Una band immortale

Scommetto che non posso essere l’unica a considerare i Led Zeppelin la migliore band del mondo, vi prego, ditemi che non è così. La rock band inglese è diventata la mia preferita in assoluto da quando ho avuto la fortuna di scoprirne gli album e, da allora, ne ho recuperato l’intera discografia per non abbandonarla più.

Il ritorno al cinema

Proprio in questi giorni, i Led Zeppelin tornano di prepotente attualità grazie all’evento esclusivo organizzato da Nexo Digital. Per la prima volta in versione rimasterizzata, infatti, il concerto The Song Remains The Same, tenutosi al Madison Square Garden, sarà trasmesso nelle sale cinematografiche.
L’incredibile evento speciale sarà al cinema solamente nelle giornate del 25, 26 e 27 marzo 2024.
Il film-concerto raccoglie le emozioni dell’esibizione tenutasi a New York nel 1973, offrendo al contempo scorci sulla vita personale dei membri della band attraverso filmati di backstage e sequenze video appositamente realizzate.

Ma perché mai stiamo parlando dei Led Zeppelin sulle pagine di Nerdando? Non solo perché sono la mia band preferita (anche se, lo ammetto, questo un po’ ha influito) ma anche e soprattutto perché la band britannica può vantare un legame a doppio filo niente meno che con J.R.R. Tolkien e il suo immaginario.

Il richiamo di Tolkien

Il legame tra i Led Zeppelin e l’opera di Tolkien è davvero molto stretto, con citazioni dirette nei versi di alcune canzoni e rimandi più velati in altre.
D’altra parte il cantante della band, Robert Plant aveva fatto parte, prima dell’esperienza Led Zeppelin, di un gruppo folk rock di chiara ispirazione tolkeniana: Hobbstweedle (il fischio degli Hobbit). Ma non solo: tutti i membri della band, Jimmy Page in primis, non hanno mai nascosto il proprio interesse per il panorama dell’occulto e del fantasy in generale.

Non stupisce di certo, allora, trovare rimandi affatto nascosti all’opera di Tolkien in alcuni testi degli Zeppelin. L’esempio più lampante? Sicuramente Ramble On, uscita nel 1969 e contenuta nell’album Led Zeppelin II (peraltro una delle mie preferite).
Nel testo del brano troviamo citati direttamente sia Mordor che Gollum: “It was in the darkest depths of Mordor / I found a girl so fair / But Gollum and the evil one / Crept up and slipped away with her“.
La ballad, dunque, sembra proprio ambientarsi nell’universo narrativo de Il Signore degli Anelli.

Ma anche in Misty Mountain Hop, pubblicata nel 1971  all’interno di Led Zeppelin IV, troviamo un chiaro riferimento al mondo di Tolkien: le montagne del titolo, infatti, altro non sarebbero che le Montagne Nebbiose dove Bilbo trovò l’Anello.
Così come il titolo stesso della canzone Over The Hills and Far Away (1973 – Houses of the Holy) è identico a quello di un racconto contenuto nella raccolta I Racconti Perduti di Tolkien.

E non finisce qui, perché, a ben cercare, è possibile cogliere numerosi riferimenti velati in moltissimi dei brani dei Led Zeppelin. In The Battle of Evermore (1971 – Led Zeppelin IV), che sembra riferirsi alla Battaglia del Pelennor di tolkeniana memoria ma anche in Stairway to Heaven, dallo stesso album, dove sembra esserci non solo un rimando a Galadriel (There’s a Lady who’s sure / all the glitters is gold) ma anche al Taniquetil, impersonato proprio dalla scala per il Paradiso. Ma anche in Kashmir (1975 – Physical Graffiti) il riferimento all’antico popolo di una razza gentile lascia subito pensare agli Ent, così come in No Quarter (1973 – Houses of the Holy) non si fa certo fatica a riconoscere ambientazioni tolkeniane.

Insomma, non resta che perdersi nelle atmosfere evocate dalle note dei Led Zeppelin, alla ricerca di suggestioni fantasy, volute o meno, che ci facciamo vivere in pieno la Terra di Mezzo.

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Recensione

Se vi piace l’arte e se siete stati a Parigi molto probabilmente avete fatto una visita al Muséè du Louvre: forse il museo più famoso al mondo, con più di 300mila oggetti e opere d’arte in 60mila metri quadri, ospita alcuni tra i massimi capolavori dell’arte mondiale, tra cui alcune opere del nostro maestro Leonardo da Vinci.

