Cosa propone il 2022 per i segni zodiacali protetti dai Cavalieri? Non chiedetelo a noi, non lo sappiamo. In compenso, possiamo dirvi quale potrebbe essere secondo noi l’oroscopo di tre personaggi nati sotto il segno di Fish della Casa Pisces.

Light Yagami – Death Note (28 febbraio)

“O muori da eroe o vivi abbastanza a lungo da diventare il cattivo“: tenetelo a mente per questo 2022, cari Pesci. Per quanto le vostre intenzioni iniziali siano nobili, infatti, il rischio di farsi prendere la mano è sempre dietro l’angolo, specialmente per chi è facile alle esagerazioni come voi. Dato che la natura dei Pesci è piuttosto influenzabile, per l’anno in arrivo cercate di evitare di farvi coinvolgere da un demone della morte: come potrete immaginare, difficilmente finirebbe bene. E soprattutto, se doveste trovare un libricino nero per terra, evitate di raccoglierlo!

Semola – La Spada nella Roccia (4 marzo)

Quello che vi aspetta è senz’altro un 2022 da re! Cari Pesci, quest’anno è arrivato il momento di agguantare i vostri sogni come una spada ed estrarli dalla roccia che li tiene bloccati. Siete altruisti e avete un gran cuore: quest’anno avrete modo di dimostrarlo e di farvi apprezzare per le vostre qualità. Grazie ad amici un po’ magici, avrete inoltre la possibilità di vivere esperienze fuori dal comune, che vi permetteranno di esercitare la vostra grandissima empatia.

Principessa Aurora – La bella addormentata nel bosco (20 marzo)

Buongiorno Principessa! Il 2022 per te prevede tanta caffeina e una buona dose di drink energizzanti. Mentre riposavi ne hanno creati alcuni dai gusti sorprendentemente piacevoli. In particolare, mi sento di suggerirti quello al limone, grande compagno di interminabili viaggi da una parte all’altra dello Stivale. Inoltre, qualora in questo 2022 decidessi di darti nuovamente alla tessitura, consentimi di consigliarti un set di ditali. In alternativa, potrebbe fare al caso tuo anche un paio di guanti molto resistenti: il signor Thanos, il violaceo abitante di Titano, ne  sfoggia uno (non paio, proprio un solo guanto) dorato e resistente, arricchito da sfarzose pietre colorate. Magari quel modello può fare al caso tuo, vedi un po’: nel dubbio fossi in te eviterei di toccare gli arcolai a mani nude.

Per gli oroscopi degli altri segni, qui c’è un comodo articolo di recap.

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Cosa propone il 2022 per i segni zodiacali protetti dai Cavalieri? Non chiedetelo a noi, non lo sappiamo. In compenso, possiamo dirvi quale potrebbe essere secondo noi l’oroscopo di tre personaggi nati sotto il segno di Scorpio.

Crilin – Dragon Ball (29 ottobre)

In molti considerano lo Scorpione un segno solitario e rancoroso, eppure com’è che invece finite sempre voi per sacrificarvi? E poi, ammettiamolo, dopo un infinito numero di volte in cui si è morti per il bene dell’umanità, un minimo di rancore sarebbe anche giustificabile…
Per il 2022 l’obiettivo è decisamente quello di sopravvivere, magari evitando di trovarsi in situazioni critiche e disperate: chiedere aiuto e di tanto in tanto affidarsi agli altri possono rivelarsi la chiave per una vita lunga e serena. Per tutto il resto ci sono le Sfere del Drago.

L – Death Note (31 ottobre)

Caro Scorpione, per il 2022 le stelle consigliano dei nuovi tipi di seduta. Stare rannicchiati sulle sedie alla lunga potrebbe comportare danni muscolari, per cui le stelle ti invitano a considerare nuove opzioni che ti permettano di assumere una posizione diversa da quella dell’Incubo del Goya. Lo sai che Ikea vende degli sgabelli seggiola regolabili, in cui puoi incastrare le ginocchia sotto la seduta? Lo sai che è sempre più diffuso l’utilizzo di palloni rimbalzanti al posto di scomode cadreghe? Lo sai che esistono le sedie da gaming? Se non lo sai, sappilo, e sia mai che la nuova seduta ti offra anche una nuova prospettiva con cui affrontare il nuovo anno.

Kida – Atlantis (5 novembre)

Un anno in più, quando sei una creatura che ha più di 8000 anni, non è sicuramente un problema. Nonostante con un bagaglio così ricco di esperienze alle spalle sia difficile stupirsi, il 2022 potrà comunque rivelare sorprese per i nati sotto il segno dello Scorpione. Le vostre giornate si alterneranno tra le responsabilità del governo e avventurose scorribande tra i meravigliosi paesaggi di Atlantide, che vi permetteranno di tenere in allenamento la mente e il corpo.
Tenere segreta la città sommersa al resto del mondo potrebbe richiedere parecchie energie.

Per gli oroscopi degli altri segni, qui c’è un comodo articolo di recap.

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Le scuole si sono appena concluse e ormai anche gli orali di maturità vanno a scemare. Mentre la maggior parte degli adolescenti si gode quel senso di libertà apparente che travolge chiunque dopo il suono dell’ultima campanella, ecco che in qualche angolino di una calda Milano i direttori di Smemoranda hanno organizzato una conferenza stampa per presentare a tutti quanti le agende previste per l’anno che arriva.

Per l’occasione, prima di raccontarvi cosa Smemoranda abbia in serbo per l’imminente “venti-venti”, ho pensato di stilare una lista dei 5 diari più iconici del nostro amatissimo mondo nerd.

Il diario di Tom Orvoloson Riddle

Come ogni buon potteriano sa, anagrammando il nome del proprietario esce “Son io Lord Voldemort” e grazie a questo stratagemma, colui che non deve essere nominato si fa beffa di Harry Potter e della sua banda di amici. Il diario, inizialmente affidato a Lucius Malfoy dal Signore Oscuro in persona, finisce per errore fra le mani di Ginny Weasley. La sorellina di Ron, ritrovandosi un quadernetto magico nella Guida alla Trasfigurazione, inizia a confidarsi con quel Tom che vi è intrappolato e che tanto pazientemente l’ascolta. Fra una confessione e l’altra, la piccola Ginny viene posseduta e in men che non si dica la Camera dei Segreti è stata aperta: nemici dell’erede temete. Grazie all’intervento di Harry però, il diario è distrutto per tempo e fiumi di inchiostro dovranno scorrere ancora prima che il Signore Oscuro possa di nuovo raggiungere una forma umana e tornare all’azione.

Il diario di River Song

Se amate Doctor Who, in qualunque suo aspetto, sicuramente conoscete la storia di River Song, altrimenti vi basta sapere che la donna è stata concepita a bordo del T.A.R.D.I.S (la navicella spaziotemporale del dottore) e che per questo ha ereditato alcuni tratti tipici dei Signori del Tempo. River è in grado di rigenerarsi e si sposta in epoche e mondi diversi grazie a un vortex. Essendo anche la moglie del dottore, ma avendo una linea temporale incrociata e opposta alla sua, l’antieroe per eccellenza le regala un diario. Su quel quaderno blu, lei dovrà tenere traccia di tutti i loro incontri, così da confrontarsi di volta in volta evitando di spoilerarsi il futuro.

