Seconda stagione di Frieren – Oltre la fine del viaggio

Recensione

La prima stagione di Frieren – Oltre la fine del viaggio ha conquistato tutti con i suoi ritmi lenti e messaggi profondi spesso veicolati in modo non diretto. Io sono tra questi e, avendola vista di recente, un po’ mi meraviglio in positivo. Comunque parliamo di un settore in cui i social sono pieni di discussioni sul potere dei personaggi, cioè se è più forte Tizio o Caio, quindi molto adolescenziali, o almeno si spera che chi scrive certe cose appartenga a quella fascia d’età!
Inoltre ti ricordi cosa scrivevo nel mio articolo sulla trilogia dei Pirati dei Caraibi? Netflix pensa alle serie dando per scontato che gli spettatori usino il cellulare come primo schermo e la piattaforma di streaming solo come secondo. Matt Damon lo ha confermato sostenendo che Netflix vuole che si ripeta più volte la trama.
In questo contesto, esce un’opera volutamente lenta e che si concentra sui particolari come un sorriso, uno sguardo e una camminata che esprime felicità. Dovrebbe essere respinta dalla gente, giusto? E invece Frieren è stata adorata, forse proprio per questo, chissà!
Introduzione finita, ora passiamo alla recensione no spoiler della seconda stagione (lo stesso vale per la prima) di Frieren – Oltre la fine del viaggio.

Cos’è Frieren – Oltre la fine del viaggio e dove guardarlo

Si tratta dell’adattamento anime, da parte di Madhouse, del manga di Kanehito Yamada e Tsukasa Abe originariamente pubblicato sulla rivista Weekly Shonen Sunday dal 2020 e ancora in corso.
La prima stagione è disponibile su Prime Video e Netflix (almeno nel momento in cui scrivo è così) e su Crunchyroll, mentre la seconda solo su quest’ultima.

Riassunto SENZA SPOILER della prima stagione di Frieren – Oltre la fine del viaggio

La prima stagione si apre con la sconfitta del Re Demone per mano della compagnia dell’Eroe. Quindi la serie inizia DOPO che la grande avventura è finita. Ho apprezzato tantissimo questo inizio che sa di dichiarazione di intenti. Infatti, già nel primo episodio (dei ventotto totali), viene esplicitato un punto chiave della serie: la percezione del passare del tempo è diversa per Frieren in quanto una longeva elfa. Tra un flashback e un altro la trama procede con la maga Frieren (udite udite, contro ogni previsione è la protagonista) che diventa la mentore per la giovane Fern. Ovviamente, senza anticiparti nulla, ti dico che dopo una fase ancora più lenta del solito il finale sale di giri con anche tanta azione e combattimenti realizzati divinamente da Madhouse.
I primi ventotto episodi di Frieren hanno conquistato tutti per messaggi profondi, animazioni di altissimo livello e un ritmo riflessivo usato con criterio.

Finalmente la seconda stagione SENZA SPOILER di Frieren – Oltre la fine del viaggio

Petali: quando già la sigla iniziale è incredibile

Il nuovo arco narrativo di Frieren si apre già benissimo con la sigla d’apertura che si caratterizza per una musica azzeccatissima e un messaggio profondo, che è poi alla base della serie.
Immancabile una serie di spezzoni di video che mostrano le avventure e gli incontri che attendono i nostri eroi, ma sono la minima parte. Invece, centrali nelle sequenze d’apertura sono le parti che mostrano la compagnia dell’eroe e la protagonista che parte con le mani vuote e poi con tre petali ai quali se ne aggiungono altri due quando compaiono Fern e Stark.
Sono partito da qui non solo perché la sigla denota la qualità elevatissima di questo anime, ma anche perché fare una recensione senza anticipare niente è complesso e almeno così non faccio guai! Proprio per questo non rivelo nulla della seconda e nulla di più di quanto ho fatto per la prima. Infatti, se ho menzionato Stark, è solo perché è presente nelle immagini ufficiali della prima stagione.

La seconda stagione di Frieren – Oltre la fine del viaggio SENZA SPOILER

Nella seconda stagione continua l’avventura e si apre pure col botto con due puntate riuscitissime, delle dieci totali. Non ti dico come, ma i nostri eroi ora percorrono le strade nelle terre del Nord, con i relativi pericoli. Prima di offrirci due episodi pieni di combattimenti, tensione e sangue nel settimo e ottavo episodio, quelli precedenti sono molto lenti, ma non posso dire che non sia successo nulla, anzi!
Da persona che non ha letto il manga, un minimo questa stagione mi è saputa di interludio per la terza, in uscita nel 2027, vista anche la sibillina e intrigantissima scena finale.

Livello tecnico

La seconda stagione conserva la stessa qualità della prima a livello di animazioni, di musiche e di scrittura. Di nuovo una dedizione che va fino al dettaglio – che noterà l’un percento degli spettatori!
Abbiamo avuto esempi di anime che partivano benissimo con una gran cura per poi diventare rozzi, qui, per il momento almeno, non è avvenuto!

Una scena in Frieren

Temi

I temi sono gli stessi per entrambe le stagioni: al centro ci sono lo scorrere del tempo, la nostalgia e l’importanza del coltivare relazioni. Non si tratta però di un sentimento fine a se stesso o un ammiccamento ai bei tempi andati come in tantissimi prodotti commerciali oggi; bensì un ricordo dei momenti felici passati in compagnia. Mi piace che questi stati d’animo abbiano un risvolto propositivo, cioè c’è un senso pragmatico nell’iniziare a relazionarsi con gli altri e viversi il presente al posto di limitarsi a piangersi addosso per le occasioni perse.

A chi si rivolge Frieren – Oltre la fine del viaggio?

Vista la presenza di dungeon, dei party e creature come i Mimic, tipici di Dungeons & Dragons, credo che sia perfetto per i molti appassionati di giochi di ruolo che so essere numerosi nella community di Nerdando. Inoltre ho notato come sia apprezzato da chi non si perde un anime ma anche da chi, come me, ne guarda pochi. Quindi riesce a essere trasversale tra i pubblici e ciò è una grande forza.
Di contro, se sei quella persona che, in una serie o in un film, brama mazzate e azione ogni secondo, in questo caso quest’opera non fa assolutamente per te, perché comunque ci sono momenti riflessivi e puntate in cui oggettivamente non succede quasi nulla. Nonostante ci siano comunque combattimenti (e sono pure di altissimo livello oltre che belli cruenti).

Frieren nella cultura pop

Sono travolto da un’ondata di meme su Frieren, tra social e amici che me li condividono. Quelli che mi fanno ridere di più sono quelli relativi ai flashback su Himmel!
Ciò è segno di come sia rilevante nella cultura pop. Altra cosa che mi ha colpito è quante comparazioni ho visto tra l’altissima qualità di questo anime e altri famosi, ovviamente questi ultimi ne escono con le ossa rotte! So che su internet è pratica comune, ma in genere questi contenuti non compaiono nella mia bolla!

Concludendo

Un’ottima seconda stagione, una conferma rispetto alla prima e una gran speranza verso la terza. Serie adatta un po’ a tutti, fatta eccezione per il distinguo espresso in precedenza. Come il precedente, questo secondo atto di Frieren è stato un riuscitissimo mix di ricordi, nostalgia, lentezza, sangue, speranza per il futuro, nemici temibili.

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Nerdando in breve

Credo che il fatto di aver trovato troppo pochi questi dieci episodi la dica lunga su quanto mi sia piaciuta la seconda stagione di Frieren!

L'articolo Frieren – Oltre la fine del viaggio – La seconda stagione è durata troppo poco proviene da Nerdando.

Nel nido dei serpenti nella mia libreria

Introduzione: “Ma non era la recensione di Nel nido dei serpenti di Zerocalcare?”

L.C. (l’uso delle iniziali dopo avrà senso!) caccia dalla borsa un pacco appena ritirato e il cui contenuto si scopre essere Teddy, un libro thriller di Jason Rekulak.

