Esploriamo lo spazio con un audiolibro?

Leggere con le orecchie

Non so voi ma per me estate è sinonimo di letture! Complici le vacanze, le giornate più lunghe e i ritmi meno serrati, è questa la stagione in cui approfitto per recuperare tutte (ora non esageriamo, diciamo alcune dai) le letture che ho lasciato da parte nei lunghi mesi invernali.
Questa estate nello specifico, mi stanno venendo in aiuto gli audiolibri: nello specifico, sto utilizzando Storytel per scoprire titoli che avevo sempre tenuto nel cassetto, ottimizzando il tempo per svolgere nel mentre lavori manuali che non richiedano grossa concentrazione.
Se anche voi state pensando di tuffarvi nel fantastico mondo degli audiolibri, ecco cinque consigli che potete trovare su Storytel se amate il genere della fantascienza!

Io sono leggenda

Per quanto riguarda la fantascienza, su Storytel, c’è solo l’imbarazzo della scelta! In una selezione ampia e in grado di incontrare i gusti di chiunque, ho cercato cinque suggerimenti che spero possano incuriosirvi.
Il primo è questo romanzo del 1954 di Richard Matheson (una figura di cui si potrebbe parlare per ore, magari un giorno lo faremo). Io sono leggenda, trasposto in più di un’occasione su grande schermo, prese ispirazione dalla visione di un film, Dracula di Tod Browning, e ha fatto a sua volta da suggestione per La notte dei morti viventi di Romero. Insomma, un grande classico ancora attualissimo!

Solaris

Un altro grande classico della fantascienza, scritto da Stanislaw Lem nel 1961 e trasformato in lungometraggio in più di un’occasione. Un pianeta lontano, un gruppo di scienziati inviati a studiarlo: la natura imperscrutabile del corpo celeste sarà al centro di una profonda riflessione sull’interiorità.

L’ultimo omicidio alla fine del mondo

Lo so, lo so: sono riuscita a infilare Stuart Turton anche in questo articolo… Però il suo ultimo romanzo, L’ultimo omicidio alla fine del mondo, si inscrive perfettamente nel genere fantascientifico, spruzzandolo di thriller ed elementi investigativi. Una lettura intrigante, che non posso che consigliarvi!

Il problema dei tre corpi

Questo romanzo del 2006 dell’autore cinese Liu Cixin è salito alla ribalta del grande pubblico grazie alla serie che Netflix ne ha tratto recentemente. Primo capitolo di una trilogia, affronta le tematiche del tempo e delle creature aliene sotto una luce inedita. Vi avverto: è un ascolto decisamente corposo! Ma, se vi appassionerete, le ore voleranno!

Cecità

Non fantascienza propriamente detta, ma questo romanzo del Premio Nobel José Saramago ci pone in un imprecisato futuro (o presente) in cui l’umanità si ritrova improvvisamente colpita da una cecità generale. Solo poche persone sembrano immuni alla misteriosa malattia e provvedono tempestivamente a isolare i malati. Lo spunto è l’occasione per una riflessione sull’indifferenza e sulla natura umana.

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La mia decorazione di Halloween preferita viene proprio da Nosferatu

Robert Eggers e il recupero dei classici

Ci sono figure iconiche come poche e Nosferatu è senza dubbio una di queste: sono sicura che tutti, guardando la sua oscura sagoma che sale le scale, riconoscano immediatamente il personaggio e il suo immaginario.
La figura del vampiro, d’altra parte, è di per sé affascinante, come ci insegna l’inossidabile successo di Dracula (che, come scopriremo, è legato a doppio filo al nostro Nosferatu).

L’anno nuovo si aprirà con l’arrivo nei cinema, il primo gennaio 2025, di Nosferatu, lungometraggio di Robert Eggers che riprende personaggi e storia di un film del 1922, diventato un caposaldo della cinematografia mondiale. Interpretata da Lily-Rose Depp, Aaron Taylor-Johnson, Willem Dafoe e Bill Skarsgård, la pellicola si configura come un remake, attualizzato ai mezzi cinematografici della nostra epoca, del classico espressionista di Murnau, del quale riprende anche l’ambientazione tedesca e i nomi dei personaggi.

In principio fu Murnau: il 1922

Ma come nasce Nosferatu? Per scoprirlo dobbiamo tornare indietro fino agli albori del cinema, per la precisione nella Germania del 1922. Il regista Friedrich Wilhelm Murnau ha la ferma intenzione di realizzare un adattamento cinematografico del romanzo Dracula, di cui però non possiede i diritti. L’autore Bram Stoker è morto dieci anni prima ma i diritti della sua opera sono legati ai suoi eredi, in particolare alla figura della vedova Florence.
Murnau e i suoi collaboratori hanno però quella che a loro sembra un’idea geniale: riscrivere la storia ambientandola in un altro Paese e cambiare i nomi dei protagonisti. È così che nascono i coniugi Thomas ed Helen Hutter, l’immaginaria cittadina teutonica Wisborg e soprattutto l’inquietante Conte Orlock, che in realtà altri non è che il vampiro Nosferatu.

La scelta fa sì che il film consegni al mondo una figura che sarebbe rimasta per sempre impressa nell’immaginario comune ma determina anche la fine della casa produttrice: Nosferatu il vampiro, infatti, sarà la prima e ultima produzione della Prana Film, costretta a dichiarare bancarotta dopo aver perso la causa intentata dagli eredi Stoker per la violazione dei diritti d’autore. Florence Stoker riesce anche a ottenere dal tribunale che tutte le copie del film siano distrutte: le poche pellicole sopravvissute, in particolare trasportate in segreto negli Stati Uniti, permettono al film di sopravvivere e giungere fino a noi, regalandoci un capolavoro di cinematografia.

Al di là dei suoi problemi legali, infatti, Nosferatu il vampiro è un capolavoro del cinema muto e capostipite di quell’espressionismo tedesco che tanto condizionerà futuri cineasti di tutto il mondo. Murnau utilizza una messa in scena che resterà nella Storia, imprimendosi nell’iconografia del vampiro e dando vita a ben due remake e a un film dedicato alla sua realizzazione.
Intorno Nosferatu il vampiro, infatti, iniziano da subito a circolare strane voci e sinistre leggende, in particolare riguardo l’attore che interpreta il Conte Orlock, un semisconosciuto Max Schreck. Ma, di questo, ne parliamo tra un attimo.

Questa scena non vi fa pensare automaticamente a Tim Burton?

