Dopo 3 anni (di già!) dalla prima collezione di remaster della fantastica saga di Hideo Kojima, eccoci qui a parlare di Metal Gear Solid: Master Collection Vol. 2, ultima uscita che contiene due giochi “e mezzo”, ossia Metal Gear Solid 4: Guns of the Patriots, Metal Gear Solid: Peace Walker e Metal Gear: Ghost Babel. Chi mi conosce lo sa quanto sia un grande fan della saga targata Konami, quindi è con vero piacere che ho potuto provare questo gioco grazie a Konami, che ringrazio per la copia che è stata usata per questa recensione, giocata (ovviamente) sulla mia fiammante (fa troppo caldo) PlayStation 5 Pro.

Recensione

Dunque, dove eravamo rimasti?

Dopo MGS 3: Snake Eater, che ci aveva accompagnato indietro nel tempo a vivere le avventure che hanno portato alla nascita di Big Boss, futuro “padre” di Solid e Liquid Snake (e non solo…), ci troviamo nel 1974 in Sudamerica, dove il nostro Big Boss si è ritirato al fine di fondare la sua compagnia privata di mercenari, i “Militares Sans Frontières”. All’inizio di Metal Gear Solid: Peace Walker (PSP, 2010) viene raggiunto dal suo secondo Kazuhira Miller, che gli chiede di affrontare una spinosa organizzazione che sta occupando alcuni territori della Colombia. Da qui parte la classica escalation che vede – guarda un po’ – la presenza di un nuovo tipo di Metal Gear, questa volta il Peace Walker, pronto a lanciare l’atomica in caso di necessità. Gli eventi di MGS: PW fanno da anticipo a quella che sarà l’ultima parte della storia di Big Boss, ossia il duetto Ground Zeroes e Metal Gear Solid 5: The Phantom Pain, ma questa è un’altra storia, o meglio, un’altra remaster.

Metal Gear Solid: Ghost Babel (Game Boy Color, 2000) ci porta al primo spin-off della saga tra Metal Gear 2: Solid Snake e il “primo” Metal Gear Solid, con una piccola avventura di Solid Snake in una nazione africana dove è stato ricreato Outer Heaven, che era la nazione militare ideata da Big Boss. Solid non può non intervenire, e anche qui scoprirà che ci sono dei Metal Gear pronti a fare fuoco, e spetterà a lui risolvere di nuovo la situazione, affrontando alcuni fantasmi del passato.

Torniamo invece ai giorni nostri, dal nostro Solid Snake, che appare tremendamente invecchiato all’inizio di Metal Gear Solid 4: Guns of the Patriots (PS3, 2008) a causa del suo patrimonio genetico, tanto da fargli ottenere il nuovo nome di Old Snake. Dopo gli avvenimenti di MGS2 sono passati 6 anni, e Liquid Ocelot ha in mente una nuova insurrezione contro i Patriots, tanto per cambiare. Il maggiore Campbell dà a Old Snake un’ultima missione: trovare e neutralizzare Liquid Ocelot. Ciò mette in moto tutta una serie di avvenimenti dei quali non posso parlare in maniera dettagliata, rischiando di tirar giù degli spoiler enormi. Basterà sapere che Kojima ha abbastanza superato se stesso nello scrivere MGS4, e che i colpi di scena e i ribaltamenti di fronte sono davvero dietro l’angolo.

Qui ci fermiamo, in attesa di una potenziale Master Collection Vol. 3, e andiamo a vedere qualche dettaglio dei singoli giochi.

Metal Gear Solid 4: Guns of the Patriots

Di certo questo è il piatto forte di questa Metal Gear Solid: Master Collection Vol. 2, soprattutto poiché è la prima volta che esce dall’ecosistema PlayStation. Gioco acclamato dalla critica, fautore di mille mal di testa a causa della storia intrecciata, titolo che ci ha fatto chiedere che cosa ci fosse nelle bevande degli sceneggiatori, si tratta di un capitolo molto importante della saga che ha portato diverse novità. Innanzitutto la tecnologia PS3 permetteva una mappa finalmente più ampia e con un controllo libero della visuale, cosa che aumenta l’approccio tattico/stealth; il gioco mette subito in mostra i muscoli con la prima parte ambientata in una zona di guerra in Medioriente, dove potremo decidere il nostro approccio e il percorso da effettuare in totale autonomia.

Come è ben noto, le cutscenes qui sono sempre belle lunghe e intense, ma occhio alla pressione di alcuni tasti per cambiare prospettiva o per dei simpatici effetti. Dal punto di vista tecnico, questo porting non ha subito particolari modifiche lato grafico, infatti fa ancora la sua buona figura anche se qua e là si vede che è un gioco di 18 anni fa. Concludo con una breve storia triste: avevo il gioco originale per PS3, per me un vero tesoro, preso con risparmi e sacrifici, e lo prestai con un po’ di leggerezza a un vicino di casa. Non serve che io aggiunga altro.

Metal Gear Solid: Peace Walker

Seconda uscita per la mitica PlayStation Portable, MGS:PW portò due innovazioni che poi rimasero negli altri capitoli della saga: il gioco online e la struttura a missioni con tutta la gestione della base e delle risorse, cosa evidente soprattutto in MGS5. Qui c’è da fare una precisazione: nella Master Collection Vol. 2 è inclusa la versione “HD Edition” del gioco, ossia del primo porting che venne realizzato nel 2011 per PS3 e Xbox 360.

La possibilità di dividere l’azione tra il proseguimento della storia principali e le missioni secondarie ha dato molta profondità al gioco; un’altra caratteristica è che alcune cutscenes sono realizzate con uno stile fumettoso molto figo, e in queste sequenze ci sono anche dei Quick Time Event, quindi occhio alle distrazioni! Infine, ci sono diverse opzioni di visualizzazione, potendo scegliere di portare il gioco a una risoluzione più alta; il mio consiglio è di configurare bene questi settaggi per avere l’esperienza ottimale in base alla posizione di gioco a disposizione.

Metal Gear: Ghost Babel

Qui griderei quasi al miracolo: come portiamo in maniera soddisfacente un gioco del Game Boy Color su uno schermo da 50-60 pollici? Beh, Konami ci è riuscita, e posso garantire che l’esperienza di gioco è scorrevole e divertente, pur essendo un titolo secondario e con delle limitazioni “hardware” che richiedono un approccio diverso, ma pur sempre valido. Già ai tempi questo gioco fu un piccolo miracolo, spremendo gli 8 bit della console portatile Nintendo, e ora è giocabile comodamente sul divano.

Anche qui si possono impostare alcune opzioni, e forse bisogna fare ancora più attenzione per evitare di fare qualche pasticcio con le opzioni. In ogni caso, è divertente giocare con un Game Boy Color enorme!

