Con novembre entriamo sempre più rapidi nel pieno della stagione più fredda ed è il momento perfetto per scaldarci un po’ scoprendo le novità home video di Eagle Pictures.

La prima uscita di questo mese ci riporta un po’ nelle atmosfere estive e ci fa sognare con la versione live action di un classico Disney recente ma amatissimo: Oceania, con le interpretazioni di Catherine Laga’aia e Dwayne Johnson è disponibile a partire dal 4 novembre nei formati DVD, Blu-Ray, 4K e Steelbook 4K. Tra i numerosi contenuti speciali, anche la modalità “Canta insieme al film”.

Cambiamo totalmente genere il 18 novembre per affondare con decisione nell’horror con il nuovo capitolo di una delle saghe più rappresentative del genere. Il titolo che ti farà compagnia tra brividi e spaventi è Insidious – Fuori dall’altrove, che sarà disponibile nei formati DVD e Blu-Ray insieme a moltissimi contenuti extra, tra cui scene eliminate e scene estese.

Per concludere il mese in bellezza, ci aspetta un tuffo nel Giappone: a partire dal 25 novembre sarà infatti disponibile il cofanetto Kore’eda 8 film collection, contenente 8 DVD e interamente dedicato al regista nipponico Hirokazu Kore’eda, tra i più importanti esponenti del cinema contemporaneo. La raccolta riunisce otto opere fondamentali all’interno della cinematografia del cineasta. In particolare, sono contenuti nel cofanetto Maborosi – I bagliori dell’anima, After Life, Nobody Knows – Come si diventa adulti, Still Walking, Father and Son, Un affare di famiglia, La verità, L’innocenza. La raccolta permette di ripercorrere la produzione artistica di una delle voci più interessanti e significative del panorama internazionale del cinema contemporaneo, già vincitore della Palma d’Oro al Festival di Cannes proprio con Un affare di famiglia, presente tra i titoli selezionati per la raccolta.

Vuoi chiacchierare e giocare con noi? Vienici a trovare sul nostro Server Discord e sul nostro Gruppo Telegram.

L'articolo Eagle Pictures – Le novità di novembre 2026 proviene da Nerdando.

Recensione

Lo dico subito, così ci togliamo il pensiero: io Street Fighter – Sfida finale, quello del 1994 con Jean-Claude Van Damme, lo adoro. So benissimo che è un film oggettivamente brutto e non ho alcuna intenzione di difenderlo davanti a una giuria, anche perché è davvero duro da difendere, però fa parte della mia gioventù ed è diventato iconico proprio grazie a tutto quello che c’è di assurdo sullo schermo, oltre all’essere il film di un gioco che ho adorato alla follia. Capirai quindi con quale stato d’animo mi sono seduto in sala per vedere in anteprima il nuovo Street Fighter, diretto da Kitao Sakurai (Bad Trip, The Eric Andre Show), prodotto da Legendary insieme a Capcom e in arrivo nei cinema italiani il 15 ottobre con Eagle Pictures, che ringrazio per l’invito all’anteprima. Si tratta di un reboot vero e proprio, che riparte da zero lasciandosi alle spalle sia il film con Van Damme sia lo sfortunato The Legend of Chun-Li del 2009, che ammetto di non aver neanche visto. Come sempre, recensione completamente SPOILER FREE!

Trama

Siamo nel 1993, l’anno in cui Street Fighter II regnava incontrastato nelle sale giochi, e per chi in quelle sale giochi ci ha lasciato pomeriggi interi (e parecchie monete) l’ambientazione è già un piccolo regalo. Ryu e Ken Masters, un tempo inseparabili e oggi divisi da un passato che nessuno dei due sembra aver davvero digerito, vengono trascinati di nuovo sul ring dalla misteriosa Chun-Li, che li recluta per il prossimo World Warrior Tournament. Dietro al torneo, però, si nasconde una cospirazione ben più pericolosa, che costringerà i due a fare i conti con gli avversari, con i propri demoni (anche in senso letterale…) e, inevitabilmente, anche l’uno con l’altro. E se non ci riescono? Beh, l’esito è piuttosto scontato: GAME OVER.

Più di così non ti racconto, anche perché la trama, per carità, non è il motivo principale per cui comprerai il biglietto. Street Fighter è un film dichiaratamente caciarone, che non si prende mai troppo sul serio e che punta tutto su combattimenti, personaggi sopra le righe e un’energia da sala giochi che si respira dall’inizio alla fine, per scelte visive e non solo. Ho riso parecchio, in più di un momento, e la scelta di giocare apertamente con il lato più esagerato del videogioco secondo me è quella giusta: provare a rendere “realistica” una saga in cui la gente spara palle di energia dalle mani sarebbe forse stato un errore.

Il film poi è letteralmente pieno di citazioni, alcune lampanti e pensate per far esultare chiunque abbia avuto un joystick in mano negli anni Novanta, altre molto più sottili, quasi nascoste, che probabilmente scoprirai solo alla seconda visione. Quella che mi ha colpito di più è forse la presenza di Joe, interpretato dal campione UFC Alexander Volkanovski: per chi non lo ricordasse, Joe era uno degli avversari che Ryu affrontava nel primissimo Street Fighter del 1987, e da allora è praticamente sparito dalla saga. Ripescarlo dopo tutti questi anni è il tipo di scelta che fa capire quanto chi ha lavorato al film conosca davvero la materia.

E qui arriva la parte che mi ha toccato di più: ci sono anche dei riferimenti al film del 1994, tra cui un omaggio al compianto Raúl Julia, l’indimenticabile Bison di allora. Julia girò quel film già gravemente malato e morì nell’ottobre del 1994, circa due mesi prima che arrivasse in sala; vedere che qualcuno se n’è ricordato, anche trent’anni dopo, mi ha fatto davvero piacere.

Forse l’unica cosa che mi ha fatto storcere il naso è che gran parte della trama ruota attorno ad un torneo: ok, è ciò che abbiamo visto anche nei giochi, ma saprai bene che la particolarità di Street Fighter era lo spostarsi in giro per il mondo e combattere proprio per strada. Qui ci sono combattimenti che si svolgono in posti al di fuori del ring, però sarebbe stato carino vedere più spostamenti e più “street fights”.

Cast

Partiamo dalla coppia protagonista, che funziona bene. Andrew Koji (già visto in Warrior e Bullet Train) dà a Ryu la giusta compostezza, quella del combattente silenzioso e un bel po’ tormentato, mentre Noah Centineo (The Fosters) si diverte chiaramente un mondo nei panni di un Ken sbruffone e carismatico, esattamente come dovrebbe essere, anzi, a volte anche un pelo “troppo”. La dinamica tra i due regge, e il loro rapporto è il cuore emotivo del film. Callina Liang (Presence) è una Chun-Li convincente, determinata, dura e credibile nelle scene d’azione, e mi è piaciuto che non sia stata ridotta a semplice spalla dei due protagonisti. Anzi, so che l’attrice si è sottoposta ad un duro allenamento per rendere omaggio al personaggio di Chun-Li, cosa che è decisamente riuscita.

Discorso a parte per David Dastmalchian (The Dark Knight, Dune, Suicide Squad), che raccoglie un’eredità pesantissima nei panni di M. Bison. Quando era stato annunciato avevo qualche dubbio, perché fisicamente è lontano dal personaggio del videogioco, eppure ne esce benissimo: il suo Bison è inquietante e al tempo stesso perfettamente in linea con il tono sopra le righe del film. Non era facile, e lui ci è riuscito. Anzi, colgo l’occasione per sottolineare come sia un attore forse un po’ sottovalutato!

