ha invitato all’anteprima del live action di Oceania (Moana!!!)

Recensione

Sono passati solo nove anni dall’uscita del film d’animazione (l’intervallo più breve ad oggi), per cui, un po’ a sorpresa, ho accolto l’arrivo di questo ennesimo live-action.
Sorpresa ma anche speranza perché pare evidente che più indietro si va nel tempo e peggio esce il film.
Vuoi che sia per ragioni prettamente commerciali e/o di scadenza diritti, ma abbiamo tutti sotto gli occhi gli esiti nefasti di Dumbo, per dirne uno, per non parlare di Biancaneve, su cui meglio stendere un velo pietoso.

Ebbene, forse perché spinto dai protagonisti originali, che l’hanno prodotto, forse perché appunto abbastanza recente da parlare un linguaggio ancora moderno, il live-action di Oceania è un film ben riuscito, a tratti addirittura bello.
Personalmente lo considero il migliore finora (No: Lilo e Stitch non mi è piaciuto).

Trama

Le giornate scorrono tranquille sull’isola di Motunui fin quando la vita non inizia ad appassire. L’oceano sceglie Moana per ritrovare il perduto semidio Maui e insieme restituire il cuore rubato alla dea Te Fiti.

Che altro posso dirti? La trama è un copia e incolla, solo un pelo allungato per raggiungere le due ore del film originale. Se desideri un approfondimento, posso invitarti a leggere il bell’articolo di Morgana, qui e di Aliquis invece qui, nei quali viene detto già tutto e meglio di quanto non possa fare io.

In queste righe vado invece a discutere delle aggiunte: di ciò che troverai in questo live-action e che è stato, appunto, inserito per arricchire un po’ la narrazione.
Contrariamente ad altri casi le canzoni extra (pratica che normalmente detesto, come ho ad esempio raccontato per La bella e la bestia) si calano invece bene nell’impianto complessivo e non disturbano, anzi.

Oltre a questo le scene extra (perché così si possono considerare) si fondono armoniosamente con la storia e danno qualche dettaglio in più, come la scena della storia di Maui, che ho gradito particolarmente.

Per il resto il film è a tutti gli effetti la fotocopia dell’originale, ben recitato e con ottimi effetti speciali.

Cast

A interpretare una versione pompata di Maui (ricordate le polemiche per aver rappresentato come obeso un uomo di etnia polinesiana?) è Dwayne Johnson, che continua a difendersi molto bene a 54 anni, nonostante sfoggi una chioma di capelli assolutamente inguardabile. Fortunatamente viene fatta ironia proprio sui suoi boccoli.

Auli’i Cravalho, voce originale della protagonista nel classico d’animazione, compare qui come produttrice esecutiva. Ufficialmente ha scelto di non tornare a interpretare il personaggio nel live action perché ha deciso di “passare il testimone alla prossima giovane donna discendente delle isole del Pacifico”. Probabilmente, osservo io, il fatto che abbia 26 anni e sia impegnata a Broadway, può aver influito.
Scegliere la nuova protagonista tuttavia non è stato facile e, dopo lunghi mesi di tentativi, è stata individuata la praticamente esordiente Catherine Laga’aia, brava e convincente.

Oltre a Laga’aia e Johnson, il cast di Oceania include John Tui, nel ruolo del severo padre di Moana, Capo Tui; Frankie Adams, che interpreta Sina, la madre; e la neozelandese Rena Owen, nel ruolo della saggia Tala nonna di Moana, celebre per il ruolo coperto in Once Were Warriors, comparsa anche in pellicole di alto livello come A.I. e SW III: La Vendetta dei Sith.

Il film è diretto da Thomas Kail, vincitore di un Emmy e di un Tony Award per Hamilton.

Oceania include brani originali di Lin-Manuel Miranda, Opetaia Foa’i e Mark Mancina, oltre a una colonna sonora originale composta da Mancina.