Il primo remake

Nel 1979 il regista tedesco Werner Herzog decide di dare nuova vita su grande scherma alla figura di Nosferatu: nasce così Nosferatu, il principe delle tenebre, interpretato da Klaus Kinski e Bruno Ganz.
L’idea alla base del nuovo film è quella di omaggiare la pellicola di partenza, riproducendone quasi per filo e per segno la trama e alcune delle inquadrature più iconiche (sebbene manchi quella della scala).

Quando Herzog gira, i diritti del romanzo Dracula sono ormai scaduti: rispetto all’originale di Murnau, quindi, in questo film i nomi dei personaggi tornano a essere quelli del romanzo di Stoker (nonostante, forse per confusione, i personaggi di Mina e di Lucy risultino invertiti). È curioso considerare come sia Bram Stoker che Friedrich Whilelm Murnau siano indicati come autori del soggetto, soprattutto se si considera che Nosferatu il vampiro ha rischiato di non esistere proprio per la disputa legale tra gli eredi del romanziere irlandese e il regista tedesco.

Werner Herzog ha affermato in più di un’occasione di considerare Nosferatu il vampiro come la pellicola più importante mai prodotta in Germania ed è per questo che ha deciso di realizzarne un remake, come ideale collegamento tra il grande cinema tedesco e quello che viene considerato “il nuovo cinema tedesco”, di cui lui stesso è esponente.

L’ombra del vampiro

Poco fa vi ho raccontato che numerose leggende si erano diffuse nel 1922 intorno alla figura dell’attore protagonista Max Schreck. Il fatto che il suo nome e cognome in tedesco suonino come “massimo terrore” e che non fosse un interprete molto conosciuto hanno alimentato dicerie secondo cui si trattasse di una figura inesistente, pseudonimo di Murnau stesso, che avrebbe prestato volto e movenze al suo vampiro, o addirittura di un vampiro vero, scovato dal regista sui Carpazi e ingaggiato in cambio di un oscuro patto.

Proprio da quest’ultima leggenda nel 2000 il regista E. Elias Merhige ha tratto il suo L’ombra del vampiro, omaggio a Nosferatu il vampiro che ripercorre la lavorazione della pellicola.
John Malkovich interpreta il regista Murnau e un incredibile Willem Dafoe dà vita al misterioso Max Schreck che, in questa ricostruzione è davvero un sinistro vampiro assetato di sangue.

La rivisitazione in chiave horror e drammatica cambia la maggior parte delle vicende reali (ovviamente) ma restituisce uno sguardo attento sulla lavorazione dei film muti, reinterpretando alla perfezione inquadrature e scene dell’originale: una dimostrazione definitiva di quanto l’interesse su Nosferatu sia destinato a rimanere acceso nonostante il trascorrere del tempo.

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Recensione

Renfield, il nuovo film ispirato al famosissimo romanzo Dracula di Bram Stoker, uscirà al cinema il 25 maggio, noi lo abbiamo visto in anteprima e ve ne parleremo spoiler free. Renfield è ambientato in epoca moderna a New Orleans (dove si sono anche svolte le riprese) ed è nato da un’idea originale del fumettista Robert Kirkman, famoso soprattutto per aver creato The Walking Dead.

Renfield è distribuito in Italia da Universal Pictures.

Chi è Renfield?

Renfield è un personaggio del romanzo gotico del 1897 Dracula di Bram Stoker: nel libro è un paziente del dottor Seward ed è ricoverato in manicomio poiché soffre di una strana forma di mania che lo porta a mangiare insetti vivi, nella speranza di ottenere la vita eterna e guadagnare poteri sovrannaturali. Renfield è un personaggio disturbante e inquietante il cui ruolo principale è quello di servire Dracula, sia procurandogli delle vittime sia comunicando telepaticamente con lui.

Nicholas Hoult non è stato il primo ad interpretarlo al cinema, infatti ad esempio nel celebre Bram Stoker’s Dracula di Francis Ford Coppola Renfield ha il volto di Tom Waits.

Trama

In questa nuova (ennesima) rivisitazione della storia di Dracula, il protagonista non è il famoso vampiro ma Robert Montague Renfield, il suo “famiglio”, cioè colui che si occupa di soddisfare tutti i bisogni del suo padrone, tra i quali proteggerlo durante il giorno e procurargli vittime fresche di cui nutrirsi, soprattutto dopo uno dei tanti scontri tra Dracula e i cacciatori di vampiri che di solito lo lasciano debole e sfigurato. Per decenni Renfield, probabilmente sotto l’influsso ipnotico del vampiro, ha eseguito fedelmente tutti i suoi compiti anche grazie al fatto che nutrendosi di insetti acquisisce particolari poteri, finché una sera si imbatte per caso in un gruppo di auto-aiuto di persone che cercano di superare la co-dipendenza da un partner tossico. Grazie all’aiuto del gruppo e all’incontro con una poliziotta che da sola combatte contro la corruzione e la criminalità della sua città, riuscirà Renfield a ribellarsi al suo padrone e a trovare finalmente la libertà? Andate al cinema per scoprirlo!

Cast

Il protagonista Renfield è interpretato dal bravissimo Nicholas Hoult (X-Men L’Inizio, Mad Max: Fury Road), che seguo da quando a 13 anni è stato il protagonista di About a boy, mentre il tenebroso e malvagio Conte Dracula è un Nicolas Cage in grande spolvero che è davvero molto somigliante al Dracula di Bela Lugosi, al quale palesemente è ispirato il suo vampiro soprattutto nell’aspetto e nel look. Awkwafina (Shang Chi, La Sirenetta) interpreta la coraggiosa poliziotta Rebecca, un ruolo un po’ troppo serio rispetto a quelli ai quali ci ha abituato l’attrice e rapper e che infatti non convince fino in fondo; Ben Schwartz (Sonic, Afterparty) va sul sicuro interpretando invece un personaggio non dissimile dai suoi soliti, in questo caso il criminale fifone Teddy Lobo.

Alla regia troviamo Chris McKay (The Tomorrow War, LEGO Batman – Il Film).

Concludendo

Le mie aspettative per Renfield erano molto alte, soprattutto grazie al trailer molto accattivante; il film inizia veramente bene con una serie di situazioni divertenti e con un rimando ai classici film su Dracula con Bela Lugosi che mi ha fatto ben sperare, ma purtroppo poi stenta a decollare: la comicità è lasciata un po’ da parte a favore di molte scene d’azione abbastanza splatter e di una trama che si fa fin troppo seria, oltre che parecchio prevedibile. Sapendo che l’idea originale è di Kirkman avremmo potuto aspettarci un tono più serio e cupo oppure, al contrario, che la comicità unita allo splatter fosse più preponderante.

