Articolo a cura di Antonio Petito che trovate qui
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Esistono eventi che sembrano essere sempre stati così.

Grandi. Caotici. Pieni.

Stand ovunque, code interminabili, cosplay curati nei minimi dettagli, annunci, ospiti, creator. Un flusso continuo di persone e contenuti che sembra naturale, quasi inevitabile.
Eppure non è sempre stato così.

Le fiere del fumetto, per come le conosciamo oggi, non sono nate come eventi di massa, capaci di accogliere centinaia di migliaia di persone, né per diventare il punto d’incontro tra cinema, videogiochi, serie TV e cultura pop.

All’inizio erano qualcosa di completamente diverso.

Molto più piccole.
Molto più intime.
Quasi invisibili.

E mentre il Napoli Comicon si prepara ad aprire ancora una volta le sue porte per l’edizione 2026, è proprio da lì che vale la pena partire.

Le origini: tutto iniziò negli USA

Molto prima delle folle, degli stand e degli annunci, le fiere del fumetto non erano affatto “fiere”.

Non c’erano padiglioni.
Non c’erano palchi.
Non c’erano nemmeno “eventi” nel senso in cui li intendiamo oggi.

C’era solo una cosa: i fan.

Negli anni Sessanta, negli Stati Uniti, il fumetto era ancora considerato un prodotto marginale, privo di un vero riconoscimento culturale e di un importante evento fisico dedicato in cui parlarne.

Eppure, proprio in quel contesto, qualcosa inizia a muoversi.

Figure come Stan Lee e Julius Schwartz iniziano a pubblicare nelle riviste gli indirizzi completi dei lettori. Un dettaglio apparentemente secondario, ma fondamentale: per la prima volta, gli appassionati possono trovarsi, scriversi, riconoscersi.

Nasce così una rete informale fatta di lettere, scambi e fanzine: una comunità.

È in questo contesto che emerge una figura chiave: Jerry Bails, spesso considerato il “padre del fandom dei fumetti”. Tra il 1961 e il 1962 contribuisce a fondare l’Academy of Comic-Book Fans and Collectors, una delle prime organizzazioni dedicate allo studio e alla conservazione del fumetto.

Ma soprattutto, crea un precedente: i fan possono organizzarsi.

Il passaggio successivo è inevitabile.

Nel marzo del 1964, proprio a casa di Bails, si tiene uno dei primi raduni documentati: l’Alley Tally. Poche persone, riunite per contare i voti degli Alley Awards.

Niente pubblico. Niente spettacolo.
Solo un po’ di appassionati, tutti nella stessa stanza.

Pochi mesi dopo, a luglio, a New York prende forma qualcosa di ancora più riconoscibile: la Tri-State Con, considerata la prima vera comic convention. Circa cento partecipanti, una sala sindacale, e tra gli ospiti anche Steve Ditko.

È ancora tutto minuscolo, ma è già qualcosa di diverso.

Per la prima volta, il fumetto esce dalla dimensione privata e diventa un evento.

Negli anni successivi, questo modello inizia a prendere forma. Nel 1970 nasce quella che diventerà il punto di riferimento mondiale: il San Diego Comic-Con. La prima edizione attira poco più di 300 persone.

Un numero che oggi sembra irrilevante, ma che dentro lasciava già intravedere il futuro.

Perché una volta che una comunità si incontra, cresce.
E quando cresce, cambia forma.

Da quel momento in poi, non si torna indietro.

La domanda non è più se queste fiere continueranno a esistere, ma fino a dove potranno arrivare.

Come le fiere del fumetto sono diventate un fenomeno di massa

All’inizio, le fiere del fumetto erano incontri.

Poi diventano eventi.

E a un certo punto, smettono di essere solo questo.

Tra gli anni Ottanta e Novanta succede qualcosa di decisivo: il fumetto smette di essere un universo chiuso e inizia a contaminarsi con tutto il resto: cinema, televisione, giocattoli, videogiochi.

Le convention non sono più solo luoghi dove comprare e scambiare albi, ma diventano spazi in cui la cultura pop, nel suo insieme, inizia a prendere forma.

Eventi come il San Diego Comic-Con iniziano ad allargare il proprio raggio d’azione. Non si parla più soltanto di fumetti, ma di tutto ciò che da quei fumetti deriva.

È il primo vero salto.

Negli anni Novanta, poi, arriva un altro elemento destinato a cambiare tutto: Internet.

Per la prima volta, i fan non devono più aspettare una fiera per trovarsi. Possono organizzarsi, coordinarsi, creare community online.

E, proprio per questo, le fiere cambiano funzione; non sono più solo un punto di incontro, ma diventano un punto di riferimento.

È lì che si concentrano le novità, si fanno gli annunci e -in generale- succedono le cose importanti.

A consolidare questo cambiamento arriva, tra la fine degli anni Novanta e i primi Duemila, un nuovo modello: quello delle convention costruite attorno alle celebrità, fatto di autografi, panel tematici ed esclusive pensate proprio per l’evento.

Il fumetto resta, ma non è più l’unico protagonista.

E poi arriva Hollywood.

Con l’esplosione dei cinecomic nei primi anni Duemila — e in particolare con la nascita del Marvel Cinematic Universe — le fiere diventano il palcoscenico perfetto per il lancio globale di film e serie TV, con teaser trailer mostrati in anteprima, cast sul palco e reazioni del pubblico che fanno il giro del mondo.

La “Hall H” del SDCC diventa, nel tempo, uno dei luoghi più influenti dell’industria dell’intrattenimento, in un passaggio simbolico che sancisce un cambio radicale: non sono più le fiere a inseguire la cultura pop, ma è la cultura pop che passa da lì.

Parallelamente, in quegli anni un altro fenomeno cresce fino a diventare centrale: il cosplay che, da pratica di nicchia, diventa pian piano un elemento visivo dominante, uno dei “linguaggi pop” più riconoscibili all’interno degli eventi.

Le fiere smettono definitivamente di essere qualcosa da osservare, ma qualcosa da vivere, e quando un evento diventa esperienza, il passo successivo è inevitabile: diventa massa.

E la cosa si estenderà anche nel resto del mondo.

L’arrivo in Europa: le fiere come eventi culturali

Negli Stati Uniti, le convention crescono seguendo una logica sempre più commerciale e mediatica. In Europa, invece, il percorso è diverso: il fumetto non viene solo consumato, viene legittimato e considerato cultura.