Commento finale

Mi è piaciuto?
Onestamente sì.
Ne sentivo il bisogno?
Francamente no.
Probabilmente non sono però il target giusto: da quanto letto in giro i live action sono qualcosa di gradito e atteso. Per me, che sono vecchio, la magia c’era già anche prima.

Il punto: qual è il senso di fare un live-action di film così recente? Nella speranza che la risposta non sia un banale e prosaico “fare un sacco di soldi”, lascio a te l’onere di trovare una risposta e magari condividerla con noi, sui nostri canali social.

Per quanto mi riguarda, Oceania si colloca sotto Rapunzel ma sopra Frozen, tra gli ultimi classici con principesse, grazie sicuramente al mio amore per la Nuova Zelanda (sapevate che Maui ha pescato l’Isola di Nord usando l’Isola del Sud come barca?) e per la scena più emozionante della storia recente di Disney: la scena della navigazione, con la canzone (non a caso scritta e cantata da Lin-Manuel Miranda) che meglio di tutte in pochi momenti racconta l’intera storia e filosofia del popolo polinesiano.
Tatou o tagata folau vala’auina / Le atua o le sami tele e o mai / O ava’e le lu’itau e lelei / Tapenapena
Siamo marinai chiamati dal dio del grande mare a venire. Il mese della sfida è ben preparato

Oceania arriverà nei cinema italiani il 19 agosto 2026.

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Nerdando in breve

Oceania è l’ennesimo live-action tratto da un classico Disney.

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Cowboy Bebop

Clack: Lo so, lo so: è stata la serie più discussa e bistratta dell’ultimo periodo, tanto da convincere Netflix a cancellarla sedutastante. Però è un peccato, perché a me invece questa trasposizione live action di Cowboy Bebop è piaciuta e penso meritasse di arrivare alla sua naturale conclusione. Le critiche principali sono state alla distanza dall’originale a livello di trama e, allo stesso tempo, per la troppa aderenza a livello visivo. Personalmente, mi aspettavo dei cambiamenti (altrimenti avrei riguardato direttamente l’anime) e ho apprezzato l’autonomia del prodotto. Sono rimasta contenta, però, anche di ritrovare intatte le atmosfere, la colonna sonora e la costruzione scenica che mi avevano fatto amare Cowboy Bebop.
Insomma, Frankiededo lo dice meglio di me nella recensione ma io vi consiglio di recuperare questa prima (e ormai unica) stagione!

Arcane

Clack: Arcane è decisamente la sorpresa che non mi aspettavo! La serie animata di Riot Games distribuita da Netflix è qualcosa di visivamente pazzesco, con sequenze serrate ed eleganti e meravigliose immagini di un mondo futuristico e distopico, oltre che decisamente punk.
La serie tratta dal fortunatissimo videogioco League of Legends è una gioia per gli occhi, ma non finisce qui perché a supporto di tanta abbondanza visiva c’è una storia decisamente coinvolgente e, soprattutto, una serie di personaggi scritti perfettamente.
Insomma, non sottovalutatela e non consideratela un prodotto solo per videogiocatori: che siate già fan dell’universo LoL o che non ne abbiate mai sentito parlare, ci troviamo davanti ad un prodotto da non perdere.

You

Tencar: ho sempre sognato di vedere una serie avente come titolo una canzone degli Elio e Le Storie Tese.
Scherzi a parte, le tre stagioni da 10 episodi l’una (che trovate su Netflix), sono andate via veloci sia per la struttura della storia che, per quanto tratti un argomento piuttosto pesante – che non vi accennerò nemmeno, per evitare spoiler -, è ben scritta, sia per la recitazione del cast, estremamente credibile; Penn Badgley dà vita a Joe Goldberg, una persona che imparerete a disprezzare puntata dopo puntata.
A breve uscirà anche una nuova stagione: spero che non allunghino troppo il brodo perché la saturazione è piuttosto vicina.

