Questo mese avete aperto le uova per poi scoprire il solito braccialetto di plastica? Beh, qui troverete qualcosa di decisamente più interessante: ecco il #NerdandoConsiglia di Aprile 2026!

Replaced

Zeno2k: Un action platform cyberpunk in pixel art.

Un’intera recensione che potrebbe finire in una sola riga.

Da aggiungere invece: disponibile su Game Pass.

Personalmente ha tutto quel che mi aspettavo: ambienti distopici, trama soffocante, personaggi disperati, hacking, AI… il tutto con quel fascino retrò che non guasta mai.

The Thaumaturge

Zeno2k: Il fascino della prospettiva isometrica in una Varsavia di inizio secolo, tra mutamenti sociali, crisi politiche e misticismo.

In questo rpg fantasy polacco con combattimenti a turni, missioni secondarie, esplorazione, investigazione ed entità soprannaturali.

Lo avevo puntato da tempo, ed ora è disponibile su Game Pass, un’occasione ghiotta per tuffarsi in questo universo narrativo intrigante e non troppo complesso.

Hansa Teutonica – Big Box

Cavaliere: Se Hansa Teutonica fosse stato pubblicato in Italia quest’anno, probabilmente gli avrei dato il mio Award per il gioco da tavolo. Si tratta della riedizione del grande classico di Andreas Steding originariamente pubblicato nel 2009.

Hansa Teutonica rientra nella categoria dei giochi all’europea ma rimane fresco, visto che nonostante utilizzi meccaniche familiari riesce a offrire un’esperienza unica nel suo genere. In pratica, dovremo occupare un’intera rotta commerciale tra due città per stabilire i nostri uffici o riscattare poteri che renderanno una delle nostre azioni più forti. Le tante possibilità offerte senza mai rendere Hansa Teutonica soverchiante, unite all’interazione data dal fatto che i giocatori si contenderanno le tratte più appetibili, rendono questo titolo una perla all’interno del genere.

Infine, un grande vantaggio è che è indipendente dalla lingua. Quindi il fatto che, al momento in cui scrivo, la versione italiana pubblicata da Ghenos sia introvabile non è un ostacolo!

Frieren – Oltre la fine del viaggio – Seconda stagione

frieren scena

Cavaliere: Ho dedicato una recensione NO SPOILER bella approfondita sulla seconda stagione di questo anime. Quindi in questa sede mi limito a dire che mi è piaciuta e che attendo la terza!

The People v. O. J. Simpson: American Crime Story

Cavaliere:  Una storia vera, grandi attori e focus sulle persone dietro a quello che fu il caso statunitense del secolo.

Ti consiglio di vedere la prima stagione di American Crime Story, dedicata a uno dei processi mediatici per eccellenza: quello che coinvolse l’ex stella del football americano O. J. Simpson.

La trovi su Disney+.

Dexter: New Blood

Hardcase: Indeciso se scrivere di un libro o di una serie Tv, questa volta ho optato per la seconda visto che è qualcosa che non faccio di rado. E, se è vero che poche locuzioni come “puntualmente in ritardo” sono in grado di descrivermi, è normale che, anche stavolta, finisca con lo scrivere di qualcosa che ha già “sul groppone” il suo bel numero di anni. 

Mentre, infatti, si fa un gran parlare della seconda stagione di Dexter Resurrection, io ho appena finito di vedere la mini serie precedente, dedicata al nostro serial killer preferito questa volta lontano dal gran caldo di Miami.

DNB rappresenta, per molti versi (almeno per le prime 2 o 3 puntate), un cambiamento quasi destabilizzante per il fan medio della serie. Via la misoginia, via il passeggero oscuro e via l’afa, quello che rimane è un ritratto spiazzante del protagonista principale. Ma ognuno di noi sa che, in fondo, tutto questo cambiamento non può durare per sempre  altrimenti, diciamocelo, che Dexter sarebbe?