Death Note

Cos’è un diario se non un quaderno con date, nomi e fatti? E cos’è un Death Note se non un quaderno (appartenente a un dio della morte) con date (di morte), nomi (dei morituri) e fatti (cause della morte, non sempre presenti)? Il death note, lo strumento utilizzato dagli shinigami per porre fine alle vite degli uomini, è sicuramente uno dei diari più famosi nel mondo nerd. La storia di Light Yagami e del suo legame con lo shinigami Ryuk hanno saputo prendersi un loro posto nella lista dei migliori anime e manga (fingiamo che non esistano live action, okay?) C’è di tutto: aspetti gotici, giallo, azione, suspense e una punta di sarcasmo che rende il mix un prodotto efficace, che intrattiene ma, soprattutto, insegna alle persone che gli dei della morte mangiano solo mele.

Il Playbook di Barney

Ombrello giallo e corno francese blu! Se avete colto i riferimenti, è probabile siate fan di How I Met Your Mother, la nota serie televisiva conclusa nel 2014. Il Playbook viene nominato da per la prima volta nel corso della quinta stagione, proprio dal suo stesso autore, Barney Stinson: il latin lover in giacca e cravatta che esce sempre bene in foto. Tale diario altro non è che un grosso libro nero nel quale il sopracitato playboy ha minuziosamente raccolto, nel corso degli anni, tutti gli stratagemmi e i sotterfugi architettati con il solo scopo di portarsi a letto una ragazza. Quantomeno è da lodare l’impegno.

The Martian

Nel 2015 è uscito The Martian – Il Sopravvissuto, un film di Ridley Scott che vede Matt Damon nel ruolo del protagonista. La pellicola è tratta dal romanzo di Andy Weir, nel quale l’autore immagina una serie di future spedizioni sul Pianeta Rosso. Durante una missione, un membro dell’equipaggio, l’ingegnere Mark Watney, viene abbandonato per errore e dovrà sfruttare al 100% il suo istinto di sopravvivenza per veder salva la pelle. Nel periodo di permanenza lontano da casa e in completa solitudine, lo sventurato decidere di tenere un diario, così che qualcuno possa un giorno ritrovarlo e venire a conoscenza di quelli che sono stati i suoi ultimi giorni di vita.

Smemoranda 2020

Magari non propriamente nerd, ma chissà quante grandi storie sono nate da un’idea annotata frettolosamente su un’agenda! Durante la conferenza in Casa Emergency abbiamo potuto mettere le mani sui nuovi diari e ascoltare gli interventi degli ospiti presenti. Fra tutti spiccano sicuramente Gino Strada, il fondatore di Emergency, e Roberto Saviano, l’autore di Gomorra.

A dire la loro sono stati anche Nico Colonna, Gino e Michele, i direttori del diario, Luna Melis, la cantante diventata famosa grazie all’ultima edizione di X-Factor e Davide Calgaro, il cabarettista di Colorado fresco fresco di maturità.

Il tutto è stato moderato dalle giovanissime speaker di Radioimmaginaria, il network degli adolescenti che dal 2015 dà voce ai ragazzi fra gli 11 e i 17 anni provenienti da tutta Europa. Le due frizzanti  conduttrici hanno saputo mettere alla prova il team di adulti con le loro domande incalzanti e per nulla banali, che hanno fatto emergere ancora una volta la difficoltà dell’affrontare un mondo pieno di guerre e utopie. “Bisogna fare un progetto”, ha detto Gino Strada: “Un’utopia non è altro che un qualcosa di desiderabile che vorremmo ci fosse ma ancora non c’è. L’importante è non arrestarsi di fronte a una meta apparentemente irraggiungibile, fare un progetto e portarne a termine un pezzettino.” Ha citato come esempio l’abolizione della schiavitù, che fino a 2-300 anni fa era un’utopia e l’abitudine di schiavizzare sembrava una cosa fisiologica. “Chi ha scritto la costituzione americana era schiavista. Certo, l’obiettivo è stato raggiunto solo parzialmente, ma almeno parzialmente lo si è raggiunto e la maggior parte delle persone ha sviluppato una certa sensibilità all’argomento.”

Temi impegnati, quindi, quelli presenti nella Smemo del prossimo anno, ma non solo! Intanto è bene che conosciate non solo l’agenda standard ma anche le sue varianti. Come ha detto Colonna durante la presentazione, “Ce n’è una con patch in ecopelle da attaccare ai tessuti, una con delle matite pronte a scarabbocchiarla e una un po’ più fighetta con la copertina fluo”.

Parlando di attualità, Nico ha sottolineato quanto le agende Smemoranda siano ecosostenibili: sono infatti stati piantati, su terreni demaniali, 160.000 alberi che assorbano tutta l’anidride carbonica generata dalla produzione delle agende.

In più, fra un giorno e l’altro trova spazio una decina di associazioni che viene promossa dal diario, oltre alle collaborazioni mirate a trattare temi di solidarietà in un universo dedicato ai ragazzi. C’è la Sfatina sfata pregiudizi disegnata da Maicol & Mirco, ci sono i cruciverba di Anlaids, l’associazione che risponde ai dubbi legati alle malattie sessualmente trasmissibili o, in generale, al sesso, e ci sono gli interventi delle personalità di spicco che hanno collaborato. Fra queste c’è ovviamente Saviano, che alla domanda “Come possiamo noi giovani capire da che parte stare in un mondo pieno di lotte continue?” ha creato una regola d’oro divisa in tre punti. Per prima cosa è necessario non cadere nell’errore di pensare di poter capire tutto subito. Ci vuole molto tempo per far luce su quale sia la realtà che ci circonda, e non è detto che una prima risposta apparentemente sensata corrisponda all’effettiva verità. In secondo luogo, è necessario continuare a informarsi, senza cadere nel trabocchetto del ricco. Così ha definito l’atteggiamento adottato da chi ti loda per il tuo lavoro, se sei d’accordo con le sue idee, ma ti addita come un’elite che si è arricchita “per colpa” del suo lavoro quando esponi un pensiero contrario. Dall’osservazione, scaturisce il terzo punto: bisogna prendere una posizione. Strada ha poi aggiunto un quarto punto non da poco, ossia l’importanza di studiare la guerra. Non tanto le battaglie, ma la guerra come insieme di eventi e sconvoglimenti che aiuta chi la conosce a farsi un’opinione, anche politica.

