Questo 2026 sarà bello pienotto

Nella giornata di martedì 3 marzo 2026, durante il GAMA Expo, è stata annunciata la roadmap del 2026 di Dungeons & Dragons.

L’anno sarà diviso in stagioni: vediamole nel dettaglio.

Stagione dell’Horror

Amo Ravenloft

La Stagione dell’Horror durerà da aprile 2026 a giugno 2026 e il prodotto di riferimento sarà il manuale Ravenloft: The Horrors Within, disponibile in preorder dal 13 aprile 2026 con la data di uscita fissata al 16 giugno 2026. Al suo interno, saranno presenti parecchie opzioni per i player come nuove sottoclassi, specie, background e talenti a tema horror. Ci saranno molti contenuti sui Signori Oscuri e sui Domini del Terrore, creature delle Nebbie Terrificanti e nuovi alleati come, per esempio, Rudolph van Richten. Le/i DM avranno tutto il necessario per creare una campagna horror.

In uscita a giugno anche il Tarokka Deck, con 60 tarocchi per arricchire la narrazione, The Horrors Within: Dungeon Master’s Screen da quattro pannelli e The Horrors Within: Map Pack che comprende cinque mappe poster fronte/retro e due fogli di token.

Stagione della Magia

Tante magie per tutte e tutti

Subito dopo, a partire da luglio 2026 fino a settembre 2026, sarà la volta della Stagione della Magia che avrà come manuali di riferimento Arcana Unleashed e Arcana Unleashed: Deadfall; il primo è una guida per chi adora la magia e offre opzioni di creazione per i personaggi e un nuovo sistema di oggetti magici che potranno crescere insieme al PG, il secondo è dedicato a un’avventura incentrata sui Maghi Rossi e sulla Guerra dei Maghi. Entrambi usciranno a settembre 2026.

Uscirà anche, ad agosto 2026, il D&D Reference Card Decks composto da carte utili a facilitare il gioco.

Stagione dei Campioni

Dell’ultima stagione, che avrà luogo tra ottobre 2026 e dicembre 2026, non abbiamo ancora informazioni.

Prodotti di Dungeons & Dragons in Italiano per il 2026

Potevano mancare i prodotti tradotti in Italiano? Certo che no.

Il 24 marzo 2026 uscirà il Set Introduttivo: Eroi delle Terre di Confine, in estate i due manuali dedicati a una delle ambientazioni più amate (Forgotten Realms: Heroes of Faerûn e Forgotten Realms: Adventures in Faerûn) e, infine, in autunno Ravenloft: The Horrors Within.

Sono curiosissimo di leggere le nuove uscite e aspetto con trepidazione la Stagione dell’Horror.

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“Come ha detto Bertrand Russell,
l’unica cosa che riscatta il genere umano è la collaborazione.
E so che adesso faremo nostre queste parole!
Le hai lette su un sotto-bicchiere?
Sì, della Guinness doppio malto”

L’Alba dei Morti Dementi – 2004

Recensione

Era un piovoso weekend di ottobre del lontano 1968 quando, per la prima volta nelle sale americane, veniva proiettato il film di uno sconosciuto ragazzo, poco meno che trentenne, realizzato col ridicolo budget di 10.00 dollari. A dispetto di ogni previsione, questa pellicola sarebbe diventata, nell’arco di pochi mesi, un vero e proprio cult, ponendo addirittura le basi per un’autentica rivoluzione del genere horror. Stiamo parlando, ovviamente, de La notte dei morti viventi.

Lo zombie è un… “evergreen”

Da quel momento in poi gli zombie ci hanno fatto compagnia con cadenza periodica attraversando, nei decenni, tutti i media possibili, diventandone spesso protagonisti assoluti. In questo contesto i videogiochi non hanno fatto certo eccezione.

Così, per pura curiosità, ho fatto un esperimento, ho digitato la parola zombie nel campo di ricerca di Steam e mi sono comparsi oltre 5.000 titoli… e temo si tratti di una stima per difetto. Insomma, la tentazione di sbuffare davanti all’ennesimo videogioco a tema zombie è alta, ma quasi mai superiore al nostro bisogno più intimo di tornare a sterminare torme di “mortacci” famelici.

Sul perché non vediamo tutti l’ora di farne fuori a centinaia si potrebbero spendere fiumi d’inchiostro, ma facciamola semplice, in fondo è anche un po’ colpa loro: stanno li a ciondolarsi tutto il giorno, puzzano terribilmente e manifestano una spiccata aggressività. Insomma qualche giustificazione per odiarli ce l’abbiamo pure, no?

Carta vince, carta perde

Si, va bene, ma tutto questo che c’entra con Dead Grid?

C’entra, perché gli sviluppatori di Atom Void hanno scelto di esordire proprio in un questo settore di certo inflazionatissimo, ma non per questo privo di opportunità. E hanno deciso di farlo con un gioco che, già a prima vista, appare “atipico”.

Insomma vai a guardare il trailer ufficiale del gioco e prova a farti un’idea. Fatto? Ecco, dimenticatetela perché Dead Grid è tutt’altro. Sebbene, infatti, a una prima occhiata possa sembrare una sorta di card battler come ce ne sono tanti, magari uno Slay the Spire pieno di morti putrescenti, di fatto, mouse alla mano, il gameplay è di tutt’altro tipo. Di fondo, può essere immaginato come un grosso mesh up di generi che spazia dal gestionale al gioco di ruolo, ma su cui alla fine emerge preponderante la natura da board game.

Insomma le carte ci sono, certo, ma il loro ruolo e il modo in cui le usiamo ricorda più una partita a Monopoli (e qui gli sviluppatori sparerebbero a me, anziché agli zombie…) piuttosto che una ad Across the Obelisk.

Ma andiamo con ordine.

Io zombo, tu zombi, lei zomba (Film del 1979)

Il gioco si svolge su una grossa mappa, solo all’apparenza completamente aperta. A limitare il nostro girovagare ci pensano sia la portata limitata del nostro raggio d’azione, sia il livello di difficoltà crescente delle missioni, man mano che ci spostiamo dal lato sinistro della mappa al lato destro. Insomma, avremo sì un po’ di libertà nel decidere quale missione affrontare, ma la scelta si limiterà solitamente a 2/3 missioni vicine a noi, nulla di più.

Scelta la destinazione, dovremo passare alla selezione dei componenti della nostra squadra in un modo simile a quanto siamo abituati a fare con X-Com e figli. Ogni personaggio appartiene a una classe specifica, col suo bell’inventario e le sue abilità speciali. Ma attenzione, io ve la faccio facile, ma vi garantisco che il gioco, dietro una facciata un po’ sbarazzina, nasconde una fitta trama di regole e statistiche che a digerirle tutte di primo impatto ce n’è da restarci secchi. Insomma, a voler fare delle scelte ponderate, già solo in questa fase preparatoria ci sarebbe da trascorrerci parecchio tempo.

Per fortuna le prime missioni sono di tutorial e tutte piuttosto semplici, il che ci consente di arrivare alla fase successiva senza troppi patemi d’animo. Scelto l’equipaggiamento e la squadra, si passa a una mappa ristretta dell’area, dove, anche in questo caso, non sono certo la libertà e la varietà a farla da padrone. Si tratterà di muoversi su uno dei “blocchi” selezionabili per attivare uno scontro sino a giungere al nostro obiettivo finale. Non ci sono eventi alternativi, come accade in molti roguelike, ma solo “Una battaglia dopo l’altra” (si capisce che sono un fan del citazionismo spinto?), il che, lasciatemelo dire, è una delle poche feature di cui ho sentito un po’ la mancanza.

In compenso gli scontri, che sono di fondo l’anima del gioco, sono davvero intriganti, soprattutto dopo che i tuoi personaggi saranno riusciti a salire di livello e avranno cominciato ad ampliare il loro repertorio di abilità speciali. E sì, perché, come ogni buon RPG che si rispetti, qui ogni personaggio, nemico o, persino, oggetto, è letteralmente subissato di statistiche e, col tempo, può evolversi in qualcosa di molto più potente.

Credimi, insomma, da questo punto di vista il senso di progressione della propria squadra è ottimamente reso!

Secondo me, la morte è sopravvalutata…

Ma non perdiamo il filo, si diceva degli scontri. Questi si svolgono su una sorta di tavolo virtuale dove, come è prassi, nella parte bassa troviamo i nostri disperati eroi e sopra i nemici o gli oggetti interattivi dell’area, quali contenitori, barili esplosivi, mucchi di cadaveri cui appiccare il fuoco (!) e così via. A turno, ognuno dei nostri personaggi può, non solo compiere un’azione principale, attaccando o interagendo con gli oggetti, ma può anche pescare una carta speciale (avete presente gli Imprevisti e le Probabilità del Monopoli di cui sopra?) oltre che utilizzare un’abilità estratta a caso dal mazzo di cui dispone.

Il tutto è reso molto più intrigante non solo dall’interazione tra le molte variabili, ma anche all’impatto che ogni scelta ha su fattori come il rumore. Se, ad esempio, decidiamo di lanciare una granata, faremo sì saltare allegramente per aria un bel po’ di morti non-più-viventi, ma aumenteremo, nel contempo, anche il livello di allerta che potrebbe attirare in zona altri nemici. Questo ci impone di mantenere sempre un precarissimo equilibrio fra armi melee (solitamente più silenziose) e bocche da fuoco.

Terminate le missioni ce ne potremo tornare alla base dove troveremo le solite sezioni dove gestire il personale, migliorare le armi e così via.

In generale, mi sento di dire che questo gran miscuglio di generi, al netto di qualche ingenuità, funziona egregiamente ed è in grado di regalare grandi soddisfazioni, soprattutto quando comincerai a vedere crescere la potenza offensiva della tua squadra.

Sotto il profilo visivo c’è davvero poco da dire. Il gioco ha deliberatamente optato per uno stile retrò, e la grafica, fatta salva la rappresentazione delle fasi salienti degli scontri in un 3D primitivo ma simpaticissimo, è in prevalenza “statica”. Insomma semplice, ma funzionale.

Conclusioni

Che dire di questo Dead Grid? A me, lo confesso, è piaciuto parecchio. Nelle sue molte anime riesce a trovare un miracoloso punto di equilibrio che spinge il giocatore ad andare avanti, anche se il loop di gioco può risultare alla lunga ripetitivo. Se nel corso delle missioni fossero stati inseriti eventi alternativi allo scontro duro e puro, la varietà di gioco ne avrebbe certamente guadagnato, ma anche così, considerando il profilo molto ”indie” del prodotto e il budget per lo sviluppo non certo faraonico, il gioco funziona egregiamente.

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Prezzo

Dead Grid è disponibile per PC, su Steam, al prezzo di 12,50 €.

Nerdando in breve

Dead Grid è la ragione per cui continuo a guardare al mondo degli “indie” con grande ottimismo: pochi mezzi, poca pubblicità, ma grandi idee col dono dell’originalità.

