Bubble and Shadow

Cavaliere: Questo gioco di carte colpisce per le illustrazioni e i materiali di altissimo livello riuscendo al contempo ad avere un prezzo basso, ma anche il gameplay è divertente e inaspettatamente innovativo. Quindi una vera chicca! Inoltre la recensione (che trovi qui) è anche un’anteprima in quanto questo gioco da tavolo è ora in preordine!

Coyote vs Acme

Cavaliere: Coyote vs. Acme è diventato famoso per la sua travagliata storia durata anni. Lo consiglio visto che è intrattenente e offre anche altro, quindi oltre la narrazione social del film che doveva essere cancellato e altre frasi fatte che lasciano il tempo che trovano. Anche in questo caso non mi dilungo visto che trovi la recensione no spoiler qui!

The Doomies

Cavaliere: Non darò l’Award a The Doomies visto che, per ora, serie come The Amazing Digital Circus e la seconda stagione di Frieren le sono superiori. Ma si tratta di una serie ben fatta, senza puntate del cavolo, semplice e per ragazzi nel senso buono del termine. Inoltre azzecca alla grande l’atmosfera “spooky“, perfetta visto che si avvicina Halloween.
Poi diciamolo, mi lamento che Disney si sia impantanata a produrre sempre le stesse cose, almeno quando pubblica qualcosa di nuovo e di qualità sventoliamolo ai quattro venti! Invece, come sempre accade, non se l’è filata nessuno ed è un gran peccato! Quindi alla fine a The Doomies ho voluto tanto bene.
Puoi guardare questa serie su Disney+, ma senza spoiler ti avverto che la prima stagione “non finisce”.

I Guerrieri di Wyld

Zeno2k: Ovvero: il romanzo che ho sempre sognato di [leggere|scrivere|giocare].

Ovvero: l’idea di trasformare una campagna di Dungeons and Dragons in un romanzo non era così folle e astrusa.

È quello che ha fatto il canadese Nicholas Eames, dando vita a un racconto complesso ma non complicato, divertente, emozionante, un vero sogno per chiunque abbia una certa età (come me) e ne ha passato più di metà dedicata al gioco di ruolo per eccellenza.

In breve, la trama: i componenti della banda Saga, la più famosa banda di mercenari del mondo, vengono riuniti per una missione finale in cui, oltre a tutti gli orrori che puoi trovare nel manuale dei mostri, dovranno essere affrontati quelli più difficili: l’età che avanza, l’amore per la famiglia, lo scendere a patti con il corpo e la mente che cambia.

Imperdibile.

Silo – Stagione 3

Zeno2k: Da grande amante dei libri, ho trovato la produzione Apple TV estremamente ben fatta e convincente.

Ero curioso di sapere cosa avrebbero combinato per gestire l’assenza della protagonista dal secondo volume (che di fatto è un prequel) e la soluzione (prendere dal terzo libro ed espandere) mi ha convinto.

Alcuni passaggi risultano un pelo lenti ma mai stucchevoli, segno di un’ottima scrittura e della grande cura messa nell’espandere quello che nel libro non c’è, così come è stata rimossa buona parte dell’architettura dei Silo e che, probabilmente, virata in TV show sarebbe risultata mortalmente noiosa.

Insomma: non vedo l’ora di vedere la conclusione (sperando che la prossima stagione sia l’ultima).

Constellation

Zeno2k: Noomi Rapace è protagonista di questa miniserie disponibile su Apple TV a tinte fanta-horror. Personalmente l’ho trovata intrigante, magnetica, inquietante al punto giusto e con un bel mix dei temi più caldi al momento, dall’entanglement quantistico agli spazi liminali.

La trama, in breve: a seguito di un incidente a bordo della ISS, l’astronauta svedese Johanna Ericsson torna sulla Terra trovando una situazione (personale) diversa da come la ricordava.

Dal punto di vista produttivo si era ventilata la possibilità che venissero ordinate più stagioni, ma alla fine Apple ha optato per una singola, cancellando la serie.

Il finale è semi-aperto, merita comunque di essere vista.

Onimusha: Way of the Sword

Djando: L’ho scritto già nella mia recensione ma lo ripeto con piacere qui: questa nuovo “capitolo” di Onimusha, a un milione di anni dall’ultima volta che è stato sulle nostre console, mi è piaciuta da matti e la consiglio veramente di cuore.

Una direzione artistica eccellente, una grafica e un motore di gioco senza sbavature, unite a un sistema di combattimento semplice ma profondo e a un protagonista che poche volte ha avuto un aspetto così vivo – oltre che così “noto”, avendo le fattezze del mitico Toshihiro Mifune – ci hanno regalato un gioco che mi ha tenuto incollato allo schermo come non succedeva da un bel po’ di tempo.

E poi si sa, io quando vedo le foglie rosse di acero, non ci capisco più niente.

The Gentlemen

Tencar: La seconda stagione di The Gentlemen ha tutto ciò che adoro in una serie action. Non c’è stato un minuto fuori posto: da vedere su Netflix.

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È questione di sguardi

Nel 2000 iniziavo la terza media e in radio passava continuamente una canzone di Paola Turci, Questione di sguardi: melodia orecchiabile, testo romantico e tutte le caratteristiche per diventare una delle canzoni dell’estate, quelle che ti girano in testa e ti ritrovi a canticchiare senza nemmeno accorgertene. La cantavo e ricantavo, ai tempi, e nell’ultimo periodo mi sono ritrovata a riscoprirla e canticchiarla nuovamente. Solo da adulta ho scoperto che in realtà si trattava di una cover: la canzone originale è This Kiss, di Faith Hill e fa parte della colonna sonora di un film del 1998 diventato un vero e proprio cult. Amori & Incantesimi (in originale Practical Magic) io non l’avevo mai visto ma sapevo che era un comfort movie per moltissime persone che conosco e che, come me, amano le streghe, la magia e le atmosfere autunnali. Con l’uscita al cinema di un atteso secondo capitolo e l’intera saga letteraria in ristampa per Mondadori, quale momento migliore per guardare il film per la prima volta?

Il film che si fece cult

Nel 1998 il regista Griffin Dunn dirige Nicole Kidman e Sandra Bullock in Amori & incantesimi, film romantico e magico tratto dai romanzi di Alice Hoffman.
La storia segue le sorelle Sally e Gillian Owens, appartenenti a una stirpe di streghe funestata da un’antica maledizione: sono destinate a veder morire chiunque di cui si innamorino.
Cresciute dalle zie Fran e Jet, le due cercano di venire a patti con il loro destino, tra amori impossibili e sbagliati, magia e accettazione di sé.

Nel momento della sua uscita, Amori & Incantesimi è passato per lo più inosservato, per essere invece riscoperto col tempo. Avendolo guardato per la prima volta nel 2026, posso capire però perché sia diventato un cult così amato: nel film si respirano quelle atmosfere cozy, calde e accoglienti di cui sentiamo tanto il bisogno nella vita frenetica di oggi.
Onestamente, per me Practical Magic (preferisco di gran lunga il titolo originale) è un bel film: le due attrici protagoniste sono bravissime, così come i comprimari (la zia Fran interpretata da Stockard Channing, la Rizzo di Grease, mi ha rubato il cuore). La storia è leggiadra e profonda allo stesso tempo ed è l’ideale per trascorrere un paio d’ore magiche. Che è un po’ quello che al cinema abbiamo sempre chiesto. E la colonna sonora mi ha davvero conquistato!