Ciononostante, la serie rappresenta una bella sferzata, un vento (gelido) di novità che era assolutamente necessario per lo show. 

La regia, peraltro, è decisamente più ispirata delle ultime stagioni canoniche ed anche l’interpretazione dei personaggi principali e secondari è buona.

Certo stiamo pur sempre parlando di Dexter, quindi tra incongruenze di vario tipo, serve sempre una buona dose di sospensione di incredulità per godersi appieno lo spettacolo, ma, fatto questo, il risultato finale è soddisfacente. 

Gnarls Barkley – Atlanta

Hardcase: Quando si dice “fare le cose con calma”. 

Ci sono voluti 18 lunghissimi anni per poter tornare ad ascoltare qualcosa di nuovo di questo gruppo, ma neanche il tempo di gioirne che subito è arrivata la brutta notizia. “Atlanta” sarà il loro ultimo disco assieme, poi il duo, composto da Danger Mouse e CeeLoo Green, si scioglierà definitivamente.

Se ti stai chiedendo chi diavolo siano i Gnarls Barkley sappi che: a) non sei certo il solo; b) che nella tua testa gironzolano, inconsciamente, almeno un paio di loro hit.

Per dovere di cronaca i Gnarls Barkley hanno fatto irruzione sulla scena musicale nel 2006 sbaragliando la concorrenza con la trascinante Crazy, poi di lì hanno sfornato un paio di altri album di buon successo, tutti all’insegna del soul fuso all’elettronica. 

Atlanta prosegue lungo il solco già tracciato, ma abbandona l’easy listening per una maggiore profondità e qualità delle canzoni, con un risultato che a me pare eccellente.

Piccola curiosità in chiusura. 

Leggenda vuole che CeeLo Green, per la registrazione della parte vocale di Crazy, non certo facilissima, abbia avuto bisogno di un solo “take”. Niente male, davvero niente male. Peccato che poi, come uomo, abbia dimostrato di valere decisamente meno della sua voce.

Minishoot’ Adventures

Hardcase: Che ognuno di noi sia oramai perseguitato da un backlog lungo quanto la fila sulla A22 durante l’estate è un dato di fatto e questa è una delle ragioni per cui continuo a chiedermi perché si realizzino tutt’ora giochi da 100 e più ore.

Pur essendo un appassionato di RPG quando leggo che per completare un gioco bisogna buttarci dentro una quota abnorme del mio già scarno tempo libero, mi scoraggio al punto che neanche lo comincio. 

Per questa ragione, quando mi capitano titoli geniali che durano 8-10 ore esulto fanciullescamente.

Minishoot’ Adventures l’ho conosciuto e provato un po’ per caso, complice la sua presenza sul Game Pass. L’idea di tornare a sparare con un’ “astronavina” come nei vecchi cabinati, in un contesto metroidvania, mi ha subito soggiogato.

Il gioco nella sua essenza non è nulla di realmente rivoluzionario, ma unire un bullet hell coi fiocchi a meccaniche metroidvania, dedicando un’attenzione spasmodica ai dettagli è stata una scelta, secondo me, assolutamente vincente.

Gli sviluppatori, infatti, avrebbero potuto fare come tanti altri, diluire la qualità e la cura per il gioco in uno sproposito di ore e invece Minishoot’ è un concentrato di giocabilità e simpatia.

Io l’ho finito in 8 ore godendomi ogni singolo secondo!

Thelma

Kiarakala: Quante volte abbiamo ricevuto messaggi con scritto “Mamma/Papà, mi si è rotto il telefono, puoi mandarmi dei soldi su questo conto?” ? Se non si hanno figli è facilissimo capire che si tratta di un tentativo di truffa, ma se fossimo una dolce nonnina che stravede per il nipote, potremmo cascare in una di quelle dannate truffe telefoniche come la povera Thelma.