Trailer

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“Eppure c’era stato un tempo
prima della Catastrofe,
in cui i sogni erano stati reali,
in cui il mondo era stato, se non migliore,
almeno più prossimo alla luce originaria”
Wu Ming 4 – Stella del Mattino

Recensione

Sullo schermo, sbiadita dalle luci ancora accese, si staglia la figura del Dott. Kelson. È inarcato e sembra gridare al cielo tutta la sua follia e frustrazione. Neanche il tempo di buttare lì un’ipotesi che il buio in sala ci inghiotte tutti…

La Brexit non è stata una grande idea

E così, finalmente ci siamo.
Dopo poco più di 6 mesi, possiamo soddisfare la nostra curiosità e scoprire che fine hanno fatto i protagonisti del primo capitolo di 28 Anni Dopo, riprendendo le fila del discorso proprio là dove lo avevamo lasciato.
Insomma, i presupposti per un ottimo film ci sono tutti, a cominciare dalle diverse trame lasciate letteralmente in sospeso dalla prima parte e che, come è lecito, ora attendono una risposta.

Prima di addentrarci nella storia di questo nuovo capitolo, però, è forse necessario compiere il più classico dei “passi indietro” e qui lo SPOILER ALERT è d’obbligo. Insomma, se non hai ancora assaporato per benino il primo film, salta a piè pari quanto sto per dirti e riprendi la lettura dal prossimo paragrafo.

Dunque, si diceva, la prima parte della storia ci presenta un mondo che, tutto sommato, se l’è cavata abbastanza bene nell’arginare la diffusione del virus della rabbia tra la razza umana.
L’unica eccezione a questo lieto fine, è rappresentata dalla Gran Bretagna, in cui la piaga è ancora di casa, e che, per tale ragione, viene abbandonata a sé stessa e posta in una rigidissima quarantena.
In questo affascinante contesto, che non si sforza nemmeno tanto di nascondere i fantasmi della Brexit, nel primo capitolo abbiamo fatto la conoscenza di alcune persone interessanti come il piccolo Spike, alle sue prime incursioni sulla terraferma. Proprio durante una di queste spedizioni, Spike, non rassegnato all’idea di veder morire la propria mamma malata, decide di andare da solo alla ricerca dell’ultimo medico vivente in quell’angolo di Inferno. Lì, in una sorta di santuario fatto di ossa, farà la conoscenza del bizzarro Dott. Ian Kelson, uomo dall’animo buono, che lo riconcilierà con l’idea della perdita e della morte (memento mori).

Insomma, al termine del primo capitolo, la storia, pur nella sua estrema semplicità, lascia aperti una serie di potenziali sviluppi che, almeno nel sottoscritto, hanno generato ottime aspettative per questo sequel.
C’era, per esempio, la possibilità che il padre di Spike partisse alla ricerca del figlio, oppure l’incognita sui salvatori del ragazzo nella scena di chiusura del primo capitolo: chi sono davvero quegli svitati in odor di Arancia Meccanica?
Insomma, potenzialmente tanta carne al fuoco…

Amo molto parlare di niente, è l’unico argomento di cui so tutto” (cit.)

Ecco, è proprio con queste succulente premesse che mi sono approcciato a Il Tempio delle Ossa, praticamente certo che la semplicità della trama del primo capitolo potesse trovare qui un degno riscatto.
Certo, quel cambio di regia all’orizzonte un pochino mi aveva preoccupato, ma, si sa, io sono sempre stato un inguaribile ottimista…
Ma andiamo per gradi.
La prima circostanza importante da sottolineare è che il nuovo capitolo comincia praticamente là dove era finito il precedente, senza soluzione di continuità, un po’ come fossimo davanti alla seconda puntata della nostra serie preferita. Ritroviamo, quindi, il nostro Spike in compagnia di quella che si rivela essere una sorta di setta satanica sui generis e il nostro dottore impegnato a condurre singolari esperimenti a base di oppio e chiari di luna in compagnia del maschio Alpha Samson.

A questo punto vorrei dirvi di più sulla trama, sulla crescita dei personaggi, ma non posso, e non perché io abbia un qualche tipo di remora, ma semplicemente perché… perché non c’è altro da dire, ecco.
Sì, insomma, è inutile girarci attorno: se il primo capitolo riusciva a far passare in secondo piano la debolezza della trama per merito di una regia in stato di grazia, qui abbiamo solo un bel po’ di noia condita da una direzione artistica piuttosto anonima e statica.
Dispiace dirlo, perché sono un amante della saga e di tutto ciò che Danny Boyle (qui solo in veste di produttore) è stato in grado di creare durante tutta la sua carriera, ma, nel corso dei 120 lunghissimi minuti, appare evidente la mancanza di una vera e propria storia.

Intendiamoci, la saga è sempre stata caratterizzata da una chiave di lettura intimistica; non abbiamo mai assistito a orditi in cui i protagonisti si facevano carico delle sorti del mondo, ma questo non ha mai costituito un difetto per la serie, anzi.
Il problema subentra, semmai, quando neanche su un piano così personale si riescono a narrare fatti interessanti o a rappresentare evoluzioni credibili dei personaggi.
Perché, per esempio, non dare corso alle allettanti promesse del primo capitolo, magari dedicando spazio alla ricerca di Spike da parte del padre? O ancora, perché far regredire la figura del ragazzo in piagnucolosa vittima, quando, invece, nel primo capitolo aveva avuto un’evoluzione interessante?
È chiaro che le responsabilità più profonde, da questo punto di vista, vanno ricondotte in capo ad Alex Garland, che, mai come in questo film, appare svogliato. Insomma le idee latitano e quelle poche che troviamo non sono neanche particolarmente geniali.
Così, ad esempio, il guizzo su cui poggia buona parte della componente narrativa del film, ovverosia l’“umanizzazione” del maschio Alpha, ha nulla di originale. Ci aveva già pensato, con 20 anni di anticipo, quel geniaccio di George Romero dando, ehm, “vita” al suo Big Daddy.
Purtroppo, ai problemi di sceneggiatura si aggiungono la cronica assenza di vere e proprie scene d’azione (!), e la regia, davvero troppo statica, di Nia DaCosta.

Raccolta differenziata

Tutto da buttare, dunque?
Non esattamente.
Innanzitutto, a restituire dignità all’opera ci pensa l’interpretazione, magistrale e magnetica, di Ralph Fiennes, qui al suo apice. Nei molti minuti a sua disposizione, ammicca, soffre, diverte e stupisce, tutto grazie a un’espressività del volto che rende quasi superflui i dialoghi.
Poi ci sarebbe Chi Lewis-Parry, qui nei panni (invero, assenti) del maschio Alpha Samson. A lui la parola manca davvero, ma, nonostante ciò, riesce ad ispirare empatia oltre ogni aspettativa.
Infine, c’è l’unica scena davvero degna di essere ricordata, quella dove il solito Dott. Kelson si fa incarnazione mefistofelica, con tanto di brano degli Iron Maiden in sottofondo. Questo momento, tra fuoco ed esplosioni notturne, rappresenta il videoclip che The Number of the Beast non ha mai avuto ma ha sempre meritato.

Conclusioni

Come avrete intuito, le mie conclusioni non possono essere positive. Per carità, non bisogna mai dimenticare l’assoluta soggettività del mio giudizio. Non me ne vogliano, quindi, tutti coloro che, dopo aver visto il film, usciranno dalla sala dissentendo con tutto quello che ho scritto. Non sono un tecnico, né, tanto meno, un critico cinematografico. Il mio è un semplice resoconto delle sensazioni provate all’anteprima, e null’altro.
A conti fatti, poi, non stiamo neanche parlando di un film orribile, ma, se proprio fossi obbligato ad affibbiargli un aggettivo, purtroppo mi troverei costretto a definirlo: “superfluo”, il che non è certo un complimento.
Uscendo dalla sala ho avuto come la sensazione che quelle poche cose accadute ne Il Tempio delle Ossa potessero essere condensate in una mezz’ora e aggiunte in coda al primo capitolo.
Chiudo con una nota positiva: pare certo, ormai, che il terzo capitolo verrà realizzato e tornerà nelle sapienti mani di Danny Boyle.
Io, da inguaribile ottimista, sono convinto che sarà una bomba!

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Nerdando in breve

Vista la conferma del capitolo finale, Il Tempio delle Ossa può essere considerato come quell’antiacido un po’ cattivo che si è costretti a prendere per godersi al meglio il piatto succulento che sta per arrivare: insomma poco gradevole, ma indispensabile.

Trailer

L'articolo 28 Anni Dopo: Il Tempio delle Ossa – Una costola di troppo proviene da Nerdando.

Introduzione

Bye Sweet Carole è sicuramente uno dei videogiochi che mi hanno colpito di più quest’anno, tant’è che ho voluto candidarlo ai Nerdando Awards. Essendo una produzione italiana, volevo provare a fare qualche domanda al suo creatore, Chris Darril, per scoprire alcune curiosità sul gioco e comprenderne meglio il lavoro dietro. Con nostro grande piacere siamo riusciti a organizzare un’intervista e ringrazio tantissimo Chris e il suo team per averci dato questa opportunità.

Nato a Catania nel 1989, Chris Darril è un creativo a tutto tondo: scrittore, regista, art director, game director e fondatore di Little Sewing Machine. Prima del successo di Bye Sweet Carole si era già fatto conoscere per il suo lavoro con la saga di Remothered e per la regia di alcuni corti tra cui Before Saying Goodbye.

Inizialmente, doveva essere un’intervista scritta tuttavia, per esigenze di Chris, si è trasformata in una piacevolissima chiacchierata fatta di domande ma anche digressioni su cinema, videogiochi, femminismo e cancel culture.
Un testo molto lungo generalmente scoraggia la lettura, lo so, ma ho voluto ridurre al minimo l’editing dell’intervista, cercando di far vivere l’esperienza di sentire parlare Chris anche a chi ci legge, limitandomi a tagliare le digressioni che fanno perdere un po’ il filo del discorso.

Intervista

Kiarakala: Ciao Chris, grazie per aver accettato di fare questa intervista, per me è un piacere e un onore parlare con te.

Chris Darril: Dai, no, veramente, anzi è un piacere veramente… Vi ringrazio dello spazio che ci state concedendo ma anche della recensione, quindi sono onorato io in realtà.

K: Fa molto piacere. Adesso inizio con le domande. Dai, partiamo con la prima. Da dove nasce l’idea di realizzare un gioco come Bye Sweet Carole dove c’è questo ritorno alla tecnica tradizionale, nonostante la tendenza odierna nel mondo dell’animazione di usare la computer grafica e i modelli 3D?

