Recensione

Simon the Sorcerer Origins non è solamente un tuffo nel passato, ma è uno degli esempi di quanto le avventura punta e clicca possano ancora avere senso nel 2025 (ti invito a leggere anche la recensione di Syberia Remastered di Zeno2k). Negli anni Novanta questo genere viveva il suo massimo splendore, per poi diventare, con il tempo, una nicchia di mercato; oggi, anche grazie all’ottimo lavoro degli sviluppatori di Smallthing Studio, la magia delle avventure grafiche sta tornando a rivivere.

Dopo oltre 30 anni dal capitolo originale, gli sviluppatori hanno raccolto una sfida ambiziosa: provare a modernizzare una saga storica, raccontandone le origini, mantenendo al contempo le atmosfere e le emozioni tipiche del genere. Il risultato è solo un momento amarcord per gli incalliti giocatori del genere o un titolo valido anche per le nuove generazioni?

Ho testato la versione Nintendo Switch di Simon the Sorcerer Origins, grazie al codice arrivato in redazione dal publisher ININ Games, che ringrazio. Per la mia prova ho utilizzato il software  in modalità compatibilità sulla console Nintendo Switch 2.

Simon the Sorcerer Origins è disponibile dal 27 ottobre 2025 per PC, Playstation 5 e Nintendo Switch.

La Trama: Le origini del mito

Come suggerisce il titolo, questo prequel narra le origini di Simon, prima che diventasse il potente stregone che i fan storici conoscono.
Per uno strano scherzo del destino, il giovane Simon, un ragazzino simpatico ma un po’ scapestrato, appena trasferitosi nella sua nuova casa, scopre un portale misterioso nella sua cameretta. La curiosità e l’incoscienza del ragazzo lo proiettano in un mondo fantastico, caratterizzato da magia e incantesimi. Qui, Simon diventa suo malgrado protagonista di un’antica profezia, dando il via a un’avventura caratterizzata da umorismo tagliente e situazioni surreali.

Gameplay: Un Punta e Clicca moderno e accessibile

Con Simon The Sorcerer Origins ritorna il classico gameplay dei punta e clicca, ma con alcune modifiche che consentono di attualizzare la formula del genere. Smallthing Studio ha lavorato su due fronti per consentire a tutti di divertirsi:

1. è disponibile il sistema di controllo classico, con il puntatore che serve sia per muovere Simon, sia per interagire con i vari oggetti;
2. gli sviluppatori hanno introdotto anche il sistema di controllo diretto del protagonista, particolarmente adatto alle versioni console del gioco. Con la levetta analogica si controlla direttamente Simon. Avvicinandosi a un punto di interesse, un indicatore visivo (un piccolo cerchietto) ci segnala la possibilità di interagire con esso.

Il cuore del gameplay rimane la risoluzione degli enigmi. Il giocatore deve esplorare gli scenari in cerca di indizi, parlare con gli altri personaggi, raccogliere oggetti (anche i più impensabili) e combinarli tra loro. Il livello di sfida risulta comunque ben bilanciato: serve fare affidamento al pensiero laterale e a un pizzico di fantasia, ma la logica di fondo è sempre chiara. I giocatori non rischiano di trovarsi bloccati in situazioni frustranti senza senso, un difetto presente in alcuni titoli degli anni Novanta.

Grafica e sonoro: tra cartone animato e nostalgia

La grafica di Simon The Sorcerer Origins è completamente bidimensionale e disegnata a mano, con uno stile fumettistico, che ben si adatta allo stile scanzonato e divertente dell’opera. I personaggi sono ben disegnati, caratterizzati e animati in modo eccellente. Soprattutto, ogni elemento ben si adatta a creare questa atmosfera surreale e carica di umorismo.
Anche a livello sonoro il gioco funziona a dovere. La colonna sonora mescola sapientemente brani originali e qualche tocco di musica anni Ottanta, che contribuisce a immergere il giocatore nelle atmosfere con un piacevole effetto amarcord.

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Nerdando in breve

Simon the Sorcerer Origins è un ottimo ritorno. Il gioco riesce nel difficile compito di raccontare le origini di un’icona delle avventure grafiche, rispettando il passato, ma aprendosi al presente. L’umorismo, sempre brillante e mai eccessivo, così come il sapiente uso della quarta parete (con Simon che si rivolge direttamente al giocatore) sono in grado di strappare più di una risata, coinvolgendo ulteriormente il giocatore nella narrazione.

Ottimo il doppiaggio, purtroppo solo in inglese, con il ritorno della voce originale del protagonista. A parte il doppiaggio, il gioco è interamente tradotto in italiano.

A chi lo consiglio? Sicuramente ai veterani del genere, che si possono divertire con un punta e clicca ben fatto, caratterizzato da enigmi interessanti e stimolanti. L’opera di Smallthing Studios può però anche essere l’occasione per chi non conosce le avventure grafiche, per scoprire un’avventura spiritosa, ben scritta e assolutamente godibile anche senza aver giocato gli altri capitoli della saga.

Trailer

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‘Sti goblin sembrano un po’ strani…

Lo Starter Set di D&D è stato, per molte giocatrici e giocatori, un punto di ingresso nel favoloso universo di Dungeons & Dragons. In Phandelver e l’Abisso: l’Obelisco Infranto è presente una nuova edizione dell’avventura La Miniera Perduta di Phandelver che viene riscritta e ampliata.

Recensione

Phandelver e l’Abisso: l’Obelisco Infranto è uscito venerdì 6 settembre 2024, edito da Wizards of the Coast (che ringrazio per avermi spedito una copia del volume), ed è dedicato alle e ai dm che vogliono masterare un’avventura, divisa in due parti, che porterà un party composto da quattro a sei player dal primo al dodicesimo livello.

Come avviene sempre per questo genere di prodotti, per gestire ottimamente le sessioni di gioco occorrerà aver letto e appreso le basi dei Manuali del Giocatore, del Dungeon Master e dei Mostri.

Manuale

Il disegno di copertina, opera di Antonio José Manzanedo, ci racconta visivamente l’avventura che andremo a leggere e giocare e raffigura alcuni goblin, con dei poteri diversi da quelli che abbiamo imparato a conoscere negli anni, intenti a rubare un frammento di uno strano obelisco a Phandalin.

Il manuale è composto da 224 pagine che sono suddivise in questa maniera: un capitolo introduttivo che spiega, a grandi linee, la storia, come condurla e come creare i personaggi giocanti; i capitoli dal primo al quarto compongono la prima parte dell’avventura che rivisita e amplia gli avvenimenti letti ne La Miniera Perduta di Phandelver; i capitoli dal quinto all’ottavo, che contengono la seconda e ultima parte delle vicende e virano il racconto più verso la – lo scrivo tra virgolette – “fantascienza” e l'”horror”; due appendici finali con il bestiario e gli oggetti magici, utilizzabili anche in altre sessioni; un riepilogo eventi, da stampare per i giocatori e utile anche alla/al dungeon master per tenere traccia delle azioni fatte e delle missioni secondarie intraprese; una grande mappa double face dove è riprodotta la regione di Phandalin su un lato e i luoghi da visitare sull’altro (ovviamente, questa parte non va mostrata alle giocatrici e ai giocatori).

