Recensione

Un lavoro monotono, una routine opprimente, prospettive? Nessuna. Speranze? Meno.
A volte il vero orrore è fatto di piccole quotidianità invece che di grandi mostri. Ed è peggio.

Trama

Tu sei Fred. Fai un lavoro noioso in un posto opprimente ed inquietante. Ogni giorno identico a quello precedente, e a quello successivo. Un lento incedere verso il nulla, dal nulla da cui provieni.
Improvvisamente, inaspettatamente, una notte ricevi una telefonata. Una voce misteriosa ti parla di una Luce Verde proveniente da un faro lontano, una nuova prospettiva di libertà ma, soprattutto, di pace.

Inizia così un viaggio attraverso ambienti claustrofobici che sembrano volerti trattenere con tutte le loro forze alla tua vita monotona e grigia. Arrivare alla fine del viaggio non sarà semplice, e una volta raggiunta la meta, non sarai più la persona che eri all’inizio.

Il viaggio verso il Faro è sì un viaggio interno, guidato da una voce incorporea (la propria coscienza?) che svolge allo stesso tempo ruolo di guida e minaccia, di speranza e paura. Spesso siamo noi stessi il nostro peggior nemico: possiamo davvero uscire dalla gabbia in cui (spesso) ci siamo rinchiusi da soli?
Ed è proprio questo conflitto interiore la metafora più forte raccontata da The Green Light.

Gameplay

The Green Light è un horror psicologico con alcuni semplici puzzle ambientali e livello medio di collezionabili con cui ricostruire l’universo di gioco. L’esplorazione è il fulcro principale del titolo, con questo senso di oppressione costante dato da ambienti soffocanti, deformati da allucinazioni e frammenti di memoria.
Il confine tra cosa è reale e cosa è invece frutto della mente distorta di Fred è labile e sfumato.

Giocarlo non è per tutti: non è un horror puro, non ci sono mostri a cui sopravvivere o jumpscare adrenalinici (giusto qualche brivido di inquietudine), è più un’esperienza narrativa di comprensione: sopravvivere alla propria frustrazione, al senso di isolamento e bisogno di fuga. L’orrore è spesso dentro di noi e non sappiamo come gestirlo e, quando esplode, lo fa con una forza che non sempre riusciamo a contenere.

Comparto tecnico

Tra i punti di forza ci sono l’ambientazione, ben disegnata ed efficace, e il comparto sonoro, soffocante come mi aspetto in una vita cupa e monotona. Ho apprezzato la capacità di Waleedzo di trasformare ambienti comuni e persino banali in ostili e soffocanti e li ringrazio per avermi inviato il gioco.
A mostrare il fianco sono gli enigmi, non sempre chiari: talvolta non si riesce a capire cosa dobbiamo fare per andare avanti. Un minus è anche la lunghezza del titolo, che è davvero risicata.

Nel complesso è un buon titolo per regalarci qualche brivido in questa calda estate, consigliato agli amanti del genere.

Vuoi chiacchierare e giocare con noi? Vienici a trovare sul nostro Server Discord e sul nostro Gruppo Telegram.

Nerdando in breve

The Green Light racconta l’orrore della routine da cui non c’è possibilità di fuga.

Trailer

L'articolo The Green Light – La tempesta è dentro proviene da Nerdando.

Recensione

Un saggio che è una raccolta di racconti che è un’analisi di quanto abbiamo per decenni visto in TV e, spesso, mai colto del tutto.

Fiabe e leggende anime giapponesi, di Ippei Otsuka (già autore di Fiabe e leggende Studio Ghibli), pubblicato in Italia dalla sempre preziosa Kappalab, è molto più che un tuffo negli anime del passato: è un carosello colorato di spiegazioni, citazioni, riferimenti e omaggi alla cultura nipponica che, sulle sponde dello Stivale, è arrivato tra gli anni ’70 e ’90 con anime di cui tutti abbiamo sentito almeno parlare (in alcuni casi) e amato visceralmente (in molti altri).

Dragon Ball, Lupin III, Pokemon, Sailor Moon, Yattaman e molti molti altri.
In questo saggio sono raccolte le fiabe e, appunto, le leggende che hanno ispirato i grandi artisti giapponesi a dare vita ai loro manga e anime. Sapevate, ad esempio, che Astroboy discende direttamente da Frankenstein e Pinocchio?

Nel libro troverai non solo le spiegazioni e gli approfondimenti, indispensabili per cogliere sfumature e dettagli che sembrano casuali e invece non lo sono per nulla (uno su tutti: l’acconciatura di Bunny quando si trasforma), ma anche e soprattutto le leggende che hanno ispirato questi dettagli o proprio l’intero impianto narrativo.
Di Dragon Ball, ad esempio, conoscevo l’origine nei primi libri del Il Viaggio in Occidente dello scimmiotto Sun Wukong (da cui è tratto anche il soulslike omonimo), ma di molti altri invece ignoravo proprio i miti originali e questo volume è stato un vero viaggio di scoperta e conoscenza.

Stile

Fiabe e leggende anime giapponesi ha una struttura di facile lettura: ogni capitolo è dedicato a un anime di cui viene riassunta la trama o la struttura portante dei personaggi principali. Viene quindi fatta un’analisi di alcuni passaggi, dai nomi ai luoghi ad avvenimenti, con riferimenti dettagliatissimi sulle origini che sono state di ispirazione.
Vengono quindi riportate le leggende, in forma fiabesca, o direttamente alcuni passaggi chiave dei romanzi e testi che ne costituiscono la fonte.

Lo stile è lineare, facile da seguire e ricco di note a fine capitolo per chi, come me, ha necessità di maggiori informazioni sui nomi e sulle date.

Commento

Per me la lettura di questo libro è stata innanzitutto un tuffo nel passato: riportare alla mente gli anime che guardavo da bambino, da Calendar Men a Devilman, è stato un viaggio bellissimo ed emozionante, arricchito, questa volta, da una maggior consapevolezza sia data dal mio essere adulto, sia dalla ricchezza di informazioni che ho raccolto grazie a Ippei Otsuka.
E se alcuni riferimenti erano immaginabili, come la Divina Commedia, è stato bellissimo scoprire come anche la cultura occidentale abbia saputo essere di ispirazione per gli artisti orientali.

Personalmente non posso che consigliarti di acquistare e leggere questo libro, che tua sia un giovane amante dei manga o un vecchio appassionato come me che li chiamava banalmente “cartoni animati”.

Edizione

Kappalab, che ringrazio per avermi inviato il volume, aggiunge questo prezioso libro alla sua ricca collana di saggi dedicati al mondo degli anime e manga. Il volume, di circa 280 pagine, risulta comodo da leggere e da trasportare; la sua struttura lo rende perfetto per una breve lettura prima di dormire o nei trasporti pubblici. Copertina morbida, pagine spesse e di qualità.
Fiabe e leggende anime giapponesi è disponibile al prezzo di copertina di 18,00€.