Thelma però non ci sta, non le piace essere stata ingannata e soprattutto non vuole che la sua famiglia la veda come una vecchia incapace da ricoverare in ospizio, per questo escogita un piano per riprendersi i suoi soldi.

Una commedia divertente con una protagonista incredibile che non si arrende all’età che avanza, così come il cast di attori ultra novantenni che non sembrano per nulla affaticati dal tempo. Un film che celebra la vita e che rappresenta un bellissimo rapporto tra nonna e nipote uniti dal desiderio di non essere considerati inutili.

Il film attualmente si trova nel catalogo di Netflix ed è ottimo se si vuole passare una serata leggera.

Something Very Bad Is Going To Happen

Tencar: miniserie di 8 puntate che trovi su Netflix. Sembra andare in una direzione e poi vira in maniera drastica: non voglio spoilerarti nulla ma guardala se ti piacciono le storie inquietanti.

Baby Reindeer

Tencar: altra miniserie che trovi su Netflix di 7 puntate che racconta la storia (quasi vera) di un aspirante comico e la sua stalker: è davvero molto, molto triste ma interessante. Assicurati di essere nel mood giusto.

Vampire Crawlers: The Turbo Wildcard from Vampire Survivors

Tencar: dannata Poncle che riesce in tutto quello che fa. Un dungeon crawler deckbuilder ambientato nell’universo di Vampire Survivors che riesce a intrattenerti in sessioni che dovrebbero durare trenta minuti. Dovrebbero, te l’assicuro, poi ti accorgi che è passata un’intera serata.

Tunic

Jedi.lord: È un piccolo rpg che non nasconde amore ed ispirazione ai vari Legend of Zelda del passato, con un’idea di base che mi ha lasciato divertito: quella di non dirti da subito come si gioca e lasciartelo scoprire pian piano, scoprendo…le pagine del manuale! Intrigante, divertente e anche carino da vedere: io l’ho provato perché lo avevo su PS Plus, un giro lo merita senza dubbio se ti piace il genere o anche se ti interessano le piccole perle al di fuori del mondo tripla A.

Zootropolis 2

Jedi.lord: Mica me lo aspettavo un sequel così divertente! Il primo Zootropolis mi era piaciuto da pazzi, e del secondo me ne avevano parlato come un sequel carino e niente più. Io invece mi sono divertito come non accadeva da tempo, alcune trovate sono assolutamente degne della grande tradizione Walt Disney Animation e il film è uno dei più piacevoli che ho guardato nell’ultimo periodo. Mai fidarsi troppo delle voci, sempre toccare con mano.

Halo: Combat Evolved

Jedi.lord: E quindi, Halo. Mi sono comprato il megabundle che si chiama Master Chief Collection di una saga che non mi è mai interessata, il perché non lo so nemmeno io. Forse per colmare una lacuna della mia carriera videoludica, fatto sta che ho cominciato il primo capitolo della serie e ora capisco perché fosse così celebrato. Risente un po’ del peso dell’età – come tutti noi, d’altronde – ma lo trovo divertente, in attesa di scoprire come prosegue la storia.

Forse mi sono ricordato: ho guardato un reel sui social a proposito dei più grandi momenti dei videogiochi, e tra gli altri era citato lo sbarco sul mondo ad anello. Ne valeva la pena.

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Articolo a cura di Antonio Petito che trovate qui
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Esistono eventi che sembrano essere sempre stati così.

Grandi. Caotici. Pieni.

Stand ovunque, code interminabili, cosplay curati nei minimi dettagli, annunci, ospiti, creator. Un flusso continuo di persone e contenuti che sembra naturale, quasi inevitabile.
Eppure non è sempre stato così.

Le fiere del fumetto, per come le conosciamo oggi, non sono nate come eventi di massa, capaci di accogliere centinaia di migliaia di persone, né per diventare il punto d’incontro tra cinema, videogiochi, serie TV e cultura pop.

All’inizio erano qualcosa di completamente diverso.