Concludendo

Metal Gear Solid: Master Collection Vol. 2 è il giusto proseguimento della prima Master Collection, quindi non posso che consigliarlo a chiunque voglia giocare di nuovo a dei titoli che hanno fatto la storia, oppure a chi vuole avvicinarsi a questa folle e meravigliosa saga per la prima volta. La presenza di MGS4 per me vale da sola l’intero acquisto, ma non sottovalutare assolutamente PW o Ghost Babel!

Giusto per completare il quadro, voglio ricordare che oltre ai tre giochi, ci sono numerosi contenuti extra: Screenplay e Master book per MGS4 e PW, Soundtrack digitale e soprattutto un fantastico MGS4 Database, utilissimo per avere più informazioni e nerdare allegramente sul quarto capitolo, davvero pieno zeppo di elementi da notare e osservare.

Insomma: una grande Master Collection! A differenza della prima, qui secondo me il lavoro è stato fatto in maniera più accurata, e le opzioni di personalizzazione rendono il tutto più personalizzabile. Non ho avuto quindi la sensazione di “porting pigro”, ma credo che siano i giochi stessi a permettere un approccio diverso. C’è da chiedersi se arriverà la terza, ma soprattutto c’è da chiedersi se il buon Kojima riprenderà mai in mano la saga per un ipotetico MGS 6… ma questa è davvero un’altra storia.

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Nerdando in breve

Metal Gear Solid: Master Collection Vol. 2 ci porta a giocare Guns of the Patriots, quarto capitolo principale della saga, l’ottimo Peace Walker e lo spin-off Ghost Babel.

Trailer

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Mercoledì 19 agosto 2026, in una calda notte di fine agosto, 17 player si sono incontrati da Level Up – We Have Fun per la sesta tappa della Lega Pauper Chieti con in palio 200 € di buono garantito. Con lo scorso torneo, è stato raggiunto un importante traguardo: il vincitore della finale di Lega otterrà un bye per il prossimo Paupergeddon.

Il prossimo appuntamento è fissato per domenica 23 agosto 2026 e la settima tappa ha un gustoso montepremi per la top 8: 1000 € di buono garantito.

Classifica Tappa 6

Classifica Lega Pauper Chieti Estate/Autunno 2026

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Con queste atmosfere così rilassanti cosa mai potrebbe andare storto?

Le scoperte inaspettate

È stato un giugno massacrante, per me. Ed è anche per questo che a luglio e agosto sono un po’ sparita da tutto e da tutti (o almeno, ci ho provato): per ricaricare le batterie. In un periodo così frenetico, a corrermi in aiuto c’è stata From, una scoperta seriale che, io non lo sapevo, mi avrebbe attirata in una spirale di teorie, ricerca di dettagli e bingewatching che mai mi sarei aspettata.

Io non volevo guardarla, From, lo ammetto. Di questa serie conoscevo solo qualche immagine promozionale decisamente inquietante (tipo quella sopra) e alcuni brevi spot: erano bastati a convincermi che no, non era la serie per me. Ben lontana dai tempi dell’horror duro e puro (quando si è adolescenti non si ha paura di nulla, è proprio vero), ero fermamente decisa che From non avesse nulla da regalarmi e rifiutavo categoricamente di iniziarla. E qui devo ringraziare la perseveranza di Tencar: ha insistito così tanto e così a lungo perché la guardassi che alla fine ho ceduto. E non potrei esserne più felice perché mi sono innamorata a prima vista.

Di che parla?

La serie si apre seguendo la famiglia Matthews a bordo di un camper, pronta per una vacanza che, sperano, li aiuterà a superare un periodo difficile. Una distrazione o forse una deviazione sbagliata li porta però in una strana cittadina, i cui abitanti li invitano a fermarsi con loro per la notte, affermando non sia sicuro farsi trovare in strada quando cala il sole. La famigliola si rimette in viaggio ma ogni svolta li riporta sempre sulla stessa strada: non passa molto perché si rendano conto che, una volta raggiunta Fromville, è impossibile lasciarla.

Io l’avevo bollata come una serie di vampiri, ma From è molto di più! A ben guardare, non saprei come definirla in realtà… Sicuramente ha elementi horror ma è soprattutto un mistero continuo che ha portato spettatori e spettatrici di tutto il mondo ad arrovellarsi in teorie e soluzioni ai molti enigmi di Fromville.
Come apprenderemo velocemente, infatti, ogni abitante è arrivato in città nello stesso modo, in un giorno come un altro. E nessuno è mai riuscito ad andarsene. Come se non bastasse, di notte la città si popola di creature inquietanti e fameliche, pronte a divorare chiunque abbia la sfortuna di imbattersi in loro. Col tempo, Boyd, proclamato sceriffo della città, ha trovato un metodo per tenere tutti al sicuro. Ma quanto durerà? E saranno mai in grado di tornare a casa?

Una spirale irresistibile

Ho letto spesso From paragonata a Lost. Non a caso, la serie ideata da John Griffin e proposta in Italia da Paramount+ vanta come protagonista Harold Perrinau, già interprete di Michael in Lost. Personalmente, però, penso -e spero- che le similitudini inizino e finiscano qui: c’è troppa carne al fuoco, allo stato attuale, per una “soluzione alla Lost” che possa soddisfare i fan.
From, attualmente, consta di quattro stagioni da 10 episodi ciascuna, con la quinta in lavorazione. Devo confessare che non me n’ero quasi accorta, avendola guardata tutta d’un fiato.

Sulla trama, ti ho detto già troppo: sono davvero tantissime le storyline che si sono aperte, così come innumerevoli sono i misteri sui quali al momento mi sto interrogando insieme a un fandom esteso in ogni Paese. Non voglio farti spoiler di sorta perché, così come è stato per me, spero che possa gustarti la visione senza preconcetti, lasciandoti catturare piano piano.
E, se ti convincerà, ti aspetto per discutere insieme delle nostre teorie! Perché, lo confesso, ne ho davvero tante e ho terribilmente bisogno di parlarne con qualcuno!

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Recensione

Si ringrazia Bandai Namco per l’invio della key di recensione.

Te lo devo confessare, a costo di farmi ritrovare sul fondo delle acque del Lago di Garda con un NerveGear scoppiato in testa: Sword Art Online è stato in assoluto il primo anime che ho guardato con vera cognizione di causa, dall’inizio alla fine, quando ero un neoliceale pieno di speranze e sogni virtuali e l’ho amato alla follia.

Capisci bene, quindi, con quale livello di hype sproporzionato mi sia approcciato a Sword Art Online: Echoes of Aincrad. Ero pronto a gridare “Linku Starto!” a squarciagola, a farmi travolgere dalla magia dell’incantevole castello volante e a vivere la mia personale odissea digitale.

Purtroppo, però, la realtà virtuale sa essere una spietata maestra e la delusione, stavolta, è stata cocente.