Vuoi chiacchierare e giocare con noi? Vienici a trovare sul nostro Server Discord e sul nostro Gruppo Telegram.

Nerdando in breve

Fiabe e leggende anime giapponesi ci racconta le storie dietro gli anime che amiamo.

L'articolo Fiabe e leggende anime giapponesi – I miti alle origini del mito proviene da Nerdando.

…avremmo potuto essere eroi.

Recensione

Ne è passata di acqua sotto le chiglie delle nostre navi (pirata) e non è certo un mistero per nessuno che AC: Black Flag sia uno dei titoli del franchise che più di tutti ha lasciato il segno nei fan di lunga data.
Il motivo? Basta solo nominare l’età d’oro della pirateria: i sea shanty, il fascino immortale dei Caraibi e l’eterna lotta tra bene e male (Assassini e Templari, Spagna e Inghilterra, passato e presente).
Insomma, era solo questione di tempo che Ubisoft tirasse fuori dal cilindro una vecchia e indimenticata perla, per traghettarla nel nuovo corso del videogioco.

Il risultato?
Eccolo a te.

Trama

Edward Kenway è un giovane pirata in erba con la giusta dose di sfacciataggine e con le conoscenze giuste nel mondo della pirateria. Per caso si imbatte nell’eterno conflitto tra Templari e Assassini, così come viene in contatto con i manufatti mistici che permeano la cosmologia dell’universo Assassin’s Creed.
In questa incarnazione del Credo, seguiremo le sue gesta nell’età d’oro della pirateria, a bordo del suo vascello, la Jackdow, a caccia di fortuna e gloria.

Dopo aver depredato un assassino degli abiti e del prezioso manufatto dei Predecessori, Edward giunge a La Havana, dove verrà presto invischiato nella secolare guerra di sotterfugi, misteri e tradimenti che lo metteranno subito alla prova. Da qui partirà la sua grande avventura nel mondo della pirateria, un viaggio non solo fisico in lungo e in largo tra i mari dei Caraibi, ma anche personale di crescita e maturazione.

Gameplay

Sono passati davvero molti anni da quando giocai l’originale e mi risulta difficile fare un confronto puntuale, soprattutto per quanto riguarda la gestione dei comandi. Tuttavia appare evidente come il team di sviluppo abbia preso decisioni e direzione ben definite nel ripensare questo titolo.

Andiamo con ordine.
La prima, enorme, differenza col passato è che sono state completamente rimosse tutte le sequenze del presente. Ormai era chiaro dagli ultimi titoli (e come ho già avuto modo di dire in praticamente ogni articolo dedicato ad AC) che il focus era spostato interamente sull’ambientazione storica. Se sei un giocatore di vecchia data, ricorderai che agli inizi avevamo una trama nel presente importante, ben scritta e dallo spessore narrativo cruciale: i viaggi nel passato, pur essendo il cuore dei titoli, dal punto di vista narrativo erano al servizio delle missioni del presente. Il passato degli antenati era esplorato per scoprire cose di vitale importanza oggi.

Non mi dilungherò su questo, ma fatto sta che col passare dei titoli, le sequenze del presente hanno avuto sempre meno spazio e importanza. Oggi, con un titolo come Black Flag, non aveva alcun senso riproporre le storie di Desmond, che magari molti giocatori dei soli reboot non sanno nemmeno chi fosse. Approvo quindi la scelta: Assassin’s Creed Black Flag Resynced è a tutti gli effetti un gioco piratesco. Nulla di più, nulla di meno.

Sparisce anche il multiplayer (che personalmente non ho mai amato in questa serie) e tutte le attenzioni sono sull’esperienza singola, come è giusto che sia. Il titolo perde buona parte della componente di progressione RPG come avevamo apprezzato nella trilogia reboot e si concentra maggiormente su stealth e naturalmente navigazione.
Essendo un gioco piratesco passerai moltissimo tempo in mare, potenziando la tua nave e facendo scorribande in lungo e in largo.

Le sezioni sul mare sono decisamente quelle più ispirate e che danno maggior soddisfazione, mentre a terra le missioni tendono a ripetersi in maniera abbastanza monotona (tendenzialmente: infiltrati, nasconditi, trova, porta via, uccidi, scappa). Vero che c’è sempre libertà di scelta e molto è stato fatto per ridurre la legnosità che contraddistingueva le sequenze action (parkour e combattimento), ma qualcosa è ancora rimasto nonostante il pesantissimo restyling subito.

Di questo ti parlo tra poco.

Comparto tecnico

Ed eccoci all’aspetto più intrigante per un remaster/remake.
La prima cosa che devo dirti è che Assassin’s Creed Black Flag Resynced è stato letteralmente ricostruito da zero. Come detto ha mantenuto inalterata la storia di base, ma ha lavorato magistralmente per migrarla nel nuovo corso videoludico.

Fronte audio nulla da dire: l’incredibile doppiaggio italiano (sì, c’è ancora Pannofino) è la ciliegia sulla torta, ma non è l’unica cosa a farci immergere nel mondo della pirateria: veleggiare a bordo della Jackdow, i cui comandi sono stati resi più fluidi e gradevoli, accompagnati dai cetacei che saltano fuori dall’acqua, dal frangersi delle onde, da qualche cannonata ben assestata e soprattutto dai canti marinareschi, resta l’esperienza più gratificante del titolo.

Fronte visivo puoi averne un assaggio con i miei screenshot e con il trailer: il colpo d’occhio è incredibile e, impostando le opzioni a qualità grafica, restano un vero spettacolo da godersi, magari durante la sincronizzazione da qualche campanile.
Grandissima cura è stata spesa nella dinamica dell’acqua (cruciale per un titolo così) e per gli effetti di illuminazione, che rendono bene a tutte le ore del giorno, col passare del tempo a impreziosire ulteriormente l’esperienza di gioco.

Ma è l’esplorazione il vero punto di forza: abbandonare il marcatore di missione e perdersi tra le isole, ognuna ha qualcosa da regalare, dedicarsi alla scoperta dei fondali marini e dei tesori perduti, cimentarsi con qualche battaglia navale, tutto questo ti renderà difficile abbandonare il controller. E, una volta terminato, non disdegnerai tornare anche brevemente al timone della nave per dedicarti a qualche piccola scorribanda.

I combattimenti a terra seguono le dinamiche dei titoli più recenti, con parate che, se eseguite al tempo giusto, aprono a finisher immediate. Oppure le pistole, da usare per rompere la guardia degli avversari corazzati.
A mostrare il fianco, però, è ancora la IA dei nemici che, seppure migliorata, lascia ancora ampio spazio di manovra e rende i combattimenti troppo abbordabili. Le cose si fanno più interessanti all’aumento dei nemici, ma per una vera sfida, ti suggerisco di aumentare al massimo la loro difficoltà.