L’eredità

Sono passati 28 anni ma, alla fine, il tanto desiderato seguito cinematografico è arrivato. Amori & Incantesimi 2 è arrivato nelle sale di tutto il mondo questo settembre e prende ispirazione da un altro libro della saga di Alice Hoffman.
Diretto da Susanne Bier, il film recupera il cast originale quasi al completo (con l’eccezione delle interpreti delle figlie di Sally, Kylie e Antonia, che sarebbero state troppo grandi per l’età dei personaggi nel film), con grande gioia dei fan.

Al momento in cui scrivo, non ho ancora avuto occasione di andare al cinema a vederlo ma intendo recuperare proprio in questi giorni: è per questo che non mi sono addentrata troppo a cercare dettagli sulla pellicola, voglio godermi la visione senza spoiler o anticipazioni. Sul sequel, quindi, ci leggiamo nelle prossime settimane!

Il prototipo

Ma Practical Magic nasce, prima di tutto, in forma letteraria. Il cult del 1998 e il suo seguito, infatti, non sarebbero esistiti senza i romanzi di Alice Hoffman. Il giardino delle magie, Le regole della magia, Lezioni di magia e Il libro delle magie sono stati a lungo introvabili in Italia e, proprio in occasione dell’uscita al cinema del nuovo film, Oscar Vault li ha ripubblicati.

Practical Magic, questo il titolo della raccolta, è uscito a settembre in edizione “Draghi“: un corposo volume unico che contiene i quattro romanzi della saga, al prezzo di copertina di 35,00€.
Non un formato “da viaggio”, va detto, ma non mi sono lasciata sfuggire l’occasione di poter finalmente leggere i romanzi che hanno dato il via a tutto.
L’edizione mi piace molto, la carta opaca offre un buon comfort di lettura e la copertina (molto criticata, in realtà) a me piace molto. Non ho ancora iniziato a leggere: il formato particolarmente ingombrante non mi permette di portarmi il volume in giro in borsa come sono abituata a fare per leggere qualche pagina tra un impegno e l’altro ma non vedo l’ora di iniziare e scoprire se ritroverò tra le pagine quella magia che mi ha conquistata su schermo!

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Ci addentriamo nell’autunno e, mentre le foglie iniziano a ingiallire, è il momento perfetto per scoprire le novità home video di Eagle Pictures per ottobre 2026.

Si comincia con le novità e, dal 2 ottobre, potremo gustarci un nuovo capitolo di una delle saghe fantascientifiche più amate e prolifiche di sempre. Il regno del pianeta delle scimmie sarà disponibile nei formati DVD, Blu-Ray, 4K (doppio disco BD 4K + BD HD) e una imperdibile Steelbook da collezione.

Per chi ama l’animazione, la data da segnare in agenda è il 9 ottobre, quando sarà disponibile il cult Inside Out 2. Il campione d’incassi Disney-Pixar sarà nei formati DVD, Blu-Ray e Steelbook Blu-Ray insieme a tantissimi contenuti extra.

A partire dal 17 ottobre, da non perdere la commedia action firmata da Richard Linklater Hit Man –  Un killer per caso. Lo troverai nei formati DVD e Blu-Ray.

Il 24 ottobre esordisce la nuova collana 4Kult Prestige e lo fa in grande stile: questo mese è previsto infatti il Cofanetto Carpenter. La digipack limited edition con slipcase numerata contiene 2 locandine, 4 card e 4 foto da collezione. I film inclusi nel cofanetto, in BD 4K e BD HD, sono Fog, Essi Vivono, 1997 Fuga da New York e Il signore del male.
Questo mese la collana si arricchisce anche dell’edizione 4K di Apocalypse Now. Il capolavoro di Francis Ford Coppola sarà in digipack limited edition con slipcase numerata contenente una locandina, una card, 4 foto da collezione e un booklet esclusivo di 16 pagine.

Il 24 ottobre arriva anche, per la prima volta in versione combo (doppio formato DVD e Blu-Ray) Perfect Blue, leggendario psycho-thriller d’animazione del Maestro giapponese Satoshi Kon.

Sempre il 24 ottobre sono attesi Kind of Kindness, di Yorgos Lanthimos e il cofanetto Columbia Classics – Vol. 5, che celebra il centenario della Columbia con sei titoli rimasterizzati in 4K Ultra HD: Tutti gli uomini del re, Fronte del porto, Un uomo per tutte le stagioni, Tootsie, L’età dell’innocenza, Piccole Donne.

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Lo guardo o non lo guardo?

L’ho recuperato adesso, The Drama. Dopo che quasi tutti mi avevano detto di non vederlo. L’ho fatto comunque e non so ancora se me ne sia pentita.

“Davvero è questo?“.
Credo sia la reazione più sincera di qualsiasi spettatore che lo guarda oltre i confini americani.

Le aspettative erano alte. E, sorprendentemente, ero riuscita a non farmi influenzare dai pareri altrui, che lo descrivevano come una delusione. Anche perché i protagonisti non sono per me volti qualunque: Zendaya e, soprattutto, Robert Pattinson hanno segnato un pezzo della mia infanzia. E qui danno prova, ancora una volta, della loro bravura. Zendaya è magnetica nei momenti più disturbanti; Pattinson, invece, sembra quasi interpretare una versione di se stesso — mi viene in mente il suo modo di rispondere durante le interviste ai tempi di Twilight, sempre sul filo dell’autosabotaggio.

Trama

Il film mette in scena la morale, il giudizio, cui tutti sono sottoposti, entro lo schermo e nella vita.
Il contesto è un matrimonio imminente. I due protagonisti, futuri sposi, organizzano una cena con la coppia di amici che farà loro da testimoni. Tra un bicchiere e l’altro — e a partire da un commento apparentemente banale sulla DJ del matrimonio, sorpresa a fumare erba sul ciglio della strada — si innesca un gioco pericoloso: rivelare la cosa peggiore mai fatta, a turno.

Da lì in poi, la tensione cresce. Lo spannung lascia presagire una rivelazione choc, soprattutto da parte di Emma, personaggio di Zendaya, ultima a parlare. Ci si aspetta un’esplosione, qualcosa che superi quantomeno il segreto dell’amica Rachel — da cui però si potrebbe ricavare l’apertura di una seconda parte. Lo speravo davvero.

Poi il segreto scivola tranquillamente dalla bocca di Emma.
E non succede nulla o, meglio, non succede quello che ci si aspetta. Si tratta di un’intenzione, mai realizzata. Un’ombra, non un atto. E proprio per questo destabilizza.
Sembra addirittura paradossale che sia Rachel a scagliare la prima pietra.
Non voglio essere fraintesa: non è meno grave, riflette anzi e senz’altro una società precisa. Ma resta lontana dall’immaginario “gotico” che il film sembrava promettere.

Un film che invita alla riflessione

E, mentre sullo schermo vorresti vedere di tutto tranne che le immagini imbarazzanti di una giovane Emma, continui a chiederti con morbosa insistenza perché sia proprio l’amica a iniziare a giudicare, seguita ovviamente dal testimone Mike e dal futuro sposo Charlie. Tutti loro sono consapevoli della gravità del loro segreto, tra l’altro un fatto compiuto, non solo immaginato.
Lì, allora, le domande che ti poni sono altre e sottopongono te stesso a giudizio: in quale momento inizia la colpa? E in quale subentra la morale? Quando hai l’intenzione di compiere un gesto ma non lo puoi fare? Quando lo pensi ma non lo devi fare? E se lo volessi compiere ma le circostanze te lo impedissero, saresti comunque colpevole?

E quando, allora, subentra il giudizio? Prima di compierla? Quando è compiuta?
Sono immorale se non voglio giudicare Emma perché l’ha pensato, sì, l’ha progettato, ma non l’ha fatto?
Quello che intendo è: siamo autorizzati a giudicare un’intenzione allo stesso modo di un’azione?