C: Allora, da dove nasce? Se vogliamo, l’esperimento in sé nasce da un errore a tutti gli effetti. Perché mi era capitato di rieditare un vecchio prototipo, una vecchia build dei miei precedenti titoli, quindi Remothered, che nasceva sotto forma di prototipo su RPG Maker XP che, non so se ricordi, è una sorta di software che ti permette di fare questi giochini un po’ stile RPG, con visuale isometrica, ecc.
Io all’epoca lo spinsi un po’ oltre, per così dire, con charset, tileset, quindi scenari e personaggi che comunque uscivano fuori dagli schemi di RPG Maker, e quello fu il primo prototipo di Remothered, che poi è uscito nel 2018 con un software Unreal Engine, quindi tutt’altra formula.
Mi ricapitò questa build in un periodo abbastanza particolare, perché lasciavo il progetto Remothered, una condizione sofferente già agli inizi della produzione del secondo capitolo, per via di un ambiente tossico dove non mi trovavo minimamente bene.
Secondo me, tanto più che stiamo facendo arte, credo che non ci debba essere mai nessuna condizione di clima di tensione perché altrimenti non si lavora, come dire, con la giusta ispirazione.

Quindi ho lasciato questo progetto: sicuramente è stata una scelta sofferta e in più attraversavo la fase dell’inizio dell’accettazione del lutto per la perdita di mia madre, dopo una sofferta malattia – un cancro contro cui ha lottato per oltre sette anni.
E quindi, un po’ come quando si cerca di strimpellare al pianoforte qualche nota, così a tempo perso volevo strimpellare con questa vecchia build di questo prototipo di Remothered, e mi ero deciso che avrei fatto una versione in 4K.

Nel modificare i frame di animazione disattivai su Photoshop i layers che corrispondevano a luci e ombre, quindi tutti quei layers che gli davano un senso di tridimensionalità e profondità, e mi comparve questo fotogramma flat, letteralmente piatto, con quei colori, oltretutto non propriamente saturi. E lì ho detto: potrebbe essere una bella idea. Poi io sono da sempre un amante dell’animazione tradizionale, ancor più che dell’animazione attuale in 3D con la computer grafica. Quindi da lì nasce questa idea. Non ti nego che i primi tempi ho valutato anche la questione di farne piuttosto un film d’animazione. Però alla fine ho detto: a tutti gli effetti comunque è andata molto bene con Remothered, quindi tutto sommato c’era già un seguito che non vedeva l’ora eventualmente di mettere le mani su una produzione che si rifaceva a Clock Tower, genere hide and seek classico che è stato appunto introdotto da Clock Tower stesso. E quindi nasce questa idea, che prima era solo un’idea e poi diventa una cosa, come dire, concreta a tutti gli effetti. Non senza dubbi o rischi, della serie: testiamo, valutiamo se una cosa del genere è fattibile. E alla fine almeno in parte ce l’abbiamo fatta.

Chris mi ha raccontato quanto fosse stato difficile lasciare Remothered, ma col senno di poi abbandonare la saga si è rivelata la scelta giusta da fare per il proprio benessere e la sua creatività

K: Sì, ce l’avete fatta ed è uscito comunque un gran bel lavoro, devo dire. Prima hai parlato della tua passione per l’animazione tradizionale, da dove nasce?

C: Per me sono indelebili quegli anni, ogni volta poco prima di Natale quando usciva un nuovo classico della Disney e tu lo attendevi tutto l’anno. E non lo so, è un’associazione forse anche involontaria, perché quello lo ricordo come un periodo bellissimo. Usciamo dalle sale super eccitati, entusiasti del nuovo capolavoro della vecchia Disney, sapendo che da lì a un anno ne sarebbe uscito uno nuovo e chissà di cosa avrebbe parlato stavolta.
Il mio primo approccio, anche col cinema, fu la prima volta che vidi al cinema La Bella e la Bestia nel ’92, quindi i primi mesi del ’92: avevo due anni e perciò fu da subito la mia passione.
Mia madre stessa fu sorpresa dal fatto che un bambino di due anni riuscisse a stare calmo e sereno a guardare per intero il film. Tra l’altro mi ci riportò un’altra volta e, da lì, nacque anche una sorta di mio desiderio di scoprire com’è che nascevano i cartoni animati, una volta che avevo ben appreso che non si trattava di attori in carne ed ossa.
Mia madre mi volle spiegare come funzionava la tecnica che si fa disegnando fotogramma per fotogramma. E quella cosa mi è rimasta così impressa che forse ho voluto, onorando mia madre, risvegliare un po’ la mia infanzia, probabilmente quello che io associo a dei bellissimi ricordi.

Una pagina dell’artbook in cui è possibile vedere il processo fatto per realizzare Lana, la protagonista di Bye Sweet Carole

K: Trovo che sia una cosa meravigliosa quella che hai fatto e quindi mi viene da dire che con questo videogioco, oltre a omaggiare i grandi registi dell’animazione del passato, hai fatto anche un grosso omaggio a tua mamma. Da questo aspetto bellissimo capisco anche una cosa che volevo chiederti. Ovvero come hai fatto a non cadere nel rischio del plagio. Perché per quanto lo stile ricordi molto Disney e alcuni cartoni di Don Bluth, giocandolo ti rendi conto che Bye Sweet Carole ha un’anima tutta sua.

C: Non saprei dirti. È vero che a me ogni lavoro che dirigo piace riempirlo di citazioni. Io adoro l’omaggio. Anche perché non c’è un solo artista o un solo artigiano che non si rifaccia ai grandi del passato. Come ti dicevo poc’anzi, io penso di essermi trascinato dietro questo desiderio di fare qualcosa associato all’animazione tradizionale quando da bambino mia madre mi regalò una risma di carta, quella per la stampante, e sapendo che appunto i film di animazione venivano disegnati fotogramma per fotogramma, la mia intenzione fu subito quella di disegnare, scarabocchiare foglio per foglio e infilarlo nel videoregistratore, convinto che il film avrebbe preso vita nella TV a tubo catodico invece… distrusse il videoregistratore.

Mia madre l’ha preso come una cosa ammirevole, dopo il primo cazziatone, l’ha presa come una cosa che denotava probabilmente una mia predisposizione per questo settore affascinantissimo; nel produrre qualcosa come è stato fatto in passato, e quindi chiaramente omaggiando registi come Gary Trousdale e Kirk Wise, i registi de La Bella e la Bestia, ma anche Glen Keane e sicuramente Don Bluth. Ovunque c’è qualche richiamo a qualche scena da qualche cult, anche d’annata, come Cenerentola nel caso della trasformazione di Lana. Non solo ispirazione da Don Bluth, ma, volendo, anche da L’Incantesimo del Lago, che non è conosciutissimo, però, sicuramente alla fine degli anni ’90 è stato uno dei capisaldi, per così dire, dell’animazione che cercava di primeggiare con altre major…

Quindi sì, per me è stato una sorta di bisogno di risvegliare il fanciullo che c’era in me, quasi con una morale pascoliana, se vogliamo. Perché ogni tanto si cresce in fretta ed è giusto che sia così. Purtroppo, nella vita accadono cose che sicuramente possono essere spiacevoli e ci cambiano. Anziché guardare subito avanti e mirare a reagire come un adulto dovrebbe fare, ho preferito guardare al passato e rivivere in qualche modo quella spensieratezza, sempre con quelli che sono un po’ i miei marchi di fabbrica: l’avventura un po’ piu creepy, una storia un po’ più articolata che poi si sbroglia alla fine come una matassa, con colpi di scena.

Chissà, magari gli anni cambieranno la mia poetica. Per il momento, è stato molto terapeutico lavorare a Bye Sweet Carole. Consiglierei a tutte le persone che stanno vivendo un periodo grigio della propria vita, chi per un lutto, chi perché decide di abbandonare un’altra realtà, ma anche chi ha una relazione che finisce, di dedicarsi tantissimo all’arte, di fare arte, di provare a scrivere, o a disegnare, di mettersi in gioco. Credo che non ci sia veramente terapia superiore a questa.

K:Mi trovi perfettamente d’accordo, un ottimo consiglio.

C: Lo sai qual è la reazione tipica? Lasciarsi prendere dallo sconforto e deprimersi. È brutto da dire, perché ovviamente la morte di mia madre è stata l’evento più traumatico di tutta la mia vita, non lo potrei paragonare a nient’altro, ma in quello stesso periodo io decisi di prendere la mia vita letteralmente in pugno e dissi: Io non me la sento di continuare così.

Io volevo già lasciare il progetto Remothered a gennaio 2020, e poi alla fine ho lasciato il gioco a ottobre 2020, quindi già mesi prima rispetto dell’effettivo lancio. Non mi sentivo minimamente ispirato, ero game director, ma solo di facciata, perché a tutti gli effetti non avevo nessuna responsabilità creativa. Quello che vedevo in gioco era tutta un’altra cosa rispetto a quelle che erano le mie specifiche.
Lì, definitivamente, ho detto: Io non voglio continuare con qualcosa che non mi rende felice. Oggi ci siamo, purtroppo domani potremmo non esserci più. Quindi a un certo punto lo potevo fare e ho deciso di tagliare corto e voltare completamente pagina.

C’è stato un periodo in cui non volevo più fare niente e non fare videogiochi per un po’. Poi invece, fortunatamente, ho detto no, proprio questo è un periodo in cui devo, secondo me, sublimare i miei stati d’animo e creare qualcosa che potrebbe far sentire meglio una persona. Per me riuscirci è già un successo.

Pagina dell’artbook dedicata al buffo Mr. Baesie, fedele suddito di Corolla pronto ad aiutare Lana nella sua terrificante avventura.

Bye Sweet Carole nasce come reazione a quello che mi stava succedendo. Ci voleva questo progetto che nasce proprio in quel periodo un po’ buio, ed è andato avanti senza subire variazioni sino al lancio.
C’era qualche dubbio sul nome. Inizialmente avevo pensato a Hide Sweet Carole, ovvero Nasconditi, Dolce Carole, ma aveva più un’impronta sulla questione del bullismo. Poi ho detto a un certo punto: Perché non un arrivederci? Perché non un addio? Perché associamo tutti l’addio a una cosa tragica, tristissima, ma l’addio alle volte può essere utile per andare avanti. Un po’ come si direbbe nella poetica siciliana, la questione della “teoria della cozza”: si rimane attaccati allo scoglio a tal punto che poi si rimane lì. Ogni tanto bisogna dire addio alle cose affinché queste possano andare meglio, ma non solo per noi, spesso anche per gli altri.
Stessa cosa quando purtroppo c’è un lutto (la tematica principale del gioco è anche l’accettazione del lutto), lo si fa anche per il bene delle persone che non ci sono più, che fino a quel momento sicuramente ci hanno dato tanto e per loro in primis bisogna reagire e andare avanti, fare cose belle nel loro nome, volendo.

K: Non posso che concordare e il gioco rende bene questo concetto del dire addio al passato o comunque alle persone care per poi poter andare avanti, verso il proprio futuro come fa Lana, la protagonista.
Abbiamo parlato di traumi e del ritornare all’infanzia, di risvegliare il bambino interiore. Recensendo Bye Sweet Carole l’ho definito un horror che risveglia un po’ quei traumi dell’infanzia, quelle paure che magari ci hanno trasmesso certi cartoni animati degli anni ‘80-’90. Da dove nasce questo desiderio di risvegliare certe paure?