Nicholas Hoult è stato abbastanza bravo, mentre Awkwafina non mi ha convinta in un ruolo troppo serio nel quale forse non ha dato il meglio di sé; mi è piaciuto molto Nicolas Cage, che somiglia davvero tanto a Bela Lugosi e si vede che si è divertito molto ad interpretare Dracula.

La nota molto positiva è che il film dura solo 1 ora e mezza, mentre ultimamente siamo abituati a vedere al cinema film che non durano meno di 2-3 ore!

Nerdando in breve

Renfield è un film d’azione un po’ splatter ispirato ai classici personaggi del romanzo Dracula di Bram Stoker, è abbastanza divertente anche se avrebbe potuto esserlo di più, consigliato se siete appassionati di vampiri e se volete un punto di vista diverso su una storia strafamosa.

Trailer

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Gli anni Trenta e i fenomeni da baraccone

Ci sono film destinati a lasciare un segno indelebile nella storia del cinema e Freaks, diretto nel 1932 da Tod Browning, è senz’altro uno di questi. Decisamente in anticipo sui tempi, il film è stato incompreso nella sua epoca, ha stroncato per sempre la carriera del suo regista ed è stato rivalutato molti anni dopo, raggiungendo la status di cult. E infatti, 90 anni dopo dalla prima proiezione il 20 gennaio 1932, siamo ancora qui a parlarne.

Freaks è, ancora oggi, un film come non ce ne sono altri, unico nel suo genere. Anticonvenzionale e spiazzante, non poteva che essere frainteso nel clima culturale in cui è nato. Quando Browning decide di girare Freaks, infatti, siamo negli anni Trenta: i fenomeni da baraccone, i disabili, i “diversi” in genere vengono guardati con sospetto, diffidenza e addirittura paura e un film in cui non solo vengono resi protagonisti ma sono anche mostrati in tutta la loro normalità di esseri umani non può che generare reazioni controverse, come infatti è stato.

Eppure in Freaks c’è molto di più che “un assalto oltraggioso ai sentimenti, ai sensi, al cervello e allo stomaco degli spettatori” come scrisse The Hollywood Reporter nella sua recensione dell’epoca. E infatti, a partire dagli anni Sessanta, il film è stato protagonista di una progressiva rivalutazione, che ne ha evidenziato il valore artistico e metaforico.

La storia

Freaks si ambienta in un circo itinerante popolato da artisti circensi e fenomeni da baraccone. L’avvenente acrobata Cleopatra, in combutta con il forzuto Ercole, sfrutta il sincero amore che il nano Hans prova per lei per circuirlo. Il suo piano è di sposarlo, ucciderlo con il veleno e appropriarsi delle sue ricchezze. Quando il gruppo di “freaks” amici di Hans scoprirà l’inganno, però, darà il via ad una crudele vendetta.

La realizzazione

Nel 1932 Tod Browning era una stella a Hollywood, reduce dell’enorme successo del suo Dracula, interpretato da Bela Lugosi e uscito l’anno prima. La MGM, casa di produzione dove il regista era tornato dopo l’esperienza in Universal, era pronta quindi ad offrirgli letteralmente qualunque film. Il regista, però, scansò ogni tipo di proposta, perfino un Arsenio Lupin con John Barrymore, pur di realizzare l’unica pellicola che aveva davvero in mente: Freaks.

Browning lavorava al film da anni ed era deciso a portarlo al cinema, nonostante i molti pareri negativi: la MGM da lui si aspettava un horror degno di Dracula e, alle prese con una storia circense di fenomeni da baraccone, pensò ad una storia dell’orrore e scommise sulla visione del regista. Quello che non sapevano, però, era che Browning non avrebbe diretto un horror e che si sarebbero trovati per le mani uno dei più colossali flop a livello di incassi che la storia del cinema ricordi.

I primi problemi iniziarono già in fase di lavorazione: Browning insistette per scritturare veri freaks, scovati nei circhi itineranti. Il regista proveniva dal mondo del circo, dove aveva mosso i primi passi artistici prima di approdare al cinema: per lui, i fenomeni da baraccone non erano altro che persone con le quali imbastire un normale rapporto di lavoro. Non era così per tutti i componenti del cast tecnico però: molti non nascondevano il proprio disagio per quell’ambiente di lavoro e la produzione fu addirittura costretta ad allestire un secondo locale mensa dove sistemare gli attori “più particolari” del film.

La prima versione di Freaks era più lunga di quella che possiamo guardare adesso e decisamente più cruenta. Nel finale venivano mostrate le sevizie a cui i membri del circo sottoponevano Ercole e Cleopatra per vendicarsi ed era assente la scena della riconciliazione finale tra i nani Hans e Frida. Colpito da pesanti tagli e censure, il film raggiunse infine una durata di appena 64 minuti e le scene escluse dal montaggio finale sono oggi irrimediabilmente perdute, distrutte o smarrite.

L’accoglienza

I problemi di Freaks si manifestarono già nelle visioni di prova: quando la prima versione del film, quella senza tagli, fu mostrata ad un pubblico campione si registrarono reazioni disgustate, svenimenti, malori e – si vociferava – perfino un aborto spontaneo. Proprio questi primi commenti negativi portarono la MGM a pretendere i tagli, per cercare di salvare il proprio investimento.
Nel tentativo di catturare l’attenzione e la curiosità del pubblico, Freaks venne pubblicizzato come il nuovo horror di Tod Browning, anche se di horror aveva poco o niente e si scelse di calcare la mano sugli aspetti bizzarri dei protagonisti, stimolando la morbosità del pubblico nei loro confronti.

Non funzionò: Freaks si rivelò un disastro a livello di incassi, unica pellicola MGM ad essere ritirata da cinema prima del previsto. Inondato di critiche negative, il film venne accolto con repulsione per le immagini mostrate sullo schermo e fu vietato in Germania, Gran Bretagna, nella città di Cleveland e anche in Italia (dove fu trasmesso per la prima volta direttamente in TV nel 1983).

Da quel momento in poi la carriera di Tod Browning, che solo un anno prima aveva il mondo del cinema ai suoi piedi, fu definitivamente distrutta: isolato da Hollywood, lavorò solo a pochi film mediocri prima di ritirarsi definitivamente dalle scene nel 1942. Dimenticato e incompreso, il regista morì in solitudine vent’anni dopo, nel 1962. Ironia della sorte, è proprio in quegli anni che il suo film maledetto inizia ad essere rivalutato, a partire dagli ambienti della controcultura.

