Abiura di Nerd – Una nuova rubrica tra musica e videogiochi

Musica e videogiochi sono senza ombra di dubbio due mie grandi passioni e da un po’ volevo dedicarmi a un progetto che si discostasse dalle recensioni ed è così che, ascoltando la canzone Abiura di Me di Caparezza, nasce questa idea: giocare tutti i giochi citati nella canzone e raccontarvi un po’ la loro storia e la mia esperienza di gioco.

Caparezza nei suoi pezzi dà sfogo al suo essere un nerd e condivide con l’ascoltatore le sue passioni, come l’arte nell’album Museica o i fumetti nel recentissimo Orbit Orbit. In Abiura di Me, il “Capa” cita numerosi giochi e console ormai considerati del passato, ma in molti casi si tratta di veri e propri classici come Crash Bandicoot, Super Mario e Metal Gear Solid; tuttavia, tra i titoli citati mi sono accorta che molti non li ho giocati e altri vorrei rigiocarli per vedere se con gli anni è cambiato qualcosa.

Quindi con quale gioco partiamo per quest’avventura?

Se pensi che possa cambiare il mondo ti sbagli alla grande.
È già tanto se mi cambio le mutande
Voglio solo darti un’emicrania lancinante
Fino a che non salti nel vuoto come uno stunt man
Pensavi che sparassi balle? Bravo!
Io sono il drago di Puzzle Bobble

Il primo gioco che troviamo nel testo è un titolo che appartiene alla mia infanzia videoludica e di cui ho spesso parlato durante le live de Il Cabinato delle Curiosità: Puzzle Bobble.

E allora sei pronto a fare questo viaggio nel passato insieme a me?

La storia di Puzzle Bobble

Puzzle Bobble è un titolo arcade rompicapo di Taito, nato nel 1994 come spin-off di Bubble Bobble, da cui provengono i due draghetti protagonisti, Bob e Bub. Un altro nome con cui potreste averlo conosciuto è Bust-a-Move, in quanto questo è il nome con cui è noto negli Stati Uniti e in alcuni paesi europei.

Il concetto alla base del gioco è abbastanza semplice ed è probabilmente grazie al suo essere così intuitivo che ha avuto successo e ha dato vita a un vero e proprio genere: i bubble shooter.

Nell’area di gioco, tipicamente rettangolare, troviamo predisposte delle bolle colorate e per superare il livello dovremo farle scoppiare tutte. Per riuscirci dobbiamo sparare con un cannone le bolle, le quali esploderanno solo una volta che avranno formato gruppi da tre o più bolle dello stesso colore. La difficoltà del gioco è data dalla traiettoria delle bolle, per cui bisogna prendere bene la mira e usare con astuzia i rimbalzi sulle pareti, e soprattutto dal tempo, poiché ogni tot la nostra area di gioco si ridurrà e farà avvicinare le bolle alla base dell’area di gioco causando così il game over.

Una delle particolarità di Puzzle Bobble era che, oltre a sfidare la CPU, era possibile giocare con e/o contro un amico (o un bambino random incontrato in sala giochi), rendendolo ancora più divertente.

Il gioco ha avuto subito successo tra i cabinati e anche in Italia è diventato presto popolare, tanto da essere ricordato da tanti come uno dei primi giochi provati da bambini. Con l’arrivo e la maggiore diffusione delle console casalinghe come Super Nintendo o Game Gear e dei primi PC domestici, Puzzle Bobble è un titolo che non poteva assolutamente mancare, pertanto, Taito decise di puntare anche su questo tipo di mercato.

Il successo del primo capitolo spinge Taito a far uscire l’anno dopo, nel 1995, Puzzle Bobble 2, un altro successo che approda, prima sempre tra i giochi arcade, e in seguito pure su PlayStation, Nintendo 64 e Game Boy.

La meccanica di gioco rimane la stessa, ma vengono introdotti nuovi personaggi giocabili oltre ai due draghetti. Nel ’96 e poi nel ’97 escono rispettivamente Puzzle Bobble 3 e Puzzle Bobble 4, che è il capitolo a cui io sono maggiormente legata. Insomma, squadra che vince non si cambia e Taito continua ancora oggi a pubblicare ogni tanto nuovi capitoli con i due celebri draghetti, anche dopo l’acquisizione da parte di Square Enix, avvenuta nel 2005.

In Italia, tuttavia, molti di questi giochi non sono mai arrivati, e la scomparsa dei cabinati nei bar e nelle sale giochi ha contribuito a rendere Puzzle Bobble un lontano ricordo del passato.
Per sopperire a questa mancanza ci siamo dovuti accontentare delle “brutte copie” e di altri bubble shooter come Bubble Witch Saga, diventato celebre come mobile game.

Sebbene questi giochi propongano una sfida simile, negli anni non sono riuscita a trovare qualcosa che mi desse le stesse emozioni di Puzzle Bobble.

Quindi perché non approfittare di questa nuova rubrica per riprovarlo e vedere come rigiocarlo dopo quasi vent’anni?

La mia esperienza

Ho deciso di partire con il primo capitolo della serie e già all’avvio, sentendo la vocina che dice “Taito”, mi sono un po’ emozionata.

Il primo round è sempre il più facile, poi passi ai successivi e quando riesci a terminarli in pochi secondi grazie al tiro giusto, sale in te un senso di invincibilità. Tuttavia, questa sensazione è destinata a terminare immediatamente quando la sequenza di bolle non gira a tuo favore, sbagli la traiettoria del lancio e, come un effetto a catena, tutto improvvisamente sembra crollarti addosso come la parete che pian piano scende con il tempo.

Round dopo round, la sfida cresce e diventa sempre più difficile la mia sopravvivenza. Purtroppo non sono riuscita ad arrivare al livello finale, ma magari più in là ci riproverò.

Dopo aver rigiocato il primo capitolo, non potevo però non riprovare il mio Puzzle Bobble preferito, ovvero il 4. Lo avevo per la prima PlayStation e lo avevo conosciuto come Bust-a-Move 4,  il che da piccola creò un po’ di confusione perché non sapevo più quale fosse il nome vero del gioco.

Da bambina lo adoravo alla follia perché era il gioco che giocavo più spesso con il mio migliore amico, e tuttora, quando ci sentiamo, capita di riparlarne e ripensare ai ricordi legati a esso; quindi riavviarlo dopo anni sulla Play è stato come un fiume in piena di emozioni e nostalgia.

Oltre alla modalità Arcade di sopravvivenza, il gioco presenta una modalità storia in cui superare i livelli permette di proseguire con la trama (abbastanza semplice e lineare) e di sbloccare nuovi personaggi. Parlando dei personaggi, li trovo ancora oggi iconici sia per il loro design sia per le loro catchphrase.

Insomma, direi che nonostante gli anni, Puzzle Bobble riesce ancora a trasmettermi le stesse emozioni di quando ero piccola e sembra non essere invecchiato per nulla. Il gioco funziona ancora bene oggi e mantiene la sua capacità di creare dipendenza, soprattutto se non si ha più bisogno delle monetine per giocare come negli anni ’90.

E tu hai mai giocato a Puzzle Bobble? Se sì, che ricordi hai di questo grande classico? Ma soprattutto accetti la mia sfida a raggiungere il livello più alto?

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Recensione

Ci sono videogiochi che ti piacciono e ci sono quelli che ti risucchiano in un buco nero spazio-temporale. Super Mario Galaxy per me è stato decisamente il secondo caso. È vero che ho la tendenza a chiudermi completamente in un gioco che mi appassiona finché non l’ho esaurito, ma sono pochi i giochi che negli anni hanno meritato questo speciale trattamento da parte mia: Yoshy’s Wolly World (per rimanere in tema), Hogwart’s Legacy, Pokémon Ultra Luna, Baldur’s Gate 3… e ovviamente Super Mario Galaxy, che imho è il miglior Super Mario di sempre (non scannatemi, è la mia opinione personale), anche meglio di Super Mario Galaxy 2, che non sono invece riuscita a completare al 100%.

Uscito nel 2007 su Nintendo Wii, SMG arrivava in un periodo in cui Nintendo stava cambiando le regole del gioco: controller con sensori di movimento, nuove idee di pubblico, voglia di sperimentare. Ma SMG non era solo un Mario ambientato nello spazio: era una meraviglia continua! Pianeti minuscoli con una loro gravità impazzita, livelli che sembravano progettati in sogno (o sotto l’effetto di droghe), una colonna sonora orchestrale capace di trasformare ogni salto in qualcosa di epico e incredibilmente stressante.

Io con Super Mario Galaxy ho perso il contatto con la realtà. L’ho giocato dopo un intervento chirurgico che mi ha costretta a casa per settimane, e il classico “ancora un pianeta e poi spengo” ripetuto fino a perdere il senso delle ore mi ha aiutata molto in quel periodo. Era uno di quei giochi che non ti chiedono semplicemente di arrivare ai titoli di coda: ti chiedono presenza, dedizione, quasi una forma di abbandono volontario della vita sociale, che in quel momento per me era forzato.

Anni dopo ho provato a rigiocarci, convinta di ritrovare quella stessa magia. Non è andata benissimo. Non perché il gioco non fosse ancora straordinario, ma perché certe esperienze funzionano solo in un preciso momento della vita. Galaxy era rimasto lì, sospeso nello spazio insieme alla me stessa che aveva l’energia per completarlo al 100% senza preoccuparsi delle conseguenze fisiche ed esistenziali. E diciamolo, anche perché arrivare alla fine è stata una faticaccia, e il controller Wii ha rischiato più volte di ritrovarsi conficcato nello schermo della TV dei miei…

Ora mi ritrovo a parlarne di nuovo grazie a un’occasione speciale: l’anteprima cinematografica del nuovo film dedicato a questo universo!

Super Mario Galaxy: il film arriva al cinema a distanza di tre anni da Super Mario Bros – Il film, il primo capitolo cinematografico animato dedicato ai mitici idraulici italo-giapponesi Mario e Luigi. Il grande successo del film precedente ha dimostrato che questo universo funziona anche fuori dal videogioco, e soprattutto che può parlare a più generazioni contemporaneamente: a chi ci è cresciuto e a chi lo sta scoprendo ora.

Il film è prodotto da Chris Melandri di Illumination e Shigeru Miyamoto di Nintendo, è co-finanziato da Universal Pictures e Nintendo e sarà distribuito in tutto il mondo da Universal Pictures.