Commento

Black Flag, forte anche del fascino immortale dei pirati, è forse uno dei titoli “classici” che più ha lasciato il segno, dopo la trilogia di Ezio Auditore. Io stesso l’ho giocato in lungo e in largo e, nonostante mi mancasse un po’ la verticalità offerta da Firenze e Roma, le meccaniche della navigazione mi avevano conquistato per sfida e soddisfazione, nel veder affondare le fregate della marina inglese.

La cosa che mi ha fatto storcere il naso (ed è una delle poche) è stata la enorme e smodata quantità di sospensione dell’incredulità che mi è stata richiesta. Mi spiego: le abilità uniche degli Assassini (lama celata, salto della fede) non erano per tutti e non erano scontate. Occorreva addestramento e preparazione, occorreva un Assassino anziano che istruisse (ciò che diviene Ezio Auditore nel tempo) o al limite ripescare le abilità grazie alla tecnologia dell’Animus.

Qui, invece, Edward ruba le vesti a un Assassino ed esegue arrampicate e salti della fede istantaneamente. Eddai.
Questo è un peccato perché Ubisoft ha saputo regalare non poche perle, in termini di scrittura e profondità di dialogo. L’ossatura base di Black Flag, per altro, è rimasta intatta: tutti i pregi della storia originale sono rimasti, anzi, sono stati aggiunti nuovi dialoghi ed è stato dato maggior spessore ai comprimari. Mi riferisco agli ufficiali, che nella prima versione erano solo nominati mentre ora diventano PG reali che ci assegnano missioni per sbloccare nuovi potenziamenti.

Aggiungere qualche linea di dialogo per arricchire un po’ anche la componente e le abilità da Assassino avrebbe dato maggior credibilità, a mio avviso.
Quello che è innegabile, tuttavia, è che siamo sicuramente davanti a una storia di autentica pirateria: abbordaggi, assalti, alleanze, tradimenti, tesori e tutto il resto. Un punto di rottura rispetto alla sacralità della missione degli Assassini e che rende Assassin’s Creed Black Flag Resynced uno dei migliori giochi dedicati all’epoca d’oro dei Pirati.

Vuoi chiacchierare e giocare con noi? Vienici a trovare sul nostro Server Discord e sul nostro Gruppo Telegram.

Nerdando in breve

Assassin’s Creed Black Flag Resynced riporta il Credo nell’epoca d’oro della pirateria.

Trailer

L'articolo Assassin’s Creed Black Flag Resynced – In un mondo senza oro… proviene da Nerdando.

Recensione

Devo andare nello spazio è una graphic novel tanto surreale quanto concreta. Lo stile peculiare, quasi fanciullesco, eppure pulito ed efficace, mi ha conquistato immediatamente. Scritta e disegnata da Riccardo Atzeni per Bao publishing, è un’ironica e amara constatazione di come i nostri piccoli grandi drammi personali siano sempre in grado di raggiungerci.
Anche nello Spazio.

La trama? Tieniti forte: arriva.

Trama

Il cagliaritano Mocci è un corriere: il suo lavoro è andare nello Spazio e recuperare i file perduti dalle persone. A bordo della sua utilitaria, da oltre cinque anni viaggia ogni giorno nelle profondità cosmiche di uno spazio che sta diventando sempre più piccolo (o forse affollato), trova i file perduti, torna sulla Terra e li restituisce ai legittimi proprietari.
Con lui la sua migliore amica, Arianna, che ama la danza e studia per prendere la licenza e diventare corriere a sua volta.

Mocci e Arianna sono amici viscerali: si conoscono da anni, hanno passioni in comune e condividono praticamente tutto. Non sono una coppia (e non lo saranno mai) e nel loro equilibrio si compensano a vicenda: aiutandosi, supportandosi, insultandosi e prendendosi (metaforicamente) a schiaffi quando serve. Lei ama Scooby-Doo, lui Guybrush Threepwood. Non sono perfetti e per questo si perfezionano assieme.

Poi c’è la vita e le sue difficoltà. Lui è un disastro con la famiglia, lei con le questioni di cuore.
Lo spazio, enorme metafora di Internet e della facilità con cui lo usiamo per perdere noi stessi, resta sullo sfondo di un dramma famigliare (e sociale) che scava nel profondo, che lascia solchi indelebili e cicatrici dalle quali è impossibile guarire del tutto.
Se è vero che ognuno reagisce a proprio modo alle difficoltà e ai lutti della vita, è anche vero che nessuno è realmente da solo e che le proprie scelte, giocoforza, avranno un impatto sugli altri, causando di rimando nuovi dolori, ferite e cicatrici.

Possiamo nasconderci quanto vogliamo, possiamo isolarci e rintanarci nelle profondità dello Spazio, certo, ma la verità è che non possiamo nasconderci da noi stessi e lo spazio, quello che occupiamo, non sarà mai abbastanza vasto da impedirci di essere raggiunti.
E fa male.
Ed è un bene.

Mi fermo qui, il resto lo dovrai scoprire leggendo il volume.
Mi raccomando, però, non contraddite mai Arianna sul suo amore per Scooby: “possa un buco nero assorbire l’immonda materia che forma te e i tuoi gusti in fatto di cartoni animati”
Questa me la annoto e la riciclo con mia figlia e i suoi gusti in fatto di quasi qualsiasi cosa.

Autore

Riccardo Atzeni (rikatz), pirrese emigrato a Cagliari, è nato nel 1981.
Si occupa di illustrazione, animazione e fumetti. Ha realizzato fumetti e illustrazioni per Bompiani, l’inserto Fumetti di Domani Editoriale e 7 del Corriere. Come animatore, concept artist e direttore artistico ha curato alcuni cortometraggi animati indipendenti. Nel 2021 è uscito per Panini Saetta Rossa, con testi di Marco B. Bucci.
Fa parte, insieme a Chiara Lamieri, Barbara Pirisi e Elena Cabitza del collettivo sardo studioITTE.
Devo Andare Nello Spazio è il suo primo lavoro come autore unico.

Commento

Incredibile constatare come la cultura di internet si sia irrimediabilmente fusa con quella pop e insieme abbiano formato un substrato culturale ormai archetipico (secondo la logica Junghiana) in cui ogni persona dello Stivale può tranquillamente riconoscersi.
Non mi riferisco solo alla spassosa carrellata di meme in cui il protagonista si perde a inizio racconto, ma proprio alle piccole imprescindibili cose che fanno ormai parte del nostro trascorso (online). Se anche i meme, dopo un po’ rientrano nella categoria vintage (come la moda, la musica e ormai anche i videogiochi) allora dobbiamo ricordarci che tutto si sta assottigliando.