Apprezzato per la sua visione sul tema della diversità decisamente in anticipo sui tempi, in cui i fenomeni da baraccone vengono mostrati nella loro normalità e i cosiddetti normali mettono in luce tutta la propria meschinità, Freaks viene gradualmente considerato un film cult, inserito per la conservazione nel National Film Registry degli Stati Uniti e nella rassegna Il cinema ritrovato della Cineteca di Bologna.

Un film ancora oggi sconvolgente, anche se non per i motivi che portarono a bollarlo come inaccettabile negli anni Trenta e che, a distanza di 90 anni, ha ancora molto da dire al pubblico disposto a guardarlo senza pregiudizi. Se volete scoprire in prima persona il sogno che costò la carriera al suo ideatore, Freaks è disponibile in Italia nella sua versione superstite di 64 minuti (in lingua originale con sottotitoli italiani) nel catalogo di Amazon Prime Video.

Trailer

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Agosto 2021

Un agosto 2021 caldissimo? Per fortuna a rinfrescarci ci pensa Koch Media con le sue uscite home video. Questo mese ci sono tanti titoli da non perdere e, per gli appassionati tematici, diamo uno sguardo anche alle proposte dei brand tematici targate Midnight Factory e Anime Factory!

Koch Media

È uno dei film più amati e ricordati di sempre: Forrest Gump, il cult di Robert Zemeckis interpretato da un incredibile Tom Hanks, fa il suo ritorno in pompa magna in home video grazie a un’imperdibile edizione Steelbook 4K UHD: dal 26 agosto lo troverete sia in DVD che in Blu-Ray ma in entrambi i casi potrete bearvi di una marea di contenuti speciali da non perdere.

Tom Hanks è l’indiscusso protagonista dell’agosto di Koch Media e infatti, diretto questa volta da Steven Spielberg, è il protagonista di un altro classicone super cult: Salvate il soldato Ryan. Il film viene presentato per la prima volta in un’edizione Steelbook 4K UHD ricchissima di contenuti speciali. Dal 26 agosto in Blu-Ray.

Il nostro rinfrescante tuffo nel passato continua con il secondo film di Luc Besson, che si rivela un surreale viaggio nella metropolitana parigina in compagnia di Christopher Lambert. Subway, vincitore di 3 premi Cesar, sarà disponibile dal 5 agosto in DVD e Blu-Ray.

Infine qualche altro brivido lo avremo da Vlad l’Impalatore: e se Il Trono di Spade incontrasse Vikings? Più o meno verrebbe fuori questo film, che racconta in chiave action il lato meno noto della Storia alla base della leggenda di Dracula. Dal 5 agosto in DVD e Blu-Ray.

Midnight Factory

E se avete bisogno di emozioni forti per scacciare la calura estiva, non resterete certo delusi da Midnight Factory che per agosto 2021 ci propone un titolo decisamente in linea con la stagione: Aquaslash, infatti, vede un parco di divertimento acquatico trasformarsi in una crudele trappola mortale. Dal 5 agosto lo troverete in DVD e Blu-Ray in edizione limited più booklet.

Anime Factory

E gli appassionati di animazione giapponese? Non resteranno certo a bocca asciutta! Ad agosto, infatti, arriva l’attesissimo quinto film dell’icona generazionale Lamù, in una nuova versione rimasterizzata e per la prima volta in Blu-Ray in alta definizione.
Lamù – La ragazza dello spazio – Final Chapter sarà disponibile dal 26 agosto in DVD e Blu-Ray.

Dal 26 agosto, inoltre, troverete anche Judo Boy, il classico delle arti marziali firmato da Tatsunoko che arriva per la prima volta in Blu-Ray in alta definizione: lo troverete anche in DVD.

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Giornata del libro

Oggi siamo prontissimi a scatenare il più feroce dei dibattiti: quando si guarda un film tratto da un romanzo, infatti, si alza il consueto coro di “era meglio il libro!” ma noi, in occasione della giornata del libro, ci siamo posti nell’ottica opposta e ci siamo chiesti quali siano i casi in cui è il film ad essere meglio del libro.

Affilate i coltelli preparatevi, dunque, per scoprire quali sono secondo noi le occasioni in cui la celluloide ha fatto meglio della carta stampata e ha dato vita a una pellicola migliore dell’opera di partenza!

Zeno2k – Ready Player One

Avete presente quel modo di dire per cui esistono libri per i quali è impossibile fare una trasposizione cinematografica? Ebbene, io sono il primo a sostenerlo, ma occorre fare un distinguo: non sempre è un’accezione positiva. Esistono libri praticamente impossibili da trasformare in film (o serie TV) perché, semplicemente usano un linguaggio inadatto, o hanno un’audience fuori mercato (se non proprio defunta), o ancora troppo di nicchia, a meno di non stravolgerli nel profondo.

Ecco, è esattamente questo che è successo con Ready Player One. Un libro che ho anche apprezzato, lo ammetto, ma che nonostante la mia veneranda età, è talmente di nicchia che persino io sono borderline: ho vissuto gli anni dell’Atari, ma era agli sgoccioli e Joust l’ho visto solo in foto, mai nei bar sotto casa.

Ammettiamolo: davvero potevamo chiedere a zio Spielberg di mettere in scena una sfida arcade tra Parzival ed il lich boss di un’avventura di Dungeons and Dragons? O ancora l’infinita partita a Pac-Man con cui raccoglie la celebre moneta della seconda vita? O le infinite lungaggini che separano il ritrovamento della prima chiave dalla seconda? O, infine, il noiosissimo finale con la soporifera riproposizione dei Monty Python and the Holy Grail?

Insomma: il libro sta bene dove sta, ha alcune trovate memorabili e meccanismi che mi hanno fatto saltare sulla poltrona, me non era trasportabile.

Il film, invece, è una vera festa per gli occhi: condivide con il libro il plot e poco altro, ed è in fin dei conti un immenso easter egg con scene memorabili (“scelgo la forma del Gundam”, per dirne una), migliaia di riferimenti alla cultura nerd pop che spazia per molte più decadi rispetto al libro, incentrato sugli anni ’80 ed un ritmo serratissimo, senza cali, né lungaggini inutili.

Certo è anche molto semplificato e tanti degli obiettivi e successi che Parzival ottiene nel libro, qui vengono banalizzati. Però, dai: non c’è paragone.