Spider-Man: No Way Home

Giando: c’è tanto da dire su questo film, ma l’unica cosa che dirò in questa sede è che Spider-Man: No Way Home è per me il film del 2021 e, come tale, non potevo non consigliarvelo! Azione, emozioni, gasamenti vari e un enorme hype vi accompagneranno durante la visione di questo ultimo capitolo (per ora?) delle avventure di Tom Holland e Zendaya.

Un film forse non perfetto, ma non per questo uno dei migliori film dell’MCU!

Hawkeye

Giando: una serie nell’MCU che è anche una serie “natalizia”? Ma non può che essere uno spettacolo!

Hawkeye – Occhio di Falco, serie disponibile su Disney+, si è da poco conclusa, e tutti e sei gli episodi sono stati un crescendo di soddisfazione, grazie a un ottimo cast (Jeremy Renner imbattibile, per quanto più depresso del solito!) e ad un ritmo leggero e sostenuto, che ha un po’ portato sui nostri schermi una serie vecchio stile ma fatta davvero con tutti i crismi. Consigliatissima!

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Io non amo gli anime. Non sono un appassionato del medium dell’animazione giapponese, ma come molti, grazie ai pomeriggi di Italia 1 e soprattutto grazie all’Anime Night di Mtv, mi sono visto la mia dose di serie più o meno interessanti.

E nonostante la mia avversione verso i cartoni giapponesi, Cowboy Bebop è nella mia personale top 3, probabilmente al primo posto e una delle mie serie preferite in assoluto.

Per questo, mi sono sentito incuriosito dall’annuncio di un adattamento live action, (creato anche con la consulenza del regista dell’originale, Shin’ichirō Watanabe) senza particolari timori: se fosse stato una schifezza mi sarebbe bastato continuare a guardare l’anime. Arriva il 19 novembre 2021 e diamine, mi sono incollato allo schermo. Oh, mi è piaciuta. Mi è piaciuta davvero!

Ovviamente, attenzione agli spoiler perché farò menzione di alcune parti abbastanza in là nella stagione, per cui se non volete rovinarvi la sorpresa, fermatevi ora!

Recensione

Nel valutare un adattamento, sono fermamente contrario ad utilizzare l’aderenza al materiale originale come metro di giudizio, dal momento che, se stiamo parlando appunto di una storia adattata ad un altro medium, non ha senso basarsi sulla forma di provenienza per gustarsela. Partiamo però dal presupposto che sì, il Cowboy Bebop di Netflix ha delle differenze con l’anime, a livello di trama, di personaggi e di atmosfera.

Questo non è necessariamente un male, anzi. L’unico “problema” dato dal fatto di conoscere già la storia è che questa prima stagione non è altro che la trama, un po’ rimescolata, di una decina di puntate dell’anime e quindi bene o male si sa dove si va a parare.

Per il resto, mi sono trovato davanti a un’opera più interessante di quanto potessi sperare, per quattro motivi ben precisi.

Colonna sonora

Una delle colonne (eheheh) portanti di Cowboy Bebop, creata originariamente dalla compositrice Yoko Kanno, che è tornata a lavorare sulla nuova serie con nuovi brani e remix degli originali, compresa la leggendaria TANK! della sigla iniziale. Poco da dire: la qualità è alta e ogni pezzo dà il giusto carattere alla scena, senza mai stonare e soprattutto senza mai rimanere anonimo. Difficile trovare una colonna sonora con un carattere così ben definito in una serie TV. Vero, ti piace vincere facile se parti da una base del genere, ma niente vietava alla produzione di prendere una strada più anonima e meno ispirata.

Sì, c’è la parte della caduta dal rosone della chiesa.
Sì, c’è il coro di Ballad of Fallen Angels con i flashback.
Sì, quando è partita la musica mi è venuto il brividino.