Il punto di svolta arriva nel 1974, con la nascita del Festival International de la Bande Dessinée di Angoulême. Non in una grande metropoli, ma in una piccola città francese destinata a diventare, nel giro di pochi anni, un punto di riferimento mondiale.

Qui il fumetto non è solo intrattenimento, ma esposizione, critica, studio.

Le tavole originali vengono trattate come opere d’arte, gli autori diventano protagonisti e i premi iniziano ad assumere un peso internazionale.

È un approccio completamente diverso. Non si tratta più soltanto di radunare fan, ma di costruire un’identità culturale attorno al medium.

A rafforzare questo processo è anche il supporto istituzionale: in Francia, il fumetto viene riconosciuto ufficialmente come “Nona Arte”, entrando a pieno titolo nel discorso culturale nazionale, come un vero e proprio linguaggio artistico.

Mentre negli Stati Uniti le fiere diventano sempre più grandi, in Europa diventano sempre più radicate. Dei semplici eventi diventano parte delle città che li ospitano: festival diffusi, spazi urbani trasformati, intere comunità coinvolte. Delle vere e proprie “città nelle città”.

È qui che nasce il “modello della fiera-città”, un formato che non si limita a contenere il pubblico ma lo ingloba, e che, negli anni successivi, troverà una delle sue espressioni più potenti proprio in Italia.

Intanto, in Italia…

Per iniziare questo articolo, abbiamo giustamente guardato agli Stati Uniti come punto di partenza. Ma c’è un dettaglio che spesso passa inosservato: in un certo senso, l’Italia arriva prima.

Nel 1965, a Bordighera nacque il Salone Internazionale dei Comics, la prima manifestazione al mondo strutturata e con un respiro realmente internazionale dedicata al fumetto. Non un raduno spontaneo, non un incontro tra fan, ma un evento pensato, organizzato, costruito.

Dietro ci sono nomi come Romano Calisi e Claudio Bertieri, con il supporto di figure come Umberto Eco.

“Quando ho voglia di rilassarmi leggo un saggio di Engels, se invece ho voglia di impegnarmi leggo Corto Maltese”

Il successo è immediato, ma la storia prende presto una nuova direzione. Già dal 1966 il Salone si sposta a Lucca, dando inizio a un legame che dura ancora oggi. Quella che nasce come una rassegna specialistica diventa nel tempo qualcosa di molto più grande, sempre più aperto al pubblico e sempre più contaminato da altri linguaggi.

Il vero punto di svolta arriva nel 1993 con l’avvento di Lucca Comics & Games: non è solo un cambio di nome, ma di visione, con la trasformazione più radicale che arriva nel 2006, quando la fiera abbandona gli spazi tradizionali per occupare l’intero centro storico della città toscana. Le mura diventano il perimetro dell’evento, le piazze e le strade si trasformano in spazi espositivi. Non è più una fiera dentro una città, ma una città che diventa fiera.

Il modello della “fiera-città”, già sperimentato altrove in Europa, qui raggiunge una delle sue forme più compiute, e i numeri iniziano a crescere fino a diventare imponenti: centinaia di migliaia di visitatori e un impatto economico sempre più rilevante.

In questo equilibrio tra cultura e intrattenimento, tra industria e passione, l’Italia costruisce una propria identità nel panorama globale delle fiere del fumetto. Ed è proprio su questa base che emergono esperienze diverse, capaci di interpretare la cultura pop in modo nuovo, tra cui una in particolare destinata a diventare centrale, sia per numeri che per impatto.

Quella di Napoli.

Il Napoli Comicon: identità, crescita e trasformazione

Napoli Comicon rappresenta un caso particolare. A differenza di Lucca, non nasce come estensione di un modello già consolidato, ma come progetto che costruisce la propria identità nel tempo, adattandosi e trasformandosi insieme al pubblico che lo segue.

La sua origine risale al 1998, a Castel Sant’Elmo, una scelta che fin dall’inizio definisce il carattere dell’evento: un dialogo costante tra cultura pop e contesto storico, tra immaginario contemporaneo e città.

Col passare degli anni però, la crescita del pubblico rende inevitabile un’evoluzione strutturale. Il trasferimento alla Mostra d’Oltremare segna un passaggio decisivo: da evento raccolto a grande manifestazione di massa. È qui che il Comicon assume progressivamente la forma di un ecosistema completo della cultura pop, capace di integrare tutte le realtà che le più grandi fiere internazionali contengono.

Ma il Napoli Comicon non si spiega davvero attraverso le sue strutture o i suoi numeri. Si capisce nell’attesa.

Nelle file che iniziano molto prima dell’apertura dei cancelli. Nei gruppi che si danno appuntamento mesi prima. Nei cosplay che prendono forma lentamente, tra prove, errori, dettagli rifiniti fino all’ultimo minuto.

Si capisce nel momento in cui si varca l’ingresso e tutto cambia ritmo. Il rumore aumenta, gli spazi si aprono, le persone diventano parte dello stesso flusso. Non si cammina semplicemente dentro una fiera: si entra dentro un linguaggio condiviso.

Ogni padiglione è una possibilità diversa. Ogni angolo è un incontro. Ogni giornata è troppo piena per essere ricordata tutta intera.

Ed è forse questo il vero elemento che ha reso il Comicon qualcosa di più di un evento: la sensazione di esserci dentro, anche solo per pochi giorni, come se il resto del mondo restasse fuori, un’esperienza collettiva prima ancora che culturale.

E proprio mentre questa nuova edizione si prepara ad aprire le porte, questo racconto smette di essere solo storia. Diventa presente.

Perché al prossimo Comicon non si andrà solo per vedere cosa succede, ma per farne parte e raccontarlo mentre accade.

Anche Nerdando sarà lì, dentro questo flusso, per viverlo e raccontarlo dall’interno.

Non come osservatori distanti, ma come parte della stessa esperienza.

Perché alla fine le fiere del fumetto non sono mai state davvero solo fiere: sono sempre state un modo per stare insieme, dentro le storie che ci appassionano.

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L'articolo Fiere del fumetto: dalle origini negli USA al Napoli Comicon proviene da Nerdando.

Il 2026 è qui, l’anno nuovo è qui, il “January Blues” è quasi alle spalle: ciò vuol anche dire che è il momento del #NerdandoConsiglia di Gennaio 2026!

