Il Pride Month al cinema

Ormai da anni a questa parte, giugno è ufficialmente il Pride Month. Da quella prima volta nel 1969 quando, in seguito ad una violenta retata della polizia degli Stati Uniti in un locale gay di New York, centinaia di persone scesero in strada dando vita al primo corteo LGBTQ+, di strada ne è stata percorsa tanta.

Oggi, che il movimento è diventato globale e – per fortuna- le discriminazioni in base al genere e all’orientamento diventano sempre più rare, abbiamo pensato di celebrare il Pride Month ricordando alcuni tra i film che hanno fatto delle tematiche LGPQ+ il loro centro.
Al cinema, in realtà, abbiamo solo l’imbarazzo della scelta tra moltissime e validissime pellicole: questo sono solo 5 tra le moltissime che potete scoprire e riscoprire!

Moonlight

Protagonista degli Oscar 2017, dove viene ricordato per essere stato annunciato come vincitore nella categoria miglior film solo dopo l’errore che aveva indicato La La Land come trionfatore. Ed è un peccato che l’attenzione si concentri principalmente su questo episodio, perché Moonlight è invece un film interessante e intenso, che vanta il primato di essere il primo titolo con tematica LGBTQ+ a vincere l’ambito riconoscimento cinematografico, nonché il primo con un cast totalmente afro-americano.

La pellicola segue la vicenda di vita di Chiron, dapprima bambino in una situazione di degrado e alle prese con una famiglia difficile e poi adolescente e adulto in una società di strette vedute e dalla quale sembra impossibile emergere.

I segreti di Brockback Mountain

Anche in questo caso ci troviamo di fronte ad un film premiatissimo (ben tre Oscar per lui nel 2006) e tra i più famosi in assoluto: I segreti di Brockback Mountain.
Interpretato da Heath Ledger e Jake Gyllenhaal e diretto da Ang Lee, il film racconta la drammatica storia d’amore tra due cowboy nel Wyoming degli anni Sessanta.

I segreti di Brockback Mountain si rivelò ai tempi un grandissimo incasso, ottenendo anche ampio riconoscimento da parte della critica. I tempi però non erano ancora maturi come sarebbe stato nel 2017 per Moonlight: arrivato agli Oscar come il titolo con il maggior numero di candidature, non conquisterà la statuetta per il miglior film ma solo quelle per la miglior regia, per la sceneggiatura non originale e per la colonna sonora.

Le fate ignoranti

Un film di casa nostra, tornato prepotentemente alla ribalta grazie alla serie TV che ne è stata tratta e che è attualmente in corso du Disney+.
Le fate ignoranti, interpretato nel 2001 da Stefano Accorsi e Margherita Buy, è probabilmente il titolo più apprezzato della filmografia del regista Ferzan Ozpetek, il quale comunque inserisce tematiche LGBTQ+ in quasi tutti i suoi lavori (personalmente, sono una grandissima fan di Saturno Contro).

La pellicola ci porta ad accompagnare Antonia alla scoperta della bisessualità, fino ad allora ignorata, del defunto marito: la donna scoprirà un intero mondo avvicinandosi a Michele, amante di suo marito.

Chiamami col tuo nome

Molto conosciuto e apprezzato è anche Chiamami col tuo nome, adattamento del romanzo omonimo di James Ivory ad opera di Luca Guadagnino, interpretato da Timothée Chalamet nel 2017.

Premiato con l’Oscar per la migliore sceneggiatura nel 2018, il film mostra l’estate di Elio e Oliver, tra scoperta di sé ed esplorazione dei sentimenti.

In&Out

Tra le molte possibilità, ho scelto di concludere con una delle mie pellicole preferite, una di quelle che riguardo ogni volta che ne ho l’occasione. In & Out è stato diretto da Frank Oz nel 1997 e interpretato da Kevin Kline, Tom Selleck e Joan Cusack.

Uno dei primi esperimenti a Hollywood nel panorama della commedia in questo campo, il film racconta la vicenda del professor Howard Brackett che, alla vigilia del suo matrimonio, subisce un coming out in diretta televisiva da parte di un suo ex allievo, che lo dichiara gay nel suo discorso di accettazione del premio Oscar. La vita del timido professore ne risulterà più che scombussolata.

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Ve le ricordate le videoteche? Quei posti dove andavi e affittavi film da guardare poi in compagnia sul divano e che qualcuno non restituiva mai? (Samuele Bersani, giusto per dimostrare quanto fosse diffuso il fenomeno, ci ha fatto su anche una canzone bellissima, Senza titoli).

Ecco, io nelle videoteche ci ho passato una fetta importante della mia vita e grazie a loro ho scoperto pellicole che poi mi sono rimaste nel cuore per sempre.  Quella di frequentare le videoteche è un’abitudine che mi hanno insegnato i miei genitori: da bambina, il sabato sera classico prevedeva pizza e film in cassetta. Crescendo, il rito si è esteso e ho passato tantissimi pomeriggi (e perfino qualche mattina) a guardare film affittati insieme agli amici.

Questo lungo preambolo per dire che proprio una videoteca mi ha fatto scoprire il film di cui vi parlo oggi. Il destino di un cavaliere è uscito nel 2001 con la regia di Brian Helgeland (uno che aveva scritto L.A. Confidential e avrebbe scritto Mystic River) e interpretato da un cast da paura che comprende Heath Ledger, Paul Bettany, Mark Addy, Alan Tudyk, Rufus Sewell e Shannyn Sossamon.

Mi ricordo ancora quando, scorrendo le proposte della mia videoteca di fiducia, mi sono imbattuta in questo titolo e mi ha subito incuriosita: alla prima visione, me ne sono innamorata. Adesso che è stato aggiunto al catalogo Amazon Prime Video ho voluto riguardarlo vent’anni dopo e ho scoperto che le emozioni che sa regalare sono rimaste le stesse. Il destino di un cavaliere invecchia bene e resta divertente e scanzonato anche a distanza di vent’anni.