Trama

Come dicevo poco prima, la sinossi è ancora quella: due cacciatori di taglie dell’anno 2071, Spike Spiegel e Jet Black, viaggiano nel sistema solare a bordo del Bebop alla ricerca di nuove taglie per mandare avanti la baracca. A loro si unisce Faye Valentine, una cacciatrice senza ricordi che li accompagna (quasi contro la loro volontà) in giro per lo spazio. Ben presto, il passato oscuro di Spike come membro della mafia interplanetaria chiamata Sindacato, torna alla luce portando di nuovo i fantasmi del suo ex-partner Vicious e della bella Julia, la donna amata da entrambi, che si dimostrerà essere più di ciò che sembra.

La storia è abbastanza orizzontale, anche se ogni puntata ha una vicenda diversa come centro di tutto. Ogni episodio, comunque, si prende il suo tempo per mostrare come la trama principale vada dall’essere una sottotrama del quale si hanno giusto alcuni indizi, al motore principale della serie, rendendo gli eventi una conseguenza del passato di Spike che torna a galla, più che un pretesto per parlare di esso.

Personaggi

Ecco, questa è sicuramente la parte migliore della serie. Il casting è perfetto, in particolare (per quanto riguarda il terzetto principale) quello di Mustafa Shakir nei panni di Jet. John Cho e Daniella Pineda fanno un ottimo lavoro attoriale, tenendo a mente che comunque i personaggi di Spike e Faye hanno alcune differenze con gli omologhi animati e soprattutto considerando la particolare atmosfera che tutta la produzione ha, di cui parlerò più avanti.

Spike è un personaggio più cupo e meno rilassato e Faye spinge un po’ meno sul fare la finta dura e si ammorbidisce abbastanza velocemente, ma la dinamica resta quella di tre “amici-nemici” che piano piano iniziano a conoscersi e ad essere sempre più amici.

Nonostante l’alchimia fra gli attori principali sia davvero niente male, è il resto del cast a convincere. Come nell’anime, ci sono personaggi che compaiono per una puntata, ma in questa versione di Cowboy Bebop ci sono molti più personaggi ricorrenti che trovo decisamente più interessanti degli originali (sì, lo so, avevo detto che non facevo confronti). Ana, Gren, Chalmers e tutti i vari membri del Sindacato sono facce interessanti che danno vita a personaggi più convincenti e quindi a un mondo più vivo. Nell’anime, questi erano quasi tutti personaggi che si vedevano per poco e ridotti ad archetipi funzionali al setting della puntata stessa. C’era il criminale da western, la coppia Bonnie & Clyde, il pazzo fatto e finito, il poliziotto corrotto. Tutti portati in live action, ma non più solo arredamento di un’atmosfera in cui i protagonisti si muovono.

Complice la durata doppia delle puntate della serie Netflix? Secondo me sì. 40-45 minuti di episodio aiutano molto a dar vita a un personaggio, anche se compare per una sola puntata, ma aiutano anche a sviluppare bene i protagonisti intorno alla vicenda del momento.

Brillano soprattutto Vicious e Julia, interpretati in modo fantastico rispettivamente da Alex Hassell e dalla stupenda Elena Satine. Se nella serie animata questi erano veramente poco più che personaggi simbolici, infarciti di frasi fatte, in questa versione di Cowboy Bebop diventano a tutti gli effetti personaggi secondari di una trama secondaria che va infine a scontrarsi con quella principale, prendendone praticamente il controllo sul finale.

Vicious è un pazzo scatenato, ma ogni aspetto della sua follia viene esaminato e nonostante questo la sua violenza resta imprevedibile e improvvisa. È un villain che non è un antagonista (per buona parte della stagione) ma si fa sentire come presenza malvagia della serie. Riesce a farti cambiare la visione che hai dei personaggi e ha un finale assolutamente non scontato, che si presta a interessanti sviluppi. Questo proprio perché è forse il personaggio che è stato scritto meglio e quindi, se chiunque altro fosse nella stessa situazione, il risultato sarebbe prevedibile, ma con lui no. 