Molto più piccole.
Molto più intime.
Quasi invisibili.

E mentre il Napoli Comicon si prepara ad aprire ancora una volta le sue porte per l’edizione 2026, è proprio da lì che vale la pena partire.

Le origini: tutto iniziò negli USA

Molto prima delle folle, degli stand e degli annunci, le fiere del fumetto non erano affatto “fiere”.

Non c’erano padiglioni.
Non c’erano palchi.
Non c’erano nemmeno “eventi” nel senso in cui li intendiamo oggi.

C’era solo una cosa: i fan.

Negli anni Sessanta, negli Stati Uniti, il fumetto era ancora considerato un prodotto marginale, privo di un vero riconoscimento culturale e di un importante evento fisico dedicato in cui parlarne.

Eppure, proprio in quel contesto, qualcosa inizia a muoversi.

Figure come Stan Lee e Julius Schwartz iniziano a pubblicare nelle riviste gli indirizzi completi dei lettori. Un dettaglio apparentemente secondario, ma fondamentale: per la prima volta, gli appassionati possono trovarsi, scriversi, riconoscersi.

Nasce così una rete informale fatta di lettere, scambi e fanzine: una comunità.

È in questo contesto che emerge una figura chiave: Jerry Bails, spesso considerato il “padre del fandom dei fumetti”. Tra il 1961 e il 1962 contribuisce a fondare l’Academy of Comic-Book Fans and Collectors, una delle prime organizzazioni dedicate allo studio e alla conservazione del fumetto.

Ma soprattutto, crea un precedente: i fan possono organizzarsi.

Il passaggio successivo è inevitabile.

Nel marzo del 1964, proprio a casa di Bails, si tiene uno dei primi raduni documentati: l’Alley Tally. Poche persone, riunite per contare i voti degli Alley Awards.

Niente pubblico. Niente spettacolo.
Solo un po’ di appassionati, tutti nella stessa stanza.

Pochi mesi dopo, a luglio, a New York prende forma qualcosa di ancora più riconoscibile: la Tri-State Con, considerata la prima vera comic convention. Circa cento partecipanti, una sala sindacale, e tra gli ospiti anche Steve Ditko.

È ancora tutto minuscolo, ma è già qualcosa di diverso.

Per la prima volta, il fumetto esce dalla dimensione privata e diventa un evento.

Negli anni successivi, questo modello inizia a prendere forma. Nel 1970 nasce quella che diventerà il punto di riferimento mondiale: il San Diego Comic-Con. La prima edizione attira poco più di 300 persone.

Un numero che oggi sembra irrilevante, ma che dentro lasciava già intravedere il futuro.

Perché una volta che una comunità si incontra, cresce.
E quando cresce, cambia forma.

Da quel momento in poi, non si torna indietro.

La domanda non è più se queste fiere continueranno a esistere, ma fino a dove potranno arrivare.

Come le fiere del fumetto sono diventate un fenomeno di massa

All’inizio, le fiere del fumetto erano incontri.

Poi diventano eventi.

E a un certo punto, smettono di essere solo questo.

Tra gli anni Ottanta e Novanta succede qualcosa di decisivo: il fumetto smette di essere un universo chiuso e inizia a contaminarsi con tutto il resto: cinema, televisione, giocattoli, videogiochi.

Le convention non sono più solo luoghi dove comprare e scambiare albi, ma diventano spazi in cui la cultura pop, nel suo insieme, inizia a prendere forma.

Eventi come il San Diego Comic-Con iniziano ad allargare il proprio raggio d’azione. Non si parla più soltanto di fumetti, ma di tutto ciò che da quei fumetti deriva.

È il primo vero salto.

Negli anni Novanta, poi, arriva un altro elemento destinato a cambiare tutto: Internet.

Per la prima volta, i fan non devono più aspettare una fiera per trovarsi. Possono organizzarsi, coordinarsi, creare community online.