Fino al febbraio 2020 il Louvre ha ospitato una esclusiva e preziosissima mostra dedicata al grande genio toscano, registrando più di un milione di visite, ed è proprio a questa mostra che è stato dedicato il docufilm Una notte al Louvre – Leonardo da Vinci, realizzato appositamente per essere proiettato nelle sale cinematografiche di più di 60 paesi e tradotto in 30 lingue. Il film è stato prodotto da Pathé Live in associazione con il Museo del Louvre e Bel Air Media, e in Italia la distribuzione è a cura di Nexo Digital nell’ambito della nuova stagione della Grande Arte al Cinema; sarà possibile vedere il film al cinema solo da 21 al 23 settembre.

Grazie a delle suggestive riprese notturne, il documentario ci porta alla scoperta di alcune tra le 166 opere d’arte di Leonardo raccolte dalle principali gallerie d’arte mondiali, tra schizzi preparatori, disegni e dipinti. Avremo modo di osservare il bronzo del Verrocchio Incredulità di San Tommaso, considerato come la scuola di Leonardo, in cui troviamo alcuni degli elementi basilari della sua arte, alcuni disegni sullo studio dei drappeggi, i primi ritratti con i quali Leonardo ha iniziato a dedicarsi alla rappresentazione della vita sulla tela (con il mio preferito in assoluto, La Scapigliata), i suoi studi sul movimento e sull’anatomia umana, fino ai suoi grandi capolavori pittorici come la Vergine delle rocce, la Sant’Anna, il Ritratto di Dama e ovviamente la famosissima Monna Lisa.

A guidarci alla scoperta delle opere d’arte troviamo i due curatori della mostra, Vincent Delieuvin e Louis Frank.

Dati tecnici

Il documentario è stato girato nel corso di 4 notti grazie a una squadra di 30 tecnici i quali hanno utilizzato camere 5K e sono stati diretti da Pierre-Hubert Martin. I testi sono stati scritti da Catherine Sauvat e Pierre-Hubert Martin, con la supervisione dei curatori Delieuvin e Frank. La durata è di circa 80 minuti.

Concludendo

Grazie agli approfondimenti e alle spiegazioni dei curatori della mostra, grandi esperti dell’arte di Leonardo da Vinci, questo documentario ci offre la possibilità di riscoprire i capolavori del maestro seguendo un percorso preciso che parte dalle sue opere giovanili fino ai capolavori maggiori. Non ci vengono mostrate tutte le 166 opere raccolte ma solo quelle principali, dettagliatamente analizzate grazie anche a tecniche innovative che permettono agli studiosi di storia dell’arte di osservare non solo i quadri finiti ma anche i tratti preparatori sottostanti, le pennellate e le modifiche apportate da Leonardo nel corso della realizzazione.

Nerdando in breve

Un docufilm dedicato a chi non ha potuto visitare la mostra che il Museo del Louvre ha dedicato a Leonardo da Vinci ma che non vuole rinunciare alla scoperta di alcune delle sue opere più belle e rappresentative.

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Trailer

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Grazie a Nexo Digital posso raccontarvi in anteprima il piccolo gioiello a cui ho potuto assistere oggi, Fabrizio De André e PFM – Il concerto ritrovato, al cinema solo il 17, 18 e 19 febbraio 2020.

Recensione

Facciamo un salto indietro nel tempo. L’Italia del 1978: contestazioni, coscienza politica, Brigate Rosse e musica. La musica dei cantautori che privilegia il testo e la poesia e quella del progressive rock che si confronta con gli artisti della scena internazionale.

In questo scenario, una delle più note band sul territorio nazionale, la PFM, è reduce da un lunghissimo tour americano in cui si è confrontata con grandissime star. Allo stesso tempo Fabrizio de André è sceso dal palco e fa l’allevatore in Gallura.
La voglia però di fare qualcosa di nuovo insieme c’è.
Non era mai successo prima che due realtà così diverse si contaminassero, non in Italia.
E proprio perché l’operazione sembra essere destinata ad un completo fallimento (soprattutto per la divergenza totale della tipologia di fan), Faber dice: “Si, belìn, facciamolo!“.

Il 21 dicembre del 1978 salgono sul palco del Palazzo dello Sport di Forlì Franz Di Cioccio, Patrick Djivas, Franco Mussida, Flavio Premoli, e lui, il grande Fabrizio. Davide Riondino viene chiamato a presentare ed autointrodursi come cantautore d’apertura, Guido Harari segue la band in tournée come fotografo ufficiale. A seguire altre 31 date in giro per l’Italia. Il lavoro preparatorio fatto per questo concerto è magnifico: la PFM ha vestito ogni canzone di De André con nuove sonorità, rispettando ed arricchendo.