Un’illusione che parte col piede giusto

Le premesse per farmi battere il cuore c’erano tutte. L’incipit narrativo è indubbiamente uno dei punti di forza del titolo firmato Bandai Namco. Il gioco ci scaraventa direttamente nella fase Beta del famigerato MMORPG di Kayaba Akihiko per poi accompagnarci al tragico giorno del lancio ufficiale, ma lo fa adottando una prospettiva inedita e fresca.

Vedere gli eventi canonici della storia originale intrecciarsi con il punto di vista del nostro avatar e con i volti storici della serie crea un gancio narrativo fortissimo. C’è tensione, c’è il senso di meraviglia iniziale e la voglia di scoprire come questo nuovo filone narrativo andrà a ramificarsi.

Se l’intero gioco avesse mantenuto questo ritmo, ora sarei qui a cantare vittoria.

Spade, martelli e tanto vuoto: la routine di Aincrad

Superata la luna di miele delle prime ore, ci si scontra con la cruda realtà del gameplay.

L’esplorazione si basa su ampie aree open map, la cui nebbia si dirada interagendo con appositi “checkpoint” posizionati in punti strategici dell’area, una dinamica abbastanza banale, che mi ha ricordato fin troppo da vicino i punti di sincronizzazione alla Assassin’s Creed. Il vero problema, però, non è lo sblocco della mappa, ma quello che ci si trova dentro: lande sconfinate e tragicamente semivuote.

Il loop principale consiste nel vagare per questi spazi desolati e affrontare una fauna locale decisamente ripetitiva. I nemici si riducono a una manciata di modelli riciclati all’infinito con cambi di colore e minime variazioni di statistiche. Sconfiggendo questi mostri ed esplorando gli anfratti delle mappe si ottengono materiali e ricette per il sistema di crafting, fondamentale per forgiare e migliorare l’equipaggiamento.

Il nostro vestiario si compone di quattro pezzi di armatura e da un’arma a scelta tra sei archetipi: spada, fioretto, mazza, spada a due mani, ascia a due mani e pugnale. Sebbene le armi offrano statistiche semplici, introducono un meccanismo di “affinità”: più utilizzi una specifica tipologia di arma, più sale il relativo livello di maestria.

Aumentare l’affinità sblocca modificatori passivi e nuove skill attive dedicate. Il sistema di combattimento in sé risulta inizialmente dinamico e persino divertente, ma la tragica mancanza di varietà degli avversari e dei pattern d’attacco trasforma ogni scontro nell’ennesima fotocopia del precedente, rendendo il tutto inevitabilmente noioso sul lungo periodo.

L’Endgame è una passeggiata di salute

Se speravi che la sfida seria arrivasse una volta finiti i titoli di coda, ti conviene ridimensionare le aspettative. Attualmente, in attesa dei promessi contenuti post-lancio, l’endgame di Echoes of Aincrad appare fin troppo permissivo e, soprattutto, povero.

Una volta assemblato un equipaggiamento decente e sbloccate le skill chiave della propria arma preferita, i boss finali e i contenuti avanzati si sciolgono come neve al sole.

Manca del tutto quel senso di urgenza e di pericolo mortale che dovrebbe caratterizzare la scalata ai piani di Aincrad, lasciando il giocatore con la sensazione di aver completato un compito invece che un’impresa epica.

Accessibilità: un passo avanti per tutti

In mezzo a diverse ombre, va comunque spezzata una lancia a favore delle opzioni di accessibilità inserite dagli sviluppatori:

• Regolazione dei font e dell’interfaccia: È possibile ingrandire i testi e gli elementi dell’HUD per facilitare la lettura su qualsiasi schermo.
• Gestione degli effetti visivi: Opzioni dedicate per ridurre o disattivare completamente lo screen shake (il tremolio della telecamera) e i flash luminosi più intensi, minimizzando l’affaticamento visivo.
• Mappatura dei comandi: Ampia libertà nel riassegnare i tasti e attivare assistenze al combattimento, rendendo l’esperienza fruibile anche a chi ha difficoltà con i riflessi o con l’uso intensivo dei dorsali.

Dov’è finita la magia?

È davvero un peccato. Sul piano puramente estetico e d’atmosfera, il gioco fa centro: la direzione artistica della grafica, il comparto sonoro avvolgente e la caratterizzazione dei personaggi riescono davvero a restituire il feeling autentico dell’Aincrad che abbiamo amato nell’anime.

I volti noti sono realizzati con cura e la sensazione iniziale di trovarsi dentro quel mondo è fortissima.

Tuttavia, tolto l’involucro di carta dorata, ci si rende conto che manca la sostanza. Sword Art Online: Echoes of Aincrad si riduce a un’esperienza vuota: un correre continuo tra una mappa deserta e l’altra, premere i soliti tasti per abbattere nemici riciclati e creare equipaggiamento senza che ci sia una vera ispirazione a sostenere il tutto. Non serve altro per trarre una conclusione: le informazioni bastano per dipingere il quadro di un’opera con un grande potenziale narrativo, ma intrappolata in un loop di gameplay privo di anima.

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Nerdando in Breve

Sword Art Online: Echoes of Aincrad prova a riaccendere la scintilla della celebre saga con una premessa narrativa intrigante e un comparto audiovisivo che trasuda l’atmosfera originale di Aincrad da ogni poro. Purtroppo, una struttura di gioco vuota, mappe desolate e un ciclo di gameplay piatto e ripetitivo trasformano la scalata al castello volante in un’esperienza soporifera e priva di mordente.

• Pro: Grafica, sonoro e personaggi perfettamente fedeli all’anime; incipit narrativo originale e coinvolgente; buone opzioni di accessibilità.

• Contro: Mappe semivuote e poco ispirate; nemici riproposti continuamente con semplici reskin; combattimento noioso sulla lunga distanza; endgame privo di vera sfida.

• Consigliato a: Solo ai fan duri e puri dell’anime che desiderano respirare l’aria di Aincrad a prescindere dalla qualità del gameplay sottostante.

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Articolo a cura di Antonio Petito che trovate qui
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Ventimila persone.

Tutte in piedi. Tutte urlanti. Tutte canadesi.

Al Molson Centre di Montreal, il 9 novembre 1997, l’aria è quella di una festa. È in corso Survivor Series, uno dei pay-per-view storici della WWF, e sul ring c’è l’uomo che quella gente considera un figlio della propria terra: Bret “Hitman” Hart, campione del mondo, orgoglio di Calgary, uno dei wrestler più rispettati della sua epoca.

Nessuno, in quell’arena, sa cosa sta per succedere.

Nessuno, tranne pochissimi uomini dietro le quinte.