Cronos: The New Dawn

Zeno2k: Te ne ho parlato tempo fa e oggi torno a consigliartelo. Soprattutto ti consiglio di sopravvivere alla tentazione di rompere il controller nelle prime ore di gioco.

Non è impossibile, ma è dannatamente stretto e cattivo: girerai con le munizioni contate e le tasche sempre piene, continuando a decidere a cosa rinunciare nell’esplorazione di questo mondo crudele e contorto.

Ottima la lore, che si approfondisce centellinandola, ma non terribilmente astrusa come in altri titoli in cui occorre rivolgersi alle wiki anche dopo averlo finito. E non manca un easter egg di Bloober Team a Silent Hill 2 Remake!

The Pitt

Zeno2k: Sei abbastanza “agée” da essere orfano di E.R.? Non hai mai trovato un altro medical drama degno del grande predecessore? Qui non c’è Seattle o New York che tenga, perché andiamo direttamente nelle profondità del “pozzo“.

Ambientato a Pittsburg ed ovviamente erede spirituale di E.R. (anche perché prodotto e interpretato da Noah Wyle) presenta una struttura assolutamente originale: ogni stagione (è in corso la seconda, su HBO Max) è composta da un unico turno di lavoro e ogni episodio è un’ora di lavoro. Stupendo.

Il resto è il solito carosello di disperazione, speranze e problemi umani con le classiche contrapposizioni tra medici in carriera o aspiranti tali, tossici, barboni, molestatori o semplici disgraziati con malattie astruse. Il tutto ben scritto e con un ritmo serrato che la sua natura oraria gli regala.

Una nota finale: la cosa che ho davvero apprezzato per la verosimiglianza e che, a memoria, non ho mai visto in nessun altro show del genere, è la totale assenza di censura. Non lo auguro a nessuno, ovviamente, ma quando si viene presi e curati si è generalmente nudi e se l’emergenza lo richiede non c’è spazio per il pudore. In The Pitt nemmeno. Non mancano primi piani di vagine partorienti, seni e peni eretti affetti da priapismo.

Non per i deboli di cuore.

Animal Crossing: New Horizons

Kiarakala: Nel marzo 2020, durante la pandemia e i vari lockdown, Nintendo venne in mio soccorso facendo uscire un gioco molto atteso che si rivelò in qualche modo terapeutico in un periodo così provante per la salute mentale di molti. Sto parlando di Animal Crossing: New Horizon, il primo capitolo uscito per Switch che ci donò uno scopo nella vita quando eravamo chiusi in casa senza sapere cosa sarebbe successo.

Ho passato almeno 200 ore a giocarci, ma ammetto che, come tanti, una volta che è ripresa la normalità e ho iniziato a lavorare, pian piano la voglia di giocarci è scemata a tal punto da abbandonarlo per 3 anni (riprendendo ogni tanto a giocare il DLC in cui si arredano delle stanze senza dover occuparsi della raccolta di materiali o costruzione di oggetti).

Ti starai chiedendo perché, se ho abbandonato questo gioco, lo sto consigliando, domanda legittimissima. La risposta è che il 15 gennaio è uscito un aggiornamento piuttosto grosso che mi ha fatto tornare la voglia di rigiocare e riscoprire la bellezza di questo titolo.

Nell’aggiornamento, se saremo andati abbastanza avanti col gioco, troveremo un nuovo edificio: il Kappa Hotel. Ogni giorno possiamo decorare due stanze dell’hotel e sfogare così la nostra creatività e ottenere nuovi oggetti; inoltre, per far conoscere la nostra isola ci verrà richiesto di creare degli oggetti ogni settimana e questo è un nuovo stimolo a svolgere attività ripetitive come il farming di risorse, che forse è qualcosa che in questo momento mi sta aiutando.

Nuovi stimoli a collaborare con gli altri giocatori grazie alla presenza di isole sogno collaborative e soprattutto, se si è stufi della propria isola ma non si vuole perdere tutto, sarà possibile rimuovere tutti gli oggetti grazie al ritorno del signor Resetti (che è molto meno aggressivo).

Insomma, Animal Crossing è un gioco consigliatissimo per chi ha bisogno di un po’ di calma e tranquillità e questo aggiornamento è perfetto per coloro che, come me, lo hanno abbandonato in cerca di nuovi stimoli.

P.S. L’aggiornamento è gratuito sia per Switch 1 sia per Switch 2, ma se acquisti la versione pensata per la 2, avrai qualche funzione in più e una maggiore ottimizzazione del gioco.

I Pirati Dei Caraibi – La Trilogia

Cavaliere: Avevo un bellissimo ricordo di La maledizione della prima luna (il primo Pirati dei Caraibi) e per questo mi sono detto “Vediamo com’è la saga nel 2025”. La trilogia è ancora oggi perfetta per il suo scopo: una saga per il grande pubblico (fossero tutti così i film pop!). Non mi dilungo, visto che ho scritto un Nerdando Consiglia dedicato qui! 

Balatro

Cavaliere: Mi sono divertito veramente tanto con Balatro e quindi sono contento per la sua vittoria ai Nerdando Awards 2024 e in generale per il successo di critica e pubblico. Un ottimo titolo che devi assolutamente recuperare se ami i giochi di carte e i roguelike/roguelite! Ti lascio alla recensione di Tencar.

Il Ragazzo e l’Airone

Cavaliere: Se di Miyazaki ti piacciono film come Ponyo sulla scogliera o Kiki – Consegne a domicilio, ti dico che l’ultima opera del regista giapponese è agli antipodi. “È divisivo”, per usare un’espressione abusata. Infatti mi ricordo che al cinema c’era un clima di spaesamento.

Invece a me a caldo piacque, ma per dare un giudizio definitivo avevo bisogno di una seconda visione e Rai 3 me ne ha dato l’occasione! “E quindi?” E quindi guardalo!

A Short Hike

Ayr: come già evidente dal titolo, l’indie game sviluppato da Adamgryu è, appunto, “short”. Tanto compresso da permettere di vedere i titoli di coda in appena un’ora e mezza. Eppure, questa brevissima avventura è stata perfettamente capace di affascinarmi e catturarmi.

Forte di una grafica molto personale e di un gameplay chill, A Short Hike riesce anche a emozionare per via del suo finale e della metaforica scalata che coinvolge, contemporaneamente, sia la protagonista principale che il giocatore.

Giocato interamente su Steam Deck, posso dirti che A Short Hike è presente praticamente su ogni piattaforma a prezzi sempre accessibili. Te lo consiglio!