C: La paura è il sentimento della formazione. Cosa attiva l’ansia da prestazione è il fatto di doversi concentrare e impegnare più del dovuto pur di raggiungere un obiettivo. La paura è un’emozione accessoria, in ogni singolo aspetto. Ho paura prima di un esame oppure mi piace quella ragazza, vado a lottare per quella ragazza, ci provo, mi lancio nonostante la paura di fallire, ma si può anche fallire. Quella paura, comunque, ha permesso di conoscerti meglio, di sapere come approcciarti magari la prossima volta.
Secondo me il genere horror, diciamo quello canonico, è quello che veramente nei videogiochi ha permesso anche l’evoluzione del settore. A partire da com’è cambiato il game design, com’è cambiata la caratterizzazione dei personaggi, anche la crossmedialità col cinema.

Se io penso ogni volta a produzioni, quelle un po’ più blasonate, quelle un po’ più importanti, quelle che poi hanno fatto la differenza, prevalentemente sono giochi horror. Basti pensare che ormai tutti i giochi action con una visuale in seconda persona sono di moda, non c’è più un gioco action con una visione in seconda persona, quello nasce da Resident Evil 4. O la questione della psicologia, in un horror come Silent Hill e Silent Hill 2, o la struttura della trama come elemento cardine ma anche elemento portante di un’opera, basti pensare a Rule of Rose, ma tanti altri titoli, lo stesso Silent Hill 2, dove la narrazione è veramente il fulcro di un’opera videoludica.

Pagina dell’artbook dedicata all’inquietante Mr. Kyn, fonte di incubi e distruzione.

K: Io lo ammetto, non sono una grande amante dei giochi horror o dei film horror, quindi per me è stata una bella sfida iniziare a giocare Bye Sweet Carole e affrontare la paura, un’ansietta che pian piano inizi ad apprezzare e diventa compagna di viaggio.

C: L’hanno chiamato più un “cutie horror”, nel senso che sì, hai momenti in cui fa un po’ paura, fa sobbalzare, mette un po’ d’ansia, però poi fortunatamente l’aspetto grafico più gradevole, ti dice “vai tranquillo, non avere paura”.
Ti dico che ci sono stati anche scontri, non negativi ma comunque scontri, durante il brainstorming, anche col publisher. Si discuteva sul rendere un po’ più esplicita la componente grottesca del gioco, ma anche la gore. Io mi sono sempre opposto: per carità loro hanno capito benissimo, hanno creduto veramente in me e nel progetto sin dal principio.
Io non volevo uscire fuori dai binari. Secondo me l’eleganza dell’animazione tradizionale andava rispettata anche nella sua natura. L’horror era già preesistente secondo me nei film d’animazione, che a loro volta hanno dovuto fare un procedimento artistico e creativo nel portare sul grande schermo delle favole che comunque erano veramente crude, veramente toste.
Sequenza un po’ più creepy, come Malefica che spunta nel caminetto per incantare Aurora ne La Bella Addormentata o la regina Grimilde che prende la pozione e minaccia di uccidere Biancaneve, oppure L’ala Ovest ne La Bella e la Bestia, che ritengo il miglior film di animazione mai creato, e quindi diciamo che io ho voluto adottare la stessa filosofia.

Idem per la questione della violenza, è come se avessi voluto creare una storia che poteva essere presa come una favola a sé perché, se togliamo tutta la questione delle suffragette, dell’emancipazione femminile, il giallo da risolvere e qualche elemento creepy, in realtà, a tutti gli effetti potrebbe passare per una favola.
Con l’elemento portante della favola ho voluto trattare tematiche attuali. A partire dal fiocco per i capelli di Lana. Questo non è stato molto afferrato come concetto, ma il fiocco che lega i capelli di Lana e viene tolto dalla protagonista durante la trasformazione è un riferimento alla forma di ribellione delle donne iraniane che lasciano i capelli sciolti per protestare contro il regime che impone loro il velo e altre forme di oppressione. Ho messo il fiocco in parallelo come simbolo.

O la questione stessa dei conigli, i conigli non sono solo simbolo della codardia, della paura di ribellarsi o della preda. I conigli rappresentano il modo in cui le donne venivano viste e tutt’ora vengono percepite: fattrici destinate solo a fare figli, figli e figli. Ed è brutto da dire, ma purtroppo fa parte della nostra storia, che lo si voglia o meno, abbiamo fatto schifo tutti, tutti indistintamente. E il coniglio a tutti gli effetti è quella rappresentazione del figliare costantemente.

Con la presenza dell’automa, che è fuori contesto e fuori epoca, ho voluto rendere un parallelismo di come la società andasse di fretta e furia con ottenimenti di un certo livello da un punto di vista industriale e tecnologico, ma ancora arrancasse per i diritti umani. E questo è tuttora così, perché tutti hanno l’iPhone, però poi molti non hanno neanche una professione stabile, le coppie dello stesso sesso vengono additate e insultate, oppure le donne che tuttora subiscono cat calling.
Ma parlare ancora nel 2025 di diritti delle donne, dei diritti delle minoranze è ridicolo. Bisognerebbe dare diritti a essere umani in quanto esseri umani, quindi col diritto che deve essere innato a prescindere.

Da questo momento in poi io e Chris abbiamo iniziato un lungo discorso su diritti e femminismo, soffermandoci anche sul rischio di essere accusati di aver realizzato un gioco woke.[N.d.A.]

C: Qualcuno mi ha criticato dicendo: “Perché un uomo grande e grosso dovrebbe fare una storia sull’emancipazione femminile dove il cast è prevalentemente di donne?”  Non ha senso come critica, nel senso che, per carità, sicuramente non avrò gli stessi strumenti per riuscire a immedesimarmi in un personaggio che chiaramente non sono io, per date caratteristiche. Però credo che sia giusto dare l’assoluto supporto anche se non si fa parte direttamente di certe comunità o minoranze e dare almeno la possibilità di un maggiore spazio e di rappresentazione al genere femminile e altre categorie che subiscono più discriminazioni.

K: Guarda, mi trovi assolutamente d’accordo. Di solito c’è questa tendenza a pensare in negativo i personaggi femminili scritti da uomini anche perché spesso lo fanno attraverso stereotipi e per questo ricevono critiche. Io personalmente, prima di recensire un gioco, preferisco non avere troppe informazioni, quindi non sapevo nulla di te e su chi avesse realizzato Bye Sweet Carole, quindi l’ho giocato senza sapere che l’avesse scritto un uomo. E in tutta onestà non ho percepito la componente delle sufragette e dell’emancipazione femminile come una forma di femminismo performativo per cercare di passare per attenti al problema e fare bella figura. L’ho percepito più come un elemento in linea con il periodo storico che fa da cornice e motiva maggiormente le azioni di Lana e Carole.

C: Sono consapevole del fatto che, se non avessimo trattato la questione dell’emancipazione, la storia poteva andare serena comunque. Nel senso che poi a tutti gli effetti era la storia di questa ragazzina che viveva per la seconda volta la situazione dell’abbandono e questa volta ancora più risonante perché aveva una responsabilità diretta nella sparizione della sua amica.
La storia poteva andare comunque. Io ho preteso di inserire questo argomento non solo per quanto ho detto prima, ma perché mia madre teneva molto all’argomento delle suffragette. Ricordo quando mi raccontò da bambino la questione delle suffragette, quando vidi Mary Poppins e non capivo la madre dei due bambini che cosa facesse con quel nastro che pensavo fosse una cosa di Miss Italia. Lei aveva la capacità di spiegare con parole adeguate a un bambino. È una tematica che mi è rimasta molto impressa e, anche riguardando Mary Poppins, l’ho visto totalmente da tutt’altra prospettiva, sapendo cosa la madre rappresentava.

C’è molto di Mary Poppins, se vogliamo, anche in Bye Sweet Carole, ma ripeto, io ho voluto fare un omaggio in generale a quello che per me sono stati gli anni ’80 e gli anni ’90. C’è tanto di Labyrinth, La Storia Infinita e, anche se visto da grandicello, ovviamente anche il Labirinto del Fauno.

Ho detto: voglio fare questa storia, sono consapevole che se tratterò questa tematica ci additeranno come woke. Sì, sono sicuro che le recensioni verranno seccate almeno di un 20-30%, e così è stato, ma non me ne frega niente.
Io penso che se non abbiamo noi la libertà come indipendenti di scrivere e di raccontare la storia come vogliamo, chi lo deve fare più?
Io non ho mai voluto dirigere un videogioco per attirare pubblico. È triste da dire, ma la formula per il gioco che spacchi c’è, si sa. Basta mettere orde di zombie, i fucili, personaggi come Duke Nukem.
Fondamentalmente, il gioco che ha la formula perfetta per la killer application o il best selling game ce l’abbiamo, ma non mi interessa. Io ho sempre preferito puntare a una nicchia di pubblico che poi può essere rimasta contenta o delusa.

Volendo, il gioco è molto polarizzante anche per sua natura, perché è un gioco che è anche difficile da schematizzare; anche col publisher ho avuto difficoltà nel decidere quale genere di riferimento per recensirlo, se dirlo come un adventure game, un punta e clicca, o solo horror, anche là abbiamo avuto delle difficoltà.
A me piace fare in questo modo. Non è detto che incontri i gusti di tutti, ma ripeto, credo che almeno la libertà autoriale debba essere rispettata.
Fortunatamente dal lato prettamente imprenditoriale è andato molto meglio delle aspettative e delle previsioni del publisher.
Quindi vuol dire che abbiamo incontrato anche un pubblico più vasto. Ma, soprattutto, la cosa che non mi aspettavo è che il gioco diventasse addirittura trend su X e siamo più che felici di aver fatto quello che abbiamo fatto e di essere rimasti fino alla fine integri e fedeli a noi stessi e all’idea del progetto che volevamo lanciare dal principio. Poteva venire meglio, certo, ma poteva anche uscire peggio.

Parlando di Cancel Culture, Chris mi ha rivelato che in origine aveva pensato al personaggio di una cameriera nera, Erietta, per aiutare Lana e le altre ragazze.

K: Ok. Allora adesso ti volevo chiedere qualcosa riguardo alla tua carriera, perché comunque magari tra i nostri lettori c’è chi sta ancora decidendo che studi intraprendere o comunque magari è appassionato di videogiochi e vorrebbe intraprendere questa carriera. Qualche consiglio e puoi dirci anche come è stato il tuo percorso per arrivare a realizzare prima Remothered e poi Bye Sweet Carole?