E, proprio per questo, le fiere cambiano funzione; non sono più solo un punto di incontro, ma diventano un punto di riferimento.

È lì che si concentrano le novità, si fanno gli annunci e -in generale- succedono le cose importanti.

A consolidare questo cambiamento arriva, tra la fine degli anni Novanta e i primi Duemila, un nuovo modello: quello delle convention costruite attorno alle celebrità, fatto di autografi, panel tematici ed esclusive pensate proprio per l’evento.

Il fumetto resta, ma non è più l’unico protagonista.

E poi arriva Hollywood.

Con l’esplosione dei cinecomic nei primi anni Duemila — e in particolare con la nascita del Marvel Cinematic Universe — le fiere diventano il palcoscenico perfetto per il lancio globale di film e serie TV, con teaser trailer mostrati in anteprima, cast sul palco e reazioni del pubblico che fanno il giro del mondo.

La “Hall H” del SDCC diventa, nel tempo, uno dei luoghi più influenti dell’industria dell’intrattenimento, in un passaggio simbolico che sancisce un cambio radicale: non sono più le fiere a inseguire la cultura pop, ma è la cultura pop che passa da lì.

Parallelamente, in quegli anni un altro fenomeno cresce fino a diventare centrale: il cosplay che, da pratica di nicchia, diventa pian piano un elemento visivo dominante, uno dei “linguaggi pop” più riconoscibili all’interno degli eventi.

Le fiere smettono definitivamente di essere qualcosa da osservare, ma qualcosa da vivere, e quando un evento diventa esperienza, il passo successivo è inevitabile: diventa massa.

E la cosa si estenderà anche nel resto del mondo.

L’arrivo in Europa: le fiere come eventi culturali

Negli Stati Uniti, le convention crescono seguendo una logica sempre più commerciale e mediatica. In Europa, invece, il percorso è diverso: il fumetto non viene solo consumato, viene legittimato e considerato cultura.

Il punto di svolta arriva nel 1974, con la nascita del Festival International de la Bande Dessinée di Angoulême. Non in una grande metropoli, ma in una piccola città francese destinata a diventare, nel giro di pochi anni, un punto di riferimento mondiale.

Qui il fumetto non è solo intrattenimento, ma esposizione, critica, studio.

Le tavole originali vengono trattate come opere d’arte, gli autori diventano protagonisti e i premi iniziano ad assumere un peso internazionale.

È un approccio completamente diverso. Non si tratta più soltanto di radunare fan, ma di costruire un’identità culturale attorno al medium.

A rafforzare questo processo è anche il supporto istituzionale: in Francia, il fumetto viene riconosciuto ufficialmente come “Nona Arte”, entrando a pieno titolo nel discorso culturale nazionale, come un vero e proprio linguaggio artistico.

Mentre negli Stati Uniti le fiere diventano sempre più grandi, in Europa diventano sempre più radicate. Dei semplici eventi diventano parte delle città che li ospitano: festival diffusi, spazi urbani trasformati, intere comunità coinvolte. Delle vere e proprie “città nelle città”.

È qui che nasce il “modello della fiera-città”, un formato che non si limita a contenere il pubblico ma lo ingloba, e che, negli anni successivi, troverà una delle sue espressioni più potenti proprio in Italia.

Intanto, in Italia…

Per iniziare questo articolo, abbiamo giustamente guardato agli Stati Uniti come punto di partenza. Ma c’è un dettaglio che spesso passa inosservato: in un certo senso, l’Italia arriva prima.

Nel 1965, a Bordighera nacque il Salone Internazionale dei Comics, la prima manifestazione al mondo strutturata e con un respiro realmente internazionale dedicata al fumetto. Non un raduno spontaneo, non un incontro tra fan, ma un evento pensato, organizzato, costruito.

Dietro ci sono nomi come Romano Calisi e Claudio Bertieri, con il supporto di figure come Umberto Eco.