Protagonista è il giovane William, scudiero di umili origini con il sogno impossibile di diventare cavaliere. La fortuna sembra girare dalla sua parte quando, durante un torneo, Sir Ektor, il cavaliere che William serve, muore improvvisamente: il ragazzo ha così l’occasione di fingersi Sir Ektor e concludere il torneo al suo posto.

Incassata la vittoria, William riesce a convincere gli altri due scudieri ad assecondare la sua idea e, assunta l’identità fittizia del fantomatico Sir Ulrich von Lichtenstein, creata per lui dal poeta Geoffrey Chaucer, incontrato sul loro cammino, si prepara a gareggiare nelle giostre di tutta Europa.
Sul suo cammino, troverà anche l’amore, nelle sembianze della bella e anticonvenzionale Lady Jocelyn.

Detta così potrebbe sembrare l’ennesima storia di cavalieri ma Il destino di un cavaliere è molto diverso da tutti i film sul medioevo che avete visto.
L’idea alla base è quella di dare vita a un “medioevo rock”, moderno e vivace. Non fraintendete: non vi troverete di fronte a tecnologie anacronistiche o stridori storici ma tutto il film è costellato di sprazzi di modernità.

A cominciare dall’abbigliamento e dal trucco, in particolare quello di Lady Jocelyn. Proprio lei, tra l’altro, è un personaggio sfaccettato e molto distante dal prototipo di damina medievale: una vera femminista ante litteram.

Non solo, la musica è quanto di più Seventies potete trovare: Queen, AC/DC, Eric Clapton, la colonna sonora è un vero gioiello che vi consiglio di recuperare.
Piccola chicca: nella sequenza iniziale, sulle note di We Will Rock You dei Queen se aguzzate la vista potrete scorgere nel pubblico che assiste al torneo anche Brian May e Roger Taylor.

Abbigliamento e musica sicuramente influiscono sull’impressione generale che fa de Il destino di un cavaliere un film rockettaro, ma a contribuire è anche il modo in cui ci vengono mostrati i giostranti, vere e proprie rockstar dell’epoca.
Particolarmente riuscito, poi, sicuramente anche grazie all’interpretazione di Paul Bettany, è il personaggio di Geoffrey Chaucer, uno dei pochi attinti realmente dalla storia.

Chaucer, quello vero, è stato un autore fondamentale della letteratura inglese e il regista, che aveva scritto il ruolo appositamente per Bettany, ha dichiarato che si è divertito a immaginare una storia per lo scrittore in un periodo storico di cui non si sa granché della sua vita.

Insomma, Il destino di un cavaliere è un film diverso, divertente e rockettaro: io vi consiglio tantissimo di recuperarlo!

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Tornati a chiuderci in casa, pronti a nuove lunghe sessioni di divanaggio, questa volta a tenerci al calduccio è La regina degli scacchi, la magnifica miniserie Netflix ambientata in piena Guerra Fredda, capace di guadagnarsi il 100% dei voti favorevoli su Rotten Tomatoes.

Recensione

È un periodo drammatico questo e c’è un gran bisogno di belle storie che ci tengano lontani dall’ansia di quello che accade fuori di casa e La regina degli scacchi è il diversivo ideale: una storia originale, un’interprete perfetta, dialoghi non scontati e una bella fotografia.

Gli scacchi sono un gioco, un hobby o un lavoro (a seconda dell’uso che se ne fa) estremamente affascinante, anche per chi non li conosce in modo approfondito. La chiave di lettura per questa serie è su più livelli, adatta sia a chi vanta un buon livello di competenza in materia scacchistica (consulente delle coreografie della serie è Garri Kimovič Kasparov), sia a chi ama i biopic ambientati nel bel mezzo delle rivalità tra russi e americani. L’uso del flashback permette di scoprire gradualmente le fasi della vita che hanno portato Beth a diventare una donna adulta, fortissima e piena di fragilità allo stesso tempo.

«La scacchiera è il mondo. I pezzi sono fenomeni dell’universo. Le regole del gioco sono le leggi della natura e l’altro giocatore è nascosto a noi».

La regina degli scacchi è anche uno spaccato di vita che ben rappresenta l’essere donna, giovane e talentuosa in un mondo dominato da uomini maturi e con un livello di competitività alle stelle, per di più in un periodo in cui alla donna era riconosciuto un ruolo quasi solo all’interno delle mura domestiche.
In modo molto credibile, la miniserie rappresenta le difficoltà che comportava in una società così fortemente maschilista, il voler sopravvivere (e vincere) in un mondo ostile, in cui è più facile rinunciare e lasciarsi schiacciare piuttosto che avanzare a testa alta per portare avanti i propri pedoni.

Trama

“Gli uomini penseranno di essere superiori a te. Questo non li rende più intelligenti. Non dargli troppo peso e cerca di fare sempre e solo ciò che senti.”

Queste le parole con cui la madre abbandona la giovane Elizabeth Harmon, sola al mondo, ponendo fine alla propria vita infelice e schiantandosi in un incidente stradale. La bambina rimane per lunghissimo tempo in orfanotrofio, in cui imparerà tra uno psicofarmaco e l’altro come diventare grande e scoprirà la sua prima vera, grande passione: il gioco degli scacchi. E questa passione, allenata con sacrificio e dedizione, la porterà a diventare un Grande Maestro ai massimi livelli di competizione internazionale.

Progetto

Tratto dal libro in parte autobiografico di Walter Tevis del 1983, il tema della miniserie creata da Scott Frank e Allan Scott avrebbe dovuto essere il primo film diretto da Heath Ledger – che si riconosceva molto nella parte fragile di Beth e nelle sue dipendenze – con l’attrice premio Oscar Ellen Page nel ruolo di protagonista.