Da qui l’argomento diventano i libri: mi viene chiesto cosa sto leggendo e rispondo citando Quando muori resta a me e Nel nido dei serpenti di Zerocalcare, prestatimi da L.B., un amico che ringrazio anche qui. L’interlocutore non sa di che autore io stia parlando; spiegarlo è come provare a spiegare il fuorigioco a chi non segue un minimo il calcio.
Visto che io sposo la massima “mostrare, non dire”, prendo uno dei due libri e scatta l’illuminazione: “Ah, quello della serie su Netflix!”

Aneddoto finito, ora iniziamo la recensione vera e propria!

Recensione

Zerocalcare è un Maestro della narrazione, dell’argomentazione, dell’empatia e soprattutto dell’arte di sdrammatizzare.

Non a caso, è uno degli scrittori che vende di più in Italia; se ne contano sulle dita di due mani ad oggi. Sono partito da qui e dal non dirti subito la trama perché già so che è la cosa più repellente dell’universo e almeno spero di averti fatto incuriosire!

Ecco alcune tavole di Nel nido dei serpenti

Finalmente la trama di Nel nido dei serpenti di Zerocalcare

Il romanzo a fumetti comincia con le tavole inizialmente pubblicate su Internazionale dedicate alla vicenda di Ilaria Salis e in generale agli antifascisti arrestati in Ungheria. In queste tavole già emerge, e poi sarà centrale in tutto il libro, come la questione sia la proporzionalità della pena e la politicizzazione di quelle sentenze così dure.

Finita questa lunga introduzione, se così si può definire, inizia il libro vero e proprio dedicato alla storia di Maja T., imprigionata in Ungheria (gli articoli che ho letto usano il femminile, ma sappi che si identifica come persona non binaria). Per trattarne, Zerocalcare si è recato in Germania, ma i suoi interlocutori e Ciceroni (menzionati solo tramite iniziali e raffigurati come animali per tutelare la loro identità) non gli parlano mai di quella che dovrebbe essere la protagonista di questa storia. Invece gli viene raccontato il contesto: le storie pregresse della Germania Est, delle infiltrazioni neonaziste nella polizia, i turchi ammazzati a inizio anni 2000; mentre lui vorrebbe ricostruire la storia di chi è in catene e, purtroppo, non in senso figurato.

Perché è importante trattare certe tematiche

Ed è proprio qui, a mio parere, che emerge la maestria di Zerocalcare perché fare un semplice resoconto su queste vicende, come avrebbe fatto la stragrande maggioranza di tutti gli altri autori, avrebbe fatto venire l’orticaria al lettore. Invece Zerocalcare riesce nel suo intento, visto che sa benissimo la scarsa risonanza dei protagonisti di questa vicenda data dal poco risalto da parte della stampa italiana. Lui, sapendo tutto ciò, si fa portavoce di fatti poco conosciuti e che, proprio per questo, è necessario portare sotto i riflettori.

Apprezzo che un autore come lui avrebbe potuto farsi i cavolacci suoi e marciare sul fatto che è “quello di Strappare lungo i bordi!” e invece non lo ha fatto! Mi potrai dire che Zerocalcare è stato sempre così ed è giustissimo, ma tanti altri hanno rinnegato loro stessi!

Podcast e legame con Internazionale

Zerocalcare è protagonista anche del podcast (quasi audiolibro) omonimo che riprende il grosso della trama del libro. Lo trovi gratis sia sul sito di Internazionale sia sulle principali piattaforme di podcast.

In questo modo il cerchio si chiude, visto che l’incipit del libro deriva proprio dalle tavole relative ai prigionieri in Ungheria, in particolare Ilaria Salis, che Zerocalcare aveva scritto proprio su Internazionale e inizialmente consultabili gratuitamente anche sul sito.

Edizione

Il libro consta di 200 pagine, è pubblicato da Bao, in collaborazione con Momo Edizioni, con il prezzo di copertina di 22,oo euro.

Concludendo

Nel nido dei serpenti è un graphic novel in cui i temi trattati non sono pop, tutt’altro. Zerocalcare riesce nell’operazione grazie al suo ormai riconoscibilissimo stile, perfetto per raccontare una storia che ne racchiude molte altre al suo interno senza essere repellente!

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Nerdando in breve

Nel nido dei serpenti è l’ultimo romanzo a fumetti di Zerocalcare in cui tocca temi poco battuti dai media italiani.

L'articolo Nel nido dei serpenti – Il coraggio di trattare argomenti repellenti proviene da Nerdando.

Norrington vs Will nell’immagine tratta dalla gallery ufficiale

Introduzione

Ho visto il DVD di La maledizione della prima luna (il primo Pirati dei Caraibi) un milione di volte. Mi ricordo che per l’epoca poter mettere l’audio in inglese era una rivoluzione super tecnologica. Così, univo l’utile al dilettevole: vedevo un gran film pop e al contempo lo facevo in lingua originale. Spiegarlo mi fa strano, ma è così che funzionava nel 2003/2004.
Avevo un ricordo positivo della trilogia; mentre del quarto capitolo assolutamente no, tanto che non avevo mai guardato il quinto. Visto che ora ho Disney Plus, ho deciso di recuperarmi questa saga anche per capire che effetto fa nel 2025.

Premesse

Non farò spoiler principali, cioè non ti dirò che l’assassino è il maggiordomo! Però, menzionando e analizzando i personaggi, ti darò implicitamente qualche anticipazione su chi tornerà e su come si comporterà. Poi comunque, tranne il quinto e ultimo titolo, si tratta di film usciti da un po’. Possiamo iniziare col Nerdando Consiglia dedicato alla trilogia!

La maledizione della prima luna: Il primo Pirati dei Caraibi

Non mi dilungherò sul film in sé, visto che su questo sito trovate già un approfondito Nerdando Consiglia dedicato proprio al primo capitolo della saga.
Ti dirò che Jack Sparrow, soprattutto grazie all’interpretazione di Johnny Depp, ebbe un grande impatto; questo perché era un personaggio non convenzionale per l’epoca. Fascino alimentato anche dalle storie (al limite della leggenda, ma sostanzialmente vere) sul capo della Disney di allora, che, per usare un eufemismo, non lo apprezzava affatto.
Poi come non menzionare il bellissimo personaggio di Elizabeth Swann?
Secondo me dovrebbe essere usato nelle scuole di cinema per insegnare come si scrivono i personaggi femminili indipendenti senza esposizione forzata, bensì attraverso “il mostrare” e non “il dire”, che allo spettatore sembrerà sempre innaturale. Elizabeth Swann parte da un contesto che la imbriglia e si evolve nel corso di tre film fino a un punto cruciale altamente simbolico.
Mi soffermo su di lei, visto che torneremo sull’argomento personaggio femminile.
Per me il primo Pirati dei Caraibi ha tutto quello che un blockbuster dovrebbe avere. A livello personale, il migliore della saga e, come me, anche i grandi aggregatori (IMDb, Rotten Tomatoes e Metacritic) lo premiano come il migliore tra i cinque.

L’epica entrata in scena di Jack Sparrow

La maledizione del forziere fantasma: “Ma è veramente un film del 2006?!?”

In questo film appare Davy Jones, uno dei personaggi iconici della saga, capitano dell’Olandese Volante, oltre che nemico di Jack Sparrow e di Will Turner. La CGI di Davy Jones oggi è incredibile, visto che si tratta di una pellicola del 2006! Anche l’altro antagonista introdotto nel secondo capitolo, Lord Cutler Beckett, funziona alla grande!
Nonostante ci sia un abbassamento dei voti degli aggregatori, ti dico che il film fa benissimo quello che deve fare, cioè preparare il campo al terzo capitolo. Infatti non finisce, un po’ come Spider-Man: Across the Spider-Verse, ma a differenza di quanto avviene per l’amichevole supereroe di quartiere, in questo caso il terzo film uscì un anno dopo. Poi Elizabeth Swann fa una cosa che non avrebbe mai fatto all’inizio del primo capitolo e va benissimo così, visto che il personaggio ha avuto un’evoluzione coerente e ben scritta: lo ripeto, visto che è importante per dopo.
Questa è anche la pellicola della saga che ha incassato di più: oltre un miliardo di dollari! Ecco perché Disney ha continuato a spremere i Pirati dei Caraibi!