Quella sera, il wrestling smetterà per la prima volta di essere solo spettacolo scritto a tavolino. E lo farà nel modo più brutale possibile: con un tradimento vero, ai danni della persona sbagliata, davanti al pubblico sbagliato.

La genesi: una lealtà a peso d’oro

Per capire cosa succede quella sera a Montreal, bisogna tornare indietro di un anno, quando le cose sembravano andare in una direzione completamente diversa.

Nell’ottobre 1996, Bret Hart aveva ricevuto un’offerta economicamente molto più ricca dalla WCW, la federazione rivale della WWF guidata dal presidente Eric Bischoff. Hart l’aveva rifiutata, scegliendo invece di rinnovare con la WWF firmando un contratto dalla durata storica: vent’anni. Un legame di fiducia che sembrava dover durare per sempre.

Un anno dopo, quella fiducia però, si sgretolerà.

Nel frattempo, la WWF sta perdendo la Monday Night War, la guerra degli ascolti del lunedì sera contro la WCW. Gli show rivali dominano negli ascolti, gli incassi dei pay-per-view calano e, a settembre 1997, la crisi economica costringe Vince McMahon, proprietario e presidente della WWF, a un’ammissione scomoda: non può più garantire a Hart le condizioni del contratto ventennale. È lo stesso McMahon, sorprendentemente, a spingerlo a riaprire le trattative con Bischoff.

Il 1° novembre 1997, Hart porta sul tavolo l’offerta della WCW: 2,6 milioni di dollari l’anno, per tre anni. McMahon la benedice apertamente. Le carte vengono firmate. Dopo tredici anni, Bret Hart sta per lasciare la WWF.

C’è solo un problema.

La clausola della discordia

Nel contratto di Hart esiste una clausola tanto rara quanto scomoda: il diritto al controllo creativo sugli ultimi trenta giorni della sua permanenza in federazione. In pratica, Bret ha la facoltà di rifiutare qualsiasi finale di match non lo convinca del tutto.

E un finale, in particolare, non lo convince per niente: perdere la cintura mondiale in Canada, sul suolo di casa, contro Shawn Michaels.

Tra i due, infatti, non c’era solo rivalità sul ring, ma odio personale, vero, degenerato in una rissa reale ad Hartford e in accuse pesantissime scambiate nel backstage. Poche settimane prima, Michaels disse ad Hart, in faccia, che non si sarebbe mai fatto sottomettere da lui davanti a una telecamera.

Hart, dal canto suo, non è affatto contrario a cedere il titolo: si offre di farlo con chiunque altro nel roster, da The Undertaker a Mankind, da Vader al semplice jobber Brooklyn Brawler. Pur di non farlo lì. Pur di non farlo contro di lui.

Vince McMahon, però, ha già un’altra idea in testa.

Il capoccia infatti era terrorizzato dall’idea che Bischoff potesse annunciare in diretta su Nitro l’arrivo del campione mondiale WWF in carica, ripetendo simbolicamente l’onta subita anni prima con Alundra Blayze, ex campionessa WWF passata alla WCW, che gettò la cintura femminile in un bidone della spazzatura proprio davanti alle telecamere rivali.

Quel rischio, McMahon non è disposto a correrlo. Non di nuovo.

Una stanza d’hotel, un piano segreto

Sabato 8 novembre 1997, Montreal Marriott Hotel.

Si tiene una riunione ufficiale a cui partecipano McMahon, il commentatore storico Jim Ross, il manager Jim Cornette, Shawn Michaels e Pat Patterson: ex wrestler, ormai storico agente e capo dei booker della WWF, oltre che amico fraterno di Bret Hart. È proprio Patterson a scrivere il finale “ufficiale” del match: rissa, l’arbitro Earl Hebner steso a terra svenuto, la Sharpshooter — la mossa di sottomissione simbolo di Hart — applicata da Michaels, il ribaltamento della presa da parte di Bret, e infine l’invasione sul ring dei suoi alleati per provocare la squalifica.

Un finale pensato apposta per proteggere Bret Hart e la sua immagine.

Ma quando la riunione ufficiale finisce, McMahon trattiene nella stanza solo tre persone: Shawn Michaels, Triple H (all’epoca Hunter Hearst Helmsley, futuro membro della D-Generation X insieme a Michaels) e l’agente Gerald Brisco.

Pat Patterson, l’uomo più vicino a Hart in tutta l’azienda, viene tenuto volutamente all’oscuro. È in quella stanza, senza di lui, che nasce il vero piano. Quello reale.

I dodici minuti che cambiano la storia del wrestling

Sul ring, Hart non sospetta nulla. Si fida ciecamente di Earl Hebner, l’arbitro con cui condivide un’amicizia lunga anni. Prima del match, due colleghi — Vader e Davey Boy Smith — lo avvertono: “Non farti mettere a terra, non cedere a nessuna sottomissione”. Bret li rassicura. Si fida di Hebner più che di chiunque altro.

Al dodicesimo minuto di match, Michaels blocca Hart nella Sharpshooter.

È esattamente il momento in cui, secondo il copione di Patterson, Bret dovrebbe ribaltare la presa.

Non arriva.

Hebner si rialza di scatto. Incrocia lo sguardo con il cronometrista a bordo ring, Mark Yeaton. Vince McMahon, in piedi accanto al ring, urla l’ordine che diventerà leggenda:

“Ring the f*cking bell!”

La campana suona. Bret Hart non ha mai ceduto. Ma per il pubblico, per le telecamere, per la storia ufficiale che verrà raccontata da quel momento in poi: Shawn Michaels è il nuovo campione del mondo.

Hart capisce l’inganno in una frazione di secondo. Sputa in faccia a McMahon. Distrugge le apparecchiature televisive a bordo ring. Traccia nell’aria, con le dita, tre lettere rivolte al pubblico sotto di lui: W-C-W.

Hebner, intanto, fugge dietro le quinte e sale su una limousine con il motore già acceso, pronta a portarlo via dall’impianto.

Paura e delirio dietro le quinte

Nel backstage, il caos è totale.

The Undertaker, che nello spogliatoio gode di un’autorità quasi morale, prende in mano la situazione e impone a McMahon di andare a spiegarsi di persona con Hart. McMahon si presenta nello spogliatoio scortato dal figlio Shane e da Gerald Brisco.

Il confronto dura pochissimo.

Hart gli intima di uscire dalla stanza prima che finisca di rivestirsi. McMahon non lo fa.

Bret Hart lo mette KO con un pugno in faccia.

Commozione cerebrale, occhio nero, tutto reale — altro che finzione da programma televisivo. Pat Patterson, distrutto dal senso di colpa per un tradimento che non aveva scelto e di cui è stato reso complice inconsapevole, si presenta in lacrime da Hart, offrendogli il proprio volto nel caso volesse colpire anche lui.