Trama (senza spoiler)

Dove eravamo rimasti? Nel primo film Mario e Luigi, due fratelli idraulici di Brooklyn, si sono ritrovati catapultati in un mondo parallelo passando attraverso un misterioso tubo. Separati durante il viaggio, Mario è finito nel Regno dei Funghi, dove ha incontrato la Principessa Peach, mentre Luigi, il solito sfigato, è stato invece catturato dal malvagio Bowser, deciso a conquistare il regno e a sposare la bella principessa. Per salvare suo fratello, Mario ha intrapreso un viaggio tra allenamenti, sfide e alleanze improbabili, imparando a muoversi in un modo completamente nuovo (evviva: anche Mario sclera come me quando non riesce a fare un “semplicissimo” salto) fino allo scontro finale contro Bowser, che ovviamente viene sconfitto. Mio personaggio preferito del film? In assoluto lo sfavillotto psicopatico! 

Questa volta, come si intravede già dal trailer, al centro della storia c’è Bowser Jr., deciso a liberare suo padre dalla mini prigione in cui è stato rinchiuso da Mario. Il problema è che, nel farlo, finisce per mettere in pericolo molto più di quanto dovrebbe, arrivando a minacciare l’esistenza dell’intero universo.

Per fermarlo, Mario, Luigi, Peach e Toad vengono trascinati ben oltre i confini del Regno dei Funghi, fin nello spazio profondo, dove pianeti stravaganti, ambientazioni surreali e creature improbabili diventano il nuovo terreno di gioco, in un viaggio che richiama apertamente le atmosfere del videogioco. 

Ad affiancare i nostri eroi ci sono nuovi alleati fondamentali, a partire dall’adorabile Yoshi, fino a una simpatica new entry proveniente da un altro universo Nintendo.

Tra esplorazione, scontri e una minaccia che cresce sempre di più, il gruppo deve unire le forze per affrontare Bowser Jr. in un’avventura che alza decisamente la posta in gioco rispetto al primo film, senza perdere il ritmo e l’energia che da sempre caratterizzano la saga Nintendo.

Cast

Anche in questo secondo capitolo tornano le voci che avevano conquistato il pubblico nel primo film: Chris Pratt è di nuovo Mario, Charlie Day presta la voce a Luigi, mentre Anya Taylor-Joy torna nei panni della Principessa Peach e Keegan-Michael Kay in quelli di Toad. E sì, ovviamente c’è ancora Jack Black come Bowser, che dopo il primo film ormai è semplicemente impossibile immaginare con un’altra voce.

Tra le novità del cast troviamo Brie Larson nei panni di Rosalinda: a quanto pare Larson è una grande appassionata di Super Mario e in particolare del capitolo Galaxy, e ha insistito molto per avere la parte; Benny Safdie entra nel cast come interprete di Bowser Jr., mentre Yoshi (che è un po’ come Groot) è doppiato da Donald Glover e Glenn Powell doppia Fox McCloud.

Ho avuto il piacere di assistere alla proiezione della versione doppiata in italiano in cui tornano Claudio Santamaria e Emiliano Coltorti nei panni di Mario e Luigi. 

Colonna sonora

La colonna sonora del film è stata scritta da Brian Tyler, che già si era occupato di quella del primo film e che ha riarrangiato gli iconici temi musicali dei videogiochi di Super Mario e li ha fatti suonare da un’orchestra di 70 elementi. Il risultato è un mix riuscitissimo tra nostalgia e spettacolo: melodie che chiunque abbia giocato riconosce immediatamente, ma amplificate e rese ancora più epiche dall’orchestra.

Concludendo

Super Mario Galaxy: il film allarga letteralmente l’universo “di gioco” introducendo personaggi amatissimi come Rosalinda e il tenerissimo Yoshi, ma soprattutto portando l’avventura fuori dai confini del Regno dei Funghi, infatti questa volta si vola letteralmente nello spazio tra pianeti magici, galassie coloratissime e percorsi che sfidano la gravità, in un mondo che richiama apertamente le atmosfere di Super Mario Galaxy. Il film è graficamente pazzesco, coloratissimo e molto divertente, mi sono sentita tornare indietro nel tempo e catapultata dentro al videogioco, ma devo ammettere che rivedere alcune scene ambientate in certi particolari livelli del videogioco, appunto, mi ha messo un po’ di ansia! Ho adorato in particolare Yoshi e gli sfavillotti del pianeta di Rosalinda.

Attenzione alle scene post-credit, in particolare a quella proprio in fondo ai titoli di coda…

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Nerdando in breve

Super Mario Galaxy: il film è un sequel che amplia l’universo di Mario in modo spettacolare, portandoci tra galassie e pianeti divertenti e coloratissimi! È pieno di richiami ai videogiochi e funziona sia per i fan di lunga data che per chi si avvicina per la prima volta. È un film perfetto per tutta la famiglia, con il giusto mix di azione, ironia e nostalgia.

Trailer

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Benvenuto/a, sulla scia dell’articolo su Tutto Fire Emblem in ordine cronologico, oggi mettiamo sotto la lente d’ingrandimento l’inizio di tutto: Fire Emblem 1: Shadow Dragon and the Blade of Light (originale Famicom) e la sua rispolverata su DS, Fire Emblem: Shadow Dragon.

Allaccia le cinture, perché stiamo per tornare a un’epoca in cui l‘innovazione aveva un prezzo salato: una difficoltà così feroce da far sembrare i Souls una passeggiata in un campo fiorito. Un brindisi a quando l’iconico Marth ha impugnato la Falchion per la prima volta e ha salvato il salvabile, o almeno ha provato a farlo.

Quando la semplificazione fa male

Quando si parla di Shadow Dragon and the Blade of Light (il capitolo originale del 1990), si parla di un’innovazione pazzesca per il panorama JRPG dell’epoca. L’ossatura è solida e immortale: JRPG tattico a turni in cui sposti le tue unità su una griglia, calcolando la copertura e il Raggio d’Azione.

Il punto di forza di questo capostipite sta nell’aver introdotto la Permadeath, una lezione impartita con rigidità, che rasentava la crudeltà. Basti pensare che, su Famicom, ogni scontro e ogni movimento contava, perché se il tuo Cain finiva per essere circondato, potevi spegnere la consolle, insultare ogni drago divino sommessamente e resettare la mappa (oppure, se sei una bestia di satana, continuare a giocare haha).

Il gioco originale ti inonda di un vastissimo cast di 52 personaggi giocabili (che diventano 59 nel remake per DS). Sebbene figure come Marth e Jagen siano centrali, gran parte delle altre unità è sostituibile, una scelta di design che spingeva il giocatore a usare tutte le risorse disponibili, anche dopo le inevitabili perdite causate dalla Permadeath. A parte Marth, nessuno è necessario.

Attenzione! Nel gioco originale era assente il famigerato Triangolo delle Armi (spada batte ascia, ascia batte lancia, lancia batte spada). Una cosa che rendeva la tattica più brutale e meno elegante. La meccanica fu poi introdotta solo nel remake.

Nonostante sia invecchiato abbastanza male per i fan moderni, l’importanza storica e l’innovazione nell’aver creato un genere sono innegabili. Il gameplay è puro e crudo, con pochi strumenti per i giocatori attuali, ma dannatamente efficace nel far sentire ogni singola mossa come una decisione di vita o di morte.

Storia (Con Spoiler): L’Eroe della Falchion

La trama di Shadow Dragon è, ammettiamolo, poco originale e rientra nel canone classico del genere. Ci troviamo nel continente di Archanea, dove il giovane Marth, principe esiliato di Altea (e personaggio che diventerà un’icona assoluta della saga), deve mettersi in marcia. Il regno è caduto, sua sorella Elice è stata rapita e il Drago Oscuro Medeus (che guida il Gran Sacerdote Gharnef) minaccia di inghiottire tutto.

(SPOILER) La missione di Marth è raccogliere alleati, recuperare la Spada Falchion (l’unica in grado di ferire Medeus) e, infine, ottenere il leggendario Scudo Emblema, o Fire Emblem, dopo avervi incastonato i cinque Globi. Solo con questi due artefatti potrà sconfiggere il Drago Ombra. È una storia di rivalsa, di esilio e ritorno al potere.

La storia è banale rispetto ai plot twist dei successivi titoli (strizzo l’occhio a tutti i Fire Emblem con un time skip), e il cast di personaggi, a parte i protagonisti, tende a essere blando e poco sviluppato. Manca quello spessore relazionale che poi è diventato un marchio di fabbrica della Saga, ma l’iconicità di Marth e l’epicità del suo viaggio come primo eroe della saga sono innegabili e, nel 1990, è stato un racconto perfetto per lanciare un franchise.

Design dei Personaggi: Le Origini dell’Icona

Parliamoci chiaro, il design dei personaggi nel primo Fire Emblem è datato. Gli sprite in gioco erano essenziali, quasi anonimi. Nonostante ciò, l’immensa iconicità di Marth spicca su tutti.

Marth è la quintessenza dell’eroe nobile, destinato a grandi cose. Il suo look (spada, mantello, tiara) ha ispirato generazioni di protagonisti di JRPG e il suo status di primo eroe l’ha reso un gigante riconoscibile in tutto il mondo nerd, al punto da diventare anche ospite fisso in Super Smash Bros.

Nonostante, come già sottolineato, il cast generale sia blando e manchi di spessore, la figura di Marth bilancia tutto. Il design generale dell’epoca era minimalista e serviva solo a identificare le Classi (Cavaliere, Mercenario, Mago, Arciere, etc.), ma ha posto le basi estetiche per l’intero universo di Fire Emblem.

Differenze con il Remake per Nintendo DS

L’originale su Famicom era un’esperienza poco accessibile e molto frustrante a causa della sua durezza. Fortunatamente, nel 2008, Fire Emblem: Shadow Dragon è arrivato su Nintendo DS a sistemare le cose.

Il remake è stato un vero e proprio aggiornamento alla modernità, che però è riuscito a mantenere l’anima Old School, risolvendo i problemi che rendevano l’originale invecchiato male.

Queste sono le differenze principali:

• Triangolo delle Armi Aggiunto: Il remake introduce il Triangolo delle Armi, rendendo la strategia molto più sofisticata e in linea con i FE successivi.
• Meccanica del Cambio Classe: Nel remake è stata introdotta la possibilità di cambiare la classe delle unità non importanti, dando molta più libertà strategica e personalizzazione.
• Accessibilità e Salvataggio: Il remake ha introdotto la possibilità di salvare a metà mappa in modo temporaneo. Questo non toglie la Permadeath, ma rende il gioco meno tedioso nei reset e molto più accessibile.
• Capitoli Gaiden: Sono stati inseriti dei Capitoli opzionali e sbloccabili che ti ricompensano con nuovi alleati, aumentando il cast a 59 unità, ma solo se perdi abbastanza unità permanenti! Un tocco geniale per ovviare alla difficoltà del gioco e aiutare chi gioca Fire Emblem lasciando morire delle unità.
• Grafica e Interfaccia: Tutto è stato rifatto. L’interfaccia utente è finalmente chiara, permettendo di consultare lo Stato e le Statistiche delle unità in modo rapido sul doppio schermo del DS, inoltre tutti i modelli sono stati rivisti in grafica 3D (anche se a me, personalmente, non piacciono molto).