Il cortocircuito inizia qui. Chi accusa è davvero nella posizione di farlo? E perché un’intenzione viene trattata come un crimine, mentre un gesto concreto sembra quasi passare in secondo piano?

Insomma, Kristoffer Borgli ha colpito nel segno: poche azioni, tanti pensieri. Fino all’ultimo ci si aspetta che qualcuno scatti. Ma, alla fine, non scatta nulla. Tutto rimane uguale, sospeso. Tutto torna alla normalità e, sempre paradossalmente, si annulla la tensione all’equilibrio dopo la crisi. Non c’è un ristabilimento, c’è una rimozione. Perché nulla cambia, eppure è cambiato tutto.
Alla fine ci ho pensato: non mi pento di averlo visto. Anche se non sono americana.

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Trailer

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Recensione

Quando Resident Evil fece la sua comparsa per la prima volta correva l’anno 1996, i nostri monitor a tubo catodico misuravano circa 15 pollici, le radio cicalavano i successi delle Spice Girls, Fox Mulder continuava a “credere” e io, beh, io ero piantato al mio quarto anno di università.

Tutti questi fatti mirabili – a eccezione dell’ultimo, ovviamente – avrebbero rappresentato tasselli essenziali nella vita di coloro che hanno attraversato gli anni ’90 nel pieno della loro giovinezza.
Tutti mirabili, appunto, ma, forse, nel cuore di molti il posto più speciale è occupato ancora da Resident Evil.

Ringrazio Sony Pictures per l’invito alla proiezione per la stampa.

Come ti rimescolo i media

Fa un certo effetto pensare al ribaltamento velocissimo che si è registrato nel rapporto tra videogiochi e cinema nel corso degli anni.
Se ripensiamo agli anni ’90, ci rendiamo conto che quella era l’epoca dei disastrosi tie-in, videogiochi sviluppati su licenza in brevissimo tempo per sfruttare l’onda del successo di roboanti film.
In quel tempo, i videogiochi erano tristi epigoni al servizio dei film, di cui inseguivano l’ispirazione e, da ultimo, il successo.

Oggi il rapporto di fatto si è invertito.

Il mondo del cinema è sempre più asfittico, privo di idee e allora ecco che fioriscono i sequel/prequel, i remake, e le trasposizioni di videogiochi famosi.
Quella di Resident Evil, d’altronde, è una delle più emblematiche e rappresenta, credo, la più longeva.
Inaugurata nel 2002 ha sempre cercato, più o meno fedelmente, di seguire le orme del videogioco, sia per atmosfera sia per lore, sebbene con risultati altalenanti.

Così, dopo ben sette film e un reboot un po’ “meh”, qualcuno lì, ai piani alti, deve aver sentito l’impellenza di un cambiamento.
Le premesse per un successo stavolta ci sono tutte.
Il regista pare avere talento da vendere e, stando alle sue dichiarazioni, con questa opera vuole dare alla saga un capitolo di rottura.
Come? Beh, semplice, ambientando nell’universo di Resident Evil una storia completamente inedita con personaggi altrettanto sconosciuti.
Sarà l’idea vincente?

Non esistono più mestieri tranquilli

Che occuparsi di consegne sia un mestiere faticoso, credo sia cosa cognita, ma che, addirittura, potesse mettere il povero fattorino a confronto con un’apocalisse zombie, beh, questa è una situazione davvero impensabile.
E, se è insolita la premessa, ti lascio immaginare il resto!

La storia narra le vicende di Bryan, interpretato da un bravissimo, quanto (a me) sconosciuto Austin Abrams, un corriere che viene incaricato di trasportare materiale medico in quel di Raccoon City, di notte e nel pieno di una tempesta di neve.
Basteranno pochi minuti al nostro antieroe per precipitare in una situazione kafkiana che lo vedrà confrontarsi con una donna zombie piuttosto insistente, un cane non-miglior amico dell’uomo e una fantastica creatura-Cirque Du Soleil dalle mani lunghe.
E questo è solo l’inizio!

Con un montaggio serratissimo, ben presto seguiranno altre situazioni, in cui il nostro anti-eroe potrà dare pieno sfoggio della sua umanissima e simpatica inadeguatezza. Ad accomunarle ci sarà sempre la totale assenza di controllo di Bryan su tutto quanto gli capita attorno e a cui reagisce come reagiremmo un po’ tutti: imprecando (il suo “What the F***k è un vero tormentone), scappando e sparando (quasi sempre mancando il bersaglio).

È quindi da subito che lo spettatore/fan è costretto a confrontarsi con la prima grande rottura rispetto al passato, forse la più evidente: scordatevi il machismo di Leon o il sangue freddo di Jill, qui abbiamo un fattorino che si comporta da fattorino e che, peraltro, a dirla tutta, è perseguitato da una sfiga fantozziana.

Tra Voltaire e Shaun (no, non la pecora)

Nell’ora e trenta che segue, osserviamo, quindi, il nostro buon Bryan sballottato da una situazione disperata all’altra, sul filo di una trama che è, a tutti gli effetti, un mero pretesto per goderci questo viaggio all’inferno.

Calato in una serie di incubi, il protagonista affronta ogni situazione con l’innocenza di Candido e l’inadeguatezza di Shaun.
Ecco, se non rischiassi di passare per eretico, mi sentirei di dire che questo film, in diversi momenti, mi ha fatto rivivere la gloria di quel gran cult che è Shaun of the Dead (da noi genialmente tradotto in L’Alba dei Morti Dementi).
Anche qui l’ironia sfocia nella demenzialità a causa dell’inadeguatezza del protagonista di fronte alle situazioni da incubo in cui si trova coinvolto.

È questione di gusti ovviamente, ma a me questo tipo di horror, capace di spezzare un sorriso con un salto dalla sedia, piace anche più dell’horror più serioso e classico.
Peraltro, nel discreto numero di situazioni folli in cui viene a trovarsi Bryan, ve ne sono diverse che anche visivamente suggestionano moltissimo e rimangono impresse. Che dire, per esempio, della pioggia di zombie tra i palazzi o della scena dell’ascensore che si sgretola all’interno della Umbrella Corp.? Chicche del genere nel franchise di Resident Evil, te lo assicuro, non si erano mai viste.

Insomma, non farmi dire di più sulla trama, ma tra una grassa risata e un brivido, il film riesce a costruire una tensione che non ti mollerà mai neanche un secondo.

Caccia all’indizio

So già cosa stai pensando, qualcosa del tipo “Raga, ma allora sto film è una figata, corro a vederlo” (vabbè i miei pensieri, per forza di cose, usano un linguaggio da boomer…), ma mi trovo costretto a fermarti.

E già, perché il titolo di un film non è un fatto secondario, che può essere bellamente ignorato, soprattutto quando si porta dietro un simile lignaggio.
Insomma, va bene la storia inedita, va bene rinunciare – e per fortuna, direi – alle battutacce di Leon, ma di Resident Evil in questo film cosa rimane?
E qui, diciamocelo francamente, scatta la caccia all’indizio, perché nel corso della visione a dimenticarsi di stare vedendo un film appartenente a questo franchise si fa presto.

Io, personalmente, ho contato una decina di “riferimenti” al videogioco, tra quelli più evidenti (la macchina da scrivere o la scatola delle cartucce) a quelli più velati (il cambio di visuale in prima persona con l’arma in pugno ecc.), ma ci limitiamo a quello.

Uscendo dalla sala, ho captato il commento di una persona che ha detto “se si fosse chiamato in un altro modo, il film sarebbe stato meglio”. Non credo, in realtà, non sarebbe stato meglio, sarebbe stato semplicemente più corretto.