Per sintetizzare: il film l’ho già rivisto tre volte, compresa una in lingua originale; il libro resterà per sempre sullo scaffale.

Giakimo – Il Padrino

Una scelta dettata dalla grandezza di una versione nei confronti dell’altra. Il romanzo Il Padrino, scritto da Mario Puzo e uscito nel 1969 fu un successo clamoroso e giustificò l’interesse per l’adattamento cinematografico. È un libro divertente, molto simile al film e con parecchia carne al fuoco in più che è stata poi aggiunta ne Il Padrino – Parte Seconda.

E allora perché la mia scelta? Semplice, perché il film è uno dei cinque film più belli di sempre. Il Padrino di Francis Ford Coppola è un capolavoro assoluto, con una regia gigantesca e attori tutti in stato di grazia. L’ho rivisto di recente e sebbene Marlon Brando sia come al solito incredibile, sono rimasto impressionato ancora di più da Al Pacino. E non sono solo loro due a lasciare a bocca aperta.

Insomma, nel 1972 è uscito un film troppo bello e troppo grande da poter competere con la sua versione originale. Quella che in mano a Puzo era una saga pulp sulla criminalità organizzata, nella mani di Coppola diventa l’epica al rovescio del Sogno Americano, la vera nascita di una nazione.

Morgana – Dracula

Incredibile ma vero, sono ben 2 i film che mi sono piaciuti più dei libri da cui sono tratti!

Cominciamo col botto: Bram Stoker’s Dracula. Ho visto il film di Francis Ford Coppola quando ero adolescente, sono rimasta ammaliata dal conte Dracula di Gary Oldman e mi sono appassionata ai vampiri in generale (molto prima che Twilight rovinasse tutto): ho deciso quindi di leggere il libro originale e… che delusione è stata scoprire che nel romanzo di Bram Stoker non c’è la storia d’amore disperato che nel film è invece un elemento fondamentale! Non viene fatto cenno al fatto che Mina fosse la reincarnazione del perduto amore del conte Vlad… insomma, la me adolescente ci è rimasta abbastanza male, senza nulla togliere al romanzo che è comunque bellissimo.

Il secondo film che secondo me è migliore del libro è Canone Inverso, praticamente per lo stesso motivo: nel libro di Paolo Maurensig non c’è la storia d’amore tra il protagonista Jeno e la bella pianista Sophie. Che ci volete fare, sono un’inguaribile romantica!

Clack – Shining

Shining, diretto nel 1980 da Stanley Kubrick con la magistrale interpretazione di Jack Nicholson e a partire dal romanzo del maestro del brivido Stephen King, è uno degli esempi più clamorosi di film che riesce a superare il libro da cui è tratto.

Kubrick, in effetti, ha rimaneggiato molto l’idea di partenza di King: uno scrittore in crisi che, sperando di ritrovare l’ispirazione perduta, accetta l’incarico di guardiano invernale di un hotel isolato dal resto del mondo. Una volta trasferitosi lì con la famiglia, inizieranno ad accadere fenomeni molto molto strani.

La storia, tra film e libro, è la stessa ma il regista ha aggiunto alcuni degli elementi più iconici e indelebili nella mente del pubblico quando pensa a Shining: le gemelline inquietanti, il labirinto, il finale. I cambiamenti sono tantissimi e tutti di un certo peso.

Stephen King, uno che la prende bene, ha letteralmente odiato la trasposizione, arrivando a definirla “il peggiore adattamento filmico di un mio scritto“. C’è chi la pensa come lo scrittore, chi è di tutt’altro avviso. Io sono sicura di una cosa: il film supera di gran lunga il libro e aggiunge tutti gli elementi che trasformano quello che era semplicemente un romanzo godibile in un capolavoro della settima arte.

Gattiveria – Le ali della libertà

«La paura può tenerti prigioniero, la speranza può renderti libero.»

Anche se sono un soggetto che si emoziona maggiormente di fronte ad un un’immagine che ad un testo devo riconoscere che mediamente il libro aggiunga sempre qualcosa di più.

Quando leggi, la scena la immagini con la tua fantasia, il tuo gusto estetico.

Un caso che per me fa eccezione è un racconto di Stephen King in cui il maestro è stato superato.

Pur essendo una piacevole novella (inserita nella raccolta Stagioni diverse, pubblicata nel 1982), Rita Hayworth e la redenzione di Shawshank è un racconto come tanti, a mio parere: un interessante spaccato della vita da carcerato degli anni ’40 ma nulla di più. Non giocano a suo favore le magistrali interpretazioni di Tim Robbins e di Morgan Freeman e la sceneggiatura da Oscar del regista Frank Darabont. Il fatto poi che la trasposizione cinematografica Le ali della libertà sia stato inserito da Esquire al quarto posto tra i 500 migliori film della storia e che sia il primo della lista dei 250 film migliori di tutti i tempi su IMDB, conferma le mie teorie.

Giando – Lo Hobbit

So che ciò che sto per scrivere causerà probabilmente disonore sul mio nome, ma devo ammettere che mi è piaciuta più la versione cinematografica de Lo Hobbit rispetto al libro del buon Tolkien. Mentre schivo pomodori e uova marce, fatemi spiegare perché. Innanzitutto non è che il libro non mi sia piaciuto, anzi, trovo che sia una di quelle letture da introdurre a scuola; tuttavia la versione cinematografica mi ha fatto sognare ancor più grazie alla Nuova Zelanda e grazie a un po’ più di tridimensionalità dei personaggi, che forse è ciò che più fa la differenza.

Thorin l’ho trovato molto tormentato e Richard Armitage III ha compiuto un ottimo lavoro nel raffigurare la determinazione prima, la follia poi e la redenzione infine di un personaggio che, nel libro, fa forse una fine troppo sbrigativa. Anche il protagonista Bilbo ha quella vena di “cazzimma” che nel libro ho sentito meno, forse più acido che pungente. Inoltre, sempre parlando del finale, gli ultimi scontri che vedono la morte di Fili e Kili sono molto più emotivamente impattanti di quanto vediamo nel libro, dove sono personaggi più pronti a menare le mani e meno ad essere sfaccettati come, specie per Kili, vediamo nel film, e la loro morte viene infatti liquidata in poche parole da un freddo Tolkien. Anche Legolas – per quanto Orlando Bloom non sia più giovanissimo, e si vede – è un personaggio molto più “ragazzino” rispetto al pacato guerriero che vediamo ne Il Signore degli Anelli, e questo aspetto si nota più nel film che nel libro, dove sembra già “il solito, vecchio Legolas”.

