Un cast che è una garanzia

Il giallo classico con una punta di umorismo

Ci sono alcuni film che ho conosciuto da bambina e, da allora, sono rimasti impressi nella mente così tanto che, appena ho occasione di riguardarli, riescono a prendermi sempre come fosse la prima volta.
Uno di questi è senz’altro Signori, il delitto è servito, uscito nel 1985 e di recente approdato nel catalogo italiano di Netflix.
Si tratta di un titolo che rientra nel mio personale Olimpo del cinema giallo umoristico insieme a Invito a cena con delitto, cui peraltro si ispira in parte (e, se non conosci quest’ultimo, ti invito a recuperarne la visione perché ti conquisterà!).
Cosa intendo per giallo umoristico? Bè, mi riferisco a quei film che ripercorrono l’impianto del giallo classico, alla Agatha Christie per intenderci, bilanciandolo sapientemente con una dose di ironia sottile e leggermente nosense. Il genere, riportato alla ribalta negli ultimi anni dalla trilogia di Knives Out, vanta in realtà ben pochi esemplari davvero riusciti e Signori, il delitto è servito si piazza orgogliosamente in pole position.

In principio fu un gioco da tavolo

Signori, il delitto è servito detiene un primato: è il primo film ad essere stato tratto da un gioco da tavolo. Il gioco in questione è Cluedo, popolarissimo titolo pubblicato dalla Parker Brothers nel 1948, oggi di proprietà di Hasbro e ancora saldamente in vetta tra i giochi da tavolo più apprezzati in tutto il mondo.
Cluedo era stato inventato da un musicista appassionato di gialli, l’inglese Anthony Pratt, che voleva riprodurre sotto forma di gioco l’atmosfera tipica dei gialli letterari e dare vita a una versione giocabile del più classico degli enigmi della stanza chiusa in cui fossero i giocatori e le giocatrici a calarsi nei panni dei detective.

Un’idea vincente, che ha fatto di Cluedo uno dei più redditizi prodotti del settore, ancora oggi declinato nelle più svariate versioni. Un successo che ha attirato l’attenzione anche del cinema: l’idea di trarre un film da un gioco da tavolo, nel 1985, poteva sembrare azzardata ma a raccogliere la sfida sono stati John Landis (The Blues Brothers, Animal House, Una poltrona per due e tanto tanto altro ancora) e Jonathan Lynn, che si occuperà anche della regia.
Nonostante una fase di sceneggiatura più complessa del previsto, Signori, il delitto è servito si è rivelato un gioiellino in grado di riprodurre le atmosfere del gioco di partenza ma, ahimè, terribilmente incompreso dai tempi: con incassi inferiori al budget stanziato, la pellicola è stata archiviata come flop per essere riscoperta solo in seguito come cult.
Ormai da diversi anni corre voce di un nuovo progetto cinematografico ispirato a Cluedo ma, per ora, tutto sembra in standby.

Un cast di stelle

Uno dei fiori all’occhiello di Signori, il delitto è servito è sicuramente il cast. A cominciare da Tim Curry, autentico mattatore della pellicola, frizzante protagonista in uno dei ruoli più riusciti della sua carriera (e in uno dei suoi film preferiti, stando alle dichiarazioni dell’attore). Tra i protagonisti, John Landis avrebbe voluto Carrie Fisher, costretta a rinunciare perché impegnata in un programma di disintossicazione. Chissà come sarebbe stato il film con lei… I nomi coinvolti, comunque, non la fanno rimpiangere: nel cast troviamo Christopher Lloyd (che nello stesso anno sarà anche il Doc di Ritorno al futuro), Eileen Brenner (che era stata anche tra i protagonisti di Invito a cena con delitto). e le stupende Lesley Ann Warren (Victor Victoria) e Madeline Kahn (Frankenstein Jr.).

Tre finali sono meglio di uno

La storia di Signori, il delitto è servito riproduce fedelmente la trama di Cluedo: alcuni personaggi che utilizzano uno pseudonimo sono riuniti in una villa isolata e dovranno risolvere un misterioso omicidio. Per chi, come me, ama il gioco da tavolo, è un vero piacere ritrovare le stesse stanze, gli stessi personaggi e le stesse potenziali armi del delitto del capostipite. Per amore di fedeltà, anche i due passaggi segreti presenti collegano esattamente le stesse stanze che uniscono nel tabellone del gioco e i personaggi guidano automobili del colore delle rispettive pedine.

Il colpo di genio definitivo, però, è nel finale. O, sarebbe meglio dire, nei finali. Per riprodurre al meglio le varie ipotesi che giocatori e giocatrici formulano nel gioco, John Landis e Jonathan Lynn decisero di girare tre diversi finali (che inizialmente dovevano essere addirittura quattro) e distribuirli nei cinema in maniera casuale. Ogni spettatore, quindi, poteva trovarsi davanti una conclusione diversa per l’indagine, senza conoscerla prima. Per la versione home video (la stessa che troviamo oggi su Netflix) i tre finali sono stati inseriti tutti in sequenza, separati da una scritta che recita “le cose sono andate così… Ma sarebbero potute andare anche in questo modo”. In questa versione, il film si rivela una surreale, comicissima divertente corsa a perdifiato alla scoperta della verità, ricca di giochi di parole e battute sottili da riscoprire a ogni nuova visione.

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Uno dei film più apprezzati di questa stagione al cinema

Si soffre il caldo, eh? Allora perché non provare a rinfrescarci con le uscite home video di Plaion e co. per agosto 2026?

Universal

È stata l’avventura galattica cinematografica dell’anno e adesso continua la propria ascesa anche in home video. Sto parlando di Super Mario Galaxy – Il Film, già disponibile in DVD, Blu-Ray, 4K UHD + Blu-Ray, Steelbook 4K UHD + blu-Ray e anche Collector’s Edition 4K UHD + Blu-Ray. In tutte le edizioni, anche oltre un’ora di contenuti extra speciali.

Uno dei biopic musicali più affascinanti dell’ultima stagione cinematografica si apre la sua strada in home video a partire dal 5 agosto. Michael, che racconta la storia di Michael Jackson con l’interpretazione di Jaafar Jackson, è in DVD, Blu-Ray e Steelbook 4K UHD + Blu-Ray.

Paramount

Per gli amanti della serialità, l’appuntamento da segnare in agenda questo mese è con Marshals: A Yellowstone Story – Stagione 1. L’apprezzato sequel arriva in DVD e Blu-Ray a partire dal 26 agosto.

E per rinfrescarci con un po’ di grandi classici, questo mese ci catapultiamo direttamente negli anni Ottanta con uno dei film polizieschi più famosi di sempre. Beverly Hills Cop, iconica commedia d’azione interpretata da Eddie Murphy, è disponibile dal 26 agosto in Steelbook 4K UHD + Blu-Ray.

E per continuare il nostro viaggio nel tempo, saltiamo negli anni Novanta con Sotto il segno del pericolo: tratto dai romanzi di Tom Clancy e interpretato da un Harrison Ford in grande spolvero, il film è disponibile dal 26 agosto in Steelbook 4K UHD + Blu-Ray.

Midnight Factory

Per il brand della paura sono due le uscite in questo caldissimo agosto. Si comincia da Non aprite quella porta – Ultimate Edition. L’intramontabile classico di Tobe Hopper torna in una nuova edizione Midnight Classics ricca di contenuti extra. Disponibile dal 26 agosto in Limited Edition 4K UHD + 5 Blu-Ray, con booklet , 4 card e 4 poster.