Poi c’è Jason Momoa, che a quanto pare si è praticamente autoproclamato Blanka e che si vede quanto si sia divertito a interpretarlo. Il problema, almeno per me, è che di Momoa resta poco: il personaggio è affidato in larga parte alla computer grafica, e avrei preferito vedere molto più trucco e molto più attore. Peccato, perché l’entusiasmo c’è tutto, ma viene un po’ sepolto sotto gli effetti digitali.

Ed eccoci al limite più evidente del film, cioè troppi personaggi. Oltre ai nomi già citati troviamo Cody Rhodes come Guile, Roman Reigns come Akuma, 50 Cent come Balrog, Olivier Richters come Zangief, Vidyut Jammwal come Dhalsim, Orville Peck come Vega, Mel Jarnson come Cammy, Hirooki Goto come E. Honda e persino Dan Hibiki, Juli e Don Sauvage. Per chi è cresciuto con il gioco vederli tutti insieme è una gioia, ma in poco meno di due ore lo spazio è quello che è, e diversi di loro finiscono per essere poco più di una bella comparsata. Alcuni avrebbero meritato decisamente più tempo per essere caratterizzati, e in un paio di frangenti, quando lo schermo si riempie di combattenti, si perde anche un po’ il filo di cosa stia succedendo e perché.

Per quanto riguarda la regia, Kitao Sakurai porta in dote il suo passato nella commedia, e si sente: i tempi comici funzionano, le gag arrivano quasi sempre a segno e l’alternanza tra risate e scazzottate scorre in modo naturale in quasi tutte le occasioni. Nel complesso il film è fatto bene, curato e piacevole da guardare, con un’attenzione ai dettagli che chi ama la saga noterà subito. La confusione di cui parlavo nasce più dalla scrittura e dal numero di personaggi da gestire che da una regia incerta.

Concludendo

Street Fighter mi è piaciuto abbastanza, e non lo dico a denti stretti. È un film che sa esattamente cosa vuole essere, cioè un grande omaggio alla saga Capcom, rumoroso, colorato e divertente, che rispetta il materiale di partenza senza prendersi troppo sul serio. Il cast principale funziona, Bison è in ottime mani e le citazioni sono talmente tante che rivederlo sarà quasi obbligatorio.

D’altro canto, la voglia di mettere dentro praticamente tutto il roster si paga: diversi personaggi restano in superficie, qualcuno quasi ridotto a macchietta, mentre il Blanka di Momoa, per i miei gusti, è davvero troppo digitale. Difetti che non rovinano l’esperienza, ma che impediscono al film di fare quel salto di qualità che avrebbe potuto fare con qualche combattente in meno. E a volte la scrittura traballante fa un po’ di salti forzati che mi hanno lasciato dubbioso, ma in fondo va bene così.

Se hai una storia di combattimenti all’ultimo Hadoken tra cabinati e pad, devi vederlo per forza, non ci sono discussioni. Poi magari non ti piace, però vederlo ci sta tutto. Se invece cerchi una storia solida e approfondita, potresti trovarlo un po’ caotico. Da fan del film del 1994 (sì, ancora quello), posso dirti che questa volta la saga è stata trattata con molto più rispetto, e mi piacerebbe proprio vedere cosa potrebbe fare un secondo round, magari con qualche personaggio in meno e più tempo per quelli che restano.

Vuoi chiacchierare e giocare con noi? Vienici a trovare sul nostro Server Discord e sul nostro Gruppo Telegram.

Nerdando in breve

Street Fighter è un reboot caciarone e pieno d’amore per la saga, con un buon cast ma troppi combattenti in poco tempo: siamo pronti a premere START ancora una volta?

Trailer

L'articolo Street Fighter – Si torna a combattere proviene da Nerdando.

Recensione

Ieri, 7 ottobre 2026, è uscita su Prime Video la serie TV su Carrie e io ho deciso di farmi una maratona incredibile per finirla tutta di fila. Letteralmente non ho parlato per tutto il giorno con il mio fidanzato, a malapena ho fatto pipì.

Se avessi messo questo impegno nello studio, probabilmente a quest’ora avrei cinque lauree.

Anche perché ieri ho riguardato sia il film originale di Brian De Palma del 1976 sia il remake di Kimberly Peirce del 2013, proprio per avere un paragone il più possibile fresco. Ero curiosissima di capire come la storia di Carrie sarebbe potuta diventare una serie TV. Perché una cosa è prendere il romanzo di Stephen King e farne un film di due ore, un’altra è dover costruire una stagione intera attorno a una storia che tutti conosciamo già.

E in realtà, dopo averla vista, me lo domando ancora.

Perché se la protagonista di questa serie si fosse chiamata Veronica, poco o nulla mi avrebbe fatto pensare alla Carrie di De Palma. A parte i nomi, alcuni personaggi, la telecinesi e alcune scene fondamentali, il resto è praticamente un mondo inesplorato.

E questo non è necessariamente un difetto.

È semplicemente una storia molto diversa da quella che mi aspetto quando penso a Carrie. Non per questo è meno bella. Anzi, per certi aspetti è persino geniale.

Da qui in poi, però, spoiler praticamente su tutto. Se sei allergico, questo è il momento giusto per chiudere la pagina.

La doccia

Partiamo dalla scena più famosa di tutte. Quella che probabilmente viene in mente a chiunque senta pronunciare il nome Carrie: la doccia, il sangue, le compagne che ridono, l’umiliazione che dà inizio alla storia.

Nella serie di Flanagan c’è, ma è completamente diversa.

De Palma costruiva la scena attraverso uno sguardo estremamente voyeuristico: la macchina da presa indugiava sul corpo nudo di Carrie prima ancora che arrivassero il sangue e l’orrore. Il corpo della ragazza diventava così contemporaneamente qualcosa di innocente, qualcosa che lei stessa non conosce e qualcosa che lo spettatore è invitato a guardare.

Nel remake del 2013 Kimberly Pierce riduce molto questo aspetto e sposta l’attenzione soprattutto sul disagio di Carrie. Anche lì il corpo è importante, ma lo sguardo è meno interessato a mostrarlo.

Flanagan fa un passo ulteriore: non spoglia nessuno.

La scena avviene nello spogliatoio, ma Carrie è vestita. Sono le compagne ad accorgersi del sangue e a farglielo notare. Lei non capisce cosa stia succedendo, chiede aiuto, si agita, urla. E soprattutto si arrabbia perché nessuno sembra intenzionato ad aiutarla.

È una differenza apparentemente piccola, ma dice molto su questa versione di Carrie. Perché finalmente Carrie non è soltanto una ragazza a cui le cose accadono.

Carrie

La Carrie del 1976 è estremamente passiva. All’inizio sembra quasi incapace di stare al mondo. È ingenua, isolata, terrorizzata dalla madre e completamente impreparata a gestire ciò che le succede. Non è stupida, anzi: quando scopre di avere dei poteri cerca informazioni, prova a capire cosa siano e come funzionino, ma per gran parte del film subisce e basta.

La Carrie del 2013 è già più reattiva. Nella stessa scena del ciclo capisce che le ragazze la stanno umiliando deliberatamente e reagisce in maniera più consapevole.

Quella di Flanagan, invece, è curiosa fin dall’inizio. È stata cresciuta completamente fuori dal mondo e deve imparare praticamente da zero come funziona la società, ma non si limita a subire ciò che le viene raccontato. Fa domande, cerca libri sulla telecinesi e sulla stregoneria, si esercita, cerca di capire cosa le sta succedendo.

E soprattutto interagisce.

Carrie si fa amici, va a una festa, beve, parla con le persone, scopre i social, l’amicizia e persino la cattiveria degli altri. Tutto contemporaneamente.

La scuola non è più soltanto il luogo in cui Carrie viene bullizzata: è il primo vero contatto che ha con il mondo.