Piccoli Atti di Misericordia – Dennis Lehane

Hardcase: L’autore lo conosciamo tutti, è quello che già tante volte in passato ci ha fatto emozionare e riflettere con le sue storie capaci di mescolare umanità e quotidiana violenza. Uno di quelli spesso saccheggiati dai grandi registi che, nel suo caso, hanno tirato fuori film memorabili come Mystic River di Clint Eastwood o Shutter Island di Martin Scorsese.

Di certo è uno scrittore che, anche quando tratta temi scottanti come la pedofilia, non ama utilizzare filtri o indorare la pillola. Preferisce colpire forte per scuotere le coscienze addormentate di tutti noi.

Lo fa anche con questo libro che tratta il tema del razzismo, affrontato, però, da una prospettiva non convenzionale, per dimostrarci che alle volte veleni come questo contaminano non solo l’anima dei persecutori, ma anche quella delle vittime, senza lasciare scampo per nessuno.

È un’opera che fa piangere, infuriare, ma soprattutto riflettere sulla fragilità delle cosiddette società progredite, sempre più edificate sull’odio.

Peggio di Niente – Ministri

Hardcase: Francamente non so se questa rubrica possa ospitare anche consigli dedicati alla musica, io, però, nel mio piccolo ci provo, anche perché sono uno di quei tipi che, qualunque cosa facciano durante il giorno, non possono fare a meno di ascoltare musica.

Non mi sono mai posto limiti di “genere”, motivo per cui posso passare dal blues, al country o, come in questo caso, all’indie rock.

La canzone, dal titolo geniale, è stata scritta da Ministri durante il periodo del lockdown e ha il merito, secondo me, di ricordarci quanto l’umanità possa cadere in basso quando a guidarla è solo la paura e l’istinto di sopravvivenza.

Il ritmo infernale e versi come “Ho visto il tempo volare, ho visto il tempo cadere, ho visto il buio per sempre” ci trasmettono bene il senso di cieco terrore che abbiamo provato tutti noi, soprattutto nelle prime fasi della pandemia.

Chiudo con una piccola (e facile) sfida: nella canzone è citato un verso del grande De Andrè. Vediamo chi lo trova.

Philna Fantasy

Hardcase: Vi capita mai di trovarvi ad accendere il computer con la voglia di giocare a qualcosa che sia semplice, divertente e non troppo impegnativo?

Voglio dire, persino io, che solitamente sono un tipo da CRPG a turni piuttosto complicati, alle volte sento il bisogno di staccare completamente il cervello e dedicarmi a un RPG più immediato.

Ecco, in casi come questo, un gioco come Philna Fantasy può risultare davvero perfetto.

Per intenderci, è un classico ARPG con visuale dall’alto, che per certi versi ricorda i primi Zelda, ma che attualizza la formula mettendoci dentro tutto quello che ormai siamo abituati a trovare nei giochi più recenti: un mondo semi-open world, dungeon, puzzle, crafting, pet e così via.  Insomma, sulla carta non manca nulla e quasi tutto quello che c’è è realizzato con competenza.

Intendiamoci, nulla di innovativo o che faccia gridare al miracolo, ma chi l’ha detto che deve essere sempre così?

Philna Fantasy è semplicemente quel “giochino” che ogni tanto ognuno di noi sente il bisogno di lanciare per divertirsi anche solo per 15 minuti, lasciandosi alle spalle cogitazioni e affanni quotidiani.

WWE: la storia dietro le quinte

Tencar: La prima stagione di WWE: la storia dietro le quinte mi aveva spiazzato e, stavolta, sapevo già cosa aspettarmi. Nonostante questo, sono riuscito a emozionarmi ancora una volta sentendo le storie di questi fantastici atleti e scoprendo il loro lato umano. Imperdibile sia se ti piace il wrestling, sia se ami i documentari sportivi.

Rick and Morty

Tencar: Credo che Rick and Morty sia la serie, assieme a South Park, che più mi fa divertire e riflettere. Anche questa ottava stagione è un caleidoscopio di emozioni: imperdibile.

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L'articolo #NerdandoConsiglia – Gennaio 2026 proviene da Nerdando.

Varchiamo la soglia?

Witch, please!

Sì, non mi nascondo: amo il concetto di strega. E, se ci segui da un po’, probabilmente lo avrai anche notato. Ho la fortuna, all’interno della redazione, di condividere questo interesse con Morgana: potevamo, quindi, farci scappare l’occasione di visitare Stregherie?
La mostra sulle streghe, che celebra iconografia, riti e simboli delle eretiche del sapere, è a Padova dallo scorso 24 ottobre (e fino al 1° febbraio 2026) e ci ha accolte in un mondo affascinante, conducendoci per mano attraverso un antro che per troppi secoli ha fatto paura solo perché sconosciuto.

La mostra

Stregherie non è una mostra come le altre: la sua particolarità più grande (e che ho apprezzato di più) è che non si limita a mostrare ma vuole rendere la visitatrice e il visitatore autentico protagonista, configurandosi più come una vera e propria esperienza.
È un aspetto che ho adorato e che la rende un’esposizione davvero trasversale: che tu sia già appassionata o appassionato della materia o che per te sia tutto nuovo, in Stregherie non potrai fare a meno di immergerti in un vortice sensioriale che non lascia indifferenti.

Accolti da un video di Andrea Pellegrino, curatore della mostra, verremo introdotti all’idea alla base del percorso che ci accingiamo ad attraversare: ripercorre il concetto di strega attraverso la Storia, per spogliarla di superstizioni e dicerie che l’hanno accompagnata per secoli e scoprire invece una figura che ci assomiglia più di quanto avremmo potuto immaginare.

Un viaggio tra gli archetipi attraverso le nove sale allestite presso la Cattedrale Ex Macello di Padova, location che ho trovato incredibilmente adatta e suggestiva.

Una delle sale che mi hanno maggiormente colpito

L’esperienza

Non ti racconterò nel dettaglio cosa troverai all’interno di Stregherie: preferisco lasciare che ti goda il viaggio e ti immerga completamente nell’esperienza. Quello che voglio dirti, però, è che troverai un ambiente che saprà davvero stupirti. Ogni sala è realizzata con incredibile cura per i dettagli e in ogni angolo potrai vivere un’esperienza in prima persona, che ti porterà a interrogarti sulle tue certezze e a uscire con nuove prospettive.