Ad agosto anche una delle favole più celebri di sempre si veste di horror. Pinocchio: Unstrung immagina il famoso burattino come una vera e propria icona horror ed è disponibile dal 26 agosto in Limited DVD e Steelcase Edition 4K UHD + Blu-Ray e booklet.

Anime Factory

Infine il brand dedicato all’animazione nipponica questo mese ci propone Millennium Actress, il capolavoro perduto di Satoshi Kon che arriva per la prima volta in 4K dopo il successo al cinema a partire dal 26 agosto. In occasione del 25° anniversario, disponibile in DVD, Limited Edition 4K UHD + Blu-Ray con booklet e card.

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Recensione

Sono uno di quei bambini cresciuti con Jurassic Park: nel 1993 avevo 8 anni e ricordo ancora benissimo l’attesa del film e lo stupore nella sua visione, e ancora oggi per me è uno dei film più belli di sempre. Quando mi sono seduto in sala per vedere La fine di Oak Street, film di David Robert Mitchell (It follows), sapevo dal trailer che ci sarebbero stati i dinosauri, ma devo dire che il film mi ha lasciato decisamente sorpreso! Scopriamolo assieme nella mia recensione, ovviamente SPOILER FREE.

Ringraziamo Warner Bros per averci invitati all’anteprima del film.

Trama

Siamo nei primi anni Ottanta. Denise (Anne Hathaway) e Greg (Ewan McGregor) Platt vivono a Oak Street insieme ai figli Audrey (Maisy Stella) e Brian (Christian Convery), una famiglia che presenta già qualche crepa prima ancora che accada qualcosa di inspiegabile. Dopo una festosa domenica pomeriggio nel quartiere di periferia americano, infatti, una misteriosa anomalia strappa via l’intera strada (o per meglio dire l’intero vicinato) dal mondo conosciuto, trasportandola in un luogo in cui gli esseri umani non occupano più esattamente la cima della catena alimentare.

Capire dove siano finiti diventa presto meno urgente del riuscire a sopravvivere, specie perché ci sono delle creature – dinosauri! – decisamente affamate che vagano per il nuovo territorio alla scoperta di spazzatura… e altri spuntini decisamente più freschi. Riuscirà la famiglia Platt a trovare un modo per venire a capo della situazione, mentre il quartiere diventa sempre meno amichevole?

Stile

La fine di Oak Street è un mix di generi e citazioni: spaziamo dall’horror “vecchio stile”, ossia più concentrato sull’osservare le reazioni dei protagonisti che non su elementi spaventosi o semplicemente “gore” – e non ti preoccupare, li troverai tutti – per mettere elementi quasi alla Goonies o in generale alle avventure che abbiamo imparato ad amare negli anni ’80 e ’90.

L’ambientazione anni Ottanta non sembra scelta solamente per riempire le case di oggetti vintage e togliere di mezzo gli smartphone, o per strappare un sorriso malinconico ai più grandicelli. Mitchell recupera soprattutto un modo di costruire il cinema fantastico: personaggi ordinari, tempi meno frenetici, pericoli scoperti insieme a chi guarda e una maggiore libertà nel passare dall’avventura alla paura. E sì, una sana dose di sospensione dell’incredulità.

Il paragone con Jurassic Park arriva praticamente da solo, ma è anche quello meno utile per capire La fine di Oak Street. I dinosauri di Mitchell sono animali enormi, imprevedibili e spaventosi, all’interno di un mondo nel quale sono gli esseri umani a essere improvvisamente fuori posto. Diciamo che se nel capolavoro di Spielberg magari in alcuni momenti abbiamo fatto “il tifo” per i dinosauri, qui non accadrà, affatto. Ho apprezzato molto inoltre la visione più visivamente “moderna” dei dinosauri, ossia meno “lucertoloni” e più allineati alle ultime scoperte scientifiche, come per esempio il piumaggio o la presenza di “pelo” (non so se è proprio corretto definirlo così!). Dettagli, ma belli.

Cast

Ormai la troviamo decisamente spesso nel 2026: la sempre brava Anne Hathaway tende ancora una freccia vincente col suo arco (sì, citazione voluta), diventando il motore emotivo del film che affronta il terrore senza preoccuparsi di risultare composta o elegante. La sua Denise è spaventata, furiosa e determinata, e proprio questa fisicità rende credibile gran parte della minaccia. Ewan McGregor le offre un contrappeso più disorientato e umano, mentre Maisy Stella riesce a dare ad Audrey qualcosa in più del consueto ruolo della figlia adolescente in conflitto con i genitori. Forse quello che ho trovato un po’ più “sciatto” è stato il piccolo Brian, forse meno caratterizzato di quanto avrebbe meritato, a differenza della sorella maggiore.

Per me la star in assoluto del film è Starbucks – ma lascerò a chi legge il piacere di scoprire di cosa sto parlando.

Come accennato su, la regia di David Robert Mitchell gioca molto con le stile delle avventure anni ’80, in alcuni momenti il film potrebbe quasi sembrare un film per famiglie, se non fosse decisamente spaventoso in alcuni momenti. Diciamo che non è un vero e proprio film horror, ma gioca molto sul confine sottile tra diverse sfumature della tensione. Chi ha visto It Follows riconoscerà il gusto di Mitchell per gli spazi apparentemente normali che diventano inquietanti senza cambiare davvero aspetto. La macchina da presa rimane spesso abbastanza a lungo da lasciarci osservare l’inquadratura, costringendoci a cercare il pericolo prima ancora che il film decida di mostrarcelo.

Ah, e si sente il tocco del caro J. J. Abrams, qui produttore della pellicola. Eccome se si sente!

Per quanto riguarda la colonna sonora, l’ormai onnipresente Michael Giacchino ci intrappola ancora una volta nella sua rete sonora (sì, anche questa è una citazione voluta), donandoci una colonna sonora ottima nel mantenere la tensione ai giusti livelli; oltre all’opera originale, il film è (giustamente) infarcito di pezzi anni ’80 che faranno felici tante persone.

Concludendo

La fine di Oak Street è un film che mi ha lasciato con quelli che i nostri colleghi oltreoceano definirebbero “mixed feelings”. Da un lato un film che ha intrattenuto e divertito, senza ombra di dubbio, e che mi ha fatto saltare sulla sedia un paio di volte – ma non troppe, da persona che non ama i film horror, non è stato assolutamente pesante. Di positivo ho sicuramente trovato un’ottima interpretazione del cast, una realizzazione accurata, e la voglia di omaggiare tutta una parte del cinema che forse oggi viene rappresentata un po’ meno, o comunque in maniera diversa.

D’altro canto però, a volte la situazione diventa eccessivamente confusionaria, alcune situazioni vengono gettate addosso al pubblico senza fornire nessun appiglio, e in alcuni passaggi la volontà di strappare una risata a chi guarda è forse un po’ forzata. Non volendo fare spoiler di alcun tipo non voglio entrare nei dettagli ma, ad esempio, anche alcune situazioni della famiglia Platt vengono gestite in maniera poco chiara, e forse senza il giusto approfondimento che sarebbe servito per comprendere meglio alcuni elementi.

La fine di Oak Street conserva l’anima di quei film che da bambini ti facevano nascondere dietro il divano continuando comunque a sbirciare. Non sono sicuro che ogni elemento trovi sempre il proprio posto e alcune scelte faranno sicuramente discutere, soprattutto nel finale. So però che il film mi ha sorpreso, divertito e in più di un’occasione messo genuinamente a disagio. Considerando quanti dinosauri abbiamo visto al cinema negli ultimi trent’anni, essere riusciti a renderli nuovamente imprevedibili è già un risultato notevole.