Il colpo di scena finale

Il 17 novembre 1997, sette giorni dopo Montreal, succede qualcosa di irripetibile nella storia della televisione americana.

Rick Rude, veterano rispettato del roster e furioso per come è stato trattato Hart, contatta di nascosto Eric Bischoff e firma un contratto a tempo pieno con la WCW. C’è però un dettaglio tecnico che rende tutto surreale: la puntata di Raw di quella settimana era già stata registrata prima dei fatti di Montreal, durante la trasferta canadese.

Il risultato è un cortocircuito mediatico mai più ripetuto: alle 20:00 Rude appare dal vivo, sbarbato, su WCW Monday Nitro per attaccare pubblicamente McMahon. Un’ora dopo, alle 21:00, sintonizzandosi su WWF Raw, gli stessi spettatori vedono lo stesso Rick Rude — questa volta con la barba, registrata la settimana precedente — al fianco della D-Generation X.

Stesso wrestler, due canali rivali, stessa sera.

In quello stesso episodio, il commentatore Jim Ross intervista McMahon, che pronuncia la frase più citata della storia della compagnia:

“Vince McMahon didn’t screw Bret Hart. I truly believe that Bret Hart… screwed Bret Hart.”

Il pubblico non gli crede. E inizia a odiarlo apertamente. Nasce così, quella sera, il personaggio di Mr. McMahon: il boss tirannico e senza scrupoli, la nemesi ideale su cui costruire l’ascesa di un certo “Stone Cold” Steve Austin, che di lì a poco esploderà come la nuova stella della compagnia.

Cosa resta, quasi trent’anni dopo

Il Montreal Screwjob non è stata, come vorrebbe una certa leggenda metropolitana, una messinscena concordata a tavolino tra McMahon e Hart per generare clamore mediatico.
Le lesioni di McMahon erano vere.
La rabbia di Hart era vera.
E anni dopo, lo stesso Undertaker ha confermato che esistevano soluzioni alternative — un match a tre, o la cessione della cintura a lui stesso — che avrebbero permesso di risolvere la situazione senza tradire nessuno.

Vince McMahon scelse comunque la strada del tradimento.

Perché quella sera non stava semplicemente proteggendo la WWF dalla concorrenza di Bischoff.

Stava creando, senza saperlo, l’arma narrativa più potente della storia del wrestling moderno: il momento esatto in cui il pubblico ha smesso di guardare solo il ring, e ha iniziato a guardare dietro al ring.

Il wrestling non è mai più tornato quello di prima.

E forse, in fondo, è proprio da lì — da un pugno vero, da una campana suonata a tradimento, da un arbitro in fuga su una limousine con il motore acceso — che si è evoluta la WWE come l’abbiamo conosciuta negli anni a venire.

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Un cast che è una garanzia

Il giallo classico con una punta di umorismo

Ci sono alcuni film che ho conosciuto da bambina e, da allora, sono rimasti impressi nella mente così tanto che, appena ho occasione di riguardarli, riescono a prendermi sempre come fosse la prima volta.
Uno di questi è senz’altro Signori, il delitto è servito, uscito nel 1985 e di recente approdato nel catalogo italiano di Netflix.
Si tratta di un titolo che rientra nel mio personale Olimpo del cinema giallo umoristico insieme a Invito a cena con delitto, cui peraltro si ispira in parte (e, se non conosci quest’ultimo, ti invito a recuperarne la visione perché ti conquisterà!).
Cosa intendo per giallo umoristico? Bè, mi riferisco a quei film che ripercorrono l’impianto del giallo classico, alla Agatha Christie per intenderci, bilanciandolo sapientemente con una dose di ironia sottile e leggermente nosense. Il genere, riportato alla ribalta negli ultimi anni dalla trilogia di Knives Out, vanta in realtà ben pochi esemplari davvero riusciti e Signori, il delitto è servito si piazza orgogliosamente in pole position.

In principio fu un gioco da tavolo

Signori, il delitto è servito detiene un primato: è il primo film ad essere stato tratto da un gioco da tavolo. Il gioco in questione è Cluedo, popolarissimo titolo pubblicato dalla Parker Brothers nel 1948, oggi di proprietà di Hasbro e ancora saldamente in vetta tra i giochi da tavolo più apprezzati in tutto il mondo.
Cluedo era stato inventato da un musicista appassionato di gialli, l’inglese Anthony Pratt, che voleva riprodurre sotto forma di gioco l’atmosfera tipica dei gialli letterari e dare vita a una versione giocabile del più classico degli enigmi della stanza chiusa in cui fossero i giocatori e le giocatrici a calarsi nei panni dei detective.

Un’idea vincente, che ha fatto di Cluedo uno dei più redditizi prodotti del settore, ancora oggi declinato nelle più svariate versioni. Un successo che ha attirato l’attenzione anche del cinema: l’idea di trarre un film da un gioco da tavolo, nel 1985, poteva sembrare azzardata ma a raccogliere la sfida sono stati John Landis (The Blues Brothers, Animal House, Una poltrona per due e tanto tanto altro ancora) e Jonathan Lynn, che si occuperà anche della regia.
Nonostante una fase di sceneggiatura più complessa del previsto, Signori, il delitto è servito si è rivelato un gioiellino in grado di riprodurre le atmosfere del gioco di partenza ma, ahimè, terribilmente incompreso dai tempi: con incassi inferiori al budget stanziato, la pellicola è stata archiviata come flop per essere riscoperta solo in seguito come cult.
Ormai da diversi anni corre voce di un nuovo progetto cinematografico ispirato a Cluedo ma, per ora, tutto sembra in standby.

Un cast di stelle

Uno dei fiori all’occhiello di Signori, il delitto è servito è sicuramente il cast. A cominciare da Tim Curry, autentico mattatore della pellicola, frizzante protagonista in uno dei ruoli più riusciti della sua carriera (e in uno dei suoi film preferiti, stando alle dichiarazioni dell’attore). Tra i protagonisti, John Landis avrebbe voluto Carrie Fisher, costretta a rinunciare perché impegnata in un programma di disintossicazione. Chissà come sarebbe stato il film con lei… I nomi coinvolti, comunque, non la fanno rimpiangere: nel cast troviamo Christopher Lloyd (che nello stesso anno sarà anche il Doc di Ritorno al futuro), Eileen Brenner (che era stata anche tra i protagonisti di Invito a cena con delitto). e le stupende Lesley Ann Warren (Victor Victoria) e Madeline Kahn (Frankenstein Jr.).

Tre finali sono meglio di uno

La storia di Signori, il delitto è servito riproduce fedelmente la trama di Cluedo: alcuni personaggi che utilizzano uno pseudonimo sono riuniti in una villa isolata e dovranno risolvere un misterioso omicidio. Per chi, come me, ama il gioco da tavolo, è un vero piacere ritrovare le stesse stanze, gli stessi personaggi e le stesse potenziali armi del delitto del capostipite. Per amore di fedeltà, anche i due passaggi segreti presenti collegano esattamente le stesse stanze che uniscono nel tabellone del gioco e i personaggi guidano automobili del colore delle rispettive pedine.