A dirla tutta, di un videogioco che ha fatto dei morti viventi i protagonisti assoluti del lore rimane poco e niente.
Vedere le strade di Raccoon City, nella timeline del secondo capitolo peraltro, deserte o quasi, un po’ sconforta. Anche di zombie veri e propri se ne vedono pochini, mentre si affacciano nell’universo del franchise creature che, sebbene azzeccatissime, sono di fatto inventate di sana pianta.
Insomma l’impressione che questo film Zach Cregger l’avesse in mente già da prima che gli fosse proposto di dirigere un capitolo di Resident Evil è piuttosto forte.

In conclusione

Ed è arrivato il momento di tirare le fila del discorso.

Mai come in questo caso, vorrei poter assegnare all’opera un doppio voto, perché, se come film horror a mio avviso funziona perfettamente, come capitolo di Resident Evil potrebbe irritare anche i fan meno accaniti.

Premessa la futilità della storia e la bontà della caratterizzazione dei personaggi – regola d’oro, questa, per ogni ottimo horror –, il film diverte, emoziona e spaventa sul filo di un ritmo che si mantiene indiavolato per tutta la sua durata, trovando persino le energie per riservare, allo sfiancato spettatore, un bel plot-twist finale.
Bravissimo Austin Abrams e bravissimo Zach Cregger, ma, porca miseria, chiamarlo in un altro modo, no!?!

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Nerdando in breve

Ironia e tensione, demenzialità e orrore, tutto in 90 minuti che bruciano in un secondo.

Trailer

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L’evento

Nel fine settimana 11-13 settembre si è svolto il Pescara Comix 2026: la manifestazione ha celebrato la XIII edizione, dal titolo Age of Heroes, nella ormai consueta location del Pala Dean Martin di Montesilvano.
Tra i molti appuntamenti, nel primo pomeriggio di domenica Tencar e io abbiamo assistito alla proiezione del docufilm Semplice Cliente, che racconta la storia di una delle prime icone di viralità che l’Italia ricordi: Mario Magnotta.

L’icona

Io con le audiocassette del celebre scherzo a Mario Magnotta non ci sono cresciuta, le ho scoperte da grande. Ma conosco moltissime persone, in tutta Italia, per le quali hanno rappresentato un vero e proprio pezzo di vita.
Mario Magnotta era un bidello aquilano vittima di alcuni scherzi telefonici circa una fantomatica lavatrice, il cui contratto di acquisto lo avrebbe obbligato a nuove spese periodiche.

Il tutto era nato come un semplice scherzo telefonico tra conoscenti, come ce ne sono tanti. L’anno era il 1987: la tecnologia era molto diversa da quella che conosciamo oggi, identificare l’autore di una telefonata non era semplice e immediato come siamo abituati noi. E così, Mario Magnotta ci casca in pieno: è convinto di parlare davvero con il Direttore dell’azienda e poi con vari rappresentanti della ditta. E va in escandescenza quando le cose diventano troppo surreali, con risultati involontariamente comici.

Poteva finire tutto lì ma qualcuno ha diffuso i nastri, creando il primo fenomeno virale vero e proprio a cui abbiamo assistito. Quelle cassette vengono ascoltate in lungo e in largo e Mario Magnotta diventa un vero e proprio personaggio di costume. Tanto che oggi, a distanza di quasi 40 anni, non c’è solo un fumetto ispirato alla vicenda (Magnotta Wars) ma anche un film e un vasto merchandising (a proposito, l’ultima uscita è il libro da colorare: lo adoro!).

Il film

Semplice Cliente è il docufilm che racconta tutta la vicenda, coinvolgendo anche i protagonisti. Gli autori dello scherzo, naturalmente, ma anche Romina, la figlia di Mario Magnotta.
La proiezione al Pescara Comix è stata introdotta da Alessio De Leonardis, autore e regista della pellicola, e dal produttore Stefano Bacchiocchi in rappresentanza di Duende Film.

E, devo dirlo, si è trattato di una proiezione emozionante. Il docufilm viaggia in perfetto equilibrio tra ricordi, umanità e ironia, tutti in giuste dosi. Non c’è voyeurismo o ricerca della macchietta, in Semplice Cliente, ma il racconto autentico di una storia e di una figura che è stata profondamente amata dal pubblico e dai suoi concittadini.
A me, lo ammetto senza vergogna, è scesa perfino una lacrimuccia. Una scoperta che mi ha conquistato e che, se non l’hai ancora visto, ti consiglio di recuperare!

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Ci stiamo avvicinando inesorabilmente (o forse dovrei dire ineluttabilmente?) all’arrivo nelle sale cinematografiche di Avengers: Doomsday, il nuovo gigantesco appuntamento del Marvel Cinematic Universe dedicato agli Avengers.

E di Doomsday, diciamolo, abbiamo già sentito parlare parecchio. Tra annunci, teaser, trailer, ritorni più o meno improbabili e notizie bomba che personalmente avrei preferito scoprire direttamente al cinema invece che mesi prima, Marvel ha deciso di prepararci con largo anticipo. Pensate soltanto a Robert Downey Jr.: non sarebbe stato meraviglioso entrare in sala senza sapere nulla e scoprire lì, davanti allo schermo, che il volto di Tony Stark era diventato quello di Victor Von Doom? Io probabilmente sarei morta sul posto, ma almeno sarei morta felice.

Avengers: Doomsday sarà il quinto film degli Avengers e addirittura il 39º film del Marvel Cinematic Universe, quel piccolo esperimento cinematografico iniziato nel lontano 2008 con Iron Man e trasformatosi nel frattempo in un mostro tentacolare composto da film, serie TV, speciali, universi paralleli, linee temporali, mutanti, dei, stregoni e gente che dovrebbe essere morta ma evidentemente aveva altri impegni.

Siamo ormai nella Fase 6, verso la conclusione della cosiddetta Multiverse Saga, e Doomsday farà da gigantesco preludio ad Avengers: Secret Wars, previsto per il 2027.

A questo punto qualcuno potrebbe avere una domanda perfettamente ragionevole: ma per vedere Doomsday devo davvero recuperare diciotto anni di MCU?

La risposta ufficiale da vera fan Marvel è ovviamente solo una: sì. TUTTO.

I film, le serie, gli speciali, le scene post-credit. Se un personaggio è comparso per sette secondi in fondo a un episodio di una serie del 2021, tu devi sapere chi è, cosa vuole e possibilmente anche il gruppo sanguigno.

La risposta destinata invece alle persone che conducono una vita normale è: tranquillo. Puoi arrivare preparato a Doomsday anche senza rinchiuderti in casa per quattro mesi con Disney+ acceso ventiquattr’ore al giorno.

Se poi sei tra quelli che vogliono fare le cose per bene e guardare tutto il Marvel Cinematic Universe in ordine cronologico, ho già pensato anche a te: trovi QUI il mio articolo con la timeline completa di film e serie.

Qui ci occuperemo invece della lista di sopravvivenza: cosa bisogna davvero recuperare per capire la situazione da cui parte Avengers: Doomsday, conoscere i personaggi che abbiamo visto nei trailer e non passare metà film a sussurrare alla persona accanto «scusa, ma questo chi è?».

E soprattutto niente spoiler su Doomsday, per l’ottima ragione che il film deve ancora uscire mentre scrivo questo articolo. Tutto quello di cui parleremo deriva esclusivamente dai film e dalle serie già pubblicati e dal materiale promozionale ufficiale mostrato finora.

Prima di tutto: cosa sta succedendo nell’MCU?

Per capire Doomsday bisogna partire da un concetto fondamentale: il Multiverso è nei guai.

Una volta sconfitto Thanos e conclusa la Infinity Saga con Avengers: Endgame, l’MCU ha cominciato ad allargare sempre di più i propri confini. Realtà alternative, varianti dello stesso personaggio e universi che fino a pochi anni fa appartenevano a saghe cinematografiche completamente separate sono entrati progressivamente nella stessa storia.