Cast

L’attrice Anya Taylor-Joy è la magnifica (e un po’ fastidiosa) protagonista delle sette puntate della serie. L’odioso cugino di Harry Potter (Harry Edward) e il Jojen Reed del Trono di spade (Thomas Brodie-Sangster) sono tra i tanti avversari che Beth incontra nel corso della sua carriera e forse gli unici a sostenerla fino alla fine.

Curiosità

Tutti i meravigliosi abiti indossati dalla protagonista durante le gare sono a tema scacchistico. Il titolo originale della serie (The Queen’s Gambit) si riferisce al Gambetto di Regina, la mossa di apertura che Beth utilizza in tutte le sue partite. L’attrice, che prima di questa esperienza non sapeva giocare a scacchi, ha imparato per l’occasione e per memorizzare le mosse da giocare in rapida sequenza, si allenava con la coreografia delle mani pochi minuti prima di girare le scene.

Nerdando in breve

Una strepitosa serie tv sul mondo degli scacchi, sulla forza delle donne e sulla perseveranza: da non perdere.

Nerdandometro: 4,8/5

Trailer

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NerdandoSu LGBTQ+

Quello in corso è il mese dedicato alle tematiche LGBTQ+, che culmina il 28 giugno con la Giornata Mondiale dell’Orgoglio LGBT.
Come spesso accade, il cinema si è fatto spesso portavoce delle istanze di questa fetta di umanità e lo ha fatto attraverso le modalità più disparate, passando dal dramma all’umorismo e coprendo un’infinità di possibilità e aspetti diversi.
Oggi, per il nostro NerdandoSu LGBTQ+, vi proponiamo un viaggio attraverso 10 film per approfondire questo tema in tutte le sue sfumature.

I segreti di Brokeback Mountain

Diretto nel 2005 da Ang Lee e interpretato da Jake Gyllenhaal e Heath Ledger, è forse il più famoso dei film su questo tema e racconta la divampante e drammatica passione tra due cowboy tra le montagne del Wyoming.
Ispirato al racconto Brokeback Mountain di Annie Proulx, il film racconta un amore intenso soffocato da un contesto che non lo accetta ed è  stato accolto molto positivamente, vincendo tra gli altri premi il Leone d’Oro a Venezia e tre Oscar (miglior regia, migliore sceneggiatura non originale e migliore colonna sonora).

Boys don’t cry

Uscito nel 1999, è il film che ha imposto una giovane Hilary Swank all’attenzione della critica. Basato su un fatto di cronaca, Boys don’t cry racconta le vicende del giovane Brandon Teena, transgender nato biologicamente femmina.
L’interprete del protagonista è stata premiata in questa occasione con il Golden Globe e il premio Oscar e il film ha mostrato un efficace ritratto di un giovane alla ricerca della sua identità.

Moonlight

Il film che verrà ricordato per sempre come quello “dell’Oscar sbagliato” (sul palco era stato annunciato La La Land come vincitore e solo in un secondo momento, quando i produttori avevano già iniziato il discorso di ringraziamento, è stato rettificato l’errore) è in realtà un acuto ritratto di tematiche complesse come omosessualità, dipendenza dalla droga e povertà viste attraverso il percorso di vita di Chiron. Oltre all’Oscar per il miglior film, Moonlight ha ottenuto anche quelli per il miglior attore non protagonista (Mahershala Ali) e per la migliore sceneggiatura non originale.

Transamerica

Diretto nel 2005 da Duncan Tucker e interpretato da Felicity Huffman, premiata con il Golden Globe per la sua interpretazione, il film racconta le vicende di Bree Osbourne, ex Stanley Osbourne che, in attesa di poter effettuare l’intervento di cambio del sesso, intraprende un viaggio attraverso gli Stati Uniti per conoscere il figlio diciassettenne che ha appena scoperto di avere.

In & Out

Diretto nel 1997 da Frank Oz e interpretato da Kevin Kline, Matt Dillon, Tom Selleck e Joan Cusack, In & Out è uno dei film che affrontano con più leggerezza e allo stesso tempo intelligenza il tema dell’omosessualità.
Il professor Howard Brackett sta per sposarsi con una collega quando la sua vita viene sconvolta dalla rivelazione fatta da un suo ex allievo, che rivela di come il professore sia gay nel ritirare il premio Oscar. Da quel momento, la sua vita è sconvolta e viene costretto a guardarsi dentro davvero per la prima volta.

Il vizietto

Diretto nel 1978 da Èdouard Molinaro e tratto da un’opera teatrale, Il vizietto è interpretato da Michel Serrault e Ugo Tognazzi e racconta della coppia omosessuale composta da Renato e Albin, gestori di un locale di drag-queen, costretti a fingersi una coppia eterosessuale per permettere al figlio di Renato di poter sposare la ragazza dei suoi sogni, figlia di un esponente ultraconservatore.

Tutto su mia madre

Scritto e diretto da Pedro Almodovar nel 1999, Tutto su mia madre è stato premiato al Festival di Cannes per la migliore regia e ha vinto il Golden Globe e il Premio Oscar come miglior film straniero e ci mostra il viaggio di Manuela che, dopo la morte del figlio, parte alla ricerca del padre del ragazzo, un transessuale che si fa chiamare Lola.

Hammam – Il bagno turco

Poteva forse mancare un titolo del più compiuto cantore di queste tematiche nel cinema italiano? Hammam è stato diretto da Ferzan Ozpetek nel 1997 ed è la sua opera prima.
Francesco riceve in eredità da una zia che nemmeno sapeva di avere la gestione di un bagno turco in Turchia. Giunto sul posto, resta affascinato da Istanbul e dal giovane Mehmet.