Che ti dicevo? Davy Jones è perfetto!

Ai confini del mondo: si chiude la trilogia dei Pirati dei Caraibi

Ai confini del mondo è la conclusione della saga e fa quello che deve fare. Nonostante tutti i suoi difetti, ritengo che Rotten Tomatoes (tramite il Tomatometer) e Metacritic siano stati troppo pesanti con questo film. Infatti, se le valutazioni dei critici sono abbondantemente sotto la sufficienza, va notato come i voti degli utenti su RT e IMDb siano sul 7. A prescindere da quello che dicono gli altri, riportato solo per avere un quadro d’insieme, per me comunque è un ottimo finale per una fantastica trilogia.

Perché guardare la trilogia dei Pirati dei Caraibi

I primi tre film nel loro complesso sono invecchiati benissimo. Hanno una CGI migliore di molti film che escono oggi, colonna sonora firmata da Hans Zimmer che rimane in testa, personaggi ben scritti che evolvono in un universo narrativo con regole sempre affascinanti e coerenti.

Oltre i confini del mare: è giusto essere cattivi col quarto

Qui non c’è nulla da salvare. Jack Sparrow, con l’interpretazione magistrale di Johnny Depp, funzionava benissimo, invece qui appare spremuto fino a risultare eccessivo tanto da sapere di parodia di se stesso. Anche i poteri di Barbanera, il nemico del film, non sono giustificati e sembrando lì giusto per… Invece la trilogia sapeva sapientemente bilanciare ironia, azione, epica, miti e anche momenti cupi.
Di Oltre i confini del mare non salvo nulla, se non a livello visivo, aspetto, questo, probabilmente anche figlio dell’investimento da più di trecento milioni di dollari.

La vendetta di Salazar: lo stereotipo delle produzioni Netflix?

Oggi si discute molto della notizia secondo cui Netflix chiederebbe agli sceneggiatori di far annunciare ai personaggi cosa stanno facendo, visto che si presume la visione a doppio schermo dove quello principale è lo smartphone. Ecco: La vendetta di Salazar incarna proprio questa filosofia, nonostante sia del 2017. Quando dico che Disney dovrebbe tornare a essere pioniera e innovativa non mi riferivo a questo!
Il primo film mostrava come Elizabeth Swann fosse soffocata dal suo ruolo sociale non tramite l’esposizione, bensì tramite il metaforico svenimento a causa del corpetto troppo stretto. Qui, invece, non c’è questa finezza: Carina Smyth e il film sbattono in faccia allo spettatore il suo essere donna ogni due per tre in modo forzato.
Inoltre, se nella trilogia ritornava tutto ed era tutto coerente, qui le regole dell’universo narrativo introdotte in precedenza vengono totalmente ignorate.
Per me, l’unico motivo per guardarlo è che alcuni personaggi troveranno, comunque, una conclusione.

Breve giudizio sul quarto e quinto capitolo

Non è per fare quello nostalgico, cosa che non mi appartiene e, anzi, non approvo, visto che la intendo come una scorciatoia che ha trovato l’industria dell’intrattenimento per riproporci sempre le stesse cose. Qui, invece, si tratta della qualità dei film che è crollata, come dimostrano i voti a picco degli aggregatori.

Per approfondire

Retrospettiva di Caleel sui cinque film della saga qui;

Articolo (in inglese) sull’evoluzione di Elizabeth Swann qui;

Johnny Depp su quello che pensava Disney qui e qui, ma articoli in inglese;

Netflix chiederebbe agli sceneggiatori di far annunciare ai personaggi cosa stanno facendo qui e qui (secondo articolo in inglese).

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Concludendo

La trilogia dei Pirati dei Caraibi è una delle mie preferite e visto che la trovi su Disney Plus consiglio di guardarla!

L'articolo #NerdandoConsiglia: La saga dei Pirati dei Caraibi proviene da Nerdando.

La copertina del #NerdandoSconsiglia di alta qualità!

Cos’è il Nerdando Sconsiglia 2025

Lo ammetto: ho ceduto.

Visto che le piattaforme spingono i contenuti “contro” e le polemiche, ci siamo adeguati anche noi ed ecco a voi il nostro primo Nerdando Sconsiglia!

Scemenze a parte, in realtà il motivo è più semplice. Ogni fine mese, nel nostro Nerdando Consiglia, scriviamo brevemente di quello che ci è piaciuto. Così ho pensato: “Perché non fare una versione annuale su quello che NON è stato di nostro gradimento?” Preparati, perché è tempo di tirare fuori la lista nera!

Come avrai notato, il tono di questa introduzione è ironico. Infatti, questo articolo va preso esattamente per quello che è: le nostre opinioni personali!

Serie TV

The Bondsman

Morgana: The Bondsman parte con un’idea interessante e un’estetica che promette bene, ma si perde rapidamente lungo la strada. Il tono è incerto, la narrazione non riesce a creare un vero coinvolgimento e i personaggi restano troppo abbozzati per sostenere la storia. Il risultato è una serie che si guarda con curiosità iniziale, ma che fatica a mantenere viva l’attenzione episodio dopo episodio. Peccato, perché il potenziale c’era, e Kevin Bacon non è bastato a farmi piacere questa serie che ho guardato alla fine solo per vedere dove andava a parare (spoiler: non va a parare).

Welcome to Derry

Zeno2k: Per chi non mi conoscesse: IT è sacro. IT è stato il libro che mi ha fatto innamorare dei libri: prima, odiavo tutto ciò che esisteva su carta stampata -fumetti a parte- dopo si è aperto un universo che non mi ha più abbandonato.
Ho apprezzato il lavoro di Muschietti (trovate le mie recensioni delle due parti qui e qui) perché le ho vissute come un’interpretazione coraggiosa e per la capacità di farmi vivere su schermo la fusione di passato e presente, che nel libro si sussegue senza soluzione di continuità; quando però è stato annunciato Welcome to Derry, ho immediatamente storto il naso: l’idea di un prequel mi suonava profondamente sbagliata, già sappiamo ciò che c’era da sapere sulle origini di IT, davvero serviva aggiungere qualcosa? Gli ho dato una chance.
Alla fine della seconda puntata, subodorando dove sarebbe andato a parare, ho parcheggiato a tempo indeterminato l’idea della visione.
Personalmente lo consiglio agli amanti degli horror tout court, lo sconsiglio agli estimatori del Re.

Film

Captain America: Brave New World

Morgana: Lo dico con dispiacere, perché Captain America è un personaggio a cui sono affezionata, ma Brave New World non è riuscito a convincermi e meno ancora il passaggio di testimone da Steve Rogers a Sam Wilson, già anticipato in Falcon and the Winter Soldier. Il film sembra procedere per inerzia, senza mai trovare davvero un’identità propria: la trama è prevedibile, il ritmo spesso stanco e l’emozione resta sempre un passo indietro. Insomma, è uno di quei titoli che finiscono per scivolare via senza lasciare il segno. E, per un personaggio così importante, questo pesa più di qualsiasi difetto tecnico. Perfino il villain di turno tanto anticipato dal trailer finisce per comparire solo in poche scene e ad avere poco senso. Per fortuna gli altri film dell’MCU usciti quest’anno sono stati un po’ migliori, e aspetto con ansia il Doomsday…

La donna della cabina numero 10

Zeno2k: Keira Knightley, Guy Pearce, David Ajala e Hannah Waddingham. Il tutto in un enigma della stanza chiusa di stampo classico. Aggiungiamo la bellezza della Norvegia.
Tutti gli ingredienti erano perfetti per un film intrigante e coinvolgente: non mi aspettavo certo Poirot o Knives out, ma nemmeno Cip & Ciop agenti speciali, e invece siamo più vicini alla nefandezza che alla settima arte.
Banale, scontato, recitato male e con più buchi di trama che ciambella intorno.
Forse la delusione peggiore di quest’anno.