Un abito è vintage se ha compiuto decine di anni, un meme lo è dopo sei mesi. In mezzo c’è tutto il resto e la fusione delle fonti è ormai un continuum, un fiume in piena dal cui è impossibile riemergere e che continua a soffocarci e trascinarci col suo impeto.
Te le pagine che più mi hanno toccato, al di là del finale, struggente, in cui ho potuto (dolorosamente) rispecchiarmi, non posso che scegliere la galassia dei profili defunti.
Immagino sia capitato a tutti, prima o poi, di imbattersi nel profilo social di qualcuno che non c’è più. Le considerazioni filosofiche e morali su ciò che resta esulano sicuramente lo spazio di questo articolo, ma Riccardo Atzeni ne dà una breve ma lucida interpretazione che mi ha fatto a lungo riflettere: e se questo è il tipo di immortalità (digitale) che abbiamo raggiunto, forse non è stata così sbagliata la mia decisione di spazzare via tutti i miei profili social.

Resta l’amara ironia del volume, che sbeffeggia chi si prende troppo sul serio e lascerà di sé solo qualche manciata di spazzatura digitale destinava a rendere sempre più affollato e sempre più piccolo lo spazio infinito. Un grazie a Bao per avermi inviato il volume!

Vuoi chiacchierare e giocare con noi? Vienici a trovare sul nostro Server Discord e sul nostro Gruppo Telegram.

Nerdando in breve

Devo andare nello spazio è una graphic novel dedicata alla solitudine in un universo affollato.

L'articolo Devo andare nello spazio – Nascere vuol dire cadere dentro una famiglia proviene da Nerdando.

Mi spiace ma non ce la faccio proprio a usare il nome italiano: la protagonista veste un nome bellissimo e significativo, Moana, che per chi non lo sapesse vuol dire oceano, trasmettendo quel legame insolubile tra i popoli delle isole del pacifico e lo sconfinato mare che è tutto il loro universo.

Fatta questa dovuta premessa, andiamo a incominciare grazie a Disney che mi ha invitato all’anteprima del live action di Oceania (Moana!!!)

Recensione

Sono passati solo nove anni dall’uscita del film d’animazione (l’intervallo più breve ad oggi), per cui, un po’ a sorpresa, ho accolto l’arrivo di questo ennesimo live-action.
Sorpresa ma anche speranza perché pare evidente che più indietro si va nel tempo e peggio esce il film.
Vuoi che sia per ragioni prettamente commerciali e/o di scadenza diritti, ma abbiamo tutti sotto gli occhi gli esiti nefasti di Dumbo, per dirne uno, per non parlare di Biancaneve, su cui meglio stendere un velo pietoso.

Ebbene, forse perché spinto dai protagonisti originali, che l’hanno prodotto, forse perché appunto abbastanza recente da parlare un linguaggio ancora moderno, il live-action di Oceania è un film ben riuscito, a tratti addirittura bello.
Personalmente lo considero il migliore finora (No: Lilo e Stitch non mi è piaciuto).

Trama

Le giornate scorrono tranquille sull’isola di Motunui fin quando la vita non inizia ad appassire. L’oceano sceglie Moana per ritrovare il perduto semidio Maui e insieme restituire il cuore rubato alla dea Te Fiti.

Che altro posso dirti? La trama è un copia e incolla, solo un pelo allungato per raggiungere le due ore del film originale. Se desideri un approfondimento, posso invitarti a leggere il bell’articolo di Morgana, qui e di Aliquis invece qui, nei quali viene detto già tutto e meglio di quanto non possa fare io.

In queste righe vado invece a discutere delle aggiunte: di ciò che troverai in questo live-action e che è stato, appunto, inserito per arricchire un po’ la narrazione.
Contrariamente ad altri casi le canzoni extra (pratica che normalmente detesto, come ho ad esempio raccontato per La bella e la bestia) si calano invece bene nell’impianto complessivo e non disturbano, anzi.

Oltre a questo le scene extra (perché così si possono considerare) si fondono armoniosamente con la storia e danno qualche dettaglio in più, come la scena della storia di Maui, che ho gradito particolarmente.

Per il resto il film è a tutti gli effetti la fotocopia dell’originale, ben recitato e con ottimi effetti speciali.

Cast

A interpretare una versione pompata di Maui (ricordate le polemiche per aver rappresentato come obeso un uomo di etnia polinesiana?) è Dwayne Johnson, che continua a difendersi molto bene a 54 anni, nonostante sfoggi una chioma di capelli assolutamente inguardabile. Fortunatamente viene fatta ironia proprio sui suoi boccoli.

Auli’i Cravalho, voce originale della protagonista nel classico d’animazione, compare qui come produttrice esecutiva. Ufficialmente ha scelto di non tornare a interpretare il personaggio nel live action perché ha deciso di “passare il testimone alla prossima giovane donna discendente delle isole del Pacifico”. Probabilmente, osservo io, il fatto che abbia 26 anni e sia impegnata a Broadway, può aver influito.
Scegliere la nuova protagonista tuttavia non è stato facile e, dopo lunghi mesi di tentativi, è stata individuata la praticamente esordiente Catherine Laga’aia, brava e convincente.

Oltre a Laga’aia e Johnson, il cast di Oceania include John Tui, nel ruolo del severo padre di Moana, Capo Tui; Frankie Adams, che interpreta Sina, la madre; e la neozelandese Rena Owen, nel ruolo della saggia Tala nonna di Moana, celebre per il ruolo coperto in Once Were Warriors, comparsa anche in pellicole di alto livello come A.I. e SW III: La Vendetta dei Sith.

Il film è diretto da Thomas Kail, vincitore di un Emmy e di un Tony Award per Hamilton.

Oceania include brani originali di Lin-Manuel Miranda, Opetaia Foa’i e Mark Mancina, oltre a una colonna sonora originale composta da Mancina.

Commento finale

Mi è piaciuto?
Onestamente sì.
Ne sentivo il bisogno?
Francamente no.
Probabilmente non sono però il target giusto: da quanto letto in giro i live action sono qualcosa di gradito e atteso. Per me, che sono vecchio, la magia c’era già anche prima.

Il punto: qual è il senso di fare un live-action di film così recente? Nella speranza che la risposta non sia un banale e prosaico “fare un sacco di soldi”, lascio a te l’onere di trovare una risposta e magari condividerla con noi, sui nostri canali social.

Per quanto mi riguarda, Oceania si colloca sotto Rapunzel ma sopra Frozen, tra gli ultimi classici con principesse, grazie sicuramente al mio amore per la Nuova Zelanda (sapevate che Maui ha pescato l’Isola di Nord usando l’Isola del Sud come barca?) e per la scena più emozionante della storia recente di Disney: la scena della navigazione, con la canzone (non a caso scritta e cantata da Lin-Manuel Miranda) che meglio di tutte in pochi momenti racconta l’intera storia e filosofia del popolo polinesiano.
Tatou o tagata folau vala’auina / Le atua o le sami tele e o mai / O ava’e le lu’itau e lelei / Tapenapena
Siamo marinai chiamati dal dio del grande mare a venire. Il mese della sfida è ben preparato

Oceania arriverà nei cinema italiani il 19 agosto 2026.

Vuoi chiacchierare e giocare con noi? Vienici a trovare sul nostro Server Discord e sul nostro Gruppo Telegram.

Nerdando in breve

Oceania è l’ennesimo live-action tratto da un classico Disney.

