Recensione

Credo che un grande numero di lettrici e lettori di Nerdando siano, tra le varie sfumature Nerd, appassionate ed appassionati di animazione giapponese. Forse alcuni, che si sono avvicinati da poco a questo mondo o con le opere più recenti, non sapranno che la storia dell’animazione giapponese inizia quasi 70 anni fa, alla fine degli anni ‘50, con il film La leggenda del serpente bianco, che ha cambiato la vita di molti, per vari motivi. Ed è qui che cambia anche la vita di Shigeyuki Hayashi, noto ai più con il nome d’arte Rintaro, che racconta la sua vita in questo fumetto autobiografico e che ci regala una visione intima e profonda della sua storia, intrecciata con quella dell’animazione giapponese, in una ottima edizione targata Bao, che ringrazio caldamente per averci inviato una copia de La mia vita a 24 fotogrammi al secondo per questa recensione. 

Trama

Giappone, 1941. La seconda guerra mondiale dilaga e Rintaro si reca in campagna per sfuggire ai bombardamenti assieme alla madre e al fratello. Il padre, qualche anno dopo, si ricongiunge a loro una volta terminata la sua parentesi da militare, e da quel momento in poi inizia a introdurre un giovanissimo Rintaro al mondo del cinema, sua vecchia passione mai scemata nonostante i drammi della guerra. Da qui nasce un’incredibile infatuazione che spinge Rintaro a interessarsi sempre di più al mondo del cinema, soprattutto in seguito al suo ritorno a Tokyo e alla sua giovinezza passata guardando i film che hanno scolpito il mondo del cinema come Riso Amaro, disegnando e sognando di trovare il suo posto nel mondo dell’arte visiva. Rintaro prova a inviare una sua sceneggiatura a un editore, venendo rifiutato, ma la vera svolta avviene nel momento in cui decide di rispondere a un annuncio per lo studio Toei – uno degli studi di animazione più importanti del Giappone – per partecipare alla creazione del primo film di animazione di sempre, La leggenda del serpente bianco. 

L’inizio dell’attività nel mondo del cinema e il conseguente incontro con molte personalità di spicco ha il suo culmine con l’inizio della collaborazione con Osamu Tezuka, creatore di Astro Boy, che stava creando il suo studio di animazione (Mushi Production) per la creazione di quello che sarebbe stato il primo vero e proprio anime, ossia la serie di Astro Boy. 

Da qui si apre un mondo per Rintaro, che è un vero e proprio pioniere, che continua a sperimentare e a creare, arrivando a essere il regista di opere di un’importanza fondamentale come Capitan Harlock e Galaxy Express 999, per giungere al culmine creativo (e tecnologico) rappresentato da Metropolis, opera realizzata proprio da Osamu Tezuka (venuto a mancare nel mentre) e realizzata con la sceneggiatura a cura di Katsuhiro Otomo, creatore di altri mostri sacri del calibro di Akira. 

L’uscita di Metropolis nel 2001 rappresenta la chiusura di un cerchio per Rintaro, che ci racconta la sua vita, le luci e le ombre che lo hanno seguito in un percorso tortuoso ma con una incredibile passione a guidare i suoi passi, anche nei momenti più complessi.

Stile

La mia vita a 24 fotogrammi al secondo ci accompagna in tanti attimi della vita di Rintaro, alternando spaccati quotidiani, raccontati con affetto e ironia, a momenti più tecnici dove ci vengono raccontati i meccanismi della produzione dell’animazione, la sua evoluzione e anche qualche episodio divertente vissuto nello studio assieme ai colleghi. Questo fumetto è una grande lettera d’amore al padre, a Osamu Tezuka e a tutte le persone che hanno accompagnato Rintaro nel corso della sua vita e della sua crescita personale e professionale.

Lo stile di disegno è semplice ma efficace; qui non siamo certo nell’ambito di un character design da classico manga, bensì in un’ottica più realistica e minimale in alcuni frangenti. Del resto, qui il disegno è veramente al servizio della narrazione dei momenti più importanti della vita dell’autore – e in alcuni passaggi il testo è anche abbondante, ma sempre scorrevole. 

Rintaro non esagera mai con sentimentalismi e non cerca di emozionare chi legge in maniera artificiosa, ma è un vero racconto che potremmo immaginare di ascoltare seduti in un jazz cafe di Tokyo, di quelli dove si fuma ancora, mentre il Maestro Rintaro si avventura nei suoi ricordi e ci racconta di come è stato una di quelle persone che hanno reso l’animazione giapponese ciò che è oggi.

Edizione

La mia vita a 24 fotogrammi al secondo ci viene proposto da Bao con un’edizione grande, formato A4, che dà luce e spazio alle tavole che, pur non essendo il punto focale di questa opera, ci fanno viaggiare in un mondo fatto di musica, film, sigarette e persone importanti. Il cartonato è ottimamente realizzato e si tratta sicuramente di un volume di pregio da inserire in libreria. Il prezzo consigliato è di 27,00€.

Consiglio questo fumetto a chiunque ami l’animazione giapponese, specie quella “originale”, perché si tratta di un ottimo modo per scoprire retroscena e aneddoti dietro ad alcuni titoli che hanno costituito la colonna portante dell’animazione giapponese. Ed è anche un ottimo modo per riscoprire dei grandi classici, che forse oggi vediamo in maniera un po’ diversa, ma che rappresentano comunque un momento fondamentale da non ignorare.

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La mia vita a 24 fotogrammi al secondo ci porta alla scoperta della storia personale e professionale di Rintaro, leggendario regista dell’animazione giapponese.