Ed eccoci quindi a Doomsday, la cui sinossi ufficiale parla esplicitamente di eroi provenienti da tre universi distinti destinati a trovarsi su una rotta di collisione.

Loki, stagioni 1 e 2

Da vedere? Sì!

Se dovessi indicare una sola serie indispensabile per capire come siamo arrivati al caos multiversale attuale, sceglierei sicuramente Loki.

Qui vengono introdotte e sviluppate la TVA, le ramificazioni della Sacra Linea Temporale, le varianti e buona parte delle regole con cui l’MCU ha costruito il proprio Multiverso. La seconda stagione, soprattutto, ci lascia Loki in una posizione decisamente importante per tutto ciò che riguarda le diverse linee temporali.

E considerando che Tom Hiddleston è ufficialmente in Doomsday, direi che sapere dove avevamo lasciato il Dio dell’Inganno potrebbe essere una buona idea.

Doctor Strange nel Multiverso della Follia

Da vedere? Sì, decisamente

Se Loki ci ha spiegato che esistono moltissime realtà, Doctor Strange nel Multiverso della Follia ci ha insegnato una cosa ancora più rassicurante: quelle realtà possono anche schiantarsi l’una contro l’altra.

È qui che entra in gioco il concetto di incursione, cioè la collisione tra due universi che può portare alla distruzione di uno o di entrambi. Tieni a mente questa parola, perché quando un film viene presentato parlando di «universi in rotta di collisione» potrebbe tornare utile.

Deadpool & Wolverine

Da vedere!

Qui Marvel smette praticamente di bussare alla porta dei vecchi universi cinematografici e la sfonda direttamente.

Deadpool & Wolverine porta definitivamente dentro la Multiverse Saga personaggi provenienti dalle precedenti produzioni Marvel della Fox, gioca apertamente con universi differenti e TVA e, soprattutto, rende molto meno assurda la frase che qualche anno fa sarebbe sembrata una fanfiction: «Nel prossimo Avengers ci sono anche gli X-Men dei film degli anni Duemila».

I Fantastici 4: Gli inizi

Da vedere? Obbligatorio.

The Fantastic Four: First Steps introduce nell’MCU Reed Richards, Sue Storm, Johnny Storm e Ben Grimm, anche se lo fa all’interno della loro realtà, Terra-828, separata dall’universo principale (Terra-616) che abbiamo seguito finora.

Kevin Feige ha inoltre confermato che il film conduce direttamente a Doomsday e che proprio il nuovo Avengers metterà in contatto Fantastici Quattro, Avengers e X-Men.

Perciò sì: guardalo, e non dimenticare la scena post-credit.

Ok, ma chi devo conoscere?

Ed eccoci al momento in cui il cast di Doomsday comincia ad assomigliare all’elenco telefonico.

Il trailer ufficiale ci ha mostrato personaggi provenienti da praticamente ogni angolo della storia cinematografica Marvel. Per rendere la faccenda un minimo gestibile, dividiamoli per famiglie.

Gli Avengers: vecchi e nuovi

Thor

Da recuperare: i film degli Avengers, soprattutto Infinity War ed Endgame, e Thor: Love and Thunder.

Chris Hemsworth torna ancora una volta nei panni di Thor e uno dei teaser dedicati a Doomsday ci mostra chiaramente quanto sia cambiata la sua vita dopo Love and Thunder. Se sei fermo al Thor depresso con la birra in mano di Endgame, ti manca un pezzo.

Steve Rogers & Bucky Barnes

Da recuperare: come per Thor, i film degli Avengers e i film su Cap.

Chris Evans torna nei panni di Steve Rogers, e i trailer ci hanno già fatto capire che la situazione del vecchio Captain America merita qualche domanda.

Per sapere chi è e perché il suo ritorno ha fatto alzare contemporaneamente qualche milione di sopracciglia, l’essenziale rimane Captain America: The First Avenger, Captain America: Winter Soldier, Captain America: Civil War e soprattutto Avengers: Endgame.

Molto importante: in questi film viene introdotto anche un altro personaggio che ritroveremo in Doomsday, cioè Bucky Barnes: ti risparmio la visione della serie TV Falcon & The Winter Soldier, inutile in qualsiasi universo.

Sam Wilson / Captain America

Da vedere se proprio vuoi soffrire e buttare 2 ore di vita: Captain America: Brave New World

Il Captain America dell’MCU attuale è Sam Wilson, che ha raccolto ufficialmente lo scudo di Steve Rogers.

La serie The Falcon and the Winter Soldier racconta il percorso che lo porta ad accettare quel ruolo, mentre Brave New World è il primo film in cui lo vediamo pienamente operativo come Captain America e introduce anche Joaquin Torres come nuovo Falcon.

Se vuoi evitare di passare Doomsday chiedendoti perché ci siano apparentemente più Captain America nello stesso film, fai questo ripasso.

I New Avengers

Da vedere: Thunderbolts*

Questo è un altro dei titoli che metto senza esitazione nella lista dell’essenziale.

In Doomsday ritroveremo Yelena Belova, Bucky Barnes (vedi sopra), Red Guardian, Ghost, John Walker/U.S. Agent e Bob/Sentry, cioè buona parte della squadra che abbiamo lasciato alla fine di Thunderbolts*.

Il trailer ci mostra già Yelena in azione, addirittura alle prese con la mia adorata Mystica. Per Yelena, se vuoi conoscerla un po’ meglio, aggiungerei anche Black Widow e la serie Hawkeye. Ma se stai facendo il recupero espresso, Thunderbolts* rimane la tappa davvero fondamentale, Black Widow si può evitare (io lo cancellerei dalla memoria collettiva) mentre Hawkeye mi è piaciuto molto quindi può restare.

I Fantastici Quattro

Da vedere: The Fantastic Four: First Steps

Reed Richards/Mister Fantastic, Sue Storm/Invisible Woman, Johnny Storm/Human Torch e Ben Grimm/The Thing arrivano tutti in Doomsday, interpretati rispettivamente da Pedro Pascal, Vanessa Kirby, Joseph Quinn ed Ebon Moss-Bachrach.

Sono probabilmente il gruppo per cui il recupero è più facile: c’è un solo film da guardare e li presenta tutti insieme.

IMHO nonostante abbiamo potuto rivedere il caro vecchio Johnny Storm dei primissimi film sui F4 in Deadpool & Wolverine, dubito fortemente che ci potranno mai essere ulteriori rimandi a quell’universo, quindi puoi evitare di recuperarli.

Gli X-Men

Da vedere: solo 2 film sugli X-Men + Deadpool & Wolverine

Arriviamo alla mia parte preferita, i miei amatissssssimi X-Men.

Doomsday riporta sullo schermo parecchi degli attori della saga degli X-Men della Fox: Patrick Stewart come Professor X, Ian McKellen come Magneto, James Marsden come Ciclope, Rebecca Romijn come Mystica, Alan Cumming come Nightcrawler e Kelsey Grammer come Bestia.

A loro si aggiunge il Gambit di Channing Tatum, che abbiamo conosciuto in Deadpool & Wolverine.

Suggerisco di recuperare solo ed esclusivamente X-Men del 2000 e X2 del 2003. Perché non invece tutti gli altri? Prima di tutto perché i film “flashback” come Days of future past sono carini ma non sono assolutamente utili per Doomsday, ma poi perché nel trailer di Doomsday appunto vediamo Ciclope, e cosa succede a Ciclope all’inizio di X-Men: Conflitto finale?? Beh, viene svampato! Quindi se invece nel trailer è ancora vivo direi che gli eventi si svolgono necessariamente prima di quel momento [ndr: non lamentarti che ti ho fatto uno spoiler di un film di 20 anni fa, please]. Va bene, Bestia viene introdotto nel terzo film, ma sorvoliamo su questi dettagli e facciamo finta di conoscerlo già da prima.