Pirati dei Caraibi: Oltre i confini del mare e La vendetta di Salazar

Cavaliere: Ho adorato i primi tre film e quindi lo scotto è ancora maggiore con questi due!
Di Oltre i confini del mare non salvo nulla se non il livello tecnico, figlio anche dell’investimento da più di trecento milioni di dollari. Con La vendetta di Salazar, il quinto film della saga, continua il declino.
Non si tratta di nostalgia, bensì di qualità dei film, che è crollata sotto tutti i punti di vista.
Visto che quest’anno ho rivisto i cinque film della saga su Disney+, la differenza tra i primi tre e gli ultimi due è apparsa ancora più forte.

Elio

(Cavaliere: Sono d’accordissimo con Chiara, ma non sono rimasto così deluso però. Forse ero già pronto!)

Kiarakala: La Pixar ha sfornato parecchi successi nel corso degli anni, dimostrando sempre grande maestria nelle animazioni e nelle storie da raccontare. Nel 2025 però è uscito Elio e, ahimè, si è rivelato un film parecchio deludente e per questo ho deciso di sconsigliarlo.
Elio è un ragazzino che è rimasto orfano da poco e, non riuscendo a relazionarsi con i suoi pari, spera di entrare in contatto con gli alieni. Il suo sogno viene realizzato e viene prelevato da una confederazione di extraterrestri per rappresentare la Terra. La storia che però ne risulta è alquanto banale e poco coinvolgente, con personaggi poco caratterizzati e privi di sfumature. Che fine ha fatto la Pixar che fa piangere litri di lacrime e ci emoziona con i suoi personaggi così umani (anche quando non sono umani)?
Insomma, Elio è un film che esteticamente è impeccabile, ma mi ha annoiato parecchio e, se posso farti risparmiare un’ora e quaranta minuti, lo faccio con piacere per suggerirti di riguardare invece qualche vecchio classico Pixar invecchiato bene.

Giochi da tavolo

Here to slay

Le illustrazioni sono fantastiche, ma…

Cavaliere: Non ho apprezzato Here to Slay, titolo che non si può dire sia oggettivamente brutto, anzi. Infatti c’è una recensione positiva su Nerdando!
Il fatto è che ormai soffro i giochi esteticamente stupendi ma che poi sotto sotto non è che offrano molto; soprattutto in un settore in cui ci sono titoli che, con durata e costo inferiori, offrono di più. Un esempio positivo in tal senso è Scout, giusto per citarne uno.

Videogiochi

KeyWe

Zeno2k: Una coppia di paffutissimi kiwi che lavorano in tandem in un ufficio postale neozelandese per raggiungere gli angoli più remoti delle isole oceaniche. Cosa potrà mai andare storto?
Ho comprato questo gioco (fortunatamente in saldo) per giocarlo con mia figlia, ormai orfani di titoli di coppia come Overcooked, It takes two, etc. Purtroppo ne sono rimasto profondamente deluso: i protagonisti sono pucciosi il giusto ma le meccaniche non sempre chiare, il gameplay frustrante, e la ripetitività me lo hanno portato rapidamente a noia.

Una vera delusione.

Wrestling

La WWE nel 2025

Ayr: questa fa male. Questa fa, personalmente, malissimo. Per un appassionato di wrestling inserire la compagnia regina della disciplina nel Nerdando Sconsiglia è dura. Ma, d’altronde, come si può definire il prodotto diretto da Triple H negli ultimi 12 mesi se non deludente?
Dopo un biennio 2022/2023 memorabile e un 2024 francamente buono, tutti ci aspettavamo faville dalla WWE nel 2025, complice anche l’accordo con Netflix. Ho deciso quindi di farti una lista non ordinata dei più grandi errori compiuti da Paul Levesque nel 2025 con un brevissimo commento di fianco. Ognuno di questi meriterebbe un paragrafo a parte ma finirei di scrivere nel prossimo decennio, quindi accontentati di qualche parolina di nota.

• Prezzi dei biglietti alle stelle. La WWE ha tradito il suo pubblico popolano originale.
• Titolo US femminile. Pensa che ancora non lo abbiamo visto in un PLE.
• Tag Team division maschile. Partita alla grande su SmackDown, si è dissolta nella nebbia col tempo. Mai pervenuta a RAW.
• Story telling farraginoso. Non tutto deve essere long story telling, come dicono quelli che la sanno lunga.
• Mancanza di risoluzione. Per mesi personaggi come Randy Orton, Dominik Mysterio, Austin Theory e molti altri hanno lanciato indizi di potenziali tradimenti… Mai avvenuti.
• Faide infinite. Alcuni personaggi (vedi i duo Priest/Black, Jax/Stratton o magari gli MFT/Wyatt Six) non riescono a sganciarsi proprio dalle rispettive faide.
• Mancato push di LA Knight e Drew McIntyre. Incapacità totale di leggere il pubblico.
• Royal Rumble maschile e conseguente push di Jey Uso. Jey non era chiaramente pronto per il push nella upper card. Si è così perso un fantastico e amatissimo midcarder.
• Royal Rumble femminile. Charlotte Flair non aveva bisogno di una vittoria e della successiva, scialbissima, storyline.
• Show Netflix WWE: Unreal. Sono dalla parte delle star old school nel dire che il wrestling perde di magia rivelando i suoi trucchi e segreti.
• WrestleMania 42. Uno show per la maggiore soporifero e non al livello del blasone che porta.
• Show nei paesi mediorientali. No comment.
• Annuncio di PLE importanti come Royal Rumble nei paesi mediorientali. No comment, parte 2.
• Drastica riduzione dei live event. Prodotto sempre più corporate e lontano dalla gente.
• Theme songs dei wrestler. Generiche, banali, senz’anima.
• Titoli maggiori femminili. Oramai vincerne uno significa non combattere e apparire poco in TV. Inspiegabile.
• Il doppio cambio di gimmick di R-Truth. Finalmente si era pensato di dare più profondità al personaggio, per poi tornare indietro in appena 2 settimane.
• Ricerca del momento social senza piani a lungo termine. Il fantastico heel turn di John Cena, per esempio, vanificato senza un reale piano per le settimane successive.
• Farewell tour di John Cena. Inutile, senza direzione, senza storia, senza rispetto. Si è buttato al macero un potenziale enorme.
• The Rock e Travis Scott. Uno viene in WWE quando ha 5 minuti liberi, l’altro non c’entra niente col wrestling.

Quindi? Dobbiamo buttare tutto? Forse no, il 2025 ha comunque avuto qualche buon picco (come il riuscito tour europeo di Raw e SmackDown) ma, onestamente, pretendo di più nel futuro. Smetterò di seguire la WWE nel 2026? Beh, do tempo a Triple H fino a WrestleMania… altrimenti, passerò ad AEW (che invece ha avuto un buonissimo 2025, a detta di molti).

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Atlante dei Videogiochi insieme all’Atlante dei giochi da tavolo, di cui è il successore

Recensione

Nel Novembre 2024 recensii Atlante dei giochi da tavolo pubblicato da Topic e scritto da Andrea Davide Cuman e Cristian Confalonieri e illustrato da Marta Signori. Non ho i dati di vendita, certo, ma se si è arrivati a pubblicare l’Atlante dei Videogiochi con gli stessi autori una ragione ci sarà!
Ringrazio Topic per il PDF col quale ho potuto recensire Atlante dei Videogiochi.

Cos’è Atlante dei Videogiochi

Così come per il predecessore la scelta di intitolarlo “Atlante” può sembrare stramba ma, se ci vai a pensare, ha perfettamente senso. L’Atlante dei Videogiochi si propone di essere una vera e propria antologia che si sofferma sui titoli che per una ragione o per un’altra sono stati importanti.