Priscilla – La regina del deserto

Uscito nel 1994 e interpretato da Hugo Weaving e Guy Pearce e premiato con l’Oscar ai migliori costumi, il film racconta il viaggio attraverso il deserto australiano di un travestito e due drag queen a bordo della loro jeep Priscilla.

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Lo scorso 20 ottobre, il Batman di Tim Burton ha compiuto trent’anni esatti. Avendo adorato follemente la trilogia di Christopher Nolan del 2005 (e seguenti), ho pensato di cogliere la palla al balzo e recuperare questa vecchia perla. Qualora vi interessasse, lo trovate su Netflix.

Trama

Il film parte a storia già avviata, quindi scordatevi di vedere subito la drammatica scena dell’omicidio dei Wayne davanti al piccolo Bruce.

La mafia spadroneggia nei vicoli angusti, il procuratore distrettuale Harvey Dent sta cercando di calmare le acque in vista del bicentenario della città e a dargli man forte c’è il commissario Gordon, l’iconico capo della polizia di Gotham City. A pattugliare la zona c’è anche il misterioso Batman (Michael Keaton), l’uomo pipistrello che incuriosisce Alexander Knox e Vicki Vale (Kim Basinger), reporter e fotocronista locali.

In un clima teso e caotico, il boss Carl Grissom e il suo fedelissimo assistente Jack Napier (Jack Nicholson) coprono i loro loschi affari con l’industria chimica Axis. Una sera Grissom tende un agguato a Napier, che oltre a fargli da braccio destro è anche l’amante della sua fidanzata. Sul campo di battaglia si presenta anche Batman, che per svariate ragioni si trovava già nei paraggi. Durante una colluttazione con spari e agguati, Jack cade in una vasca d’acido e tutti lo credono morto, pertanto lo scontro si conclude e i contendenti se ne vanno soddisfatti.

Tuttavia, Napier riemerge dall’acido più pallido e sorridente che mai (e anche un po’ folle), e dichiara vendetta sia al capo malavitoso che gli ha teso l’agguato, sia al giustiziere mascherato che durane lo scontro l’ha spinto nella cisterna piena, diventando la causa dello sfregio che ne segnerà in eterno il volto ormai candido.

Spetta dunque al Cavaliere Oscuro proteggere la città dall’assurdo piano di vendetta che il folle criminale ha elaborato, cercando contemporaneamente di non trascurare la donna della quale si è innamorato, sulla quale però ha messo gli occhi nientemeno che lo stesso Joker.

Citazioni trasmesse ai posteri

Nonostante la possibilità di fruire della versione originale, per caso e per pigrizia ho guardato Batman doppiato in italiano. Lo so, non si fa, i film si guardano solo come regista li ha fatti, senza sottotitoli, con il telefono silenziato, schermo grande, popcorn e mille altre dettagli da cinefili. Invece l’ho visto un po’ com’è capitato, su schermo piccolo e con qualche interruzione, ma almeno ho potuto distinguere facilmente tre frasi iconiche che or quinci or quindi ho sentito altrove. Eccole di seguito, dalla meno alla più nota.

“Se non ora, quando?“, oltre a essere un famoso romanzo di Primo Levi, è una frase che da tempo rimbalza di bocca in bocca fra film e serie televisive. A pronunciarla con particolare enfasi è Alfred, il maggiordomo-assistente-genitore-amico (e molto di più) che accompagna Bruce nella vita quotidiana. Quando il magnate di Gotham si mostra indeciso ed esitante nell’intraprendere una possibile relazione con l’abile fotografa Vicki, ecco che il buon Pennyworth lo invita a non trattenersi.

“Dimmi, bambino, tu danzi mai con il Diavolo nel pallido plenilunio?” Questa frase in realtà, più che essere stata ripresa, ha il grande merito di stipulare un forte legame fra Batman e la sua nemesi. Film e fumetti raccontano storie diverse sul nesso fra i due personaggi, e Burton aggiunge alla rosa delle opzioni una di quelle che la storia continua a trasmettere. Stando al film pare infatti che fu proprio Jack a freddare Thomas e Martha Wayne, rivolgendo poi al piccolo Bruce la suddetta frase. Al termine della vicenda, poco prima che l’eroe mascherato dia il colpo di grazia al ridente pagliaccio, gli sentiamo pronunciare le medesime parole, rivelando così la sua vera identità all’acerrimo nemico prima di dirgli addio per l’ultima volta.

“I’m Batman.” Sì, perché quando all’inizio del film il Cavaliere Oscuro afferra un malfattore per la casacca, lo tiene a penzoloni giù da una balaustra, facendogli percepire il senso di vuoto e di paura in un crescendo di tensione e adrenalina, quando gli dice “Non ti ucciderò, devi farmi un favore: parla di me ai tuoi amici” e il tipo risponde tremando “Chi sei?“, ecco, proprio lì ho switchato al volo la traccia audio, così da sentire Micheal Keaton che tutto tronfio pronuncia il celeberrimo “I’m Batman” che tutti conosciamo. Perché se forse io appartengo alla generazione dell’ “Io sono Iron Man” come rivelazione cult, è altrettanto vero che qualunque format televisivo pensato per la massa (come The Big Bang Theory e affini) presenta in almeno un episodio un personaggio che si autoproclama il difensore di Gotham.

Due Batman a confronto

Del confronto fra questo Batman e le svariate versioni alternative (cartacee o cinematografiche che siano), ne hanno parlato approfonditamente i 400 calci, quindi se volete un’analisi fatta da chi era bimbetto nell’89, leggete là. Per il parere da millennial, invece, proseguite dritti dopo il punto.

Il primissimo elemento che salta all’occhio, soprattutto se paragonato al Joker di Todd Phillips (sì insomma, quello di Joaquin Phoenix), è il colore della faccia dell’antagonista maggiore. Quando Jack Napier cade nell’acido ne esce pieno di ustioni (giustamente), e pertanto è costretto a sottoporsi a un approssimativo intervento di chirurgia plastica che gli lascia, oltre a un agghiacciante sorriso, una faccia più bianca della porcellana.