È un periodo difficile e teso in Italia, si protesta facilmente e ci si incazza con poco. I fan arrivano per contestare, lanciare palle di neve e in qualche caso bicchieri di vetro, accusano il cantautore e la band di essere dei venduti. A Napoli si arriva a scontri con spargimento di sangue e arresti. Addirittura un tizio arriva a conoscere Faber e col pretesto di scusarsi per aver criticato il connubio, invita tutti i musicisti a bere e mette dell’acido nel bicchiere del cantautore genovese.
Ciononostante l’esperimento funziona e benissimo: la serie di concerti è un successo assoluto e segnerà la storia della musica italiana.

Di tutto questo, pare, non resta nemmeno una traccia, essendo Fabrizio refrattario alle telecamere.
E invece no.

Grazie alla tenacia ed alla maniacale conservazione delle proprie opere, il regista marchigiano (ormai genovese d’adozione) Piero Frattari riesce prima nell’improbabile impresa di registrare su cassetta le prove della tappa genovese del concerto (3 gennaio 1979, padiglione C della Fiera del Mare), poi nel recuperare il materiale analogico tra 40.000 cassette in VHS e convertirlo in digitale ed infine a farle avere a Franz Di Cioccio per la realizzazione di questo docufilm.

Restaurata nel video e nel sonoro con grandissima attenzione, quest’opera ci restituisce una testimonianza “vera” dell’esperienza che purtroppo non abbiamo potuto vivere dal vivo. Faber è sereno e sorridente, si gode il concerto ed è un piacere da ascoltare. Gli stessi membri della band ci raccontano stupiti di come emerga il suono pulito della sua voce, nonostante l’acustica del Padiglione C della Fiera sia conosciuta per essere pessima.
Aldilà del mio amore incondizionato per De André (ve ne sarete forse fatti già un’idea qui), va riconosciuto il lavoro eccellente svolto dalla PFM, dal regista, dal fotografo e dal responsabile del montaggio audio per regalare agli appassionati di ieri e di oggi un ricordo del vero Faber.

Curiosità

Da non perdere la testimonianza di Antonio Vivaldi, uno dei fortunati genovesi che ebbe modo di assistere al concerto il 3 gennaio del ’79 e che ci racconta di come sia riuscito a portarsi a casa un cimelio storico di uno dei concerti fondamentali della musica italiana.

Realizzazione

La regia di questo bellissimo viaggio nella memoria musicale italiana è stata affidata a Walter Veltroni che con amore e rispetto ha saputo trovare un modo per raccontare una storia. Definito da Dori Ghezzi come un politico artista, Veltroni ha fatto un ottimo lavoro. Il film realizzato da Sony Music e distribuito da Nexo Digital sarà trasmesso solo il 17, 18 e 19 febbraio (elenco sale su www.nexodigital.it), per celebrare l’ottantesimo anniversario dalla nascita di Fabrizio De André (1940-1999).

Nerdando in breve

L’occasione unica di rivivere come in un viaggio nel tempo, un concerto davvero speciale per chi ama Fabrizio De André e la PFM.

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Trailer

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Recensione

Fabrizio De André è uno dei motivi per cui essere fieri di essere genovesi. Almeno per me.
Grazie a Nexo Digital ho assistito all’anteprima di Fabrizio De André. Principe libero (che sarà in 300 cinema solo il 23 ed il 24 di gennaio 2018).

Per me De Andrè è una parte di vita.
È nel ricordo di quando mia madre mi fece ascoltare i nastri che lei e gli amici sentivano di nascosto dai genitori. E di quando entravo in via del Campo nel negozio di Gianni Tassio in cui era gelosamente conservata la chitarra di Faber.

È nel mio immaginario di bambina che associava l’immagine di Marinella a quella di una nonna venuta a mancare troppo presto.

E nell’odore dei caruggi, che dopo diciott’anni di Milano ancora mi mancano. E nell’emozione di aver conosciuto un gruppo di ventenni sudamericani che nel 2000 con una chitarra in mano dimostravano di conoscerlo davvero bene, il mio stesso Faber.

E ancora al suo funerale, strabordante di amici e sconosciuti, dal vicino di casa a Vasco Rossi, tutti con gli occhi rossi e il cappello in mano.

Insomma una parte importante. Non solo mia, sia chiaro.

In questo sceneggiato televisivo che trasuda amore e rispetto da tutti i pori, ho ritrovato tutto.
Lo spirito di un gigante della storia musicale italiana, restituito con la sua coerenza e i suoi vizi. La libertà di pensiero e la fragilità del comportamento. Non un’imitazione, ma la resa dello spirito di Faber così come doveva essere (perlomeno nella mia immaginazione). Davvero un’emozione forte.