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Nerdando in breve

Una tranquilla strada americana finisce dove iniziano l’incubo e la preistoria: La fine di Oak Street è un’avventura familiare sorprendente e feroce, che riscopre il piacere di fare paura con i dinosauri.

Trailer

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Carrie, la donna più famosa del cinema horror

Ho sempre amato il cinema in ogni suo genere, ma ce n’è uno che mi ha scelta quando ero una bambina e non mi ha più lasciata andare.

Il mio primo horror è stato The Ring, visto di nascosto quando avevo sette anni. Una scelta probabilmente discutibile per una bambina così piccola, ma che ha avuto una conseguenza inevitabile: non ho più smesso. Anzi, con il passare degli anni ho iniziato a scavare sempre più a fondo, passando dai titoli più conosciuti a opere sempre più oscure, disturbanti e difficili da dimenticare.

La tana del Bianconiglio, in fondo, è molto più profonda di quanto sembri.

E proprio mentre pensavo a quanto ancora ci fosse da esplorare, un annuncio ha attirato la mia attenzione: Mike Flanagan, mio unico e solo Dio, porterà sul piccolo schermo una nuova versione di Carrie – Lo sguardo di Satana.

Non nascondo l’entusiasmo: tutto ciò che passa dalle mani di quell’uomo si trasforma in oro. Ma capiamoci, Carrie è un capolavoro dell’horror a prescindere da qualsiasi nuovo adattamento.

Del film di Brian De Palma si è parlato moltissimo. Si è analizzato il rapporto tra genitori e figli, il bullismo, il fanatismo religioso, il trauma adolescenziale. Tutto giusto, ma c’è un aspetto che secondo me spesso passa in secondo piano: in Carrie i personaggi che muovono davvero la storia sono donne.

Carrie, Margaret, Chris, e Sue sono il motore dell’intero film. Sono loro a compiere le scelte che determinano la tragedia finale. Sì, ok, Tommy è carino. Ma, a parte prendersi una secchiata in testa, cosa combina?

Il conflitto, il sangue, la tragedia… tutta una faccenda femminile.

Ed è proprio qui che ho iniziato a pensare che forse l’horror sia molto più femminista di quanto siamo abituati a pensare.

L’horror non si limita a mostrarci come vittime. Certo, la vittima è una figura fondamentale del genere, ma non è l’unica. Ci sono madri, figlie, mogli, amanti, sopravvissute e carnefici. Ci sono donne spezzate dal trauma e donne che trasformano quel trauma in qualcosa di distruttivo.

È quasi ironico pensare che un genere costruito spesso sull’impossibile e sul soprannaturale riesca a raccontare con così tante sfumature qualcosa di profondamente umano. 

Carrie – Lo sguardo di Satana, Brian De Palma, 1976

Carrie

Prima ancora di essere una ragazza con poteri telecinetici, Carrie è una vittima.

È una giovane donna cresciuta in un ambiente che non le permette di esistere davvero: a scuola viene umiliata, mentre a casa è oppressa da una madre incapace di distinguere la fede dalla crudeltà. Cresce convinta che il suo corpo sia una colpa, che essere donna significhi peccare e che ogni desiderio debba essere represso.

Possiamo dare a Margaret il premio Anna Maria Franzoni? Grazie.

La tragedia di Carrie nasce proprio da questo: non è un mostro nato dal nulla, ma lo diventa agli occhi degli altri nel momento in cui decide di smettere di subire.

Sinceramente credo che pure il Dalai Lama, dopo anni di quel trattamento, avrebbe sbroccato come lei. 

Dietro il sorriso di Asami si nasconde molto più di quanto sembri

Audition

Con Audition, Takashi Miike costruisce uno dei ribaltamenti più belli del cinema horror.

All’inizio sembra che la storia appartenga a Shigeharu: un uomo che, rimasto vedovo, organizza un finto provino per trovare la compagna perfetta. Perché chiaramente partecipare a Uomini e Donne sarebbe stato troppo semplice.

Asami sembra incarnare proprio questo ideale: bella, gentile, educata, fragile. La classica ragazza da proteggere. La mia bimba bellissima, posso abbracciarti? Piangiamo insieme e poi ci vendichiamo dei Gianpirli che abbiamo conosciuto.

Ma è proprio qui che quel pazzo geniale di Miike ribalta tutto. Per gran parte del film guardiamo Asami attraverso gli occhi di Shigeharu, finendo anche noi per vedere la donna perfetta che lui desidera vedere. Poi, lentamente, quella maschera si sgretola e ci costringe a rimettere in discussione tutto ciò che credevamo di sapere su di lei.

Dietro quell’apparente fragilità si nasconde una donna segnata dal dolore e dagli abusi, che rifiuta di essere ancora una volta l’oggetto dello sguardo maschile. E, sinceramente, la si ama proprio per questo. Anche dopo aver visto cosa serve agli ospiti nella ciotola del cane.

Chi è davvero il mostro in The Woman?

The Woman

Mio grande trauma.

Film bellissimo, non fraintendermi. Ma quando l’ho visto mi ha trasmesso la stessa angoscia che provavo da piccola dopo aver visto Io non ho paura e piangevo ogni volta che dovevo scendere in garage.

Già mi immagino a scegliere le immagini per questo articolo con gli occhi chiusi.

Qui troviamo una famiglia: padre Giancazzo, madre completamente succube, due figlie e un figlio. E un cane che… va beh. Non voglio nemmeno pensarci.

A questa famiglia del Mulino Bianco si aggiunge una nuova presenza: una donna selvaggia e cannibale che il padre ha trovato durante una battuta di caccia e ha pensato bene di stordire, rapire e incatenare per addomesticarla.

Dopotutto, cosa potrebbe mai andare storto?

Te lo dico io, tutto. Ma che goduria vederla riprendersi la libertà.

In questo tipo di film, la donna dovrebbe essere il mostro. Un essere violento, pericoloso, qualcosa di cui avere paura, da cui scappare. The Woman, invece, ribalta completamente la prospettiva: il vero orrore non è la creatura selvaggia rinchiusa in cantina, ma l’uomo convinto di poter giocare a fare Dio senza conseguenze. 

Elisabeth e Sue, due facce della stessa ossessione

The Substance

Qui il corpo femminile diventa un prodotto, qualcosa da migliorare, modificare e controllare.

L’ossessione per la giovinezza e per la perfezione trasforma Elisabeth in una prigioniera della propria immagine. Il body horror diventa così il mezzo per raccontare qualcosa di estremamente reale: la pressione costante esercitata sulle donne affinché siano sempre giovani, belle e desiderabili.

Elisabeth non perde valore perché è invecchiata, ma perché una società intera che le ha insegnato che, superata una certa età, non ha più niente da offrire.

Che poi io ci metterei la firma per invecchiare come Demi Moore, ma queste sono piccolezze.

E poi c’è Sue, giovane, bella e apparentemente perfetta. Anche lei, però, è vittima dello stesso meccanismo.

Non importa quanti anni tu abbia o quanto tu sia vicina all’ideale di perfezione, se sei una donna non sei mai abbastanza. E quindi tanto vale trasformarsi in un mostro degno di Society e traumatizzare tutti, che forse era la soluzione fin dall’inizio.

Laura prima che il suo corpo inizi a riflettere il suo dolore interiore

Thanatomorphose

Che dire, i canadesi sanno quello che fanno.

Ci sono film horror in cui il corpo viene distrutto da un mostro, da un virus o da una maledizione. In Thanatomorphose, invece, la protagonista è talmente tanto morta dentro che inizia a decomporsi anche fuori.