Comunque nella Smemo ci sarà anche tanto cazzeggio: vignette e barzellette sempre all’ordine del giorno, un oroscopo che con l’astrologia ha poco da spartire, le “giornate mondiali del…” che permettono ai fruitori di ottenere immagini speciali sullo Smemo Whatsapp (3483989626); i QR code per sentire le canzoni su Spotify (ebbene sì, Smemoranda è recentemente sbarcata anche su Spotify!), gli immancabili adesivi e foglietti staccabili e un countdown ogni lunedì che aiuti a contare i giorni mancanti al suono dell’ultima campanella.

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Cosa succederebbe se avessimo veramente un angelo custode che ci protegge e desidera la nostra felicità? Mirai, il giovane protagonista di Platinum End, sta per scoprirlo. Con la loro terza collaborazione, Tsugumi Ohba e Takeshi Obata tornano ad indagare i misteri dell’animo umano.

Come Death Note e Bakuman, Platinum End è edito in Italia da Planet Manga, del gruppo Panini Comics, che ci ha gentilmente concesso il primo numero da recensire.

Trama

Il giorno del diploma della scuola media, Mirai Kakehashi decide che non vuole più vivere. Isolato, orfano e maltrattato dai parenti che lo hanno adottato, il ragazzo ha rinunciato ad essere felice e vuole solo smettere di soffrire. Quando si lascia cadere da un grattacielo, però, accade l’inaspettabile: Mirai viene salvato da un angelo. E non un angelo qualsiasi! L’angelo… o forse è meglio dire angela, visto che è una ragazza, gli rivela di essere il suo angelo custode e di averlo salvato perché desidera che lui sia felice. Per aiutarlo nella ricerca della felicità, gli dona alcuni poteri soprannaturali. Insomma, cosa potrebbe andare storto? A quanto pare, Mirai non è il solo ad avere questi doni, e non tutti sembrano avere buone intenzioni…

Recensione

Il duo delle meraviglie è tornato! Già questo non poteva che rendermi felice (e senza bisogno di angeli custodi!). Aggiungiamo anche che la trama ha un ottimo potenziale di sviluppo e che, in buono stile Ohba, non tutto è bianco o nero. Quindi, decisamente felice.

Devo essere sincera, in prima battuta l’ambientazione non mi ha colpito granché. Non sono una grande amante del filone angelico, che spesso trovo un po’ scontato, per cui ho affrontato la lettura con un certo scetticismo. Ecco, mi sono ricreduta. Tsugumi Ohba non si ferma alla superficie, non si accontenta di raccontare una storia, ma sfrutta quella stessa storia per approfondire delle tematiche importanti.

Una su tutte: è impossibile fare una distinzione netta tra “buono” o “cattivo”. Sia gli umani che gli angeli hanno tratti ambigui. Certo, i parenti di Mirai sono malvagi, senza alcun dubbio, ma non si può dire ad esempio che Nasse, l’angelo custode del ragazzo, sia completamente buona. Il suo fine è quello di assicurare la felicità del suo protetto, ma non sembra preoccuparsi molto del modo in cui la ottiene. Gli stessi poteri che ha donato a Mirai non sono molto etici in sé per sé.

In questo, Platinum End si colloca nel solco di Death Note: cosa farebbero gli esseri umani, se avessero dei poteri a disposizione? In Death Note, lo scenario risultante non è dei migliori. Vedremo cosa succederà in Platinum End, la cui pubblicazione in Giappone è arrivata al settimo tankobon.

Le somiglianze con Death Note non finiscono qui: anche i due protagonisti hanno dei punti in comune. Adolescenti e stufi della vita come la conoscono, entrambi ricevono la possibilità di cambiare le cose. A differenza di Light, però, Mirai sembra avere dei princìpi morali più saldi e non esibisce lo spietato pragmatismo de “il fine giustifica i mezzi” caratteristico del nostro Kira. Almeno per ora. Ovviamente, questo è solo l’inizio!

Gli sviluppi della trama presenti nella seconda parte del volume, che non ho voluto accennare per evitare spoiler, introducono altri personaggi e una meccanica di competizione che sembra molto promettente. Personalmente, attenderò il secondo volume con curiosità!

Disegni

Chi avesse letto qualche opera disegnata da Takeshi Obata, sa già cosa aspettarsi. Il tratto è pulito, delicato e con una maniacale cura del dettaglio. Rispetto a Bakuman, la seconda opera in collaborazione con Ohba, i disegni sono meno deformed e più realistici, adattandosi ad una trama meno umoristica. Il ritorno ad un maggiore realismo non pregiudica però l’espressività che Obata riesce a comunicare con i suoi disegni. In Platinum End ci sono scene forti, che risultano ancora più impressionanti per come sono rese graficamente: contrasti e linee cinetiche, assieme a un’abilità notevole nel rendere le espressioni facciali dei personaggi, regalano delle pagine che colpiscono come un pugno nello stomaco.

In conclusione

Il primo volume di Platinum End ci introduce a una trama che ha parecchie potenzialità. Ovviamente è ancora tutto in divenire, ma, personalmente, posso dirmi incuriosita e interessata. D’altra parte, con l’abilità narrativa di Tsugumi Ohba e i disegni di Takeshi Obata, non potevo aspettarmi niente di diverso. Già da questo primo numero, mi sento di consigliare Platinum End sicuramente a chi ha già apprezzato Death Note, ma in generale anche a chi cerca manga di qualità, con una trama presente e dei temi anche controversi.

Nerdando in breve

Gli autori di Death Note e Bakuman tornano con Platinum End, un manga che parla di angeli custodi, felicità e scelte. Il primo volume pone le basi per una storia interessante e dai temi complessi, che sicuramente avrà un suo sviluppo nei numeri successivi.

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(Questo articolo è privo di spoiler, se volete chiarimenti chiedete pure tra i commenti)

Attacco dei Giganti è un manga di Hajime Isayama chiamato Attack on Titan in inglese per scelta dell’autore stesso e 進撃の巨人 (Shingeki no Kyojin) in giapponese, sul cui significato tornerò più avanti.

È pubblicato mensilmente dal 2009, è stato riadattato in un anime per ora composto da due serie di enorme successo nonché in due live action e, al momento e secondo il modestissimo e rivedibilissimo parere di chi scrive, si erge sugli altri manga della sua generazione come il Gigante Colossale su Wall Maria all’inizio della storia.

Per poter giustificare un’affermazione così ardita consentitemi prima di tutto di analizzare il panorama in cui si inserisce e come si è evoluto all’interno dello stesso.
Al momento dell’uscita di SnK nel 2009, il mondo del manga era ancora dominato da alcuni battle shōnen più classici come Naruto e One Piece, ma era già stato “sconvolto” dall’uscita di grandi successi molto diversi e decisamente più controversi come Death Note ed iniziava ad affermarsi quel trend per cui elementi dei seinen come l’ambiguità morale si univano ad un ritorno di fiamma della violenza più cruda e sanguinolenta che contraddistingueva le opere degli anni ’80 (Hokuto no Ken ne era il portabandiera).