Ognuno degli otto capitoli ha due paragrafi che sono quello iniziale, che illustra come condurre l’avventura e quello finale, che descrive cosa si troverà davanti il party una volta terminata quella porzione di storia.

Impressioni

Invito chi vorrà giocare con un personaggio questa avventura a terminare qui la lettura: sì, è un ottimo manuale.

Se siete Dungeon Master potete continuare senza problemi perché – purtroppo – dovrò spiegare una questione fondamentale che potrebbe apparire come spoiler ma, se siete attenti, capirete che, avendo letto il titolo del volume, sapete già cosa aspettarvi.

Come scrissi tempo fa, lo Starter Set mi colpì in maniera positiva, ma Phandelver e l’Abisso: l’Obelisco Infranto è riuscito a sorprendermi prendendo un’avventura fantasy abbastanza canonica, che tratta tematiche alle quali siamo abituati, e portandoci una signora campagna che vive di due momenti: il primo, più tranquillo, che farà trascorrere sessioni più vicine a ciò che è l’immaginario comune legato a Dungeons & Dragons; il secondo, più dark, che mi ha ricordato per certi versi i racconti del mio autore preferito H.P. Lovecraft, andando a trattare argomenti più oscuri e vicini all’orrore cosmico descritto in vari racconti dello scrittore di Providence.

Come al solito, ho adorato il font utilizzato, le splendide illustrazioni, i sapienti utilizzi di tabelle e riquadri colorati per facilitare la consultazione ma, soprattutto, la suddivisione in capitoli e i paragrafi che agevolano lo studio del manuale e aiutano le/i DM meno esperte/i a condurre comodamente la campagna, permettendo a chi è più navigato di gestire tranquillamente le sessioni, lasciando anche spazio a nuove avventure homemade.

Come è già capitato in passato per questo genere di prodotti, il prezzo di copertina di Phandelver e l’Abisso: l’Obelisco Infranto è fissato a 49,99 €.

Se avete un coeso e costante gruppo e cercate una coinvolgente campagna che dal fantasy si sposta gradualmente verso l’horror, pensate fortemente all’acquisto di Phandelver e l’Abisso: l’Obelisco Infranto.

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Nerdando in breve

Phandelver e l’Abisso: l’Obelisco Infranto è un’ottima avventura divisa in due parti: una più canonica e inquadrata nei canoni di Dungeons & Dragons e una con un tema più horror e adulto.

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Recensione

In questa calda estate ho avuto l’occasione di recuperare alcuni giochi che mi erano originariamente sfuggiti di questo primo semestre 2024. Tra questi, c’è Princess Peach: Showtime! l’ultimo gioco Nintendo che vede come protagonista Peach, che ha ormai dismesso i panni della inerme principessa da salvare, per diventare protagonista delle proprie avventure, mostrando una grande forza d’animo e un indomito coraggio.

Il gioco parte dal momento in cui la nostra Principessa Peach decide di recarsi al Teatro Splendente per assistere ad uno spettacolo. Qui però viene sorpresa dalla malvagia Uva Spina e dalla Compagnia dei Mostri, che rapiscono tutti gli attori, trasformando lo spettacolo in una tragedia. Con l’aiuto di Stella, custode del Teatro Splendente, Peach prende in mano la situazione cercando di ristabilire l’ordine.

Un maestoso spettacolo teatrale

Il gioco ha una struttura a livelli, ognuno dei quali costituisce un atto di uno spettacolo più grande. Ciascuno di essi vede Peach indossare diversi costumi di scena, attraverso i quali acquisisce poteri differenti. La particolarità di Princess Peach: Showtime! è che ad ogni spettacolo corrisponde una diversa formula di gameplay. Questa struttura potrebbe risultare un po’ frammentata, ma gli sviluppatori di Good-Feel sono riusciti ad amalgamare bene il tutto, rendendo le avventure di Peach sempre diverse e mai noiose. Purtroppo, devo segnalare che la qualità dei vari spettacoli risulta un pochino altalenante, ma nel complesso l’esperienza è sempre in grado di mantenere viva la curiosità dei giocatori.

Un’avventura adatta anche ai giocatori meno esperti

Come da tradizione Nintendo, il gioco si propone ad un pubblico molto ampio, risultando approcciabile dai meno esperti, che potranno divertirsi a concludere la storia in circa una decina di ore, ma prova ad avvicinarsi anche a giocatori più esperti, data la mole di collezionabili presenti nel gioco, che richiedono un pizzico di abilità in più per chi vuole completare al 100% le sfide presenti.

Uno spettacolo per gli occhi

Il comparto tecnico risulta solido, con giusto qualche tentennamento nel framerate delle scene più concitate e con qualche caricamento leggermente più lungo rispetto a quanto ormai siamo abituati. Nel complesso, graficamente, rimane un ottimo colpo d’occhio generale, con immagini molto colorate e ambientazioni sempre diverse e ben curate. Ottimo anche il lavoro svolto con le boss fight, che propongono nemici fantasiosi, che richiedono la giusta strategia per essere sconfitti (anche se questa risulta ben leggibile dagli indizi lasciati dagli sviluppatori in-game).

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Nerdando in breve

In conclusione, Princess Peach: Showtime! è una divertente avventura, non particolarmente complessa da completare, che risulta così adatta anche ad un pubblico più giovane, o meno avvezzo ai videogiochi. Questo si traduce in un livello di difficoltà complessivo che risulta essere tarato verso il basso. Le differenti idee di gameplay, che sono state inserite nel gioco, regalano tante sorprese e trasportano i giocatori nel colorato mondo della Principessa Peach, per un divertimento leggero e spensierato, senza troppo avere l’ansia di vedere la schermata del game over. Per chi cerca una sfida in più restano comunque i numerosi collezionabili sparsi per i livelli, che richiedono un maggiore impegno per essere raccolti.

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Sentite gli anni ’80?

Da quando ho iniziato a frequentare Radio Città Pescara, mi diverto con le storie ambientate negli studi radiofonici e, per questo motivo, ho voluto provare a tutti i costi Killer Frequency.

Recensione

Come sempre, vi darò un piccolo accenno di trama evitando fastidiosi spoiler; Killer Frequency segue le vicende di Forrest Nash che, dopo una promettente carriera da conduttore di una radio nazionale, si è trovato a capo di una trasmissione in una piccola emittente radiofonica di una città di provincia, Gallows Creek. Mentre è in onda, con la produttrice Peggy dall’altra parte del vetro, si è ritrovato, suo malgrado, protagonista di un racconto a tinte horror e dovrà salvare la sua vita e quella di alcuni ascoltatori.