Ecco un esempio della struttura del libro

Come funziona Atlante dei Videogiochi

Il fulcro dell’Atlante è dato dai cento videogiochi moderni che hanno avuto un impatto significativo. Le schede di questi titoli principali, in ordine alfabetico, occupano un’intera pagina e includono, oltre a una descrizione concisa, anche alcuni aneddoti e retroscena sulla sua creazione. Di lato troviamo una scheda riassuntiva che presenta l’anno d’uscita e piattaforma al lancio, chi lo ha sviluppato e pubblicato, eventualmente voto di critica e pubblico; infine difficoltà ed età consigliata.
A fondo pagina un altro riquadrino ci consiglia altri cinque giochi accomunati dal protagonista di quella pagina per una caratteristica (come un’ambientazione o un genere).

Illustrazioni

Come già nell’Atlante dei giochi da tavolo, buona parte dei cento titoli principali ha un’illustrazione dedicata a piena pagina. Le tavole di Marta Signori sono sempre pertinenti e ottimamente realizzate, con uno stile caratteristico che dà anche un’identità grafica alla serie.

Oltre i giochi principali

Il volume ci accoglie con una prefazione e una mini-guida su come leggere questo atlante. Prima di iniziare coi titoli principali vengono descritti brevemente giochi del passato, tra archeologia videoludica e veri e propri precursori. Prima della portata principale c’è spazio per quattro pagine dedicate a delle brevi pillole su generi e meccaniche.
Ovviamente i cento giochi moderni principali e i loro “papà” non bastavano e per questo sono stati aggiunti altri cinquecento titoli brevemente descritti, cioè quelli precedentemente menzionati.
In chiusura, il libro offre qualche statistica e una postfazione. Infine, la consultazione è facilitata da un indice analitico che elenca tutti i giochi in ordine alfabetico.

I giochi inseriti in Atlante dei Videogiochi

Scorrendo i circa seicento titoli citati nell’Atlante, è davvero difficile trovare clamorosi assenti o scelte che fanno gridare allo scandalo. Sebbene non tutti i cento giochi principali rientrino nei miei gusti personali, la loro inclusione è oggettivamente giustificata.
Inoltre è esplicitato che tendenzialmente è inserito solo un titolo di quella serie, privilegiando il capostipite o il capolavoro. L’unica pecca di questo metodo è che, essendo stato inserito Half-Life: Alyx, non è stato incluso uno tra Half-Life 1 o 2. Un caso analogo è quello di ISS, che ha escluso PES.

A chi si rivolge

Atlante dei Videogiochi per me è indicato ai neofiti, che vogliono orientarsi nello sterminato panorama videoludico o comunque interessati a questo settore potendo contare su consigli sempre giustificati, anche se non si è d’accordo. Non troverai approfondimenti e nemmeno trattazioni filosofiche sui vari titoli in quanto antologia, quindi il libro scorre molto bene.
Poi anche i giocatori di lunga data potrebbero trovare spunti per approfondire titoli mai approcciati. O ancora, i nostalgici apprezzeranno, visto che così potranno ripercorrere tramite i seicento videogiochi le varie epoche: dal fascino delle sale giochi alle più recenti esperienze su console, PC e piattaforme mobili.

Edizione

L’Atlante dei Videogiochi è già disponibile al prezzo di copertina di 39€, con le sue 256 pagine e la copertina rigida.

Concludendo

L’Atlante dei Videogiochi, descrivendo singoli titoli, ci racconta aneddoti, storie, saghe e anche periodi storici. Sicuramente attirerà gli appassionati e i curiosi -soprattutto neofiti- pur offrendo stimoli interessanti anche ai giocatori esperti e nostalgici. Si chiama Atlante visto che non è una guida, né un’enciclopedia e nemmeno un saggio. Va preso per quello che è: un’antologia, o almeno io la definisco umilmente così, mentre il comunicato stampa la definisce più poeticamente come “la cartografia di un territorio complesso”. Se approcciato così, l’Atlante dei Videogiochi fa molto bene il suo.

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Nerdando in breve

Atlante dei Videogiochi è un’antologia che attraverso seicento titoli ripercorre la storia del medium.

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Ecco i componenti di A Wild Venture

Recensione

A Wild Venture mi ha incuriosito soprattutto per le illustrazioni così peculiari, per un voto alto su BoardGameGeek e per essere un uno contro uno basato sulle carte. C’era anche una caratteristica particolare che mi intrigava: ovviamente, continua a leggere la recensione per sapere di cosa si tratta!

Il gioco

Cos’è A Wild Venture

A Wild Venture è un gioco da tavolo per due giocatori (della modalità in solitario ti parlerò dopo) in cui sono centrali le carte caratterizzate da personaggi unici e da combo. Questo titolo è pubblicato dalla casa editrice cipriota PIKA Games e localizzato in Italia da Cranio Creations, che ringrazio per la copia.

Ambientazione e scopo

Anche quest’anno si svolge la Coppa del Villaggio destinata al giovane sportivo che aiuta di più la comunità. Questa volta dovrai vedertela col tuo rivale… premessa che mi sa di déjà vu dai Pokémon!
Lungo il percorso faremo nuove amicizie e questo sarà il modo migliore per ottenere i voti necessari per vincere la coppa!
A livello ludico, l’obiettivo si traduce nel modo classico per stabilire chi ha vinto: i punti vittoria!

Come si gioca A Wild Venture

Nel proprio turno, ogni giocatore esegue due Azioni Principali tra giocare una carta e attivare una carta.
Se si cala una carta Paesano o Congegno, oltre a pagarne eventualmente il costo, si piazza un numero di segnalini Scorta su di essa pari al valore di Scorta indicato in alto a destra nel sacchetto rosso.
Attivare una propria carta già in gioco vuol dire risolvere il suo effetto solo se vi sono segnalini Scorta su di essa e quando finiscono sarà stivata. Ciò non vale per le tane che hai con te da inizio gioco, visto che non hanno questo parametro.
Tramite l’effetto Avventurarsi potrai muovere la pedina Avventuriero sui percorsi presenti sulla mappa e ottenere la ricompensa presente sullo spazio su cui ti sei fermato.

Ecco le carte di A Wild Venture 

Calcolo del punteggio

A fine partita, cioè quando finirà il mazzo, si calcoleranno i punti dati dai Paesani, dagli Edifici e dai congegni stivati.
I punti dati dai Paesani si ottengono moltiplicando il numero del tipo di Paesani più esiguo con quello più numeroso. Ad esempio, se avrai tre rane e sei Corvi, otterrai 18 punti.
Ogni Edificio fornirà un punto per ogni segnalino Scorta sopra di esso e infine otterrai punti pari al numero di congegni moltiplicati per gli edifici incantati.

Caratteristica di A Wild Venture

Oltre ai materiali e alla direzione artistica di cui ti parlerò a breve, c’è un aspetto del titolo di cui ti avevo promesso avrei parlato. Si tratta della meccanica di stivare le carte, cioè metterle coperte in un mazzetto a parte, quando non hanno più segnalini Scorta su di esse. Ciò è fondamentale, visto che due modi su tre per ottenere punti implicano che le carte vengano stivate.
Per me è un’idea molto carina, visto che così la maggior parte delle carte giocate ha un ciclo di vita limitato in campo. Il giocatore deve attivarle, non più di una volta a turno, per rimuovere i segnalini Scorta e completare il processo.
Invece le carte edificio rimarranno per tutta la partita. Sono l’unico modo per ottenere punti senza stivare e cioè a seconda della dicitura del testo su di loro, il giocatore prende un certo numero di monete dalla propria riserva e le piazza sull’edificio. Queste monete così investite frutteranno punti vittoria.

A Wild Venture intavolato

Impressioni

Da un lato A Wild Venture mi aveva incuriosito molto, dall’altro, leggendo le regole e facendo una partita di prova in solitario, avevo il timore che la bassa interazione non mi facesse piacere il titolo.
Invece mi sono divertito nonostante le sconfitte. Creare il proprio motore di gioco che si evolve durante la partita, dato che la maggior parte delle carte è temporanea, l’ho trovato appagante.
Forse la mia preferenza deriva dal fatto che la bassa interazione sia stata voluta fin dall’inizio dall’autore e, quindi, è coerente col tutto. Infine trovo perfetta la durata di quaranta/sessanta minuti.