Il poveretto ricorre ad abbondanti dosi di fondotinta e creme colorate per non destare troppa inquietudine sugli sguardi degli ingenui abitanti di Gotham City. Tutto il contrario, comunque, dei Joker più moderni: da quello di Heath Ledger alla versione di Phoenix, è sempre stato il volto a dover essere mascherato da clown, non il pagliaccio da uomo. Che ci sia dietro un significato metaforico profondo partorito dalla mente artistica e intricata di Tim Burton? E io che ne so. Certo che a ben pensarci come stratagemma non sarebbe niente male: così come il Joker è un agente del caos sempre, che per raggiungere gli ultimi cenni di una normalità residua è costretto a mascherarsi, analogamente Bruce Wayne, timido e impacciato per natura, si trasforma in un antieroe coraggioso solo indossando un costume mascherato, corredato di mantellina svolazzante e giubbotto antiproiettili a forma di pettorali scolpiti.

Forse nel carattere di Batman (e un po’ nella fisicità di Michael Keaton) si vede molto la differenza con cui Burton prima e Nolan poi hanno deciso di raccontare le gesta del Cavaliere Oscuro. Entrambi dark e gotici, entrambi riservati, entrambi ricchi ereditieri circondati da apparecchiature high tech, ma due animi palesemente distinti. Se Christian Bale mi ha abituata a un Batman pragmatico e freddo, che dosa i sentimenti umani col contagocce, quello di Keaton è molto più simile alla Hannah Montana delle ultime stagioni. Un uomo evidentemente provato dal dover reggere il peso di una doppia vita, che vorrebbe lasciarsi andare all’amore per una donna intraprendente e avvenente, ma alla quale crede di dover rinunciare per via del lavoro pericoloso che svolge in gran segreto.

Analogamente, al di là della carnagione, anche i due Joker si differenziano per le stesse ragioni. Quello di Nolan è raffinato e machiavellico, sempre caotico ma quasi sensuale, con una malvagità razionale degna dei migliori psicopatici da film. Burton invece crea un vero e proprio pagliaccio, un intrattenitore di folle che canta e balla, trasformando ogni scena del crimine in un palcoscenico in cui lui è la star indiscussa dello show. Costumi e colonne sonore, comparse e coreografie da musical, ma soprattutto macchine colorate, oggetti di scena e un grande elicottero con la sua faccia sopra. Un po’ come l’Umbrella Corporation nelle grandi fiere del fumetto, l’anti-Batman vuole essere notato e adorato in tutta la città, contrapponendosi perfettamente al supereroe che usa una caverna come tana.

Conclusione

Ammetto di non aver mai letto i fumetti di Batman, ma conto di sfruttare l’imminente Comics per mettere mano almeno a The killing Joke. Intanto quello che posso dirvi da giovane profana è un po’ quello che ho scoperto frugando online.

Pare infatti che a suo tempo la scelta di Keaton come Bruce non venne promossa a pieni voti dal pubblico, abituato a vedere l’attore solo in vesti comiche. Eppure, seppur qualche purista si lamentò a gran voce e agli studi della Warner arrivarono migliaia di lettere di protesta, il film fu un successone, probabilmente grazie ai toni oscuri e gotici che più che Gotham City, caratterizzano Tim Burton stesso.

Per il resto, è un film d’azione dell’89: gli effetti speciali sono quello che potevano essere, ma sinceramente, reduce del trauma degli uomini topo nella Storia Fantastica, non mi sento nemmeno di bocciarli. Nel complesso devo ammettere di essermelo proprio gustato; certo, finto e improbabile al limite dell’inverosimile, con esplosioni da vero action movie che accompagnano le uscite d’effetto del nostro beniamino.

Eppure, nel complesso, mi è proprio piaciuto. Se vi piacciono i film dai toni dark tendenti al trash e gli action movie alla Mission Impossible, ma con un Ethan Hunt con maschera e mantello (e con più strumenti dell’Ispettore Gadget), questo è decisamente il film che fa per voi.

Buon compleanno, Batman di Burton!

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Film maledetti

Il nostro NerdandoSu del mese per ottobre 2019 non poteva che essere dedicato ad Halloween. E quale modo migliore per festeggiare la notte delle streghe che sedersi tutti intorno al falò a raccontarci storie del terrore?
La nostra redazione si è quindi riunita intorno al fuoco e ognuno ha tirato fuori la sua storia di paura: guardatevi le spalle e stringetevi intorno alle fiamme, perché oggi vi parlerò dei film maledetti.

Incompiuti

Sebbene il cinema sia pieno di progetti incompiuti, alcuni di questi sembrano avvolti da un’aura di mistero soprannaturale. Uno dei casi più eclatanti riguarda L’uomo che uccise Don Chisciotte, film che Terry Gilliam ha cercato invano di realizzare fin dal 1998 ed è riuscito a portare a termine solo nel 2018. La produzione fu funestata dai problemi più disparati: economici, di scrittura, di location, di cast. I protagonisti inizialmente dovevano essere Johnny Depp e Jean Rochefort; quest’ultimo, dopo innumerevoli problemi di salute, fu costretto a rinunciare alla parte. Anche Depp abbandonò il progetto per via del contratto che nel frattempo aveva firmato con Disney. Prima di essere portata a termine nel 2018 con Adam Driver e Jonathan Pryce nei panni dei protagonisti, la produzione del film fu cancellata ben due volte. Gilliam ha raccontato la sua epopea nel documentario Lost in La Mancha.