Laura conduce un’esistenza vuota, intrappolata in una relazione tossica e incapace di trovare un senso alla propria vita. La sua decomposizione non è soltanto un esercizio di body horror estremo: è la manifestazione fisica di un dolore che la sta consumando molto prima che compaiano i primi segni sul suo corpo.

Ed è proprio qui che il film dimostra quanto l’horror sappia raccontare la figura femminile in modo diverso rispetto ad altri generi.

Laura non è un’eroina, non è una final girl e non è nemmeno una classica vittima in attesa di essere salvata. Non combatte, non cerca vendetta e non si ribella.

È una donna divorata dall’apatia, dalla solitudine e dall’incapacità di reagire, fino a quando il suo stato d’animo diventa qualcosa di tangibile.

 Conclusione

Le donne nell’horror non sono mai state soltanto vittime in attesa di essere salvate.

Sono madri distruttive, ragazze arrabbiate, sopravvissute, mostri, carnefici e persone spezzate.

Ed è forse proprio questo il motivo per cui continuo ad amare così tanto il genere, perché riesce sempre a raccontare qualcosa di profondamente umano. A volte persino più di molti film che, sulla carta, dovrebbero farlo.

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In redazione ci piace dare continuità: Tencar recensisce i manuali di D&D, Clack le ultime uscite letterarie, Zeno2k gli Assassin’s Creed e io… vedo Spider-Man in anteprima! Ed è con grande trepidazione, come si può immaginare, che mi accingo a raccontare tutto ciò che ho provato durante l’anteprima dell’attesissimo Spider-Man: Brand New Day, quarto capitolo della saga dell’Uomo Ragno interpretato dal sempre ottimo Tom Holland, affiancato da Zendaya e sotto l’attenta regia di Destin Daniel Cretton.

L’hype è a mille, spinto anche dagli accattivanti trailer usciti negli ultimi mesi e anche dalla simpatica campagna con protagonista Francesco “Er Pupone” Totti alle prese con la perdita della sua identità, proprio come sappiamo essere successo al povero Peter Parker alla fine del precedente film, No Way Home. Le aspettative saranno soddisfatte? Vieni a scoprirlo con me nella mia recensione totalmente SPOILER FREE di Spider-Man: Brand New Day!

Recensione

Come dicevo, alla fine del precedente film il mondo intero si è scordato di Peter Parker. Chi è Peter Parker, allora? Peter è un giovane uomo in un periodo complesso, totalmente dedito alla lotta al crimine, senza più gli amici di un tempo (MJ e Ned), senza Zia May, e senza che i suoi “colleghi” supereroi sappiano chi si nasconda dietro le tele del ragno. Come è facile immaginare, la situazione è decisamente stressante per il nostro protagonista, che si trova quindi alle prese con tanti cambiamenti, il più importante dei quali avviene a livello fisico (e non solo). Vediamo infatti come “il ragno” si impossessa sempre più di Peter, che inizia quasi ad avere problemi nel ricordarsi chi è, e perché fa quello che fa ogni volta che indossa il costume.

Ma non c’è solo il cambiamento di Peter sullo schermo durante Spider-Man: Brand New Day. Perché nuovi (o vecchi?) nemici sono dietro l’angolo, letteralmente “nascosti ovunque”, e a volte le situazioni si ribalteranno in maniera totalmente imprevista, così come la formazione di improbabili alleanze può portare risultati inaspettati.

Un film di passaggio e trasformazione quindi, che ci farà entrare nell’età adulta di Spider-Man e di Peter Parker. Come riuscirà a sbrogliare la tela (del ragno) questa volta? E quali saranno gli effetti sul mondo che conosciamo? E qual è la minaccia invisibile che scuote profondamente la New York tanto amata dal nostro amichevole ragno di quartiere?

Cast

Ormai lo sappiamo: la coppia Zendaya/Tom Holland non ne sbaglia una, e dopo The Odyssey, anche in questo film la chimica è alle stelle – sarà anche per questo che sono felicemente innamorati e sposati? Penso che sia bellissimo condividere amore, passione e lavoro! Il nostro mitico Jacob Batalon è sempre un grande Ned, ma anche questa volta lo schermo è pieno di stelle incredibili. Partendo dall’ottimo Mark Ruffalo che torna a vestire (?) i panni di Hulk, passiamo per il sempre frizzante Jon Bernthal nelle vesti del Punitore (a proposito, consiglio di recuperare One Last Kill su Disney+) che sviluppa un’interessante relazione con Spider-Man in questo film, per poi arrivare alla strepitosa performance di Sadie Sink nei panni di… ehi, ho detto che qui non ci sono spoiler!

Passando invece al regista: Destin Daniel Cretton, dopo gli interessanti Shang-Chi e la leggenda dei Dieci Anelli e Wonder Man, vuole continuare a essere protagonista del MCU “dall’altro lato del costume”, ed effettivamente in questo film riesce a mantenere un ottimo equilibrio tra i momenti più delicati e toccanti, e le classiche gag che rendono le storie di Spider-Man sempre divertenti, ma senza esagerare. Sempre evocative ed epiche le colonne sonore, orchestrate dal fantastico Micheal Giacchino, che ormai accompagna da tempo le gesta su schermo della Marvel in maniera impeccabile e, soprattutto, memorabile.

E infine una menzione d’onore per New York, vera “co-protagonista” di questo film, con una fotografia e un’immersione tra i suoi palazzi davvero degne di nota.

Concludendo

Spider-Man: Brand New Day è un film che mi è piaciuto davvero tanto. Più adulto, più “cupo”, con alcune sequenze che rappresentano una novità per la saga; c’è stata voglia di andare “oltre” all’aspetto un po’ adolescenziale degli scorsi film e di far vedere come Peter Parker deve affrontare alcuni cambiamenti. Mi sono piaciuti attrici e attori, mi è piaciuta la regia, mi è piaciuta la fotografia, e mi è piaciuto non rovinarmi alcune sorprese arrivando “intonso” in sala.

Come al solito, c’è da chiedersi come questo nuovo capitolo di Spider-Man si colloca all’interno del MCU, specie in vista di ciò che sappiamo circa Avengers: Doomsday e le sue peculiarità. Devo comunque ammettere che, saggiamente, il confine è sempre più labile, vista anche la presenza di Hulk e The Punisher, nonché per la presenza forte di Kevin Feige, produttore anche di questo titolo. Insomma, c’è tanto che bolle in pentola, e i prossimi mesi saranno decisamene croccanti.

E noi saremo qui per raccontarlo!

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Nerdando in breve

Spider-Man: Brand New Day ci porta nuovamente a scoprire cosa il destino sta riservando a Peter Parker: Spider-Man è sempre più “Spider” o è ancora “Man“?

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Io questa estate sto davvero boccheggiando come non mai: ho proprio bisogno del #NerdandoConsiglia di Luglio 2026 per una boccata di freschezza!

Magic Five!

Cavaliere: Si tratta del gioco da tavolo da due a quattro persone adatto a tutti, e perfetto per l’estate, anche grazie a partite che durano una ventina di minuti e prezzo basso. Lo scopo è quello di indovinare i cinque numeri sulle tessere che si hanno davanti a sé tra le sessanta totali. Non mi dilungo, visto che ho scritto una recensione approfondita su Magic Five!, pubblicato in Italia da Ghenos.

Project Hail Mary

Cavaliere: Fin da subito mi aveva interessato, quindi l’ho visto su Prime Video non appena mi è tornata la linea, ma questa è un’altra storia!