Carrie arriva persino a usare i suoi poteri prima del ballo, per piccoli dispetti e per reagire a chi la ferisce. Quando Chris la provoca, non resta semplicemente immobile a subire: reagisce, le rompe il naso usando i suoi poteri e le dice pure di “mettersi il tappo” mentre sanguina.

Sinceramente, l’ho adorata.

Questa Carrie ha molta più voglia di vivere e molta meno voglia di farsi mettere i piedi in testa. 

Finalmente gli altri personaggi esistono

In un precedente articolo mi ero lamentata del fatto che i personaggi maschili fossero spesso semplici pedine e, effettivamente, nel primo film è difficile considerarli molto più di questo.

Billy è violento perché deve esserlo per la storia. Tommy è totalmente insipido.

Chris è la ragazza cattiva che deve organizzare la vendetta. Sue è quella che si pente.

Nella serie non funziona più così.

Quasi tutti hanno una vita anche quando Carrie non è nella stanza.

Ed è probabilmente questa la differenza più grande rispetto ai due film: Flanagan non costruisce i personaggi soltanto in funzione di Carrie. Li lascia esistere per conto proprio, con famiglie, problemi, paure, desideri e motivazioni che non dipendono necessariamente dalla protagonista.

Tommy

Nel film del 1976 è praticamente pollo scondito, sembra quasi eseguire quello che gli dice Sue. Nel remake del 2013 acquista già maggiore autonomia e personalità. Nella serie di Flanagan finalmente acquista sapore.

Tommy è genuinamente gentile con Carrie perché vuole esserlo. Non perché Sue gli chiede di portarla al ballo, non perché deve fare il bravo ragazzo e non perché qualcuno gli ha detto che è la cosa giusta da fare.

La conosce, parla con lei e la ascolta. Passano del tempo insieme, guardano le stelle, lui la riaccompagna a casa e alla fine decide spontaneamente di invitarla al ballo.

E soprattutto prova sentimenti propri.

Si arrabbia con Sue quando scopre che gli ha nascosto il ritardo delle mestruazioni, il test di gravidanza e tutta la situazione che riguarda la loro relazione. Non è lì soltanto per accompagnare Carrie verso il massacro finale.

Billy

Già il remake aveva dato a Billy una maggiore autonomia, rendendolo più aggressivo e violento. Qui diventa ancora più indipendente da Chris.

Viene introdotto come spacciatore, è impulsivo, pericoloso e prende decisioni per conto proprio. Il rapporto con Chris nasce e cresce dentro un contesto di rabbia, impulsività e problemi familiari.

Non è semplicemente il ragazzo che Chris manda a fare quello che lei vuole.

Anche il loro rapporto acquista quindi una dimensione propria: i due si frequentano, sviluppano un legame e diventano una coppia, invece di essere semplicemente la coppia criminale funzionale alla vendetta contro Carrie.

Chris

Lei è forse il personaggio che più beneficia dell’espansione della storia.

Nel 1976 è praticamente cattiva e basta. Carrie è la sua vittima e lei vuole vendicarsi senza un reale motivo. Nel remake viene già resa più calcolatrice e viene dato maggiore spazio alle sue motivazioni. Qui, invece, entriamo davvero nella sua vita.

La madre ha lasciato suo padre per un altro uomo, che guarda caso è il padre di una compagna di scuola di Chris. Vivono insieme e Chris vive tutto questo come un ulteriore abbandono. Anche il futuro universitario diventa fonte di problemi economici.

E poi c’è Sue. Sue è la sua migliore amica e passa sempre più tempo con Carrie. Dal punto di vista di Chris, anche lei la sta abbandonando.

L’unica persona che sembra rimanerle accanto è Billy.

Questo non giustifica quello che fa, ovviamente. Chris continua a essere responsabile del bullismo, delle umiliazioni e di una quantità impressionante di stronzate, ma la serie prova a raccontare perché una persona possa diventare così ossessionata da qualcun altro.

E alla fine Chris stessa ammette di non sapere nemmeno perché abbia iniziato ad accanirsi tanto contro Carrie. La trovava strana e voleva farle uno scherzo. Il resto è cresciuto progressivamente fino a diventare qualcosa di molto più grande di lei.

Poco prima di morire, quando cerca di chiedere scusa a Carrie, per la prima volta sembra davvero rendersi conto di quello che ha fatto.

Sue

Nel film originale partecipa al bullismo e cerca di rimediare quando ormai è troppo tardi. Nel remake è già più umana e sinceramente pentita.

Nella serie, però, Sue e Carrie diventano davvero amiche.

Sue cerca di aiutarla, prova a fermare Chris, le suggerisce persino di parlare con Margaret e progressivamente costruisce con lei un rapporto vero.

Arriva al ballo appositamente per cercare di avvertire la scuola della presenza di Chris e Billy.

E sarà proprio Sue, dopo la tragedia, a raccontare Carrie nelle sue testimonianze.

Questo è importante perché la serie introduce un elemento che nei due film non esiste: Carrie viene raccontata dagli altri.

Sue la vede come una ragazza buona, gentile, fragile. Altri la descrivono in maniera completamente diversa.

Non esiste più una sola Carrie. Esistono tante Carrie quante sono le persone che l’hanno conosciuta.

Margaret

La Margaret del 1976 è terrificante. Fanatica, violenta, punitiva. Solo successivamente il film ci permette di comprendere che dietro quella follia esiste un trauma.

Quella del 2013 è più disturbante psicologicamente, ma anche più umana.

Quella di Flanagan è ancora diversa.

È religiosa, iperprotettiva e controllante, ma non è semplicemente cattiva. Anzi, spesso sembra sinceramente preoccupata per Carrie.

Le chiede come sta. Si preoccupa perché mangia male e dorme peggio. Cerca di capire cosa le stia succedendo. La abbraccia, la bacia e le dice che le vuole bene.

Quando il bullismo supera le mura della scuola e diventa qualcosa di molto più grande, Margaret prova a proteggerla. Probabilmente le due Margaret precedenti avrebbero dato almeno in parte la colpa a Carrie stessa.

Il suo problema è che per lei proteggere Carrie significa impedirle di vivere.

Quando Carrie ha il ciclo, per esempio, cerca di nasconderglielo perché ha paura della sua reazione. Margaret la manda nello sgabuzzino a pregare perché considera la trasformazione in donna qualcosa di legato al peccato. Ma contemporaneamente le procura gli assorbenti perché non si sporchi a scuola.

È questo il paradosso della Margaret di Flanagan: può essere terribilmente oppressiva e contemporaneamente sinceramente amorevole.

È madre, carceriera e vittima delle proprie paure nello stesso momento.

E poi installa delle telecamere in casa senza che Carrie lo sappia, quindi, diciamo, l’amore materno ha anche qualche problema di gestione della privacy.

Finalmente vediamo il padre di Carrie

Per la prima volta abbiamo anche un volto per il padre di Carrie.

Nel film originale Margaret ne parla come di un uomo violento, dedito all’alcol e responsabile di abusi. Nel remake viene citato da Carrie, che pensa addirittura di aver ereditato da lui i propri poteri.

Qui finalmente lo vediamo.

È un uomo molto religioso, con una certa vena complottista, che lavora in un cantiere. Peccato che muoia praticamente subito a causa di un incidente sul lavoro, quindi non abbiamo davvero il tempo di approfondirlo quanto avrei voluto.

La sua morte, però, lascia una traccia importante nella storia. Carrie continua a vederlo nei sogni e persino da sveglia. Margaret ricorda inoltre che, quando Carrie era bambina, delle pietre erano cadute sulla casa. Lei sospettava che fosse stata la figlia, mentre suo marito continuava a dirle che era impossibile.