Altro aspetto che ho molto apprezzato è la grande inclusione che si respirava all’interno della mostra: Vertigo Syndrome, che si è occupata dell’allestimento, si pone tra i suoi obiettivi quello di rendere l’arte accessibile e appassionante per chiunque e con Stregherie mi sento di dire che ci sono pienamente riusciti. Se viaggi con bambini, c’è un apposito spazio a loro misura nel quale potranno intrattenersi (rigorosamente in tema) quando girare per sale non è più nelle loro corde. Inoltre, durante tutto l’anno, è possibile prendere parte a una serie di eventi collaterali consultabili sul sito della mostra (a questo link).

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Dove e quando

Stregherie è a Padova, nella Cattedrale Ex Macello, ancora fino al 1° febbraio 2026: per tutti i dettagli e per prenotare il proprio biglietto è sufficiente fare un giro sul sito ufficiale. La mostra è visitabile dal mercoledì alla domenica dalle 10.30 alle 19.30 e prevede numerose possibilità di biglietti a prezzo ridotto.
Se ti ho incuriosito, spero che correrai a visitarla: sarà un’esperienza che non potrai dimenticare!

L'articolo Stregherie – Le eretiche del sapere in tutto il loro glorioso splendore proviene da Nerdando.

Lo so che ti aspettavi di trovarlo…

Tutta un’altra musica

Ci hai mai fatto caso a quanto la musica abbia un impatto sulla nostra memoria e sulla nostra percezione? Personalmente mi ritrovo spesso, quando sono soprappensiero, a canticchiare nella mente canzoni che nemmeno ricordavo di conoscere, così come ho un ricordo più vivido di alcuni prodotti proprio grazie alle musiche che li accompagnano.
Proprio per questo ho deciso di condividere la mia top 3 di sigle di anime: rigorosamente soggettiva e legata solamente al mio gusto personale!
Sono molto curiosa di sapere se condividerai le mie scelte!

Tank!

Non potevo che cominciare da qui e spero vivamente che in molti condividano questa mia scelta. Tank! è la sigla di apertura di quella meraviglia che è Cowboy Bebop, anime di fantascienza del 1998 che ha catturato il mio cuore e quello di moltissimi altri nel mondo. Tank! è una delle 17 tracce che compongono la colonna sonora dell’anime, composta interamente da Yoko Kanno ed eseguita da The Seatbells, gruppo fondato dalla compositrice. Come tutte le tracce dell’accompagnamento musicale, Tank! unisce alla perfezione suggestioni jazz, blues e country e fa parte di ogni mia playlist. Sì, a casa abbiamo anche il vinile, ovviamente.
Se non la conosci, ascoltala e adorala!

Zankoku na tenshi no these

Allora, io devo fare coming out: non ho mai guardato Neon Genesis Evangelion. Eppure questa canzone ce l’ho in playlist e la ascolto ogni volta che ne ho occasione (motivo per cui mi ripropongo di colmare la lacuna di visione il prima possibile).
La sigla d’apertura, conosciuta anche con il titolo The Cruel Angel’s Thesis, è un brano j-pop interpretata da Yoko Takahashi e pubblicata come singolo nel 1995. Scritta da Neko Oikawa e composta da Toshiyuki Omori e Hidetoshi Sato, la canzone è ancora oggi una delle più gettonate nei karaoke giapponesi.
Te la lascio per l’ascolto!

Otonoke

Concludiamo con un titolo molto recente: la sigla di DanDaDan, trasmesso su Netflix a partire dal 2024. La canzone d’apertura, irresistibile, è Otonoke, del duo hip hop giapponese Creepy Nuts, che in breve tempo ha raggiunto il numero 1 della classifica Billboard Japan Hot 100 le vette delle classifiche di tutto il mondo.
Dal testo molto profondo e collegato alla trama dell’anime, Otonoke si distingue per un ritmo incalzante ed entra in testa per non uscirne più!
Eccola qua:

E tu, quali brani avresti inserito?

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L'articolo Le tre migliori sigle di anime secondo me proviene da Nerdando.

Una canzone diventata un surviving game

Ah, la magia del Natale…

Ci sono canzoni che sono incredibilmente connotate con un periodo dell’anno. Per esempio, se pensiamo al Natale, è molto probabile che una delle prime melodie che si insinueranno nella nostra mente sarà quella di Last Christmas degli Wham!. Soprattutto se siamo nati tra gli anni Ottanta e i Novanta. Eppure, proprio per quelle generazioni, la stessa canzone è diventata un vero e proprio incubo, da evitare in tutti i modi possibili nel periodo che precede il Natale.
Ma come è capitato che un successo musicale si è trasformato in un incubo collettivo natalizio? Bè, il merito è della Whamageddon!

La canzone

È il 1984 quando il duo britannico Wham!, formato da George Michael e Andrew Ridgeley, esce con il singolo Last Christmas, primo estratto del loro terzo album (Music from the Edge of Heaven).
Scritto in un pomeriggio davanti alla TV, il brano è uscito il 3 dicembre come singolo natalizio. Il successo è immediato: Last Christmas raggiunge quell’anno il numero 2 della classifica inglese (a batterla, solo Do they know it’s Christmas? di Band Aid) e imprime subito un solco nella cultura di massa, anche grazie all’iconico videoclip girato sulle nevi del Cantone Vallese.

Da allora, sarà un susseguirsi di cover, riedizioni, rivisitazioni e riproposizioni: in radio, ovviamente, nel periodo natalizio ma anche all’interno della colonna sonora di numerosi film che nel tempo sono diventati dei must per le feste invernali, con una conseguente sovraesposizione mediatica della canzone per anni e anni.

Al mio segnale scatenate internet!

Ed è qui che si scatena il web e nasce Whamageddon, un eccentrico survival game che mette al centro proprio Last Christmas e deriva il suo nome dal gruppo musicale Wham!
La continua ripetizione del brano a dicembre ha portato alla nascita e alla diffusione del gioco sui social network e, nel tempo, lo ha reso un appuntamento irrinunciabile per una precisa fetta della popolazione, quella dei Millennial. Le regole? Semplicissime: per sopravvivere e vincere è sufficiente non ascoltare mai Last Christmas nel periodo che va dal 1° al 24 dicembre. La frequenza della messa in onda del brano nel periodo natalizio rende, ovviamente, la vittoria particolarmente difficile. Per essere whammati (e perdere così la partita annuale) bastano anche solo pochi minuti della canzone (solo nella sua versione originale, però: cover o rivisitazioni sono ammesse).