Trailer

L'articolo Oceania – We know the way proviene da Nerdando.

Fidati, per ora, capirai dopo.

Recensione

Grazie a Sony che ci ha invitato all’anteprima, ho potuto fare un salto indietro di 40 anni e rispolverare un po’ di emozioni che il me bambino degli anni ’80 maneggiava con disinvolta imperizia, e che il me cinquantenne di oggi credeva relegati a un cassetto polveroso sommerso di faldoni dedicati a lavoro, genitorialità, impegni seri, e cinismo galoppante.
In poche parole, mi sono goduto il live action di Masters Of The Universe, per la regia di Travis Knight (Kubo e la spada magica, Bumblebee) e prodotto da Amazon MGM (dopo una travagliata incubazione durata anni).
Avevo grandi, grandissime aspettative. Ecco com’è andata.

Trama

Tieniti forte perché la storia che andrai a vedere è la cosa più originale a cui ti sarà mai capitato di assistere in tutta la tue vita. A patto, naturalmente, che tu non abbia visto nessun action movie negli ultimi trenta, forse trentacinque anni.
Adam è il giovane principe di Eternia; a seguito dell’attacco del demone Skeletor, intenzionato a conquistare il potere magico di Grayskull, Adam viene separato dai suoi genitori e dalla spada del potere. Tornerà a casa solo quindici anni dopo, trovando la sua terra devastata e iniziando una lenta riconquista con l’aiuto dei campioni di Eternia.

Che dici? Sembra banale?
Per chi non lo sapesse MOTU nasce non come un fumetto, film o cartone animale, ma come linea di giochi della Mattel (quando ancora non si chiamavano action figure). I Masters (come li chiamavamo tra noi giovani bimbetti felici) seppero coniugare in modo alchemico fantascienza e fantasy, strizzando l’occhio tanto a Conan il barbaro (ci fu anche una causa in merito) quanto a Guerre Stellari. Per ulteriori dettagli vi lascio il link al bell’articolo di approfondimento che trovate qui.

Fatto è che il cartone animato (He-Man e i dominatori dell’universo) che fungerà da spina dorsale della mia infanzia (giochiamo ai Masters?) sarebbe arrivato solo dopo e con la precisa intenzione di spingere i giocattoli. Operazione che, nonostante la bruttezza delle animazioni, funzionò alla grande: la lore era incredibile, i personaggi epici, spassosi, terrorizzanti, saggi e tutto quel che serviva in un mix che rese la linea Mattel la più venduta al mondo (anche più delle Barbie).

La fortuna dei Masters sarebbe poi finita meno di un decennio dopo, spazzata via da altri franchise di successo come i Transformers (a cui ho contribuito anche io), i G.I. Joe e le Tartarughe Ninja.
A poco valsero i molti tentativi di rilanciare il franchise e del primo tentativo live action, con Dolph Lundgren e Frank Langella, restano più i meme che la memoria.

Ma torniamo al film di oggi.

Cast

Ricco di facce note e stranote: a Nicholas Galitzine (Pecore Sotto Copertura, Purple Hearts, Cenerentola) è affidato il ruolo dell’uomo più potente dell’universo, Adam/He-Man; accanto a lui una splendida Camila Mendes (Riverdale), Idris Elba (Luther, la saga di Thor) e Jared Leto (Dallas Buyers Club). Nel cast anche Alison Brie (Together), Morena Baccarin (la saga di Deadpool), James Purefoy (Rome) e Charlotte Riley (Peaky Blinders).
Probabilmente noterete, sotto 4 ore di trucco prostetico, anche un colosso di demone, o forse sarebbe meglio dire: una Montagna.

Partiamo subito da Lui-Uomo: confesso di aver stimato molto il coraggio di dare volto e fattezze a un mito inarrivabile. Nicholas Galitzine, a mio avviso, è tanto un ottimo Adam quanto uno splendido He-Man, l’eroe muscolosissimo e praticamente invincibile che mette al primo posto il dialogo, l’emozione, l’empatia (una delle ricette vincenti del personaggio). Qui lo accompagniamo nel suo percorso per diventare chi è destinato a essere, con un’evoluzione originalissima (vedi nota inizio articolo) e affascinante.

Il mio pupazzo preferito era Duncan/Man-At-Arms, forse perché assomigliava a mio padre, con quei baffoni imperiosi. Indovinate un po’: qui è nero e interpretato da Idris Elba. Dopotutto, ho pensato, se abbiamo avuto un dio nordico nero, perché no? In effetti qui assistiamo forse alla fusione (non so quanto intenzionale) con un altro personaggio, l’unico nero della linea, Clamp Champ. L’interpretazione di Idris Elba è eccellente, da grande attore qual è, e dà a quella che poteva essere una macchietta, tutto lo spessore che merita. Azzeccato e ben scritto.

Nel ruolo del Lord of Destruction, Skeletor, troviamo Jared Leto, fresco fresco di nomination ai razzie awards per l’imbarazzante prova data di sé in Tron: Ares. Su di lui non mi esprimo, avendo visto la versione doppiata in italiano.

Commento finale

Mettiti comodo, ci vorrà un po’.
Partiamo dalla battuta iniziale: originale? No, per nulla: e non doveva esserlo. Se mi fai un film dedicato a un’icona degli anni ’80, mi aspetto e pretendo che omaggi in tutto e per tutto la mia memoria di bambino. Così è stato, e lo è stato in modo intelligente.

La sceneggiatura non finge di essere qualcosa che non è. Il regista gioca con chi ha 40 e 50 anni oggi, scardinando col piede di porco il lucchetto della valigia dei ricordi e buttandola tutta sul tavolo. Ci sono decine e decine di citazioni, riferimenti, ammiccamenti vari. Ed è perfetto.
Una delle cose con cui abbiamo avuto più difficoltà a scendere a patti era la follia dei nomi dei personaggi: Fisto, Trap Jaw, Ram Man, Evil-Lyn, Mekaneck, Tri-Klops e molti altri, tra cui in primis proprio lui. He-Man. A chi diavolo è mai venuto in mente di scegliere un nome così cretino per un eroe fanta-sy/scientifico? La risposta, in realtà, è Roger Sweet (game designer Mattel) che scelse una locuzione che doveva far passare il concetto di maschio più maschione di tutti.

Ebbene: nel film di oggi quei nomi non vengono nascosti o edulcorati. Fanno ridere, e si sa. Quindi vengono giustamente sbeffeggiati. Così come l’idea dell’identità segreta (siamo un po’ troppo in là per credere ancora che basti mettere degli occhiali o una calzamaglia di flanella rossa per non essere riconosciuti) a cui è dedicato uno dei momenti più ironici della pellicola.
Insomma. Non nascondiamoci dietro un dito, i bambini degli anni ’80 erano dei bei polli, ma sono cresciuti e non si può insultare la loro intelligenza. Il film non lo fa, anzi: la omaggia.