Regolamento

Le regole sono scritte bene con tanto di esempi e immagini. Sul retro del regolamento c’è anche un comodissimo riassunto del flusso di gioco, dei termini e calcolo del punteggio. Inoltre vi è anche il glossario delle carte. Qualche minuscola imperfezione che ho riscontrato non inficia l’ottimo lavoro.

Materiali

I materiali sono di buona fattura e funzionali.
L’organizer è una vera e propria chicca. Si sa che i giocatori da tavolo hanno le loro fisse e una di queste è senza dubbio quella di imbustare le carte. Nonostante la questione sia risaputa, spesso ci si deve inventare modi per farcele entrare. In questo caso, invece, ci hanno pensato ed è una gran cosa!

L’ottimo organizer di A Wild Venture

Direzione artistica

Le illustrazioni e tutta la direzione artistica del gioco sono di alto livello.
Su BGG, Iain Everett (l’autore), condividendo il processo creativo del titolo, ha svelato un dietro le quinte molto interessante: sua moglie Pennie Jo Everett (l’illustratrice) aveva creato un mondo con questi personaggi senza sapere cosa farne. Ed è proprio questa la forza di A Wild Venture, cioè dare la sensazione di far parte di un unico universo immaginario. Coerenza che manca in molti altri titoli, in cui si vede palesemente che a volte le immagini sono “appiccicate” lì giusto per… Cane di Terraforming Mars penso proprio a te!

A chi si rivolge… e a chi no

“A Wild Venture è un uno contro uno. Quindi mi picchierò (IN GAME ovviamente) fortissimo col mio avversario giusto?”
Assolutamente no! Come accennato prima, A Wild Venture è un titolo con bassa interazione che si concentra sull’ottimizzazione del proprio motore di carte.
Di conseguenza dipende dal tipo di esperienza ludica che gradisci! Se ti immaginavi di essere di fronte a un prodotto tipo Magic: The Gathering, con riferimento ai giochi di carte, o Santorini, in quanto titolo per due, sei fuori strada!

Modalità in solitario

Questa modalità per me è stata un piccolo mistero visto che su BGG è classificato per uno e due giocatori, mentre A Wild Venture è venduto come prodotto per sole due persone. La questione è presto spiegata: la versione in solitario è sì ufficiale, ma va scaricata, nel momento in cui scrivo, in inglese su BGG. Tuttavia, dovrebbe arrivare la versione ufficiale anche in italiano.
Ho provato questa modalità come primissima partita per capire come girava A Wild Venture ed è stato gradevole. Inoltre il turno del giocatore è sostanzialmente lo stesso rispetto a una partita a due.

Concludendo

A Wild Venture raggiunge l’obiettivo che si propone, offrendo una sfida con (bassa) interazione mai negativa. È un’esperienza particolarmente piacevole, tanto da spingermi a giocarci tre partite di fila, cosa rara per me.

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Nerdando in breve

A Wild Venture è un gioco di carte per due che non è un duello bensì una sfida a chi aiuterà di più il villaggio!

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Cos’è il Gioco dell’anno

Il “Gioco dell’Anno” è il premio più noto dedicato ai giochi da tavolo pubblicati in Italia ed è stato consegnato come ogni anno durante il Lucca Comics & Games. Si rivolge ai meno esperti e alle famiglie; so che è poco visto: se vuoi saperne di più, ne ho parlato qui.
Ora che sappiamo di che si parla ti scriverò di mio pugno qualche riga per ognuno dei cinque finalisti del 2025 partendo dal vincitore. Se invece cerchi informazioni puntuali e istituzionali le troverai a questo link, visto che in questo articolo ti beccherai le mie opinioni, anche qualche riflessione sul premio e infine, per non farci mancare nulla, anche una Menzione Speciale e un riconoscimento.

Vincitore Gioco dell’Anno 2025

Botanicus

immagine tratta dal sito di Giochi Uniti

L’ambientazione ci vede come aristocratici che competono per il miglior giardino e la componente estetica e materiale è ottima. Quindi si tratta del classico gioco family? Assolutamente no, nonostante le premesse e un’ambientazione ormai abusata nel mondo dei giochi da tavolo, un po’ come il Giappone feudale nei videogiochi.
A livello ludico per me è una piccola sorpresa. Il flusso del gioco consiste nello scegliere uno dei tre tracciati e compiere le azioni di conseguenza; così il tutto rimane lineare e immediato, ma al contempo sfidante e per nulla banale.

La giuria ha premiato Botanicus in quanto “titolo elegante e accessibile, che coniuga regolamento immediato e profondità strategica”, in pratica quello che ho detto io!
Trovi la recensione del vincitore del Gioco dell’Anno 2025 qui.

Gli altri finalisti

Cities

immagine tratta dal sito di Devir

Cities è formalmente un city-building family. Il flusso di gioco sostanzialmente consiste nel prendere tessere e pezzi da costruzione 3D da posizionare in modo da fare più punti possibile a seconda degli obiettivi sia comuni che privati.
Adatto a questo premio anche per l’effetto scenico che si crea soprattutto a fine partita. Personalmente lo trovo quel classico titolo carino, ma che non mi ha fatto scattare la scintilla.
Trovi la recensione qui.

Il Fiume d’Oro

immagine tratta dal sito di Asmodee

Lungo le rive del fiume costruiremo edifici come porti, mercati e santuari. Se li visiteremo con le nostre due navi raccoglieremo le ricompense di visita. Con le merci accumulate potremo esaudire le richieste delle carte avventore in cambio di bonus. Un ottimo eurogame di peso medio, cosa non così comune per uno dei finalisti del Gioco dell’Anno e questo mi rende contento il doppio di vederlo qui!

Mesos

immagine tratta dal sito di Cranio

In Mesos sei il capo di una tribù e dovrai farla prosperare aggiungendo nuovi membri, sfamandoli, costruendo edifici e affrontando le sfide che si presenteranno.
Stringi stringi è un draft in cui il nostro turno consisterà nel prendere da una a tre carte che rimarranno davanti a noi. Come Botanicus, devo ammettere che mi ha sorpreso in positivo e anche di Mesos trovi la recensione su Nerdando!

Terrorscape

Terrorscape è l’unico finalista che non ho provato. Si tratta di un gioco horror asimmetrico a squadre, in cui un giocatore avrà il ruolo dell’assassino (IN GAME ovviamente) e gli altri dei sopravvissuti. La componentistica è molto scenica, per me perfetta per far incuriosire nuovi giocatori; l’altra faccia della medaglia è il prezzo.

Quelli che non ce l’hanno fatta

Sono stato sorpreso di non trovare tra i quarantatré titoli in concorso alcuni nomi come Monkey Palace, Flip 7, Regicide e The Vale of Eternity. Forse la giuria ha voluto puntare un po’ più sul valore intrinseco dei titoli e meno sul target introduttivo, prezzo basso e immediatezza? Lo dico perché quest’anno, tra i finalisti, non ci sono né party games né giochi di carte super accessibili. Infatti, come rappresentanti di quest’ultima categoria, l’anno scorso c’era Trio mentre nel 2023 vinse Challengers!.

Edizione 2025 vs passate edizioni

Già che ci siamo, confrontiamo questa edizione con le precedenti, basandoci sulla difficoltà (da 1 a 5) assegnata ai finalisti dagli utenti di BoardGameGeek, che indicherò tra parentesi.
I finalisti di quest’anno: Botanicus (2,40), Cities (1,92), Il Fiume d’Oro (2,45), Mesos (2,07) e Terrorscape (2,32).
I finalisti dell’anno scorso: Forest Shuffle (2,21), Harmonies (2,01), Perspectives (1,89), Pianeti Sconosciuti (2,25) e Trio (1,05).
I finalisti del 2023: Akropolis (1,81), Challengers! (1,81), Heat: Pedal to the Metal (2,20), Hens (1,88) e Tranquility (1,35).
Infine i finalisti del 2022: Le Avventure di Robin Hood (1,83), Le Cronache di Avel (1,96), Café (2,06), Cascadia (1,85), Hidden Leaders (1,81).
Cosa voglio dimostrare con le difficoltà dei finalisti delle ultime quattro edizioni? Forse si sta un po’ innalzando l’asticella? Ovviamente la risposta l’avremo l’anno prossimo.