Infine affronto l’argomento più spinoso e che probabilmente è uno dei motivi principali per cui questo film è così odiato: Tauriel. Beh, gente, io non ci vedo niente di male ad aver inserito una storia originale e soprattutto di rottura con le categorie eccessivamente rigide “io elfo, tu nano”. Se proprio Tolkien ne Il Signore degli Anelli ha creato una bellissima amicizia tra un elfo e un nano, perché non potrebbe scoppiare una scintilla amorosa tra un’elfa irrequieta e un nano “un po’ più alto”? Io capisco bene i fan che non vogliono che l’opera venga troppo cambiata, tuttavia mi piace vedere il film come l’interpretazione di Peter Jackson di un libro e non come un semplice copiaincolla. Se voglio l’opera originale, e questo pensa valga quasi sempre, allora leggo il libro, perché personalmente non mi aspetto che un film sia 100% uguale alla fonte… altrimenti dov’è il tocco personale di un regista?

Jedi.lord – Kick-Ass

Io di solito sono del partito “meglio il libro”, ma con Kick-Ass non ho dubbi, meglio il film!

Il fumetto, l’opera che è nata prima, scritto da Mark Millar e disegnato da John Romita Jr., proponeva una tematica molto interessante: ma se un ragazzino si mettesse in testa di fare il supereroe, senza aver alcun potere, cosa potrebbe accadergli?

Lo lessi quando fu pubblicato per la prima volta in Italia, ma a dispetto di moltissimi pareri entusiasti, mi lasciò piuttosto tiepido, pur piacendomi in generale la produzione di Millar.

Non avevo quindi particolare hype per la trasposizione cinematografica, che infatti recuperai molto tempo dopo l’uscita.

E che film!
Piaciuto tantissimo, lo trovo migliore dell’opera da cui è tratto per parecchi aspetti, non ultimi il modo in cui è trattata la storia d’amore principale, e il finale, che mi ha soddisfatto in maggior misura.

Che ci volete fare, sono un romanticone!

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Recensione

Adorate i viaggi e i vampiri? Allora Vampiri: dove trovarli pubblicato da NPE vi farà impazzire!

Scritto da Michele Mingrone, Caterina Scardillo e Sara Vettori, Vampiri: dove trovarli è la nuova guida ai misteri di Imaginary Travel Ltd. ed Edizioni NPE, che raggiunge le librerie dopo l’enorme successo del capitolo precedente, I luoghi di Lovecraft.
Protagonisti indiscussi sono i vampiri, raccontati sotto una luce inedita e con uno stile divertente e brioso.

Non siamo davanti al solito libro di vampiri ma a una guida sfaccettata e mai noiosa che ci svelerà tutti i segreti dei luoghi più famosi legati ai vampiri più celebri della letteratura.

Stile

Avete presente le guide di viaggio? Ecco, quella che vi troverete davanti sfogliando Vampiri: dove trovarli si inserisce perfettamente nel solco del genere e non ha nulla da invidiare ai più approfonditi manuali per il perfetto viaggiatore. L’argomento al centro della guida, tuttavia, è piuttosto insolito e, oserei dire, anche un po’ macabro.
Il libro, infatti, si propone come la guida definitiva ai luoghi di vampiri. Dracula, come è lecito aspettarsi, ma non solo: tutti i più famosi vampiri della letteratura sono rappresentati. A cominciare da Carmilla, spunto per dare il via alla narrazione.

Se avete sempre sognato di partire per un tour di vampirologia e vivere i luoghi che hanno fatto da sfondo alle avventure dei succhiasangue, allora dovete armarvi di questa guida. Ma attenzione a quello che troverete…
Non solo Europa, che naturalmente occupa comunque il grosso della narrazione, ma anche Asia e Nord America per un viaggio che non lascia scoperta alcuna porzione di mondo per quanto riguarda i non morti più affascinanti della letteratura. In chiusura, anche un capitolo dedicato ad altre creature, le biografie degli alter ego degli autori e uno spazio per le note del viaggiatore.

Ogni sezione è organizzata come quella di ogni guida di viaggio che si rispetti, con la descrizione dei luoghi più significativi per il mondo dei vampiri e approfondimenti su dove mangiare, dove dormire e dove fare shopping a tema. Non mancano le illustrazioni, particolarmente accurate, le mappe, i ritratti dei personaggi di cui si parla e dettagli grafici ad arricchire le pagine.

Gustosa, poi, l’introduzione, che costruisce un divertente e simpatico spunto per la stesura della guida di viaggio. E se i vampiri non volessero altro che procurarsi nuove vittime?

Edizione

Vampiri: dove trovarli si distingue per un’edizione decisamente elegante. A cominciare dalla copertina cartonata, che si presenta in un rosso carminio d’impatto e scritte dorate con decorazioni rifinite in tinta.
All’interno, le 272 pagine sono fitte di dettagli, disegni, appunti e mappe, come ci si aspetterebbe da una guida di viaggio.

Un ottimo lavoro per un libro corposo e ricco, che soddisfa pienamente le aspettative del lettore. E che attualmente trovate anche in sconto sul sito di NPE al prezzo di 23,75€.

Nerdando in breve

Vampiri: dove trovarli è la guida definitiva al mondo dei non morti succhiasangue. Simpatico e approfondito, questo manuale non può mancare nella libreria di ogni appassionato di vampiri.

Nerdandometro: [usr 4.0]

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Recensione

Il panorama horror internazionale, ultimamente, è strapieno di prodotti di ogni genere, molti dei quali -diciamolo- risultano facilmente ripetitivi e mediocri. Capita ogni tanto, tuttavia, che in questa marea di film poco interessanti ne spunti uno in grado di catturare l’attenzione.
È quello che mi è successo con Bliss, che ho avuto modo di recuperar in edizione home video grazie a Midnight Factory, brand di Koch Media dedicato al brivido e alle emozioni forti.

Scritta e diretta da Joe Begos, Bliss è una pellicola allucinata che fonde alla perfezione arte, splatter, miti horror classici e corre sul filo sottile che separa realtà dal parto di una mente in preda alle droghe. Paura e delirio in punta di pennello, insomma, con un pizzico di Dracula.
Un mix ardito che però rimane in perfetto equilibrio per tutto il tempo.