Anche il passato di Carrie, quindi, viene ampliato.

Instagram, cyberbullismo e una scuola che esiste davvero

È inevitabile che una nuova versione di Carrie affronti il cyberbullismo.

Nel remake del 2013 era già stato aggiornato il contesto, ma qui la cosa diventa molto più grande.

Chris crea un profilo Instagram chiamato @carriered_ per prendere in giro Carrie, ma l’account finisce per trasformarsi in uno strumento di umiliazione collettiva. Non viene presa di mira soltanto Carrie: gli studenti cominciano a mandare foto e contenuti su altri compagni e persino sugli insegnanti.

Un professore viene pubblicamente accusato di essere un pedofilo e arriva a suicidarsi.

Sue registra Chris mentre ammette di aver creato il profilo e porta la registrazione al consulente scolastico. La ragazza continua a negare tutto finché l’evidenza non diventa impossibile da ignorare, così viene espulsa. E, in un altro ribaltamento interessante, gli stessi studenti che fino a quel momento avevano partecipato al sistema di umiliazione finiscono per rivoltarsi contro di lei.

La scuola non è più soltanto il luogo in cui Carrie viene bullizzata.

Ci sono metal detector, esercitazioni per le sparatorie, consulenti, insegnanti, famiglie, social, problemi economici e dinamiche che esistono indipendentemente dalla protagonista.

Ed è un altro elemento che rende questa serie molto diversa dai film: il mondo non sembra fermarsi quando Carrie esce di scena.

La religione

Nel film di De Palma è praticamente ovunque: croci, peccato, punizione, preghiera, la casa di Margaret che sembra costruita apposta per mettere a disagio chiunque ci entri.

Solo Marcellino pane e vino mi trasmetteva la stessa angoscia.

Nel remake viene mantenuta la simbologia, ma con un approccio più psicologico.

Flanagan la intreccia invece con il controllo familiare, l’isolamento e perfino la salute mentale.

Carrie arriva a pensare di avere una malattia mentale perché vede il padre e parla con quella che crede essere un’amica immaginaria. Margaret, dal canto suo, sostiene che le malattie mentali non esistano.

Quello che mi è mancato, però, è il riferimento più esplicito alla simbologia cristiana nel finale.

Nei due film la morte di Margaret è fortemente legata all’immagine di Cristo. Nel 1976 viene trafitta e la composizione richiama apertamente una crocifissione; il remake riprende quella stessa idea.

Qui no.

Il confronto con Carrie è molto più umano e, per certi versi, persino più doloroso, ma mi è mancato quel richiamo visivo così iconico. 

Ridatemi il vestito rosa

Altra domanda fondamentale che nessuno aveva posto ma che io sento il bisogno di porre: perché Carrie è vestita di bianco?

Nel 1976 il vestito è rosa. È cucito da Carrie e diventa parte della sua trasformazione in ragazza che, almeno per una sera, vuole sentirsi normale. Nel remake viene ripreso anche il concetto del colore e del corpo.

Qui Carrie si cuce da sola il vestito, ma è bianco.

E mancano completamente anche quei dialoghi sul rosa, sul rosso e sui seni che Margaret definisce “escrescenze”.

Sono piccolezze, ma sono proprio questi dettagli a rendere riconoscibile Carrie. E quando una serie decide di cambiare quasi tutto, sono anche le piccole assenze a farti capire quanto si sia allontanata dall’originale.

Il ballo

Nei due film il ballo è il grande punto di arrivo. Tutto conduce lì.

Nella serie il ballo arriva nell’ultimo episodio, dopo sette episodi passati a conoscere Carrie, Margaret, Chris, Sue, Tommy, Billy e tutti gli altri.

E questo cambia completamente il significato della scena.

Carrie non ci va soltanto perché Sue e Tommy l’hanno convinta. Lo considera un’occasione per andare avanti, per provare finalmente a vivere una normale adolescenza.

Tommy le chiede spontaneamente di accompagnarla perché ormai tra loro esiste un rapporto.

Chris vota Carrie un numero imbarazzante di volte per farla eleggere reginetta e umiliarla, ma alla fine la folla applaude davvero.

E poi arriva il sangue.

La scena è molto più veloce rispetto a quella di De Palma, che costruiva la tensione con una lentezza quasi insopportabile. Qui tutto succede in pochi istanti: gli studenti ridono, la filmano e Carrie perde il controllo.

Ma anche in questo caso Flanagan cambia qualcosa di importante.

Carrie non è completamente inconsapevole di quello che sta facendo.

La sua rabbia è più consapevole, la vendetta è più ampia e lei stessa ha già imparato a usare i propri poteri.

Quando Tommy muore direttamente per colpa sua, Carrie se ne accorge e ne rimane sconvolta.

È una differenza importante rispetto alle altre versioni: questa Carrie sceglie di reagire, ma quando vede dove l’ha portata quella scelta non riesce più a sopportarla.

La vendetta

Dopo il ballo, Chris e Billy cercano di scappare in macchina.

Billy prova addirittura a investire Carrie, Chris gli urla di frenare e Carrie reagisce: lancia via l’auto, schiaccia Billy e poi fa lo stesso con Chris mentre lei cerca di dirle che le dispiace.

E c’è una cosa che trovo particolarmente interessante: Carrie, per un momento, sembra divertirsi.

Balla tra le fiamme e urla “Vaffanculo, io esisto.”

È forse il momento in cui la Carrie della serie raggiunge il massimo della libertà. Per un attimo è semplicemente libera, poi si rende conto di quello che ha fatto.

Emaline

Ed eccoci alla parte in cui la serie decide definitivamente di prendere Carrie, guardarla negli occhi e giocarci.

Per buona parte della serie Carrie vede Emaline praticamente ovunque. Le parla, interagisce con lei, costruisce un rapporto. Gli altri, però, non sembrano vederla e Carrie viene persino presa in giro perché parla da sola.

All’inizio sembra quindi una classica amica immaginaria, legata al suo isolamento e al suo stato mentale.

Poi la situazione diventa molto più complicata.

Emaline sembra essere una proiezione astrale, una presenza legata alle capacità psichiche di Carrie, e alla fine sembra persino aiutarla a controllare la propria forza.

Carrie non è più l’unica persona con poteri. La serie introduce altre persone dotate di capacità soprannaturali, parla del cosiddetto “luccichio”, fa riferimenti a persone del passato che potrebbero aver avuto capacità simili.

E a quel punto viene spontaneo chiedersi: siamo ancora dentro Carrie o Flanagan sta preparando un universo completamente nuovo?

Il riferimento al “luccichio”, poi, credo non abbia bisogno di spiegazioni.

Questa è probabilmente la parte che mi incuriosisce di più e allo stesso tempo mi lascia più perplessa.

Perché l’idea è interessante. Molto.

Ma più il mondo si espande, più Carrie rischia di diventare soltanto uno dei tanti pezzi di un universo soprannaturale molto più grande.

E se l’obiettivo era raccontare una nuova Carrie, fino a che punto possiamo allontanarci da Carrie prima che smetta di essere Carrie?

Lo sguardo di Flanagan

Guardando i tre prodotti uno dopo l’altro, a distanza di poche ore, la differenza diventa abbastanza evidente.

De Palma guarda Carrie e vede soprattutto un horror psicologico e atmosferico, sporco, perverso, cattivo. La sua regia è fortemente autoriale e riconoscibile. La scuola è luminosa, la casa è buia e claustrofobica, il corpo di Carrie è osservato dalla macchina da presa in maniera quasi inquietantemente voyeuristica.

Peirce guarda Carrie e la trasforma maggiormente in una tragedia adolescenziale. È più luminosa, più realistica, più interessata ai rapporti tra i ragazzi e meno interessata a sessualizzare Carrie.