Il remake per DS ha fatto un lavoro egregio, bilanciando l’innovazione del franchise con il rispetto per il primo capitolo che ha fatto la storia. Ha limato gli spigoli di un capostipite che era troppo crudo. Penso che Fire Emblem: Shadow Dragon sia il modo definitivo per godersi l’epica di Marth.

Un capostipite che non passa mai di moda

Fire Emblem: Shadow Dragon and The Blade of Light (in entrambe le sue incarnazioni) è un’esperienza che ogni fan dei JRPG Tattici dovrebbe provare. È la storia di come un piccolo gioco per Famicom, nato con le sue meccaniche acerbe e una trama basilare, sia riuscito a porre le basi per creare un brand immortale, con 18 titoli (contando anche il non ancora uscito Fortune’s Weave).

L’originale è un pezzo di archeologia videoludica per i puristi, difficile e crudo, ma il remake per DS è il gioiello che ha saputo rendere onore all’iconicità di Marth e all’innovazione che questa serie ha portato nel mondo dei tattici.

Un must play se vuoi capire da dove tutta la saga trae le sue fondamenta!

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Cronos: The New Dawn

Zeno2k: Te ne ho parlato tempo fa e oggi torno a consigliartelo. Soprattutto ti consiglio di sopravvivere alla tentazione di rompere il controller nelle prime ore di gioco.

Non è impossibile, ma è dannatamente stretto e cattivo: girerai con le munizioni contate e le tasche sempre piene, continuando a decidere a cosa rinunciare nell’esplorazione di questo mondo crudele e contorto.

Ottima la lore, che si approfondisce centellinandola, ma non terribilmente astrusa come in altri titoli in cui occorre rivolgersi alle wiki anche dopo averlo finito. E non manca un easter egg di Bloober Team a Silent Hill 2 Remake!

The Pitt

Zeno2k: Sei abbastanza “agée” da essere orfano di E.R.? Non hai mai trovato un altro medical drama degno del grande predecessore? Qui non c’è Seattle o New York che tenga, perché andiamo direttamente nelle profondità del “pozzo“.

Ambientato a Pittsburg ed ovviamente erede spirituale di E.R. (anche perché prodotto e interpretato da Noah Wyle) presenta una struttura assolutamente originale: ogni stagione (è in corso la seconda, su HBO Max) è composta da un unico turno di lavoro e ogni episodio è un’ora di lavoro. Stupendo.

Il resto è il solito carosello di disperazione, speranze e problemi umani con le classiche contrapposizioni tra medici in carriera o aspiranti tali, tossici, barboni, molestatori o semplici disgraziati con malattie astruse. Il tutto ben scritto e con un ritmo serrato che la sua natura oraria gli regala.

Una nota finale: la cosa che ho davvero apprezzato per la verosimiglianza e che, a memoria, non ho mai visto in nessun altro show del genere, è la totale assenza di censura. Non lo auguro a nessuno, ovviamente, ma quando si viene presi e curati si è generalmente nudi e se l’emergenza lo richiede non c’è spazio per il pudore. In The Pitt nemmeno. Non mancano primi piani di vagine partorienti, seni e peni eretti affetti da priapismo.

Non per i deboli di cuore.

Animal Crossing: New Horizons

Kiarakala: Nel marzo 2020, durante la pandemia e i vari lockdown, Nintendo venne in mio soccorso facendo uscire un gioco molto atteso che si rivelò in qualche modo terapeutico in un periodo così provante per la salute mentale di molti. Sto parlando di Animal Crossing: New Horizon, il primo capitolo uscito per Switch che ci donò uno scopo nella vita quando eravamo chiusi in casa senza sapere cosa sarebbe successo.

Ho passato almeno 200 ore a giocarci, ma ammetto che, come tanti, una volta che è ripresa la normalità e ho iniziato a lavorare, pian piano la voglia di giocarci è scemata a tal punto da abbandonarlo per 3 anni (riprendendo ogni tanto a giocare il DLC in cui si arredano delle stanze senza dover occuparsi della raccolta di materiali o costruzione di oggetti).

Ti starai chiedendo perché, se ho abbandonato questo gioco, lo sto consigliando, domanda legittimissima. La risposta è che il 15 gennaio è uscito un aggiornamento piuttosto grosso che mi ha fatto tornare la voglia di rigiocare e riscoprire la bellezza di questo titolo.

Nell’aggiornamento, se saremo andati abbastanza avanti col gioco, troveremo un nuovo edificio: il Kappa Hotel. Ogni giorno possiamo decorare due stanze dell’hotel e sfogare così la nostra creatività e ottenere nuovi oggetti; inoltre, per far conoscere la nostra isola ci verrà richiesto di creare degli oggetti ogni settimana e questo è un nuovo stimolo a svolgere attività ripetitive come il farming di risorse, che forse è qualcosa che in questo momento mi sta aiutando.

Nuovi stimoli a collaborare con gli altri giocatori grazie alla presenza di isole sogno collaborative e soprattutto, se si è stufi della propria isola ma non si vuole perdere tutto, sarà possibile rimuovere tutti gli oggetti grazie al ritorno del signor Resetti (che è molto meno aggressivo).

Insomma, Animal Crossing è un gioco consigliatissimo per chi ha bisogno di un po’ di calma e tranquillità e questo aggiornamento è perfetto per coloro che, come me, lo hanno abbandonato in cerca di nuovi stimoli.

P.S. L’aggiornamento è gratuito sia per Switch 1 sia per Switch 2, ma se acquisti la versione pensata per la 2, avrai qualche funzione in più e una maggiore ottimizzazione del gioco.

I Pirati Dei Caraibi – La Trilogia

Cavaliere: Avevo un bellissimo ricordo di La maledizione della prima luna (il primo Pirati dei Caraibi) e per questo mi sono detto “Vediamo com’è la saga nel 2025”. La trilogia è ancora oggi perfetta per il suo scopo: una saga per il grande pubblico (fossero tutti così i film pop!). Non mi dilungo, visto che ho scritto un Nerdando Consiglia dedicato qui! 

Balatro

Cavaliere: Mi sono divertito veramente tanto con Balatro e quindi sono contento per la sua vittoria ai Nerdando Awards 2024 e in generale per il successo di critica e pubblico. Un ottimo titolo che devi assolutamente recuperare se ami i giochi di carte e i roguelike/roguelite! Ti lascio alla recensione di Tencar.

Il Ragazzo e l’Airone

Cavaliere: Se di Miyazaki ti piacciono film come Ponyo sulla scogliera o Kiki – Consegne a domicilio, ti dico che l’ultima opera del regista giapponese è agli antipodi. “È divisivo”, per usare un’espressione abusata. Infatti mi ricordo che al cinema c’era un clima di spaesamento.

Invece a me a caldo piacque, ma per dare un giudizio definitivo avevo bisogno di una seconda visione e Rai 3 me ne ha dato l’occasione! “E quindi?” E quindi guardalo!

A Short Hike

Ayr: come già evidente dal titolo, l’indie game sviluppato da Adamgryu è, appunto, “short”. Tanto compresso da permettere di vedere i titoli di coda in appena un’ora e mezza. Eppure, questa brevissima avventura è stata perfettamente capace di affascinarmi e catturarmi.

Forte di una grafica molto personale e di un gameplay chill, A Short Hike riesce anche a emozionare per via del suo finale e della metaforica scalata che coinvolge, contemporaneamente, sia la protagonista principale che il giocatore.

Giocato interamente su Steam Deck, posso dirti che A Short Hike è presente praticamente su ogni piattaforma a prezzi sempre accessibili. Te lo consiglio!

Piccoli Atti di Misericordia – Dennis Lehane

Hardcase: L’autore lo conosciamo tutti, è quello che già tante volte in passato ci ha fatto emozionare e riflettere con le sue storie capaci di mescolare umanità e quotidiana violenza. Uno di quelli spesso saccheggiati dai grandi registi che, nel suo caso, hanno tirato fuori film memorabili come Mystic River di Clint Eastwood o Shutter Island di Martin Scorsese.

Di certo è uno scrittore che, anche quando tratta temi scottanti come la pedofilia, non ama utilizzare filtri o indorare la pillola. Preferisce colpire forte per scuotere le coscienze addormentate di tutti noi.

Lo fa anche con questo libro che tratta il tema del razzismo, affrontato, però, da una prospettiva non convenzionale, per dimostrarci che alle volte veleni come questo contaminano non solo l’anima dei persecutori, ma anche quella delle vittime, senza lasciare scampo per nessuno.

È un’opera che fa piangere, infuriare, ma soprattutto riflettere sulla fragilità delle cosiddette società progredite, sempre più edificate sull’odio.

Peggio di Niente – Ministri

Hardcase: Francamente non so se questa rubrica possa ospitare anche consigli dedicati alla musica, io, però, nel mio piccolo ci provo, anche perché sono uno di quei tipi che, qualunque cosa facciano durante il giorno, non possono fare a meno di ascoltare musica.

Non mi sono mai posto limiti di “genere”, motivo per cui posso passare dal blues, al country o, come in questo caso, all’indie rock.

La canzone, dal titolo geniale, è stata scritta da Ministri durante il periodo del lockdown e ha il merito, secondo me, di ricordarci quanto l’umanità possa cadere in basso quando a guidarla è solo la paura e l’istinto di sopravvivenza.

Il ritmo infernale e versi come “Ho visto il tempo volare, ho visto il tempo cadere, ho visto il buio per sempre” ci trasmettono bene il senso di cieco terrore che abbiamo provato tutti noi, soprattutto nelle prime fasi della pandemia.

Chiudo con una piccola (e facile) sfida: nella canzone è citato un verso del grande De Andrè. Vediamo chi lo trova.

Philna Fantasy

Hardcase: Vi capita mai di trovarvi ad accendere il computer con la voglia di giocare a qualcosa che sia semplice, divertente e non troppo impegnativo?

Voglio dire, persino io, che solitamente sono un tipo da CRPG a turni piuttosto complicati, alle volte sento il bisogno di staccare completamente il cervello e dedicarmi a un RPG più immediato.

Ecco, in casi come questo, un gioco come Philna Fantasy può risultare davvero perfetto.

Per intenderci, è un classico ARPG con visuale dall’alto, che per certi versi ricorda i primi Zelda, ma che attualizza la formula mettendoci dentro tutto quello che ormai siamo abituati a trovare nei giochi più recenti: un mondo semi-open world, dungeon, puzzle, crafting, pet e così via.  Insomma, sulla carta non manca nulla e quasi tutto quello che c’è è realizzato con competenza.