Il colpo di genio definitivo, però, è nel finale. O, sarebbe meglio dire, nei finali. Per riprodurre al meglio le varie ipotesi che giocatori e giocatrici formulano nel gioco, John Landis e Jonathan Lynn decisero di girare tre diversi finali (che inizialmente dovevano essere addirittura quattro) e distribuirli nei cinema in maniera casuale. Ogni spettatore, quindi, poteva trovarsi davanti una conclusione diversa per l’indagine, senza conoscerla prima. Per la versione home video (la stessa che troviamo oggi su Netflix) i tre finali sono stati inseriti tutti in sequenza, separati da una scritta che recita “le cose sono andate così… Ma sarebbero potute andare anche in questo modo”. In questa versione, il film si rivela una surreale, comicissima divertente corsa a perdifiato alla scoperta della verità, ricca di giochi di parole e battute sottili da riscoprire a ogni nuova visione.

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Uno dei film più apprezzati di questa stagione al cinema

Si soffre il caldo, eh? Allora perché non provare a rinfrescarci con le uscite home video di Plaion e co. per agosto 2026?

Universal

È stata l’avventura galattica cinematografica dell’anno e adesso continua la propria ascesa anche in home video. Sto parlando di Super Mario Galaxy – Il Film, già disponibile in DVD, Blu-Ray, 4K UHD + Blu-Ray, Steelbook 4K UHD + blu-Ray e anche Collector’s Edition 4K UHD + Blu-Ray. In tutte le edizioni, anche oltre un’ora di contenuti extra speciali.

Uno dei biopic musicali più affascinanti dell’ultima stagione cinematografica si apre la sua strada in home video a partire dal 5 agosto. Michael, che racconta la storia di Michael Jackson con l’interpretazione di Jaafar Jackson, è in DVD, Blu-Ray e Steelbook 4K UHD + Blu-Ray.

Paramount

Per gli amanti della serialità, l’appuntamento da segnare in agenda questo mese è con Marshals: A Yellowstone Story – Stagione 1. L’apprezzato sequel arriva in DVD e Blu-Ray a partire dal 26 agosto.

E per rinfrescarci con un po’ di grandi classici, questo mese ci catapultiamo direttamente negli anni Ottanta con uno dei film polizieschi più famosi di sempre. Beverly Hills Cop, iconica commedia d’azione interpretata da Eddie Murphy, è disponibile dal 26 agosto in Steelbook 4K UHD + Blu-Ray.

E per continuare il nostro viaggio nel tempo, saltiamo negli anni Novanta con Sotto il segno del pericolo: tratto dai romanzi di Tom Clancy e interpretato da un Harrison Ford in grande spolvero, il film è disponibile dal 26 agosto in Steelbook 4K UHD + Blu-Ray.

Midnight Factory

Per il brand della paura sono due le uscite in questo caldissimo agosto. Si comincia da Non aprite quella porta – Ultimate Edition. L’intramontabile classico di Tobe Hopper torna in una nuova edizione Midnight Classics ricca di contenuti extra. Disponibile dal 26 agosto in Limited Edition 4K UHD + 5 Blu-Ray, con booklet , 4 card e 4 poster.

Ad agosto anche una delle favole più celebri di sempre si veste di horror. Pinocchio: Unstrung immagina il famoso burattino come una vera e propria icona horror ed è disponibile dal 26 agosto in Limited DVD e Steelcase Edition 4K UHD + Blu-Ray e booklet.

Anime Factory

Infine il brand dedicato all’animazione nipponica questo mese ci propone Millennium Actress, il capolavoro perduto di Satoshi Kon che arriva per la prima volta in 4K dopo il successo al cinema a partire dal 26 agosto. In occasione del 25° anniversario, disponibile in DVD, Limited Edition 4K UHD + Blu-Ray con booklet e card.

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Nonostante il caldo di mercoledì 12 agosto 2026, la quinta tappa della Lega Pauper Chieti, organizzata dagli amici di Level Up – We Have Fun, ha visto la partecipazione di 28 giocatori che si sono sfidati con in palio 280 € di buono garantito.

La sesta tappa si giocherà mercoledì 19 agosto 2026 alle 21:00.

Classifica Tappa 5

Classifica Lega Pauper Chieti Estate/Autunno 2026

Qui trovi il dettaglio di ogni tappa.

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Recensione

Sono uno di quei bambini cresciuti con Jurassic Park: nel 1993 avevo 8 anni e ricordo ancora benissimo l’attesa del film e lo stupore nella sua visione, e ancora oggi per me è uno dei film più belli di sempre. Quando mi sono seduto in sala per vedere La fine di Oak Street, film di David Robert Mitchell (It follows), sapevo dal trailer che ci sarebbero stati i dinosauri, ma devo dire che il film mi ha lasciato decisamente sorpreso! Scopriamolo assieme nella mia recensione, ovviamente SPOILER FREE.

Ringraziamo Warner Bros per averci invitati all’anteprima del film.

Trama

Siamo nei primi anni Ottanta. Denise (Anne Hathaway) e Greg (Ewan McGregor) Platt vivono a Oak Street insieme ai figli Audrey (Maisy Stella) e Brian (Christian Convery), una famiglia che presenta già qualche crepa prima ancora che accada qualcosa di inspiegabile. Dopo una festosa domenica pomeriggio nel quartiere di periferia americano, infatti, una misteriosa anomalia strappa via l’intera strada (o per meglio dire l’intero vicinato) dal mondo conosciuto, trasportandola in un luogo in cui gli esseri umani non occupano più esattamente la cima della catena alimentare.

Capire dove siano finiti diventa presto meno urgente del riuscire a sopravvivere, specie perché ci sono delle creature – dinosauri! – decisamente affamate che vagano per il nuovo territorio alla scoperta di spazzatura… e altri spuntini decisamente più freschi. Riuscirà la famiglia Platt a trovare un modo per venire a capo della situazione, mentre il quartiere diventa sempre meno amichevole?

Stile

La fine di Oak Street è un mix di generi e citazioni: spaziamo dall’horror “vecchio stile”, ossia più concentrato sull’osservare le reazioni dei protagonisti che non su elementi spaventosi o semplicemente “gore” – e non ti preoccupare, li troverai tutti – per mettere elementi quasi alla Goonies o in generale alle avventure che abbiamo imparato ad amare negli anni ’80 e ’90.