“Quando ho voglia di rilassarmi leggo un saggio di Engels, se invece ho voglia di impegnarmi leggo Corto Maltese”

Il successo è immediato, ma la storia prende presto una nuova direzione. Già dal 1966 il Salone si sposta a Lucca, dando inizio a un legame che dura ancora oggi. Quella che nasce come una rassegna specialistica diventa nel tempo qualcosa di molto più grande, sempre più aperto al pubblico e sempre più contaminato da altri linguaggi.

Il vero punto di svolta arriva nel 1993 con l’avvento di Lucca Comics & Games: non è solo un cambio di nome, ma di visione, con la trasformazione più radicale che arriva nel 2006, quando la fiera abbandona gli spazi tradizionali per occupare l’intero centro storico della città toscana. Le mura diventano il perimetro dell’evento, le piazze e le strade si trasformano in spazi espositivi. Non è più una fiera dentro una città, ma una città che diventa fiera.

Il modello della “fiera-città”, già sperimentato altrove in Europa, qui raggiunge una delle sue forme più compiute, e i numeri iniziano a crescere fino a diventare imponenti: centinaia di migliaia di visitatori e un impatto economico sempre più rilevante.

In questo equilibrio tra cultura e intrattenimento, tra industria e passione, l’Italia costruisce una propria identità nel panorama globale delle fiere del fumetto. Ed è proprio su questa base che emergono esperienze diverse, capaci di interpretare la cultura pop in modo nuovo, tra cui una in particolare destinata a diventare centrale, sia per numeri che per impatto.

Quella di Napoli.

Il Napoli Comicon: identità, crescita e trasformazione

Napoli Comicon rappresenta un caso particolare. A differenza di Lucca, non nasce come estensione di un modello già consolidato, ma come progetto che costruisce la propria identità nel tempo, adattandosi e trasformandosi insieme al pubblico che lo segue.

La sua origine risale al 1998, a Castel Sant’Elmo, una scelta che fin dall’inizio definisce il carattere dell’evento: un dialogo costante tra cultura pop e contesto storico, tra immaginario contemporaneo e città.

Col passare degli anni però, la crescita del pubblico rende inevitabile un’evoluzione strutturale. Il trasferimento alla Mostra d’Oltremare segna un passaggio decisivo: da evento raccolto a grande manifestazione di massa. È qui che il Comicon assume progressivamente la forma di un ecosistema completo della cultura pop, capace di integrare tutte le realtà che le più grandi fiere internazionali contengono.

Ma il Napoli Comicon non si spiega davvero attraverso le sue strutture o i suoi numeri. Si capisce nell’attesa.

Nelle file che iniziano molto prima dell’apertura dei cancelli. Nei gruppi che si danno appuntamento mesi prima. Nei cosplay che prendono forma lentamente, tra prove, errori, dettagli rifiniti fino all’ultimo minuto.

Si capisce nel momento in cui si varca l’ingresso e tutto cambia ritmo. Il rumore aumenta, gli spazi si aprono, le persone diventano parte dello stesso flusso. Non si cammina semplicemente dentro una fiera: si entra dentro un linguaggio condiviso.

Ogni padiglione è una possibilità diversa. Ogni angolo è un incontro. Ogni giornata è troppo piena per essere ricordata tutta intera.

Ed è forse questo il vero elemento che ha reso il Comicon qualcosa di più di un evento: la sensazione di esserci dentro, anche solo per pochi giorni, come se il resto del mondo restasse fuori, un’esperienza collettiva prima ancora che culturale.

E proprio mentre questa nuova edizione si prepara ad aprire le porte, questo racconto smette di essere solo storia. Diventa presente.

Perché al prossimo Comicon non si andrà solo per vedere cosa succede, ma per farne parte e raccontarlo mentre accade.

Anche Nerdando sarà lì, dentro questo flusso, per viverlo e raccontarlo dall’interno.

Non come osservatori distanti, ma come parte della stessa esperienza.