Deadpool & Wolverine completa poi il passaggio verso la situazione multiversale attuale e presenta il Gambit che vedremo in Doomsday.

Shang-Chi

Da vedere: Shang-Chi e la leggenda dei Dieci Anelli

Simu Liu torna finalmente come Shang-Chi dopo essere stato introdotto nel 2021 e poi lasciato ad aspettare pazientemente che qualcuno a parte me si ricordasse di lui.

Il suo film è sufficiente per conoscere il personaggio, Katy, la sua famiglia e soprattutto i misteriosi Dieci Anelli, sulla cui origine il finale aveva lasciato un grosso punto interrogativo.

Il trailer di Doomsday lo mostra addirittura scontrarsi con Gambit. Nessuno di noi sa ancora perché, ma è bello sapere che dopo cinque anni qualcuno ha finalmente ritrovato il suo numero di telefono.

Black Panther e Namor

Da vedere: Black Panther: Wakanda Forever

Il trailer conferma la presenza di Shuri/Black Panther, M’Baku, Namor e Namora, quindi Wakanda Forever è tutto ciò che ti serve per capire i rapporti tra questi personaggi e la situazione politica lasciata dopo la morte di T’Challa.

Ant-Man e Cassie

Da vedere, se hai tempo da sprecare: Ant-Man and the Wasp: Quantumania

Paul Rudd torna come Scott Lang insieme a Kathryn Newton nei panni di Cassie.

Se conosci già Ant-Man dagli Avengers, per Doomsday può bastare un ripasso di Ant-Man and the Wasp: Quantumania, soprattutto per ritrovare Cassie ormai adulta e avere qualche riferimento in più alla fase multiversale dell’MCU.

Qui però farei una distinzione: non lo considero indispensabile quanto Loki, Thunderbolts* o Fantastic Four. Se hai poco tempo puoi tranquillamente lasciarlo nella pila del «se riesco».

I grandi assenti

E poi ci sono loro: quelli che non abbiamo visto nei trailer, almeno per ora.

Dalla formazione mostrata ufficialmente mancano infatti alcuni nomi che sarebbe stato quasi automatico aspettarsi in un film di queste dimensioni.

Spider-Man

Tom Holland non compare nel cast ufficialmente annunciato e non è presente nel trailer, nonostante Spider-Man: Brand New Day esca pochi mesi prima di Doomsday.

Il che può voler dire tutto oppure assolutamente niente, soprattutto considerando la scena post credit appunto di Spider-Man: Brand New Day, che secondo me significa una certa cosa che però non dirò.

Doctor Strange

Anche Stephen Strange è assente dal materiale mostrato finora, cosa piuttosto curiosa considerando che è uno dei personaggi che ha avuto più direttamente a che fare con Multiverso e incursioni.

Benedict Cumberbatch ha inoltre contribuito negli anni a rendere la faccenda ancora meno chiara con dichiarazioni apparentemente contraddittorie sulla sua presenza.

Ho delle succosissime teorie sia su di lui che su Wanda Maximoff che su Clea ma anche queste le terrò per me.

Captain Marvel

Niente Carol Danvers nel trailer e niente Brie Larson nel cast ufficiale annunciato finora.

La sua assenza è particolarmente curiosa perché The Marvels si conclude con un collegamento molto evidente a una realtà alternativa legata agli X-Men.

Resta da capire se quel filo verrà ripreso in Doomsday, in Secret Wars o altrove. O mai.

Deadpool e Wolverine

Dopo aver passato un intero film a spalancare le porte tra l’MCU e l’universo Fox, né Ryan Reynolds né Hugh Jackman fanno parte del cast ufficialmente annunciato.

Ci credo? Assolutamente no. Posso dimostrare che ci saranno? Assolutamente no.

Quindi, fino a quando Marvel non deciderà di rovinarmi anche questa eventuale sorpresa con un trailer, rimangono nella mia personale categoria «nessuna conferma, ma vi tengo d’occhio».

La lista dell’essenziale per chi ha poco tempo

Dunque: hai deciso di andare a vedere Doomsday, hai saltato metà MCU negli ultimi anni e improvvisamente ti sei accorto che nel trailer ci sono circa quarantadue persone che non riconosci. Niente panico.

Se dovessi costruire una maratona ridotta all’osso, io recupererei questi:

1. X-Men
2. X2
3. Avengers
4. Avengers: Age of Ultron
5. Avengers: Infinity War
6. Avengers: Endgame
7. Loki, stagioni 1 e 2
8. Shang-Chi e la leggenda dei 10 anelli
9. Doctor Strange nel Multiverso della Follia
10. Black Panther: Wakanda Forever
11. Deadpool & Wolverine
12. Thunderbolts*
13. The Fantastic Four: First Steps
14. Spider-Man: Brand New Day

A questo punto non mi resta che augurarti buona avventura nel recupero: hai ancora qualche mese per metterti in pari, ripassare chi è morto, chi è tornato, chi viene da un altro universo e chi probabilmente tornerà anche se Marvel giura di no. Ci vediamo a dicembre al cinema per Avengers: Doomsday.

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Recensione

Il mio rapporto con Assassination Classroom parte dalla carta. Il manga di Yūsei Matsui l’ho amato, ed è uno di quei titoli che ti fregano: lo apri aspettandoti una commedia demenziale su una classe di ragazzini che deve ammazzare un polpo giallo sorridente e lo chiudi con il groppo in gola. Anche il live action di qualche anno fa mi era piaciuto, per quanto l’abbia visto nelle condizioni meno cinematografiche possibili, ossia sullo schermetto di un aereo durante un volo intercontinentale. Dieci anni dopo la fine della serie, la 3-E torna al cinema con L’ora di tutti noi, lungometraggio inedito diretto da Masaki Kitamura, scritto da Makoto Uezu e animato ancora una volta dallo studio Lerche, che Eagle Pictures e Yamato Video portano in Italia come evento speciale il 14, 15 e 16 settembre. Ringrazio Eagle Pictures che ci ha invitato all’anteprima di questa nuova serie di avventure della 3-E.

Trama

Partiamo dalla domanda che si fanno tutti: che cos’è questo film? Un riassunto della serie? Un sequel? Dunque, L’ora di tutti noi prende gli episodi del manga che l’anime televisivo aveva dovuto saltare per questioni di minutaggio e li anima da zero, montandoli dentro una cornice ambientata a quindici giorni dalla scadenza, quando il conto alla rovescia verso il diploma e verso la fine di Korosensei è ormai una presenza fissa nella testa di tutti gli alunni. Matsui in persona ha tenuto a precisare che non si tratta di un’operazione celebrativa per il decennale ma di materiale che appartiene alla storia principale, che infatti abbiamo potuto leggere nel corso della serie.

Il risultato è un film costruito a blocchi. C’è la parte più smaccatamente comica, quella in cui la classe si accanisce sul professore con l’entusiasmo suicida che ben conosciamo e in cui Sugaya e Kataoka trovano finalmente lo spazio che la serie non aveva potuto concedergli e ci sono le vacanze invernali con un segmento più lungo e più costruito centrato su Korosensei, con un vero arco narrativo e un finale che chiude il cerchio. In mezzo, il collante: la 3-E che parla, si prende in giro, si organizza, e intanto conta i giorni.

Una cosa la si può dire già adesso: il film presuppone che tu sappia chi sono queste persone. Non c’è una riproposizione delle premesse, non c’è un ripasso, si entra in classe come se non ne fossimo mai usciti. È una scelta coerente e per chi il manga l’ha letto è quasi un regalo, ma pone un problema di accessibilità che non si può totalmente ignorare.