Intendiamoci, nulla di innovativo o che faccia gridare al miracolo, ma chi l’ha detto che deve essere sempre così?

Philna Fantasy è semplicemente quel “giochino” che ogni tanto ognuno di noi sente il bisogno di lanciare per divertirsi anche solo per 15 minuti, lasciandosi alle spalle cogitazioni e affanni quotidiani.

WWE: la storia dietro le quinte

Tencar: La prima stagione di WWE: la storia dietro le quinte mi aveva spiazzato e, stavolta, sapevo già cosa aspettarmi. Nonostante questo, sono riuscito a emozionarmi ancora una volta sentendo le storie di questi fantastici atleti e scoprendo il loro lato umano. Imperdibile sia se ti piace il wrestling, sia se ami i documentari sportivi.

Rick and Morty

Tencar: Credo che Rick and Morty sia la serie, assieme a South Park, che più mi fa divertire e riflettere. Anche questa ottava stagione è un caleidoscopio di emozioni: imperdibile.

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Articolo a cura di Antonio Petito che trovate qui
Instagram: https://www.instagram.com/ilpetito
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Ok, parliamoci chiaro; il tempo è un giudice spietato, soprattutto con il cinema. Quante volte ci è capitato di rivedere un film che adoravamo da bambini solo per scoprire – con una punta di amarezza – che non era invecchiato affatto bene? È quasi un piccolo tradimento, un momento in cui ci rendiamo conto che la magia era legata più al contesto che alla bellezza effettiva e che la polvere del tempo, alla fine, si posa inesorabilmente su quasi tutto.

Poi però, ci sono le eccezioni, quei piccoli miracoli cinematografici che, contro ogni previsione, con il passare degli anni non solo non perdono smalto, ma brillano di una luce ancora più forte. E forse nessun film moderno incarna questa idea meglio di Scott Pilgrim vs. The World, un’opera che, a quindici anni dalla sua uscita italiana, non sembra semplicemente invecchiata bene, ma quasi ringiovanita, come se il mondo avesse finalmente ottenuto i mezzi per stare dietro al suo strano linguaggio, soprattutto considerando il periodo d’uscita (2010), durante il quale Hollywood si preparava a sfornare una quantità enorme di film tratti da fumetti grazie a Marvel, DC e qualche altro esperimento sparso, andato più o meno bene.

Inizialmente infatti, Scott Pilgrim sembrava appartenere proprio alla categoria di quei film nati “un po’ storti”, ma poi qualcosa è cambiato.

Un glorioso fallimento

Mettiamola così: il botteghino di Scott Pilgrim vs The World fu un disastro. Costato circa 60 milioni di dollari, ne recuperò meno di 50 a livello globale, diventando sulla carta uno dei più grandi flop del 2010. Il problema era semplice: nessuno sapeva come etichettarlo.

Era troppo strano per essere una commedia romantica, troppo surreale per essere un film d’azione e troppo autoreferenziale per il grande pubblico, che non capì il suo linguaggio fatto di estetica 8-bit, onomatopee a schermo e battaglie in stile videogioco.

Ma fu proprio quando le luci della ribalta si spensero che la vera fortuna del film ebbe inizio. Lontano dai cinema, grazie al passaparola e a un fandom che cresceva esponenzialmente e in modo quasi carbonaro, Scott Pilgrim guadagnò sempre più fama, e la sua ascesa divenne inarrestabile, fruttando più nel decennio successivo che durante la sua run cinematografica, dimostrando che, a volte, il giudizio più importante non è quello del presente, ma quello del tempo.

Un film a tempo di musica (letteralmente)

La verità è che per capire Scott Pilgrim vs. The World non basta guardarlo, ma bisogna… ascoltarlo.

La sua genialità sonora, va infatti ben oltre una semplice “soundtrack azzeccata”, ma è molto di più.

Tanto per cominciare, Edgar Wright aveva infatti un sogno proibito, un capriccio artistico molto difficile da realizzare: usare un brano di The Legend of Zelda. Sapendo però che i normali canali legali con Nintendo sarebbero stati un vicolo cieco, decise di scavalcare gli avvocati e scrivere direttamente all’azienda. Nella sua lettera, descrisse il brano che voleva non come semplice musica, ma come “la ninna nanna di un’intera generazione“.

Questa singola frase fece breccia nel cuore di Nintendo, che non solo gli concesse la musica, ma fornì con entusiasmo anche una serie di effetti sonori iconici del gioco, da poter usare nel film.

Questo aneddoto è la chiave di tutto: la cura per il sonoro, orchestrata dal produttore Nigel Godrich (il “sesto Radiohead”), era la costruzione di un mondo. È sua l’idea di affidare a Beck il compito di scrivere le sgangherate canzoni dei Sex Bob-omb, ed è sua la scelta di coinvolgere colossi come i Metric o i Broken Social Scene per dare un’identità unica a ogni band.

E a proposito dei Metric, eccovi una scena in cui Brie Larson (che nel film interpreta Envy Adams) esegue una cover della loro Black Sheep, in una scena che fa capire quanto il montaggio sia stato influenzato dalla colonna sonora, in maniera quasi maniacale.

Come ti anniento un archetipo

Lasciando da parte il grandissimo comparto visivo e volendo parlare di scrittura, è inutile dire che anche qui il lavoro è stato dei migliori; il soggetto iniziale è di qualità, l’ironia è particolare e la narrazione scorrevole, ma ciò che valorizza al massimo la sceneggiatura di Scott Pilgrim vs. The World è la caratterizzazione dei personaggi, in particolare di uno: Ramona Flowers.

In superficie, il personaggio col volto di Mary Elizabeth Winstead potrebbe sembrare l’incarnazione di un cliché che il cinema indipendente dei primi anni 2000 ha usato fino alla nausea, ovvero la Manic Pixie Dream Girl, quella ragazza cool, misteriosa, con i capelli colorati e una personalità eccentrica che arriva per salvare il protagonista maschile dalla sua noiosa esistenza, essendo più una sorta di estensione della sua personalità che un personaggio tridimensionale.

Film come 500 Giorni Insieme di Mark Webb (Sì, proprio il regista dei due The Amazing Spider-Man) uscito appena un anno prima, avevano già provato a mettere in discussione questa figura, mostrandone i “danni” dal punto di vista del protagonista, ma Edgar Wright (e in origine Bryan Lee O’Malley) fanno un passo ulteriore e molto più radicale: la annientano dall’interno.

Ramona non è un premio da vincere o un sogno da realizzare; è una persona reale, con un passato ingombrante e complicato, e i suoi sette malvagi ex non sono un bizzarro espediente narrativo, ma la metafora più potente e letterale del concetto di “bagaglio emotivo”.

Scott, per stare con lei, non deve semplicemente conquistarla; deve affrontare, letteralmente, i suoi traumi, i suoi errori, le sue relazioni passate. Ramona non è perfetta; commette errori, è irritante e a volte è egoista e scappa dalle sue responsabilità. Non è lì per salvare Scott. Anzi, per gran parte del film, è lei stessa a dover essere salvata, ma non da un nemico esterno, bensì da sé stessa e dalle sue scelte. Non un trofeo, ma una persona, che diventa anche un motivo di maturazione per il protagonista.

Un film generazionale

Sì lo so, a volte la definizione è usata a sproposito, ma per stavolta facciamo finta di essere tutti d’accordo.

Sì, Scott Pilgrim vs. The World è un film generazionale. E il perché è presto spiegato.

Semplicemente, parlava la lingua di una generazione prima ancora che quella generazione si rendesse conto di averne una. Per chi è cresciuto negli anni ’90 e 2000, tra Super Mario, Street Fighter, fumetti indipendenti e la musica di MTV, il film di Wright non era un esercizio di stile, ma una specie di dichiarazione d’amore.

La sua estetica non era un vezzo, ma il modo in cui quella generazione vedeva il mondo: una serie di livelli da superare, di boss da sconfiggere, con una colonna sonora indie rock a fare da sottofondo. Ma al di là del linguaggio, la sua eredità risiede nei suoi temi, oggi più attuali che mai, parlando della difficoltà di entrare nell’età adulta, di relazioni complicate e, soprattutto, del bisogno di imparare ad amare sé stessi, in un’ultima, vera battaglia in cui Scott non lotta per Ramona, ma per il rispetto di sé, guadagnando il potere più grande che una persona possa avere, ovvero il “Potere dell’Amor Proprio“.

Questo, era su per giù Scott Pilgrim vs. The World.
Se lo avete già amato, è il momento perfetto per un rewatch. Scoprirete che, quindici anni dopo, non ha perso un briciolo della sua energia. Anzi, come un buon vino o un classico videogioco, è solo migliorato.

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Recensione 

Il 16 ottobre 2025 è uscito Leggende Pokémon: Z-A, il nuovo titolo dedicato ai più famosi mostriciattoli digitali del mondo, gli amatissimi (almeno da me!) Pokémon!

Gioco con i Pokémon praticamente da quando è uscito il primo titolo per Game Boy in Italia, nel 1999, e non me ne sono fatta scappare uno. Ho la casa invasa da plushie e gadget originali (molti dei quali comprati direttamente nei Pokémon Center in Giappone), quindi non potevo esimermi dal provare anche questa nuova uscita.

Leggende Pokémon: Z-A promette novità, ma sarà stato all’altezza delle mie aspettative? Continua a leggere per scoprirlo!

Questa volta non si tratta solo di catturare Pokémon, ma di capire se siamo disposti a cambiare il modo in cui abbiamo sempre giocato: Z-A infatti si presenta come “il primo Pokémon con lotte in tempo reale”. Quando l’ho scoperto ho avvertito un misto di eccitazione e dubbio: dopo quasi 30 anni di modalità di lotta a turni, siamo pronti a rivoluzionare il modo in cui affrontiamo la parte fondamentale del gioco, cioè i combattimenti? Che questo sia il futuro dei Pokémon o solo un esperimento, lo dirà il tempo.

Il gioco é prodotto come sempre da Game Freak ed é disponibile per Nintendo Switch e Switch 2. Ringrazio Nintendo per avermi inviato una copia!