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Recensione

Devo andare nello spazio è una graphic novel tanto surreale quanto concreta. Lo stile peculiare, quasi fanciullesco, eppure pulito ed efficace, mi ha conquistato immediatamente. Scritta e disegnata da Riccardo Atzeni per Bao publishing, è un’ironica e amara constatazione di come i nostri piccoli grandi drammi personali siano sempre in grado di raggiungerci.
Anche nello Spazio.

La trama? Tieniti forte: arriva.

Trama

Il cagliaritano Mocci è un corriere: il suo lavoro è andare nello Spazio e recuperare i file perduti dalle persone. A bordo della sua utilitaria, da oltre cinque anni viaggia ogni giorno nelle profondità cosmiche di uno spazio che sta diventando sempre più piccolo (o forse affollato), trova i file perduti, torna sulla Terra e li restituisce ai legittimi proprietari.
Con lui la sua migliore amica, Arianna, che ama la danza e studia per prendere la licenza e diventare corriere a sua volta.

Mocci e Arianna sono amici viscerali: si conoscono da anni, hanno passioni in comune e condividono praticamente tutto. Non sono una coppia (e non lo saranno mai) e nel loro equilibrio si compensano a vicenda: aiutandosi, supportandosi, insultandosi e prendendosi (metaforicamente) a schiaffi quando serve. Lei ama Scooby-Doo, lui Guybrush Threepwood. Non sono perfetti e per questo si perfezionano assieme.

Poi c’è la vita e le sue difficoltà. Lui è un disastro con la famiglia, lei con le questioni di cuore.
Lo spazio, enorme metafora di Internet e della facilità con cui lo usiamo per perdere noi stessi, resta sullo sfondo di un dramma famigliare (e sociale) che scava nel profondo, che lascia solchi indelebili e cicatrici dalle quali è impossibile guarire del tutto.
Se è vero che ognuno reagisce a proprio modo alle difficoltà e ai lutti della vita, è anche vero che nessuno è realmente da solo e che le proprie scelte, giocoforza, avranno un impatto sugli altri, causando di rimando nuovi dolori, ferite e cicatrici.

Possiamo nasconderci quanto vogliamo, possiamo isolarci e rintanarci nelle profondità dello Spazio, certo, ma la verità è che non possiamo nasconderci da noi stessi e lo spazio, quello che occupiamo, non sarà mai abbastanza vasto da impedirci di essere raggiunti.
E fa male.
Ed è un bene.

Mi fermo qui, il resto lo dovrai scoprire leggendo il volume.
Mi raccomando, però, non contraddite mai Arianna sul suo amore per Scooby: “possa un buco nero assorbire l’immonda materia che forma te e i tuoi gusti in fatto di cartoni animati”
Questa me la annoto e la riciclo con mia figlia e i suoi gusti in fatto di quasi qualsiasi cosa.

Autore

Riccardo Atzeni (rikatz), pirrese emigrato a Cagliari, è nato nel 1981.
Si occupa di illustrazione, animazione e fumetti. Ha realizzato fumetti e illustrazioni per Bompiani, l’inserto Fumetti di Domani Editoriale e 7 del Corriere. Come animatore, concept artist e direttore artistico ha curato alcuni cortometraggi animati indipendenti. Nel 2021 è uscito per Panini Saetta Rossa, con testi di Marco B. Bucci.
Fa parte, insieme a Chiara Lamieri, Barbara Pirisi e Elena Cabitza del collettivo sardo studioITTE.
Devo Andare Nello Spazio è il suo primo lavoro come autore unico.

Commento

Incredibile constatare come la cultura di internet si sia irrimediabilmente fusa con quella pop e insieme abbiano formato un substrato culturale ormai archetipico (secondo la logica Junghiana) in cui ogni persona dello Stivale può tranquillamente riconoscersi.
Non mi riferisco solo alla spassosa carrellata di meme in cui il protagonista si perde a inizio racconto, ma proprio alle piccole imprescindibili cose che fanno ormai parte del nostro trascorso (online). Se anche i meme, dopo un po’ rientrano nella categoria vintage (come la moda, la musica e ormai anche i videogiochi) allora dobbiamo ricordarci che tutto si sta assottigliando.

Un abito è vintage se ha compiuto decine di anni, un meme lo è dopo sei mesi. In mezzo c’è tutto il resto e la fusione delle fonti è ormai un continuum, un fiume in piena dal cui è impossibile riemergere e che continua a soffocarci e trascinarci col suo impeto.
Te le pagine che più mi hanno toccato, al di là del finale, struggente, in cui ho potuto (dolorosamente) rispecchiarmi, non posso che scegliere la galassia dei profili defunti.
Immagino sia capitato a tutti, prima o poi, di imbattersi nel profilo social di qualcuno che non c’è più. Le considerazioni filosofiche e morali su ciò che resta esulano sicuramente lo spazio di questo articolo, ma Riccardo Atzeni ne dà una breve ma lucida interpretazione che mi ha fatto a lungo riflettere: e se questo è il tipo di immortalità (digitale) che abbiamo raggiunto, forse non è stata così sbagliata la mia decisione di spazzare via tutti i miei profili social.

Resta l’amara ironia del volume, che sbeffeggia chi si prende troppo sul serio e lascerà di sé solo qualche manciata di spazzatura digitale destinava a rendere sempre più affollato e sempre più piccolo lo spazio infinito. Un grazie a Bao per avermi inviato il volume!

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Devo andare nello spazio è una graphic novel dedicata alla solitudine in un universo affollato.

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Quante cose succedono davanti a un caffè?