Cast

Il primo motivo per cui L’ora di tutti noi funziona è che nessuno ha cambiato voce. In Italia il doppiaggio è diretto da Luca Ghignone, con Paolo De Santis su Korosensei e con tutte le altre voci dei personaggi che continuano sulla traccia iniziata tanti anni fa. Come al solito, in Italia siamo davvero bravi col doppiaggio, e il buon De Santis fa davvero tantissimo per l’ottima riuscita di Korosensei, a volte anche un po’ sopra le righe, ma è il giusto tributo a un personaggio folle e profondo come il nostro professore preferito.

Sul fronte tecnico, la regia di Kitamura e il character design di Aya Higami mantengono la continuità visiva con la serie televisiva, e qui c’è un discorso da fare. È una scelta che protegge l’identità dell’opera, perché un restyling avrebbe spezzato l’illusione del ritorno in classe, ma è anche una scelta che rinuncia a qualsiasi ambizione propriamente cinematografica: chi si aspetta il salto di qualità produttivo che di solito accompagna il passaggio al lungometraggio non lo troverà. Ma alla fine, non è che era così necessario, viste le premesse.

Anche in questo caso, quindi, è tutto “al proprio posto“: l’aula, i comprimari (fra tutti la mitica Bitch-sensei, protagonista di un momento molto simpatico), gli alunni della 3-E e anche altri studenti e “professionisti” che gravitano attorno al mondo di Korosensei.

Concludendo

Assassination Classroom: L’ora di tutti noi è un gradito ritorno tra i banchi della 3-E. Alto tasso di comicità, quella tipica di quest’opera, con un po’ di nostalgia e un po’ di “buoni sentimenti” che in fondo non guastano. Il film è realizzato bene, doppiato benissimo, e sono certo che sarà apprezzato dal fandom della serie.

Resta il fatto che questo è un film per chi c’era. Se hai letto il manga o seguito le due stagioni animate, L’ora di tutti noi è esattamente quello che promette, un’ora e mezza passata di nuovo dentro quell’aula sulla collina con gente a cui hai voluto bene, con l’aggiunta non trascurabile di pagine che non avevi mai visto in movimento. Se invece Assassination Classroom non l’hai mai frequentato, questo non è il posto da cui cominciare: il film non spiega niente, non ripassa niente e dà per scontato un decennio di affetto accumulato. Bene, ma non per tutti: se sei un fan, allora il mio bollino diventa dorato all’istante.

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Assassination Classroom: L’ora di tutti noi ci riporta dopo tanti anni all’interno della 3-E, mostrandoci dei momenti che la serie animata non aveva potuto raccontare sul piccolo schermo, ma rivolgendosi esclusivamente a chi sa già tutto.

Trailer

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Recensione

Ci sono film che aspetti da spettatore molto prima che da recensore, e questo per me rientra nella categoria. Gli Oasis li ascolto da sempre, il tour della reunion me lo sono perso (una di quelle rinunce che ti restano addosso più del previsto) e quando è arrivato l’invito di Disney per l’anteprima ho detto di sì prima ancora di guardare l’orario. Grazie a loro per avermi dato la possibilità di recuperare almeno così quello che è stato l’evento musicale del 2025.

Oasis: Don’t Look Back in Anger arriva nelle sale italiane dal 10 settembre come uscita evento, anche in IMAX, distribuito da Walt Disney Studios Motion Pictures prima dell’approdo su Disney+ entro fine anno. Lo firmano Dylan Southern e Will Lovelace, il duo di Shut Up and Play the Hits, mentre l’impianto narrativo porta la firma di Steven Knight, il creatore di Peaky Blinders. Due ore e quattro minuti costruiti attorno al tour Oasis Live ’25 e alla prima intervista congiunta di Liam e Noel Gallagher dopo quindici anni di gelo.

Trama

La prima scelta importante il film la fa prima ancora di cominciare: non parte dall’inizio, o meglio lo fa in maniera estremamente diretta. Nessuna ricostruzione ordinata dei due ragazzi di Manchester che nel 1994 pubblicano Definitely Maybe, nessuna sfilata di teste parlanti che spiegano cos’era il Britpop e perché mezza Inghilterra si schierava con gli Oasis o con i Blur. Southern e Lovelace prendono la storia da dove ricomincia, cioè dalla riappacificazione e dal tour che ne è seguito, e trattano tutto il resto come contesto che il pubblico porta già con sé.

È una decisione che ha un costo e un guadagno. Il costo è che chi non conosce la band, o la conosce solo per tre canzoni radiofoniche, deve fidarsi e lasciarsi trasportare, perché il film non si ferma a spiegare in maniera approfondita la lite del 2009, i quindici anni di frecciate a distanza, gli High Flying Birds da una parte e Liam dall’altra. Il guadagno è che il documentario evita del tutto la forma da retrospettiva e si concentra su una domanda sola: cosa succede quando due fratelli che non si parlavano da 15 anni risalgono sullo stesso palco davanti a stadi esauriti in mezzo mondo.

Il racconto segue il tour da Cardiff fino al Sud America, alternando tre tipi diversi di materiali. Ci sono le prove, mai filmate prima, che sono la parte più interessante sulla carta perché mostrano la band mentre rimette insieme un meccanismo fermo da quindici anni. C’è il concerto vero e proprio, girato per l’IMAX. E c’è il pubblico, i “madferit”, che occupa una porzione consistente del minutaggio: fan di ogni età e latitudine, dall’Argentina alla Corea del Sud, chiamati a spiegare cosa significano quelle canzoni per loro.

Sul finale il film sceglie una direzione precisa: la canzone del titolo, quella che Noel canta e che negli anni ha smesso di appartenere alla band per diventare un canto collettivo, viene usata come punto d’arrivo emotivo. E, personalmente, questo è stato un film decisamente emotivo.

Cast

Liam e Noel sono ovviamente i due personaggi attorno a cui ruota tutto, ed è impossibile guardarli senza pensare a quanto siano cinematografici loro malgrado: due caratteri opposti, uno frontale e istintivo, l’altro più controllato e autoriale, tenuti insieme da un cognome e da un repertorio. Il film ha il privilegio di riprenderli seduti allo stesso tavolo dopo quindici anni, che è la cosa che nessun altro documentario sulla band poteva avere.

Attorno a loro c’è la formazione di Live ’25, con Paul “Bonehead” Arthurs, Gem Archer e Andy Bell a rappresentare la continuità con la storia della band. La band resta principalmente un contorno, tranne un momento più che dovuto per Bonehead, cosa che ho apprezzato e che ha evitato un “two-men-show” più di quanto non sia fisiologico, visti gli ego dei due fratelli Gallagher.

Sul fronte tecnico le credenziali sono di prima fascia e non sono un dettaglio. Alla fotografia c’è Haris Zambarloukos, e la scelta di girare per l’IMAX dice chiaramente che l’obiettivo era la sala e non solo il salotto. Al mixaggio del suono lavorano James Mather e Tarn Willers, due premi Oscar arrivati rispettivamente da Top Gun: Maverick e La zona d’interesse: in un film costruito su un tour da stadio, il suono non è un reparto tra gli altri, è metà dell’esperienza. Mi sono sentito davvero in mezzo al pubblico, il sound live degli Oasis è arrivato tutto, e da “musicista” non ho potuto non apprezzare l’ottimo lavoro di resa sonora, sicuramente migliore di tanti concerti che ho sentito.