Isayama iniziava la sua pubblicazione quindi nel momento più propizio, portandoci da subito un eroe rabbioso e vendicativo (ruolo che di solito spetta all’amico-rivale del protagonista) e catturando la nostra attenzione con scene ricche di gore e morti impietose che potevano toccare anche personaggi che sarebbero dovuti essere protetti dalla trama.

Di fatto stava compiendo un’operazione simile a quella delle prime serie di Game of Thrones, ovvero sfruttare al massimo un elemento fonte di interesse per poi far immergere i lettori nel mondo che stava costruendo, solo che utilizzava corpi squartati invece di scene di sesso esplicito.

Il cosiddetto world-building è il primo elemento che mi ha portato verso la conclusione azzardata di cui prima. Thor mi fulmini se Isayama non è tanto bravo come scrittore quanto è un pessimo disegnatore: nel corso degli anni e dei capitoli a poco a poco sta delineando un mondo perfettamente caratterizzato e coerente (in alcune elementi, come quello pseudo-scientifico, è anche iper-dettagliato se uno va a vedere i volumi dedicati a quello).

Questa rappresenta una relativa novità nel mondo dei manga di così lunga durata, dove eventualmente gli autori dimenticano o devono rivoltare affermazioni precedenti. In SnK invece abbiamo un mondo che ci viene mostrato a poco a poco ma che sembra accuratamente preparato già da prima, sia in termini di ambientazione che di personaggi, così che rileggendo capitoli ormai vecchi di quattro o cinque anni si trova ancora una perfetta coerenza con quanto svelato successivamente e si possono ritrovare piccoli dettagli che mostrano come fosse già tutto stabilito dall’inizio. Il titolo stesso ne è la prova, essendo che il suo significato reale si è rivelato di recente.

Questo modo di scrivere è, come detto, del tutto insolito nei manga in parte per l’immensa mole di lavoro che tocca agli autori e che gli impedisce di scrivere con sufficiente anticipo, ma anche perché, che ci piaccia o no, spesso devono riadattare la storia a ciò che l’editore (ed indirettamente il pubblico) vuole. E questo è il secondo motivo per cui mi ritrovo a fare un’affermazione così azzardata.

È ben noto il potere degli editori sui mangaka nel determinare come e cosa far succedere, sebbene talvolta alcuni abbiano il potere di opporsi (ad esempio Eichiro Oda di One Piece).

Attacco dei Giganti è, come detto in precedenza, un manga che si è fatto la fama di essere un certo tipo di fumetto ed anche con un certo tipo di tematiche. Nonostante ciò nell’ultimo anno l’autore ha avuto il coraggio e la capacità di iniziare progressivamente a spostare il focus della sua opera, trasformandola radicalmente ma mantenendone viva l’attrattiva (grazie al sopracitato world-building sopraffino), così che l’attuale versione di Shingeki no Kyojin è qualcosa di molto diverso da quello che è stato per anni, senza però perdere lo spirito ed il messaggio originale dell’opera.

Forse è presto per fare un’affermazione come la mia, essendo che bisogna vedere come verrà portata avanti la storia, ma di tutti i manga usciti negli ultimi dieci anni che io abbia letto quello di Isayama è indubbiamente quello che più di tutti si sta rivelando sorprendente, originale e ben costruito, non risentendo affatto di quelli che sono oggi i difetti dell’industria del manga (trame lineari, troppa influenza della popolarità di elementi e personaggi ed autori che si perdono i pezzi).

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L'articolo Attacco dei Giganti è (forse) il miglior manga del decennio proviene da Nerdando.

Forse per la ormai dilagante mancanza di idee, forse per il fatto che con gli adattamenti un po’ di pubblico si acchiappa, da qualche anno stiamo assistendo all’arrivo di una sempre più corposa schiera di trasposizioni live-action di serie o film d’animazione. Ecco cosa ne pensa la redazione di questo andazzo.

LC

Trovo che i live action tratti da cartoni, salvo rarissime eccezioni, siano una pessima idea. Il fatto è che è praticamente impossibile trasportare alcuni elementi dell’animazione in un film con attori: dalle caratteristiche fisiche dei personaggi alle loro espressioni, per non parlare di cose che viste non disegnate diventano semplicemente ridicole, com’è successo per Dragon Ball.

Inoltre spesso l’adattamento è da opere giapponesi a film americani, che nel cercare di riformulare il tutto per adattarlo al pubblico domestico finiscono con il combinare disastri. Tra l’altro anche quando la trasposizione è fatta dai giapponesi il risultato è spesso poco convincente, almeno per me: sebbene ci siano film per niente male (i due live action di Death Note), nel cercare di ricreare l’atmosfera da anime gli attori giapponesi finiscono con profondersi in uno stile di recitazione esagerato e che non mi piace affatto.

In sostanza: niente live action, please. Fate cose nuove o se volete fare un film fatelo di animazione come Capitan Harlock.

Giakimo

Come per i remake, non c’è niente di male negli adattamenti dei cartoni animati. Il problema è casomai farli bene.

Finora Hollywood ha in pessimo record per i film tratti da cartoni giapponesi (uno dei motivi per cui spero che non si concretizzi mai il film su Akira), forse dovuto anche alla scelta di cosa adattare. Fare in film su Dragon Ball è una pessima idea a meno che non cambi quasi tutto. Provare a fare un nuovo Ghost in the Shell significa che alla meglio viene fatto in film carino (come è successo) perché il materiale in partenza è un capolavoro, ma niente di più. Magari a Hollywood potrebbe provare a scegliere serie meno intrinsecamente giapponesi o più semplici da adattare. Forse Your Name potrebbe essere una scelta azzeccata, per una volta. Oppure Cowboy Bepop (sul serio, quanto sarebbe fico in film tratto da Cowboy Bepop?).

E poi c’è l’attuale metodo Disney: rifaccio uguali i vecchi film animati con gli attori. E per me, disneyano di ferro, è una cagata pazzesca. Perché magari funzionano, ma sostanzialmente non servono a niente. Piuttosto che vedermi Emma Watson e la Bestia, mi riguardo La Bella e la Bestia originale. Apprezzo di più una mezza schifezza come Maleficent, che almeno prova qualcosa di nuovo o diverso piuttosto che una copia carbone.

Alla fine è tutta una questione di idee.

FrankieDedo

Sinceramente, non ne vedo l’utilità, salvo certi casi.

Storie come quelle dello Studio Ghibli mantengono il loro fascino perché nascono con uno stile animato che li rendono quasi dei quadri in movimento. Un salto del genere aiuta solo a fare degli scivoloni a fronte di un realismo inutile ai fini dell’opera.

Discorso diverso se si vuole sfruttare l’adattamento per ammodernare, ampliare o rendere maggiore giustizia alla versione animata. Penso alle possibilità stilistiche e di fotografia di un live-action di Samurai Jack o a un adattamento come si deve di Cowboy Bebop, un anime che sembra sin da subito volersi liberare dai disegni e balzare nella terza dimensione.

Peccato che i produttori non la pensino allo stesso modo e abbiano lanciato ormai un trend selvaggio di adattamenti, probabilmente a causa della fin troppo sfruttata vena dei reboot.