Menzione Speciale e Board Game Designer of the Year

Mi meravigliavo dell’assenza di Flip 7 tra i finalisti e infatti la giuria gli ha assegnato la Menzione Speciale “Gioco per Tutti” “per la sua capacità di unire ritmo, immediatezza e grande coinvolgimento sociale”.

Invece il riconoscimento come Board Game Designer of the Year 2025 è andato a Grégory Grard, autore di validissimi titoli come Zenith e Castle Combo.

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Tra questi titoli il mio preferito è Il Fiume d’Oro, ma forse era un pelino troppo complesso per questo premio. Va detto che la vittoria di Botanicus forse è più coerente con la storia del Gioco dell’anno italiano. E tu, chi avresti voluto vedere sul gradino più alto del podio?

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Recensione di Napalm Lullaby Vol. 2

Il secondo e ultimo volume di Napalm Lullaby è arrivato come la venuta di Glokor, unico vero Dio come tutti sappiamo. Se sei scettico puoi recuperare la recensione del primo volume sul quale mi ero espresso molto positivamente. Torno a parlarvi di questo fumetto senza spoiler, proprio come la volta scorsa e allo stesso modo ringrazio Saldapress, sia per avermi fornito il PDF sia per aver portato in Italia questa serie raccolta in soli due volumi.

Cos’è Napalm Lullaby

Nonostante il rimando alle puntate precedenti, vediamo brevemente di che si tratta.
Napalm Lullaby è una miniserie distopica statunitense con dieci numeri in totale, di conseguenza il secondo e ultimo volume comprende gli ultimi cinque numeri.

Trama

Dove eravamo rimasti

Sarah e Sam, fratello e sorella, hanno da sempre l’obiettivo di rovesciare il regime religioso oppressivo e classista che premia solo i “puri”. Nel cercare di portarlo a termine scoprono rivelazioni su di loro ovviamente nel momento in cui si conclude il primo volume!

A sinistra la Variant, a destra alcune tavole no spoiler

Secondo volume

Il primo capitolo si apre con la violenza e si chiude in un modo molto cupo, mettendo già le cose in chiaro.
La linearità del primo volume viene sostituita da una trama più complessa, surreale, onirica in cui si riprende quanto successo prima. Anche per questo ho dovuto rileggere due volte questo volume perché tutta la parte finale è stata veramente inaspettata e quindi per certi versi scioccante.
Rimango volutamente vago per evitare ogni tipo di spoiler, cosa che potrei fare in un prossimo articolo specificamente dedicato se dovesse interessarti.

Stile

Se nel primo volume i disegni di Bengal erano incredibili, qui l’illustratore si supera con certe tavole d’azione. Altro aspetto in cui spicca è il contrasto tra le varie ambientazioni e tra momenti di tensione e quelli di (apparente?) calma.
Se nel primo volume c’era uno spiraglio di speranza, qui i toni sono più cupi e surreali. Rick Remender si è voluto divertire con le aspettative del lettore.

Temi di Napalm Lullaby Vol. 2

Avevo apprezzato il primo volume di Napalm Lullaby per come aveva affrontato i temi importanti al centro del fumetto, che ritroviamo anche qui, anche se sotto altra forma. Qui però il tutto prende una prospettiva molto soggettiva concentrandosi su come il contesto in cui si vive logori le persone.

Opinioni senza spoiler

A me piace quando i creativi hanno il coraggio di prendere scelte controverse, soprattutto in un periodo storico in cui siamo bombardati da contenuti di medio-bassa qualità. Quindi approvo un prodotto di valore che osa e sul quale si possa discutere. Ovviamente questo non vuol dire che il colpo di scena ti debba piacere per forza.

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Nerdando in breve

Napalm Lullaby si chiude in modo coraggioso.

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Recensione

Attendevo Formula Legends visto che lo avevo già provato, e apprezzato, tramite la demo su Steam. Quindi sono stato ben felice di recensirlo non appena lo studio italiano 3DClouds, che ringrazio, ha messo a disposizione la chiave.

Cos’è Formula Legends

Formula Legends è un videogioco di corse che ripercorre, orgogliosamente senza diritti -e su questo ci torneremo-, la storia della Formula 1. Si tratta di un “simcade”, cioè combina l’accessibilità e il divertimento dell’arcade con caratteristiche simulative come consumo delle gomme e della benzina. Comunque l’ago pende, e di tanto, verso l’arcade e l’immediatezza, ma ciò non vuol dire che sia facile.

Modalità

Non appena lo avviamo per la prima volta Formula Legends ci suggerisce di fare un breve ma esaustivo tutorial. Fatelo!
In Formula Legends ci sono diverse opzioni ludiche: la modalità storia, quella personalizzata in cui sia per la gara singola sia per il campionato potrete impostare ogni singolo aspetto che più desiderate, la sfida a tempo e infine lo showroom dove poter ammirare quanto sbloccato.

Ecco la modalità storia

Storia

La modalità storia, che è quella principale, ci fa partire con una coppa ambientata nel 1968 con quattro piste storiche. Questo sarà il modello della modalità storia che ci presenterà dei mini-campionati che ripercorrono l’evoluzione del motorsport. Man mano che giocheremo raggiungeremo determinati traguardi, come fare un tot di podi, sbloccando in questo modo, ad esempio, piloti e vetture.
Mi piace molto come col passare degli anni si percepisca, sia ludicamente che visivamente, l’evoluzione delle piste e delle vetture.

Piste

Le piste, nonostante anch’esse siano senza diritti, restituiscono le caratteristiche peculiari oltre ad essere ricreate in modo molto evocativo. Si nota subito di che pista si tratta, replicando perfettamente lo spirito del circuito.
Bello che lo scorrere del tempo coincida con l’evolversi delle piste negli anni. Infatti se negli anni ‘60 e ‘70 le piste sono spartane, spesso con i limiti della corsia non molto chiari, e piene di fascino nostalgico. Invece le piste contemporanee presentano cordoli e linee di vernice che delimitano la sede stradale, giusto per citare due aspetti che caratterizzano il motorsport di oggi.

Ecco come ci vengono presentate le piste ed ecco un esempio di nomi inventati

Comparto estetico

Formula Legends non è e non vuol essere fotorealistico. Ciò è in linea con la voglia di celebrare la storia del motorsport, visto che ciò crea un’atmosfera sognante e romantica. Mi sa di quando nei cartoni animati si racconta una storia epica del passato!
Poi lo stile delle vetture, stilizzato e giocattoloso, lo trovo perfetto: possiamo ammirarlo al suo massimo nella modalità foto (la si può attivare durante le gare)! Inoltre è una gradita chicca il modificarsi delle grafiche a seconda delle epoche.

La partenza a Montec… Pardon sulla Riviera!

Come si guida in Formula Legends?

La guida è molto intuitiva e ci permette fin da subito di divertirci. Di base, con riferimento al controller Xbox, si accelera con RT e si frena con LT. Quando guidiamo le vetture storiche non ci saranno altri tasti se non  l’analogico destro per guardare indietro.
Durante il pit stop dovremo “risolvere” nel modo più veloce possibile il minigioco per cambiare le quattro ruote attraverso i quattro tasti da premere nel momento giusto. Nel frattempo con i grilletti riforniremo carburante e ripareremo eventuali danni subiti che, se non ripristinati, ci rallenteranno, mentre per ripartire dovremo premere i due analogici.

Invece le vetture più moderne presentano anche le versioni senza diritti di DRS (cioè l’alettone che flette per farci andare più veloce) e potenza extra data dalla batteria che ricaricherà progressivamente.
Si sente la differenza tra le vetture del passato e quelle contemporanee soprattutto nelle frenate, così come si sente tra le gomme usurate e quelle nuove. Infatti ci dovremo adattare alla vettura e alle varie condizioni come quelle meteo, che possono cambiare anche due volte nella stessa gara. A proposito: la pista che si evolve insieme alle condizioni atmosferiche è un grande pro di Formula Legends.