C: Allora, partendo dal consiglio, sicuramente è quello di restare sempre fedeli a se stessi, sempre e comunque. Se io credo di avere a cuore una storia, una tematica, un soggetto, devo portarlo avanti: è lì che probabilmente eccellerò maggiormente rispetto a fare qualcosa che attira il pubblico perché gli piace. Secondo me quest’ultimo è il metodo più errato, perché credo che gli autori più grandi dei videogiochi hanno fatto la storia rimanendo fedeli alle loro idee pur ispirandosi alle cose che amano. Per esempio Kojima: il fatto che non puoi paragonarlo a nessun altro è perché ha deciso di fare qualcosa che all’epoca andava fuori dagli schemi, pur omaggiando sci-fi e action degli anni ‘80 come Commando e 1997: Fuga da New York, da cui ha preso il personaggio di Jena (Kurt Russell) per ispirarsi nel creare Solid Snake. Che cosa vuol dire questo? Rendi tuo ciò che ti piace, fai parlare la tua ispirazione piuttosto che il guadagno facile, poiché il pubblico apprezza davvero un gioco quando ci vede il cuore dietro. Quindi questo è il consiglio che do: restare assolutamente fedeli a se stessi, giocare sempre d’intelligenza e integrità, e fare le cose come piace farle. È normale all’inizio, ai primi tempi, accettare di lavorare per altri progetti perché non si può partire in quinta e pensare già di dirigere una produzione hollywoodiana.

Per quanto riguarda invece il mio percorso, è un po’ particolare, nel senso che io potevo fare tutt’altro. Il mio sogno quando stavo alle superiori era quello di fare il chirurgo plastico, quindi tutt’altro ambiente. Mi piaceva l’idea di specializzarmi nella ricostruzione del volto per pazienti che avessero malformazioni congenite, tipo il labbro leporino. Poi il destino ha voluto che finisse una relazione con una ragazza che si è poi iscritta a Medicina e quindi ho cambiato strada. Non so esattamente come ho iniziato… mi piaceva già molto disegnare, quindi ho iniziato a illustrare per qualche piccola realtà come il supermercato sotto casa volantini e manifesti. In parallelo iniziava il prototipo di Remothered, quindi la mia prima idea di gioco realizzato e diretto da me, come sviluppatore da casa.
Inizio a far parlare di me e mi contattano due aziende in parallelo. La prima era la canadese Psychose Interactive e la seconda era la Nude Maker, per il progetto di NightCry. Nel giro di due mesi vengo promosso dall’azienda canadese come direttore artistico, quindi lì ho visto letteralmente la differenza, non perché ho sbloccato un guadagno maggiore, ma perché ho appreso che veramente c’è una forma di meritocrazia. Io ho fatto un passo avanti perché avevo dimostrato che al di là delle mie capacità nel disegno per fare concept art avevo un’ambizione, avevo altre capacità che potevano essere impiegate in altro, come in questo caso la direzione artistica di Forgotten Memories e in parallelo come head maker mi hanno affiancato a Masahiro Ito e Kiyoshi Shirai (Kiyoshi Shirai e un illustratore di diversi Final Fantasy e Masahiro Ito e l’art director di Silent Hill 2 e Silent Hill 3). Potermi permettere di dire che a ventiquattro anni ero un direttore artistico assieme a due pilastri del genere è stata una cosa che sicuramente mi ha permesso la svolta.

K: Ti sei sentito finalmente davvero valorizzato. Passiamo alla domanda successiva. Bye Sweet Carole è per me la dimostrazione che in Italia è possibile realizzare giochi di qualità. Mi piacerebbe sapere la tua opinione riguardo alla situazione attuale del settore videoludico in Italia, pensi si possa fare qualcosa per valorizzarlo di più?

C: Purtroppo il problema dell’Italia è anche quello. Per farti capire: è uscito Bye Sweet Carole, non abbiamo scoperto l’acqua calda, ne siamo consapevoli e nessuna rivista generalista ne ha parlato. Ma è una produzione che comunque si distingue in Italia e direi anche in diversi Paesi per diverse motivazioni, non solo la questione dell’animazione tradizionale ma anche il fatto che si tratta di una produzione italiana con un budget veramente striminzito, dove oltretutto il team è formato per oltre il 70% da donne. La cosa comica è che però siamo finiti sul New York Times o su Forbes. Cioè, in Italia si è ignorato il discorso che ci possa essere una produzione videoludica di questo tipo, mentre sono subito pronti a fare servizi in cui si dice che i videogiochi sono diseducativi, fanno male ai bambini ecc.

Poi, ti dico, ci sono realtà che fortunatamente stanno un po’ ammortizzando la situazione in Italia. Mi viene da pensare a IIDEA, che comunque sta facendo tanto e fa quello che può. A noi ha permesso, anche insieme al MIC, il Ministero della Cultura, di avere l’attivazione del 25% sul tax credit. Siamo stati riconosciuti da loro come opera di interesse artistico e culturale. Quindi qualcuno, purtroppo anche se nell’ombra, si muove. Ma rimane nell’ombra perché viene messo nell’ombra…

Al tempo stesso, tante persone mi hanno scritto disgustate dall’assenza totale di Bye Sweet Carole alle nomination all’evento dei The Game Awards, che almeno meritava, secondo molti, la nomination come miglior direzione artistica. Ma anche solo per il lavoro che è stato fatto. Tutti pensano a Cuphead, ma il lavoro che abbiamo fatto noi, con tutto il rispetto per Cuphead, risulta tipo tre volte tanto.

Per cui ho pubblicato quel post riguardo ai TGA perché per la decima edizione consecutiva dei The Game Awards ancora una volta non c’è un solo titolo italiano. Molti dicono che c’è stato Mario + Rabbids, lo sappiamo, ma sappiamo anche che è una produzione francese che si è avvalsa dell’outsourcing di Ubisoft Milano, basato su un IP giapponese per metà francese, perché sono appunto Super Mario e Rayman.
Quindi chiaramente è opinabile come l’unico titolo italiano che sia mai finito in una delle cinquine dei The Games Awards. Chiaramente sono deluso che in un anno come questo, in cui sono uscite produzioni del calibro di The Lonesome Guild o Simon the Sorcerer Origins, neanche uno, anche noi nel nostro piccolo, sia riuscito a entrare in una delle cinquine, sebbene abbiamo veramente dimostrato che in Italia non per forza si deve fare produzioni che fanno il verso a oltreoceano.
E purtroppo, ancora una volta, a determinare la situazione dei videogiochi in Italia, in primis è il pubblico della stampa stessa. Molti della stampa italiana fanno parte della giuria dei Game Awards, loro stessi fanno il cosiddetto ballot, in cui inseriscono i titoli candidabili per categorie X piuttosto che Y.

K: Tra pochissimo ti lascio andare, ti chiedo giusto un’ultima domanda. Con Bye Sweet Carole mi hai fatto ritornare indietro nel tempo e hai risvegliato la paura che provavo da bambina guardando Biancaneve perduta nel bosco o Brisby e il segreto di NIHM. Qual è il cartone della tua infanzia che ti ha terrorizzato così tanto da in qualche modo condizionarti anche nella realizzazione del gioco?

C: Ti dirò, mmm, forse già quando guardavo allora i film d’animazione avevo quell’accezione dell’ansia e della paura come qualcosa di affrontato, vivendola con quell’inquietudine impastata alla curiosità, quindi non ricordo di aver avuto particolare paura per qualche scena in particolare di Biancaneve o di altri vecchi classici. Forse quella che mi ha inquietato di più è stata Lady Tramaine, quando chiude in camera Cenerentola e le si evidenziano gli occhi carichi di odio. Mi ha veramente inquietato in quanto era una persona normale, una figura che doveva essere materna anche per la protagonista che si rivela spietata per il bene delle sue figlie; tra i vari cattivi Disney e l’unica che, volendo, ha una motivazione comprensibile, in quanto quasi tutti i genitori darebbero un braccio per garantire la felicità ai propri figli.

Con Chris abbiamo poi continuato la chiacchierata parlando di altri traumi infantili provenienti da altri cartoni come Gli Animali di Bosco Piccolo e di come oggi i cartoni affrontino meno certe tematiche più crude e violente, chiedendoci se effettivamente sia un bene cancellare il brutto e il male del mondo, o addirittura gli eventi storici considerati scomodi. [N.d.A.]

Lascio la riflessione a te, caro lettore (se vuoi anche la parola sui social o sul nostro Discord) e ti ringrazio per aver letto sino alla fine. Ringrazio ancora Chris Darril per la sua disponibilità e la bella chiacchierata.

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L'articolo Due Chiacchiere con: Chris Darril (Bye Sweet Carole e Remothered) proviene da Nerdando.

Introduzione

La mia infanzia così come quella di altri redattori di Nerdando è stata segnata dai cartoni Disney ma anche dai traumi causati dai film realizzati dallo straordinario Don Bluth, che ha dato vita a capolavori come Anastasia e Fievel Sbarca in America ma anche a scene spaventosissime come il T-Rex ne Alla Ricerca della Valle Incantata e le sperimentazioni sui topi nel film Brisby e il segreto di NIMH.

Chris Darril e il team di Little Sewing Machine omaggiano l’animazione tradizionale e i grandi registi del passato, realizzando un piccolo gioiello tutto italiano: Bye Sweet Carole, un mix tra un gioco platform con elementi horror e un vero e proprio film d’animazione.

Recensione

Non appena ho visto il trailer di Bye Sweet Carole sono rimasta colpita dalla qualità dell’animazione e dal suo stile e volevo assolutamente giocarlo sebbene io sia una fifona di prima categoria. Ringrazio Maximum Entertainment che mi ha permesso di soddisfare la mia curiosità e, anche se ho perso qualche anno di vita per gli spaventi, ti spiego perché sono felice di essere uscita dalla mia comfort zone giocandolo.

Da fifona quale sono, qui ammetto di aver perso qualche anno di vita e urlato una serie di parolacce.

Storia

Bye Sweet Carole ci catapulta nell’Inghilterra dei primi del ‘900, un periodo segnato dalla rivoluzione industriale e dai primi movimenti femministi guidati dalle suffragette. In questa atmosfera di cambiamento ti troverai a vestire i panni di Lana Benton, una giovane ragazza ospite dell’orfanotrofio Bunny Hall, che decide di indagare sulla scomparsa della sua migliore amica Carole.

Le indagini di Lana si fanno sempre più interessanti e scopriamo la presenza di un misterioso ragazzo, soprannominato il “francese”, con cui Carole aveva una corrispondenza epistolare. Nel cercare di scoprire la verità, però, Lana si ritrova a dover sopravvivere in bilico tra due mondi, quello reale e quello di Corolla, un regno di cui lei è la principessa, ma che è minacciato dall’inquietante Mr. Kyn, noto anche come la pece che corrompe e distrugge tutto.

Sarà proprio Mr. Kyn la fonte principale dei nostri incubi, insieme al suo gufo e alle altre creature fatte di pece perciò, mentre cercherai di indagare sulla scomparsa di Carole, dovrai cercare di scappare da lui e soprattutto non cedere alla sua richiesta di consegnarli Corolla.

La narrazione è un punto di forza enorme di questo gioco, ti sembrerà, infatti, di guardare un film vero e proprio grazie alle splendide cut scenes. La trama non è affatto scontata e tiene attanagliati al controller, tant’è che sono passata dal giocarlo lentamente perché avevo bisogno di fare qualche pausa per riprendermi dall’adrenalina delle fughe, al non voler chiudere il gioco e divorare i capitoli uno dopo l’altro.