Zeno2k

Personalmente non è una cosa che ami molto. Non tanto per partito preso, ma perché finora non ho ancora trovato una trasposizione che mi soddisfi del tutto.

Forse il problema è che sono troppo vecchio, ma le emozioni che mi hanno regalato alcuni lungometraggi animati, con tutte le loro imperfezioni, non possono essere replicate dal freddo occhio di una telecamera.

Per fare un esempio ho apprezzato moltissimo il live action di Ghost in the Shell: peccato, però, che non abbia mai visto l’anime.

Insomma: capisco la spinta del mercato, ma non sposo la causa.

L'articolo Che ne pensate delle trasposizioni in live-action dei film di animazione? proviene da Nerdando.

Recensione

Non sono mai stata particolarmente appassionata di manga e anime, ma ricordo che quando anni fa ho visto il primo episodio di Death Note per caso mi ha rapita fino alla fine. Era molto originale e presentava delle interessantissime sfaccettature della psicologia umana.

Detto ciò, quando ho sentito di una versione cinematografica dell’opera “americanizzata”, mi si sono rizzati perfino i peli che non ho, seppur il fatto che fosse a cura di Netflix mi rincuorasse un po’.

Pochi giorni fa finalmente il remake è stato reso disponibile e ho potuto guardarlo.

Trama

Il nuovo film a cura di Netflix prende ispirazione da un’opera che nasce come manga, a cui segue un anime da 37 episodi.

La trama comune a tutte e tre le trasposizioni è la seguente: uno studente delle scuole superiori di nome Light trova per terra un quaderno con la scritta “Death Note” in copertina. Il quaderno in questione viene lasciato sulla terra dallo Shinigami Ryuk, un demone della morte, per far sì che trovi un nuovo custode che il demone affiancherà. Il quaderno è estremamente potente, scrivendo il nome di una persona e immaginandone il viso si potrà provocarne la morte nei modi più svariati, a patto che siano fisicamente possibili. Light deciderà di usare il quaderno per uccidere crudeli criminali con l’intento di liberare il mondo dal male usando lo pseudonimo di “Kira“.

A contrastare Light entrerà in gioco Elle, un misterioso detective dall’incredibile intelligenza e talento.

Light

Prima cosa che mi ha fatto rabbrividire del film: Light Turner. TURNER. Sono l’unica a pensare che suoni incredibilmente male? Forse perché ero tanto abituata al nome originale, Light Yagami? Non saprei, però in ogni caso non capisco il senso di cambiare solo il cognome e non anche il nome a questo punto, così come alla fine è stato fatto per il personaggio di Mia, l’alter ego di Misa Misa.

Oltre al nome, la scelta dell’attore non mi ha convinta affatto. Light è un personaggio disturbato psicologicamente, uccide centinaia di persone credendo che sia giusto in preda a deliri di onnipotenza, dovrebbe essere un personaggio cupo e incutere un po’ di timore mentre l’attore ha un visino innocentissimo e fa delle espressioni che provocano ilarità ma di certo non paura.

Prendo come esempio la scena in cui incontra per la prima volta Ryuk; ad un certo punto ho seriamente pensato che l’intento fosse di far ridere lo spettatore in quel momento, ma temo che fosse solo frutto della cattiva recitazione dell’attore. Le sue espressioni sono comiche, per esprimere il terrore puro di trovarsi di fronte il demone fa delle vere e proprie smorfie.

Vogliamo parlare inoltre di quando rivela del quaderno a Mia? Hai un quaderno della morte, arriva questa ragazza con cui hai parlato due volte nella vita che ti chiede cosa sia e tu gli dici “Mah sai non so se dovrei dirtelo”, e alla risposta “Mh ok” segue “Dai vuoi proprio saperlo?” e glielo dice. Non sto scherzando né sintetizzando, le frasi si sono davvero susseguite grosso modo in questo modo ed è un dialogo che mi ha fatto letteralmente ridere per quanto è stupido. Un comportamento totalmente illogico da parte di un personaggio che dovrebbe essere molto intelligente e per questo estremamente cauto.

Non parliamo poi della sua acconciatura con ciuffi di capelli ossigenati che mi ha ricordato tanto un Gabry Ponte nel fiore della sua carriera.

Ryuk

Visto che l’abbiamo nominato, faccio due parole anche su Ryuk: Dopo aver visto il film, ho saputo che a prestare la faccia al personaggio c’era Willem Dafoe. Non me ne ero assolutamente accorta. “Ottima idea” ho pensato, è un attore fantastico e la fisionomia del viso è anche simile a quella del demone dell’anime, con la faccia allungata e scavata. Purtroppo però hanno rovinato tutto, la faccia di Ryuk nel film è stata schiacciata e arrotondata, si riconosce a malapena l’attore che ci sta dietro e lo trovo un grandissimo peccato.

Inoltre, hai a disposizione un attore di quel calibro e lo fai vedere per sì e no 10 minuti di film? Che occasione sprecata.

Mia

Mia è molto diversa dalla Misa Misa che abbiamo incontrato nell’anime. Cheerleader invece che cantante, non ha affatto l’atteggiamento da sciocca, è anzi molto intelligente e assolutamente determinata ad ottenere quello che vuole, molto di più quanto lo sia Light a dire il vero. Inoltre nella relazione con Light non è succube per via dell’amore che prova, al contrario lotta per far valere le sue opinioni e a volte è perfino lei a schiacciare il ragazzo, che nel film prova dei sinceri sentimenti per lei e non si limita a sfruttarla per i suoi fini come nell’anime.

Nel film Rem non compare, peccato, un pochino ci speravo!

Elle

Il fatto che per interpretare Elle abbiano scelto un personaggio di colore mi ha turbata non poco. Per me è sempre stato giusto vederlo pallido e smunto, come d’altronde sarebbe chiunque passando le proprie giornate mangiando dolcetti accovacciato su una sedia in posizioni innaturali.

Questo Elle è molto diverso quindi dall’immagine a cui eravamo abituati, ma devo dire che ho trovato la recitazione dell’attore molto convincente quindi nonostante la poca convinzione iniziale mi sono abituata in fretta a questa sua nuova immagine.

Oltre alla nuova veste cambia anche la psiche: L’Elle del film è leggermente più “umano” ed emotivo di quello dell’anime, che in certi momenti sembrava quasi un robot senza sentimenti.

Giappone sì o Giappone no?

Una cosa che mi ha dato fastidio è stato il voler inserire l’elemento “Giappone” a tutti i costi. Se scegli di americanizzare un’opera giapponese, fallo fino in fondo, perché rimanere sospesi fra una cosa e l’altra? Questa mescolanza è molto forzata, così come il fatto che Light scelga comunque il nome “Kira” dando come spiegazione che in giapponese significhi “killer“. Siamo in America e il ragazzo non ha mai avuto alcun interesse alla cultura giapponese fino a quel momento, perché cominciare proprio ora? Ryuk non si è nemmeno presentato come Shinigami, cioè come personificazione della morte nella cultura giapponese, quindi il legame non trova giustificazione nemmeno in quello, sembra completamente casuale.