Il montaggio, effettuato da George Cragg con Martina Zamolo, è un’altra cosa che mi ha lasciato totalmente affascinato. Riuscire a unire le immagini del live con le reazioni del pubblico è secondo me stata una scelta azzeccata e anche non semplicissima da realizzare, vista la fiumana di gente e la riuscita scelta di far coincidere il canto dei fan con le parole di Liam e Noel. Inoltre, anche durante i momenti “off-stage“, il montaggio e le scelte stilistiche sono state decisamente azzeccate, donando un’esperienza immersiva e completa.

Concludendo

Oasis: Don’t Look Back in Anger è stato per me incredibile. Non lo nascondo, mi sono commosso più e più volte durante la visione, sia per la musica, sia per alcune parole più accorate dei Gallagher, sia per alcune testimonianze dei fan. Ma forse mi sono commosso di più per aver percepito la gioia profonda di tutte le persone che hanno potuto ascoltare questi live, ne ho visti di concerti ma non ho mai visto una tale felicità negli occhi di chi ascoltava, e il film te la fa vedere tutta, te la fa sentire, te la fa vivere quasi come se fossi lì in mezzo. Spettacolare.

Sul finire, il film forse diventa un po’ sentimentale e sentimentalista, ma alla fine va bene così, i fratelli riuniti ci tengono a mandare un messaggio che, nonostante tutto, credo sia valido anche al di là di loro due. Questo film è una visione obbligata per chiunque ami la musica degli Oasis (e non necessariamente ami i fratelli in sé, sia chiaro) e, mi voglio allargare, per chiunque ami la musica e le sue espressioni più profonde. Non sarà invece apprezzato da chi non ama questo genere o gli Oasis, e va bene così.

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Oasis: Don’t Look Back in Anger ci porta dietro le quinte e nella festa gioiosa della reunion di Liam e Noel Gallagher dopo 15 anni di vuoto.

Trailer

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Un’introduzione “con colpi di scena”

Di Coyote vs. Acme si parla dal 2023 per via delle sue vicissitudini. Il film era finito, ma la Warner, per scaricare il costo di produzione dalle tasse, voleva distruggerlo visto che secondo i loro calcoli conveniva fare così (e non sarebbe stata nemmeno la prima volta, vedasi il film su Batgirl). Quando ciò è venuto fuori si è sollevato un tale vespaio che alla fine lo hanno venduto ad altri distributori.
Perché sto scrivendo di tutto ciò? Questa vicenda da un lato ha portato a ragionare sulla gestione delle multinazionali da parte dei dirigenti, cosa che non ci riguarda in questa sede; dall’altro ha permesso di sfruttare tutto questo clamore per indirizzare la comunicazione. Come? Nel modo che funziona di più oggi: ironia, riferimenti a fatti reali e slogan del tipo “Mostriamo il film che non vi volevano far vedere”, che poi alla fine non è nemmeno così falso!

Cos’è Coyote vs. Acme

Coyote vs. Acme è un film in tecnica mista, per capirci alla Space Jam o Chi ha incastrato Roger Rabbit, nelle sale italiane dal 2 settembre (e non è una marchetta, visto che sono andato al cinema da semplice spettatore pagante!).
Da notare che c’è anche lo zampino di James Gunn sia come coproduttore sia come coautore del soggetto. Infatti John Cena, che nella pellicola interpreta il cattivo, aveva già collaborato col famoso regista in The Suicide Squad – Missione suicida e Peacemaker.
Il film si ispira all’articolo “Coyote v. Acme” del 1990 di Ian Frazier pubblicato su The New Yorker, qui il link per leggerlo gratuitamente. Si tratta della (immaginaria, sicuramente sarà superfluo precisarlo, ma lo dico ugualmente…) causa legale intentata da Willy il Coyote nei confronti della Acme per farsi risarcire i danni causati dai prodotti difettosi dell’azienda.

Recensione di Coyote vs. Acme

Trama

Willy il Coyote vede in TV la pubblicità di “Avery, Jones & Maltese Justice”, uno studio legale di Albuquerque specializzato proprio nei casi come il suo. Così incontra Kevin Avery, socio dello studio, che non vuole arrischiarsi in un processo contro una multinazionale. Invece Willy vuol far causa alla Acme e alla fine raggiunge il suo obiettivo. I nostri maldestri eroi cercheranno di racimolare prove e testimoni mentre i loro avversari giudiziari proveranno a fermarli, nel più classico Davide contro Golia. A proposito: i personaggi mi sono piaciuti, soprattutto gli antagonisti che nel loro essere un po’ macchiettistici sono perfetti in quel contesto.

Questa commedia legale scorre benissimo tra colpi di scena (telefonati, ma al tempo stesso funzionali e gradevoli), gag, citazioni e camei di personaggi dei Looney Tunes. Infatti, quando è arrivato l’intervallo ci siamo stupiti visto che non c’eravamo accorti di essere già a metà proiezione.

La travagliata storia della pellicola ci condiziona?

Di base per me è una buona idea dedicare un film a Willy il Coyote in quanto è un personaggio che funziona: come si fa a non empatizzare con lui, uno che ci mette l’anima senza però riuscire a ottenere mai nulla? È lo stesso meccanismo che si crea con Paperino, per usare un personaggio della “concorrenza”, ma all’opposto! Forse anche per questo c’è stato un moto popolare per salvare questa pellicola mentre in altri casi non è successo; o forse è stata la nostalgia di vedere i cartoni animati con gli attori reali. Inoltre l’idea stessa della causa contro la Acme mi fa stampare un sorriso che nemmeno lo dico.
Considerato tutto ciò, capisco benissimo tutto questo affetto nei confronti del film, dimostrato anche dall’ottima accoglienza da parte di pubblico e critica. È un problema? No, visto che l’imparzialità non esiste, quello che conta è l’onestà intellettuale.

Coyote vs. Acme è inaspettatamente politico

Non ero convinto quando leggevo e sentivo di un film politico, sinceramente mi sembrava un po’ un’esagerazione dovuta anche a tutto il contesto di cui sopra. Invece avevano ragione: Coyote vs. Acme è molto politico, ovviamente in modo un minimo velato e per essere un film dei Looney Tunes.
Non solo c’è un personaggio sbruffone che palesemente è una figura pubblica contemporanea, ma è soprattutto la raffigurazione della Acme (e di come influenza il mondo) ad avere una forte valenza sociale e critica. Ovviamente non avremo mai la controprova, ma nulla mi toglie dalla testa che sia per quello che la Warner lo ha inizialmente cancellato. Giustamente penserai: “Allora perché lo hanno approvato?” Perché nel 2020 c’era stato l’annuncio dell’uscita in sala tre anni dopo e all’epoca c’erano altri dirigenti; anche per questo ho raccontato la sua epopea!
Quindi non è una sovrastruttura figlia della narrazione social sul film, è proprio così! Attenzione: non sto dicendo che sia un film “pesante” o non adatto alla famiglia, anzi!

Concludendo

Insomma, tutto il casino fatto è servito a qualcosa visto che il risultato finale è valido e gestisce molto bene anche le citazioni, cosa su cui io sono particolarmente severo! Infatti sono stato contento di aver pagato il biglietto! Mi fa piacere aver “votato col portafoglio” a favore di una pellicola che al contempo è gradevole e coraggiosa. Non sto gridando al capolavoro né a livello tecnico (visto che a volte l’effetto visivo sui cartoni animati secondari non mi ha convinto) né come originalità, ma se i film commerciali fossero tutti così ci metterei la firma!

Hai visto Coyote vs. Acme? Vuoi chiacchierare e giocare con noi? Vienici a trovare sul nostro Server Discord e sul nostro Gruppo Telegram.

Nerdando in breve

Coyote vs. Acme è riuscito ad arrivare al cinema dopo una travagliata storia durata anni. Ne è valsa la pena? Sì!

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