Flanagan guarda Carrie e vede un’intera rete di persone.

Vede una ragazza che deve imparare a stare al mondo, una madre che ama la propria figlia nel modo peggiore possibile, adolescenti che si portano dietro famiglie problematiche, abbandoni, rabbia, paura e senso di colpa, e una scuola che deve fare i conti con cyberbullismo, sparatorie, salute mentale e reputazione online.

E vede anche un mondo soprannaturale molto più grande di Carrie.

Il risultato è una serie molto più corale, molto più interessata ai personaggi e alle loro vite.

E devo dire che funziona.

Il primo episodio è stato l’unico che ho percepito come lento. Dal secondo in poi gli episodi sono letteralmente volati, anche quando duravano quasi cinquanta minuti. Considerando quante sottotrame ci sono, non era affatto scontato.

Anche visivamente Flanagan non cerca di imitare De Palma. La fotografia è molto scura, soprattutto negli interni, e mantiene quasi sempre un’atmosfera da horror, anche quando la serie si trasforma in teen drama o dramma familiare.

L’orrore non nasce soltanto dalla paura. Nasce dal trauma, dall’isolamento, dal bullismo, dalla famiglia, dalla salute mentale e, naturalmente, dai poteri.

Bella serie ma non è Carrie

Carrie di Mike Flanagan mi è piaciuta.

Anzi, per certi aspetti l’ho trovata persino geniale.

Mi piace moltissimo il modo in cui sviluppa i personaggi. Tommy finalmente è una persona e non pollo scondito. Ho apprezzato che Sue e Carrie diventino davvero amiche. Chris ha una vita al di fuori della sua ossessione per Carrie. Trovo molto più interessante la Margaret ambigua e umana. E mi piace vedere una Carrie curiosa, attiva e capace di prendere decisioni.

E soprattutto mi piace che Flanagan non abbia semplicemente cercato di rifare quello che avevamo già visto.

Però c’è un problema: più la serie amplia il proprio universo, più rischia di allontanarsi da Carrie. Le altre persone dotate di poteri, il “luccichio”, Emaline, la donna misteriosa e tutto ciò che sembra preparare un universo soprannaturale molto più ampio sono elementi interessanti.

Ma sono anche le cose che mi fanno pensare a quanto possiamo cambiare una storia prima che smetta di essere quella storia.

Per me questa serie non è davvero Carrie nel senso in cui lo sono i due film.

È una nuova storia costruita attorno a Carrie.

E forse è proprio questo che Flanagan voleva raccontare: non una nuova versione della storia che già conosciamo, ma il suo sguardo su Carrie.

Vuoi chiacchierare e giocare con noi? Vienici a trovare sul nostro Server Discord e sul nostro Gruppo Telegram.

Nerdando in breve

Flanagan prende Carrie, cambia praticamente tutto quello che può e riesce comunque a costruire qualcosa che vale la pena guardare.

Trailer

L'articolo Carrie – Lo sguardo di Flanagan proviene da Nerdando.

Ottobre 2026

Ottobre 2026 è al via e porta con sé un carico di novità invidiabile per quanto riguarda Disney+! Andiamo a scoprirle!

Serie

Molti i titoli interessanti che troverai questo mese in streaming su Disney+. Tra i tanti, sicuramente promette molto bene VisionQuest, nuova serie MCU che si ricollega alle due che più ho amato finora (WandaVision e Agatha All Along). Sarà interamente disponibile a partire dal 14 ottobre.

Un altro atteso ritorno seriale è senz’altro quello di American Horror Story. La tredicesima stagione della serie antologica di FX, arriva in streaming con i primi tre episodi dal 1° ottobre.

Personalmente ho molte aspettative (e non vedo l’ora di cominciarne la visione) anche per questa serie originale ambientata nel cuore oscuro di New Orleans: Coven Academy è disponibile a partire dal 2 ottobre.

Film

Sono i musicisti più chiacchierati del momento e dal 9 ottobre il film originale a loro dedicato sarà in streaming su Disney+. Sto parlando di Oasis: Don’t Look Back In Anger, che il nostro Djando ha visto in anteprima e che ripercorre il tour di reunion dei fratelli Gallagher.

Sono molti i titoli che il catalogo Disney+ offre per chi ama le atmosfere di Halloween e vuole trascorrere un ottobre tenebroso (come faccio anche io ogni anno). Tra i molti, non posso che consigliare un rewatch di Nightmare Before Christmas, Halloweentown o i due Hocus Pocus. Tra le novità, invece, promette molto bene il documentario Hulu Clown Panic: il titolo, in arrivo il 12 ottobre, fa parte della programmazione speciale Huluween e ripercorre i misteriosi avvistamenti di persone mascherate da clown nei boschi del Minnesota avvenute nel 2016.

Vuoi chiacchierare e giocare con noi? Vienici a trovare sul nostro Server Discord e sul nostro Gruppo Telegram.

L'articolo Disney+ – Le novità di ottobre 2026 proviene da Nerdando.

Ottobre è sempre stato uno dei miei mesi preferiti in assoluto e, in questo 2026, Plaion ci regala 31 giorni di grandi titoli in home video da scoprire!

Universal

Il film evento ideato e diretto da Steven Spielberg è finalmente in home video: Disclosure Day, interpretato da Emily Blunt e Colin Firth, è disponibile proprio da questo mese nei formati DVD, Blu-Ray e Steelbook 4K UHD + blu-Ray.

Per chi ama la musica, il giorno da segnare in calendario è quello del 5 ottobre, quando Iron Maiden: Burning Ambition arriverà in home video e sarà disponibile in DVD, Blu-Ray, Steelbook 4K UHD + Blu-Ray e Collector’s Edition 4K UHD + Blu-Ray.

Sembra incredibile pensare che sono già trascorsi 22 anni dall’uscita di questo film, eppure è così. Van Helsing, interpretato da Hugh Jackman e Kate Beckinsale, festeggia l’anniversario a partire dal 5 ottobre con una Steelbook 4K UHD + Blu-Ray e la Collector’s Edition 4K UHD + Blu-Ray.

Un altro grande classico a tema horror (tra le commedie horror più belle che abbia mai visto) spegne ben 45 candeline: Un lupo mannaro americano a Londra, di John Landis, dal 26 ottobre sarà in Steelbook 4K UHD + Blu-Ray.

E, a proposito di grandi classici, come farsi scappare Ritorno al Futuro – La Trilogia. Gli amatissimi film di Robert Zemeckis dal 26 ottobre in Steelbook con 3 dischi 4K UHD, 3 dischi Blu-Ray, 2 Blu-Ray Bonus.

Paramount

A ottobre 2026 Paramount ci riporta indietro agli iconici anni Novanta con Il Santo, interpretato dal compianto Val Kilmer. Dal 26 ottobre in Steelbook 4K UHD.

Ottobre è soprattutto il mese di Halloween e, per festeggiarlo a dovere, Paramount propone la terrificante Steelbook di Pet Sematary – Cimitero Vivente, tratto dal libro cult di Stephen King. Dal 26 ottobre sarà in 4K UHD + Blu-Ray.

Midnight Factory

Che Halloween sarebbe senza un cult horror firmato Midnight Factory? Questo mese il titolo da riscoprire è L’ululato – The Howling, capolavoro da brivido del 1981 di Joe Dante che rinasce in uno straordinario restauro 4K UHD. A partire dal 26 ottobre sarà in Limited Edition 4K UHD + Blu-Ray.

Vuoi chiacchierare e giocare con noi? Vienici a trovare sul nostro Server Discord e sul nostro Gruppo Telegram.

L'articolo Plaion Pictures – Le novità di ottobre 2026 proviene da Nerdando.