Julia è però la vera sorpresa, che si presenta come una soubrette o poco più, ma che puntata dopo puntata si stratifica facendoti pensare, anche se hai già visto l’anime, che “ah, lei non è come pensavo”. La sua storia viene raccontata, vengono mostrate le sue esperienze e gli eventi che la definiscono e alla fine è il personaggio più “vivo” di tutti. È lei che, guarda caso, è sempre al centro di ogni vicenda fondamentale per la storia di Vicious (e spesso anche di Spike, ovviamente). È lei quella che mostra la maggior varietà di emozioni e situazioni. È lei che ti resta in mente quando finisci la serie. 

Poi c’è Ed. Sì, Edward Wong Hau Pepelu Tivruski IV fa la sua comparsa negli ultimi minuti della stagione, come rimando bello e buono all’eventuale seconda stagione e… beh, è Ed. Sembra uscita dall’anime, il che rende un po’ perplesso anche me, ma anche questo va a mio parere inserito nelle considerazioni sull’atmosfera.

Ah, una redattrice a caso (Penny) ci tiene a far sapere che c’è un corgi. Ovviamente è Ein ed è stupendo e intelligentissimo come sempre e inoltre SPARA VIDEO DAGLI OCCHI! (vedere per credere).

Atmosfera

Ed eccoci dunque al punto caldo. Ciò che definisce Cowboy Bebop animato e che avrebbe dovuto definire Cowboy Bebop live action. E lo fa, l’atmosfera c’è, ma è un’atmosfera… strana.

Non è semplice da spiegare e durante tutta la visione mi sono trovato ripetutamente interdetto dalla direzione che voleva prendere la serie. Parto subito dicendo che un cambio rispetto all’originale era quasi dovuto. Come dicevo all’inizio, se volevo vedere un rifacimento 1:1 facevo prima e mi riguardavo l’anime.

La strada che hanno puntato, al di là delle varie atmosfere “tematiche”, (inteso come western, noir, arti marziali, horror) è quella del B-movie con cambi di inquadratura repentini ed esageratamente cinetici, battute deliberatamente trash, personaggi fuori luogo e momenti comici caratterizzati da recitazione un po’ “over-the-top“.

E funziona, o meglio funzionerebbe, se la produzione si fosse votata totalmente all’utilizzo di questo stile, dal momento che il più grande difetto (e l’unico, a mio parere) di questa serie è che non sembra avere il coraggio di essere completamente strana e si barcamena fra dei tentativi di estro più o meno riusciti a momenti in cui si prende molto sul serio, senza però riuscire a fare centro su tutti. Mentre le sequenze più ricche di pathos e violenza sono perfettamente riuscite, l’anima di Cowboy Bebop, cioè le situazioni più leggere, sono un po’ come delle battute che vengono dette male e non fanno ridere proprio tantissimo e non sai se sono discorsi seri o sciocchezze.

Questo succede soprattutto nelle puntate centrali, dove il registro è sempre un po’ altalenante e mai ben definito, in un modo che rende un poco stranito lo spettatore. Il mio sospetto è che il tentativo fosse quello di dare un sapore tarantiniano al tutto… senza però esserci di mezzo Quentin Tarantino. Se fossero andati in una direzione ben precisa di citazionismo dei B-movie d’azione più o meno moderni la cosa sarebbe stata molto più interessante, divertente e soprattutto efficace. 

Se devo trovargli un neo, è un neo abbastanza grosso, perché sembra sempre che gli attori, non i personaggi, stiano cercando di fare qualcosa che però non riesci a capire. Vedi che c’è qualcosa che sta succedendo, ma non riescono a farlo con gli strumenti che gli hanno dato e questa sensazione è relativa soprattutto alle interazioni fra Jet, Spike e Faye, cosa che non giova proprio a favore della serie. Ed, nei pochi secondi in cui la vediamo, è completamente fuori di testa e sembra comportarsi in modo identico al cartone animato, con tutta l’assurdità del caso.