Trama

In Leggende Pokémon: Z-A ci ritroviamo a Luminopoli, cuore pulsante della regione di Kalos. La città che avevamo conosciuto in Pokémon X e Y viene qui mostrata in una veste completamente diversa: più viva, più ampia, ma anche più complessa, e palesemente ispirata a Parigi, con tanto di torre al centro. Non c’è la classica struttura “palestra dopo palestra fino alla Lega”: la storia ci mette al centro di un progetto ambizioso, quello della ricostruzione e della gestione della città stessa, che diventa il vero fulcro dell’avventura. Invece di conquistare medaglie e affrontare alla fine la Lega Pokémon, il nostro scopo é di scalare la classifica degli allenatori dal rango di partenza Z fino al rango A, il quale ci permetterà alla fine di diventare campioni e di esprimere un desiderio. Il nostro personaggio si trova così a muoversi tra quartieri in evoluzione, scelte narrative e tantissime missioni (sia principali che secondarie) che influenzano direttamente lo sviluppo di Luminopoli, il tutto con sullo sfondo il “mistero” legato alle mega evoluzioni (che, ahimè, non sono affatto una novità). 

Senza fare troppi spoiler, la trama alterna momenti più leggeri in pieno stile Pokémon a passaggi che tentano di toccare corde più mature, soprattutto legate al rapporto tra umani, Pokémon e la città in trasformazione. 

In generale devo dire che come struttura Pokémon Z-A mi ha ricordato molto Leggende Pokémon: Arceus (ovviamente essendo entrambi della serie Legends), e un po’ Pokémon Spada/Scudo, per l’open world e l’ambientazione. 

Grafica e ambientazione 

Partiamo da un punto dolente: la grafica. Leggende Pokémon: Z-A mantiene lo stile allegro e coloratissimo che da sempre caratterizza la saga, ma purtroppo anche questa volta non raggiunge il livello che ci si aspetterebbe da un titolo del 2025. Le texture restano spesso basilari, i modelli poco rifiniti e in certi momenti sembra di vedere ancora i pixel, cosa che stona parecchio se proiettata su una TV grande. Personalmente ho finito per giocare quasi esclusivamente in modalità portatile su Switch, perché sullo schermo di casa la resa visiva mi dava più fastidio che piacere.

Fortunatamente l’ambientazione compensa in parte queste mancanze: Luminopoli è bellissima, esplorabile in ogni angolo e tetto (mi raccomando salite sui tetti!) e si evolve progressivamente, con quartieri da scoprire un po’ alla volta e zone selvagge che compaiono una dopo l’altra, ognuna con il proprio grado di difficoltà, il che rende l’esplorazione sempre stimolante, con un senso di progressione tangibile. 

Un dettaglio che ho apprezzato molto è il ciclo giorno-notte: di giorno si può andare liberamente in giro per la città, svolgere le missioni e catturare Pokémon nelle zone selvagge, di notte invece si attiva la Zona Lotta dove si può (se si vuole) entrare e combattere con tanti allenatori di seguito per conquistare i biglietti che servono per poter affrontare la lotta con un avversario designato al fine di salire di rango. Quindi, a differenza di ciò che accadeva nei giochi precedenti non si lotta con allenatori incontrati in giro sulla mappa ma in queste zone specifiche (anche se si possono fare lotte anche come missioni secondarie e nei ristoranti). 

Come in Arceus, anche qui si devono svolgere incarichi per lo scienziato di turno, in questo caso Martynia, ed é importante svolgerli perché come premio si ricevono le MT (attenzione: le mosse imparate dai Pokémon tramite MT possono diventare mosse + solo facendo una visitina al dojo della città). 

Le novità 

La vera, grande rivoluzione di Leggende Pokémon: Z-A è il sistema di combattimento. Dopo quasi trent’anni di lotte a turni, qui ci troviamo per la prima volta davanti a scontri in tempo reale. Non esistono più i PP delle mosse: ogni attacco ha invece un tempo di ricarica, e sta a noi gestire il ritmo della battaglia scegliendo con attenzione quando attaccare, quando difendere e quando rischiare. Questa scelta non è da poco, infatti per la prima volta la saga abbandona il suo marchio di fabbrica, i turni, per abbracciare una dinamica più fluida, quasi da action RPG, e la sensazione, giocando, è quella di avere un controllo più diretto e immediato sul proprio allenatore e sulla squadra. Ammetto di averci messo un po’ all’inizio a capire come gestire questa modalità, che rispetto al solito é più frenetica: ero talmente impegnata a evitare di essere colpita e ad attaccare che badavo poco alla salute del Pokémon combattente rischiando di non riuscire a dargli in tempo rimedi e pozioni, in mancanza anche di un tutorial adeguato. Niente paura comunque, gli elementi classici caratteristici dei giochi Pokémon come le mosse, i tipi e le debolezze restano fondamentali: non si tratta di un taglio netto col passato, ma di un’evoluzione che mescola vecchio e nuovo.

Un cambiamento che personalmente non ho apprezzato molto è l’introduzione del coinvolgimento diretto dell’allenatore negli scontri. Durante le lotte, infatti ,se non ci si sposta al momento giusto si possono ricevere danni in prima persona e addirittura “morire”: a me è capitato spesso all’inizio di perdere i combattimenti non perché il mio Pokémon fosse andato K.O., ma perché venivo messa fuori gioco io stessa. É una scelta coraggiosa, certo, ma che può risultare frustrante.

Dall’altro lato, ho trovato invece molto interessante la gestione delle mosse. Ogni Pokémon mantiene le canoniche quattro mosse attive in battaglia, ma tutte quelle che impara nel corso del tempo restano memorizzate e possono essere sostituite e rimesse in qualunque momento, senza più l’ansia di dover cancellare un attacco per sempre. Una soluzione intelligente, che modernizza un aspetto spesso percepito come limitante nella saga classica.

Mi dispiace segnalare un paio di punti che mi hanno lasciata un po’ con l’amaro in bocca. In questo titolo non troviamo una nuova generazione di Pokémon: tra gli starter a disposizione infatti compaiono Totodile e Chikorita dalla seconda generazione, e Tepig, che è della quinta.  

Inoltre, manca l’introduzione di nuovi Pokémon leggendari: l’unico grande “ritorno” è Zygarde, che invece appartiene alla sesta generazione e non può essere considerato una novità vera e propria.  

Concludendo 

Leggende Pokémon: Z-A è senza dubbio un titolo che cerca di sperimentare, rompendo una tradizione trentennale con il passaggio alle lotte in tempo reale e introducendo un sistema di mosse più flessibile. Alcune di queste novità mi hanno convinta, altre decisamente meno: l’idea che l’allenatore possa essere colpito e sconfitto non mi ha fatto impazzire, e la mancanza di una nuova generazione di Pokémon o di leggendari inediti lascia addosso una sensazione di occasione mancata.

La grafica, pur allegra e colorata, continua a rimanere al di sotto delle aspettative per un titolo del 2025, tanto che ho preferito godermelo in portatile. Eppure, tra la ricostruzione di Luminopoli, le zone selvagge che si sbloccano gradualmente e il ciclo giorno-notte che rende il mondo più vivo, il fascino dei giochi Pokémon è rimasto intatto.

In definitiva, Leggende Pokémon: Z-A non è forse la rivoluzione definitiva che speravo, ma resta un titolo che ogni fan della saga vorrà provare, fosse anche solo per vedere con i propri occhi la direzione che Game Freak ha deciso di intraprendere.

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Nerdando in breve

Leggende Pokémon: Z-A non è perfetto, ma osa cambiare e regala emozioni nuove: se amate i Pokémon, troverete comunque qualcosa che vi farà brillare gli occhi.

Trailer

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Era il 2017 ed ero a Melbourne, in Australia, lontano da casa e dalle console da salotto a cui, per anni, sono stato tanto appassionato. Non sapevo se sarei rimasto nella capitale del Victoria e soprattutto per quanto tempo. Sentivo, però, una maledetta voglia di rimettermi a giocare, a nerdare come non facevo da troppi mesi. All’epoca, prima di emigrare, la mia macchina da gioco principale era la Xbox One e, occasionalmente, il PC. Ovviamente, per quanto appassionato, questi due oggetti non erano in alto nella mia lista delle priorità quando preparavo la mia valigia, con un biglietto di sola andata, per il continente dei canguri. Fu così che pensai “Ehi, perché non comprare una console portatile? Nintendo ne ha appena lanciata una! Magari posso portarla con me se dovessi decidere di tornare in Italia“. Andai da Harvey Norman e, insieme a mia moglie, decisi di comprare, al ragionevole prezzo di 550 dollari australiani, una Nintendo Switch, quella che divenne la mia console preferita di sempre. Eh già, Ayr il boxaro, appena iniziato Breath of The Wild, capì di essere di fronte a qualcosa di potente, inedito e memorabile.

Questo articolo celebrativo della magica console ibrida di Nintendo è un testo molto personale. Voglio semplicemente ripercorrere il mio percorso con la mia amata Nintendo Switch, dallo scetticismo iniziale fino all’annuncio dell’attesissima Switch 2. Sarebbe bello confrontarsi con la community, magari sui nostri canali ufficiali, e scambiare le nostre esperienze videoludiche. Personalmente, ho solo parole positive nei confronti di Switch e spero tanto che Switch 2 possa farmi vivere emozioni simili.

Gli inizi

Come dicevo, prima di emigrare passavo il mio tempo spolpando ogni angolo di Fallout 4 su Xbox One. Inoltre all’epoca ero convinto che nessuna console, in vita mia, avrebbe mai superato l’esperienza che la Xbox 360 mi aveva garantito. Nella mia personale classifica mentale c’era però una console Nintendo, quella della mia infanzia: lo SNES. Ma era il 2017 e i nomi dei personaggi di Kyoto mi dicevano poco oramai. D’altronde la prima PlayStation mandò in soffitta il Super Nintendo e passai poi centinaia di ore in compagnia di PlayStation 2 prima di approdare alla corte di Bill Gates.

Non ho avuto la Wii, né tanto meno il Game Cube o il DS. Non avevo mai sperimentato console portatili ed ero, nel mio inconscio, convinto che il gaming, quello serio, fosse una questione di console premium o PC. E poi arrivò The Legend of Zelda: Breath of The Wild.

Cosa si può dire di BOTW che non sia stato già detto altrove? Ricordo nitidamente la sensazione di volermi svegliare presto, di puntare la sveglia alle 7 nel weekend, pur di esplorare Hyrule. Un sentimento inedito, quasi adolescenziale, che non conoscevo davvero da troppi anni e che fu solo l’inizio di un amore che non ha mai smesso di bruciare.

La cotta iniziale

A parte il mio impiego principale, nel weekend cercavo di consolidare le mie finanze con un secondo lavoro in un ristorante italiano. I miei colleghi erano tutti Sonari che ripetevano “hai buttato i soldi! Ma non capisci che Nintendo, da WiiU in poi, è praticamente morta?“. E io, come spesso mi capita, non riesco a non parlare delle cose che adoro. Una domenica mattina, Enrico, il pizza-chef, si avvicina a me e afferma “bello mio, ho preso la Switch. Me so’ innamorato pure io“. Il passaparola era ufficialmente iniziato.