Recensione

Il caffè scandisce la mia vita dai tempi del liceo ma, a farci caso, in casa mia è stato una presenza costante da molto prima. La caffettiera era sempre sul fuoco, pronta per ospiti o momenti di riflessione. Una vera e propria ritualità, che continua ancora oggi e di cui non saprei fare a meno. Un momento intimo, di connessione con se stessi ma anche con gli altri, a seconda della situazione. Il caffè, per me, è tante cose oltre a essere una bevanda: per questo motivo sono stata più che felice di poter leggere L’ora del caffè, manga autoconclusivo di Tetsuya Toyoda, portato in Italia da Bao Publishing. Grazie davvero per questa esperienza!

Trama

Giappone contemporaneo. Diciassette storie si rincorrono tra le pagine. Storie di vita, di solitudini, di rinascita, di scoperta di sé, di resa. A volte ritroviamo personaggi che abbiamo già conosciuto, catturati in un diverso momento del loro percorso; altre volte ci intrufoliamo a sbirciare altre esistenze. Il minimo comune denominatore? Il caffè, che accompagna storie diverse eppure unite dal filo sottile di una bevanda che sa essere molto più di questo. Come andranno a finire tutte queste storie? Non lo sappiamo e, in fondo, non è questo l’importante: quello che portiamo via con noi è uno sguardo fugace, il tempo di una tazzina di caffè. E una riflessione che dura molto più a lungo.

Stile

Non sono un’assidua lettrice di manga, non perché non mi piacciano ma perché rappresentano un medium che ho sempre fruito a piccole dosi, concentrandomi sui titoli che mi colpiscono a prima vista. E questo L’ora del caffè mi aveva incuriosita già dalla copertina e dal titolo. Ci ho trovato dentro una profondità e, allo stesso tempo, una leggerezza che mi hanno conquistato!
Tetsuya Toyoda tratteggia storie accennate, sempre con discrezione ma con il giusto grado di approfondimento. I suoi sono personaggi tridimensionali, ricchi di sfaccettature e imperfezioni e, proprio per questo, incredibilmente umani. Siamo davvero noi stessi davanti a una tazzina di caffè, con i nostri chiaroscuri, e questo aspetto emerge con evidenza nella narrazione di Toyoda. Lo stile grafico mi è piaciuto moltissimo: pulito e realistico, dona espressività ai personaggi ma anche alla scena, immergendoci completamente nella storia che abbiamo davanti agli occhi.

Edizione

L’ora del caffè arriva in formato compatto in un’edizione che rispetta il senso di lettura giapponese. Il volume, in bianco e nero, contiene 208 pagine che racchiudono i racconti (il mio preferito? Il surreale Giraffe!) accompagnati da una stupenda copertina a colori con alette segnapagina. È disponibile dal 19 giugno scorso, al prezzo di copertina di 8,90€. Dato anche il costo contenuto, te lo straconsiglio: non te ne pentirai!
Un grande grazie a Bao per avermelo inviato!

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L’ora del caffè: racconti brevi che durano il tempo di una tazzina, profondi e sognanti. Me ne sono innamorata!

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Bentornato Carl

Il primo volume di Dungeon Crawler Carl mi appassionò da morire, lasciandomi con la voglia di saperne di più sull’evoluzione della storia, ecco perché ho atteso con grande pazienza l’uscita, il 20 marzo 2026, di Dungeon Crawler Carl. Vol. II: Il giorno del giudizio.

Recensione

La Saga di Dungeon Crawler Carl è composta (attualmente) da 8 libri, tre dei quali sono usciti in Italiano, editi da Mercurio Books, che ringrazio per avermi spedito la copia del secondo volume, azione che ha permesso la stesura di questo articolo.

La serie fa parte di un genere letterario piuttosto particolare chiamato LitRPG, che sta per LITerary Role-Playing Game, che unisce gli elementi tipici dei giochi di ruolo, sia da tavolo che per computer, con le atmosfere e le tematiche della fantascienza e del fantasy: tutto ciò rende la lettura più coinvolgente e fa sì che il lettore si ritrovi catapultato nella storia quasi in prima persona.

Un piccolo accenno alla trama cercando di evitare fastidiosi spoiler: Carl, veterano della Guardia Costiera degli Stati Uniti, in compagnia della gatta – senziente e parlante – della sua ex ragazza, Princess Donut, si trova all’interno di un dungeon a più piani che è stato creato nel sottosuolo della Terra, a seguito di un’apocalisse avvenuta con lo scopo di trasformare il nostro pianeta nel palcoscenico di uno show interplanetario seguitissimo in tutto l’universo. Nel corso dell’avventura, la strana coppia ha adottato Mongo, un piccolo velociraptor che li sta aiutando parecchio. Il variegato gruppo è arrivato nel terzo livello di questo gioco, precisamente nella Città di Sopra, una metropoli in rovina che ha, al suo interno, un simpatico circo gestito da non morti, delle creature misteriose che solcano i cieli e, durante la notte, sembrano anche piovere cadaveri.

Le vicende di Carl e del suo simpatico e strampalato party proseguono in maniera spiazzante e, spesso, ci sono colpi di scena che mi hanno lasciato a bocca aperta; inoltre, pagina dopo pagina, conoscerai meglio i protagonisti (e il lato sempre più polemico e ribelle di uno di loro) mentre nuovi personaggi faranno il loro ingresso, andando a costruire un mondo sempre più ricco e articolato: non ho idea di come possa andare avanti la storia, perché sono state introdotte tantissime variabili, ma sono certo che, con i prossimi volumi, riceverò delle risposte. Fra l’altro, Dungeon Crawler Carl. Vol. III: Il ricettario dell’anarchico è uscito il 26 giugno 2026 e non vedo l’ora di metterci le mani sopra.