Per fare un paragone con un film che è stato anch’esso amato e odiato, il sapore di questa atmosfera ricorda molto lo Speed Racer delle sorelle Wachowski. Anche questo, adattamento di un anime (molto più vecchio però) che cercava di portare sullo schermo uno stile molto particolare riuscendoci solo a tratti, proprio come il nuovo Cowboy Bebop.

In conclusione

Ho guardato la serie senza il prosciutto della nostalgia sugli occhi e con uno stato mentale che non mi richiedeva di portare riverenze a un qualcosa di sacro, pena l’indignazione massima. Questo mi ha sicuramente permesso di godermi senza problemi Cowboy Bebop, che non è un prodotto perfetto, ma sicuramente è godibilissimo. A posteriori, ha le sue ovvie differenze con l’originale, ma nonostante questo riesce a camminare sulle sue gambe e questa è la cosa fondamentale.

Spero di vederne una seconda stagione, perché le ambientazioni, i personaggi, le storie hanno senso di essere raccontate e mostrate. I variopinti e dettagliatissimi set, la fotografia originale, gli ottimi costumi (in linea con l’estetica della serie) sono tutte caratteristiche di cui non ho parlato ma che meritano di essere viste e valorizzate ancora e quindi, adesso più che mai, mi sento di dire:

SEE YOU SPACE COWBOY

Nerdando in breve

Cowboy Bebop live action è una scommessa riuscita, lontana dalla perfezione, ma soddisfacente e godibile a patto di non farsi accecare dalla nostalgia e dall’insensato desiderio di aderenza all’originale. 

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Il 15 gennaio a Milano presso il Multisala Orfeo si è tenuta la conferenza stampa di presentazione del nuovo film in live action prodotto dalla Disney, Mulan, in presenza della regista Niki Caro. Mulan uscirà in Italia il 26 marzo (e negli USA il 27), e oggi abbiamo potuto assistere in anteprima e in esclusiva alla proiezione di 3 clip tratte dal film, che attualmente è ancora in lavorazione.

La regista

Niki Caro è una regista e sceneggiatrice neozelandese, famosa soprattutto per aver diretto nel 2002 il bellissimo e poetico La ragazza delle balene, e nel 2005 North Country – Storia di Josey che ha ottenuto 2 candidature all’Oscar. Nel 2015 ha diretto McFarland, USA prodotto dalla Disney, e nel 2017 è stata scelta per dirigere il remake del classico animato del 1998, Mulan, in live action.

Le clip esclusive

Nella prima clip abbiamo assistito a un momento intimo tra Mulan (Yifei Liu, vista in Il regno proibito e Outcast) e il padre (Tzi Ma) mentre quest’ultimo si prepara per andare in guerra: sono chiaramente emersi il grande amore e la forte devozione che la ragazza prova nei confronti dell’uomo e della famiglia; l’assoluta devozione nei confronti della famiglia è il tema portante del film.

Nella seconda clip, ci è stato mostrato un momento dell’addestramento di Mulan che, travestita da uomo, si allena nel combattimento con la lancia insieme a Honghui, un altro soldato che sarà per lei un amico e (parole della regista) forse qualcosa di più. Con mia grande gioia, si prevede una gran quantità di arti marziali in questo live action. Tra la folla di soldati si intravede Donnie Yen, uno dei miei attori preferiti, che interpreta il Comandante Tung.

La terza e ultima clip ci ha permesso di cogliere il senso epico del film, ha mostrato infatti una battaglia tra i soldati dell’esercito cinese (tra cui Mulan) e i guerrieri Unni, capitanati da Bori Khan (Jason Scott Lee, Bruce Lee in Dragon – La storia di Bruce Lee).

La regista ha scelto di mostrarci in esclusiva proprio queste 3 clip in quanto rappresentative di ciò che ha cercato di fare per il film ma anche durante la sua carriera, cioè lavorare partendo dall’intimo per arrivare all’epico.