Sarà che, come scrivevo nell’introduzione, sono stato per tre stagioni alla regia di un programma in radio, sarà che amo l’horror e che trovo evocative le storie ambientate negli anni ’80, mi sono emozionato a giocare a Killer Frequency.
Ma che tipo di videogame è? È un’avventura a bivi dove, tramite gli indizi trovati in giro per la stazione radiofonica teatro degli avvenimenti, sceglieremo cosa dire ai nostri interlocutori e le nostre risposte decideranno sia la loro che la nostra sorte.

Come capita in questo genere di esperienze, l’apporto alle vicende è dato dalla semplice scelta della frase da dire, selezionata di volta in volta tra un ventaglio di due o tre opzioni; gli enigmi non sono troppo banali e, in alcuni casi, occorrerà anche essere tempestivi nella selezione della risposta.

Peggy, stai calma

Il titolo dura circa 5 ore e dispone di diversi finali che lo rendono rigiocabile. La grafica ricorda quella di un fumetto e si adatta al racconto, ho apprezzato in particolar modo i colori e i dettagli. L’interfaccia è ridotta al minimo e mostra gli oggetti che abbiamo nell’inventario (non più di due) e, con un’icona, tutto ciò con cui possiamo interagire.
Una nota di merito se la merita il doppiaggio, estremamente coinvolgente; anche se il parlato è in lingua inglese, sono disponibili i sottotitoli nel nostro idioma. A proposito di questo, una nota di merito va alla caratterizzazione dei personaggi che è davvero ben realizzata.

Killer Frequency è uscito il primo giugno 2023, sviluppato ed edito da Team17 Digital, per Xbox One, Xbox Series X|S, PlayStation 4, PlayStation 5, PC e Nintendo Switch; ho avuto modo di provare quest’ultima versione grazie a un codice gentilmente offertomi.

Se vi piacciono le avventure grafiche e le storie spaventose, dategli un’opportunità.

Nerdando in breve

Killer Frequency è un’avvincente avventura horror a bivi che tiene impegnati per una manciata di ore.

Trailer

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Il 24 febbraio 2023 è uscita in Italia L’Oscurità oltre Stregolumen, avventura che si svolge all’interno della Fiera di Stregolumen, stampata da Wizards of the Coast per la quinta edizione di Dungeons & Dragons.

Recensione

L’Oscurità oltre Stregolumen è piuttosto particolare e può essere ambientata in qualsiasi universo narrativo: la Selva Fatata ne è il fulcro.

La Selva Fatata, nota anche come il Piano delle Fate è un luogo che unisce musica, meraviglie e pericoli mortali; esiste parallelamente al Piano delle Fate e si trova in una dimensione alternativa che occupa lo stesso spazio cosmologico e dove, per quanto i territori rispecchino quelli del mondo naturale, tutto è più spettacolare.

Manuale

L’evocativa immagine di copertina, realizzata da Tyler Jacobson, raffigura sulla parte frontale la Fiera di Stregolumen in tutto il suo splendore e, sul retro, un bimbo che viene riportato presso i tendoni da una belva distorcente.

Il manuale è di 256 pagine divise in un’Introduzione, 5 Capitoli, 5 Appendici e un Riepilogo Eventi.

L’Introduzione che, come al solito, dà una spiegazione dell’avventura e racconta come gestirla, aggiunge due nuovi Background (Oriundo di Stregolumen e Spaesamento fatato) e due nuove razze, ovvero Fata e Leporidion.

I cinque Capitoli descrivono ai master la storia che porterà i personaggi dalla Fiera di Stregolumen alla Selva Fatata, con tanto di tabelle riepilogative, mappe e splendide illustrazioni, nonché alcune parti eventualmente da leggere direttamente alle giocatrici e ai giocatori, davvero un ottimo aiuto per i DM novizi.

Le Appendici introducono nuovi Oggetti Magici, Fazioni, Personaggi Non Giocanti e Creature; le ultime due sono fondamentali per interpretare i PNG che il party incontrerà e tenere traccia delle loro azioni.

Nella parte finale è presente una mappa staccabile che ci mostra da un lato la Fiera e dall’altro Prismeer.

La belva distorcente mi fa sempre paura

Impressioni

Sono rimasto spiazzato da L’Oscurità oltre Stregolumen, perché l’avventura per personaggi dal primo all’ottavo livello è particolare e diversa dalle altre tradotte finora qui in Italia.

Se, da una parte, l’atmosfera festante e meravigliosa della Fiera di Stregolumen e della Selva Fatata è adatta ai giocatori di ogni età, adoro che venga data ai personaggi, in ogni occasione, la possibilità di spremersi le meningi e utilizzare stratagemmi o furbate per evitare i combattimenti e andare avanti con la storia in maniera pacifica.

I due nuovi Background e le due nuove Razze forniscono nuove variabili alle giocatrici e ai giocatori per i loro personaggi: le Fate sono adattissime a queste vicende, ma ho trovato intriganti anche i Leporidion che non vedo l’ora di utilizzare nelle mie prossime campagne.

Come al solito, il font utilizzato è molto leggibile e le illustrazioni sono di altissimo livello. Oltre alle consuete e utilissime tabelle riassuntive, ho apprezzato in particolar modo le mappe che sono sempre di estremo aiuto per i master.

Per tutte queste motivazioni, sono letteralmente entusiasta de L’Oscurità oltre Stregolumen e la vedo ideale per introdurre nuove e giovanissime leve al mondo di Dungeons & Dragons. Il manuale è proposto al solito prezzo diventato ormai standard di 39,99 €.

Nerdando in breve

L’Oscurità oltre Stregolumen è una magica avventura adatta alle giocatrici e ai giocatori di ogni età, in cui ogni evento è affrontabile non necessariamente tramite dei combattimenti, lasciando molta libertà di interpretazione.

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Recensione

Il 23 novembre arriva in sala Strange World – Un mondo misterioso, il nuovo film Walt Disney Animation Studios alla cui regia troviamo Don Hall (Big Hero 6, Raya e l’ultimo Drago). Un po’ Viaggio al centro della terra, un po’ Il pianeta del tesoro, Strange World – Un mondo misterioso vede tre generazioni coinvolte in un viaggio della speranza finalizzato a salvare il mondo. Creature stravaganti, paesaggi che infrangono le leggi della fisica newtoniana, una flora a tinte fluo e un equipaggio altamente variegato: questi gli ingredienti del film. È un mix funzionante? Ci sono punti deboli? Vediamolo insieme.

Trama

Searcher Clade, geniale inventore e padre di famiglia, si ritrova coinvolto in una missione per la salvezza del mondo. Insieme a lui, Ethan Clade, il solare e vivace adolescente che lo accompagna nell’avventura per le vie del mondo misterioso. Tutto ha inizio quando la presidentessa di Avalonia, Callisto Mal, chiede l’aiuto di Searcher per una missione di vitale importanza: la pianta da cui si ricava l’energia che alimenta il pianeta è nei guai. Occorre cercarne e trovarne la fonte per comprendere quale sia il problema che l’affligge, risolverlo e salvare l’umanità, e chi meglio di lui, l’inventore che l’ha scoperta nonché il figlio del compianto esploratore Jaeger Clade? Strange World – Un mondo misterioso vede quindi i Clade avventurarsi nelle viscere del globo per salvarne le sorti: ci riusciranno?