Intro

Glitch mi sa che ne ha azzeccata un’altra dopo The Amazing Digital Circus, sul quale ho scritto ben due articoli! Il pilota (ora diventato primo episodio) di Knights of Guinevere, uscito a settembre 2025 su YouTube, è stato molto intrigante e mi ha messo una grande curiosità sul prosieguo della serie. Spero e credo che la produzione andrà oltre alla mera denuncia e raccoglierà i mille spunti interessanti seminati.

So cosa stai pensando: “Ma Marco, se il pilota è di settembre 2025 perché ci fai un pezzo solo ora?” Sia perché nel frattempo la serie è stata ufficializzata, sia perché il secondo episodio arriverà il 9 ottobre, che da noi potrebbe essere il 10 se seguono lo stesso iter di The Amazing Digital Circus. Quindi ha senso scriverne ora!
In questo articolo tratterò di chicchette e dettagli che ho notato. Ovviamente, visto che non voglio disincentivarti a guardare la nuova creatura di una creativa che apprezzo, questo pezzo sarà senza spoiler!

Ecco tutto quello che non avevi notato in Knights of Guinevere

Topolino amico delle guardie

Knights of Guinevere è un thriller psicologico fantascientifico con spunti horror che critica Disney e Disneyland. Partiamo dall’elemento più lampante: Orville, il capo di tutto, è palesemente Walt Disney.
Un’altra feroce stoccata esplicita è all’apparenza fatata dei parchi divertimento, quando in realtà dietro le quinte ci sono sfruttamento e inquinamento.
Poi c’è un dettaglio meno urlato, ma comunque è una frecciatina. Parlo del poster di un seguito che è qualitativamente inferiore rispetto a quello del primo film. Riferimento a quando i capolavori cinematografici della Casa del Topo ad alto budget ricevevano seguiti pensati per le videocassette con studi, tempi e soldi non al livello dell’originale.
Altra critica si nota in un fotogramma in cui si vede una bozza di disegno su cui sono scritte le indicazioni che tarpano le ali ai creativi. Infatti si legge che ad esempio si contesta il ciuffo appuntito e di conseguenza additato di essere troppo violento. Quindi indicazioni che non mirano a creare un’opera d’arte bensì al prodotto commerciale per assecondare il volere “censorio” dei capi.

Dana Terrace mi sa che se l’è legata al dito

L’autrice è Dana Terrace, già creatrice di The Owl House. Infatti se ne è andata sbattendo la porta in aspra polemica con la Disney dopo che quest’ultima ha chiuso la sua creatura nonostante fosse un ottimo successo. Non è questa la sede per disquisire delle ragioni di questa scelta e le tante ipotesi plausibili, che vanno da una “semplice” e ottusa decisione presa di fretta per poi pentirsene a una rappresentazione queer fatta “troppo bene” per dei dirigenti “parrucconi”.

Knights of Guinevere è in 2D

Si tratta della prima serie animata in 2D di Glitch Productions. Ciò denota da un lato un grande coraggio, visto che con The Amazing Digital Circus hanno fatto il botto e un’altra azienda non avrebbe mai cambiato tecnica! Dall’altro Dana Terrace ha avuto, palesemente, carta bianca.

Easter egg

Nella scena della macchina a pesca verticale (la cosiddetta gru) ci sono easter egg di altri personaggi delle serie Glitch, come Pomni e Jax.
Inoltre, in un altro punto dell’episodio si vede una bocca con all’interno un occhio, per me è un chiaro riferimento a Caine, non può essere un caso!

QR

Nella puntata compare un QR che rimanda a una pagina nascosta del sito parkplanet.net in cui compaiono tre immagini tratte da quello che sembra un libro illustrato per bambini. Ovviamente non poteva mancare l’aggiunta che rende il tutto inquietante: sto parlando di scritte e scarabocchi che cambiano totalmente il tono.

In quel quadro manca qualcuno

Nella stanza di Olivia, c’è un ritratto in cui manca il volto della madre. Sono state fatte mille speculazioni che forse non è il caso di riportare in un articolo senza spoiler!

Titoli di coda

Nei titoli di coda vediamo le illustrazioni medievaleggianti, con tanto di armatura, di Francesca e Andrea rispettivamente con uno scudo e con una spada; tutto ciò si abbina perfettamente al titolo della serie! Queste illustrazioni sono disegnate da Faith Schaffer.

Capisci che non stai bene quando crei un paragrafo solo per il nome di un personaggio

Il nome “Francesca“, significava originariamente “persona libera” e/o “proveniente dalla Francia”. Ho riportato questa curiosità perché si collega a Guinevere, che è un nome francese (anche se di origine celtica/gallese), inoltre si sposa alla perfezione con la sua natura genuina e indipendente.

Ovviamente polemiche su Knights of Guinevere!

Potevamo farci mancare polemiche relative a un prodotto chiacchierato? Ovviamente no! Ho abbondantemente descritto quanto questo pilota sia una critica alla Disney. Per questa ragione c’è chi reputa Glitch ipocrita visto che, secondo questa tesi, la casa australiana attacca la multinazionale speculando però anch’essa sui peluche. Non sono d’accordo da tanti punti di vista e, visto che su questo tema non voglio starci troppo, dico solamente che se l’episodio è valido e il merchandise è un di più per finanziarsi in modo da poter pubblicare GRATIS su YouTube io non capisco il problema! Con questo non voglio dire che sia tutto giustificato, anzi. Dico solo che vanno criticate le modalità con le quali si fa il merchandise e se quest’ultimo incida sul processo creativo!

Knights of Guinevere pure in italiano, anche se non ufficiale

Visto che la versione originale del pilota non ha l’italiano, ho una buona notizia per chi ha difficoltà con l’inglese: trovi un doppiaggio amatoriale nella nostra lingua sul canale YouTube N&N Dub Stuff!

Hai visto Knights of Guinevere? Se sì, guarderai il secondo episodio? Vienici a trovare sul nostro Server Discord e sul nostro Gruppo Telegram.

L'articolo Tutto quello che non avevi notato in Knights of Guinevere – NO SPOILER proviene da Nerdando.

Bubble and Shadow

Cavaliere: Questo gioco di carte colpisce per le illustrazioni e i materiali di altissimo livello riuscendo al contempo ad avere un prezzo basso, ma anche il gameplay è divertente e inaspettatamente innovativo. Quindi una vera chicca! Inoltre la recensione (che trovi qui) è anche un’anteprima in quanto questo gioco da tavolo è ora in preordine!

Coyote vs Acme

Cavaliere: Coyote vs. Acme è diventato famoso per la sua travagliata storia durata anni. Lo consiglio visto che è intrattenente e offre anche altro, quindi oltre la narrazione social del film che doveva essere cancellato e altre frasi fatte che lasciano il tempo che trovano. Anche in questo caso non mi dilungo visto che trovi la recensione no spoiler qui!

The Doomies

Cavaliere: Non darò l’Award a The Doomies visto che, per ora, serie come The Amazing Digital Circus e la seconda stagione di Frieren le sono superiori. Ma si tratta di una serie ben fatta, senza puntate del cavolo, semplice e per ragazzi nel senso buono del termine. Inoltre azzecca alla grande l’atmosfera “spooky“, perfetta visto che si avvicina Halloween.
Poi diciamolo, mi lamento che Disney si sia impantanata a produrre sempre le stesse cose, almeno quando pubblica qualcosa di nuovo e di qualità sventoliamolo ai quattro venti! Invece, come sempre accade, non se l’è filata nessuno ed è un gran peccato! Quindi alla fine a The Doomies ho voluto tanto bene.
Puoi guardare questa serie su Disney+, ma senza spoiler ti avverto che la prima stagione “non finisce”.