Ben più inquietanti le problematiche che girano intorno ad Atuk, pellicola mai realizzata che doveva essere tratta dal romanzo satirico del canadese Mordecai Richler.
La sceneggiatura sembra essere avvolta da una vera e propria maledizione, visto che tutti gli attori che finora sono stati ingaggiati o hanno mostrato interesse per il progetto sono morti prima di potercisi effettivamente dedicare: la lista è lunga e comprende John Belushi (overdose), Sam Kinison (incidente d’auto), John Candy (attacco di cuore), Micheal O’Donaghue (emorragia cerebrale), Chris Farley (overdose) e Phil Hartman (assassinato).  Dopo la tragica serie di decessi, la sceneggiatura è stata definitivamente accantonata da Hollywood e venduta all’asta su Ebay: non è noto chi l’abbia acquistata e dove si trovi attualmente.

Morti sospette

Alcuni film sono ricordati come grandi capolavori ma anche come forieri di morti premature e sospette per gli attori che li hanno interpretati. Tra questi va sicuramente ricordato Gioventù bruciata, capolavoro del 1955 che contribuì a lanciare la fama dell’astro nascente James Dean. Come tutti sappiamo, l’attore morì in un incidente stradale a pochi giorni dalla prima della pellicola, a soli 24 anni. James Dean non è stato però l’unico interprete di Gioventù Bruciata ad andare incontro a una fine tragica: Sal Mineo fu accoltellato per strada nel 1976 e Natalie Wood annegò in circostanze mai del tutto chiarite nel 1981.

Roman Polanski ha spesso diretto nel corso della sua carriera pellicole che si occupavano di paranormale ma la più chiacchierata è sicuramente Rosemary’s Baby, del 1968. Quando nel 1969 la Family di Charles Manson portò a termine il massacro di Bel Air, in cui rimase uccisa Sharon Tate, moglie del regista al 9° mese di gravidanza, furono in molti ad avanzare l’ipotesi che il film avesse avuto una sorta di influenza maligna sull’accaduto. Il fatto, poi, che nel 1980 John Lennon venne assassinato proprio davanti all’edificio usato per gli esterni di Rosemary’s baby non ha fatto che alimentare l’inquietudine.

Anche le morti avvenute sul set, comunque, hanno contribuito a creare intorno ai lungometraggi che ne sono stati colpiti l’aura di film maledetti: il caso più eclatante è sicuramente quello de Il Corvo, diretto nel 1994 da Alex Proyas e interpretato da Brandon Lee. Il protagonista rimase ucciso da una pallottola esplosa da una pistola che doveva essere invece caricata a salve. Non è morto sul set Heath Ledger, ma sono stati in molti a pensare che il ruolo di Joker interpretato ne Il Cavaliere Oscuro abbia influito sulla sua dipartita.

Un terribile incidente, infine, colpì il set di Ai confini della realtà (1982) durante l’episodio diretto da John Landis: un elicottero si schiantò al suolo decapitando l’attore Vic Morrow e un bambino che faceva da comparsa e schiacciandone a morte un secondo. Landis, che aveva contravvenuto alle norme sul lavoro dei minori nel cinema, non si riprese mai da questa catastrofe.

Scelte sbagliate

Non solo fatalità e sinistre coincidenze: a volte alcune pellicole si guadagnano la fama di film maledetti a causa delle scelte sbagliate o poco accorte di registi e addetti ai lavori. È il caso de Il Mago di Oz, diretto nel 1939 da Victor Fleming. In questo caso gli errori fatti riguardavano la scelta del trucco: l’interprete dell’uomo di latta, Buddy Ebsen, finì intossicato dalla polvere di alluminio che lo ricopriva, con conseguente ricovero per polmone collassato e sostituzione con un altro attore. Ebsen continuò ad avere problemi respiratori per tutta la vita mentre il suo sostituto se la cavò con una “semplice” infezione agli occhi. L’interprete della Strega dell’Ovest, invece, subì ustioni perché truccata con polvere di rame, altamente infiammabile.

Altro film che ha pagato scelte discutibili è Il Conquistatore, che nel 1956 vedeva John Wayne calarsi nei panni di Gengis Khan. La location scelta per gli esterni era un’area altamente radioattiva poiché utilizzata dall’esercito americano per condurre test atomici. Come se non bastasse, il terreno fu trasportato a Hollywood per girare gli interni. Il terribile risultato fu che 91 delle 220 persone coinvolte nella lavorazione, tra cui lo stesso John Wayne, morirono di cancro derivato dall’esposizione alle radiazioni.

Particolarmente travagliata anche la lavorazione di Fitzcarraldo, diretto nel 1982 da Werner Herzog. Le location scelte dal regista non erano delle più ospitali e funestarono la produzione con eventi atmosferici, malattie e problemi politici. A questo si aggiunse l’ossessione del regista di girare una scena in cui veniva scalata una montagna con una nave usando una vera imbarcazione a grandezza naturale e rifiutando i modelli in scala, con tutti gli ovvi problemi che ne conseguono.

Strani incidenti

Se molti dei problemi che si verificano durante la lavorazione di un film sono imputabili alla cattiva gestione, alcuni sembrano essere invece inspiegabili e fanno sì che l’immaginazione vaghi verso percorsi più sinistri. È il caso di Shining, capolavoro di Stanley Kubrick del 1980. Come sappiamo la lavorazione del film fu resa un vero inferno per alcuni degli attori (Shelly Duvall su tutti) dallo stesso regista, ma non mancarono eventi inspiegabili. Diversi set furono infatti distrutti da incendi di cui non è mai stato possibile stabilire l’origine.

Anche sul set di The Ring 2, sequel americano diretto dal regista del prototipo giapponese, Hideo Nakata, avvennero strani incidenti. Gli uffici della produzione si allagarono per la rottura di un tubo e una seconda volta per la rottura di una tanica d’acqua, il set fu invaso da uno sciame di api, un cervo assalì un costumista. Eventi tutti stranamente simili ad alcune sequenze del film, tanto che il regista richiese l’intervento di un ministro shintoista per purificare il set.