Stile

Il film si apre con la sigla dei Clade, ispirata ai cartoni animati di una volta. Lo stile d’animazione d’apertura ci abbandona però poco dopo, per sostituirsi all’animazione 3D degli ultimi anni. A catturare l’attenzione per tutta la durata di Strange World – Un mondo misterioso, sono sicuramente i colori: tinte sgargianti e fosforescenti contraddistinguono ogni fotogramma, immergendo lo spettatore in un mondo psichedelico ricco di creature immaginarie.

Il tutto, ha dichiarato Hall, è una grande allegoria del pianeta Terra: una creatura viva e pulsante, minacciata da una varietà di parassiti bipedi e razionali. Un susseguirsi di immagini rocambolesche ci prendono per mano e accompagnano nelle viscere più profonde, alla scoperta delle creature che le abitano e del loro ruolo nell’ecosistema globale.

Bonus (ma solo se non amate i film musicali): ci sono solo due canzoni in tutto il film, una all’inizio e una alla fine.

Ah, parlando della fine: qualora vi interessasse saperlo, sappiate che non ci sono scene dopo i titoli di coda.

Salvezza del pianeta: un problema generazionale

Strange World – Un mondo misterioso non poteva uscire con tempismo migliore. A pochi giorni dalla conclusione della Cop 27, la Convenzione quadro delle Nazioni Unite sui cambiamenti climatici, ecco che al cinema troviamo un film d’animazione incentrato su tre diverse generazioni alle prese con lo stesso problema: la salvezza del pianeta. L’avventura d’azione che si dipana davanti ai nostri occhi ci mette di fronte alla domanda che sempre più frequentemente siamo indotti a porci nel nostro quotidiano: quale eredità stiamo lasciando alle generazioni future?

Con tre approcci completamente differenti, Jaeger, Searcher ed Ethan affrontano la questione, spalleggiati o contrastati dai compagni di viaggio. Là dove la capitana, Callisto, punta a una soluzione immediata per salvare Avalonia, Ethan propone una soluzione più laboriosa ma più efficiente sul lungo termine. Può la procrastinazione costante che ci contraddistingue (chi più, chi meno) essere ancora una strategia accettabile verso un mondo che lentamente muore? Fino a che punto la resilienza degli esseri umani riuscirà a sostenerli nella ricerca di una salvezza sostenibile?

Strange World – Un mondo misterioso dà una possibile risposta, seppur creativa e fantasiosa: sta a noi, a prescindere dall’età che abbiamo, stabilire una gerarchia prioritaria e collaborare per perseguirne gli obiettivi.

Conclusione

Per quanto mi spiaccia ammetterlo, Strange World – Un mondo misterioso aveva il potenziale per essere un gran bel film mentre invece mi sembra un film solo discreto. Le idee originali, la resa creativa e l’interessante focus transgenerazionale non sono valorizzati dai dialoghi, che molto spesso risultano prevedibili e talvolta stucchevoli. Va anche detto che forse io non sono propriamente il target principale, ma credo comunque che -appena possibile- proverò a riguardarlo in lingua originale: che tutto dipenda solo da una traduzione non troppo efficace? Chissà.

Certo è che Strange World – Un mondo misterioso è indubbiamente un film moderno: i personaggi sono vari e molto diversi fra loro, sia nel carattere che nell’aspetto e la multiculturalità che viene proposta rende la narrazione ancor più inclusiva e interessante. Mi piacerebbe vederne un seguito, perché per quanto la storia di ricerca e scoperta risulti interessante, sarei curiosa di vedere lo sviluppo innescato dalle conseguenze del viaggio.

Secondo me, vale molto la pena di guardarlo, magari insieme a RED: due film molto diversi nella storia che però offrono punti di vista complementari sul rapporto nonni/genitori/figli e sul futuro di questi ultimi.

Nerdando in breve

Strange World – Un mondo misterioso è il film d’azione animato che Disney porterà nelle sale italiane dal 23 novembre. Un’avventura transgenerazionale che racconta una storia di famiglia, un mondo da salvare (il nostro) il tutto con personaggi variegati e colori vivaci.

Trailer

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Lavennder è il fumetto di Giacomo Bevilacqua uscito per Sergio Bonelli Editore nel 2017. La storia, apparsa per la prima volta su Speciale le Storie 4, vede due giovani spensierati in vacanza su un’isola deserta. Sono incappata nel fumetto per caso (grazie, Babbo Natale) e ignorando i teschi in copertina ho pensato di sceglierlo come lettura prima di dormire.

Ora vi racconto perché non è stata una delle idee migliori che abbia avuto.

Trama

Aaron e Gwen, una coppietta felice e innamorata, decide di concedersi undici giorni di vacanza su un’isola deserta. Sole, mare, spiaggia, un bosco verdeggiante, una cascata con un laghetto e tanta voglia di darsi all’avventura. Tutto procede liscio finché una mattina non si accorgono che la cassa delle provviste è stata passata al setaccio, ma così anche la sacca con gli indumenti della ragazza. Quale animale potrebbe essere interessato tanto al cibo quanto e specificatamente alla biancheria intima femminile? Quali misteri nasconde quella troppo perfetta Isola che non c’è? In una rete di indizi disseminati fin dalle prime pagine, la riposante vacanza si trasformerà in un thriller dai risvolti macabri.

“Morire sarà una splendida avventura”

Come vi dicevo, la copertina di Lavennder ha due teschi belli evidenti, solo che stando nascosti nella parte bassa della facciata, in un quadro realistico dei due protagonisti sull’isola, pensavo che fosse un semplice decoro ambientale e non un’esplicita dichiarazione del contenuto. È forse questo un fumetto horror? Non oserei definirlo tale, ma sono sicura che se la stessa storia fosse spalmata in un film di 90 minuti con le giuste musiche pronte a caricare i jump scare, probabilmente la definizione non sarebbe così lontana dal vero.

Nel Lavennder di Bevilacqua trovano posto sia le note dei thriller, sia il paranormale degli horror, sia gli indizi di un giallo in cui l’unico investigatore presente è chi sta leggendo il fumetto. Alla fine del volume c’è un’esplicita dichiarazione dell’autore che segnala tutti e diciassette gli indizi che ha disseminato, per fare intuire a chi incappi nella storia l’opera da cui essa è ispirata. Fra l’altro, secondo me ne ha dimenticato uno piuttosto evidente, il che li renderebbe diciotto indicatori di una vicenda che con quella originale ha in comune diversi aspetti, fuorché quello macabro.

Non vi dico nulla sul finale, però vorrei tanto farlo, solo che se lo faccio è spoiler e poi vi passa la voglia di leggerlo, e quindi sto zitta, però se vi piacciono le storie classiche di formazione, i lungometraggi animati Disney (soprattutto uno uscito nel 1953) e i film splatter un po’ macabri come Midsommar, allora Lavennder potrebbe piacervi.