Trama

Il film, della durata di 192 minuti ripercorre circa quarant’anni della vita del cantautore, cercando di rappresentare i momenti più significativi della sua vita personale e professionale: l’adolescenza ed il primo amore per la chitarra, il rapporto con il padre e la difficoltà a voler seguire una destinazione ostinata e contraria, l’amore per le due donne che più gli sono state vicine e il suo ruolo di padre, gli amici e gli artisti con cui si è confrontato, la dipendenza da alcol e sigarette e il sequestro.

Cast

Luca Marinelli (premiato con il David di Donatello per Lo chiamavano Jeeg Robot) è un incredibile Fabrizio De André.
Nei modi, nell’insicurezza e nell’aspetto fisico. Ma soprattutto nella voce. In più di un’occasione gli spettatori non sono riusciti a distinguere la voce del vero Fabrizio dalla sua, pur conoscendo benissimo le sue canzoni. Ne restituisce un’immagine che non è caricaturale.
È riuscito a tirare fuori la sua romanità senza snaturare un personaggio che di romano non aveva nulla.

Dori Ghezzi in conferenza stampa ha raccontato di quando, prima del casting, ha affermato che l’attore giusto sarebbe stato colui che avrebbe detto:”Io non sono in grado di interpretare Fabrizio”.
Ed è proprio quello che Luca, appena proposta la parte, ha detto.

Valentina Bellè si è presa sulle spalle la responsabilità di portare in scena Dori Ghezzi, sotto lo sguardo attento della vera Dori Ghezzi. Bravissima nel rendere la dolcezza e la forza di questa donna.

Elena Radonicich interpreta Puny, la prima moglie di Faber, madre di Cristiano e prima compagna di vita in un lungo periodo di formazione del cantautore, messa da parte quando le viole non fiorivano più. Ed è credibilissima, nella sua sofferenza.

Gianluca Gobbi è un Paolo Villaggio autentico (e l’unico attore non genovese ad avere una cadenza credibile, avendo passato parecchi anni all’ombra della Lanterna e recitando per il Teatro Stabile del capoluogo ligure).

Davide Iacopini, unico vero genovese del progetto, è Mauro, l’amorevole fratello sempre pronto a sostenere Fabrizio nei momenti difficili. Menzione d’onore per Ennio Fantastichini, come sempre credibilissimo, nel ruolo del patriarca della famiglia De André.

Regia

Luca Facchini è un grande estimatore di Fabrizio da tempi lontanissimi, e si vede. Ha saputo rendere con grande sensibilità e profondo rispetto il racconto di una vita.

Fondamentale è stata la collaborazione con gli sceneggiatori Giordano Meacci e Francesca Serafini, che sono riusciti a rendere lo spirito giusto dell’epoca anche grazie alle testimonianze da loro stessi raccolte nel 1992 in occasione di vari confronti con De André.

Curiosità

Dori Ghezzi ha partecipato attivamente a tutta la realizzazione del film: dalla sceneggiatura, al casting, al set. Ha dovuto faticare non poco per accettare la versione proposta da regista e sceneggiatori, impegnandosi a rinunciare a scene per lei importanti e talvolta imponendo scelte a lei care. Il progetto è frutto quindi di una amorevole e lunga serie di compromessi, da cui sono usciti tutti soddisfatti.

All’interno del film sono ben dodici le canzoni cantate da Luca Marinelli, vi sfido a riconoscerle tutte (o meglio a distinguerle da quelle originali).

Nerdando in breve

Fabrizio De André. Principe libero sarà al cinema il 23 e il 24 gennaio, distribuito da Nexo (le sale coinvolte le trovate in fondo a questa pagina), e poi in tv in due serate su Rai1, il 13 e 14 febbraio.
Per chi ama Faber un appuntamento imperdibile.

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È considerato uno dei film horror più terrorrizzanti di sempre e sta per tornare al cinema: Shining, cult di Stanley Kubrick, sarà di nuovo sul grande schermo per Halloween.

A quarant’anni dalla pubblicazione del romanzo di Stephen King che ha ispirato il film, Nexo Digital ci regala infatti la visione di Shining al cinema, in un evento speciale della durata di tre giorni.

Solo il 31 ottobre ed il 1 e 2 novembre potrete gustarvi il capolavoro di Kubrick nel buio della sala cinematografica, in italiano e nella versione da 119 minuti. La proiezione sarà preceduta dall’inedito cortometraggio Work and Play, sulla lavorazione del film.

Work and Play prende il titolo proprio da un elemento del film: è una parte della frase che il personaggio di Jack Torrance scrive ossessivamente con la macchina da scrivere (in italiano, la frase è stata modificata in Il mattino ha l’oro in bocca).

Shining è diventato una pietra miliare della storia del cinema ed è considerato uno dei migliori film di Stanley Kubrick. Nonostante Stephen King si sia dichiarato in più di un’occasione scontento del film, troppo diverso dal suo romanzo, c’è chi (come me) lo considera addirittura superiore all’originale.