E ridicoli e sopra le righe sono anche le ambientazioni, i costumi, le pettinature, la spada. E tutto torna, qui, e torna alla perfezione. Grayskull, perfetta. La maga, perfetta. Eternia, perfetta.

A coronare il sogno c’è una colonna sonora incredibile, azzeccata, a sua volta ironica e faceta eppure esaltante.
La trasformazione di He-Man, momento delicatissimo, mi ha fatto venire i brividi sul collo.
Skeletor è stato reso in modo magistrale: un terribile teschio animato, non un burattino mosso da fili invisibili.

E qui mi fermo, ogni parola in più sarebbe di troppo.
Vai a vederlo e fermati fino dopo i titoli di coda. Mi ringrazierai.

Che posso dirti, quindi, per chiudere? Masters Of The Universe mi ha emozionato, divertito, commosso e soprattutto non mi ha fatto guardare neanche una volta l’orologio per tutta la sua durata. Mi ha, insomma, completamente intrattenuto. Cosa chiedere di più?
Il mio film dell’anno? Probabile. Un film per tutti? Improbabile: sicuramente lo è per chi ha vissuto quei mitici anni d’oro. Lo testerò anche con le mie figlie, ma non nutro grandi speranze.

Pensavi che gli anni ’80 avessero finito le cose da dire? Ti sbagliavi.

Vuoi chiacchierare e giocare con noi? Vienici a trovare sul nostro Server Discord e sul nostro Gruppo Telegram.

Nerdando in breve

Masters Of The Universe è il nuovo live action dedicato agli eroi di Eternia.

Trailer

L'articolo Masters Of The Universe – Il cuore, del cuore, del cuore… proviene da Nerdando.

Dopo tanti vampiri (mancanti) e corse sull’asfalto nipponico, un po’ di tranquillità mi serviva: grazie a Game Pass, mi sono immerso nell’avventura narrativa Mixtape, sviluppata da Beethoven & Dinosaur e distribuita da Annapurna Interactive, che sì, non ne sbaglia una.

Recensione

Come scritto, siamo davanti ad un‘avventura narrativa ambientata in una cittadina di provincia americana, in California, a metà degli anni ’90. I protagonisti sono tre ragazzi “difficili” secondo i canoni della mentalità borghese, che passano le loro giornate estive bighellonando in giro per la città, commettendo un disastro dietro l’altro (e qualche reato) e rischiando l’osso del collo sul loro skate.

A tirare le fila è Stacy Rockford, che scandisce la propria esistenza, i propri amori (non necessariamente romantici) e le proprie memorie al ritmo incessante della propria colonna sonora. Ne ha una per ogni occasione, esperienza, fallimento o successo. Il Mixtape del titolo sta tutto qui: in un’alchimia unica e irripetibile di pezzi che vanno dagli anni ’60 in poi, con cui Stacy sceglie il giusto accompagnamento per la giusta situazione.

Gli altri due componenti sono Van Slater e Cassandra Morino, entrambi con storie altrettanto complesse, stratificate e tutte da scoprire.

Gameplay

A conti fatti, siamo davanti a una avventura leggera, con moltissime interazioni durante le fasi esplorative, tanti dialoghi e alcune sequenze action in cui combinare un bel numero di disastri. Dal punto di vista del gameplay nudo e crudo non c’è molto altro, e a mio avviso qualsiasi cosa in più sarebbe stata di troppo: il focus del titolo è nel raccontare un’esperienza, una pagina di vita che dura un attimo nell’economia complessiva dell’esistenza ma che sembra formata da infiniti minuti e ore finché ci siamo immersi.

L’occasione è quella dell’ultimo giorno insieme del magico trio: dopo un anno di disastri è arrivato il momento di separarsi, e mentre si avvicina la festa finale, con la colonna sonora perfetta, i ricordi ricominciano piano piano ad affiorare e sarà un viaggio doloroso, lungo e difficile, in cui la rabbia e la frustrazione adolescenziale sono le uniche armi contro una società che non è pronta (non lo era negli anni ’90, non lo è oggi) ad accettare chi non si uniforma.

Comparto tecnico

Questo è l’aspetto che più ho amato del titolo: le animazioni richiamano i movimenti stereotipati dello stop motion nelle cutscene, mentre nelle fasi di gioco la fluidità è innegabile. Ho amato le sequenze in skate durante le quali possiamo anche concederci qualche trick, ma soprattutto ho adorato il taglio cinematografico, in cui Stacy spesso rompe la quarta parete e si rivolge direttamente a noi per annunciare il perché ha scelto un determinato pezzo o per condividere gli aspetti più intimi dei suoi sentimenti, con dettagli che non osa svelare nemmeno ai suoi grandi amici.

Mentre lo giocherai, poi, noterai sequenze oniriche e surreali, in genere relegate ai flashback. Stiamo parlando di racconti e ricordi e tutti sanno quanto questi, soprattutto se riferiti all’adolescenza, siano distorti da un punto di vista che abbiamo abbandonato da decenni. Però, ricordo bene che certe “iperboli”, sul momento, sembravano quasi reali.
Non voglio aggiungere altro per non rovinare la sorpresa, ma ci sono state almeno due o tre momenti in cui mi son trovato a mascella spalancata modello “what the f…“.

Conclusioni

Giusto sulla soglia del mezzo secolo, a conti fatti, ero adolescente proprio negli anni ’90 e nonostante il gap culturale tra la provincia americana e quella italiana, e determinati meccanismi sociali differenti, l’essere adolescente, in quegli anni, ha significato determinate cose: tra musica, col grunge in piena esplosione, tecnologie ora ridicole (sì, riavvolgiamo le cassette con la matita), e la costante, imprescindibile, paura di non essere visti, paura di scomparire nella massa indistinta, paura di non essere riconosciuti per quella che è la nostra peculiare natura, paura (in soldoni) di crescere e diventare esattamente come gli “adulti” che tanto odiamo quando abbiamo 16 anni.

Per me è stato emozionante. Spero lo sia anche per te, giocarlo. Ma sono certo che lo sarà (se sei già un adulto, come me).
E, naturalmente, ti lascio il link alla colonna sonora. Strepitosa.

Mixtape è disponibile su Xbox, PC tramite Steam ed Epic Store, PlayStation 5 e Nintendo Switch 2.

Vuoi chiacchierare e giocare con noi? Vienici a trovare sul nostro Server Discord e sul nostro Gruppo Telegram.

Nerdando in breve

Mixtape è un tuffo nell’adolescenza degli anni ’90.

Trailer

L'articolo Mixtape – L’adolescenza negli anni ’90 proviene da Nerdando.

Recensione

Allora, siediti che ti racconto una storia interessante. Però ascoltami bene, perché è lunga e complessa.
La creatività non consiste nell’inventare cose nuove.