I Guerrieri di Wyld

Zeno2k: Ovvero: il romanzo che ho sempre sognato di [leggere|scrivere|giocare].

Ovvero: l’idea di trasformare una campagna di Dungeons and Dragons in un romanzo non era così folle e astrusa.

È quello che ha fatto il canadese Nicholas Eames, dando vita a un racconto complesso ma non complicato, divertente, emozionante, un vero sogno per chiunque abbia una certa età (come me) e ne ha passato più di metà dedicata al gioco di ruolo per eccellenza.

In breve, la trama: i componenti della banda Saga, la più famosa banda di mercenari del mondo, vengono riuniti per una missione finale in cui, oltre a tutti gli orrori che puoi trovare nel manuale dei mostri, dovranno essere affrontati quelli più difficili: l’età che avanza, l’amore per la famiglia, lo scendere a patti con il corpo e la mente che cambia.

Imperdibile.

Silo – Stagione 3

Zeno2k: Da grande amante dei libri, ho trovato la produzione Apple TV estremamente ben fatta e convincente.

Ero curioso di sapere cosa avrebbero combinato per gestire l’assenza della protagonista dal secondo volume (che di fatto è un prequel) e la soluzione (prendere dal terzo libro ed espandere) mi ha convinto.

Alcuni passaggi risultano un pelo lenti ma mai stucchevoli, segno di un’ottima scrittura e della grande cura messa nell’espandere quello che nel libro non c’è, così come è stata rimossa buona parte dell’architettura dei Silo e che, probabilmente, virata in TV show sarebbe risultata mortalmente noiosa.

Insomma: non vedo l’ora di vedere la conclusione (sperando che la prossima stagione sia l’ultima).

Constellation

Zeno2k: Noomi Rapace è protagonista di questa miniserie disponibile su Apple TV a tinte fanta-horror. Personalmente l’ho trovata intrigante, magnetica, inquietante al punto giusto e con un bel mix dei temi più caldi al momento, dall’entanglement quantistico agli spazi liminali.

La trama, in breve: a seguito di un incidente a bordo della ISS, l’astronauta svedese Johanna Ericsson torna sulla Terra trovando una situazione (personale) diversa da come la ricordava.

Dal punto di vista produttivo si era ventilata la possibilità che venissero ordinate più stagioni, ma alla fine Apple ha optato per una singola, cancellando la serie.

Il finale è semi-aperto, merita comunque di essere vista.

Onimusha: Way of the Sword

Djando: L’ho scritto già nella mia recensione ma lo ripeto con piacere qui: questa nuovo “capitolo” di Onimusha, a un milione di anni dall’ultima volta che è stato sulle nostre console, mi è piaciuta da matti e la consiglio veramente di cuore.

Una direzione artistica eccellente, una grafica e un motore di gioco senza sbavature, unite a un sistema di combattimento semplice ma profondo e a un protagonista che poche volte ha avuto un aspetto così vivo – oltre che così “noto”, avendo le fattezze del mitico Toshihiro Mifune – ci hanno regalato un gioco che mi ha tenuto incollato allo schermo come non succedeva da un bel po’ di tempo.

E poi si sa, io quando vedo le foglie rosse di acero, non ci capisco più niente.

The Gentlemen

Tencar: La seconda stagione di The Gentlemen ha tutto ciò che adoro in una serie action. Non c’è stato un minuto fuori posto: da vedere su Netflix.

Vuoi chiacchierare e giocare con noi? Vienici a trovare sul nostro Server Discord e sul nostro Gruppo Telegram.

L'articolo #NerdandoConsiglia: Settembre 2026 proviene da Nerdando.

È questione di sguardi

Nel 2000 iniziavo la terza media e in radio passava continuamente una canzone di Paola Turci, Questione di sguardi: melodia orecchiabile, testo romantico e tutte le caratteristiche per diventare una delle canzoni dell’estate, quelle che ti girano in testa e ti ritrovi a canticchiare senza nemmeno accorgertene. La cantavo e ricantavo, ai tempi, e nell’ultimo periodo mi sono ritrovata a riscoprirla e canticchiarla nuovamente. Solo da adulta ho scoperto che in realtà si trattava di una cover: la canzone originale è This Kiss, di Faith Hill e fa parte della colonna sonora di un film del 1998 diventato un vero e proprio cult. Amori & Incantesimi (in originale Practical Magic) io non l’avevo mai visto ma sapevo che era un comfort movie per moltissime persone che conosco e che, come me, amano le streghe, la magia e le atmosfere autunnali. Con l’uscita al cinema di un atteso secondo capitolo e l’intera saga letteraria in ristampa per Mondadori, quale momento migliore per guardare il film per la prima volta?

Il film che si fece cult

Nel 1998 il regista Griffin Dunn dirige Nicole Kidman e Sandra Bullock in Amori & incantesimi, film romantico e magico tratto dai romanzi di Alice Hoffman.
La storia segue le sorelle Sally e Gillian Owens, appartenenti a una stirpe di streghe funestata da un’antica maledizione: sono destinate a veder morire chiunque di cui si innamorino.
Cresciute dalle zie Fran e Jet, le due cercano di venire a patti con il loro destino, tra amori impossibili e sbagliati, magia e accettazione di sé.

Nel momento della sua uscita, Amori & Incantesimi è passato per lo più inosservato, per essere invece riscoperto col tempo. Avendolo guardato per la prima volta nel 2026, posso capire però perché sia diventato un cult così amato: nel film si respirano quelle atmosfere cozy, calde e accoglienti di cui sentiamo tanto il bisogno nella vita frenetica di oggi.
Onestamente, per me Practical Magic (preferisco di gran lunga il titolo originale) è un bel film: le due attrici protagoniste sono bravissime, così come i comprimari (la zia Fran interpretata da Stockard Channing, la Rizzo di Grease, mi ha rubato il cuore). La storia è leggiadra e profonda allo stesso tempo ed è l’ideale per trascorrere un paio d’ore magiche. Che è un po’ quello che al cinema abbiamo sempre chiesto. E la colonna sonora mi ha davvero conquistato!

L’eredità

Sono passati 28 anni ma, alla fine, il tanto desiderato seguito cinematografico è arrivato. Amori & Incantesimi 2 è arrivato nelle sale di tutto il mondo questo settembre e prende ispirazione da un altro libro della saga di Alice Hoffman.
Diretto da Susanne Bier, il film recupera il cast originale quasi al completo (con l’eccezione delle interpreti delle figlie di Sally, Kylie e Antonia, che sarebbero state troppo grandi per l’età dei personaggi nel film), con grande gioia dei fan.

Al momento in cui scrivo, non ho ancora avuto occasione di andare al cinema a vederlo ma intendo recuperare proprio in questi giorni: è per questo che non mi sono addentrata troppo a cercare dettagli sulla pellicola, voglio godermi la visione senza spoiler o anticipazioni. Sul sequel, quindi, ci leggiamo nelle prossime settimane!

Il prototipo

Ma Practical Magic nasce, prima di tutto, in forma letteraria. Il cult del 1998 e il suo seguito, infatti, non sarebbero esistiti senza i romanzi di Alice Hoffman. Il giardino delle magie, Le regole della magia, Lezioni di magia e Il libro delle magie sono stati a lungo introvabili in Italia e, proprio in occasione dell’uscita al cinema del nuovo film, Oscar Vault li ha ripubblicati.