Perché alla fine le fiere del fumetto non sono mai state davvero solo fiere: sono sempre state un modo per stare insieme, dentro le storie che ci appassionano.

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Abiura di Nerd – Una nuova rubrica tra musica e videogiochi

Musica e videogiochi sono senza ombra di dubbio due mie grandi passioni e da un po’ volevo dedicarmi a un progetto che si discostasse dalle recensioni ed è così che, ascoltando la canzone Abiura di Me di Caparezza, nasce questa idea: giocare tutti i giochi citati nella canzone e raccontarvi un po’ la loro storia e la mia esperienza di gioco.

Caparezza nei suoi pezzi dà sfogo al suo essere un nerd e condivide con l’ascoltatore le sue passioni, come l’arte nell’album Museica o i fumetti nel recentissimo Orbit Orbit. In Abiura di Me, il “Capa” cita numerosi giochi e console ormai considerati del passato, ma in molti casi si tratta di veri e propri classici come Crash Bandicoot, Super Mario e Metal Gear Solid; tuttavia, tra i titoli citati mi sono accorta che molti non li ho giocati e altri vorrei rigiocarli per vedere se con gli anni è cambiato qualcosa.

Quindi con quale gioco partiamo per quest’avventura?

Se pensi che possa cambiare il mondo ti sbagli alla grande.
È già tanto se mi cambio le mutande
Voglio solo darti un’emicrania lancinante
Fino a che non salti nel vuoto come uno stunt man
Pensavi che sparassi balle? Bravo!
Io sono il drago di Puzzle Bobble

Il primo gioco che troviamo nel testo è un titolo che appartiene alla mia infanzia videoludica e di cui ho spesso parlato durante le live de Il Cabinato delle Curiosità: Puzzle Bobble.

E allora sei pronto a fare questo viaggio nel passato insieme a me?

La storia di Puzzle Bobble

Puzzle Bobble è un titolo arcade rompicapo di Taito, nato nel 1994 come spin-off di Bubble Bobble, da cui provengono i due draghetti protagonisti, Bob e Bub. Un altro nome con cui potreste averlo conosciuto è Bust-a-Move, in quanto questo è il nome con cui è noto negli Stati Uniti e in alcuni paesi europei.

Il concetto alla base del gioco è abbastanza semplice ed è probabilmente grazie al suo essere così intuitivo che ha avuto successo e ha dato vita a un vero e proprio genere: i bubble shooter.

Puzzle Bobble rimarrà iconico per tanti motivi e tra questi sicuramente la sua musichetta che entra in testa e difficilmente ne esce.

Nell’area di gioco, tipicamente rettangolare, troviamo predisposte delle bolle colorate e per superare il livello dovremo farle scoppiare tutte. Per riuscirci dobbiamo sparare con un cannone le bolle, le quali esploderanno solo una volta che avranno formato gruppi da tre o più bolle dello stesso colore. La difficoltà del gioco è data dalla traiettoria delle bolle, per cui bisogna prendere bene la mira e usare con astuzia i rimbalzi sulle pareti, e soprattutto dal tempo, poiché ogni tot la nostra area di gioco si ridurrà e farà avvicinare le bolle alla base dell’area di gioco causando così il game over.

Una delle particolarità di Puzzle Bobble era che, oltre a sfidare la CPU, era possibile giocare con e/o contro un amico (o un bambino random incontrato in sala giochi), rendendolo ancora più divertente.

Il gioco ha avuto subito successo tra i cabinati e anche in Italia è diventato presto popolare, tanto da essere ricordato da tanti come uno dei primi giochi provati da bambini. Con l’arrivo e la maggiore diffusione delle console casalinghe come Super Nintendo o Game Gear e dei primi PC domestici, Puzzle Bobble è un titolo che non poteva assolutamente mancare, pertanto, Taito decise di puntare anche su questo tipo di mercato.