Trama

La giovane Dezzy è una pittrice in piena crisi creativa e sommersa dai debiti. Il quadro a cui sta lavorando può e deve rappresentare la svolta e Dezzy è convinta che sarà il suo capolavoro. L’ispirazione però fatica ad arrivare, così la ragazza cerca fonti esterne per trovare la creatività perduta: droghe sempre più forti ed esperienze estreme. In una situazione del genere, è facilissimo perdere il controllo e Dezzy si ritroverà coinvolta in una spirale di sangue e droga da cui è difficilissimo uscire.

Stile

Bliss è un film di vampiri ma, a ben guardare, il vampirismo si rivela un accessorio non fondamentale nella pellicola: la narrazione si concentra infatti sul processo creativo, sul suo procedere a partire da qualcosa di magmatico fino alla piena e compiuta espressione, sul continuo rincorrersi di apollineo e dionisiaco fino a raggiungere il perfetto equilibrio. Creazione e distruzione, in una perfetta circolarità.
Non a caso, il regista e sceneggiatore Joe Begos ha dichiarato di aver raffigurato proprio se stesso nella tormentata Dezzy (interpretata da una intensa Dora Madison).

Tutto il film, proprio come la sua protagonista, oscilla tra realismo estremo e una dimensione visionaria, violenta e ipercolorata. Begos non ci risparmia sangue e gore, spinge ogni cosa al massimo e dà vita a un film cupo e dalla fotografia sporca.
Quando ha scritto Bliss, Begos, si trovava in un periodo nero a livello lavorativo: le sue sceneggiature venivano rifiutate perché giudicate troppo costose e in lui cresceva la frustrazione. Così ha deciso di ripartire da zero, realizzando un film dal budget ridottissimo e infondendogli i suoi stessi stati d’animo: il risultato è Bliss.

Quello di Bliss può essere agevolmente riassunto come “realismo fantastico“: quella che ci viene mostrata è una storia di vampiri, eppure in noi spettatori resta sempre il dubbio, mai chiarito, se quello cui stiamo assistendo stia accadendo davvero o non sia piuttosto un trip allucinato partorito dalla mente della protagonista a causa delle droghe assunte. Il dubbio resta e non importa: quello che funziona, in Bliss, è proprio l’ambiguità di fondo, perfetta metafora del processo creativo che si cela dietro grandi capolavori.

Edizione home video

L’edizione home video di Bliss curata da Midnight Factory ci restituisce la pellicola nella sua pienezza stilistica: nel film luci, colori e fotografia sono parte integrante e in questa edizione riusciamo ad ammirarli al loro meglio.
La versione che ho guardato io è quella Blu-Ray, con interessanti contenuti speciali, sovracopertina in cartoncino e un utile booklet che ci fornisce il punto di vista dello stesso regista Joe Begos.

Nerdando in breve

Bliss è un viaggio allucinato nell’arte e nel mondo dei vampiri, perfetta metafora del processo creativo. Un horror atipico che stupisce in positivo.

Nerdandometro: [usr 3.8]

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Serie TV 2020

Con l’arrivo dell’anno nuovo ci aspettano molte novità anche sul piccolo schermo: dopo aver parlato dei film che non possiamo lasciarci scappare nell’anno appena iniziato diamo uno sguardo anche alle serie TV 2020 da tenere sott’occhio.

Novità

Le novità si fanno largo già dal primo giorno: il primo gennaio, infatti, su Sky Atlantic è iniziata la messa in onda di His Dark Materials – Queste Oscure Materie, basata sulla trilogia letteraria scritta da Philip Pullman. Gli 8 episodi che compongono la prima stagione seguono le vicende del primo romanzo.

È invece disponibile su Netflix dal 4 gennaio Dracula, miniserie britannica creata da Mark Gatiss e Steve Moffat e incentrata sull’iconico vampiro creato dalla mente di Bram Stoker.

Arriverà nel corso dell’anno la produzione Sky Diavoli, interpretata da Patrick Dempsey, Alessandro Borghi e Kasia Smutniak. La serie ci trasporta nel mondo dell’alta finanza.
Dal 26 febbraio, inoltre, Sky Atlantic trasmetterà The Outsider, miniserie televisiva ispirata dall’omonimo romanzo di Stephen King e interpretata da Ben Mendelshon.

Per il mese di marzo è previsto l’arrivo della piattaforma Disney+ anche in Italia. Tra i titoli più attesi c’è sicuramente The Mandalorian, serie ambientata nell’universo narrativo di Star Wars particolarmente apprezzata oltreoceano. Il MCU tornerà invece con The Falcon and the Winter Soldier, incentrata sui personaggi di Sam Wilson e Bucky Barnes.

È attesa per il mese di gennaio Star Trek: Picard che vedrà Patrick Stewart tornare nei panni dello storico personaggio e sarà distribuita su Amazon Prime Video.
Prime Video distribuirà anche Hunters, serie TV drammatica interpretata da Al Pacino.

Per quanto riguarda Netflix, da segnalare è senz’altro la produzione italiana Luna Nera, ambientata nel XVII secolo in Italia, la serie ci parla di stregoneria e sarà disponibile a partire dal 31 gennaio. Ci sarà ancora da attendere, invece, per Curon, altra produzione italiana che si preannuncia decisamente interessante.

I ritorni

È previsto per il mese di febbraio il ritorno con la quinta stagione di Better Call Saul. Lo spinoff di Breaking Bad che si concentra sulla figura di Saul Goodman, l’avvocato interpretato da Bob Odenkirk, è distribuito in Italia da Netflix.

Sempre su Netflix, probabilmente, in autunno arriverà la quarta stagione dell’amatissima serie Stranger Things. Le riprese sono iniziate proprio nel mese di gennaio.

Dal 10 gennaio, su Sky Atlantic, va in onda The New Pope, serie di Paolo Sorrentino collegata a The Young Pope che vede il ritorno di Jude Law e il debutto di John Malkovic.

Non c’è ancora data di uscita, invece, per Penny Dreadful: City of Angels, spinoff dell’apprezzatissima Penny Dreadful che sarà interpretato da Natalie Dormer.

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Nel corso di Lucca Comics & Games 2019, grazie a Edizioni BD, ho avuto l’occasione di intervistare Veronica Ciancarini, autrice di Bleeding Mariachi.
Avevo letteralmente adorato il libro, opera prima dell’autrice, e sono stata quindi felicissima di poterla incontrare di persona e discutere con lei del suo lavoro e della sua ispirazione.
Ecco cosa ci siamo dette!

Clack: Ciao, Veronica e grazie per questa intervista! Per prima cosa volevo chiederti: Bleeding Mariachi è un’opera veramente molto originale ed è anche il tuo esordio. Com’è nata l’idea per questa storia e come mai hai scelto una storia così particolare per iniziare la tua carriera?