Practical Magic, questo il titolo della raccolta, è uscito a settembre in edizione “Draghi“: un corposo volume unico che contiene i quattro romanzi della saga, al prezzo di copertina di 35,00€.
Non un formato “da viaggio”, va detto, ma non mi sono lasciata sfuggire l’occasione di poter finalmente leggere i romanzi che hanno dato il via a tutto.
L’edizione mi piace molto, la carta opaca offre un buon comfort di lettura e la copertina (molto criticata, in realtà) a me piace molto. Non ho ancora iniziato a leggere: il formato particolarmente ingombrante non mi permette di portarmi il volume in giro in borsa come sono abituata a fare per leggere qualche pagina tra un impegno e l’altro ma non vedo l’ora di iniziare e scoprire se ritroverò tra le pagine quella magia che mi ha conquistata su schermo!

Vuoi chiacchierare e giocare con noi? Vienici a trovare sul nostro Server Discord e sul nostro Gruppo Telegram.

L'articolo Practical Magic – Un cult anni Novanta scoperto oggi proviene da Nerdando.

Ci addentriamo nell’autunno e, mentre le foglie iniziano a ingiallire, è il momento perfetto per scoprire le novità home video di Eagle Pictures per ottobre 2026.

Si comincia con le novità e, dal 2 ottobre, potremo gustarci un nuovo capitolo di una delle saghe fantascientifiche più amate e prolifiche di sempre. Il regno del pianeta delle scimmie sarà disponibile nei formati DVD, Blu-Ray, 4K (doppio disco BD 4K + BD HD) e una imperdibile Steelbook da collezione.

Per chi ama l’animazione, la data da segnare in agenda è il 9 ottobre, quando sarà disponibile il cult Inside Out 2. Il campione d’incassi Disney-Pixar sarà nei formati DVD, Blu-Ray e Steelbook Blu-Ray insieme a tantissimi contenuti extra.

A partire dal 17 ottobre, da non perdere la commedia action firmata da Richard Linklater Hit Man –  Un killer per caso. Lo troverai nei formati DVD e Blu-Ray.

Il 24 ottobre esordisce la nuova collana 4Kult Prestige e lo fa in grande stile: questo mese è previsto infatti il Cofanetto Carpenter. La digipack limited edition con slipcase numerata contiene 2 locandine, 4 card e 4 foto da collezione. I film inclusi nel cofanetto, in BD 4K e BD HD, sono Fog, Essi Vivono, 1997 Fuga da New York e Il signore del male.
Questo mese la collana si arricchisce anche dell’edizione 4K di Apocalypse Now. Il capolavoro di Francis Ford Coppola sarà in digipack limited edition con slipcase numerata contenente una locandina, una card, 4 foto da collezione e un booklet esclusivo di 16 pagine.

Il 24 ottobre arriva anche, per la prima volta in versione combo (doppio formato DVD e Blu-Ray) Perfect Blue, leggendario psycho-thriller d’animazione del Maestro giapponese Satoshi Kon.

Sempre il 24 ottobre sono attesi Kind of Kindness, di Yorgos Lanthimos e il cofanetto Columbia Classics – Vol. 5, che celebra il centenario della Columbia con sei titoli rimasterizzati in 4K Ultra HD: Tutti gli uomini del re, Fronte del porto, Un uomo per tutte le stagioni, Tootsie, L’età dell’innocenza, Piccole Donne.

Vuoi chiacchierare e giocare con noi? Vienici a trovare sul nostro Server Discord e sul nostro Gruppo Telegram.

L'articolo Eagle Pictures – Le novità di ottobre 2026 proviene da Nerdando.

Lo guardo o non lo guardo?

L’ho recuperato adesso, The Drama. Dopo che quasi tutti mi avevano detto di non vederlo. L’ho fatto comunque e non so ancora se me ne sia pentita.

“Davvero è questo?“.
Credo sia la reazione più sincera di qualsiasi spettatore che lo guarda oltre i confini americani.

Le aspettative erano alte. E, sorprendentemente, ero riuscita a non farmi influenzare dai pareri altrui, che lo descrivevano come una delusione. Anche perché i protagonisti non sono per me volti qualunque: Zendaya e, soprattutto, Robert Pattinson hanno segnato un pezzo della mia infanzia. E qui danno prova, ancora una volta, della loro bravura. Zendaya è magnetica nei momenti più disturbanti; Pattinson, invece, sembra quasi interpretare una versione di se stesso — mi viene in mente il suo modo di rispondere durante le interviste ai tempi di Twilight, sempre sul filo dell’autosabotaggio.

Trama

Il film mette in scena la morale, il giudizio, cui tutti sono sottoposti, entro lo schermo e nella vita.
Il contesto è un matrimonio imminente. I due protagonisti, futuri sposi, organizzano una cena con la coppia di amici che farà loro da testimoni. Tra un bicchiere e l’altro — e a partire da un commento apparentemente banale sulla DJ del matrimonio, sorpresa a fumare erba sul ciglio della strada — si innesca un gioco pericoloso: rivelare la cosa peggiore mai fatta, a turno.

Da lì in poi, la tensione cresce. Lo spannung lascia presagire una rivelazione choc, soprattutto da parte di Emma, personaggio di Zendaya, ultima a parlare. Ci si aspetta un’esplosione, qualcosa che superi quantomeno il segreto dell’amica Rachel — da cui però si potrebbe ricavare l’apertura di una seconda parte. Lo speravo davvero.

Poi il segreto scivola tranquillamente dalla bocca di Emma.
E non succede nulla o, meglio, non succede quello che ci si aspetta. Si tratta di un’intenzione, mai realizzata. Un’ombra, non un atto. E proprio per questo destabilizza.
Sembra addirittura paradossale che sia Rachel a scagliare la prima pietra.
Non voglio essere fraintesa: non è meno grave, riflette anzi e senz’altro una società precisa. Ma resta lontana dall’immaginario “gotico” che il film sembrava promettere.

Un film che invita alla riflessione

E, mentre sullo schermo vorresti vedere di tutto tranne che le immagini imbarazzanti di una giovane Emma, continui a chiederti con morbosa insistenza perché sia proprio l’amica a iniziare a giudicare, seguita ovviamente dal testimone Mike e dal futuro sposo Charlie. Tutti loro sono consapevoli della gravità del loro segreto, tra l’altro un fatto compiuto, non solo immaginato.
Lì, allora, le domande che ti poni sono altre e sottopongono te stesso a giudizio: in quale momento inizia la colpa? E in quale subentra la morale? Quando hai l’intenzione di compiere un gesto ma non lo puoi fare? Quando lo pensi ma non lo devi fare? E se lo volessi compiere ma le circostanze te lo impedissero, saresti comunque colpevole?

E quando, allora, subentra il giudizio? Prima di compierla? Quando è compiuta?
Sono immorale se non voglio giudicare Emma perché l’ha pensato, sì, l’ha progettato, ma non l’ha fatto?
Quello che intendo è: siamo autorizzati a giudicare un’intenzione allo stesso modo di un’azione?

Il cortocircuito inizia qui. Chi accusa è davvero nella posizione di farlo? E perché un’intenzione viene trattata come un crimine, mentre un gesto concreto sembra quasi passare in secondo piano?

Insomma, Kristoffer Borgli ha colpito nel segno: poche azioni, tanti pensieri. Fino all’ultimo ci si aspetta che qualcuno scatti. Ma, alla fine, non scatta nulla. Tutto rimane uguale, sospeso. Tutto torna alla normalità e, sempre paradossalmente, si annulla la tensione all’equilibrio dopo la crisi. Non c’è un ristabilimento, c’è una rimozione. Perché nulla cambia, eppure è cambiato tutto.
Alla fine ci ho pensato: non mi pento di averlo visto. Anche se non sono americana.

Vuoi chiacchierare e giocare con noi? Vienici a trovare sul nostro Server Discord e sul nostro Gruppo Telegram.

Trailer

L'articolo The Drama – Un’ottima delusione proviene da Nerdando.