Se ti piacciono la fantascienza e il focus sui personaggi devi assolutamente vedere questo film. Sono contento che sia stato uno dei maggiori incassi della prima metà del 2026 perché è sempre bello quando il pubblico premia prodotti di qualità.

L’unico difetto? L’ultima missione: Project Hail Mary è il classico titolo all’italiana, visto che si poteva benissimo lasciare quello originale!

Dr. Stone

Cavaliere: Questo anime, iniziato nel 2019, si è concluso a fine giugno! Si tratta di una delle primissime serie su Crunchyroll ad incuriosirmi, grazie alla premessa.

Un raggio di luce si propaga su tutta la Terra e pietrifica l’umanità. Più di tremila anni dopo, Senku si risveglia e, in quanto giovane scienziato, sa come ridare il via alla civiltà.

Ho trovato Dr. Stone molto carino soprattutto se si apprezza la scienza, ma devi essere consapevole che si tratta sempre di un prodotto pop e non di un documentario! Mi ha intrattenuto per tutte le stagioni, disponibili doppiate anche in italiano su Crunchyroll.

La libreria dei gatti neri

Kiarakala: Piergiorgio Pulixi è riuscito con il suo libraio Montecristo a fare qualcosa che non mi accadeva da un po’: non riuscire a smettere di leggere un libro e divorarlo capitolo dopo capitolo con avidità. La Libreria dei Gatti Neri è un romanzo giallo che tiene col fiato sospeso: una serie di omicidi commessi da un serial killer che segue uno schema preciso e un gruppo di lettori, amanti dei romanzi gialli, che sfrutta la propria conoscenza delle menti criminali della fiction per sbrogliare la matassa e scoprire il colpevole. Un protagonista che rimane subito impresso nel cuore grazie alla sua dolcezza verso le persone care e al modo burbero con cui tratta i clienti “idioti” che entrano nel suo negozio.

Una lettura scorrevole e appassionante in cui non mancano momenti comici, ma anche estremamente commoventi. Lettura straconsigliata per l’estate agli amanti del genere e non, e a chi ha voglia di scoprire una Cagliari ricca di mistero.

Pokémon Pokopia

Kiarakala: Pokémon Pokopia è la combinazione perfetta tra Pokémon, Animal Crossing e Minecraft e pertanto non potevo non innamorarmene e non diventarne praticamente dipendente.

In un mondo devastato dove non ci sono più umani, toccherà a noi, nei panni di un buffo Ditto umanoide, ricostruire tutto e lo faremo insieme ai nuovi amici Pokémon che incontreremo per scoprire insieme che cosa è successo al mondo e agli allenatori.

La creatività nella costruzione di edifici e habitat rende il gioco sempre stimolante, così come le missioni principali e la possibilità di esplorare varie città man mano che si prosegue, ampliando così le attività da fare ogni volta che si avvia il gioco. Come nei classici giochi Pokémon, anche qui vale “l’acchiappali tutti”, ma senza Poké Ball; infatti, creando habitat specifici, potremmo incontrare e registrare nel Pokédex nuovi Pokémon e sbloccare anche nuove abilità.

Insomma, Pokémon Pokopia è riuscito a farmi emozionare come un tempo facevano i vecchi capitoli del brand, ma dandomi tante novità e, soprattutto, un gioco super chill e divertente con cui passare l’estate.

The Odyssey

Djando: Su questo film si è detto di tutto di più e lo abbiamo recensito con cura. Come già suggerito nel nostro articolo sui pareri riguardo l’opera di Nolan, il mio suggerimento è di andare a vederlo e farti un’idea tua. Il resto, è solo rumore.

Finché morte non ci separi

Tencar: L’estate, per me, vuol dire horror e, spesso, significa anche recuperare pellicole che ho perso negli scorsi anni. Grazie a Disney+, mi sono goduto Finché morte non ci separi, film del 2019 che mi ha visto partire prevenuto ma ha saputo conquistarmi grazie al suo essere volutamente esagerato.

Voglio gustarmi anche il seguito, disponibile sulla stessa piattaforma.

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L'articolo #NerdandoConsiglia: Luglio 2026 proviene da Nerdando.

Dopo il parere in anteprima di Hardcase (lo trovi qui), una parte della redazione ha voluto confrontarsi sul film del momento: Odissea di Christopher Nolan. Ecco i loro pareri!

Morgana

Quando ero piccola amavo i miti greci. Gli dei, gli eroi, le creature magiche, le avventure impossibili… Poi sono cresciuta, ho studiato la storia, ho riflettuto e ho capito che, in realtà, gli antichi greci erano aggressivi, prepotenti, violenti, oppressivi. Anche i loro dei, più che modelli da seguire, sembravano incarnare e amplificare i peggiori difetti umani. La rilettura dei miti ha così acquistato un significato diverso: ho percepito la misoginia e la brutalità che da piccola mi sfuggivano.

Nolan tutto questo non te lo manda a dire. La sua Odissea e i suoi greci sono ben lontani dall’epicità che studiavamo a scuola.

L’Odissea di Nolan è sporca, meschina, brutale, gore. L’Odissea di Nolan è umana. Ti mette davanti alla natura dell’uomo e a ciò che la guerra riesce a farne. Il suo Ulisse non è un eroe: è un uomo che soffre, sbaglia, ferisce, sceglie, e nessuna scelta resta impunita. La sua astuzia perde la nobiltà della virtù che abbiamo studiato a scuola e diventa un mero strumento di sopravvivenza.

Quello che mi ha colpita più di tutto è che Nolan non distrugge il mito, ma gli toglie la patina e mostra quello che c’è sotto: persone fragili, consumate, spaventate. Circe, Menelao, Sinone, Penelope e Antinoo sono il nostro specchio, ora come allora. È anche per questo che, dopo secoli e secoli, l’Odissea continua a parlarci.

Le polemiche sul film “woke” mi sembrano sterili e ridicole. Ormai basta vedere un attore non bianco, una donna con un ruolo centrale o una scelta che rompe un immaginario occidentale costruito intorno all’uomo bianco, eterosessuale e cisgender, e improvvisamente si grida al tradimento. Ma tradimento di cosa?

Ha davvero senso invocare la fedeltà assoluta per un’opera nata all’interno di una tradizione orale, rimaneggiata nei secoli e arrivata fino a noi attraverso traduzioni che richiedono inevitabilmente di interpretare una lingua antica e complessa? La presunta accuratezza diventa un problema soprattutto quando viene usata per stabilire chi possa avere il diritto di occupare il centro della narrazione.

Per questo la polemica non è soltanto inutile, ma anche profondamente razzista: trasforma la presenza di corpi non bianchi in una provocazione politica, come se la loro esistenza sullo schermo avesse sempre bisogno di una giustificazione. E finisce per parlare molto meno del film che dello sguardo di chi lo rifiuta.

In conclusione, l’Odissea di Christopher Nolan mi è piaciuta da morire, ma è uno di quei film che ti travolgono più di quanto ti conquistino. Sono uscita dalla sala sconvolta, svuotata, quasi sotto shock. L’ho trovato meraviglioso nella sua cupezza e nella capacità di non concedere tregua né conforto, complice una colonna sonora martellante come il battito di un cuore. Non credo che avrò mai voglia di rivederlo: per me è stata un’esperienza-schiaffo, da vivere una volta e basta.

Gattiveria

La capacità di trascinare al cinema con kolossal da 173 minuti e recuperare in 3 giorni gli incassi dimostra una volta di più quanto l’opera di Nolan sia grandiosa. Un capolavoro di montaggio, interpretazione e regia che, aldilà di tutto, ha restituito all’Odissea il valore che merita.