Stile

Ad accompagnare una storia che fin dall’inizio fa presagire una dissonanza dalle aspettative, c’è un disegno realistico molto curato nei dettagli. Mi è piaciuta moltissimo la resa grafica di luci e ombre, soprattutto nelle scene all’interno della foresta. Guardando i personaggi si intuisce chiaramente quale sia la posizione della folta vegetazione, che per ragioni di spazio non può rientrare nelle vignette. Soprattutto, l’acqua è resa alla perfezione. Increspata e lucida ma anche sempre, ovviamente, trasparente: la bravura di Bevilacqua si vede anche nella verosimiglianza dei disegni e nel fatto che, a colpo d’occhio, si distingue senza alcuna fatica quali siano le superfici bagnate e quali no.

L’unica pecca sta nei dialoghi: non mi ha convinta moltissimo la parte iniziale, in cui, per presentare i personaggi a chi legge, viene creato un dialogo improbabile in cui Aaron e Gwen dichiarano esplicitamente tutto ciò che c’è da sapere su di loro. Necessario, come si capirà proseguendo con la lettura, ma un po’ troppo forzato. Di fatto ad avermi coinvolta molto è stata proprio la parte senza parole, che invece ho trovato altamente comunicativa. Molte ombre fuori campo o inquadrature studiate ad hoc mi hanno caricata di inquietudine proprio in virtù del silenzio teso che accompagnavano, rendendomi ancora più coinvolta nell’osservazione meticolosa dei disegni.

Fra l’altro, la bellezza delle illustrazioni è esattamente ciò che mi ha spinta a scrivere Lavennder sulla letterina per Babbo Natale, essendone rimasta affascinata durante la mostra di Palazzo Ducale che si è tenuta in occasione dello scorso Lucca Comics & Games. In quell’occasione, l’autore aveva detto raccontato di essere solito nel seminare tracce per tutta la storia così che, arrivati alla fine e scoperto il risvolto di trama, venga voglia di rileggere il fumetto per scovare gli indizi seminati.

Prezzo

Lavennder è disponibile al prezzo consigliato di 23,00€

Conclusione

Lavennder , il graphic novel di Giacomo Bevilacqua, mi è piaciuto molto, soprattutto visivamente, e nonostante io sia davvero facilmente impressionabile non ho avuto incubi la notte. Questo vi fa capire che sì, è un po’ spaventoso, ma no, non è nulla di terrificante (e ve lo dice una a cui bastano i trailer dei film horror per fare brutti sogni.) Se vi piacciono i thriller e le storie ambientate su un’isola deserta, ve lo consiglio caldamente.

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Recensione

La ricerca del proprio posto nel mondo attraverso il viaggio è un tema ricorrente in molte forme d’arte.

Pensate ad esempio agli scrittori della Beat Generation (Jack Kerouac l’esempio più eclatante), che elevarono il partire e il fuggire dalla vita quotidiana a mezzo supremo per la ricerca della propria felicità, identità e del proprio stile di vita, tralasciando droghe e mezzucci simili.

Aggiungete a questo un motivo fondamentale come la fuga da un regime oppressivo e otterrete l’anima di Road 96, nuovo lavoro di Yoan Fanise e del suo team Digixart, che già nel titolo non nasconde il tributo a quella mitica Road 66 americana eponimo di viaggio, avventura e libertà.

Il buon Yoan, per chi non lo sapesse, è l’autore di un titolo che anni fa ci stregò, quel Valiant Hearts che ci metteva nei panni di un soldato della Grande Guerra con uno stile narrativo molto originale, e che vi consiglio di recuperare, se non lo conoscete; anche suo è 11-11 Memories Retold, altro esperimento ludico-narrativo fuori dagli schemi.

Date le premesse, è chiaro che al team di Digixart interessi narrare storie che abbiano tematiche ben profonde e con saldi legami nella realtà, e Road 96 non fa eccezione.

Se vi ho incuriositi, andiamo a vedere insieme se vale la pena mettersi in cammino sulle strade di Road 96!

Gameplay

In Road 96 l’enfasi è, chiaramente, sulla narrazione, e per questo motivo che il nostro vagabondare lungo le autostrade di Petria sarà strutturato prevalentemente come un’avventura narrativa, a mò di quelle che nell’ultimo decennio hanno portato lustro alla defunta Telltale.

Quindi, focus su dialoghi, scelte che impattano sul prosieguo della vicenda, semplici enigmi e parti “d’azione” relegate a minigiochi.

La prima cosa che salta all’occhio, una volta iniziato il gioco, è l’anonimato del protagonista che impersoneremo, anzi, dovrei piuttosto dire dei protagonisti. E già, perché Road 96 è strutturato come una serie TV, quindi come una sequela di episodi che andranno a formare la nostra storia.

Ciascuno di questi episodi ci vedrà nei panni di un differente personaggio, tutti con un minimo comun denominatore: si tratta di ragazzi, adolescenti, che tentano di fuggire dal paese per costruirsi un futuro migliore. Senza nome, senza volto, una silhouette da riempire con la nostra storia da fuggitivi che costruiremo nel giro di episodi della durata di circa un’ora, composti da varie scene determinate dalle scelte compiute.

Come mai scappano, questi giovani? È presto detto.

Siamo nel 1996 e Petria, formalmente una repubblica molto simile agli Stati Uniti, ha avuto la sfortuna di avere un Presidente che ha virato man mano la sua politica sull’autoritarismo, pur mantenendo una finta facciata di democrazia.

In quell’anno ci sono le elezioni, e solo una senatrice osa sfidare l’attuale Presidente, ma boicottaggi, censura e brogli sono ciò che più spaventa gli oppositori del presidente, e ciò che nei giovani mina la fiducia in un futuro diverso. Ad aggiungere del pepe alla situazione, un gruppo di ribelli che manovra contro il governo del presidente con metodi piuttosto violenti.

Ciascuno dei ragazzi che andremo ad interpretare, perciò, fugge di casa e si dirige verso la frontiera. A piedi, in taxi, in bus, o facendo l’autostop: ogni storia sarà differente, ogni viaggio lo costruiremo noi compiendo delle scelte sia sul percorso da prendere, sia riguardo all’interazione con i personaggi che incroceremo sulla strada o anche, banalmente, circa il nostro schierarci da una parte o dall’altra. I momenti che vivremo saranno generati da un motore procedurale che terrà conto di queste scelte.

Ho potuto constatare con gioia come, a differenza di molti altri esponenti del genere, in Road 96 si avverta la vivida sensazione che le scelte contino davvero, per cambiare il corso degli eventi. Da vecchio appassionato delle storie a bivi su Topolino e di librogame, questo non può che rendermi felice.