Io e mia moglie ci alternavamo nel vestire i panni di Link, entrambi senza parole di fronte alla maestosità di Breath of the Wild. Ma perché mai giocare a turni se, senza dover comprare altri joy-con, potevamo divertirci in multi-player. Acquistammo quindi Mario Kart 8 Deluxe e, per i successivi anni, non riuscimmo a stancarcene.

Nell’inverno australiano del 2017 (che qui in Europa però chiameremmo estate), fui folgorato da Splatoon 2. Non avevo mai giocato niente di simile in vita mia. Nintendo, come ben sapete, ha sempre voluto distanziarsi da violenza e temi inopportuni per i più piccoli. Splatoon è stata la geniale risposta alla volontà di avere uno sparatutto nella propria line-up ma renderlo comunque appetibile a utenti di tutte le età. Spesi tantissime ore in compagnia del mio Inkling e per mesi mi ritrovai a canticchiare le musiche di questo videogame.

Ottobre 2017 e Nintendo, non contenta delle gioie che ci aveva già donato in così poco tempo, pubblica quello che considero il miglior platform 3D di sempre: Super Mario Odyssey. Sono passati la bellezza di 7 anni e nessuno è ancora riuscito a scalfire il suo dominio. Per quanto mi riguarda, solo Psychonauts 2 ha raggiunto vette simili ma non con l’immensa qualità media garantita da Super Mario Odyssey. Nel giro di poco tempo, insomma, intuii che Nintendo si era lasciata alle spalle il fallimento di WiiU e che Switch era destinata a lasciare il segno.

L’infatuazione diventa ufficialmente amore

Mentre sto scrivendo questo articolo, fisso le mie Xbox Series X e PlayStation 5, qui davanti a me, in sala. Mi rendo conto solo adesso che nel suo primo anno di vita Switch ha fatto più di loro in 4 anni. Ma continuiamo con la mia storia.

Ho passato larga parte del 2018 in compagnia di ottimi titoli indie di terze parti. Per qualche motivo il Nintendo eShop si è rapidamente configurato come il territorio ideale per promuovere tante gemme indie. Evitai l’acquisto di Kirby Star Allies e Mario Tennis Aces ma mi accaparrai una copia di Octopath Traveler. Quest’ultimo, al di là del comparto grafico mozzafiato, non mi convinse davvero. Mi bastò però attendere dicembre per mettere le mani su quello che entrò di diritto nella top 10 dei miei videogiochi preferiti di sempre. Signore e signori, quello che considero il vero GOTY del 2019, pubblicato il 7 dicembre 2018, gioco su cui ho speso ben 200 ore: Super Smash Bros. Ultimate. Da quel momento in poi il significato stesso di ‘festa in casa’ cambiò e mi ritrovai ad invitare amici e conoscenti a passare serate tra risate, birre e duelli Joy-Con in mano.

Fire Emblem: Three Houses, il mio videogame preferito

O quantomeno nella mia lista dei miei videogiochi preferiti. Nel 2019, tra una partita ad Astral Chain e l’altra, mentre mia moglie intorno a novembre si teneva impegnata con Pokémon Sword and Shield, scoprii appunto Fire Emblem: Three Houses. Quello di Fire Emblem era un altro di quei brand con cui non avevo mai avuto a che fare e, ancora una volta, un gioco che mi folgorò all’istante.

Poche volte in vita mia mi è successo di innamorarmi di qualche opera o evento così, di getto, durante la prima esperienza. Mi capitò forse solo con i Motorhead che, quando vidi live, non conoscevo quasi per nulla e che divennero immediatamente una delle mie band preferite. Con Three Houses ebbi un colpo di fulmine simile e passai centinaia di ore in compagnia di Claude, Edelgar e Dimitri. Fire Emblem: Three Houses totalizzò la mia vita, tant’è che, all’epoca e per tanto tempo, non riuscivo a pensare ad altro. Grazie a questo gioco approfondii anche grandi amicizie nella vita reale, dato che mi confrontavo con amici sulle varie scelte del gioco. A proposito, saluti a Marica, che sicuramente ricorda il 2019 di Switch con la stessa gioia mia.

La pandemia e la salvezza grazie ad Animal Crossing: New Horizons

Sarò banale e ripetitivo. Avete già letto questa frase, centinaia di volte altrove. Ma, anche per me, la terribile pandemia da Covid fu un filino più sopportabile per merito di Animal Crossing: New Horizons. Ancora una volta sto parlando di una ‘first experience’ per me, visto che non avevo mai giocato a un Animal Crossing. Iniziate ora a capire il filo conduttore di questo articolo? Quante console, davvero, possono vantare un parco titoli capace di catturare dopo la prima sessione? Nella mia vita, solo la Switch.

Ma torniamo a Tom Nook e soci. In casa, io e mia moglie, alternavamo il possesso della cartuccia di New Horizons. Lei creava la sua isola sulla Switch Lite, io sulla mia, oramai stanca, Switch principale. Per mesi, nelle nostre stanze, è risuonata la fantastica colonna sonora di questo capolavoro videoludico, alternato a quella geniale canzone meme sul gioco che potete trovare qui.

Ed è anche grazie ad Animal Crossing: New Horizons che nacque la mia grande amicizia con il buon Mentore, mentre ci aiutavamo a trovare rape da vendere al prezzo giusto, protetti dalle mura domestiche da quella che sembrava essere una pandemia senza fine.

Un’occasione per recuperare altri grandi titoli

Il 2021 e 2022 furono anni dove mi sono dedicato più all’Xbox Game Pass e al gaming PC. La mia curiosità da gamer e recensore mi ha sempre portato ad esplorare ogni piattaforma possibile e, visti anche i grandi vuoti lasciati da Nintendo, ho approfittato per recuperare giochi inesplorati negli anni precedenti.

Ebbi l’occasione di apprezzare il sottovalutatissimo Luigi’s Mansion 3 che rapidamente si configurò come il titolo ideale da giocare in couch co-op. Tentavo di tenermi in forma con Ring Fit Adventure, rimanendo sorpreso come un bimbo di fronte alle sue grandiose potenzialità. Ebbi l’occasione di saggiare la grande qualità di Mario Party e la sua innata capacità di donare gioia e divertimento.

Ma, più di tutti, un videogame ha caratterizzato quel biennio, per me, e lo porto ancora nel cuore. Sto parlando, ancora una volta, di un brand nuovo per me, ma che tornava ad un titolo 2D dopo ben 19 anni: Metroid Dread. Quello che, per me, insieme a Forza Horizon 5 e The Artful Escape, fu il GOTY del 2021 e che, ancora una volta, testimoniava l’assoluto genio e l’incredibile creatività degli sviluppatori Nintendo. Un metroid-vania perfetto in ogni sua componente e che, ancora oggi, vorrei giocare e rigiocare.

I tempi più recenti e l’amore per Link (di nuovo)

E arriviamo finalmente ai nostri giorni, dove la Switch è diventata, soprattutto, la mia forma d’intrattenimento nei miei viaggi in autobus per raggiungere Dublino dalla sua periferia. Grazie ad essa ho potuto godermi i primi 2 Bayonetta (il secondo dovrebbe essere giocato da chiunque), una manciata di indie e Pikmin 4.

Agli inizi del 2023 ebbi l’occasione di calarmi nei panni di Samus e recuperare il primo Metroid Prime. Al di là dell’operazione di remastering assolutamente riuscita, questo gioco non ha fatto altro che aumentare il mio già notevole hype per il quarto episodio in uscita, si spera, nel 2025. Il vero canto del cigno di Nintendo Switch è stato però il maestoso The Legend of Zelda: Tears of the Kingdom. Un titolo controverso per molti, assolutamente imperdibile per me. L’unico videogame che, a mio parere, è stato capace di superare, senza però renderlo obsoleto, Breath of The Wild. Con grande orgoglio lo nominai ai Nerdando Awards di quell’anno e sono tuttora convinto che sia il vero GOTY del 2023. E, se non siete d’accordo, bene così: Nerdando è nato per condividere le proprie passioni e per parlarne assieme. Lo sapete, no?

Rimane il fatto che Tears of the Kingdom è stata l’ultima grande bomba lanciata dalla casa di Kyoto per la sua console ibrida. Dall’ultimo Zelda in poi, trasferte in autobus a parte, ho passato poco tempo in compagnia della mia adorata Switch, complice anche la volontà di voler recuperare un po’ di tempo perso su Xbox e PlayStation. In questo discorso inserirei anche la roboante Steam Deck che, ammetto, ha rimpiazzato la Switch sul suo stesso territorio pur non potendo contare sulla stessa portabilità.

Un ottimistico occhio al futuro

Sono sicuro che ognuno di noi avrà interessantissime storie da raccontare sulla propria console preferita. Magari molti di voi concorderanno con me e metteranno la Nintendo Switch sul personale gradino più alto del podio. Io, oramai, credo che non potrò mai più sorprendermi, in vita mia, come ho fatto con la Switch, soprattutto considerando il mio passato completamente avulso dalle IP di Kyoto.

Non vedo l’ora però di mettere le mie mani sulla Nintendo Switch 2 sperando che sarà capace di replicare anche solo una frazione dello splendore imbastito dal suo predecessore. In questo lungo racconto, chissà quanti videogame ed esperienze ho dimenticato di citare. Posso solo assicurarvi però che ogni momento passato in compagnia di Switch è stato magico, inimitabile e prezioso. Spero che anche voi possiate capire le parole e, in caso contrario, perché no, potrete sempre recuperare questi tesori in futuro.

In bocca al lupo, Switch 2. Facci sognare anche questa volta.

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Recensione

In questa calda estate ho avuto l’occasione di recuperare alcuni giochi che mi erano originariamente sfuggiti di questo primo semestre 2024. Tra questi, c’è Princess Peach: Showtime! l’ultimo gioco Nintendo che vede come protagonista Peach, che ha ormai dismesso i panni della inerme principessa da salvare, per diventare protagonista delle proprie avventure, mostrando una grande forza d’animo e un indomito coraggio.

Il gioco parte dal momento in cui la nostra Principessa Peach decide di recarsi al Teatro Splendente per assistere ad uno spettacolo. Qui però viene sorpresa dalla malvagia Uva Spina e dalla Compagnia dei Mostri, che rapiscono tutti gli attori, trasformando lo spettacolo in una tragedia. Con l’aiuto di Stella, custode del Teatro Splendente, Peach prende in mano la situazione cercando di ristabilire l’ordine.