La penna dell’autore Matt Dinniman continua a piacermi, con il suo stile diretto e incisivo, farcito di citazioni pop (in un dialogo, è spuntato fuori anche Discord) e con una scrittura dal ritmo incalzante che mi ha fatto, spesso, andare a dormire più tardi di quanto avessi preventivato perché una pagina ha sempre chiamato quella successiva.

Come per l’altro volume, anche qui vengono utilizzati due font, entrambi leggibilissimi ed efficaci per dividere la narrazione normale da ciò che viene descritto dal sistema di gioco.

Se ti è piaciuto il primo libro, ti toccherà prendere il secondo. Se non hai ancora iniziato la lettura, ti consiglio di procurarti anche il terzo e di buttarti a capofitto in Dungeon Crawler Carl, soprattutto se ami il fantasy e la fantascienza.

Volume

Dungeon Crawler Carl. Vol. II: Il giorno del giudizio, pubblicato in Italia da Mercurio Books, ha le stesse dimensioni del libro precedente, quindi 13,3 cm x 20,3 cm, con una copertina flessibile, è composto da 480 pagine e il suo prezzo è fissato a 20 euro.

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Dungeon Crawler Carl. Vol. II: Il giorno del giudizio è la degna prosecuzione di una storia avvincente iniziata col botto e che sta prendendo, sempre di più, forma; anzi, varie forme.

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L’Irlanda: un amore infinito

Recensione

L’Irlanda è il mio posto del cuore da quando ho memoria. Non so perché, non ci ero mai stata da bambina, eppure la Terra di Smeraldo ha sempre esercitato un fascino incredibile su di me. Così tanto che, quando nel 2014 Tencar e io abbiamo dovuto scegliere dove trascorrere il viaggio di nozze, ci siamo indirizzati subito a quell’isola meravigliosa che ci avrebbe stregati per sempre.
A giugno 2026 Neri Pozza ha pubblicato Il canto dell’anguilla – Un’estate irlandese di Massimo Bubola, il racconto del viaggio che ispirò l’autore a scrivere la canzone Il cielo d’Irlanda. Il nostro viaggio di nozze, nemmeno a dirlo, è stato proprio a giugno: ho voluto vederci un segno del destino e tuffarmi in questa incredibile esperienza di lettura. Grazie, Neri Pozza, per avermi permesso questo straordinario viaggio.

Trama

Estate 1983. Due amici di vecchia data partono all’avventura, a bordo della loro Volvo d’annata, alla volta dell’Irlanda. Non hanno un piano preciso, se non l’idea di ripercorrere alcune tappe cinematografiche di spessore. Lasciandosi guidare dall’istinto e dalle suggestioni di una terra che con la magia conserva una connessione profonda, scopriranno un Paese accogliente, ricco di poesia e musica, di tradizioni ancestrali e di brindisi condivisi che aprono le porte a riflessioni profonde e mistiche. Un Paese che, una volta che l’hai conosciuto, non puoi più lasciarlo andare.

Stile

Sono profondamente connessa all’Irlanda nella mia vita personale e anche in redazione è un Paese che ricorre in più di un’occasione… Non ho resistito, quindi, alla possibilità di scoprire i retroscena dietro una delle canzoni italiane più rappresentative quando si parla di Irlanda e ringrazio molto Neri Pozza per avermi inviato una copia del volume!
Il canto dell’anguilla ha spiazzato completamente tutte le mie aspettative: credevo di trovarmi davanti un diario di viaggio, mi sono ritrovata a perdermi in un resoconto emozionale, in cui le suggestioni si mescolano e, grazie alla grandissima capacità evocativa di Massimo Bubola, ci immergono in un sentire intenso e poetico.

Come dice lo stesso autore, forse quell’Irlanda del 1983 non esiste più eppure, leggendo Il canto dell’anguilla, riusciamo a respirarla e viverla, condividendo il viaggio guascone dei due protagonisti. Un libro che è una dichiarazione d’amore a un’estate irripetibile e a una terra che vive con intensità l’arte in tutte le sue forme e che, se ancora non hai mai visitato, ti invito caldamente a scoprire: ci lascerai il cuore in Irlanda, come è successo a me.

Edizione

Il canto dell’anguilla fa parte della collana Bloom di Neri Pozza, si caratterizza per copertina morbida e formato compatto, oltre che per una carta opaca che rende la lettura davvero confortevole. È disponibile dai primi di giugno 2026 al prezzo di copertina di 18,00€.

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Il canto dell’anguilla ci prende per mano e ci conduce in un viaggio tra arte, vita e magia in un’Irlanda persa nel tempo.

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Il caldo non mi dà proprio tregua quest’anno… meno male che è arrivato il momento del freschissimo #NerdandoConsiglia di Giugno 2026!

Aphelion

Zeno2k: L’ultima fatica di Dontnod, che per altro sta attraversando pessime acque finanziarie, purtroppo non è all’altezza delle aspettative. Intendiamoci: missione di scoperta su pianeta apparentemente inospitale (già sentita) a causa di terra morente (già sentita), cose che vanno a catafascio e astronauti che cercano di scoprire cosa succede (già sentito), alieni inattesi e terraformazione ancor più inattesa (già sentito).

Insomma: non che mi aspettassi l’originalità assoluta ma ci sono comunque cose che funzionano e mi hanno fatto piacere: intanto non è la NASA la protagonista, ma l’ESA (finalmente). Ci sono due protagonisti separati a causa di un disastro e li guidiamo separatamente con meccaniche di gioco differenti. Ottimo il recitato. Ottimi gli scenari. Ottime le cutscene. Gradevole anche il meccanismo esplorativo delle onde elettromagnetiche.