L’ambientazione anni Ottanta non sembra scelta solamente per riempire le case di oggetti vintage e togliere di mezzo gli smartphone, o per strappare un sorriso malinconico ai più grandicelli. Mitchell recupera soprattutto un modo di costruire il cinema fantastico: personaggi ordinari, tempi meno frenetici, pericoli scoperti insieme a chi guarda e una maggiore libertà nel passare dall’avventura alla paura. E sì, una sana dose di sospensione dell’incredulità.

Il paragone con Jurassic Park arriva praticamente da solo, ma è anche quello meno utile per capire La fine di Oak Street. I dinosauri di Mitchell sono animali enormi, imprevedibili e spaventosi, all’interno di un mondo nel quale sono gli esseri umani a essere improvvisamente fuori posto. Diciamo che se nel capolavoro di Spielberg magari in alcuni momenti abbiamo fatto “il tifo” per i dinosauri, qui non accadrà, affatto. Ho apprezzato molto inoltre la visione più visivamente “moderna” dei dinosauri, ossia meno “lucertoloni” e più allineati alle ultime scoperte scientifiche, come per esempio il piumaggio o la presenza di “pelo” (non so se è proprio corretto definirlo così!). Dettagli, ma belli.

Cast

Ormai la troviamo decisamente spesso nel 2026: la sempre brava Anne Hathaway tende ancora una freccia vincente col suo arco (sì, citazione voluta), diventando il motore emotivo del film che affronta il terrore senza preoccuparsi di risultare composta o elegante. La sua Denise è spaventata, furiosa e determinata, e proprio questa fisicità rende credibile gran parte della minaccia. Ewan McGregor le offre un contrappeso più disorientato e umano, mentre Maisy Stella riesce a dare ad Audrey qualcosa in più del consueto ruolo della figlia adolescente in conflitto con i genitori. Forse quello che ho trovato un po’ più “sciatto” è stato il piccolo Brian, forse meno caratterizzato di quanto avrebbe meritato, a differenza della sorella maggiore.

Per me la star in assoluto del film è Starbucks – ma lascerò a chi legge il piacere di scoprire di cosa sto parlando.

Come accennato su, la regia di David Robert Mitchell gioca molto con le stile delle avventure anni ’80, in alcuni momenti il film potrebbe quasi sembrare un film per famiglie, se non fosse decisamente spaventoso in alcuni momenti. Diciamo che non è un vero e proprio film horror, ma gioca molto sul confine sottile tra diverse sfumature della tensione. Chi ha visto It Follows riconoscerà il gusto di Mitchell per gli spazi apparentemente normali che diventano inquietanti senza cambiare davvero aspetto. La macchina da presa rimane spesso abbastanza a lungo da lasciarci osservare l’inquadratura, costringendoci a cercare il pericolo prima ancora che il film decida di mostrarcelo.

Ah, e si sente il tocco del caro J. J. Abrams, qui produttore della pellicola. Eccome se si sente!

Per quanto riguarda la colonna sonora, l’ormai onnipresente Michael Giacchino ci intrappola ancora una volta nella sua rete sonora (sì, anche questa è una citazione voluta), donandoci una colonna sonora ottima nel mantenere la tensione ai giusti livelli; oltre all’opera originale, il film è (giustamente) infarcito di pezzi anni ’80 che faranno felici tante persone.

Concludendo

La fine di Oak Street è un film che mi ha lasciato con quelli che i nostri colleghi oltreoceano definirebbero “mixed feelings”. Da un lato un film che ha intrattenuto e divertito, senza ombra di dubbio, e che mi ha fatto saltare sulla sedia un paio di volte – ma non troppe, da persona che non ama i film horror, non è stato assolutamente pesante. Di positivo ho sicuramente trovato un’ottima interpretazione del cast, una realizzazione accurata, e la voglia di omaggiare tutta una parte del cinema che forse oggi viene rappresentata un po’ meno, o comunque in maniera diversa.

D’altro canto però, a volte la situazione diventa eccessivamente confusionaria, alcune situazioni vengono gettate addosso al pubblico senza fornire nessun appiglio, e in alcuni passaggi la volontà di strappare una risata a chi guarda è forse un po’ forzata. Non volendo fare spoiler di alcun tipo non voglio entrare nei dettagli ma, ad esempio, anche alcune situazioni della famiglia Platt vengono gestite in maniera poco chiara, e forse senza il giusto approfondimento che sarebbe servito per comprendere meglio alcuni elementi.

La fine di Oak Street conserva l’anima di quei film che da bambini ti facevano nascondere dietro il divano continuando comunque a sbirciare. Non sono sicuro che ogni elemento trovi sempre il proprio posto e alcune scelte faranno sicuramente discutere, soprattutto nel finale. So però che il film mi ha sorpreso, divertito e in più di un’occasione messo genuinamente a disagio. Considerando quanti dinosauri abbiamo visto al cinema negli ultimi trent’anni, essere riusciti a renderli nuovamente imprevedibili è già un risultato notevole.

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Nerdando in breve

Una tranquilla strada americana finisce dove iniziano l’incubo e la preistoria: La fine di Oak Street è un’avventura familiare sorprendente e feroce, che riscopre il piacere di fare paura con i dinosauri.

Trailer

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Carrie, la donna più famosa del cinema horror

Ho sempre amato il cinema in ogni suo genere, ma ce n’è uno che mi ha scelta quando ero una bambina e non mi ha più lasciata andare.

Il mio primo horror è stato The Ring, visto di nascosto quando avevo sette anni. Una scelta probabilmente discutibile per una bambina così piccola, ma che ha avuto una conseguenza inevitabile: non ho più smesso. Anzi, con il passare degli anni ho iniziato a scavare sempre più a fondo, passando dai titoli più conosciuti a opere sempre più oscure, disturbanti e difficili da dimenticare.

La tana del Bianconiglio, in fondo, è molto più profonda di quanto sembri.

E proprio mentre pensavo a quanto ancora ci fosse da esplorare, un annuncio ha attirato la mia attenzione: Mike Flanagan, mio unico e solo Dio, porterà sul piccolo schermo una nuova versione di Carrie – Lo sguardo di Satana.

Non nascondo l’entusiasmo: tutto ciò che passa dalle mani di quell’uomo si trasforma in oro. Ma capiamoci, Carrie è un capolavoro dell’horror a prescindere da qualsiasi nuovo adattamento.

Del film di Brian De Palma si è parlato moltissimo. Si è analizzato il rapporto tra genitori e figli, il bullismo, il fanatismo religioso, il trauma adolescenziale. Tutto giusto, ma c’è un aspetto che secondo me spesso passa in secondo piano: in Carrie i personaggi che muovono davvero la storia sono donne.

Carrie, Margaret, Chris, e Sue sono il motore dell’intero film. Sono loro a compiere le scelte che determinano la tragedia finale. Sì, ok, Tommy è carino. Ma, a parte prendersi una secchiata in testa, cosa combina?