Le innovazioni apportate da Kubrick, come il labirinto o le gemelle, d’altra parte sono tra gli elementi maggiormente scolpiti nella memoria del pubblico e sono divenuti fortemente identificativi di Shining.

Se amate il film e siete tra coloro che nell’ormai lontano 1980 non hanno potuto gustarselo al cinema, allora è questa l’occasione giusta per rimediare.

Ma l’opportunità è da non perdere anche per chi non ha ancora mai visto il film e per tutti gli appassionati di Stephen King.

Peraltro, questo è il momento d’oro dello scrittore: con la prossima uscita di IT e la recentissima messa in onda di La Torre Nera e della serie TV The Mist, c’è nuovo interesse intorno al prolifico autore americano e alle sue opere.

Shining viene riportato al cinema da Nexo Digital con la collaborazione dei media partner Radio Deejay e MYMovies.it. Presto sarà disponibile l’elenco delle sale aderenti all’iniziativa sul sito www.nexodigital.it.

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Recensione

Prendete il tratto tipico di Miyazaki e la sua cura per i dettagli e unitelo a una trama impegnativa in puro stile Neon Genesis Evangelion: otterrete “Oltre le nuvole, il luogo promessoci”.

Dopo quasi 13 anni dall’uscita in Giappone, il film di Makoto Shinkai sbarcherà in Italia martedì 11 e mercoledì 12 aprile, seguendo l’onda creata da “Your Name”, lungometraggio animato del medesimo autore.

La Nexo Digital in collaborazione con Dynit sta portando al cinema diversi anime suddivisi in cicli; attualmente è in corso il 4°, che ha previsto il sopracitato “Your Name” a gennaio e “YU-GI-OH! The Dark Side of Dimensions” a marzo, e che prevede, dopo “Oltre le nuvole, il luogo promessoci”, “Mobile Suit Gundam: Thunderbolt – December Sky” il 16 e 17 maggio e “Sword Art Online Ordinal Scale” il 13 e 14 giugno.

Trama

Shinkai crea un presente alternativo modificando gli eventi dopo la seconda guerra mondiale: il Giappone, spartito fra russi e americani, viene ricompattato negli anni ’90 lasciando però l’isola di Hokkaido nelle mani sovietiche. Al centro dell’isola viene costruita un’imponente torre bianca che presto diventa simbolo di libertà e oggetto di racconti e leggende locali, dal momento che nessuno sembra conoscerne la reale funzione e il tutto è permeato da un alone di mistero.
A svariati chilometri di distanza dalla torre vivono Hiroki Fujisawa e Takuya Shirakawa, due giovani amici che un giorno si imbattono nei resti di un aereo precipitato e decidono di ripararlo. Iniziano così a lavorare in una fabbrica di missili e a investire ogni centesimo guadagnato nel loro sogno: mettere in funzione l’aereo per raggiungere la torre e svelarne il mistero.
Mentre il progetto procede, Hiroki si innamora di una loro compagna di classe, Sayuri Sawatari, la quale inizia a seguire il duo nei pomeriggi di lavoro e ad appassionarsi al loro desiderio, tanto da farsi promettere di essere portata con loro durante il primo volo.

Fin qui niente di strano. La trama si districa abbastanza liscia durante la narrazione e già è possibile rimanere estasiati dalla paesaggistica. Ho apprezzato soprattutto il colore, sfumato e variegato al punto giusto, realistico e per nulla ampolloso, e la colonna sonora, nella quale si distingue il meraviglioso timbro del violino.
Tuttavia, da circa questo punto del film in poi, tutto si complica.

La protagonista femminile sparisce all’improvviso senza lasciare tracce e, sebbene entrambi siano dispiaciuti, è soprattutto Hiroki a sentirne la mancanza. Inizia così un periodo molto duro per i due giovani ragazzi, che intraprendono strade diverse e si separano, accantonando il sogno che aveva forgiato la loro amicizia. A questo punto la trama è dettata soltanto dalle emozioni dei giovani: man mano infatti verranno resi noti i motivi della sparizione di Sawatari (della quale ho deciso di non parlare per evitare di rovinarvi il finale) e parallelamente si vede da vicino lo stato di sconforto di Fujisawa. L’assenza dell’altro è ostinatamente combattuta dal desiderio della sua vicinanza e l’ossimoro che si crea genera una situazione inaspettata: la volontà di colmare il vuoto è talmente forte che i due giovani iniziano a interconnettersi pur non essendo fisicamente nello stesso luogo. Shinkai realizza nella pellicola quello che è il sogno di molti: poter chiudere gli occhi e raggiungere col pensiero qualcuno di estremamente lontano, quasi irraggiungibile, così da potergli parlare, fare domande e sentirne meno la mancanza.