Ma come nasce la Whamageddon? Ma naturalmente dal web! Le prime versioni del gioco risalgono ai forum online, nel 2009 e nel 2010. È l’avvento dei social network a rendere, però, la sfida globale: nel 2016 viene creata la prima pagina Facebook dedicata alla Whamageddon, per opera del danese Thomas Mertz, che realizza anche il sito ufficiale con le regole. Da lì, il surviving game si diffonde a macchia d’olio, raggiungendo anche l’Italia e venendo raccontato anche sui media tradizionali.

La diffusione della Whamageddon, in realtà, ha reso anche la vittoria, paradossalmente, più facile: da quando la sfida è conosciuta a molti, è diventato più difficile trovare la canzone inserita nelle playlist delle feste. Allo stesso tempo, però, ha scatenato la cattiveria agonistica insita nell’animo umano: nonostante non sia pensata come una battle royale, infatti, sono in molti a cercare di “whammare” i propri amici, inviando loro la canzone o facendola partire a tradimento.

E tu? Conoscevi la Whamageddon? E come sta andando la sfida quest’anno? Io sono sopravvissuta più che in passato: la mia corsa si è conclusa, drammaticamente, il 14 dicembre quest’anno. E no, non sarò così cattiva da inserire Last Christmas alla fine di questo pezzo. Per quest’anno…

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L'articolo Whamageddon – Perché i Millennial evitano Last Christmas? proviene da Nerdando.

La spettacolare copertina è firmata da Gipi

La collaborazione delle collaborazioni

Che meraviglia quando un meme diventa realtà! E, in un certo senso, è proprio questo che è successo dietro la nascita di Drönjöns & Dragan, il manuale svedese dei nomi che suonano bene realizzato da Ikea e che ha fatto il suo debutto durante l’ultima edizione della Milan Games Week.

Dopo anni di storie su Dungeon Master che, a corto di ispirazione per i nomi da inserire nelle proprie campagne, decidevano di sfogliare i cataloghi Ikea per prendere spunto dai nomi -spesso quasi impronunciabili agli occhi del lettore italiano, di sicuro esotici- di accessori e mobili realizzati dall’azienda svedese.

Ebbene, è proprio così che nasce Drönjöns & Dragan, presentato durante la Milan Games Week 2025: presente per la prima volta in fiera, Ikea ha scelto per il suo debutto un progetto che parla di esplorazione di nuovi mondi e di come il design possa diventare più che mai linguaggio per la creatività e la connessione tra le persone.

La genesi

Tutto nasce dalla quotidianità stessa: non è infatti un segreto che molte e molti role player in tutto il mondo si siano trovati in più di un’occasione a sfogliare un catalogo Ikea o a spulciarne il sito web in cerca di ispirazione per il nome del proprio personaggio, di un luogo della campagna o del proverbiale oste di turno.
Forse perché, alle nostre orecchie, in fondo lo svedese suona un po’ fantasy, fatto sta che è incredibile pensare a quanti vastissimi mondi sono nati a partire da una lampada o da una libreria particolarmente difficile da pronunciare.

E proprio per celebrare una sinergia così inaspettata e così potente, Ikea ha creato Drönjöns & Dragan e lo ha presentato alla Milan Games Week: per tutto il weekend lo spazio Ikea in fiera è stato animato da game master e ha coinvolto il pubblico in momenti di gioco, storytelling e interazione con la presenza dei content creator Sabaku e Ciccio Lancia.

Il manuale

Drönjöns & Dragan è un’edizione speciale dei famosi (e, almeno da parte mia, rimpianti) cataloghi cartacei di Ikea. Sì, quelli che, ogni settembre, ci precipitavamo ad accaparrarci in negozio. L’edizione da collezione, in formato più grande di quello dei vecchi cataloghi, è racchiuso in una copertina incredibile firmata da Gipi (Gianni Pacinotti) ed è una vera gioia da sfogliare.

Il manuale svedese dei nomi che suonano bene raccoglie molti dei prodotti Ikea e, per non farsi mancare proprio niente, anche le descrizioni sono totalmente in svedese, pronte a diventare formule magiche della prossima campagna di D&D.
Un’idea geniale, non mi vergogno di usare questo termine, nata dalla comunità e restituita a essa stessa.

Trovi il manuale a questo link.

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Che scatolona

Nel corso di Lucca Comics & Games 2025, Wizards of the Coast mi ha invitato a provare il Kit per Principianti di Magic: The Gathering dedicato all’espansione Avatar: La Leggenda di Aang e ne sono rimasto piacevolmente sorpreso… e ho anche vinto la partita contro Mauro Monti grazie a un po’ di combo create totalmente a caso, ma questo non ha assolutamente influito con il mio giudizio sul box. Credo.

Contenuto della scatola

La scatola del Kit per principianti di Avatar: La Leggenda di Aang contiene:

• 10 Mazzi tematici Jumpstart di cui:
  • 2 dimostrativi e calibrati per essere giocati uno contro l’altro.
  • 8 da 20 carte ciascuno. Una volta mischiati due di questi, sarai pronto/a per una partita.
• 5 Carte Pedina.
• 2 Tappetini di gioco rigidi.
• 1 Guida Introduttiva al mondo di Magic.
• 1 Guida di Riferimento delle regole.
• 2 Set di 2 Carte ciascuno contenenti il regolamento in breve.
• 1 Guida Rapida per principianti al mazzo Aang.
• 1 Guida Rapida per principianti al mazzo Zuko.
• 2 Dadi Segnapunti vita spindown.
• 6 segnalini di cartone.

È il caso di dirlo: tanta roba

Impressioni

Ogni volta che una persona mi chiede come iniziare ad avvicinarsi al mondo di Magic: The Gathering tendo a consigliare Arena, la versione digitale del gioco creato da Richard Garfield.

Volendo però avere un approccio all’universo cartaceo, quello originale, ora posso suggerire il Kit per principianti di Avatar: La Leggenda di Aang.

In primo luogo, la quantità e la qualità del materiale presente all’interno della scatola è tanta vedendo il prezzo a cui viene proposto (il prodotto è proposto a 34,99 € ma lo trovi anche a circa 30 €).

La scatola è accattivante e le regole base si imparano in pochissimi minuti, anche se non conosci nulla di MTG.