Tuttavia ci sono alcune cose che proprio non vanno, purtroppo: al di là della trama non originale, i controlli sono poco precisi e molto approssimativi: talvolta i personaggi restano “incastrati” a metà animazione perché ci imbattiamo in un muro invisibile, altre semplicemente non prendono il comando o saltano dove vogliono loro o bisogna litigare per dare la direzione giusta.

Troppi collezionabili e nessuna possibilità di tenerne traccia, costringendoci a rigiocare magari interi capitoli per un singolo POI smarrito.

Ma non è nemmeno questo l’aspetto peggiore: parkour nello spazio con tute spaziali. Davvero?

Non è tutto da buttare, anzi, per cui, se hai game pass, giocalo. Dagli una chance.

Io a Dontnod vorrò sempre bene e un occhio lo chiudo volentieri (anche perché mi ha fatto nuovamente innamorare con Lost Records: Bloom & Rage), ma davvero non ti è piaciuto Banishers? Che problemi ha la gente?

Project Hail Mary

Zeno2k: Non il film, ma il libro. Approfittando di una trasferta di lavoro mi sono precipitato in questo splendido romanzo di fantascienza che fa della ricerca scientifica il suo punto di forza.

Ho apprezzato l’umanità del protagonista, che si muove quasi come un bambino all’interno di un’enorme stanza piena di giochi meravigliosi: l’entusiasmo traspare da ogni singola pagina e al di là del fascino che il pretesto narrativo usa per portare avanti la trama, resta una lettura incredibilmente piacevole, con i giusti cambi di ritmo e con una narrazione non lineare che tiene sempre sulla corda.

Serve sospensione dell’incredulità? Sì, molta: non è quello che facciamo sempre noi nerd?

The White Castle

Cavaliere: Ero molto curioso di provare questo gioco da tavolo visto che è degli stessi autori di The Red Cathedral, che apprezzo. Ci ho messo le mani sopra ed effettivamente mi è piaciuto!

The White Castle è un gestionale stretto in cui puoi fare solo nove azioni in tutta la partita, da questo punto di vista molto vecchio stampo. L’ambientazione giapponese si sente poco, come da prassi negli eurogame.

Complimenti a Devir per aver pubblicato un titolo di valore ed essere riuscita a bilanciare materiali belli e al tempo stesso funzionali con un prezzo di 30 euro che ti garantisco essere un affare nel mercato attuale! Se vuoi approfondire qui c’è il link della recensione di Zeno2k!

The Amazing Digital Circus

Cavaliere: Ho visto al cinema l’ultima puntata di questa serie che sarebbe stata disponibile gratuitamente su YouTube da lì a quindici giorni e infatti lo è dal 20 giugno! Nonostante ciò, ha registrato un ottimo incasso! Scopri il motivo di questa “fretta” leggendo la mia recensione senza spoiler di The Amazing Digital Circus e il mio pezzo analisi!

Slay The Spire

Cavaliere: Ormai nei videogiochi cerco esperienze relativamente brevi, eppure, con gran coerenza, sono stato incollato al computer per decine di ore a Slay the Spire! Si tratta dell’apripista dei deckbuilder indie su Steam. Il primo Slay the Spire è un gioco di carte roguelite in cui scegli uno tra i quattro personaggi, molto diversi tra loro, e di stanza in stanza affronti nemici ed eventi per arrivare al finale. Le quattro classi sono asimmetriche e il fatto che si possano scegliere diverse strade e filosofie per plasmare il mazzo di carte, in gran parte uniche per ogni personaggio, rende ogni partita un’esperienza a sé! Una droga, per due mesi è stato l’unico videogioco e argomento di discussione! Provalo, visto che è dappertutto e costa pure poco!

Pluribus

Kiarakala: Dopo il grande successo di Breaking Bad , Vince Gilligan è tornato a far parlare di sé con Pluribus. Una serie TV che mi ha colpito tantissimo sia per la sua sceneggiatura che per la sua estetica.

Si ritorna ad Albuquerque, ma stavolta vediamo i passaggi graduali di quella che è un’invasione o meglio un’infezione aliena che però, contrariamente a quello a cui ci ha abituato la tradizione sci-fi, non porta alla distruzione della società ma a una sua rinascita. Gli infetti vivono in armonia condividendo una memoria collettiva e una mente alveare e rifiutano ogni forma di violenza. Solo pochi individui sono risultati immuni all’infezione e tra questi la nostra protagonista: Carol. Carol si oppone a questa eccessiva bontà e felicità, per lei non è naturale e non vuole essere contagiata. E proprio questa sua tenacia ci fa ricordare la bellezza dell’essere umani, fatti di emozioni positive e negative, liberi di prendere decisioni anche sbagliate.

La serie è disponibile su Apple TV e la straconsiglio perché è una di quelle che tiene attanagliati allo schermo e fa riflettere molto sui vari aspetti dell’umanità.

Il Re dei Cocomeri – Daniel Wallace

Hardcase: Considero da sempre Daniel Wallace l’alter ego letterario di Tim Burton, e non solo perché uno dei suoi libri ha ispirato il bellissimo Big Fish, uscito oramai diversi anni fa al cinema, ma anche perché tra loro sembra esserci un legame molto forte, una propensione a narrare fiabe dark spesso ambientate in mondi un po’ onirici e sicuramente parecchio bizzarri.

Così, se col citato Big Fish, Wallace aveva finito con lo scrivere un’elegia alla fandonia, intesa come la più nobile espressione della fantasia, con questo Il Re dei Cocomeri ci conduce per le vie di una singolare cittadina dell’Alabama, dove superstizione, folclore e magia si intrecciano in un groviglio inestricabile che finirà con l’imprigionare lo stesso Thomas, il protagonista della storia, alla ricerca del suo passato e, in ultimo, di se stesso.