Un’altra peculiarità del titolo risiede nel fatto che sia evidente come i personaggi incontrati per strada siano i veri protagonisti della vicenda: si tratta di persone, con un volto ed una storia, che avremo o meno l’opportunità di incontrare e con cui potremo condividere pezzi del nostro percorso, che ci mostreranno i molti volti di una nazione sull’orlo di una guerra civile. Veri protagonisti, perché caratterizzati, oltre che da un volto, da storie e da vissuti più o meno interessanti che dovremo esser bravi a scoprire run dopo run.

Zoe è uno dei personaggi che incontreremo viaggiando. Ed ha una storia interessante…

Per quanto riguarda il nostro personaggio e, andando a guardare più prosaicamente al funzionamento del gameplay, avremo tre parametri da tenere d’occhio durante il nostro viaggio, e che dovremo gestire al meglio per arrivare sani e salvi all’obiettivo: i soldi, che non saranno mai abbastanza, l’energia, che ci permetterà di compiere più o meno azioni, e le abilità, che potremo imparare strada facendo, che ci daranno la possibilità di scegliere di quando in quando vie alternative per proseguire.

Anche se si tratta di un titolo che fa della sua forza la capacità di narrare, non è detto che ogni storia andrà per forza a finire nel migliore dei modi: Road 96 è un rogue-lite, quindi anche se qualcuno dei viaggi non andrà a finire nel migliore dei modi, ciò non inficerà il grande affresco della narrazione.

Road 96 colpisce non perché si tratti di una enorme storia epica di un paese problematico (con tante reminiscenze a situazioni odierne estremizzate, e il gioco non fa mistero che si parli anche di questo), ma proprio per il suo parlare per piccole storie, come un mosaico che ci mostra tutti i suoi piccoli tasselli, ognuno importante a suo modo.

E le tematiche affrontate non sono di certo né banali, né leggere, seppur i toni possano risultare anche scanzonati.

È veramente gustoso mettersi sulla strada, e godersi gli incontri, le difficoltà, la tensione di certi istanti e anche i piccoli momenti intimi, come il chiacchierare con una sconosciuta accanto ad un falò, sotto un cielo stellato, senza sapere dove il viaggio ti porterà il giorno successivo: sono momenti da pura letteratura da viaggio.

Road 96 regala momenti bellissimi, anche se lì fuori il pericolo è dietro l’angolo.

Poco importa se a volte la scrittura poteva essere migliore, perché il bias su quale sia la parte giusta è chiaro, e il raccordo tra i vari pezzi di storia a volte non sempre perfetto: ciò che conta è la sensazione che rimane alla fine del viaggio, e la voglia di riaffrontarlo di nuovo per godere non tanto dell’essere arrivati alla fine, ma di ciò che si è vissuto nel mentre, che è sempre diverso ed unico in base a chi lo affronta, proprio in virtù della sua natura procedurale.

Un vero racconto di formazione, quindi (o di coming-of-age, per dirla come gli anglosassoni), come tanti memorabili film di quegli anni con i quali siamo cresciuti, o un librogame sotto forma di videogioco, che completa quel modo di creare le storie con una precisa direzione artistica assolutamente da non sottovalutare.

Estetica, grafica e sonoro

E in effetti Road 96 è un vero e proprio tuffo negli anni ’90, e tutto sembra ricordarcelo, a partire dalla colonna sonora, scelta ottimamente e composta da pezzi di vari generi di artisti anni ’90 che, splendida chicca, potremo collezionare durante il nostro viaggio sotto forma di musicassette.

E le sorprese non finiscono qui: una delle canzoni italiane più celebri nel mondo, che in questi anni sta godendo di nuova fama, è presente nel gioco sotto una forma particolare, a voi scoprire quale e quando!

Se la colonna sonora è eccezionale e di certo il pezzo forte dal punto di vista artistico di questo titolo, per la grafica è stato scelto uno stile cartoonesco in cel-shading e colorato che ho trovato adeguato al racconto e al tipo di avventura che andremo a vivere, a dispetto delle tematiche, tutt’altro che leggere. I colori accesi e il design ispirato contribuiscono a mitigare la quantità di poligoni non eccessiva.

La grafica non conta sul numero di poligoni, ma si affida ad una direzione artistica molto valida, in grado di regalare scorci niente male.

L’ulteriore pregio di questo tipo di motore grafico è che il titolo risulta abbastanza leggero e non peserà eccessivamente sulla nostra configurazione, permettendo di goderci la nostra avventura on the road anche su configurazioni non di primo pelo.

In conclusione

Road 96 è il tipico gioco che ha tutti i motivi per piacermi, e devo dire che le aspettative non sono state deluse.

Adoro questo genere, e senza dubbio Road 96 ne è un ottimo esponente; nelle circa otto ore che servono per completare un’intera run, è in grado di restituire emozioni e di parlarci di argomenti di grande importanza ed attualità.

Complici una colonna sonora eccezionale ed una grafica piacevole, il viaggio verso la libertà proposto dai ragazzi di Digixart risulta senza dubbio un’esperienza da vivere, soprattutto per gli appassionati del genere in questione, che danno maggior peso alla narrazione rispetto al puro gameplay o alla grafica avida di risorse.

Viaggiando sulle strade di Petria, vivremo un’avventura on the road che saprà stupirci ed intrattenerci; non è forse un gioco per tutti i gusti, ma per tutti coloro che apprezzano le avventure narrative Road 96 rappresenta assolutamente un titolo da provare e godersi, chilometro dopo chilometro.

Road 96 è disponibile per PC e Switch, anche tradotto in italiano. C’è da dire che la traduzione nella nostra lingua presenta qualche piccola sbavatura, che non inficia in alcun modo, però, la comprensione o il godimento del gioco.

Ah, e costa poco, una ventina di euro. Secondo me non avete molte scuse, per non mettervi in viaggio!

Nerdando in breve

Road 96 è un interessante esperimento narrativo, un romanzo di formazione on-the-road alla ricerca della libertà e un’avvincente avventura da vivere chilometro dopo chilometro.

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Avete presente quando incappate, magari di sfuggita, in qualcosa che solletica immediatamente i vostri sensi di ragno? Non sapete ancora come o perché, ma sapete che quel qualcosa si porta dietro emozioni, sensazioni, una storia da raccontare o qualsiasi altra cosa che merita di essere svelata perché finirà con l’accompagnarvi a lungo.

Ecco, Hellblade: Senua’s Sacrifice è stato questo per me. Ho atteso a lungo, ma quando finalmente è apparso su Xbox One X, in versione enhanced, ho capito che il momento era venuto. E avevo ragione.
Dopo aver letto l’approfondita analisi di Solidea, mi sono immerso in questa avventura borderline (nel senso psicologico del termine) e dopo averla terminata, dopo aver scovato tutti i collezionabili, aver ascoltato a ripetizione la colonna sonora e spulciato i dev diary su YouTube, è giunto finalmente il mio turno di dire qualcosa e raccontarvi cosa è quel “messaggio” nascosto dietro il gameplay.

Ovviamente, se non avete ancora finito il gioco, smettere immediatamente di leggere: sto per sploileare tutto.