Un maestoso spettacolo teatrale

Il gioco ha una struttura a livelli, ognuno dei quali costituisce un atto di uno spettacolo più grande. Ciascuno di essi vede Peach indossare diversi costumi di scena, attraverso i quali acquisisce poteri differenti. La particolarità di Princess Peach: Showtime! è che ad ogni spettacolo corrisponde una diversa formula di gameplay. Questa struttura potrebbe risultare un po’ frammentata, ma gli sviluppatori di Good-Feel sono riusciti ad amalgamare bene il tutto, rendendo le avventure di Peach sempre diverse e mai noiose. Purtroppo, devo segnalare che la qualità dei vari spettacoli risulta un pochino altalenante, ma nel complesso l’esperienza è sempre in grado di mantenere viva la curiosità dei giocatori.

Un’avventura adatta anche ai giocatori meno esperti

Come da tradizione Nintendo, il gioco si propone ad un pubblico molto ampio, risultando approcciabile dai meno esperti, che potranno divertirsi a concludere la storia in circa una decina di ore, ma prova ad avvicinarsi anche a giocatori più esperti, data la mole di collezionabili presenti nel gioco, che richiedono un pizzico di abilità in più per chi vuole completare al 100% le sfide presenti.

Uno spettacolo per gli occhi

Il comparto tecnico risulta solido, con giusto qualche tentennamento nel framerate delle scene più concitate e con qualche caricamento leggermente più lungo rispetto a quanto ormai siamo abituati. Nel complesso, graficamente, rimane un ottimo colpo d’occhio generale, con immagini molto colorate e ambientazioni sempre diverse e ben curate. Ottimo anche il lavoro svolto con le boss fight, che propongono nemici fantasiosi, che richiedono la giusta strategia per essere sconfitti (anche se questa risulta ben leggibile dagli indizi lasciati dagli sviluppatori in-game).

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Nerdando in breve

In conclusione, Princess Peach: Showtime! è una divertente avventura, non particolarmente complessa da completare, che risulta così adatta anche ad un pubblico più giovane, o meno avvezzo ai videogiochi. Questo si traduce in un livello di difficoltà complessivo che risulta essere tarato verso il basso. Le differenti idee di gameplay, che sono state inserite nel gioco, regalano tante sorprese e trasportano i giocatori nel colorato mondo della Principessa Peach, per un divertimento leggero e spensierato, senza troppo avere l’ansia di vedere la schermata del game over. Per chi cerca una sfida in più restano comunque i numerosi collezionabili sparsi per i livelli, che richiedono un maggiore impegno per essere raccolti.

L'articolo Princess Peach: Showtime! – A spasso tra gli spettacoli insieme alla Principessa Peach proviene da Nerdando.

The Last of Us Parte II

Giando: con un ritardo incredibile, come mio solito, ho finalmente finito il secondo capitolo della saga (?) Naughty Dog. Che dire, sono rimasto veramente colpito da ciò che ci hanno saputo raccontare in maniera egregia. La storia di vendetta portata avanti dalle due protagoniste, Ellie ed Abby, è una spirale che va sempre più in giù, colpendovi al cuore e allo stomaco più e più volte. Questo capitolo è stato definito come una delle esperienze videoludiche migliori di sempre, e non posso che concordare al 101% con questo concetto. Se siete dei lumaconi come me e non l’avevate ancora affrontato, fatevi un regalo e giocate a questo gioco meraviglioso. Preparatevi però, non vi lascerà indifferenti.

Ah, l’ho anche platinato: mi sembrava il minimo per “ringraziare” The Last of Us Parte II e ciò che mi ha dato, incluso il senso di vuoto che mi ha preso una volta poggiato il controller dopo i titoli di coda.

Super Mario Bros. – Il film

Mik: Ammetto e non ho mai nascosto di essere uno di quegli snob che fa fatica a guardare film doppiati – soprattutto d’animazione, ed è per questo che mi riduco a vedere film sempre in ritardo una volta che approdano sulle piattaforme di streaming oramai ben note.
Sono dunque in ritardissimo a parlarvi di un film che oramai ha visto anche mia nonna (che alla veneranda età di 98 anni comunque sarebbe plausibile e forse le piacerebbe).
Dopo il grande classico di Bob Hoskins & John Leguizamo il bersaglio non era molto alto, ma Nintendo ha deciso comunque di andare all-in realizzando un film che può intrattenere un po’ tutti: puristi Nintendo, bimbi, neofiti del brand o anche semplicemente appassionati di animazione/film.
Il film è leggero quanto basta ma ricco di avventura e azione.
Non vi aspettate incredibili colpi di scena ma ciò non di meno emozione!
Il mio personaggio preferito: Luigi (Tencar? ndGiando), che ha persino spazio per sé – anche se non quanto Mario – e i doppiatori dell’iconico duo (Chris Pratt “Mario” e Charlie Day “Luigi”) sono perfettamente a loro agio nei panni del team di idraulici Italo-Americani più famoso al mondo.
Pertanto è mio parere personale e mia premura informarvi che se non avete visto il fim, o non l’avete visto in lingua originale, è il momento perfetto per dare un occhio ad Amazon Prime Video, dove è disponibile in noleggio. Ve lo consiglio fortemente!
Itsame, Mik!

Ravenlok

Zeno2k: Giocato grazie al gamepass su Xbox, un gioco fresco e semplice, ideale per questa torrida estate. Si tratta di un action con leggerissime componenti RPG ambientato in un mondo che ricorda molto, ma molto da vicino le suggestioni di Alice nel paese delle meraviglie.
Enigmi abbastanza semplici e combattimenti piuttosto abbordabili rendono questo Ravenlok ideale per qualche ora spensierata (si completa in meno di 6 ore al 100%) con il cervello a giri minimi, ma non per questo non merita per la delicatezza del comparto grafico e per un gameplay senza troppe pretese ma abbastanza solido.
Ideale se avete figli o nipoti da iniziare al magico mondo dei videogame fantasy.

Blackwater

Jedi.lord: Abbacinato dalla serie di copertine più belle che ho in libreria per distacco, mi sono lasciato convincere dalla pubblicità e da Stephen King a cominciare la lettura di questa saga di sei volumi, che è tornata disponibile in una nuova edizione dopo 30 anni.
La saga di Blackwater, scritta dal compianto Michael McDowell, è definita come southern-gothic horror, un genere caratterizzato soprattutto per l’ambientazione rurale del sud degli Stati Uniti e per personaggi e vicende eccentriche ed inquietanti.
Io vi posso giurare che i libri li ho divorati come fossero patatine, e devo dire che sono soddisfatto di questa lettura e del tempo dedicatogli.
Mi sono fatto avvincere dai personaggi, dalla ricostruzione storica, finanche dal semplice meccanismo del “voglio sapere che succede”, che qui funziona alla grande.
Anche il finale è promosso. Ho voltato l’ultima pagina con il classico sorrisetto di chi è soddisfatto, e con quella lieve malinconia di un mondo inventato nel quale ti sei trovato a camminare per quasi 1000 pagine, volate via in un lampo.

Stasis

Jedi.lord: Stasis è un’avventura punta e clicca, di quelle vecchia scuola sulle quali noi quasi quarantenni abbiamo passato innumerevoli giorni e notti in un’altra epoca videoludica.
Affascinato dalla nostalgia della gioventù lo comprai nel 2015, ma ho dovuto aspettare una provvidenziale settimana di malattia nel 2023 per, finalmente, immergermi nella disturbante atmosfera di questa nave scientifica abbandonata in orbita intorno a Nettuno, dove ci risvegliamo senza sapere come ci siamo arrivati.
In questo istante era esattamente quello che cercavo: difficoltà giusta per non frustrarsi (anzi), atmosfera magnifica grazie all’aspetto grafico calzante e all’audio semplicemente perfetto. La trama non sarà delle più originali, ma prende il giusto e ha dei bei momenti, alcuni dei quali picchiano pure duro. Preparatevi a leggere un po’, perché molto è narrato nei datapad, scritti molto bene.
In definitiva, Stasis mi è piaciuto molto, lo consiglio a tutti gli appassionati di punta e clicca e di sci-fi horror (se vi piace il body horror, ancora meglio).

Oxenfree

Jedi.lord: Un’altra avventura prettamente narrativa, che anni fa consigliai al buon Zeno2k, ma che poi, come sempre, lui aveva platinato e io fatto solo il prologo.
E quanto mi ero perso.
Oxenfree è stata, per me, un’esperienza indimenticabile se vi piacciono le atmosfere alla Twin Peaks, i film d’avventura teen degli anni ’80/’90 e non disdegnate i brividi lungo la schiena.
Un gruppo di adolescenti organizza una festa in spiaggia su un’isola che ospitava una base della marina degli Stati Uniti, cosa potrebbe andare mai male?
Il punto forte di Oxenfree insieme all’impagabile atmosfera, sono i dialoghi, gestiti tramite un sistema peculiare di scelta multipla a tempo, che dona al tutto un feeling molto realistico.
Sulla trama e le tematiche affrontate vi basti ciò che vi ho detto finora, perché il bello è scoprire il tutto pian piano, se ci riuscite. Una run dura un 4-5 ore, ma non si esaurisce tutto in un singolo giro, per via dei finali multipli e di ciò che si può scoprire sulla vicenda.
Consigliatissimo per una notte estiva d’insonnia, con le cuffie e al buio, mi raccomando!

Celeste

AYR: Celeste è un dei videogiochi indie che ho ri-scoperto questo mese e che mi ha conquistato immediatamente. Si tratta di un platform 2D che racconta la storia di Madeline, una ragazza che vuole scalare la montagna che porta il nome del titolo.
Il gioco è uscito nel 2018 ed è disponibile su PC, PS4, Xbox One e Nintendo Switch. Inoltre, gira benissimo su Steam Deck, il dispositivo portatile di Valve che permette di giocare ai titoli della propria libreria Steam ovunque.
Celeste è un gioco che merita di essere provato per la sua trama emozionante e coinvolgente, che affronta temi come l’ansia, la depressione e l’autostima. Il gioco riesce a trasmettere i sentimenti e le difficoltà di Madeline attraverso il gameplay, che presenta livelli impegnativi ma (quasi) mai frustranti.
Lo stile grafico di Celeste è semplice ma efficace, con colori vivaci e pixel art ben realizzata. La colonna sonora è anch’essa fantastica, con brani che si adattano perfettamente alle situazioni e alle emozioni del gioco.
Celeste è un gioiello indie che nessuno dovrebbe perdersi.