Gameplay

Bye Sweet Carole si presenta come un mix tra un gioco platform e un horror survival, capace di far sobbalzare dalla sedia grazie ad alcuni jump scare, senza però davvero terrorizzare come giochi propriamente horror come Silent Hill o Resident Evil.

Nei panni di Lana dovrai esplorare il Bunny Hall e risolvere enigmi, eventualmente combinando oggetti per riuscire ad andare avanti. La risoluzione degli enigmi risulta piuttosto intuitiva e difficilmente si rischia di rimanere bloccati in qualche area.

In Bye Sweet Carole conviene sempre guardarsi intorno perché potremmo trovare oggetti molto utili.

Lana acquisterà inoltre la capacità di trasformarsi in coniglio e questa sua dote le permetterà di raggiungere aree interdette e saltare più in alto. Personalmente ho apprezzato tantissimo questa meccanica così come la possibilità di usare Mr. Baesie, il fedele servitore di Corolla che verrà spesso in aiuto di Lana.

Sebbene abbia trovato alcune meccaniche molto interessanti, ho trovato il gioco un po’ ripetitivo, specialmente verso la fine e sono rimasta un po’ delusa dalle sezioni rhythm game e combat, le quali sembrano molto meno curate rispetto al resto e inserite solo ai fini della trama.

Grafica

L’altro grande punto di forza di questo gioco è senza ombra di dubbio la sua estetica e la perizia con cui sono state realizzate le animazioni, fotogramma dopo fotogramma e tutte a mano come in tecnica tradizionale. La cura dei movimenti non la troviamo solo nelle cut scenes ma anche nelle sezioni di gameplay in cui vediamo Lana trasformarsi in coniglio, nascondersi dai nemici e ahimè anche morire se non faremo attenzione.

Per poter apprezzare appieno la cura dei dettagli di questo gioco, ammetto di essermi trasformata in una sadica curiosa e ho fatto morire Lana in modi diversi solo per poter guardare le diverse animazioni della sua morte. Giuro che era solo per scopi di ricerca e nella realtà non torturerei mai una persona, ma devo confessare che quelle animazioni le ho trovate geniali e divertenti, e mi hanno ricordato un po’ le scene di Dragon’s Lair, il celebre videogioco anni ’80 realizzato in collaborazione con Don Bluth.

Lana che si destreggia nel pantano mi ha riportato all’ansia provata da bambina quando Biancaneve si ritrovava nella foresta impaurita.

L’estetica di Bye Sweet Carole a tratti ricorda molto quella disneyana delle principesse. La protagonista, infatti, mi ha ricordato un po’ sia Biancaneve che Alice, per via dell’aspetto ma anche del carattere dolce e curioso. Il mondo fiabesco con le sue forme morbide e i colori pastello è temporaneo e viene corrotto dalla pece che ingrigisce tutto e diventa un posto ostile da cui è difficile scappare.

Audio

Il senso di cupo e l’ansia non sono dati solo dai colori scuri, ma anche e soprattutto dalle musiche. Molta della tensione è data proprio dai suoni dell’ambiente apparentemente desolato e dagli improvvisi cambi della musica che riesce ad accrescere la paura e l’adrenalina. Anche qui, ritroviamo, come nei vecchi cartoni, i suoni terrificanti che accompagnavano le scene più spaventose in cui compariva il mostro di turno.

Altro aspetto importante di questo gioco è sicuramente il doppiaggio, che troviamo sia in inglese che in italiano. Nella versione italiana, inoltre, Lana è stata doppiata da Rossa Caputo, doppiatrice e dialoghista famosa per diversi ruoli, ma nell’ultimo periodo soprattutto per essere la voce di Charlie in Hazbin Hotel.

Screenshot di una delle cut scenes, per darvi una maggiore idea della qualità elevata delle animazioni di questo gioco che sembra uscire da una delle nostre videocassette dell’infanzia.

Il doppiaggio nel complesso risulta fatto bene e le voci azzeccate; ho riscontrato, tuttavia, qualche problema verso gli ultimi capitoli dove la registrazione della voce di qualche personaggio secondario risultava meno pulita e con i volumi non sempre coerenti con la scena, ma è risaputo che doppiare i videogiochi senza una scena da guardare o indicazioni precise risulta parecchio difficile e, nel complesso, trattandosi di un gioco indie, è stato fatto un lavoro incredibile.

In Conclusione

Bye Sweet Carole è un gioco che colpisce per la sua storia e per la sua altissima qualità, nonostante presenti qualche difetto e io sia una fifona mi è piaciuto molto giocarlo. Un titolo perfetto se ami l’animazione 2D e ti piace provare un po’ il brivido con giochi horror molto soft come ad esempio Little Nightmares o Limbo, che generano un’ansietta e un senso di inquietudine.
Questo gioco è l’ennesima dimostrazione che in Italia è possibile creare videogiochi di qualità e bisogna continuare a crederci sostenendo realtà come Little Sewing Machine.

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Nerdando in breve

Bye Sweet Carole è una perfetta favola horror che combina la magia delle principesse alla paura dei mostri che popolavano gli incubi dell’infanzia e lo fa con animazioni incredibili e una storia coinvolgente che segna un po’ il passaggio all’età adulta.

Trailer

L'articolo Bye Sweet Carole – L’horror italiano che risveglia i traumi dell’infanzia proviene da Nerdando.

Articolo a cura di Antonio Petito che trovate qui
Instagram: https://www.instagram.com/ilpetito
YouTube: https://www.youtube.com/@ilpetito

La notte di Halloween ha sempre avuto un sapore speciale, anche in TV. È una tradizione non scritta: I canali più secondari lanciano la propria “maratona horror”, Italia 1 rispolvera qualche classico come La Sposa Cadavere, e persino i canali per ragazzi si uniscono alla festa. Certo, a modo loro. Nessuno si aspetta che RAI Gulp mandi in onda L’Esorcista, ma nonostante ciò, tutti da piccoli ci siamo goduti almeno una volta uno speciale a tema, magari un po’ più cupo del solito, pensato per regalarci qualche brivido innocente tra un dolcetto e l’altro, in un equilibrio delicato e con un obiettivo preciso: spaventare, ma non troppo. Inquietare, ma senza esagerare.

Ma se una volta, solo per una notte, uno di questi canali avesse “sbagliato le dosi”? Se avesse premuto un po’ troppo forte sul pedale dell’orrore, mandando in onda qualcosa che non doveva essere visto? Qui entra in gioco Nickelodeon.

La rete, oggi tristemente nota per le vicende legate a Dan Schneider – un capitolo oscuro che meriterebbe un’analisi a parte (e indovinate un po’, proprio qualche mese fa l’ho fatta in questo video) – ha sempre avuto un debole per il bizzarro. Ma quella volta, forse, ha superato il limite, trasmettendo un piccolo film TV, per una sola, fatidica notte di Halloween, per poi… Farlo sparire. Cancellato. Nascosto così bene da diventare una leggenda, una pellicola fantasma a cui per circa dieci anni, hanno dato la caccia migliaia di utenti.

Questo è il mistero di Cry Baby Lane.

Un film nato sotto una cattiva stella

La storia di Cry Baby Lane inizia molto prima di quella notte di Halloween, e nasce, come spesso accade per le cose maledette, da un sogno infranto. Nel 1999, il regista Peter Lauer e lo sceneggiatore Robert Mittenthal avevano in mente un film horror per ragazzi più grandi, un progetto indipendente con un budget di tutto rispetto, circa 10 milioni di dollari. Ma come spesso accade, i soldi finiscono. Il progetto si ridimensiona drasticamente, passando da un’uscita cinematografica a un film TV per Nickelodeon, con un budget che si ridurrà a soli 800.000 dollari.

Il risultato è un ibrido strano; un film con un cast che include il grande Frank Langella (Dracula, Lolita, Frost/Nixon) , girato con ambizioni cinematografiche ma confinato nei paletti di un prodotto televisivo. La trama, che ruota attorno a due fratelli che liberano lo spirito di un gemello siamese malvagio, era già di per sé abbastanza cupa, ma il tono del film – a detta di chi lo vide – era genuinamente inquietante, e presto se ne accorgeranno più o meno tutti, perché il 28 ottobre 2000, Nickelodeon trasmetterà Cry Baby Lane e il risultato sarà inaspettato.

La sparizione

Subito dopo la messa in onda, Cry Baby Lane scomparirà.

Non viene più replicato, non esce in VHS, non finisce negli archivi online e soprattutto, Nickelodeon non rilascia comunicati ufficiali, perché dietro le quinte si scatena il putiferio: una valanga di lettere di protesta da parte di genitori scioccati, che considerano il film troppo “disturbante” per i loro figli.

Di conseguenza la rete, in silenzio, prende la sua decisione: il film viene sepolto.

E così, Cry Baby Lane entra in un limbo spettrale, diventando ufficialmente un lost media, ovvero un qualcosa che non è semplicemente un’opera rara, ma un pezzo di cultura – un film, una canzone, l’episodio di un programma TV – che si ritiene irrimediabilmente perduto e la cui esistenza è tenuta in vita solo dai ricordi di chi lo ha visto.

Per anni, la storia del film sopravvive solo così: come un sussurro che aleggia su spazi online quali Something Awful o 4chan, in thread che parlavano del ricordo sbiadito di un film di Nickelodeon che parlava di un gemello cattivo, venendo però liquidato come un falso ricordo collettivo per la mancanza di prove concrete. Un effetto Mandela ante litteram, dove un’intera generazione condivideva il ricordo di un film che, ufficialmente, non esisteva più.

Nel 2009 però, ci sarà una piccola svolta.

La neonata Lost Media Wiki – una vera e propria enciclopedia online dedicata a queste opere fantasma – lo inserisce formalmente tra i Nickelodeon Lost Films, aprendo ufficialmente la caccia ad uno dei principali tesori perduti del decennio passato.

Il ritrovamento

Nell’agosto del 2011, totalmente a caso – come nelle migliori storie – un utente di Reddit con il nickname “firesaladpeach” pubblica un post contenente un link allegato, che era giusto la chiave per risolvere un mistero durato undici anni.

Cliccandoci ,infatti, si veniva reindirizzati ad una copia completa, sgranata ma intatta, di Cry Baby Lane, registrata quella fatidica notte del 2000. Il post diventa virale in poche ore. La notizia rimbalza su tutti i siti di cultura pop. La leggenda era vera. Il film esisteva davvero. Il potere di una singola persona e di una vecchia videocassetta aveva sconfitto l’oblio imposto da un colosso televisivo.

È una vittoria pazzesca per la community di internet, una dimostrazione di come la memoria collettiva possa preservare opere che le stesse case di produzione cercano di seppellire.