Maledizioni

Ancora più inquietante di incidenti apparentemente inspiegabili è quando alcuni film sembrano essere colpiti da autentiche maledizioni. Tra gli esempi più famosi c’è Poltergeist, diretto nel 1982 da Tobe Hooper. Ad alimentare la diceria il fatto che entrambe le protagoniste più giovani del film siano morte in circostanze drammatiche. La giovanissima Heather O’Rourke, infatti, morì a soli 12 anni poco prima dell’uscita dell’ultimo film della saga a causa di una diagnosi errata che le causò uno shock settico. Dominique Dunne, invece, fu strangolata dal suo fidanzato. Secondo alcuni questi eventi sarebbero legati al film perché girato sopra un antico cimitero indiano.

Altrettanto famoso è il caso di L’Esorcista, diretto nel 1973 da William Friedkin: la lavorazione fu colpita da incendi, incidenti di ogni tipo e perfino morti inquietanti (di familiari delle persone che lavoravano al film e anche di un attore). Il regista chiamò un vero esorcista per liberare il set da eventuali presenze demoniache.

Ma il film maledetto per eccellenza è sicuramente The Omen – Il Presagio, diretto nel 1976 da Richard Donner. In questo caso le coincidenze spaventose sono state tantissime. Qualche esempio? L’aereo su cui viaggiava il protagonista, Gregory Peck, fu colpito da un fulmine; pochi giorni dopo un altro aereo, su cui viaggiava lo sceneggiatore, fu a sua volta colpito da un fulmine. Il figlio di Gregory Peck si tolse la vita poco prima dell’inizio delle riprese. La stazione metropolitana in cui dovevano essere svolte delle riprese saltò in aria mentre la troupe la stava raggiungendo. L’aereo noleggiato per delle scene si schiantò al suolo, investendo l’auto su cui viaggiavano moglie e figli del pilota: morirono tutti. Ma l’incidente più spaventoso fu quello che coinvolse il creatore degli effetti speciali John Richardson, autore della sequenza della decapitazione in The Omen: mentre lavorava ad un nuovo film, ebbe un terribile incidente stradale in cui la sua fidanzata, che viaggiava con lui, morì decapitata. L’incidente avvenne al km 66.6.

In alcuni casi la maledizione comunque sembra non colpire solo il film ma direttamente il personaggio che ne è protagonista: è il caso della celebre “maledizione di Superman“. Questa convinzione è derivata dal fatto che il ruolo del supereroe sembra aver portato sfortuna a tutti i suoi interpreti (cosa non del tutto vera: a ben guardare, solo due degli attori, peraltro con cognomi assonanti, sembrano essere stati perseguitati dalla cattiva sorte). Negli anni Cinquanta Superman fu interpretato da George Reeves, che non riuscì più, dopo il film, ad ottenere ruoli importanti. L’attore fu trovato morto, pochi giorni dopo le nozze, per un colpo di pistola alla tempia. Il decesso fu archiviato come suicidio, nonostante l’assenza di impronte digitali della vittima sulla pistola.
Nel 1978 fu Christopher Reeve a prendere con successo il ruolo di Superman nel lungometraggio diretto da Richard Donner. Successivamente, l’attore fu coinvolto in uno sfortunato incidente di equitazione, che lo lasciò paralizzato dal collo in giù per il resto della vita.

Leggende

Chiudiamo questo lungo excursus con un paio di leggende inquietanti. La prima ci porta indietro nel tempo fino al 1922, quando Murnau girò il suo Nosferatu. Il capolavoro del cinema espressionista vede nei panni del Conte Orlok il fantomatico Max Schreck, attore tedesco che sembra non essere mai esistito: nulla si sa di lui né prima né dopo Nosferatu, infatti. Il nome, che tradotto significa “Massimo Terrore”, potrebbe essere un nome d’arte ma chi si celasse dietro lo pseudonimo e il pesante trucco del vampiro non è mai stato accertato. Secondo alcuni fu lo stesso Murnau a interpretare il protagonista, secondo altri si tratterebbe di un vero vampiro.

Non solo film di paura, comunque: a volte le sinistre apparizioni possono coinvolgere anche le commedie. È il caso di Tre scapoli e un bebè, diretto nel 1987 da Leonard Nimoy. In una delle inquadrature del film, infatti, è possibile intravedere la sagoma di un bambino nascosta dietro la tenda. L’immagine non è nitida e, negli anni, ha dato adito alla voce che si trattasse di un fantasma apparso sul set durante le riprese. Anni dopo, il mistero sembra essere risolto: si tratterebbe di un cartonato appoggiato al muro ed entrato per sbaglio nell’inquadratura ma la spiegazione non ha convinto proprio tutti.

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Joker

In questi giorni arriva nei cinema Joker, lungometraggio di Todd Phillips dedicato all’iconico nemico di Batman e che promette di rivoluzionare completamente l’immagine dei cinecomic. Nei panni del protagonista, un ispirato Joaquin Phoenix, alle prese con quella che è stata definita già da molti come “l’interpretazione della vita”.

Ma questa non è certo la prima volta che Joker arriva al cinema: il personaggio creato da Bob Kane, Bill Finger e Jerry Robinson nel 1940 ha da subito saputo imporsi nell’immaginario collettivo e negli anni sono stati molti gli attori a cimentarsi in un ruolo complesso e sfaccettato, dando vita a caratterizzazioni personali e uniche.
Scopiamo, quindi, i volti di Joker attraverso gli attori che gli hanno dato vita al cinema!

Cesar Romero

La prima incarnazione cinematografica di Joker avviene nel 1966 nel lungometraggio Batman ma viene dalla televisione: il film, infatti, si collega all’omonima e popolarissima serie televisiva interpretata da Adam West. Cesar Romero interpreta il ruolo dell’antagonista tanto nella serie quanto nel film ed è quindi a tutti gli effetti il primo attore a dare volto a Joker.