Senua è una donna guerriera, fa parte della popolazione dei Pitti che, secoli fa, abitavano le isole Orcadi, a nord della Scozia. Senua è malata di psicosi: vede e sente cose che non ci sono, ha voci nella testa che le parlano di continuo, talvolta il mondo perde consistenza davanti ai suoi occhi, in altre i colori diventano così vividi da sembrare luminosi, altre ancora tutto si spegne e si brancola nel buio. Vi ricorda nulla tutto ciò? Sono alcuni dei passaggi chiave del gioco (le prove per ottenere la spada ammazza-dei): e sono tutti esempi reali di cosa vive sulla propria pelle (e nella propria mente) un paziente psicotico.

Come ormai saprete tutti, Ninja Theory ha lavorato a stretto contatto con veri pazienti affetti da questo disturbo, e con i medici curanti. Tutta la loro esperienza è stata riposta nel gioco, per far sì che il giocatore possa provare su di sé in modo realistico gli effetti di questa malattia.
Non solo: il punto di vista del giocatore in effetti, non è quello della protagonista, ma piuttosto quello di una delle voci nella sua testa, ed è questo il motivo per cui talvolta Senua si rivolge a noi, guardando in camera: sta parlando con una delle sue molte voci, così come a volte risponde alle altre. Ma, e qui si tocca con mano il genio degli sviluppatori, è proprio per questo che è impossibile guardarla negli occhi durante il gameplay. Ci avevate fatto caso?

Ma andiamo oltre, perché c’è molto di più.
La vera domanda è: quello che Senua vive, succede davvero? È reale o è frutto della sua immaginazione?
La risposta è molto semplice: “reale” è una definizione dai confini molto labili, e per lei è tutto lo è. Come per tutti gli affetti di psicosi: il mondo in cui vivono è assolutamente vero e tangibile. Ci sono alcuni malati che vedono in continuazione cadaveri appesi al soffitto, ed è un’immagine così vivida che cercano di aiutarli a scendere.

Quindi, cosa è successo a Senua? Vittima dei pregiudizi e dell’ignoranza del proprio secolo, la sua condizione viene etichettata come una maledizione, un’oscurità che la pervade. Per questo viene segregata dall’uomo in nero, il druido che scopriremo solo nel finale essere il suo stesso padre, colui che ordina di mettere al rogo la madre di Senua, per purificarla a sua volta dall’oscurità.
Ma Senua è solo una bambina: non sa, non capisce, non ricorda. Si allontana e incontra Dillion, il primo a non giudicarla per quello che potrebbe essere, ma ad apprezzarla per quello che è davvero.
Ma la sua condizione non fa che peggiorare e per lei non resta che l’esilio: via, lontano da tutto il suo mondo e da tutti coloro che la considerano maledetta al punto da convincerla a sua volta di essere dannata.

Quando Senua ritorna, però, fa un’amara scoperta: i vichinghi, popolo notoriamente crudele e selvaggio, hanno conquistato il suo territorio e massacrato la sua tribù, riservando all’amato Dillion il peggiore dei sacrifici. Se avete giocato il titolo sapete di cosa parlo; per tutti gli altri: dopo essere stato impalato, le carni della schiena dell’uomo vengono squarciate e aperte a rappresentare le ali di un rapace.
La vista di questo orrore fa crollare del tutto la fragile psiche di Senua, corrosa anche dalle privazioni dell’esilio, sprofondandola in un abisso psicotico che dà origine alla sua ricerca: scendere nelle profondità di Hel, sconfiggere la Hela, la dea della morte, e salvare l’anima del suo amato.
Per farlo affronterà demoni del fuoco (il rogo della madre?), dell’oscurità, della paura. Tutte manifestazioni esterne della propria psicosi, che si rendono reali, tangibili e sfidanti. Il tutto mentre il morbo nero inizia a risalire lungo il suo braccio, minacciando di raggiungere la testa e porre fine alla sua battaglia (e al nostro gioco).

In realtà Ninja Theory ha giocato davvero sporco con noi, ci ha fatto credere di correre il rischio del permadeath, ma in realtà era una cosa ben diversa quella a cui si riferiva: l’oscurità non raggiunge MAI la testa di Senua, se non nel finale naturale della sua storia.
Ed ecco che i nodi vengono al pettine: per poter superare (non guarire, badate bene) la propria psicosi, Senua deve distruggere il suo sogno, lasciar andare Dillion e procedere oltre. Per farlo, deve superare il riflesso nello specchio, e scoprire così che Hela alla fin fine non è nient’altro che lei stessa: la dea del suo inferno personale, non è altri che se stessa e la propria psiche malata.
Per questo la battaglia finale richiede la nostra morte, perché è solo attraverso di essa che Senua può rialzarsi ed andare avanti.
Una morte metaforica quindi, in cui finalmente l’oscurità raggiunge la testa e pone fine al viaggio.

Chiudo la mia analisi con una curiosità: l’attrice che interpreta e dà il volto e la voce a Senua, Melina Juergens, che, in realtà, non è affatto un’attrice. Si tratta della video editor di Ninja Theory, a cui, nelle prime fasi di sviluppo del titolo, era stato chiesto di prestarsi ad alcune sessioni di motion capture a fini di test.
Col passare del tempo, tuttavia, gli sviluppatori si sono resi conti di avere già la loro protagonista, per questo Melina si è impegnata nel potenziare le sue capacità recitative, e ha seguito un programma di fitness dedicato a farla diventare Senua in tutto e per tutto. Fatiche che le sono valse i premi The Game Award per la miglior performance, e il British Academy Video Games Award nella categoria Performer.

Hellblade: Senua’s Sacrifice è un capolavoro da giocare al buio e con le cuffie. Uno dei migliori giochi che abbia avuto modo di conoscere nel 2018.

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Anteprima

Ci si lamenta spesso della frenesia cui il mondo moderno ci stia abituando e assuefacendo in tutti gli aspetti della nostra vita: vogliamo che tutto sia rapido, veloce, consumabile e godibile nel giro di un click. Molto spesso mi viene da pensare: ma cosa scrivo a fare articoli lunghi, se poi le persone si annoiano a legger tanto e non hanno tempo?

Di contro, una tendenza opposta e contraddittoria fa si che si assista ad un’operazione nostalgia diffusa, che porta a recuperare e a ritenere superiore ciò che ci intratteneva fino a qualche decennio fa.

Nel nostro campo, ormai, il recupero e la mitizzazione dei prodotti e delle opere della fine del XX secolo è fatto consolidato: pensate al ritorno di vecchi franchise dimenticati da svariate generazioni, all’affermarsi della pixel art, alla riscoperta di un’estetica che richiama neanche troppo vagamente quegli anni.

Tra i grandi ritorni di fiamma, è impossibile non citare i sempiterni e mitici librogame, prima iniziazione per molti della nostra generazione al favoloso mondo dell’avventura e del gioco di ruolo.

Oltre alla ripubblicazione di alcuni dei titoli più iconici grazie al lavoro di appassionati e case editrici, il librogame trova nuova vita anche in digitale, grazie alle trasposizioni in salsa videoludica che aggiungono una multimedialità impensabile trent’anni orsono.