Il conflitto, il sangue, la tragedia… tutta una faccenda femminile.

Ed è proprio qui che ho iniziato a pensare che forse l’horror sia molto più femminista di quanto siamo abituati a pensare.

L’horror non si limita a mostrarci come vittime. Certo, la vittima è una figura fondamentale del genere, ma non è l’unica. Ci sono madri, figlie, mogli, amanti, sopravvissute e carnefici. Ci sono donne spezzate dal trauma e donne che trasformano quel trauma in qualcosa di distruttivo.

È quasi ironico pensare che un genere costruito spesso sull’impossibile e sul soprannaturale riesca a raccontare con così tante sfumature qualcosa di profondamente umano. 

Carrie – Lo sguardo di Satana, Brian De Palma, 1976

Carrie

Prima ancora di essere una ragazza con poteri telecinetici, Carrie è una vittima.

È una giovane donna cresciuta in un ambiente che non le permette di esistere davvero: a scuola viene umiliata, mentre a casa è oppressa da una madre incapace di distinguere la fede dalla crudeltà. Cresce convinta che il suo corpo sia una colpa, che essere donna significhi peccare e che ogni desiderio debba essere represso.

Possiamo dare a Margaret il premio Anna Maria Franzoni? Grazie.

La tragedia di Carrie nasce proprio da questo: non è un mostro nato dal nulla, ma lo diventa agli occhi degli altri nel momento in cui decide di smettere di subire.

Sinceramente credo che pure il Dalai Lama, dopo anni di quel trattamento, avrebbe sbroccato come lei. 

Dietro il sorriso di Asami si nasconde molto più di quanto sembri

Audition

Con Audition, Takashi Miike costruisce uno dei ribaltamenti più belli del cinema horror.

All’inizio sembra che la storia appartenga a Shigeharu: un uomo che, rimasto vedovo, organizza un finto provino per trovare la compagna perfetta. Perché chiaramente partecipare a Uomini e Donne sarebbe stato troppo semplice.

Asami sembra incarnare proprio questo ideale: bella, gentile, educata, fragile. La classica ragazza da proteggere. La mia bimba bellissima, posso abbracciarti? Piangiamo insieme e poi ci vendichiamo dei Gianpirli che abbiamo conosciuto.

Ma è proprio qui che quel pazzo geniale di Miike ribalta tutto. Per gran parte del film guardiamo Asami attraverso gli occhi di Shigeharu, finendo anche noi per vedere la donna perfetta che lui desidera vedere. Poi, lentamente, quella maschera si sgretola e ci costringe a rimettere in discussione tutto ciò che credevamo di sapere su di lei.

Dietro quell’apparente fragilità si nasconde una donna segnata dal dolore e dagli abusi, che rifiuta di essere ancora una volta l’oggetto dello sguardo maschile. E, sinceramente, la si ama proprio per questo. Anche dopo aver visto cosa serve agli ospiti nella ciotola del cane.

Chi è davvero il mostro in The Woman?

The Woman

Mio grande trauma.

Film bellissimo, non fraintendermi. Ma quando l’ho visto mi ha trasmesso la stessa angoscia che provavo da piccola dopo aver visto Io non ho paura e piangevo ogni volta che dovevo scendere in garage.

Già mi immagino a scegliere le immagini per questo articolo con gli occhi chiusi.

Qui troviamo una famiglia: padre Giancazzo, madre completamente succube, due figlie e un figlio. E un cane che… va beh. Non voglio nemmeno pensarci.

A questa famiglia del Mulino Bianco si aggiunge una nuova presenza: una donna selvaggia e cannibale che il padre ha trovato durante una battuta di caccia e ha pensato bene di stordire, rapire e incatenare per addomesticarla.

Dopotutto, cosa potrebbe mai andare storto?

Te lo dico io, tutto. Ma che goduria vederla riprendersi la libertà.

In questo tipo di film, la donna dovrebbe essere il mostro. Un essere violento, pericoloso, qualcosa di cui avere paura, da cui scappare. The Woman, invece, ribalta completamente la prospettiva: il vero orrore non è la creatura selvaggia rinchiusa in cantina, ma l’uomo convinto di poter giocare a fare Dio senza conseguenze. 

Elisabeth e Sue, due facce della stessa ossessione

The Substance

Qui il corpo femminile diventa un prodotto, qualcosa da migliorare, modificare e controllare.

L’ossessione per la giovinezza e per la perfezione trasforma Elisabeth in una prigioniera della propria immagine. Il body horror diventa così il mezzo per raccontare qualcosa di estremamente reale: la pressione costante esercitata sulle donne affinché siano sempre giovani, belle e desiderabili.

Elisabeth non perde valore perché è invecchiata, ma perché una società intera che le ha insegnato che, superata una certa età, non ha più niente da offrire.

Che poi io ci metterei la firma per invecchiare come Demi Moore, ma queste sono piccolezze.

E poi c’è Sue, giovane, bella e apparentemente perfetta. Anche lei, però, è vittima dello stesso meccanismo.

Non importa quanti anni tu abbia o quanto tu sia vicina all’ideale di perfezione, se sei una donna non sei mai abbastanza. E quindi tanto vale trasformarsi in un mostro degno di Society e traumatizzare tutti, che forse era la soluzione fin dall’inizio.

Laura prima che il suo corpo inizi a riflettere il suo dolore interiore

Thanatomorphose

Che dire, i canadesi sanno quello che fanno.

Ci sono film horror in cui il corpo viene distrutto da un mostro, da un virus o da una maledizione. In Thanatomorphose, invece, la protagonista è talmente tanto morta dentro che inizia a decomporsi anche fuori.

Laura conduce un’esistenza vuota, intrappolata in una relazione tossica e incapace di trovare un senso alla propria vita. La sua decomposizione non è soltanto un esercizio di body horror estremo: è la manifestazione fisica di un dolore che la sta consumando molto prima che compaiano i primi segni sul suo corpo.

Ed è proprio qui che il film dimostra quanto l’horror sappia raccontare la figura femminile in modo diverso rispetto ad altri generi.

Laura non è un’eroina, non è una final girl e non è nemmeno una classica vittima in attesa di essere salvata. Non combatte, non cerca vendetta e non si ribella.

È una donna divorata dall’apatia, dalla solitudine e dall’incapacità di reagire, fino a quando il suo stato d’animo diventa qualcosa di tangibile.

 Conclusione

Le donne nell’horror non sono mai state soltanto vittime in attesa di essere salvate.

Sono madri distruttive, ragazze arrabbiate, sopravvissute, mostri, carnefici e persone spezzate.

Ed è forse proprio questo il motivo per cui continuo ad amare così tanto il genere, perché riesce sempre a raccontare qualcosa di profondamente umano. A volte persino più di molti film che, sulla carta, dovrebbero farlo.

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