Inoltre, mentre i due lottano contro le circostanze che li separano, forze esterne minacciano l’instabile equilibrio che tentano di creare. È quindi il momento di aggiungere al film organizzazioni segrete, ricerche scientifiche, esperimenti, varchi verso altre dimensioni e aeroplani militari che sorvolano la torre, rivelando qualcosa di spaventoso che allarma l’esercito giapponese. Vengono presi provvedimenti e nascono lotte fra i due amici d’infanzia: Hiroki e Takuya si rincontrano su due fronti opposti, ciascuno mutato nel profondo dal corso degli eventi ma entrambi ancora legati dal sogno di far volare l’aeroplano.
Riusciranno a salvare il Giappone e risolvere i loro conflitti? E Sawatari che fine farà?

Probabilmente ho già detto troppo, anche se mi sembra di non aver detto nulla visto ciò di cui parlavo. Non è certo un film leggero e rilassante, quindi lo consiglio solo a chi abbia voglia di fermarsi un attimo e lasciarsi travolgere da un’ondata di emozioni inattese, oppure a chiunque sia un patito di anime drammatici e fantascientifici.

Nerdando in breve

Film d’animazione con grafica spettacolare, introspettivo e psicologico. Pregevole colonna sonora, avvincente a tratti ed emozionante. Consigliato ai patiti di Evangelion e a chiunque sappia apprezzare un lungometraggio drammatico. Al cinema solo l’11 e 12 aprile.

Nerdandometro: [usr 3]

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Trailer

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Recensione

Il mondo dell’animazione giapponese è qualcosa di meraviglioso, capace di regalare un variegato ventaglio di emozioni allo spettatore, dal divertimento alla commozione, dall’orrore alla meraviglia.

Abbiamo tutti imparato ad amare ed apprezzare i lavori del genio Hayao Miyazaki quali La Città Incantata, Il Castello Errante di Howl, Il Mio Vicino Totoro e tanti altri film, ma adesso siamo “pronti” ad accogliere il nuovo lavoro di Makoto Shinkai, giovane regista che sta inanellando una serie di grandi successi, ultimo dei quali Your Name (Kimi no Na wa – 君の名は), uscito in Giappone nell’agosto 2016 ed eccezionalmente arrivato nelle sale italiane nei giorni 23-24-25 gennaio 2017 grazie agli sforzi congiunti di Nexo Digital, Dynit e persino l’Ente Nazionale del Turismo Giapponese.

Your Name è diventato il film d’animazione dai maggiori incassi della storia del cinema d’animazione giapponese, superando persino La Città Incantata e sfondando ampiamente il tetto dei 20 miliardi di Yen (più di un milione e mezzo di Euro). E, spoiler, sono tutti più che meritati.

Trama

Siamo in Giappone, divisi tra la rurale cittadina di Inomori e la megalopoli Tokyo.
Mitsuha è una ragazza di Itomori, stufa dell’ambiente limitato e ripetitivo della campagna, desiderosa di vivere nella capitale. Taki, invece, è un ragazzo di Tokyo, non troppo “innamorato” della grande metropoli, che si divide tra scuola e lavoro, in una vita dai ritmi elevati.

Sin dalle prime battute, ci accorgiamo di come i due ragazzi all’improvviso inizino a “scambiarsi” di corpo nel corso delle notti, risvegliandosi l’uno nei panni dell’altro, con tutte le implicazioni del caso: Taki non potrà fare a meno di palpeggiarsi il petto ogni mattina e di risolvere alcune questioni con un piglio prettamente maschile, mentre Mitsuha donerà al ragazzo un tocco di femminilità che lo aiuterà non poco a far colpo sulla capocameriera del ristorante dove lavora (tra l’altro il nome del ristorante è un riferimento ad una precedente opera di Shinkai, Il Giardino delle Parole, in italiano sulle insegne), stupendo gli amici di sempre per la sua “strana” educazione.

I ragazzi iniziano sempre più a rendersi conto di quel che sta succedendo, e iniziano anche a scambiarsi messaggi sui rispettivi cellulari o, nei momenti in cui scoprono che l’altro ha fatto qualcosa di “strano”, anche con un pennarello indelebile sul corpo! Il “caso” vuole che in quei giorni la cometa Tiamat (i fan di Final Fantasy riconosceranno questo nome) sta passando molto vicino alla terra, proprio in corrispondenza del Giappone; i due ragazzi, ormai sempre più uniti, cercano di mettersi in contatto proprio nel giorno in cui la cometa è al suo apogeo; tuttavia, una inaspettata verità li attende… NdR: mi fermo qui per evitare di raccontarvi il vero nucleo della trama, altrimenti vi rovinerei la visione!