Il ritorno del film maledetto e la sua eredità

Nickelodeon – messa di fronte all’evidenza e alla possibilità di fare soldoni col minimo sforzo – fa la mossa più astuta e ironica possibile, abbracciando del tutto la leggenda.

Il 31 ottobre 2011 infatti, TeenNick ritrasmetterà Cry Baby Lane, promuovendolo proprio come “il film bandito che non avreste mai dovuto vedere” o qualcosa di simile.

Un colpo da maestro; lo stesso film che avevano nascosto per un decennio, ora veniva usato come evento di punta, cavalcando l’hype generato dalla community che aveva setacciato in lungo e in largo internet per poterne anche solo confermare l’esistenza.

Negli anni successivi, il film è diventato un appuntamento fisso per Halloween, consolidando il suo status di cult. Lo stesso regista, Peter Lauer, si disse sorpreso da tutto il clamore, dichiarando di aver sempre pensato che il film non fosse più stato trasmesso semplicemente perché a Nickelodeon non era piaciuto. Non aveva idea di aver creato, quasi per caso, una delle leggende più durature della televisione per ragazzi.

Una storia folle, che ci insegna come su internet nulla scompare mai per davvero. Soprattutto se è abbastanza strano da rimanere impresso nella memoria di un’intera generazione.

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L'articolo Cry Baby Lane – La vera storia del film horror “perduto” di Nickelodeon proviene da Nerdando.

Recensione

Sono passati molti anni da quando siamo stati accolti nel tenebroso antro delle Fauci. Era infatti il 2017 quando il piccolo studio svedese Tarsier rilasciò quel gioiello di ansia, horror e incubo che ci fece sfuggire alle grinfie di adulti resi ciechi e sordi dall’ingordigia. Il ritorno, con Little Nightmares 2, confermò le potenzialità del franchise e diede un respiro più ampio e articolato al mondo di gioco.
Si attendeva quindi con ansia il nuovo capitolo della serie per capire se le potenzialità espresse sarebbero esplose del tutto o meno. Questo grazie anche al passaggio di testimone (involontario, immagino) a Supermassive Games: gli stessi di The Quarry e Until Dawn, non proprio bazzecole insomma.

Ebbene, abbassa le luci amico lettore, immergiti nel divano e lascia che ti accompagni alla scoperta dei nuovi incubi di Little Nightmares III.

Trama

In questa nuova ondata di incubi senza fine, due giovani protagonisti, due amici, Low ed Alone, corrono insieme per sfuggire, lillipuziani, a un mondo brobdingnagiano alienato e distorto, popolato di grotteschi adulti troppo impegnati nelle loro distorsioni per preoccuparsi di ascoltare i piccoli abitanti.

Niente più Momo o Six, quindi. Abbandoniamo i vecchi protagonisti ma non le vecchie abitudini. Questo mondo è troppo grande, macroscopicamente inadatto, cupo e soffocante anche nelle sue ampiezza svuotate di tutto. Torna quindi la metafora originaria: il grottesco adulto sordo alle parole del bambino il quale, per non essere divorato, per non diventare come lui, non ha altra scelta che fuggire.
Meglio se in compagnia.

Ecco quindi che Low, armata del suo arco, ed Alone, con la sua fida chiave inglese, collaboreranno (ed è stupenda la metafora del loro fuggire mano per la mano, legata a un trofeo/obiettivo) per superare ostacoli, puzzle ambientali, eliminare minacce mortali. Evitando chi non può essere sconfitto, abbattendo muri alla loro portata.

Gameplay

La principale novità di Little Nightmares III è sicuramente la possibilità di essere giocato in multi online. Stupisce un po’ l’assenza del multi locale che avrebbe potuto essere gestito comodamente anche senza split screen, data la struttura quasi perennemente mono schermata degli enigmi da superare (con alcune piccole eccezioni). La sensazione è che gli sviluppatori abbiano voluto mantenere intatta la sensazione di solitudine che da sempre accompagna il franchise.

Ecco quindi che ti troverai ad usare arco e frecce, oppure la chiave inglese, in leggera combinazione, o in sequenza. Con elementi collaborativi minimi che, infatti, consentono al gioco di pilotare un unico personaggio (a scelta) e lasciare alla IA l’incombenza di guidare l’altro protagonista.

Nel complesso i puzzle risultano piuttosto abbordabili, ripercorrendo le orme già tracciate dai due precedenti capitoli. Se ti aspettavi grandi novità, dal punto di vista del gameplay, ne rimarrai deluso. Se invece cercavi continuità col passato, ecco che Little Nightmares III è capace di restare ancorato a se stesso pur introducendo i personaggi e le meccaniche che ti ho appena illustrato.

Comparto tecnico

Da questo punto di vista non c’è molto da dire: la resa grafica, già incredibilmente immaginifica, ritorna in tutto il suo cupo e grottesco splendore. Non che ci sia nulla di splendido in un incubo a occhi aperti, soprattutto dal punto di vista di un bambino, ma quel senso di oppressione, quasi timburtoniano, che ci ha accompagnato finora, esplode qui ancor più malsano, ancor più inquietante.

Nelle prime battute troverai ampi spazi a cui non sei abituato, ma è solo una mera illusione: presto tornerai confinato negli spazi angusti e claustrofobici tipici della serie.

Una nota sull’intelligenza artificiale che guida il personaggio secondario nel single player. Devo dire che generalmente si comporta abbastanza bene, anzi: un paio di volte mi ha praticamente corretto prima che mi suicidassi malamente. Ci sono stati però diversi casi in cui non sembrava sapere cosa fare, e a poco è servito chiamarlo e richiamarlo sul punto in cui doveva agire. Questo è capitato quando malauguratamente mi spostavo tra lui e l’elemento su cui doveva operare e sono stato costretto a ricaricare il checkpoint.
Niente di grave, intendiamoci, la fruizione dell’esperienza resta nel complesso fluida e lineare per le sue 3/4 ore a terminare la run (consiglio: da giocare due volte, coi due protagonisti).

Conclusioni

Little Nightmares III è davvero un ottimo titolo, ma non rappresenta un punto di svolta o di rottura col passato. L’introduzione del multiplayer online resta un’opzione di fondo, non davvero determinate alla fruizione del gioco. Niente, per intenderci, che abbia a che vedere con la profonda interazione tra giocatori che viene regalata da titoli come It Takes Two.

Certo, il franchise si è sempre presentato come esperienza squisitamente single player, per cui, a mio avviso, questa opzione può essere salutata come piacevole ma non determinante. Resta, a mio avviso, un piccolo rimpianto. Con il gioco affidato all’esperienza di Supermassive Games, avrebbe potuto prendere una direzione diversa: lo studio avrebbe potuto fare suo il titolo e traghettarlo in una nuova era. La scelta, altamente conservativa, di mantenere sostanzialmente invariata l’esperienza, sia a livello di gameplay che di filosofia, lo rende una semplice prosecuzione su binari tracciati. Una cosa che mi sarei aspettato se a svilupparlo fosse stato il team originale.

Reputo, personalmente, che meriti comunque di essere giocato e vissuto, perché come abbiamo visto, si tratta di un ottimo prodotto.

Ringrazio Bandai Namco per la copia recensione.

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Nerdando in breve

Little Nightmares III è il nuovo capitolo horror puzzle di Bandai Namco.

Trailer

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La slot mi fa paura

Quando ho letto la mail con il comunicato stampa di CloverPit, sapevo già a cosa mi sarei trovato di fronte perché alcune persone della community di Nerdando, sapendo della mia piccola passione innocente per la statistica e il calcolo di probabilità (leggasi gambling in modo responsabile e praticamente senza denaro ma solo “in game”), mi avevano prontamente inviato in privato il trailer del gioco.

Ringrazio l’editore Future Friends Games per avermi spedito, in anticipo, una copia per PC di CloverPit e aver permesso, in questo modo, la stesura di questo articolo.

Recensione

CloverPit è uscito venerdì 26 settembre 2025 per PC, sviluppato da Panik Arcade ed edito dai già citati Future Friends Games. Si pone l’ambizioso obiettivo di essere, riporto le parole scritte sulle informazioni di Steam, il figlio demoniaco di Balatro e Buckshot Roulette.

Posso anticiparvi che l’affermazione si è rivelata essere un po’ fuori luogo, ma io adoro chi crede fermamente nei propri progetti.

Spinnatina?

Gameplay e comparto tecnico

L’incipit di CloverPit è molto semplice: ci troviamo in una cella tutta arrugginita nella quale sono presenti una slot machine, un bancomat e pochi altri oggetti. Dovremo pagare, di round in round, un debito vincendo monete mediante la slot e cercare di uscire dalla prigione riacquistando la libertà.

Il turno viene scandito in questa maniera: spenderemo le nostre monete per far compiere dei giri alla slot e per ottenere dei ticket per comprare oggetti che, una volta acquisiti, ci daranno dei vantaggi andando a modificare le probabilità di vincita; il nostro gruzzolo potrà anche essere inserito all’interno del bancomat e generare degli interessi oppure per cambiare gli oggetti acquistabili. Al termine del round, qualora saremo riusciti a pagare il debito, squillerà un telefono e, successivamente, ci verrà fornito un bonus a scelta tra tre. È quindi tempo per guadagnare nuove monete, pagare un nuovo debito e avere delle inedite variabili che modificano le regole. Codesto è il motore che fa muovere CloverPit.

Ovviamente, con l’utilizzo dei bonus e degli oggetti, potremo agire sul caso e cercare di generare maggiori introiti facendo apparire, sulle varie facce della slot machine, simboli di uno stesso tipo per avere più possibilità di vittoria e di arrivare alla fine della run. Trattandosi di un roguelite, ogni partita sarà diversa dalle altre ma, proseguendo con i tentativi, avremo dei vantaggi.

La grafica di CloverPit è ben realizzata e parecchio retrò, si adatta al tipo di gioco, così come il sonoro che funziona e ricorda quello di un coin op delle sala giochi anni ’90: continuano a fregarmi, dannazione, con l’effetto nostalgia. Il parlato è in Inglese mentre sia l’interfaccia che i sottotitoli sono in Italiano.

Gli oggetti che ci aiuteranno nella run sono vicini al telefono rosso che squilla una volta terminato con successo un round

Impressioni

Dopo la fase di test, posso affermare che CloverPit non ha raggiunto i livelli dei citati Balatro e Buckshot Roulette, ma è comunque un roguelite in grado di divertire che, purtroppo, non è riuscito a conquistarmi appieno per la mia avversione atavica verso le slot machine.

Ho apprezzato il disclaimer che si trova su Steam, che spiega che CloverPit non è un gioco d’azzardo, ma un rogue-lite horror, che la slot può essere manipolata dai player e che non verrà mai chiesto del denaro reale. Mi ha anche fatto ridere il comunicato stampa di inizio mese che spiegava che il rinvio dell’uscita dal 3 al 26 settembre è stato causato da Hollow Knight: Silksong.