A parer mio, sarebbe stata molto più interessante la storia di un custode del Death Note che però non fosse Light, con un’altra trama e altri personaggi. D’altronde il Death Note ha svariati custodi che si succedono nel tempo, avrebbe avuto perfettamente senso e non ci sarebbe stato bisogno di snaturare dei personaggi ben costruiti per adattarli ad un’altra cultura e ad altri usi.

Tirando le somme

Anche se è molto difficile, ho provato comunque ad esprimere un’opinione immaginando di non aver visto l’anime. Per quanto sia stato portato a somigliare all’ennesimo teen-movie americano, ho apprezzato gli intrecci finali e gli effetti speciali (a parte la povera faccia spiaccicata di Ryuk) mi sono sembrati ben fatti. Mi sono piaciuti molto gli attori che interpretano Mia ed Elle, li ho trovati convincenti nell’interpretare il loro ruolo.

Come ho già detto, non ho compreso l’intenzione di voler reinventare completamente l’opera volendo però mantenere a tutti i costi degli elementi dell’originale che sembrano estremamente fuori luogo.

Nerdando in breve

Death Note è un nuovo film targato Netflix ispirato all’omonimo manga giapponese in cui un ragazzo entra in possesso di un quaderno della morte in grado di uccidere qualsiasi persona di cui si conosca il nome e il viso.

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Penny

Il campo fra cui scegliere è molto ristretto, visto che fino a un paio di anni fa leggevo solo Topolino e Paperino. Tuttavia, nonostante il mio incondizionato amore verso quest’ultimo, la scelta ricade su Wizards of Mickey! La prima saga fantasy (a fumetti) che abbia letto: tutte le puntate uscite nel 2006 raccolte in un unico volume, così da non perdere il filo del discorso. Ho apprezzato molto come le caratteristiche specifiche di ciascun personaggio siano state adattate alle loro controparti magiche, oltre ovviamente alla storia e ai disegni e, soprattutto, al miglior personaggio che la saga abbia prodotto: Fafnir, il Paperino dei draghi.

Giando

Probabilmente il fumetto più importante della mia adolescenza, anzi più che importante direi determinante, è Ranma 1/2 di Rumiko Takahashi.
Correva il lontano 1998 (o era 199X, chissà) e iniziavo a veder girare in classe qualcosa che recava la scritta “Dragon Ball” sulla copertina, un fumettucolo da niente insomma – occhio all’ironia please.

Bello, divertente, muscolare, però per quanto ne diventai assiduo lettore, non aveva innescato in me quella scintilla tipica delle mie passioni. Poco tempo dopo, grazie allo zapping e ad una rete locale che passava anime fantastici (grazie Italia 7, senza di te nessuno avrebbe conosciuto Kenshiro), vengo a conoscenza di Ranma 1/2, anime con personaggi e situazioni paradossali che mi facevano divertire come poche altre volte era successo. Ne parlo con un compagno di classe e, putacaso, mi dice che un suo amico vuole rivendere l’intera serie ad un ottimo prezzo. Nonostante le mie finanze pressoché inesistenti, decido di comprare i volumetti (era la serie da 52 volumi della Kappa Edizioni) in piccoli pacchetti da 10 manga l’uno.

E che dire? Mi innamoro follemente dell’universo creato dall’esperta Takahashi, che fa della situation comedy il suo punto di forza in gran parte delle sue opere (Maison Ikkoku ne rappresenta il culmine) e la unisce ad un’azione legata ai combattimenti che rende il tutto più dinamico e a volte anche drammatico; una grande spolverata di situazioni sentimentali e il contributo sempre apprezzato di un po’ di tette al vento completano questa divertente saga che, nonostante la lunghezza, mi ha appassionato tantissimo e ha aperto definitivamente la strada per la mia sconfinata passione per la terra nipponica che ancora oggi è parte di me.

Morgana

Tra i tanti, il mio preferito era in assoluto PKNA. Ho cominciato a leggerlo dal primo numero, e non me ne sono fatto scappare nessuno per molti anni! Lo leggevo e rileggevo, disegnavo i personaggi, mi divertivo anche a leggere la divertentissima posta.

Aneddoto: ero l’unica (ovviamente) tra le mie amiche a leggerlo, e anzi mi prendevano in giro perché mi piaceva; una volta sono stata selezionata con altre ragazze per fare una specie di intervista sugli adolescenti, e alla preparazione preliminare l’organizzatrice ci ha mostrato delle riviste tra cui PK e ci ha chiesto quali leggevamo, tutte hanno scelto i vari top girl e cioè tranne me che ho scelto PK, e mi è stato detto “all’intervista non dirlo, scegli una cosa per ragazze”. E io che ho fatto? Ho scelto PK, beccandomi un’occhiataccia fulminante da parte di tutti.

I regret nothing.

Giakimo

Come faccio a rispondere ad una domanda del genere? Il fumetto più vecchio che possiedo è un Topolino uscito sei mesi dopo che ero nato, compravo fumetti di vario genere prima ancora di saper leggere, non ho praticamente mai smesso di leggerne né di comprarli. Quindi ho difficoltà a selezionare un titolo. Ma ci proverò evitando di fare ragionamenti filosofici su cosa significa ‘più importante’ o ‘migliore’.

Ma prima faccio un po’ di menzioni d’onore. Topolino è stato (come un po’ per tutti) il primo fumetto comprato e collezionato, PKNA fu una rivoluzione per quelli della mia generazione e L’Uomo Ragno è stato il primo supereroe e la chiave di volta verso l’Universo Marvel e sono quindi stati importantissimi per me. Però per certi versi non sono il fumetto più importante. Credo che la risposta a questa domanda per me è Lupo Alberto. Ora spiego perché.

Lupo Alberto è stato tra i primissimi fumetti che ho letto (insieme ai fumetti Disney, all’Uomo Ragno e ad Asterix), ed è l’unico tra questi per cui non ricordo particolari input esterni o dei miei genitori. Non era un fumetto che avevamo per casa né esisteva un cartone animato a cui ispirarsi (lo fecero dopo e faceva cagare). Ad un certo punto, semplicemente, leggevo Lupo Alberto. Mi facevo comprare l’omonima rivista e le ristampe delle tavole e delle storie vecchie. Lo leggevo e mi faceva ridere. Mi faceva molto ridere. Non sempre. capivo tutte le battute. Perché, e qui sta anche la grandezza della serie, molte battute erano semplicemente troppo adulte per me. Tipo quando Enrico La Talpa diventa omosessuale e fonda i Bravi Ragazzi (abbreviato in BR). Ovviamente non capivo perché facesse ridere, né perché le BR fossero una cosa minacciosa. Ma non importava, tanto c’era la striscia o tavola successiva che mi faceva ridere.