Regia

Your Name è un film d’animazione che rasenta la perfezione. Al di là della trama, che “inizia davvero” dove mi sono fermato nel paragrafo precedente, la pellicola è un gioiello dai punti di vista della realizzazione e della tecnica.

La storia viene raccontata magistralmente, con un susseguirsi di emozioni e di situazioni che non possono lasciarvi indifferenti, e la tematica delle relazioni, sempre presente nei lavori di Makoto Shinkai, assume un valore che va oltre i confini dello spazio e del tempo delle vite dei due protagonisti.

Spassosi i momenti di scambio corpi iniziali, dove i ragazzi si devono loro malgrado abituare a delle differenze sostanziali che però danno luogo a simpatiche gag – chi non si tasterebbe il seno risvegliandosi donna?

Come in Beyond the Clouds, 5cm/secondo e Il Giardino delle Parole (tutte opere di Shinkai, e se non le avete mai viste/lette, sapete cosa fare), i protagonisti sono ragazzi alle prese con la vita quotidiana e con le relazioni interpersonali, elemento caro al regista nipponico, che in passato ha raccontato situazioni drammatiche ed emozionanti, e che in Your Name racconta in maniera ancora differente.

Ci sono elementi facilmente riconducibili alla mano del regista, cosa che apprezzo poiché dona quel tocco personale che, ad esempio, ha fatto la fortuna di Miyazaki, Satoshi Kon e degli artisti più famosi, tuttavia senza risultare ridondante o privo di freschezza.

Tecnicamente parlando

Your Name è a livelli altissimi, testimonianza della cura nella realizzazione che ci aspettiamo da una produzione simile.

Animazioni morbide e fluide, colori ricchi e brillanti ed espedienti tecnici di regia della migliore tradizione d’animazione giapponese la fanno da padrone, e ho particolarmente apprezzato la sequenza nella grotta del sake, fantastica e onirica, e la realizzazione della cometa Tiamat con la sua cangiante scia luminescente.

Scenografia e fotografie perfette, e mi fa piacere sottolineare che quasi tutte le inquadrature, soprattutto quelle ambientate a Tokyo, possono essere ritrovate nel mondo reale, pertanto palazzi, strade, stazioni sono tutte rintracciabili nel corso di un vostro viaggio in Giappone – e non vi nego che ora che ci andrò cercherò di ritrovare qualche scorcio!

Itomori invece è una cittadina fittizia, tuttavia è anch’essa “reale” nella sua rurale semplicità, segno che anche gli ambienti nei quali si muovono i protagonisti sono parte integrante della vicenda narrata.

Infine, ho apprezzato tantissimo il doppiaggio italiano – segno che, come credo fortemente, i nostri doppiatori sono tra i migliori al mondo quando ci impegniamo davvero! – e la scelta di inserire delle canzoni all’interno del film, cosa che ho già apprezzato nelle precedenti opere di Shinkai – come non citare “One More Time, One More Chance” nell’ultima parte di 5cm/secondo – e che accompagnano i momenti salienti in maniera più efficace di una semplice colonna sonora. Ovviamente, i brani sono cantati in giapponese.

Concludendo

Your Name è un capolavoro dell’animazione giapponese, punto. Non tanto per tutto il successo, non solo per la realizzazione tecnica, ma proprio per la sua essenza, per l’assurda ed emozionante storia che racconta, dove nonostante la presenza di un elemento “sovrannaturale” come lo scambio dei corpi tra Mitsuha e Taki, la realtà delle relazioni è il cardine della narrazione, contornata dalla presenza delle due città, Itomori e Tokyo, che vivono secondo i loro ritmi attorno ai due protagonisti e regalano momenti emozionanti a noi spettatori.

Your Name rimarrà di certo nella storia, e Makoto Shinkai ha guadagnato un posto nel cuore degli appassionati di tutto il mondo e non solo, anche perché già con i precedenti lavori aveva convinto gli spettatori, me compreso. Non posso che consigliarvi con tutto il cuore di correre al cinema per vederlo e, non appena disponibile, inserirlo nella vostra collezione, proprio lì affianco ai film dello Studio Ghibli. E adesso, dove vi porterà il filo del vostro destino?

Nerdando in breve

Un ragazzo ed una ragazza si scambiano i corpi, ma questo non è che l’inizio di una storia che trascende i fili intrecciati del destino: Your Name, il capolavoro di Makoto Shinkai.

Menzione d’onore: Makoto Shinkai, ad inizio proiezione, ha ringraziato i fan italiani tramite un breve videomessaggio. Cose che ti fanno piacere e che ti fanno capire la passione e l’amore di un regista per la sua creazione. Grazie!

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Ghostbusters!!!