Death and Taxes

AYR: Death and Taxes è il secondo videogame indie di cui vorrei parlarvi. Si tratta di un gioco in cui si impersona un impiegato dell’aldilà incaricato di decidere il destino di varie persone ogni giorno.
Il gioco è disponibile per PC, Mac, Linux e Nintendo Switch, ma io ho potuto apprezzarlo su Steam Deck e devo dire che non ho avuto alcun problema di prestazioni o di compatibilità.
Il consiglio di provare questo indie mi è arrivato direttamente dalla community Telegram di Nerdando. A proposito, permettetemi di ricordarvi che chiunque è il/la benvenuto/a e che basta cercare Nerdando su Telegram per iscriversi al gruppo.
Tornando a Death and Taxes, una delle cose che mi ha colpito di più è la possibilità di scelta che il gioco offre. Ogni decisione presa ha delle conseguenze sul mondo e sul rapporto con il capo, Fate.
Fate è un personaggio carismatico e ironico, che guida e sfida il giocatore nel suo lavoro. Le sue linee di dialogo sono scritte benissimo e doppiate in modo eccellente in lingua inglese. Il gioco ha tantissimi finali diversi, a seconda delle nostre azioni e delle nostre risposte alle domande di Fate.
Vi consiglio vivamente di provare Death and Taxes se vi piacciono i giochi narrativi, con una buona dose di umorismo nero.

From

Tencar: Cercavo da tempo una serie horror come si deve e ho scoperto, su Paramount+, From.
Le due stagioni scorrono via rapide, facendomi scervellare più che spaventare: per molti versi, mi ha ricordato Lost.
Vi consiglio di guardarla, anche se l’ultima puntata si chiude con un cliffhanger pazzesco.

L'articolo #NerdandoConsiglia: Luglio 2023 proviene da Nerdando.

Arrivati a un certo punto si deve tirare una linea. Giunto alla consapevolezza che The Legend of Zelda: Tears of the Kingdom sarà ancora capace di intrattenermi per i prossimi mesi, ho deciso di imbarcarmi nella sua recensione.

RECENSIONE

Nonostante gli abbia dedicato più di 70 ore, non riesco a scrollarmi di dosso la sensazione di aver esplorato poco The Legend of Zelda: Tears of the Kingdom. Ho paura di aver visto solo una piccola porzione di questo capolavoro, di poter arrivare forse addirittura a 200 ore.
Però sapete come sono le recensioni no? Il tempo dedicatogli mi consente tranquillamente di consigliarvi di correre al negozio più vicino (o aprire il portale Nintendo eShop) e assicurarvi una copia. Questo Action-adventure, come il predecessore The Legend of Zelda: Breath of the Wild, a mio avviso traccerà un segno netto nella storia del medium videoludico.

TRAMA

Come anche ammesso da Tencar nella sua recensione, anche io devo confidare che Breath of The Wild è stato il mio primissimo Zelda. Pertanto in The Legend of Zelda: Tears of the Kingdom non ho potuto cogliere i seppur presenti rimandi ai videogame precedenti. Detto ciò, anche in questa iterazione la trama si muove su binari prefissati solo nella parte iniziale del gioco. Si lascia al giocatore la libertà di scoprire altri pezzi della stessa in completa libertà esplorando il vasto open-world. Tra l’altro devo ammettere che ho trovato l’intreccio meno criptico e più coinvolgete che in passato.

Cito dalla pagina Wikipedia del gioco (vaga al punto giusto da non spoilerare nulla delle fasi succulente dell’intreccio): “Nei sotterranei del castello di Hyrule, dopo la sconfitta della calamità Ganon, Link e Zelda trovano un misterioso essere mummificato che, grazie ad un ignoto miasma corrosivo, danneggia gravemente la Spada Suprema e il braccio destro di Link. Segue anche una violenta frana che fa perdere traccia della principessa Zelda e sconvolge la geografia del regno di Hyrule. L’intero regno è nuovamente in pericolo: sarà dunque compito di Link risolvere la situazione tramite nuovi poteri e preziosi alleati ottenibili nel corso dell’avventura principale.”

Tentando di lasciare il gusto della scoperta a voi giocatori, aggiungerei che ho apprezzato l’importanza che gli Zonau hanno per l’evolversi della storia. Questi sono una popolazione che ha vissuto nel mondo di Hyrule in un antico passato. Il loro operato, in diversi modi, si intreccerà con le vicende di Link, protagonista del gioco.

GAMEPLAY

La base è quella di Breath of The Wild e d’altronde perché no? Perché non continuare ad utilizzare il maestoso sistema fisico imbastito nel capolavoro uscito nel Marzo del 2017? Un mondo progettato organicamente dove tutti gli elementi si influenzano in modo complesso e vivo.

Anche la mappa di gioco (o per lo meno una delle tre) è la stessa. In The Legend of Zelda: Tears of the Kingdom  si ha ancora a che fare con la bellissima Hyrule. A questa si aggiungono le Isole del cielo, ultracitate nei trailer pre lancio, e l’interessante Baratro. Quest’ultimo è un’oscura area di gioco, ampia quanto Hyrule stessa, accessibile attraverso aperture presenti sul terreno. Per orientarsi in questo buio mondo sotterraneo è necessario dotarsi di semi luminosi in grado di illuminare il nostro cammino. Una tipologia di esplorazione del tutto inedita che aggiunge un ulteriore layer di strategia.
Sposo completamente la scelta di ambientare Tears of The Kingdom nella stessa Hyrule di Breath of The Wild. In primo luogo sarà interessante per chiunque abbia giocato il titolo precedente, intercettare i vari cambiamenti avvenuti nel tempo trascorso tra i due capitoli. Inoltre, i nuovi poteri, uniti alle isole del cielo, propongono un modo del tutto inedito di girovagare nel mondo di Hyrule, più veloce, diretto e… Aereo! Ebbene sì, se in Breath of the Wild la lentezza e la solitudine la facevano da padroni, accompagnate da interminabili scalate e altrettanto lunghe cavalcate, in Tears of The Kingdom si approfitta dei nuovi poteri per sfruttare, molto più che in passato, il volo.

I NUOVI POTERI

I nuovi poteri vengono presentati al giocatore nella sezione iniziale di gioco che funge da tutorial. Questi si chiamano Ascensus, Reverto, Compositor e Ultramano. In realtà bisognerebbe aggiungerne un quinto alla lista ma, essendo questo più in avanti nel gioco, non voglio spoilerarlo.

Tutte queste nuove abilità hanno lo scopo di rendere il vagare per Hyrule più dinamico e divertente che in passato. Tra questi il mio preferito è Ascensus, un’abilità in grado di proiettare Link verso il soffitto e farlo letteralmente nuotare attraverso il suolo fino a raggiungere la superficie. Non è soltanto un’abilità potentissima ma, a mio parere, un vero e proprio intervento di quality of life. Questo infatti depotenzia enormemente le scalate che, come detto, erano il piatto forte del gioco precedente. La maestria di Nintendo sta proprio qui, nel proporre un mondo in larga parte conosciuto e, al contempo, un modo del tutto inedito di viverlo.

Reverto, comando che permette di riportare indietro nel tempo un oggetto, non sarebbe così tanto utile se non cadessero dall’alto massi e rocce così spesso. Ultramano, abilità largamente descritta nel lungo Nintendo Direct incentrato su Tears of The Kingdom, non solo accende la creatività dei giocatori più interessati alla creazione tipica dei sandbox ma, a conti fatti, fornisce spostamenti più rapidi. Tutto in Tears of The Kindom, porta quindi il giocatore a preferire lo spostamento aereo in favore di quello tradizionale.

ANCORA PIÚ SANDBOX

Forniti questi ottimi ingredienti, il resto sta all’utente. Come procedere, quali missioni completare, verso che direzione andare, quali porzioni di trama scoprire. Come in Breath of The Wild, la progressione è completamente dettata dal ritmo che il player impone. Non voglio rovinarvi la sorpresa elencando le tante nuove attività presenti in Tears of the Kingdom ma sappiate che sono molteplici e snellite da diversi interventi di quality of life.

Non si può negare che v’è stata una forte spinta, in generale, verso la creazione di un mondo ancora più sandbox che in passato. In tal senso, il potere Ultramano la fa da padrone. Vi basti dare un’occhiata online per vedere come i social network sono stati letteralmente invasi dalle creazioni più disparate. Ho però comunque apprezzato la possibilità lasciata al giocatore meno avvezzo a questa tipologia di giochi, di potersi godere Tears of The Kingdom bypassando queste funzioni quasi del tutto. Le situazioni in cui Ultramano è condizione necessaria, sono guidate e forniscono sempre al giocatore gli strumenti necessari.

COMPARTO TECNICO

GRAFICA

Sgombro immediatamente il campo da possibili polemiche e bollo come assolutamente ridicole le critiche rivolte a Tears of The Kindom sul piano tecnico. Questo videogame è stato per me una continua carezza per gli occhi. Considero un autentico miracolo, vista la vetustà della console nipponica, la possibilità di gettarsi in volo da un’isola del cielo, godersi la vista di Hyrule e, senza interruzioni, arrivare fino al baratro.

Questo non assolve Nintendo Switch, una console che nel 2023 può lasciare una fetta dell’utenza scontenta. Contemporaneamente, però, non riesco a credere che qualche raro rallentamento possa in qualche modo inficiare l’esperienza con questo videogame. Con i mezzi a disposizione, infatti, sa donare solo bellezza e incanto. Ammetto che con la Switch in modalità on-the-go, o banalmente su una Switch Lite, Tears of The Kindom trova il suo habitat naturale. Pertanto, nonostante la complessità del gioco, non posso che consigliarlo anche a chi non può collegare la propria console alla TV o a chi, banalmente, preferisce giocare su una console portatile.

SONORO

Il comparto sonoro, come da tradizione per il brand, rappresenta uno degli aspetti più riusciti di The Legend of Zelda: Tears of the Kingdom. Che sia nel campionamento dei suoni, nel doppiaggio (sia in Italiano che in Inglese), che nella maestosa colonna sonora, non si può che essere soddisfatti.

Potrei citare innumerevoli sezioni di gioco dove ho avuto la pelle d’oca nell’ascoltare le musiche. Sono sicuro che la colonna sonora di Tears of the Kingdom farà da padrona, nei prossimi mesi, nelle mie cuffie. Pregusto già il momento in cui mi rigodrò il tema principale del Tempio di Gerudo.

IN CONCLUSIONE

Non c’è un singolo aspetto di The Legend of Zelda: Tears of the Kingdom che mi ha lasciato lontanamente insoddisfatto. Un gioco che vive in continuità con Breath of The Wild ma che non lo sostituisce. Ne espande gli orizzonti ma riesce a mantenere validi entrambi i titoli. Un’autentica prova di maestria da parte di Nintendo che dona a Nintendo Switch il titolo di chiusura che questa console merita. Troppo grande da riassumere in una recensione, Tears of the Kingdom è sicuramente, già da ora, il gioco dell’anno 2023.

NERDANDO IN BREVE

The Legend of Zelda: Tears of the Kingdom è un gioco iconico per la nostra generazione. Un videogame che, negli anni a venire, sarà visto come benchmark assoluto del medium videoludico.

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