Con oltre 7000 anni di storia, diciamocelo apertamente, è davvero davvero davvero incredibile pensare che si possa dare vita a qualcosa che non esisteva prima, che non era mai stato almeno pensato o teorizzato.
E spesso le origini sono così vecchie da affondare nelle nebbie dei secoli, basta vedere quanto abbiano anticipato e previsto e ispirato il nostro presente Leonardo da Vinci, Gene Roddenberry e George Lucas.

Dopotutto se, in informatica, si usa dire “evitare di reinventare la ruota” un motivo ci sarà.
Pare abbiamo recentemente trovato geroglifici che invitano a comprare un divano entro domenica.

Bene, ho tergiversato abbastanza.
Come dicevo: creatività non è inventare qualcosa di nuovo, ma dare vita a emozioni, sensazioni e combinazioni nuove.
Ci sono riusciti quei geni di Poncle con quel maledetto capolavoro di Vampire Survivor, vuoi che non fossero capaci di riuscirci una seconda volta?

Quante volte hai amato un gioco e nel provare il seguito ti sei trovato davanti una minestra riscaldata? Lo stesso gameplay e magari la stessa storia semplicemente un po’ rimaneggiata? O, incapaci di replicare la forza del primo, deludere cocentemente? Se vuoi un elenco ci occorrerà ben più di qualche minuto.

Veniamo quindi a Vampire Crawlers.
Non è un seguito, il gameplay cambia completamente, introduce meccaniche nuove e soprattutto mescola generi diversi con una rara alchimia che vien da chiedersi come sia possibile che giri tutto così bene.

Gameplay

In una frase: Poncle ha dato vita a un dungeon crawler con meccaniche di deck-building. E per farlo ha preso tutto l’universo che ha creato col titolo precedente e lo ha rimesso in campo con la stessa insana follia di fondo.
Sì, hai capito bene.

In pratica cambia la prospettiva, avvicinandosi enormemente a uno dei miei grandi amori di gioventì, Eye of the beholder, per quanto rigurada l’esplorazione degli ambienti.
Gli attacchi ai molti mostri, invece, avvengono tramite l’uso di “carte” che vengono raccolte al passaggio di livello, grazie all’accumulo di esperienza.

Le carte sono facilmente identificabili dal colore: rosso per carte di attacco, blu per la difesa, giallo per i buff, viola per i mana e così via.
La cosa che fa svoltare l’esperienza di gioco sono le combo. Le carte si fondono tra loro e possono essere giocate in ordine per ottenere effetti devastanti. Il gioco però non ti spiega nulla, lo imparerai poco per volta, run dopo run, e quando vedrai un’esplosione di luci e colori su schermo, capirai quanta soddisfazione è in grado di regalarti.

A questi poi si aggiungono relique, gemmer per potenziamenti, tarocchi (stranamente simili alle carte napoletane), crawler da sbloccare e un’infinità di altre chicche (molte inneggianti alla cultura italiana) tutte da scoprire che rendono il titolo praticamente giocabile all’infinito già ora, e nonostante questo è previsto un piano di rilasci successivi che lo arricchiranno ancor di più.

Comparto tecnico

Non facciamo finta di nulla, nelle prime partite giocherai in modo terribilmente ignorante. E va bene così.
Ci vuole un attimo per capire la profondità e le possibilità offerte dalle combo e che sparare tutte le carte a casaccio non è una buona idea.

Gli amanti del titolo precedente riconosceranno non solo personaggi iconici, come il barbaro Gennaro Belpaese o la maga Arca Ladonna, ma anche i mostri e gli ambienti, con una nuova prospettiva, che risplendono nella sempre romantica pixel art.
Bello, colorato, facilmente leggibile e impossibile da confondere con altri lavori. Il tutto accompagnato da una colonna sonora che fa il dover suo. Che vuoi di più?

Un’ultima nota per gli amanti degli obiettivi e trofei. Vampire Crawlers base contiene già di suo 161 obiettivi da sbloccare, quasi tutti da 5 e 10 punti. Personalmente ne ho sbloccati 40 in meno di due ore e senza andare a caccia di combinazioni speciali.
Insomma: capita facilmente che a fine partita arrivi la gragnola di notifiche, giusto per continuare la sana e robusta tradizione del buttare tutto in caciara.
Lo adoro. Lo adorerai.

A proposito di caciara, il titolo completo del gioco è: Vampire Crawlers: The Turbo Wildcard from Vampire Survivors.

Conclusioni

Se ancora ti stai chiedendo se dovresti comprarlo o no, sappi che è disponibile su abbonamento Game Pass, che ha un costo incredibilmente irrisorio e che ha la dannata brutta abitudine di farti gridare: ancora uno, un ultimo round e poi basta. Ok, solo ancora questo. Com’è che sono le due del mattino?

Vampire Crawlers è disponibile su Xbox, Steam, PlayStation 5 e Nintendo Switch (in futuro anche mobile) al prezzo di 9,99 Euro (sì, avete letto bene).
Ringrazio Poncle per il codice review.

Vuoi chiacchierare e giocare con noi? Vienici a trovare sul nostro Server Discord e sul nostro Gruppo Telegram.

Nerdando in breve

Vampire Crawlers è il dungeon crawler basato su meccaniche di deck building ambientato nel mondo di Vampire Survivors.

Trailer

L'articolo Vampire Crawlers – Ma il vampiro dov’è? proviene da Nerdando.

Recensione

Jack Pepper è un veterano di guerra. Disilluso dalla vita e che ha visto cose troppo brutte per poter ricominciare a crederci. Torna nella sua città natale per vestire prima i panni del poliziotto, poi, per avere le mani meno legate, diventa un investigatore privato. Dopotutto qui a Mouseburg una cosa che non manca mai è proprio il crimine.
Entri in scena proprio qui, quando una serie di misteriose sparizioni apriranno una voragine sul marcio che corrompe la città nel profondo.

Ad essere onesti, della trama non c’è molto di più: peccato perché un ambiente così ben congegnato e costruito avrebbe meritato e sicuramente consentito una maggiore dedizione alla scrittura. Invece il gioco si limita a scalfire un po’ la superficie dedicandosi quasi esclusivamente a un approccio frenetico e adrenalinico, il tutto marcato dall’ottimo doppiaggio inglese firmato dal sempre convincente Troy Baker.

Gameplay

MOUSE: P.I. For Hire è un FPS solido e ben strutturato, che richiama i classici del genere. Tutto sommato non dovrebbe nemmeno sorprendere vista la scelta stilistica.
Ripenso quindi a titoli che hanno fatto la storia dei first person shooter, come Doom, in cui si partiva un po’ in sordina e, man mano che si avanzava, la progressione dei livelli e dei nemici trasformava ben presto l’esperienza in un bullet hell ad altissimo tasso adrenalinico, dove le chiacchiere stanno a zero quando a parlare ci pensa il piombo.

MOUSE: P.I. For Hire è così: abbiamo la possibilità di scavare nelle quest secondarie, chiacchierando con i PNG e abbiamo persino un hub (il nostro ufficio) in cui tornare e ricollegare gli indizi. Non lasciarti ingannare, però, non è il palazzo mentale di quel capolavoro di Alan Wake 2, ma più un intermezzo in cui il titolo si gioca un po’ da solo prima di rituffarci nel prossimo livello carico di adrenalina e segreti da scovare.