Djando

Partiamo dalla fine: l’Odissea di Nolan mi è piaciuta, tantissimo. Un film duro, sporco, che forse non rivedrò a stretto giro ma che rappresenta una lettura più moderna del classico dell’epica che ci parla in maniera attuale di tanti argomenti su cui riflettere. Ulisse non è più lo scaltro, il “curioso” fine a sé stesso, ma è un uomo che vive in uno stato d’animo più attuale di quanto Omero ci ha raccontato. E ha senso, altroché. Gli dei aleggiano attorno alla storia, ma alla fine sono protagoniste le emozioni più umane che ci siano.

Le polemiche che hanno preceduto l’uscita del film? Inutili e sterili, basate come al solito su rumors incontrollati che, secondo me, sono davvero uno dei mali del nostro presente. Ho sentito di tutto, incluse persone già pronte a restare deluse sulla base di ciò che sentivano in giro, o di voci su “attore X che fa personaggio Y, attrice W che interpreta Z”, che poi al momento della visione hanno (intelligentemente) smesso di applicare filtri e hanno goduto di un film importante, ben fatto, sicuramente non privo di qualche difetto, ma quale film non ne ha?

Nolan ha fatto di nuovo centro, le attrici e gli attori scelti sono stati tutti all’altezza delle aspettative, la narrativa del regista è stata rispettata e ho apprezzato anche le scelte visive più particolari, che mi hanno ricordato il buon Kojima in alcuni momenti – uno fra tutti, l’elmo di Agamennone con le vertebre dorate sul retro, che sapeva di Death Stranding come non mai. Mi sta bene la visione personale di Nolan e mi sta anche bene che ci siano elementi diversi e particolari: stiamo parlando di un fantasy, tramandato oralmente, cosa c’è di male se ci si inserisce del proprio?

jedi.lord

L’Odissea mi accompagna da decenni: fu una VHS, non ricordo neanche di quale collana per bambini, che mi fece conoscere l’astuto Ulisse e le sue assurde peripezie per tornare nella sua Itaca. La consumai, quella videocassetta.

E poi, da lì, per tutta la vita, sia a scuola che non, l’Odissea c’è sempre stata in tantissime riproposizioni, parodie, citazioni e suggestioni, e l’ho sempre preferita all’Iliade, che per il mio cuore non ha mai avuto quella stessa intimità avventurosa, quel senso di sfida al destino e quel gusto così meravigliosamente dark: d’altronde se da bambino vedi Polifemo, Tiresia nell’Ade e Scilla e Cariddi, molto difficilmente te ne dimentichi.

Nonostante ciò, non sono un purista, né un classicista di alcun tipo e non urlo al sacrilegio se un adattamento non è la copia perfetta: d’altronde l’originale (che poi, possiamo discuterne, su cosa sia l’originale) è sempre lì a disposizione e penso che tra altri 3000 anni sarà ancora lì a far parlare di sé. L’importante, per me, è che devi essere coerente con quella che è la tua visione, e quella di Nolan è perfettamente coerente a sé stessa.

Ammetto che sono arrivato al cinema ricolmo di aspettative – perché, comunque sia, a me Nolan piace – e che bello è stato uscire dalla sala felice, gasato e sazio di un’opera che già dal mero punto di vista estetico – audio e video – ti fa capire perché il cinema è così magico?

Sì, l’Odissea di Nolan mi è piaciuta moltissimo, e l’ho trovata un’opera allo stesso tempo rispettosa a modo suo del materiale di partenza e felice di fornire però un altro punto di vista che nel poema proprio non c’è, il tutto in modo armonioso, con quell’estetica sudicia e con una tensione costante che ti tiene sul chi va là per tre ore, anche se sai già cosa accadrà.

Ne parlo da una settimana: mi è piaciuta a QUEL livello. Poi comincerò anche a pensare ai difetti, ma era tanto che non mi godevo così tanto un film in sala, e va bene così.

Delle polemiche precedenti all’uscita neanche voglio parlarne, perché a mio avviso il film le ha spente come cerini sotto la pioggia. Ottimo il cast, belle le scene artigianali, le musiche sono fuori di testa, pure il famoso “colpo di scena”, da panico Agamennone. E i Lestrigoni. E Circe. Ok, direi che la smetto, sennò salgo in macchina e torno al cinema.

Vai al cinema, guardalo e poi fatti la tua idea senza ascoltare nessuno, neanche noi: l’Odissea è un qualcosa che devi vivere, e poi potrai effettivamente scoprire cosa significa per te.

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L'articolo Odissea – I pareri della redazione proviene da Nerdando.

La “Casa” più famosa, quella del primo capitolo di Evil Dead

Nessun posto è come casa

Complice il fatto che sto riguardando Hill House con il mio ragazzo e che in questi giorni è uscito al cinema un nuovo film de La Casa, mi sono resa conto di una cosa: nei miei horror preferiti il personaggio più interessante non è mai il protagonista, killer o vittima che sia. È la casa.

Hai presente Ju-On, no? Quello giapponese ovviamente, quello americano facciamo finta sia stato un brutto sogno collettivo. Pensiamo ai personaggi di quel film: Kayako, che non vede un parrucchiere da anni ma ha comunque dei capelli migliori dei miei; Toshio, pallido e inquietante, che non devi confondere con il bambino di Scary Movie; e soprattutto la casa, che ha più potere decisionale di un adolescente che vive con i suoi.
Nel corso del film le famiglie cambiano, il tempo scorre, ma la casa rimane sempre fedele a se stessa. Resta lì, immobile, aspettando semplicemente che qualcuno apra la porta. E quando succede, rigurgita tutto quello che ha ingoiato.

Ha memoria, non come la nostra, ma una memoria muscolare: ricorda anche quando vorrebbe solo dimenticare.

In Ju-on, la protagonista aveva problemi a dormire

Pareti inquietanti

La Casa di Raimi funziona allo stesso modo: non è una semplice baita nel bosco, è un vero e proprio corpo. Le pareti sudano, il pavimento si apre come una bocca, i rami degli alberi ti afferrano…
E poi Hill House. Dio, Hill House. Mike Flanagan potrebbe dirigere la mia intera esistenza, e probabilmente la mia vita starebbe comunque andando a rotoli ma in modo estremamente poetico.
In questa serie la casa non ospita semplicemente una famiglia, ma se la mangia poco alla volta, fisicamente e psicologicamente.

La Stanza Rossa non è solo una stanza, ma è il cuore pulsante della casa. Un cuore che batte in maniera diversa per ognuno, perché la casa ti conosce meglio di chiunque altro e sa perfettamente cosa serve per farti a pezzi.

Più ci penso e più mi sembra che le case dell’horror abbiano qualcosa di profondamente umano.

Una casa, in fondo, è il posto in cui succede tutta la nostra vita. Ti chiudi in bagno a piangere sperando che le lacrime si confondano con l’acqua della doccia. Litighi in cucina perché è l’unica stanza in cui, prima o poi, tutta la famiglia finisce per ritrovarsi. Ti addormenti sul divano dopo una giornata infinita. Fai l’amore. Festeggi un compleanno. Ricevi una telefonata che ti cambia la vita.
E, qualche volta, ci muori.

Ecco Hill House

Uno specchio oscuro

Forse è per questo che ogni stanza finisce per assomigliare a chi la vive: la cantina si riempie di quello che non vuoi affrontare, la soffitta diventa il posto in cui ammassi i ricordi che fanno troppo male per stare davanti ai tuoi occhi. Gli angoli bui sono complici delle tue emozioni quotidiane, assorbono tutto e ti osservano mentre la vita ti passa accanto.