Piccola nota dolente: i libri di Daniel Wallace, ad eccezione di Big Fish, sono molto difficili da reperire in italiano, ma, con un po’ di pazienza, su siti come Libraccio sono sicuro che riuscirai a trovarlo. Ti garantisco che ne varrà la pena.

Demeo x Dungeons & Dragons: Battlemarked

Hardcase: Già recensito dal bravissimo Jedi.lord qualche tempo addietro, ho deciso di inserire questo DxD&D:B (sì, lo so, sembra la password di un sito porno) tra i miei consigli a distanza di quasi un anno dalla sua pubblicazione, perché solo recentemente gli sviluppatori hanno inserito una feature lungamente richiesta dai giocatori, ovverosia la possibilità di disattivare lo spawn infinito dei nemici sulle mappe di gioco.

E io, che in prima battuta avevo finito – figurativamente parlando – per tirarlo al muro dalla frustrazione, ora posso finalmente godermelo per quello che è: forse la più riuscita scanzonata incarnazione delle vecchie partite D&D che, eoni fa, giocavo con i miei amici nerd.

Young Sheldon

Hardcase: Piccola importante premessa (che mi potrebbe costare l’espulsione immediata dalla community): non ho mai visto The Big Bang Theory. Forse un giorno la vedrò o forse no, fatto sta che qualche anno fa sono inciampato in questo Young Sheldon, scoprendo, solo in seguito, che si trattava di uno spin-off.

In poco tempo mi sono appassionato così tanto ai vari personaggi, tutti splendidamente caratterizzati e interpretati, che sono diventati per me come una seconda famiglia, cosa questa che non mi succedeva dai tempi di How I met your mother. Geniale, spiritoso e commovente al tempo stesso, Young Sheldon ha anche avuto l’accortezza di capire il momento giusto per calare il sipario. Circostanza davvero insolita per il panorama attuale, caratterizzato dalla tendenza a spremere le serie sino all’ultima goccia di linfa vitale.

Diciamo che, se vuoi passare una mezz’ora sorridendo con intelligenza, e sentendoti persino fiero della tua “nerditudine”^TM,  bè, allora questa è la serie che fa per te!

Due Spicci

Tencar: le otto puntate della nuova serie animata di Zerocalcare sono volate via in un attimo, facendomi emozionare come sempre: la scrittura dell’autore romano è un qualcosa di portentoso. Trovi il tutto su Netflix.

Sinister

Tencar: lo avevo visto nel 2014 e, grazie a una settimana gratuita di abbonamento sulla piattaforma Midnight Factory tramite Prime Video, ne ho approfittato per riguardarlo.
Sinister ha tutto ciò che deve avere un film horror per essere intrattenente e piacevole, incluso un finale spiazzante. Poi ho voluto strafare dedicando tempo al seguito e mi sono pentito: si trova parecchi gradini sotto al primo capitolo.

A colpi di cannonau

Clack: estate (e non solo) per me è sinonimo di pirati! Grazie a un amico che condivide con me questa passione (e che i mari li solca davvero, peraltro), ho potuto immergermi nella lettura di A colpi di cannonau: una storia di pirati avvincente, ambientata nelle acque della Sardegna. Dentro, con una scrittura coinvolgente, ci trovi piratesse, streghe, dobloni maledetti, battaglie navali, inquisizione e una spruzzata di femminismo ante litteram. Il libro è scritto da Titania Blesh e pubblicato da Acheron Books: se ami i pirati, non puoi lasciartelo scappare!

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Che cos’è Summerween?

Da qualche anno noi amanti di Halloween abbiamo la nostra occasione per festeggiare anche d’estate, rinfrescando la calura con una versione più pop e colorata della nostra festa preferita. È da un po’, infatti, che anche nel nostro Paese ha iniziato a prendere piede il Summerween. Ma di che si tratta? Ebbene, dato che una sola notte per streghe e affini non è sufficiente, perché non celebrarne ben due? Summerween è la versione estiva di Halloween e declina i temi classici della festa in chiave vacanze al mare: angurie e ananas intagliati, cinema all’aperto, fantasmi armati di occhiali da sole e grigliate in compagnia in colori pop sono gli ingredienti principali.

Il termine deriva dalla serie animata Gravity Falls (che Penny mi suggerisce da anni e io, colpevolmente, non ho ancora guardato) presente su Disney+: gli abitanti della cittadina che dà il titolo alla serie amano così tanto Halloween da volerlo festeggiare anche una seconda volta nel corso dell’anno, precisamente il penultimo venerdì di giugno. Dal 2012, anno in cui il termine è apparso in TV, a oggi l’idea si è diffusa nella cultura popolare, prima negli Stati Uniti e poi gradualmente in tutto il mondo e la festività si è fissata al 31 luglio, 6 mesi prima di Halloween.

Quest’anno, mentre mi preparo a festeggiare a dovere anche io, ho pensato di suggerirti un titolo perfetto per ogni medium: film, serie TV, libro, fumetto, gioco da tavolo e videogioco.

Cosa guardare

Cominciamo dagli schermi perché, quando il caldo si fa insopportabile, non c’è niente di meglio che rifugiarsi in una sala cinematografica climatizzata o sul fresco divano di casa.
Per quanto riguarda il grande schermo, al cinema in questo periodo è uscito il titolo perfetto: Backrooms porta con successo al cinema un fenomeno globale degli ultimi anni, aggiornando la paura al nuovo millennio. Se vuoi scoprire qualcosa in più sulle backrooms e gli spazi liminali, puoi leggere il nostro speciale in merito.