I Mazzi Base dimostrativi di Aang e Zuko hanno una guida che permette di padroneggiarli da subito e di creare, contro un/a avversario/a, delle sfide appassionanti; una volta che li conoscerai a menadito, potrai combinare gli altri 8 mazzi Jumpstart, personalizzandoli come meglio credi, per ottenere il meglio dalle tue carte, decidendo quale strategia utilizzare.

Le meccaniche dell’espansione Avatar: La Leggenda di Aang sono parecchio intriganti e non vedo l’ora di integrare i miei mazzi con le nuove carte. Trovi qui il mio articolo con le novità del set.

Infine, se cerchi altri con cui giocare, potrai riuscire a tirare dentro le/i fan della serie animata e chi ama quel genere di illustrazioni.

Tutte le date di Avatar: La Leggenda di Aang

• Inizio Prerelease: venerdì 14 novembre 2025.
• Arena Release: martedì 18 novembre 2025.
• Release fisica: venerdì 21 novembre 2025.

Ti aspetto al tavolo da Level Up per i prerelease o su Arena!

Ringrazio Wizards of the Coast sia per l‘invito che per avermi spedito il box (e delle bustine aggiuntive) che hanno permesso la stesura di questo articolo e di farmi sbustare felice.

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Nell’attesa di entrare nel mondo competitivo di Riftbound, ho intervistato Nicola Cencherle

Nel corso di Lucca Comics & Games 2025, ho avuto modo di fare due chiacchiere con Nicola Cencherle, EMEA Publishing Responsible di Riot Games per Riftbound. Ecco quello che ci siamo detti.

Tencar: Ciao, Nicola! Ho visto un grande hype per Riftbound anche, per esempio, in Abruzzo, che solitamente è una regione un po’ fredda. Come ti spieghi una risposta del pubblico così calorosa?

Nicola Cencherle: Secondo me, ci sono varie ragioni. Fondamentalmente, quando Riot decide di portare un nuovo prodotto, si prepara molto bene e nel miglior modo possibile. Inoltre, più della metà di chi lavora in Riot gioca a tcg e quindi il primo target eravamo noi, che perciò siamo i primi critici. L’idea iniziale era di realizzare un gioco per creare community e che fosse accessibile a chi non ha mai giocato titoli del genere.

T: Il classico gioco semplice e non banale.

N: Le regole sono semplici, però se sei un giocatore veterano capisci che è molto profondo. Volevamo essere preparati con il primo set e, per questo, comprende oltre 300 carte e 12 Campioni.

T: Come mai adesso e non prima?

N: Perché prima non era il momento giusto. Adesso è l’istante perfetto perché c’è molto interesse sui tcg in generale e pensiamo di avere il gioco giusto. Siamo molto contenti e piacevolmente sorpresi sia dalle tantissime richieste che dai feedback molto positivi.

T: I giocatori di carte di solito pretendono un sacco: aver avuto questo genere di accoglienza è già un successo?

N: Abbiamo voluto creare un tcg che si possa giocare sempre e che dia valore ai player. Il nostro obiettivo è di creare una community che cresca un po’ alla volta e che giochi ogni settimana nel proprio negozio di fiducia.

T: Ho giocato tantissimo a Legends of Runeterra. Avete pensato anche a un’eventuale versione online di Riftbound?

N: Per il momento Riftbound sarà solo fisico. Si sta valutando se creare qualcosa che sia di complemento e che dia valore, ma non vogliamo creare una copia digitale del gioco perché per noi è importante il contatto fisico e creare una community fisica.

T: Legends of Runeterra ha gettato le fondamenta per Riftbound?

N: Ha aiutato molto. Molte idee sono venute da lì, per capire quali meccaniche funzionano meglio, per la gestione di risorse, come creare il mazzo.

T: Vedendo il regolamento, mi piace il lato più “caciarone” delle partite 2v2. A chi si rivolge Riftbound? A chi è più scafato, a chi ama League of Legends e vuole provare questo nuovo mondo?

N: Riftbound è nato come un progetto multiplayer per 4 giocatori e, infatti, tra i prodotti disponibili all’uscita c’è Proving Grounds che è pensato per questo numero di player. Per noi l’importante è che le persone possano divertirsi giocando.
League of Legends ci ha insegnato che la maggior parte non vuole diventare un “pro”, vuole svagarsi. Vogliamo fornire un prodotto che possa essere fruibile sia ai casual che a chi vuole competere.

Come al solito, ho dimenticato di fare foto. Per fortuna, c’era Rob in giro per la manifestazione che mi ha paparazzato

T: Per quanto riguarda il gioco organizzato, ho dato un’occhiata all’ottima struttura dei tornei competitivi. Ci sarà anche spazio per il gioco casual?

N: Ci saranno eventi più casual nelle fumetterie e nei negozi specializzati.

T: Per quanto riguarda la distribuzione, avete già pensato alle ristampe?

N: Siamo molto contenti della risposta del pubblico. Il nostro obiettivo è dare a tutti la possibilità di giocare. Ci stiamo adoperando per soddisfare le esigenze dei player e dei collezionisti.

T: È prevista una traduzione italiana?

N: Per adesso ci sono le versioni inglese e cinese. Valuteremo eventualmente in futuro nuove localizzazioni.

T: Ti aspettavi una tale affluenza qui a Lucca Comics & Games?

N: Sì, ce l’aspettavamo ed eravamo già preparati. Abbiamo fatto già eventi negli Stati Uniti, a Madrid, a SPIEL la settimana scorsa.
Per noi Lucca Comics & Games è uno degli eventi più importanti italiani e abbiamo spinto molto per avere questo stand.

T: Avete già un’idea per le espansioni?

N: Avremo quattro set per anno e un set ogni 3 mesi. Spiritforged, il secondo set, uscirà in inglese a febbraio 2026.

T: Concludo con un paio di domande personali. Come ti trovi con questo nuovo ruolo di EMEA Publishing Responsible?

N: Sono contento: è un progetto molto bello e quando vedo la risposta della gente, sono felice. Sto imparando molte cose.

T: Con quali giochi di Riot ti diletti?

N: Il gioco che ho giocato di più è Teamfight Tactics. Gioco anche a League of Legends ma mi dispiace quando il team perde per colpa mia.
Lavoro da molti anni nel mondo dei videogiochi e appartengo alla generazione del Commodore 64. Sono un giocatore di console, principalmente Playstation. Mi diverto con gli fps single player.
Mi piacciono anche i board game.