Veronica: Ciao e grazie a te! Non ho mai studiato fumetto, mi sono appena laureata in scenografia, quindi facevo tutt’altro. Nel momento in cui ho avuto l’occasione di proporre qualcosa a Edizioni BD, quindi, il primo pensiero è stato: “facciamo qualcosa che in primis piaccia a me!”. Mi piacevano i vampiri, mi piace questo tipo di atmosfera che è adatta ad un pubblico che può andare diciamo dai 12 anni in su, quindi abbastanza “family friendly“, e poi il Messico, perché anche nei miei studi di scenografia avevo studiato ad esempio Frida Kahlo, per cui mi ero appassionata a quel tipo di immaginario. E poi in Bleeding Mariachi c’è molto anche di uno dei miei film preferiti, che è La strada per El Dorado o anche della cinematografia di Robert Rodriguez, la trilogia de Il Mariachi, per esempio. Ma non solo, c’è anche un po’ di Tim Burton, se vogliamo: infatti c’è anche stato chi ha paragonato Bleeding Mariachi a La Sposa Cadavere. Insomma, un misto di questi aspetti e di queste cose che mi piacciono. La storia nasce da questo, nasce da una volontà di far qualcosa che in primis potesse piacere a me in modo da potermici dedicare completamente e non stufarmi durante il processo.
Il personaggio, poi, esisteva dal 2015 in realtà, perché io l’avevo creato un po’ indietro nel tempo e quindi si è trattato solamente (anche se poi si è rivelata la parte più faticosa in realtà) di creare una storia che si potesse adattare al personaggio, che era quello di questa vampira messicana, vista quasi come un “canzonamento” dello stereotipo del vampiro, sempre descritto di un bianco pallido e invece lei è messicana quindi c’è anche questo aspetto.

C: Mi ha colpito molto la scelta grafica: Bleeding Mariachi è tutto giocato su tre colori, il bianco, il rosso e il nero. Io ci ho visto anche una interpretazione simbolica, dal momento che ci sono anche tematiche non semplici come l’elaborazione del lutto, il superamento di una perdita grave e allo stesso tempo c’è anche molto equilibrio. Mi sono chiesta quindi se la scelta grafica è stata influenzata da questi aspetti.

V: C’è una duplice ragione. La prima è che non sono una colorista, quindi ho pensato “Che cosa faccio? Lo faccio a colori oppure mi invento qualcosa?” Avendo studiato cromatologia, avendo già lavorato sulla figura del vampiro (nel corso di scenografia avevamo affrontato un esame su Dracula), quindi avevo già studiato questo tipo di associazione di questi tre colori all’iconografia del vampiro. Colori che poi sono simbolici, appunto, in quanto il nero è il mistero ma anche la morte, il rosso è il sangue ma anche l’amore, il bianco è la purezza e la speranza. Quindi c’era questa simbologia che ritornava comunque nelle tematiche di cui volevo occuparmi. Per cui sì: assolutamente la scelta grafica è associata anche ad un’interpretazione simbolica.

C: In realtà la storia si conclude, ovviamente, però allo stesso tempo si crea un vero e proprio universo narrativo: hai intenzione magari in futuro di riprenderlo in mano e di raccontare qualcos’altro di questo universo che si è venuto a creare o pensi che rimarrà un’esperienza unica?

V: Per il momento non è in programma, però è stato bello lasciare aperta la possibilità. Io idee ne ho, anche per possibili sequel o spinoff. Al momento non sono in programma però la porta resta aperta e sono ben disposta a continuare la storia di Sus e Lube/Cielito.

C: In Bleeding Mariachi i personaggi sono tutti molto ben caratterizzati e tutti riescono a generare grande empatia col lettore. Se dovessi indicare il mio preferito, però, sarebbe Cielito. Tu, da autrice, hai un personaggio che potresti definire come il tuo preferito?

V: Preferito no, perché sarebbe impossibile scegliere il preferito tra i propri figli. Penso però che quello che mi somiglia di più sia Guillermo, sicuramente. Perché è pieno di paure, di insicurezze e ne ho messe un po’ delle mie in lui. Nel caso di Guillermo l’origine delle insicurezze era nella nonna molto severa, nel mio caso invece erano altre fonti però sia io che Guillermo siamo persone che hanno bisogno di dimostrare a se stessi che possono fare di più. Potremmo dire che Guillermo sono io al maschile con la parrucca bianca, è come se fosse il mio alter ego.

C: Ci sono artisti che prendi come punto di riferimento per il tuo lavoro o che comunque hanno influenzato non solo il tuo immaginario ma il tuo stile?

V: Sì, per quanto riguarda l’immaginario e la scelta delle atmosfere, come ho già detto, Tim Burton ma, nella fattispecie come artista e come pittore, moltissimo Edward Gorey.
Per quanto riguarda i fumettisti, la mia fumettista preferita, che è anche una mia compaesana e una delle mie migliori amiche, Ilaria Catalani, che ha fatto di recente lo spinoff di Space Opera per la Panini. Lei è stata un punto di riferimento per me fin dal liceo.
Isabella Mazzanti, anche. Soprattutto io ho ripreso il suo Carmilla, in cui lei usa una chiave cromatica simile a quella che ho usato io in Bleeding Mariachi, anche se lei lavora molto con le sfumature, con le matite però anche lei è stata un’ispirazione.
Mike Mignola, nella gestione dei neri, perché io mi sono dovuta togliere questa paura di usare il nero pieno, di usare un tono così compatto. Questo è stato molto difficile e mi ha aiutato molto vedere Mike Mignola. Anche Gatignol di Piccolo, Gli Orchi-Dei, che ha utilizzato molto i neri, mi ha aiutato a sciogliermi da questo punto di vista.

C: Puoi dirmi qualcosa su i tuoi prossimi progetti? Cosa ci aspetta?

V: Allora, prendiamola molto con le pinze: si continuerà a parlare di vampiri ma non vi posso assicurare che si tratterà di storie di vampiri, mettiamola in questo modo. Però continuerò a indagare quell’aspetto folkloristico. Anche altre creature, magari. Però il vampiro mi ha sempre affascinato e vorrei portare alla luce dei lati magari meno esplorati di questo tipo di creatura.

C: Perfetto! Considerando poi che la nostra intervista capita nel giorno di Halloween, direi che non poteva esserci conclusione più adatta! Ti ringrazio molto!

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