Questa notte, dopo l’ennesimo episodio di Hill House, mi sono alzata per bere un bicchiere d’acqua. Erano le 2 passate, la casa era completamente buia e mi è venuto in mente un pensiero che potrebbe anche sembrare una stronzata: queste mura sanno tutto di me. Mi hanno vista ridere da sola e piangere per ore. Mi hanno vista arrabbiarmi, festeggiare, restare in silenzio guardando il soffitto per non pensare a nulla. Mi conoscono meglio di chiunque altro, ma io cosa so di loro?

Forse è questo il motivo per cui le case dell’horror continuano a farci paura: ci costringono a guardare con sospetto il luogo in cui dovremmo sentirci al sicuro. Finché continueremo a vivere tra quattro mura, continueremo anche a chiederci se tutto quello che hanno visto di noi sia rimasto davvero un segreto solo nostro.

Dormi sereno questa notte, e se senti un rumore provenire dal corridoio, non pensare che sia la casa che si assesta. Probabilmente si è soltanto girata per guardarti meglio.

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L'articolo Casa dolce casa ma non troppo proviene da Nerdando.

“Qualcosa la troverai nel tuo spirito,
qualcos’altro un dio te la suggerirà.”
Omero – Odissea – Libro III

Recensione

AVVERTENZA: A un film come questo ci si può approcciare in tanti modi diversi, perché questa, come pochissime altre, è un’opera potenzialmente capace di farci viaggiare nel tempo e nello spazio.
Nei giorni e nelle settimane precedenti, si è fatto un gran parlare di casting, di location, di armature scintillanti e di filologia in generale, con critiche che hanno sfiorato il parossismo.
Nel vedere questo film, però, io ho scelto di ignorare qualunque preconcetto, per giudicare l’opera per quello che realmente è e non per quello che avrebbe potuto essere. Uno sforzo non indifferente, visto il mio attaccamento all’opera di Omero.
Quello che segue, dunque, è solo un condensato delle emozioni che il film è riuscito a trasmettermi.

Storia di un (non) eroe

A schermo spento e titoli di coda in corso, mi alzo dalla sedia e mi guardo attorno. Sono stordito, lo ammetto.

Nelle mie orecchie risuona ancora la voce dell’aedo che ha dato inizio e fine al film. Vorrei tirare le somme e confessare a me stesso le sensazioni che mi ha lasciato dentro, ma è impossibile farlo “a caldo”. È un film troppo complesso e capisco di dover lasciar depositare sul fondo della mia mente il mare magnum di suoni, voci e personaggi che hanno alimentato le ultime tre ore della mia vita.

La storia che ho visto scorrere sullo schermo è più o meno quella che tutti conosciamo e sulla quale non mi dilungherò più di tanto.
Certo Nolan si è preso le sue licenze, ha tagliato alcune parti, tra cui quella centrale incardinata sulle figure di Alcinoo e Nausicaa, ma, di fondo, le gesta di Ulisse sono esattamente quelle che abbiamo conosciuto sin dalla nostra infanzia. Di fargliene una colpa, non me la sento, in fondo: condensare un’opera così maestosa in tre ore di film imponeva sacrifici e compromessi innegabili.
E, allora, l’unica è lasciare da parte la storia in sé e concentrarsi sul modo in cui ogni cosa è stata rappresentata e, soprattutto, sull’interpretazione che il regista ha voluto dare al suo eroe.

Perché sia chiara una cosa, l’Odissea, nella sua sapiente miscela di dramma e avventura, è un’opera ricca e complessa come poche altre e il suo personaggio principale è talmente sfaccettato da poter essere potenzialmente oggetto di “letture” personali anche diametralmente opposte tra loro.

C’è chi in Ulisse ha visto l’emblema stesso dell’uomo attaccato alla famiglia, chi ha visto in lui il modello dell’eroe classico, senza macchia e senza paura. C’è, infine, chi, come me, ha da sempre considerato Ulisse come l’archetipo della scoperta e della ricerca della conoscenza.
Nolan, invece, sceglie un’altra via.

Addio al multiforme indegno

Nel descrivere le peripezie dell’eroe omerico, Nolan calca la mano sul Destino avverso, quello manovrato, dietro le quinte, dagli dei capricciosi, e trasforma il suo calvario in una sorta di espiazione che lo porta a rivedere totalmente le sue convinzioni iniziali.

In quest’ottica, per l’Ulisse pentito, l’astuzia del cavallo di Troia diventa un bieco inganno, mentre l’eroicità nella conquista di Troia si riduce a un rivoltante massacro.
E così, se l’Ulisse che torna ad Itaca non è più l’Ulisse che anni prima ne era salpato, non è per mere ragioni anagrafiche, ma per colpa della banalità della violenza che lo ha trasformato definitivamente.

Per usare parole che odio, possiamo dire che l’intento di Nolan è chiaramente quello di “decostruire” l’eroe Ulisse, trasformandolo in un vessillo dell’uomo che, pentito, riconosce l’inutilità della propria violenza.
Per raggiungere questo scopo, il regista inanella le sue disavventure, non limitandosi a cancellare dal personaggio ogni traccia di eroismo, ma ponendo in secondo piano anche la sua proverbiale astuzia.
Quello che ne viene fuori è un Ulisse umano, affranto e spesso in totale balia del destino.
Questo diventa chiaro con progredire della storia, tanto che verso la fine ci si rende conto che il vero Ulisse non è quell’uomo sulla zattera alla deriva, ma è la zattera stessa, che, onda dopo onda, viene a sfaldarsi.

Un matrimonio perfetto

Venendo al lato più puramente tecnico, l’Odissea è uno spettacolo per gli occhi e persino per le orecchie.
Mai come in questo caso credo di aver assistito a un matrimonio così perfetto tra immagini e suoni.

Il talento di Nolan dietro la macchina da presa è indiscutibile, tanto nelle situazioni più meditative, quanto nelle numerosissime scene adrenaliniche. Incalzato da percussioni crescenti, lo spettatore non può fare a meno di trattenere il fiato e stringere i pugni in ansia per le sorti del sempre più esile equipaggio.

Da segnalare anche, lungo il cammino, alcune piacevolissime derive inquietanti, perfettamente in linea con l’opera originale, con la scena da body horror di Circe a primeggiare su tutte.

Insomma, da questo punto di vista il film non delude, è semplicemente uno dei film più belli da vedere degli ultimi anni (peraltro senza neanche indugiare eccessivamente nell’uso degli effetti speciali).

Voglio vivere in Islanda

E allora tutte le critiche che lo hanno preceduto? Avevano senso di esistere? Beh, questo lo lascio decidere a te.
Magari, per alcuni, il colore della pelle di Elena può incidere in modo significativo sul giudizio, per altri (tra cui annovero anche me) no.
A mio avviso, si tratta di questioni che nulla aggiungono e nulla tolgono al valore del film nel suo complesso.