Tencar: Ti ringrazio per il tuo tempo, è stato un vero piacere conoscerti!

N: Grazie a te.

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Finalmente si sbusta e si gioca!

Venerdì 31 ottobre 2025 è un grande giorno per gli amanti dei TCG: finalmente è uscito Riftbound, il gioco di carte collezionabili di Riot Games. È disponibile in Inglese in Nord America, America Latina, EMEA e Oceania.

Riftbound è stato progettato per il gioco competitivo e casual e supporta formati 1v1, 2v2 e multigiocatore “free-for-all”.

Riftbound: Origins

Il primo set di Riftbound è Origins è composto da oltre 300 carte dove troverai alcuni dei campioni più amati di League of Legends come Jinx, Ahri, Yasuo, Miss Fortune e Teemo.

Tra i prodotti a disposizione delle giocatrici e dei giocatori ci sono i mazzi da 56 carte (a 20.99 €), pronti all’uso, dei campioni Jinx, Lee Sin e Viktor, la scatola introduttiva Proving Grounds (a 31.99 €) pensata per partite multiplayer e i booster pack da 14 carte.

Il secondo set, Spiritforged, sarà disponibile in inglese a febbraio 2026.

Le parole di Chengran Chai, Executive Producer di Riftbound

“Con Riftbound abbiamo costruito qualcosa con cui i giocatori possano connettersi per gli anni a venire. Dalle Nexus Nights nei negozi agli eventi competitivi di larga scala, stiamo espandendo l’universo di League of Legends in modi che possono evolvere insieme alla community. Mentre Riot continua a esplorare il panorama multimediale, Riftbound rappresenta il nostro impegno a offrire ai fan un nuovo modo di vivere Runeterra oltre lo schermo”.

Le parole di Dave Guskin, il Game Director di Riftbound

“Abbiamo colto l’opportunità di creare qualcosa di unico che potesse risuonare sia con i fan di League of Legends sia con gli appassionati di TCG. Riftbound incarna la profondità, la strategia e il senso di comunità che definiscono sia League of Legends che il genere dei TCG. Il risultato: un gioco di carte fisico capace di catturare l’immaginazione degli appassionati di TCG e offrire alla community di League of Legends un modo concreto per interagire con il mondo e i campioni che amano”.

Competitivo

Il gioco competitivo partirà in inverno con il primo English Regional Qualifier a Houston (5-7 dicembre 2025). Successivamente, ci sarà il Regional europeo a febbraio 2026.

I negozi locali ospiteranno dimostrazioni e le “Nexus Nights” per accogliere nuove e nuovi player.

Qui trovi la mia intervista a Nicola Cencherle, responsabile di Riftbound per la regione EMEA.

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Avatar: The Last Airbender è la nuova espansione appartenente a Universes Beyond

Giovedì 23 ottobre 2025, Wizards of the Coast mi ha invitato alla conferenza stampa online di presentazione della nuova espansione di Magic: The Gathering Avatar: The Last Airbender (in Italiano, Avatar: La leggenda di Aang).

Cosa sappiamo

Avatar: The Last Airbender fa parte di Universes Beyond cioè quel ciclo di espansioni che interseca IP di altri universi e li trascina all’interno di Magic.

Tra le novità più succose:

• tornano le creature di tipo Ally.
• Verranno introdotte delle abilità che hanno a che fare con gli elementi.
  • Earthbend x: una terra bersaglio che controlli diventa una creatura 0/0 con rapidità che è ancora una terra. Aggiungi x segnalini +1/+1. Quando muore o è esiliata, ritorna sul campo di battaglia tappata.
  • Waterbend x: pagando il costo, si attiva un abilità che può essere pagata anche tappando creature o artefatti che valgono 1 l’uno.
  • Firebending x: quando la creatura con questa abilità attacca, aggiungi un mana rosso per ogni punto firebending.
  • Airbend: si esilia un altro permanente non terra. Finché resta esiliato, il suo controllore può pagare 2 per lanciarlo nuovamente.
• Ci saranno eroi e villain del mondo di Avatar come Aang, Katara, Sokka, Toph, Zuko, Iroh, Azula e Zhao.
• L’introduzione di animali ibridi come, per esempio, conigli canguri e draghi insetti.
• Il ritorno delle carte saga e delle saghe double-faced.
• Saranno presenti nuovamente le carte di tipo Lezione e gli Indizi.

Le date

• Debutto: martedì 28 ottobre 2025.
• Preview: da mercoledì 29 ottobre a venerdì 7 novembre 2025.
• Inizio Prerelease: venerdì 14 novembre 2025.
• Arena Release: martedì 18 novembre 2025.
• Release fisica: venerdì 21 novembre 2025.

I prodotti

• Play boosters: buste da 14 carte che comprendono 1-4 rare o più, 3-5 non comuni, 6-9 comuni e una carta terra.
• Collector boosters: buste da 15 carte contenenti 5 rare o più, 4 non comuni, 5 comuni e 1 terra full-art; ci sono dalle 12 alle 14 foil.
• Bundle: contiene 9 play boosters, 1 carta foil promo con art alternativa, 15 terre foil con 5 full art, 15 terre base non foil con 5 full art, 1 spindown life counter, 1 scatola per tenere le carte e due reference cards.
• Commander’s Bundle: contiene 9 play boosters, 1 collector booster, 5 carte senza bordo per il commander (come Sol Ring, Arcane Signet e Swiftfoot Boots), 15 terre foil (5 full art), 15 terre (5 full art), 1 life counter a “rotella” e 1 scatola per tenere le carte.
• Jumpstart Booster Display: contiene 24 pacchetti da 20 carte ognuno.
• Prerelease pack: contiene 6 Play Booster, 1 carta rara o mitica con un timbro e 1 spindown life counter.
• Beginner Box: contiene 2 mazzi per iniziare a giocare da 20 carte, 8 mazzi tematici da 20 carte l’uno, 2 playmat, 2 spindown life counter, 2 guide per imparare a giocare, 5 segnalini a doppia faccia e 1 libro delle regole.
• Scene box: contiene 3 Play Boosters, 6 carte foil senza bordo che formano una scena di Avatar se messe vicine, 6 Art Cards e 1 Cavalletto espositivo.

Manca poco e, per quanto non ami il franchise di Avatar, quando si tratta di sbustare, non mi tiro mai indietro: ci si vede al prerelease!

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