In conclusione: sono soddisfatto? Sì, ma non è scoccata la scintilla dell’amore e non ho provato quella sensazione di “ancora una” che mi è stata regalata da titoli simili come SpellRogue o Monster Train 2; nonostante questo, CloverPit non è da bocciare perché è ben realizzato, propone una storia horror carina, è sfidante, è intrattenente, è proposto a soli 9,99 € e gira molto bene su Steam Deck.

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Nerdando in breve

CloverPit è un buon roguelike che non è riuscito però a farmi innamorare del tutto a causa del tema principale che muove il gameplay e che non ha alcun fascino sul sottoscritto: la slot machine.

Trailer

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Mare, sole, caldo, ferie: tutti elementi belli, per carità, ma mai dimenticarsi dell’elemento più bello di tutti, ossia il #NerdandoConsiglia di Agosto 2025!

To a T

NoOrdinaryLuca: Il geniale creatore di Katamari Damacy, Keita Takahashi, torna con un nuovo titolo, che prova a raccontarci una storia sulla diversità in modo delicato e leggero, facendoci vestire i panni di un ragazzo bloccato con le braccia aperte come a forma di una “T”. Quello che mi ha colpito di questo immersive sim è che il giocatore si ritrova a dover svolgere tutta una serie di attività, che fanno parte della quotidianità di ciascuno di noi, ma provando le difficoltà di non poter piegare le braccia.

Superando alcuni limiti, come una gestione della telecamera non sempre funzionale a ciò che succede a schermo, una grafica piuttosto basilare, ma dallo stile unico, ci si riesce a immergersi in una storia divertente, bizzarra e mai stucchevole e che lascia qualche spunto di riflessione.

Dylan Dog – Accadde Domani

Ayr: Era il gennaio del 1990 e Sergio Bonelli Editore pubblica quello che può tranquillamente essere considerato un albo da Top 10 di Dylan Dog. Sto parlando di Accadde Domani, numero 40, scritto dal maestro Tiziano Sclavi e illustrato da un Giovanni Freghieri in una forma smagliante. Un numero dove horror, mistero e grottesco si mescolano alla perfezione in perfetto stile sclaviano.

Come sempre ci tengo a rivelare poco della trama ma vi basti sapere che ruota tutta attorno all’incontro di Dylan con un suo caro vecchio amico giornalista di nome Fat. Dopo aver scambiato i convenevoli tipici tra due amici che non si vedono da tanto, Fat regala a Dylan il ‘giornale di Domani‘. Da questo punto in poi l’albo è un susseguirsi di premonizioni impossibili e paradossi temporali più o meno preannunciati nel suddetto quotidiano. Ciò che mi ha sorpreso di più di quest’albo è la qualità di alcune ‘mini storie’ presenti. Chi le ha lette sa cosa intendo, chi le leggerà ne rimarrà impressionato. Sto parlando in particolare della passeggiata nel parco con lo zombie (scena da brividi) e della sequenza che si svolge in carcere. Sono entrambe parti che non coinvolgono Dylan direttamente ma che contribuiscono perfettamente a creare un senso di inquietudine e una forte tensione nel lettore.

L’assurdità e l’atmosfera la fanno da padrone, insomma, così come evidente è la cultura di Sclavi che richiama It Happened Tomorrow di René Clair. Non mancano imprevedibilità, momenti di alleggerimenti comici, sezioni più oniriche, il tutto magistralmente espresso dalle matite e dalle chine di Freghieri che, come sempre, sorprende per la chiarezza dei suoi personaggi, delle ombre e per il suo dinamismo. Un numero da non perdere per ogni appassionato dylaniano e una lettura che saprà appassionare anche chi non conosce l’indagatore dell’incubo.

Doubt is Our Product

Cavaliere: Questo gioco da tavolo ci fa giocare ad una vicenda realmente accaduta, anche se talmente assurda che sembra la trama di un film di James Bond o simili. In Doubt Is Our Product un giocatore impersonerà le aziende del tabacco che nascondono la verità e l’altro i movimenti che propongono politiche sociali volte a contrastare il fumo.

Si tratta di un gioco da tavolo che fonde alla grande componente ludica con quella storica e di denuncia.

Ne ho scritto a lungo nel Nerdandoconsiglia dedicato.

The Alters

Cavaliere: Ho giocato The Alters sul Game Pass tramite Cloud e quindi di conseguenza ho usato il controller e mi sono trovato molto bene, come giustamente segnalato da NoOrdinaryLuca nella sua recensione. Si tratta di un videogioco che mescola benissimo survival, narrazione e scelte morali. Ogni decisione pesa non solo sul corso degli eventi, ma anche per il fatto che il tempo passa e non si può fare tutto.

Mi è piaciuto molto, anche se devo ammettere che ho provato un po’ di frustrazione quando è capitato che non sono riuscito a superare certi punti e ho dovuto necessariamente ricaricare uno dei giorni precedenti.

Un altro ottimo titolo di 11 bit studios, cioè quelli di Frostpunk, tra gli altri.

No Other Land

Cavaliere: Su Mubi ho visto quel pugno allo stomaco che è No Other Land, Oscar 2025 per il miglior documentario e nelle sale italiane all’inizio di quest’anno. Si tratta del documentario, che racconta la vicenda che va avanti da decenni, che vede protagonisti da un lato il villaggio di Masafer Yatta e i suoi abitanti e dall’altro le forze di difesa israeliane (IDF).

Un film tosto che racconta un pezzetto di una vicenda complessa. Per me va visto in quanto i media menzionano i numeri di morti e sfollati, ma in realtà i casini geopolitici riguardano le persone che vivono quei luoghi. Mentre qui al centro ci sono proprio le vicende degli abitanti di un posto conteso.

Weapons

Tencar: Non so che cacchio di problema abbia Zach Cregger; come in Barbarian, crea un’ottima storia che però, nella parte finale, si perde un po’. Bellissima pellicola che poteva essere fantastica.

Trap

Tencar: M. Night Shyamalan ci racconta la vicenda di un serial killer che accompagna la figlia al concerto di una popstar (che termine vetusto) per rimanere – SPOILER MA LO DICE IL TITOLO – intrappolato dalla polizia all’interno di un palazzetto. Il protagonista avrà anche fatto cose terribili, ma l’aver accompagnato un’adolescente a un evento del genere mi ha fatto tifare per lui.

Abigail

Tencar: una classica favola di vampiri che mette in mezzo scene divertenti mixate a esistenze tragiche. Carino e perfetto per una serata da passare sul divano abbracciati al condizionatore.

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Recensione

C’è un’invasione di ratti là fuori, e saremo noi a fermarla.
O almeno a provarci.

No: non è un pest control simulator, è un titolo dalle tinte horror che si nasconde sotto una patina di demenzialità che cela alcuni risvolti così profondi da avermi colpito e turbato.

Vi sto per portare alla scoperta di uno dei titoli indie più folli che abbia mai avuto occasione di conoscere: Ratshaker.

Gameplay

Ratshaker è un horror in prima persona in cui siamo chiamati a esplorare un’area cupa e inquietante alla scoperta di un misterioso evento traumatico.
Fin qui tutto bene, niente di nuovo o strano. Lo strano arriva quando il nostro unico interlocutore è un topo di fogna di cui, innanzitutto, dobbiamo piegare la volontà di opporsi e resistere ma poi rappresenta il motore che ci consente, letteralmente, di far tutto.

Mi spiego: per tutto il tempo gireremo con il topo in mano. Ogni volta che vorremo fare qualcosa dovremo prima “caricarlo” di energia: ovvero scuoterlo di brutta maniera; giocando su PS5, questo si concretizza sbattendo il controller come un vecchio telecomando con le pile scariche.
Una volta ricaricata la barra dello “scuotimetro”, o “shakerometro” se preferite, allora dovremo liberare l’energia per poter interagire con il mondo di gioco. Per farlo occorre “strizzare” il topo (cercando di non esagerare o lo soffocheremo) e così aprire porte, accendere e spegnere luci ed elettrodomestici, girare manopole, raccogliere oggetti e tutto il resto che potete immaginare.

Ripeto, perché so che potreste pensare di aver letto male: prima scuotiamo il topo, poi lo strizziamo davanti agli oggetti con cui vogliamo interagire.
E questo, di base, è tutto il gameplay. Prima scuotiamo, poi strizziamo.
Scuoti. Strizza. Scuoti. Strizza.
Scopri.

Comparto tecnico

In un gioco del genere è probabilmente l’ultima cosa che vi interesserà, eppure è innegabile un fascino retro in stile VHS (eliminabile da impostazioni) che darà un sapore da notte horror anni ’80 alla vostra (breve) esperienza di gioco.
Nel giro di un’ora fate tutto, mezz’ora se rushate e non vi interessano i trofei.

A questo si aggiunge un recitato ironico e graffiante, talmente sopra le righe da risultare esilarante (I’m cheesed to meet you too) e un accompagnamento sonoro a dir poco disturbante. Giusto per completezza: la voce non è frutto di elaborazione IA, ma è stata prestata dal Lead Character Artist noto online con il nickname @_Ptolemaeus_.

Il risultato complessivo è una dissonanza acustica e visiva altamente disturbante che per tutta l’ora necessaria a completarlo, non smetterà di attanagliarvi le meningi.
Anche però, man mano che approfondiremo i terribili segreti che circondano la vita del protagonista, immagini sempre più inquietanti e disturbanti minacceranno di affollare i nostri incubi.

Motivo per il quale mi sento di suggerire il gioco solo ad adulti mentalmente stabili.

Conclusioni

Non so esattamente come dirlo, ma se normalmente mi approccio ai giochi senza saper nulla su di loro in modo da essere aperto e non prevenuto a qualsiasi cosa, qui la faccenda si è fatta complessa. Non sapevo cosa aspettarmi se non un esperimento in perfetto stile Indie, cosa che mi fa adorare questo substrato culturale più di ogni altra cosa.

Lasciate libero un creativo di esprimersi senza limiti e quel che otterrete sarà, beh: sorprendente. Poi non è detto che la sorpresa sia sempre piacevole, ma insomma: questo Ratshaker costa come una colazione al bar (forse meno) e merita sicuramente un’oretta del vostro tempo per lasciarvi trasportare in un universo decisamente disturbante.

Per questa ragione faccio anche fatica a dirvi se mi è piaciuto o no. In quanto amante della psicologia, dell’introspezione e delle strategie che la nostra mente è capace di attuare per salvaguardarsi, propendo per il sì. Non posso spingermi oltre per non correre il rischio di inondare di spoiler la mia recensione, ma lasciate che lasci alcune domande.

Fino a che punto siamo disposti a scavare per scoprire la verità? Fino a che punto la verità merita di essere portata a galla? Qual è il limite oltre il quale è sicuramente meglio continuare a esistere in una serena finzione?
Ma soprattutto: una volta portata a galla, sapremo gestire la verità? O scopriremo che sarebbe stato meglio lasciarla nascosta nel profondo del nostro inconscio?

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Nerdando in breve

Ratshaker è il modo migliore per perdere mezz’ora di vita e un paio di notti di sonno.

Trailer

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