L’intervista

Per prima cosa a Niki Caro è stato chiesto quanto ha sentito di voler prendere dalla leggenda cinese di Mulan e dal mito cinematografico del film Disney,  e la regista ha ammesso che all’inizio della lavorazione non sapeva che il lungometraggio del ’98 non è una storia originale ma è ispirato a una ballata del ‘700 molto diffusa in Cina e conosciuta da tutti i bambini cinesi; per questo motivo per lei è stato interessante cercare di capire come trasformare una leggenda in una persona in carne e ossa cercando di onorare la ballata originale e allo stesso tempo anche il cartone. Come anche quando ha diretto La ragazza delle balene, per la Caro è stato molto importante fare ricerche culturali approfondite per assicurare rispetto ma anche una grande “specificità” culturale: secondo la Caro, “più si va nello specifico culturale e più si raggiunge l’universalità”.

Successivamente le è stato chiesto in che modo è riuscita a scovare un’attrice, Yifei Liu, che avesse allo stesso una grande forza recitativa e le capacità fisiche necessarie per il ruolo (la Yifei ha infatti realizzato personalmente la maggior parte dei suoi stunt), e la Caro ha confessato che la ricerca è durata più di un anno e si è svolta in tutto il mondo, fino ad arrivare all’attrice cinese.

Una domanda che tutti ci aspettavamo ha riguardato l’assenza nel film di un personaggio centrale del cartone animato, cioè il draghetto Mushu. Secondo la regista, Mushu nel classico animato è un personaggio perfetto così com’è che non può essere ricreato, e per rispetto ha deciso di non inserirlo nel suo film. La Caro ha inoltre assicurato di aver sempre tenuto presente il cartone Disney e di aver voluto riportare nel suo film alcune scene presenti nel lungometraggio animato, come la scena della valanga, anche se queste non erano inizialmente presenti nella sceneggiatura.

Alla realizzazione di Mulan ha partecipato anche Bill Kong, uno dei produttori de La tigre e il dragone, iconico film del 2000 che ha contribuito a far conoscere al pubblico occidentale il cinema orientale; durante le riprese di Mulan, Kong è stato come un “padrino” per la regista, che però ha sottolineato di aver voluto approcciarsi in modo differente alle scene d’azione rispetto a come sono state interpretate in La tigre e il dragone, facendo in modo che i movimenti fossero più terreni e in linea con ciò che può fare il corpo di una giovane donna nella realtà, rispettando (“mostly“) le leggi della fisica. Quando alla regista è stato chiesto se una regista donna nel dirigere un film d’azione deve travestirsi da uomo, con grande classe Niki Caro ha risposto che per lei è stata la cosa più naturale del mondo, che ha anzi adorato girare un film d’azione e che rispetto ai classici action movie per i quali è fondamentale essere “cool”, lei ha orgogliosamente voluto che tutte le scene d’azione fossero incentrate sulla figura di Mulan e sulla sua storia, rendendole così più reali.

Infine, la regista ha voluto spiegare che il messaggio che vuole trasmettere al pubblico è l’importanza dell’essere sinceri con se stessi. Sulla spada del padre di Mulan ci sono 3 ideogrammi che significano “leale”, “coraggioso” e “sincero”: Mulan è leale verso la sua famiglia e la Cina, è coraggiosa tanto da travestirsi da uomo e andare in guerra, ma è solo quando smette di far finta di essere ciò che non è ma rivela di essere una donna che dimostra di essere davvero potente.

Concludendo

Sono molto felice di aver potuto conoscere una persona gentile come Niki Caro, che mi ha trasmesso una grande umanità e tanta passione, e la ringrazio per aver voluto realizzare un film che spero servirà all’empowerment femminile. Grazie alle sue parole e alle bellissime immagini che ci ha concesso di scoprire, non vedo l’ora di poter andare al cinema a vedere il suo Mulan, ho grandi aspettative che sicuramente saranno soddisfatte.

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