Per quanto riguarda il piccolo schermo, non ho alcun dubbio: è From il titolo giusto per celebrare Summerween. L’intricata e misteriosa serie TV, disponibile in Italia su Paramount+, sta concludendo proprio in queste settimane la quarta stagione ed è l’ideale per scervellarsi per scoprire la verità e per qualche salto sulla sedia. Io mi sono innamorata e presto ti parlerò più in dettaglio di questo titolo, che nasconde numerose chiavi di lettura.

Cosa leggere

Uno dei piaceri irrinunciabili, per me, in estate è leggere sotto l’ombrellone. Le mie letture estive spaziano tra i generi più disparati ma non può mai mancare qualche horror o thriller.
Come consiglio per Summerween, quindi, non posso che includere How to survive camping. L’uomo senza ombra, pubblicato proprio a giugno da Mercurio Books. Il primo libro della saga creata da Bonnie Quinn ci immerge in un campeggio degli orrori che promette di rievocare le atmosfere alla “Piccoli Brividi” con cui siamo cresciuti.

Se preferisci i fumetti, il mio consiglio in questo caso non è una novità estiva ma un titolo uscito qualche mese fa: Notti Insonni, pubblicato in Italia da Gigaciao è l’inquietante raccolta di storie horror di Adam Ellis della quale mi sono innamorata questa primavera!

Cosa giocare

E infine passiamo ai brividi tutti da giocare! Per il gioco da tavolo, il mio consiglio è adatto a tutta la famiglia ed è pubblicato in Italia da Asmodee: Spooky Tower ci chiede di bilanciare con attenzione strategia e fotografia per catturare i 5 fantasmi fuggiti prima degli altri giocatori.

Non sono una grande videogiocatrice e quindi, per questo settore, ho chiesto aiuto agli altri redattori, che sono venuti in mio soccorso con azzeccatissimi consigli videoludici! Kiarakala mi ha assicurato che il titolo giusto è 1666 Amsterdam: un videogioco narrativo in terza persona, oscuro e ambientato in diverse linee temporali. Mi ha intrigato molto e non vedo l’ora di provarlo!

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La cover del fumetto

Il panorama del fumetto italiano è più che mai scoppiettante e, di tanto in tanto, vede nascere nuovi progetti originali e di grande qualità. È il caso di Achille & KiPI, fumetto che racconta il futuro con un occhio diverso dal solito.
Il graphic novel in arrivo si ambienta in un futuro prossimo in cui tecnologia, algoritmi e desiderio di riscatto si mescolano in una storia che parla direttamente al nostro tempo.
Il cuore del progetto, infatti, è profondamente umano: la paura di rimanere invisibili, di accontentarsi e di non riuscire mai a diventare qualcosa di più.

Il progetto nasce dall’incontro tra due voci, quella di Mario Moroni e quella di Salvatore Vivenzio. Mario Moroni è autore del bestseller Startup di merda e di La fine dei social. E dopo che succede? È anche autore del podcast di successo Il Caffettino, distribuito da OnePodcast e disponibile su tutte le principali piattaforme di streaming. L’incontro con Salvatore Vivenzio, una delle voci più interessanti del panorama del fumetto italiano, porta Moroni a cimentarsi con il nuovo medium. A completare la squadra dietro Achille & KiPI c’è Silvia Buganza, che si occupa di disegni e colori.

Una delle tavole

Achille & KiPi è una storia originale che usa la fantascienza per raccontare il presente, affrontando temi come tecnologia, successo e semplificazione digitale ma anche isolamento, conflitti e immaginario.
Dal punto di vista grafico, non mancano le influenze cyberpunk e una sensibilità da graphic novel contemporanea.

Achille & KiPI sarà disponibile in pre-lancio su Kickstarter dal 23 giugno, quando sarà possibile scaricare 10 pagine gratuitamente dal sito ufficiale del progetto.
Il progetto entrerà poi nel vivo a ottobre, con il debutto ufficiale della campagna Kickstarter durante il Lucca Comics & Games. La fiera sarà anche l’occasione per presentare per la prima volta l’intero team creativo.

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Una copertina preziosa per un volume sorprendente

Recensione

Posso affermare senza ombra di dubbio di trovarmi nel pieno della mia fase horror per quanto riguarda i libri (mentre, per i film, comincio a fare un po’ fatica: i casi della vita…). Sarà che l’estate per me è sempre stata sinonimo di notte horror, sarà che è un modo per tornare con la mente agli anni spensierati dell’adolescenza ma ultimamente mi trovo attratta soprattutto da letture da brivido.
È stato un grande piacere, quindi, ricevere da Giunti una copia di Bewitched. Storie Spettrali, uno dei quattro titoli che l’editore ha scelto per aprire la sua collezione da brivido dedicata alla British Library.
Grandi classici dell’orrore, spesso opera di autori che non associamo direttamente al genere (come nel caso di Bewitched, che contiene scritti di Edith Wharton, famosa per L’età dell’innocenza), raccolti dalla British Library e presentati per la prima volta in Italia.

Trama

Quattordici racconti brevi, tutti giocati sul filo dell’inquietudine. Spettri, apparizioni inspiegabili, fenomeni soprannaturali: la campagna inglese dipinta dall’autrice si tinge di tinte fosche, nebbiose e misteriose. Ogni storia riesce a spaventare con l’accennato e il non detto: non ci troveremo davanti a jumpscare ma al più tipico orrore gotico e vittoriano.

Stile

Che bellezza, questo Bewitched! Edith Wharton è rimasta nell’immaginario collettivo come una delle autrici simbolo del romanzo sentimentale, grazie al suo L’età dell’innocenza. Quello che non tutti ci aspettiamo è che l’autrice statunitense nascondesse un’irresistibile attrazione per l’ignoto e che le sue prime prove in veste di autrice abbiano riguardato proprio storie di spettri e fantasmi.
La scrittrice rimarrà legata per tutta la vita al genere horror e in Bewitched troviamo raccolti proprio alcuni dei suoi racconti brevi sull’argomento, inediti finora nel nostro Paese.