Quindi un “simcade” che si traduce in un gioco arcade con spruzzate di realismo come il non oltrepassare i limiti della pista pena secondi di penalità, a partire dalla quarta infrazione in poi.

Con la modalità foto ci si può sbizzarrire

Diritti e Pro Evolution Soccer

A livello teorico per un titolo sportivo avere i diritti dovrebbe essere un gran vantaggio, giusto? Avere Charles Leclerc e Ferrari dovrebbe essere il massimo. Forse, se ci fossero stati i soldi, si sarebbe provato ad averli, salvo eventuali diritti di esclusiva da parte di EA che pubblica i titoli sulla F1.
Invece se vi dicessi che avere Charlie Lacreme e Ferenzo rendono il tutto ancora più divertente per nerd della F1 che devono scavare nelle loro conoscenze per cogliere tutte le citazioni? Tutto questo aveva creato momenti di condivisione dei nomi molto divertenti già nelle due demo. Mi ha fatto venire in mente i tempi dei Pro Evolution Soccer quando c’erano squadre e giocatori coi nomi “pezzotti”, come si dice dalle mie parti. Anche se qui il livello è più alto, visti anche l’intento ironico e la passione che traspare in ogni aspetto di Formula Legends.

Ecco una pista contemporanea

Difficoltà e aiuti

Con riferimento alla difficoltà in senso stretto potrete scegliere tra facile, medio e difficile. Inoltre potrete attivare o disattivare controllo trazione, l’antislittamento e gestire manualmente o meno il DRS. Quindi tutto nella norma e comodo per adattare la sfida alle vostre esigenze.
La difficoltà facile è effettivamente facile, mentre quella media è … media! Battutacce a parte, quest’ultima offre una sfida che ho trovato giusta ed equilibrata.
Un piccolo ma fastidioso contrattempo che ho trovato è che, se chiudevo il gioco durante un campionato, una volta che lo riprendevo la difficoltà andava su facile senza poterla più modificare. Però c’è da dire che ci ho giocato prima dell’uscita.

IA

L’intelligenza artificiale delle auto fa alla grande quello che deve fare. Solo in un caso ho visto cose strane ma, va detto anche in questo caso, che era prima del giorno del lancio.

Un cosa che non mi convince è che i rivali sbattono contro di noi in assoluta scioltezza facendoci calare l’energia e a volte rovinandoci la gara. Diciamocelo: quando siamo primi e un doppiato esce dal pit venendoci addosso e, di conseguenza, rovinandoci la gara non è il massimo del divertimento. Da un lato è bello che le altre vetture ti calcolino per ostacolarti un minimo, ma a volte è proprio gratuito. Inoltre in certe piste, soprattutto quelle del passato, se seguiremo le stesse linee delle vetture guidate dall’IA ci beccheremo il superamento dei limiti della pista…
Quindi ho odiato i doppiati come Verstappen (anzi Peerstallen) odiò Ocon (anzi Acon) qualche anno fa.

Versioni e prezzo

Formula Legends sarà disponibile dal 18 Settembre su PC, Xbox Serie X e S, PlayStation 5 e Nintendo Switch a 19,99 euro.
Ho giocato alla versione Steam con un PC ormai vecchiotto con qualche minimo compromesso e di conseguenza si tratta di un titolo non troppo esoso anche come requisiti, quindi non solo nel prezzo!

Concludendo

Formula Legends è un ottimo gioco di corse che ripercorre le grandi tappe della Formula 1. Essere appassionati delle ruote scoperte è di certo un pro per cogliere tutte le citazioni, ma si tratta anche di un titolo adatto a chi vuol godersi semplicemente un gioco di corse ben fatto.
Lo stile volutamente non fotorealistico regala un’atmosfera sognante che sottolinea l’epicità soprattutto della vecchia F1.

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Nerdando in breve

Formula Legends è un gioco di corse che ripercorre, rigorosamente senza diritti, la storia della Formula 1.

Trailer

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Star Wars, Jurassic Park, Casper e Indiana Jones sono alcuni dei film e saghe su cui hanno messo le mani quelli di ILM. In questo documentario, attraverso le interviste ai professionisti degli effetti visivi e pratici e i filmati originali del dietro le quinte, ripercorreremo pezzi di storia del cinema, con la Industrial Light & Magic protagonista, a partire dagli anni ’70.

Cos’è Light & Magic

Light & Magic è una miniserie documentaristica disponibile su Disney+ (Disney Plus se vi aggrada di più) composta da due stagioni rispettivamente uscite nel 2022 e nel 2025. La serie racconta, attraverso soprattutto il racconto dei suoi dipendenti e dirigenti, la storia della Industrial Light & Magic (ILM) dalla sua nascita nel 1975 grazie a George Lucas.

Schizzo per Star Wars ovviamente tratto dalla serie

Prima stagione di Light & Magic

La prima stagione parte dalla realizzazione del primo Star Wars fino ad arrivare al momento della transizione da effetti prevalentemente pratici a effetti prevalentemente digitali.

Infatti la ILM nacque proprio per realizzare gli effetti speciali, modellini, miniature ecc. per il primo Star Wars. La cosa da notare è che all’epoca non esistevano riferimenti per quello che chiedeva George Lucas e quindi, man mano, alla ILM si inventarono modi per realizzare gli effetti pratici, visto che ci si trovava negli anni ’70. Il filo rosso della serie è proprio questo, cioè inventarsi modi per fare cose mai fatte prima.

Altra caratteristica di Light & Magic è dare spazio alle esperienze e ai racconti dei protagonisti della storia della ILM. Toccante e attualissima è la puntata dedicata a Jurassic Park. Si tratta di un momento storico della storia del cinema con i dinosauri (anche) in computer grafica. Ma è anche il momento in cui i professionisti degli effetti pratici, delle miniature e dei modellini capirono che era solo una questione di tempo per fare la fine proprio dei dinosauri.

Dietro le quinte di Star Wars

Seconda stagione di Light & Magic

Invece la seconda stagione si apre con la trilogia prequel di Star Wars e la voglia di George Lucas di spingere sul digitale e sulla computer grafica. Infatti troviamo la ILM ormai orientata quasi esclusivamente sui VFX.

Il secondo episodio si apre con un avvertimento sulle tematiche forti trattate e questo inizialmente mi ha spiazzato. Non vi anticipo nulla, ma mi è piaciuto molto come si sia posta l’attenzione sul fatto che ci siano persone dietro un’opera. Forse per voi sarà una cosa banale, ma vista la bile che quotidianamente si getta in rete (e non solo) per ogni cosa evidentemente non lo è.
Se nella prima stagione il ritornello era che ILM era l’azienda numero uno nel suo campo qui emerge una rivale non indifferente e cioè Weta Digital (oggi Weta FX). Non vi dice niente? E se vi dicessi Signore degli Anelli e Avatar? Ovviamente viene specificato come i migliori talenti della Weta provengano dalla ILM, però comunque si ammette che l’azienda neozelandese sia (quasi) allo stesso livello nell’ambito dei VFX.

Doppiaggio e puntate

La prima stagione di Light & Magic è doppiata in italiano, mentre la seconda no. Inoltre la prima si compone di sei episodi, mentre la seconda solo di tre.

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Concludendo

Light & Magic è un’ottima serie, consigliatissima per gli appassionati dei dietro le quinte del cinema viste le tante chicche e curiosità tirate fuori in ogni puntata.
Ho sempre paura del rischio agiografia in questo tipo di produzioni, visto che è una serie Disney che parla di una sua sussidiaria. Ma non è così, o meglio: certo che la Industrial Light & Magic ne esce benissimo, visto che non si tratta di un’inchiesta. Mi è piaciuto molto aver puntato la lente di ingrandimento su cosa succede dietro le quinte e sulle persone, anche quando queste ultime sono state colpite dalle scelte dell’azienda, aspetto che per me  è un valore aggiunto.
Quindi una bella serie per i più nerd e curiosi!

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