Di Lupo Alberto mi piace(va) che sembrasse disneyano o comunque cartoonesco, ma che allo stesso tempo era più divertente e graffiante. C’erano gli animali antropomorfi come su Topolino, ma Alberto con Marta non si limitava agli sguardi languidi. Come Snoopy, Enrico s’inventava i personaggi da interpretare, ma in maniera un po’ meno sognante (per dire, in una tavola fa l’alpino ubriaco). Come i fumetti Disney italiani c’erano riferimenti chiari all’Italia, eppure sembravano più veri e genuini, sopratutto per chi viveva nella provincia (questo l’ho capito molto dopo, sia chiaro). Inoltre, Lupo Alberto mi ha portato a leggere altri fumetti italiani simili, come Cattivik, ma sopratutto come le Sturmtruppen.

In sostanza, Lupo Alberto era un microcosmo nel quale era facile entrare e in cui era molto difficile non ridere. Come molti altri grandi fumetti umoristici non ha un vero personaggio principale e parla di moltissime cose diverse. Lo fa con meno grazia dei Peanuts e di Calvin & Hobbes, con spirito più italiano, ma sopratutto più adulto, tant’è che negli anni Novanta era protagonista di campagne contro le malattie veneree (tra le altre cose). Conservo ancora gelosamente le raccolte comprate a 7 anni e le rileggo spesso, ridendo come al solito, sia alle stesse battute ma anche a quelle che non capivo quando avevo 7 anni.

Clack

Scegliere il fumetto più importante della mia adolescenza non è un’impresa semplice, perché ce ne sono almeno due che mi hanno accompagnata costantemente durante quel periodo della mia vita.

Dovendo necessariamente indicarne solo uno, comunque, la mia scelta ricade su W.I.T.C.H., serie Disney pensata per il pubblico delle teenager, che strizza l’occhio a Sailor Moon e alle serie tv americane in stile Buffy. Le avventure delle cinque Guardiane sono state il mio appuntamento fisso dell’adolescenza e ancora oggi conservo con cura i primi 12 numeri della serie.

LC

Non è una domanda semplice, dato che sin da piccolo ho letto una quantità enorme di fumetti ed è difficile quindi deciderne uno solo per un singolo periodo della mia miserrima vita. Sono però orientato con lo scegliere Death Note: lo lessi per la prima volta a 16 anni e fu la prima opera più “matura” che lessi sottoforma di fumetto. Per qualche anno fu al pari di un altro il mio fumetto preferito di sempre e mi sconvolse un po’ la vita, tant’è che mi comprai svariati poster, gli dedicai nome ed immagine su MSN e robe così.

Zeno2k

Difficile sceglierne uno solo. Nella mia infanzia ho letto davvero molti, molti fumetti di tantissimi generi diversi: da Topolino a BC, da Blondie & Dagoberto a Beetle Bailey.

Sicuramente le avventure di Paperino, ma sopratutto di Paperinik (bada bene: ho detto Paperinik, non quella zozzeria di PKNA) hanno un posto speciale nel mio cuore: ho letto e riletto milioni di volte le avventure delle Giovani Marmotte, del saccente Topolino, dello stralunato Pippo, dell’insopportabile Paperone; eppure devo ammettere che è un altro il fumetto per eccellenza della mia gioventù: parlo degli unici inimitabili Peanuts. Poesia, arte, gioia di vivere e la capacità di regalare storie con tantissimi piani di lettura e comprensioni diversi.Leggere le avventure di Charlie Brown e compagnia, è come fare un viaggio attraverso la società, la vita, l’amore e tutte quelle altre cose con cui dobbiamo fare i conti ogni giorno.Se c’è una cosa che ho imparato leggendo i Peanuts è che non bisogna mai smettere di credere nei propri sogni: ce lo insegna Snoopy, striscia dopo striscia.
Non è un caso se è proprio a Snoopy che Schulz ha dato l’onere di congedarsi dai suoi lettori: il suo personaggio più iconico, che meglio racchiude il suo pensiero sulla vita.
Non importa quante volte abbia tentato di avere la meglio sul maledetto Barone Rosso senza riuscirci: lui non si dà mai per vinto, non si arrende alle difficoltà, non cede un passo di fronte ad una sfida che comunque sa in partenza essere già persa.
Ogni volta che mi trovo in difficoltà, che la vita mi mette i bastoni tra le ruote e tenta di spezzarmi, non faccio che alzare gli occhi al cielo e ricordare che lassù, da qualche parte, c’è un bracchetto a bordo di una cuccia scassata che non si arrenderà mai.
E se non si arrende lui, perché mai dovrei farlo io?

jedi.lord

Le domande del Discutendo sono sempre sfiziose, ma questa per ora le batte tutte: i fumetti mi accompagnano da tutta una vita, lo fanno tuttora e penso lo faranno per sempre.

Perciò scegliere un singolo fumetto per una finestra di tempo limitata non è mica semplice, anche perché quello era il periodo in cui mi aprivo alla conoscenza di mille altri mondi oltre a quello Disney.

Nonostante ciò, non posso far altro che scegliere PKNA, la rilettura in chiave supereroistica moderna del mito di Paperinik, una scelta talmente azzeccata da parte di Disney Italia da aver creato schiere di proseliti che dopo decenni ancora ricordano le avventure del Papero mascherato e fremono al pensiero delle nuove uscite.

PK in mezzo a tanti altri perché fu un fumetto per me illuminante, geniale e semplicemente indimenticabile.

No, non possiamo metterci a parlare di PK ora perché non c’è abbastanza tempo ma starei ore a discuterne.

Piccola nota per Zeno2k: anche io adoro il Paperinik originale di Elisa Penna, Guido Martina e GB Carpi, è sempre stato il mio personaggio preferito. Poi sono passato a PK ne è la giusta rilettura di fine millennio, due anime dello stesso mito.

Tencar

Come per molti della mia generazione, il fumetto che ha segnato la mia adolescenza è stato Dylan Dog e più precisamente il numero 17 – rigorosamente prima ristampa – La Dama in Nero; pensate, sono riuscito a partire malissimo, con la prima storia divisa in due albi, ed ho iniziato con la seconda parte, non capendo molto della trama.

Nonostante questo approccio non felicissimo, rimasi sconvolto dalla dose di sangue presente in quelle pagine e, da allora, ho recuperato tutte le uscite diventando un fedelissimo lettore di Dylan Dog fino al numero 241: dopo quello, ci sono stati solo acquisti sporadici.

Anche questa settimana, i membri del nostro gruppo Facebook hanno preso parte al Discutendo, ecco cosa hanno detto!

Aligiu Giafogli

W.I.T.C.H., senza dubbio!
Mi ha insegnato il senso dell’amicizia, l’importanza della fantasia ed a credere in me stessa. E poi anche il senso del tempo, perché se mi bruciavo il fumetto in mezz’ora poi per il resto del mese ero senza…

Marco Gallo

I fumetti “della svolta” furono due in particolare: Dylan Dog e Diabolik. Probabilmente perché ho una morbosa attrazione verso la lettera “D” oppure perché li ho vissuti come un passaggio a qualcosa di più adulto, una sorta di ribellione con l’edicola come covo segreto di cospirazione. Ho smesso di leggere entrambi (o almeno non li seguo più così assiduamente) ma continuo ad amarli e ad amare quello che hanno significato per me!