Il fascino che la materia riscuote sull’autrice è indiscutibile: lo stile di Edith Wharton procede per diminuzione, accenna più che mostrare, provocandoci, nella lettura, brividi e angosce tipiche del filone gotico. La forma del racconto breve ben si presta all’operazione, lasciando alla nostra immaginazione più di un interrogativo su cui arrovellarci una volta terminato ogni racconto.

La collezione che Giunti dedica alla raccolta horror della British Library è senz’altro una chicca: all’interno, troveremo storie inedite, misconosciute in Italia e potremo scoprire risvolti inaspettati di autori classici (c’è anche, per esempio, Arthur Conan Doyle, “papà” di Sherlock Holmes ma anche grande appassionato di occultismo).

Edizione

Bewitched. Storie Spettrali è arrivato in catalogo da marzo scorso, in un’edizione di grande pregio. La copertina rigida, arricchita da profili in oro, cattura lo sguardo e le pagine in carta opaca rendono confortevole la lettura. A voler essere pignoli, qualche piccolo refuso di troppo ma, nel complesso, un’edizione da non perdere! Soprattutto per chi è appassionato di horror. Bewitched è già disponibile, al prezzo di copertina di 20,00€. Un grande grazie a Giunti per avermene inviato una copia!

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Nerdando in breve

Bewitched. Storie Spettrali ci svela un volto inedito di un’autrice classica, trascinandoci per mano in racconti inquietanti e misteriosi.

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Queste copertine sono sempre gioielli

Recensione

Se c’è una garanzia per quanto riguarda il Southern Gothic letterario, quella garanzia si chiama Michael McDowell. Il 12 maggio 2026 Neri Pozza ha dato alle stampe L’Amuleto, il primo romanzo dell’autore culto e, come una falena attirata dalla luce, non ho potuto fare a meno di tuffarmi nella lettura.
Come sempre quando mi avvicino a un romanzo di McDowell, sapevo di dovermi preparare a immagini truculente e dettagli macabri da far accapponare la pelle e naturalmente non sono rimasta delusa!

Trama

Alabama,1965. La piccola cittadina di Pine Cone ruota tutta intorno alla fabbrica di fucili che dà da vivere alla gente del posto, fiorente vista la guerra del Vietnam. Uno dei cittadini, Dean Howell, inviato nel campo di addestramento che lo preparerà alla partenza per il campo di battaglia, rimane sfigurato e quasi ucciso dall’esplosione del fucile che stava maneggiando, costruito proprio nella fabbrica cittadina, dove anche sua moglie Sarah lavora.
Rimandato a casa in condizioni critiche, Dean è accudito da Sarah e dall’anziana madre Jo, che sembra fermamente convinta che la colpa della disgrazia sia da imputare alla cittadina intera. Quando Jo regala a uno dei dirigenti della fabbrica uno strano amuleto che Sarah non le ha mai visto indossare, verrà innescata una spirale di morte che sembra impossibile da fermare.

Stile

Michael McDowell è stato scoperto tardi in Italia, grazie all’intuizione di Neri Pozza di pubblicare la saga di Blackwater (che, a proposito, devo ancora recuperare!). È stata una vera fortuna perché, altrimenti, avremmo perso un autore incredibile! McDowell si dimostra, in ogni romanzo, un Maestro del macabro, in grado di dare vita in ogni romanzo ad autentici incubi sospesi tra realtà e impossibile, caratterizzati da una prosa coinvolgente ed espressiva e ricchi di dettagli truculenti.

L’amuleto è, in realtà, il primo romanzo dell’autore: non è un caso, forse, che non sia finora il mio preferito (tra quelli che ho letto). Nella mia personale top list, al momento, resta saldamente in testa Luna Fredda su Babylon ma anche con L’amuleto devo ammettere di essere stata letteralmente risucchiata dalle pagine.

Anche in questa occasione, non sono riuscita a interrompere la lettura, divorando le 471 pagine di cui si compone L’amuleto. È impossibile, procedendo tra le pagine, non ritrovarsi pienamente coinvolti e in più di un’occasione mi sono scoperta a cercare di avvisare i personaggi degli imminenti quanto inevitabili pericoli che stavano correndo. McDowell non ha paura di esagerare: L’amuleto è una folle corsa di morte, apparentemente inarrestabile, in cui non ci viene risparmiato nulla. Il romanzo prende il tropos dell’oggetto maledetto e lo porta ai massimi livelli, esplorandone pienamente il potenziale. Se proprio devo trovare un difetto, avrei preferito un finale più approfondito ma, nel complesso, posso ritenermi pienamente soddisfatta!

Edizione

Come sempre quando si tratta dei romanzi di Michael McDowell, Neri Pozza ha dato vita a un’edizione di grande pregio, a cominciare dalla splendida copertina di Pedro Oyarbide: ricca di dettagli, non avrei mai smesso di guardarla! L’illustratore ha creato anche al segnalibro che vedi nell’immagine di apertura di questo pezzo, che troverai allegato nel libro.
L’amuleto è disponibile dal 12 maggio scorso, al prezzo di copertina di 15,90€.
Un grande grazie a Neri Pozza per avermi inviato una copia, permettendomi di emozionarmi, tremare di paura e calarmi nell’opprimente Alabama soprannaturale.

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Nerdando in breve

Tu ci credi agli oggetti maledetti? L’amuleto ti farà rivalutare tutte le tue certezze, trascinandoti in una girandola macabra e inevitabile.

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