Tempo fa vi parlammo di Joe Dever’s Lone Wolf, riuscita trasposizione digitale dell’ancor più fortunata serie di Lupo Solitario del compianto Joe Dever, titolo che fondeva il gameplay da librogame a meccaniche più consone al videogioco; oggi, invece, vi parliamo di un altro titolo italiano molto interessante che sceglie un’altra via per portare sui nostri schermi un’avventura alla vecchia maniera: stiamo parlando di The Ballad Singer, creatura del team Curtel Games, che ringraziamo per averci permesso di provare la versione work in progress del loro lavoro, attualmente in Early Access su Steam.

Perché lo sappiate, The Ballad Singer è un progetto reduce da una trionfale campagna su Kickstarter nello scorso inverno, che gli ha permesso di continuare a crescere e di battere il record italiano di finanziamento sulla celebre piattaforma di crowdfunding.

Mica bruscolini, eh.

Gameplay

The Ballad Singer  è, a detta stessa degli sviluppatori, un’avventura asimmetrica e dinamica, ispirata a GDR e ai librigame, che promette di far vivere ai giocatori tantissime storie nell’universo fantasy della Saga dei Kalesin, scritta da Alberto De Stefano e pubblicata da A.Car Editore. Non la conoscevo, ma c’è sempre tempo per approfondire.

Vi parlavo di come The Ballad Singer proponga un approccio diverso alla trasposizione digitale dei librogame, sostanzialmente rispettandone l’essenza più pura, ovvero quella di narrare una storia dove il protagonista sei proprio te che leggi: quattro personaggi differenti, quaranta finali diversi, quattrocentomila parole, bivi narrativi in ogni più angusto cantuccio del racconto fanno di The Ballad Singer un perfetto esempio del modello “causa-conseguenza” che, a partire da The Witcher, ha fatto breccia nel mondo dei GdR su schermo e che fece la fortuna proprio dei librogame.

Ecco come si presenta una classica schermata di The Ballad Singer. Il libro è nascondibile per visualizzare la schermata sottostante.

Ogni azione andrà ponderata leggendo con attenzione il racconto, ogni decisione presa potrà condurci al proseguimento della vicenda o ad una delle quattrocento differenti morti che potranno porre fine alla storia del nostro personaggio, storia che proseguirà con i rimanenti, cambiando per l’ennesima volta la trama. Avete presenza la classica “teoria del caos” o del “battito delle ali di una farfalla”?

Esattamente quella è l’idea degli sviluppatori: ogni piccola decisione potrà ripercuotersi su grandi avvenimenti del futuro, in modo anche inatteso. Si parla di un qualcosa come 1700 possibili trame differenti!

A questo punto vi starete chiedendo come funzionino le statistiche del personaggio, i combattimenti e tutte quelle cose cui anni e anni di peregrinare nelle lande fantasy più disparate ci hanno abituato.

La risposta è “scordatevi tutto questo”: The Ballad Singer non prevede momenti d’azione videoludica propriamente detti, ma soltanto scelte e conseguenze.

Le scelte fanno la differenze tra la vita e la morte.

Dovremo, infatti, scegliere cosa fare in base alla logica le nostre azioni anche durante duelli e momenti concitati, e non sarà semplice scegliere nel modo giusto. In caso di prematura dipartita interverrà il sistema dei punti del Destino, ovvero un numero limitato di volte, in base alla difficoltà, in cui ci sarà permesso tornare indietro sulle nostre decisioni e scegliere un’altra strada.

Come vi dicevo, le strade sono molteplici e i quattro personaggi protagonisti non potrebbero esser più diversi tra loro: un assassino, un mago che vuole conquistare il mondo, un guerriero “in pensione” ed una ranger di una razza piuttosto particolare; impersoneremo ciascuno di loro in fasi diverse della storia e in maniera del tutto non lineare, ed ognuno avrà abilità, peculiarità e debolezze che renderanno ogni personaggio differente da giocare.

Le loro storie saranno pesantemente intrecciate e quindi potete solo immaginarvi come una decisione diversa possa ripercuotersi sulla altre.

Non mancano le situazioni… interessanti

The Ballad Singer vi spingerà ad agire in modo decisamente démodé: leggere per bene, gustarsi la storia, capire per bene gli indizi nel testo. Non è mica scontato al giorno d’oggi.

Grafica e sonoro

The Ballad Singer è un vero e proprio libro digitale illustrato, in modo piuttosto ricco: ogni schermata è un’illustrazione fantasy molto colorata e d’atmosfera, che non faticherà ad immergerci pienamente nel mondo di Hesperia; anche nei librogame c’erano i disegni, ma non bastavano mai!

Le schermate sono sostanzialmente fisse ma presentano qualche animazione che non guasta. Trovo giusto non aver esagerato con l’animare tutto, perché avrebbe rovinato l’intenzione di rendere l’esperienza di aver a che fare con un vero e proprio libro.

Potevano forse mancare le taverne?

Le musiche sono anch’esse perfette per creare un’atmosfera coerente con le avventure che andremo a vivere e, fatto non scontato, tutto il testo è narrato con maestria, come fosse un audiolibro; io personalmente preferisco leggere da me, ma ho trovato ottima l’idea del doppiaggio, oltre che ben realizzata.

Conclusioni

La versione Early Access di Steam, che è in continuo aggiornamento, presenta a coloro che vi si cimentano, il prologo ed il primo capitolo della storia; non vi dico come io ci sia rimasto male quando ho scoperto di non poter proseguire. Inoltre, alcune parti di testo non sono ancora doppiate e mancano alcune grafiche.

Gli sviluppatori parlano di novembre come fine dello sviluppo, e ho l’impressione che gli aggiornamenti proseguano a ritmo serrato.

Devo dire che il racconto mi stava appassionando, che il sistema a mio avviso funziona bene e che spero di poter proseguire presto con le avventure nel mondo di Hesperia.

Credo che con me potranno concordare tutti coloro che amavano e amano i librogame, che non hanno paura di leggere ed agire con calma e di gustarsi una bella storia dal sapore antico, arricchita da un’ottima compagine audiovisiva.

Consiglio però, agli amanti della sola azione, di non sperare di trovare in The Ballad Singer ciò che non si prefigge di offrire: qui non c’è spazio per click furiosi, joypad spaccati o crafting selvaggio, ma il gusto dei racconti dei bardi ascoltati accanto al fuoco del camino di una locanda.

The Ballad Singer potete trovarlo su Steam, su GOG.com e per mobile, per ora in accesso anticipato.

Nerdando in breve

Un’avventura d’altri tempi scritta man mano dal giocatore, nella quale ogni scelta può dare alla trama una strada differente. Il tutto, con il sapore dei librogame di una volta.

Non vediamo l’ora di tuffarci nella versione finale!

L'articolo The Ballad Singer (preview) – Un’avventura fantasy dal sapore antico proviene da Nerdando.