Luca Sulfureo Bonora

Ok, allora rispondo seriamente. Dylan Dog. Mi ha insegnato che avere una fidanzata nuova ogni mese era non solo possibile, ma anche auspicabile.

Solo David

Senza dubbio alcuno… I PEANUTS! qualcosa di straordinario. Anche oggi ad anni di distanza. Più che fumetto, un’opera d’arte.

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Death Note (デスノート) è un manga scritto da Tsugumi Ohba e disegnato da Takeshi Obata da cui sono stati tratti film live-action, romanzi ed un anime di 37 episodi (anche qui: opening ed ending molto idonee, sountrack in generale eccellente).

In Italia fu trasmesso da MTV un po’ a sorpresa, quando decise di riprendere l’Anime Night pochi mesi dopo averne annunciato la cancellazione e, caso unico tra gli articoli scritti fino ad ora, ammetto di non averlo mai visto in tv, dato che quando andò in onda avevo già letto e riletto il manga e visto l’anime sottotitolato.

Death Note in Giappone è stato pubblicato da Weekly Shōnen Jump; e “chissenefrega” direte voi, giustamente. Il motivo per cui lo sto specificando, è che Shōnen Jump è la rivista settimanale dove da sempre escono i più famosi battle manga; faccio qualche esempio a caso: Hokuto no Ken, Dragon Ball, Naruto, One Piece, Jojo fino a Stone Ocean.
Non tutti i manga pubblicata sono di questo genere, ovviamente (Slam Dunk, per dire, è sempre di Shōnen Jump), tuttavia Death Note è quanto di più lontano ci possa essere dalla formula del manga per ragazzini.

La storia creata da Ohba e splendidamente illustrata da Obata infatti è molto tetra e vicina al dramma shakesperiano, estremamente verbosa e dalle forti connotazioni psicologiche ed etiche.
Come nelle migliori di queste storie, il presupposto è semplicissimo: esistono 13 Dei della Morte che possono uccidere qualunque umano conoscendone il nome ed il volto, trascrivendo il nome sul proprio “Death Note”, quello che sembra essere un normale quaderno a righe con la copertina nera. Un giorno, uno di questi Dei della Morte, Ryuk, decide per noia di lasciare un Death Note sulla terra e vedere che succede.
Il destino vuole che questo sia trovato da Light Yagami, un diciassettenne giapponese quantomai singolare: Light infatti è anche lui annoiato, stufo di un mondo marcio che guarda dall’alto in basso per via del suo incredibile intelletto. Trovato il quaderno, il ragazzo decide che lo userà per ripulire la società uccidendo tutti i criminali, fino a diventare il dio di un nuovo mondo.

Ho sentito a volte paragonare la figura di Light e la sua relazione con Ryuk al Faust di Goethe, tuttavia credo che ci sia un riferimento letterario migliore per il protagonista di Death Note. La filosofia di base di Light, il suo narcisismo ed il modo in cui questo lo distanzia dalla sua famiglia e da possibili altri affetti riprende molto il pensiero di Rodion Romanovic Raskol’nikov, protagonista di Delitto e Castigo, romanzo che in Giappone è molto famoso ed ha ispirato altri autori come Yukio Mishima.
Come Rodja, inoltre, Light sembra sempre quasi voler rivelare il suo crimine, rivendicare la propria “creazione”, come si vede quando uccide Raye Penber e Naomi Misora. E come nel romanzo di Dostoevskij, il protagonista deve vedersela con uno scaltro e famoso investigatore, che sembra da subito comprendere d’istinto la colpevolezza del suo “avversario” e che nonostante tutto si pone in modo amichevole e confidenziale.

L’essere così simile ad un romanzo russo dell’800 ha la sua conseguenza nel fatto che Death Note, soprattutto nella prima parte (corrispondente ai primi 7 volumi ed ai primi 26 episodi), è molto introspettivo e con scarsa azione. Nonostante ciò e nonostante il tipo di rivista su cui venisse pubblicato, Death Note ha riscosso un successo incredibile in Giappone e fuori.
Le ragioni principali sono da trovarsi innanzitutto nella grande capacità di Ohba di mantenere una trama lineare ma ricca di colpi di scena e sempre carica di tensione, piena di momenti in cui l’apprensione è al massimo e si può sentire l’ansia dei personaggi; poi nell’ottima caratterizzazione dei personaggi, Light ed L in primis, ma anche i comprimari, come Soichiro Yagami, padre di Light e rappresentante di quella fiducia cieca nella giustizia “buona” che è pari solo al suo amore per la sua famiglia.

Vorrei tornare però su Light. Di solito leggendo o vedendo l’anime di Death Note si sposa la causa di uno dei due personaggi, L o Light; personalmente, ero dall’inizio dalla parte di Light (no, non perché penso che sia giusto uccidere i criminali, ero dalla sua parte perché è un FUMETTO).
Trovo che Light sia uno dei migliori personaggi che abbia mai letto in un opera a fumetti, giapponese o di altra nazionalità che sia, ed è questo il motivo per cui per un certo periodo Death Note è stato, insieme ad un altro, il mio manga preferito.
È animato da un sentimento di giustizia fortissimo ma che è subordinato alla sua ambizione, al ricoprire quello che lui ritiene naturalmente il suo ruolo nel mondo. Nel finale ricorda come tutti abbiano usato il Death Note per fini personali laddove lui ha deciso di usarlo per il mondo, non rendendosi conto di come da tempo stesse perseguendo solo un sogno del tutto egocentrico e per il quale è stato disposto ad uccidere sconosciuti, manipolare e mentire a chiunque ed infine sacrificare il proprio stesso padre.

La sua discesa nelle tenebre è tratteggiata in maniera perfetta durante la storia ed è di esempio di come si possa creare un fumetto che ha come protagonista il “cattivo” e di come lo si possa portare a compimento senza deviare da questa assunzione: gli autori vogliono mostrarci come Light sia sempre stato dalla parte sbagliata e non abbia mai avuto altre intenzioni; la sua fine è violenta e senza redenzione, rinnegato persino da Mikami, colui che più di tutti credeva nella sua missione.

Spesso, a ragione o a torto, si considera la produzione giapponese di opere animate ed a fumetti come molto inquadrata in certi schemi e tendenze. Anche alcuni degli anime di cui abbiamo parlato in questi articoli cadono in queste categorizzazioni, non necessariamente negative. Death Note è però la prova che, di tanto in tanto, qualcosa di totalmente originale e profondo possa emergere e trovare successo, a dispetto di ogni aspettativa.

L'articolo Quando il martedì sera era l’Anime Night #6 – Death Note proviene da Nerdando.