Il successo del primo capitolo spinge Taito a far uscire l’anno dopo, nel 1995, Puzzle Bobble 2, un altro successo che approda, prima sempre tra i giochi arcade, e in seguito pure su PlayStation, Nintendo 64 e Game Boy.

La meccanica di gioco rimane la stessa, ma vengono introdotti nuovi personaggi giocabili oltre ai due draghetti. Nel ’96 e poi nel ’97 escono rispettivamente Puzzle Bobble 3 e Puzzle Bobble 4, che è il capitolo a cui io sono maggiormente legata. Insomma, squadra che vince non si cambia e Taito continua ancora oggi a pubblicare ogni tanto nuovi capitoli con i due celebri draghetti, anche dopo l’acquisizione da parte di Square Enix, avvenuta nel 2005.

Puzzle Bobble 4 permetteva di scegliere tra diversi personaggi, ognuno proveniente da un regno diverso. Il mio preferito era il bimbo rana e il tuo?

In Italia, tuttavia, molti di questi giochi non sono mai arrivati, e la scomparsa dei cabinati nei bar e nelle sale giochi ha contribuito a rendere Puzzle Bobble un lontano ricordo del passato.
Per sopperire a questa mancanza ci siamo dovuti accontentare delle “brutte copie” e di altri bubble shooter come Bubble Witch Saga, diventato celebre come mobile game.

Sebbene questi giochi propongano una sfida simile, negli anni non sono riuscita a trovare qualcosa che mi desse le stesse emozioni di Puzzle Bobble.

Quindi perché non approfittare di questa nuova rubrica per riprovarlo e vedere come rigiocarlo dopo quasi vent’anni?

La mia esperienza

Ho deciso di partire con il primo capitolo della serie e già all’avvio, sentendo la vocina che dice “Taito”, mi sono un po’ emozionata.

Il primo round è sempre il più facile, poi passi ai successivi e quando riesci a terminarli in pochi secondi grazie al tiro giusto, sale in te un senso di invincibilità. Tuttavia, questa sensazione è destinata a terminare immediatamente quando la sequenza di bolle non gira a tuo favore, sbagli la traiettoria del lancio e, come un effetto a catena, tutto improvvisamente sembra crollarti addosso come la parete che pian piano scende con il tempo.

Round dopo round, la sfida cresce e diventa sempre più difficile la mia sopravvivenza. Purtroppo non sono riuscita ad arrivare al livello finale, ma magari più in là ci riproverò.

Dopo aver rigiocato il primo capitolo, non potevo però non riprovare il mio Puzzle Bobble preferito, ovvero il 4. Lo avevo per la prima PlayStation e lo avevo conosciuto come Bust-a-Move 4,  il che da piccola creò un po’ di confusione perché non sapevo più quale fosse il nome vero del gioco.

Da bambina lo adoravo alla follia perché era il gioco che giocavo più spesso con il mio migliore amico, e tuttora, quando ci sentiamo, capita di riparlarne e ripensare ai ricordi legati a esso; quindi riavviarlo dopo anni sulla Play è stato come un fiume in piena di emozioni e nostalgia.

Oltre alla modalità Arcade di sopravvivenza, il gioco presenta una modalità storia in cui superare i livelli permette di proseguire con la trama (abbastanza semplice e lineare) e di sbloccare nuovi personaggi. Parlando dei personaggi, li trovo ancora oggi iconici sia per il loro design sia per le loro catchphrase.

Insomma, direi che nonostante gli anni, Puzzle Bobble riesce ancora a trasmettermi le stesse emozioni di quando ero piccola e sembra non essere invecchiato per nulla. Il gioco funziona ancora bene oggi e mantiene la sua capacità di creare dipendenza, soprattutto se non si ha più bisogno delle monetine per giocare come negli anni ’90.

E tu hai mai giocato a Puzzle Bobble? Se sì, che ricordi hai di questo grande classico? Ma soprattutto accetti la mia sfida a raggiungere il livello più alto?

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