In termine di progressione, devo dire che il level design è ottimo: come detto si parte in modo leggero, poco più di un corridor shooter con piccoli segreti e qualche minigame da sviscerare. Col passare del tempo, però, arrivano nuove armi, più platform, e un po’ di backtracking per scoprire tutto quel che i diversi livelli hanno da offrire, compresi molti segreti e tanti collezionabili.
Il punto è che alla fine il gioco intrattiene e diverte. E scusami se è poco.

Tra i molti collezionabili abbiamo un fumetto a strisce in perfetto stile dell’epoca.

Comparto tecnico

L’animazione “a tubo di gomma” (rubber hose) è la tipologia di animazione presente nei primi cartoni animati a schizzo di inchiostro, risalente alla metà degli anni ’30. Oltre al famosissimo Steamboat Willie (Disney, 1928), è lo stile dei cartoni di Betty Boop, Popeye e il Gatto Felix.
MOUSE: P.I. For Hire fa di questa animazione il suo marchio di fabbrica: linee curve prive di giunture, due colori e movimenti fluidi. Lo abbiamo già apprezzato, a colori, nel celebre Cuphead.

All’inizio abbiamo anche la possibilità di scegliere il livello di “sporcizia” della grana, sulla base di quanto vogliamo far apparire vecchia la “pellicola” della nostra esperienza.
Il risultato finale è un vero piacere per gli occhi. L’incredibile fascino del bianco e nero, evidenziato dalla citata rubber hose animation crea uno splendido connubio in cui i movimenti dei personaggi risultano piacevolmente fluidi.

Stessa cura è stata posta nelle ambientazioni e nei fondali: visiteremo, per la quindicina di ore necessarie a completare il gioco, numerosi ambienti diversi, come la citata Mouseburg, le fogne, teatri e set cinematografici, edifici in rovina e altro. Tutto disegnato in modo da far venire voglia di spazzolare in fretta le ondate nemiche e poi dedicarsi a godersi i dettagli splendidamente disegnati a mano.

Occorre spendere una parola sull’accompagnamento sonoro, che si fregia di effetti audio da cartoon simili a quelli di Cuphead, oltre a un sottofondo musicale d’epoca a ritmo di ottoni e pianoforte, dai chiari riferimenti e sonorità jazz.
Ho già citato Troy Baker, che sottolinea in modo convincente ed ironico le azioni del nostro eroe, ma anche gli altri attori non sono da meno: troverai personaggi che richiamano perfettamente lo stile crime anni ’30, il tutto in salsa “topesca”.

L’italiano è disponibile solo per i menù e i sottotitoli, ma posso dire di aver apprezzato le traduzioni che si sono dovute adattare, e l’hanno fatto bene, ai giochi di parole onnipresenti.

Il contrabbando di formaggio è molto redditizio, ma anche molto pericoloso

Conclusioni

MOUSE: P.I. For Hire non cambia lo scenario videoludico e non aggiunge nulla di nuovo sul piano del gameplay, tuttavia regala un’esperienza divertente che si fregia di un comparto tecnico solido e soprattutto di una splendida estetica vintage e che merita di essere goduta da tutti gli amanti del genere.

MOUSE: P.I. For Hire è disponibile su Xbox, PS5, Nintendo Switch 2 e PC via Steam.
Ringrazio Fumi Games per il codice review.

Vuoi chiacchierare e giocare con noi? Vienici a trovare sul nostro Server Discord e sul nostro Gruppo Telegram.

Nerdando in breve

MOUSE: P.I. For Hire è l’adrenalinico FPS che combina romanzi hard boiled e cartoni anni ’30.

Trailer

L'articolo MOUSE: P.I. For Hire – Cartoni e Pallottole proviene da Nerdando.

Appena uscito ma già abbondantemente spolpato, Resident Evil Requiem è ricco di easter egg tratti dai precedenti titoli della serie.
Ne ho raccolti cinque (più bonus) che mi hanno particolarmente divertito, ma sappi che sono molti, molti di più.

Ma attenzione: ci sono spoiler. Leggi solo se hai già giocato il titolo.

Sanguis Virginis

Una volta uscita dal centro di Cura, Grace entrerà nel lodge VIP alla ricerca delle chiavi dell’elicottero. All’interno del lounge dovremo risolvere un semplice puzzle per aprire la strada verso i sotterranei, ed è qui che appare la bottiglia di vino imbottigliata presso lo Chateau Dimitrescu.
Il riferimento a RE Village è più che evidente.

Il cappello di Jill Valentine

Uno dei momenti più emozionanti di Requiem vede Leon tornare là dove lo abbiamo incontrato per la prima volta (e infatti qui gli easter egg si moltiplicano). Ho scelto questo: esplorando l’ufficio STARS nel Police Department, è possibile trovare il cappello del costume originale di Jill Valentine (era anche un costume bonus di RE 3 remake).
Come detto, nel RCPD, troverai un sacco di easter egg: ti lascio un indizio. Vai a caccia di Mr Tofu!

Roulette

Torniamo nei panni di Grace, avrai notato la roulette? È nella stanza dei giochi e qui, spendendo le monete antiche, puoi sbloccare dei perk. Ebbene: se hai giocato abbastanza alla roulette, scoprirai che escono solo tre numeri: 7, 15 e 29. E se spari al numero che poi esce, ti appare un ulteriore moneta antica.

Analisi del sangue

Questa è una chicca che solo lo stile grafico arcaico poteva suggerire. Analizzando i campioni possiamo sbloccare ricette per Grace. Lo strumento, a video, riporta il nome: ANALYZER__Ver. 1.21.8991.
Leggilo al contrario: Gennaio, 21, 1998. L’anno di uscita di Resident Evil 2, in America.

Scassinare

C’è un trofeo dal nome sibillino: “come madre, tale figlia” che si sblocca la prima volta che scassiniamo una serratura con Grace. Il riferimento è alla protagonista di Resident Evil Outbreak, Alyssa Ashcroft, madre di Grace e alle sue abilità di scassinatrice, appunto.

Bonus

Ho promesso un bonus e non posso che dire che mi ha fatto saltare sulla sedia, non appena ho sentito pronunciare il nome. Il villain di Requiem è di per sé un easter egg: ricalca l’aspetto e i poteri di Albert Wesker, che compare in diversi episodi della serie e che tira le cuoia al termine di quinto capitolo.
Ma come si chiama questo figuro? Zeno.
Chissà se hanno solo dimenticato il “2k” o è un omaggio al me ragazzo ante millenium bug.

Vuoi chiacchierare e giocare con noi? Vienici a trovare sul nostro Server Discord e sul nostro Gruppo Telegram.

L'articolo Resident Evil Requiem – 5 Easter egg proviene da Nerdando.