Parliamo, in fondo, di un’opera letteraria atipica che nasce orale e si cristallizza pian piano nei secoli, dunque forse non è il caso di arrabbiarsi troppo per qualche licenza.
Certo, in tutta onestà, devo dire che molte di queste “scelte insolite” non hanno reso il film più bello, anzi, non hanno inciso affatto, dunque forse erano in partenza superflue o evitabili.
Di fondo, però, mi sento di promuovere in larga parte le scelte adottate. Bellissime le location (lo so di mezzo c’è pure la contestata Islanda, ma funzionano bene tutte, fidati!), ottimo il cast, seppure alcuni volti funzionano meglio di altri.
Accanto alle conferme dei sempre bravi Anne Hathaway e Matt Damon, ci sono sorprese positive come Jon Bernthal, nel ruolo di Menelao e Himesh Patel, in quello di Euriloco.
Meno convincenti alcune comparsate famose, forse un po’ forzate, come quella di Elliot Page.
Discorso a parte, infine, per Calypso. Ai suoi detrattori, convinti che una cinquantenne non potesse sostenere il ruolo di una ninfa, mi sento di rispondere in modo netto: Charlize Theron ha ancora tanto da dire.

In conclusione

Parlare di un’opera così complessa (e qui mi riferisco tanto al film quanto al testo letterario) richiederebbe pagine e pagine di recensione, anche solo per scalfirne la superficie, ma in fondo davanti a un film del genere, più che alle ragionate elucubrazioni, dobbiamo lasciarci andare alle sensazioni più viscerali.

A me l’Odissea è piaciuta e molto, pur con i suoi limiti e pur con qualche deviazione indigesta dal “sacro testo”.
Se ci si lascia andare alla più pura e spensierata sospensione dell’incredulità, ci si trova dinnanzi a un film capace di rimanere ben impresso nella nostra memoria per molti anni.
Personalmente non condivido la lettura del personaggio di Ulisse adottata da Nolan, ma su di essa spero di potermi soffermare nel corso di un successivo approfondimento.

Quel che rimane, a ogni modo, oltre le apparenze e oltre le critiche aprioristiche, è puro cinema!

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Nerdando in breve

Davanti a un film del genere, il miglior consiglio che posso darti è corri a vederlo e giudica tu stesso. Magari non ti piacerà, ma difficilmente rimpiangerai di aver sprecato il tuo tempo.

Trailer

L'articolo Odissea – Un destino implacabile proviene da Nerdando.

Mi spiace ma non ce la faccio proprio a usare il nome italiano: la protagonista veste un nome bellissimo e significativo, Moana, che per chi non lo sapesse vuol dire oceano, trasmettendo quel legame insolubile tra i popoli delle isole del pacifico e lo sconfinato mare che è tutto il loro universo.

Fatta questa dovuta premessa, andiamo a incominciare grazie a Disney che mi ha invitato all’anteprima del live action di Oceania (Moana!!!)

Recensione

Sono passati solo nove anni dall’uscita del film d’animazione (l’intervallo più breve ad oggi), per cui, un po’ a sorpresa, ho accolto l’arrivo di questo ennesimo live-action.
Sorpresa ma anche speranza perché pare evidente che più indietro si va nel tempo e peggio esce il film.
Vuoi che sia per ragioni prettamente commerciali e/o di scadenza diritti, ma abbiamo tutti sotto gli occhi gli esiti nefasti di Dumbo, per dirne uno, per non parlare di Biancaneve, su cui meglio stendere un velo pietoso.

Ebbene, forse perché spinto dai protagonisti originali, che l’hanno prodotto, forse perché appunto abbastanza recente da parlare un linguaggio ancora moderno, il live-action di Oceania è un film ben riuscito, a tratti addirittura bello.
Personalmente lo considero il migliore finora (No: Lilo e Stitch non mi è piaciuto).

Trama

Le giornate scorrono tranquille sull’isola di Motunui fin quando la vita non inizia ad appassire. L’oceano sceglie Moana per ritrovare il perduto semidio Maui e insieme restituire il cuore rubato alla dea Te Fiti.

Che altro posso dirti? La trama è un copia e incolla, solo un pelo allungato per raggiungere le due ore del film originale. Se desideri un approfondimento, posso invitarti a leggere il bell’articolo di Morgana, qui e di Aliquis invece qui, nei quali viene detto già tutto e meglio di quanto non possa fare io.

In queste righe vado invece a discutere delle aggiunte: di ciò che troverai in questo live-action e che è stato, appunto, inserito per arricchire un po’ la narrazione.
Contrariamente ad altri casi le canzoni extra (pratica che normalmente detesto, come ho ad esempio raccontato per La bella e la bestia) si calano invece bene nell’impianto complessivo e non disturbano, anzi.

Oltre a questo le scene extra (perché così si possono considerare) si fondono armoniosamente con la storia e danno qualche dettaglio in più, come la scena della storia di Maui, che ho gradito particolarmente.

Per il resto il film è a tutti gli effetti la fotocopia dell’originale, ben recitato e con ottimi effetti speciali.

Cast

A interpretare una versione pompata di Maui (ricordate le polemiche per aver rappresentato come obeso un uomo di etnia polinesiana?) è Dwayne Johnson, che continua a difendersi molto bene a 54 anni, nonostante sfoggi una chioma di capelli assolutamente inguardabile. Fortunatamente viene fatta ironia proprio sui suoi boccoli.

Auli’i Cravalho, voce originale della protagonista nel classico d’animazione, compare qui come produttrice esecutiva. Ufficialmente ha scelto di non tornare a interpretare il personaggio nel live action perché ha deciso di “passare il testimone alla prossima giovane donna discendente delle isole del Pacifico”. Probabilmente, osservo io, il fatto che abbia 26 anni e sia impegnata a Broadway, può aver influito.
Scegliere la nuova protagonista tuttavia non è stato facile e, dopo lunghi mesi di tentativi, è stata individuata la praticamente esordiente Catherine Laga’aia, brava e convincente.

Oltre a Laga’aia e Johnson, il cast di Oceania include John Tui, nel ruolo del severo padre di Moana, Capo Tui; Frankie Adams, che interpreta Sina, la madre; e la neozelandese Rena Owen, nel ruolo della saggia Tala nonna di Moana, celebre per il ruolo coperto in Once Were Warriors, comparsa anche in pellicole di alto livello come A.I. e SW III: La Vendetta dei Sith.

Il film è diretto da Thomas Kail, vincitore di un Emmy e di un Tony Award per Hamilton.

Oceania include brani originali di Lin-Manuel Miranda, Opetaia Foa’i e Mark Mancina, oltre a una colonna sonora originale composta da Mancina.

Commento finale

Mi è piaciuto?
Onestamente sì.
Ne sentivo il bisogno?
Francamente no.
Probabilmente non sono però il target giusto: da quanto letto in giro i live action sono qualcosa di gradito e atteso. Per me, che sono vecchio, la magia c’era già anche prima.

Il punto: qual è il senso di fare un live-action di film così recente? Nella speranza che la risposta non sia un banale e prosaico “fare un sacco di soldi”, lascio a te l’onere di trovare una risposta e magari condividerla con noi, sui nostri canali social.

Per quanto mi riguarda, Oceania si colloca sotto Rapunzel ma sopra Frozen, tra gli ultimi classici con principesse, grazie sicuramente al mio amore per la Nuova Zelanda (sapevate che Maui ha pescato l’Isola di Nord usando l’Isola del Sud come barca?) e per la scena più emozionante della storia recente di Disney: la scena della navigazione, con la canzone (non a caso scritta e cantata da Lin-Manuel Miranda) che meglio di tutte in pochi momenti racconta l’intera storia e filosofia del popolo polinesiano.
Tatou o tagata folau vala’auina / Le atua o le sami tele e o mai / O ava’e le lu’itau e lelei / Tapenapena
Siamo marinai chiamati dal dio del grande mare a venire. Il mese della sfida è ben preparato

Oceania arriverà nei cinema italiani il 19 agosto 2026.

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Nerdando in breve

Oceania è l’ennesimo live-action tratto da un classico Disney.

Trailer

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