Preparatevi perché, oggi e domani, i cinema italiani saranno invasi da un’orda di fantasmi! E…Who you gonna call?

“Ghostbusters”, film cult di Ivan Reitman del 1984, spegne quest’anno le 30 candeline e, per festeggiare il traguardo, torna al cinema, in versione restaurata in qualità 4K. La notizia ha scatenato i fan di tutto il mondo, a dimostrazione del fatto che la pellicola è entrata inesorabilmente nel cuore degli spettatori e, a distanza di tre decadi, non è affatto dimenticato dai suoi fan. L’evento si è svolto negli Stati Uniti ad Agosto, mese in cui, trent’anni prima, il film aveva raggiunto le sale per la prima volta, registrando un buon successo di pubblico. Per gli appassionati italiani invece, l’attesa è stata più lunga ma, grazie a Nexo Digital, anche noi potremo (ri)gustarci la pellicola sul grande schermo.

Le proiezioni saranno l’evento conclusivo e culminante del Ghostbusters Fest, svoltosi a partire dal mese di Settembre con varie iniziative in tutta la penisola, a dimostrazione di come la comunità italiana raggruppata intorno al mito degli Acchiappafantasmi sia tra le più attive e numerose.

“Ghostbusters”, scritto a quattro mani da Dan Aykroyd ed il compianto Harold Ramis, era un film su cui, all’epoca, nessuno credeva molto. Girato a tempo di record (a questo sono dovuti i numerosi goofies presenti nella pellicola), inaspettatamente, seppe conquistare il pubblico di tutto il mondo, tanto da guadagnarsi, nel giro di cinque anni, anche un seguito, “Ghostbusters II”. Alla base di tanto successo, oltre ad una storia fresca e accattivante, stanno sicuramente un cast perfettamente in parte (Bill Murray in particolare, con buona pace di John Belushi, per il quale era stato scritto inizialmente il ruolo del dottor Peter Venkman) ed un’atmosfera goliardica, presente sul set durante le riprese (molte scene furono ridoppiate perché, girando, gli attori improvvisavano molto) e che traspare fino a raggiungere lo spettatore. Fondamentali furono anche una colonna sonora, realizzata da Ray Parker Jr., orecchiabile e trainante, ed una campagna pubblicitaria azzeccatissima: per i trailer del film, infatti, fu utilizzato lo spezzone con lo spot degli Acchiappafantasmi. Invece del numero di telefono finto che appare nel film, però, compariva un numero reale che, se chiamato, permetteva di ascoltare un messaggio preregistrato di Dan Aykroyd e Bill Murray, che affermavano di essere fuori a caccia di fantasmi. Il numero ricevette circa mille chiamate l’ora, 24 ore su 24, per sei settimane consecutive, alimentando la febbre degli Acchiappafantasmi.

Il successo fu tale da dare vita anche ad una serie animata, prodotta dal 1986 al 1991 e intitolata “The Real Ghostbusters”, che mi permetto di ricordare perché, da bambina, ne ero una grande appassionata. Il cartone animato fu molto seguito e diede vita anche ad un consistente merchandising dedicato ai suoi protagonisti (io stessa ero fieramente in possesso dell’action figure di Egon e del pupazzetto di Slimer).

“Ghostbuster II”, invece, nonostante non abbia deluso al botteghino, non si dimostrò all’altezza del suo predecessore. La stanca ripetizione di gag e idee del primo film portarono, infatti, ad abbandonare l’idea, fortemente sostenuta invece da Dan Aykroyd, di dare vita ad una terza pellicola. Il progetto, tuttavia, non è stato mai del tutto abbandonato e dopo vari, infondati, annunci nel corso degli anni ed un videogioco uscito nel 2009, ad Agosto, in concomitanza con la riproposta del primo “Ghostbusters” nelle sale americane, è stata finalmente ufficializzata la produzione di un nuovo film dedicato agli Acchiappafantasmi. La pellicola verrà diretta da Paul Feig e, secondo le ultime indiscrezioni, non sarà un seguito ma un reboot con un cast totalmente al femminile. Le reazioni alla notizia, come era prevedibile, sono state le più varie. Personalmente, l’idea non mi dispiace ma sono consapevole che l’operazione è più che mai delicata ed il rischio di un colossale flop è dietro l’angolo. Al momento, il regista sta lavorando alla sceneggiatura insieme a Katie Dippold, per cui il giudizio è sospeso. La speranza è che questa pellicola possa dare nuova linfa alla serie e non, come temono molti, distruggerla completamente.

Nell’attesa, possiamo accontentarci di goderci la pellicola orginale, in versione restaurata, al cinema il 18 ed il 19 Novembre. Smettete di collezionare spore, muffe e funghi e correte a cercare la sala più vicina!

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