Il personaggio, nella versione di Romero, è colorato e pop, coerentemente con lo stile di tutta la serie. È il nemico per eccellenza di Batman, tanto da essere il più ricorrente nella serie. Il Joker di Romero è anche… “il Joker con i baffi“: come per tutti i suoi ruoli, infatti, l’attore rifiutò di tagliare i folti baffi che furono quindi coperti con abbondanti dosi di trucco. Il cerone, comunque, non riesce a nasconderli completamente e risultano visibili in molte scene.

ndr. Se non avete mai visto questo film, correte a recuperarlo e guardatelo rigorosamente in italiano: il doppiaggio è parte integrante del divertimento.

Jack Nicholson

Nel 1989 si decide per un restyling meno pop e parodistico del personaggio di Batman e del suo universo, preferendo toni dark più vicini alle atmosfere del fumetto.
Nasce così Batman, diretto da Tim Burton e con Micheal Keaton nel ruolo del supereroe. Si poteva girare un film del genere senza inserire Joker? Certo che no, e per il ruolo del villain viene scelto Jack Nicholson, con il benestare di Bob Kane in persona e sbaragliando la concorrenza di attori del calibro di Robin Williams, Willem Dafoe (che si rifarà anni dopo con il ruolo di Goblin nello Spider-Man di Sam Raimi), Tim Curry e perfino David Bowie.

Nicholson, in realtà, non é pienamente convinto della scelta e fa inserire nel suo contratto una clausola che stabiliva il numero di ore massime che può dedicare alle riprese, cosa che lo fa entrare nel Guinness dei Primati come l’attore più pagato della storia per una singola performance.

Il risultato, comunque, è un Joker colorato e deliziosamente folle, che unisce alla perfezione crudeltà e non sense.

ndr. Danzi mai col diavolo nel pallido plenilunio?

Heath Ledger

Nel 2008 le sorti dell’uomo pipistrello sono in mano a Christopher Nolan, che sta realizzando una nuova trilogia ancora più dark. Nel secondo capitolo, Il Cavaliere Oscuro, l’eroe interpretato questa volta da Christian Bale deve vedersela con la nemesi per antonomasia: Joker.

In questa versione, il criminale è interpretato da Heath Ledger, che per questa performance ottiene anche un Oscar postumo (l’attore è infatti morto prematuramente nel gennaio del 2008).
Il Joker di Ledger è ispirato alle storie The Killing Joke e Arkham Asylum e a personaggi come Alex DeLarge e Sid Vicious. Il risultato è un criminale lucidamente folle, completamente votato al caos.

Heath Ledger era famoso per la cura maniacale con cui si dedicava alla preparazione dei suoi personaggi e con Joker ha saputo compiere un lavoro magistrale.

ndr. Insieme a quello di Nicholson, questo è il mio Joker preferito: due facce diverse della stessa medaglia.

Jared Leto

Conclusa la trilogia di Nolan, è ancora una volta tempo di cambiamenti per Joker al cinema. Nel 2016 il personaggio ricompare in Suicide Squad, diretto da David Ayer, con il volto di Jared Leto.
Questa versione di Joker si distacca completamente da tutte le precedenti già nell’aspetto, mostrandosi con il corpo ricoperto da tatuaggi e con dentatura in ferro.
Leto dà la sua personale interpretazione che non ha convinto proprio tutti ma d’altra parte, venire subito dopo Heath Ledger e il lavoro che aveva fatto sul personaggio era un’impresa pressoché impossibile per chiunque.

Dopo le molte incarnazioni di cui abbiamo parlato, quella di Joaquin Phoenix si è distaccata ancora una volta dalle interpretazioni precedenti, concentrandosi su un aspetto ancora diverso del personaggio. Sarà il suo il Joker migliore? E ce n’é davvero uno o piuttosto si tratta di mille volti possibili della stessa maschera ghignante?

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Manca poco ormai all’arrivo di It sul grande schermo. Pennywise, l’inquietante pagliaccio creato dalla mente di Stephen King, è pronto a popolare gli incubi degli spettatori di tutto il mondo, molto dopo aver invaso quelli del pubblico degli anni Novanta grazie alla miniserie TV, interpretata da un memorabile Tim Curry, che lo ha visto protagonista.

It, fin dalla sua comparsa sotto forma di romanzo nell’ormai lontano 1986, vanta un primato: ha cambiato per sempre l’iconografia del clown. Se i pagliacci sono tradizionalmente associati al circo ed al divertimento, infatti, con It assumono una connotazione decisamente più spaventosa, che è diventata in seguito iconica per molte persone, tuttora terrorizzate da queste figure.

In attesa di scoprire la nuova incarnazione di Pennywise al cinema, mi sono domandata: quali sono i clown più spaventosi apparsi al cinema? Per rispondere ne ho selezionati 5 decisamente inquietanti!

Capitano Spaulding (La casa dei 1000 corpi)

Uno dei clown più inquietanti mai apparsi sul grande schermo è sicuramente il Capitano Spaulding, interpretato da Sid Haig.

Il pagliaccio appare nel film del 2003 La casa dei 1000 corpi e nel sequel del 2005, La casa del diavolo, entrambi diretti da Rob Zombie.

Spaulding, col suo inconfondibile trucco da clown, dirige il museo dell’orrore “Capt. Spaulding’s Museum of Monsters and Madmen”, visitato spesso da giovani turisti che non fanno una bellissima fine.

Il Cloyne (Clown)

Cosa succede quando il pericolo insito in un travestimento da clown è il costume stesso?

È il punto di partenza di Clown, film del 2014 diretto da Jon Watts.

Un padre di famiglia indossa un costume da clown trovato in cantina per allietare la festa del figlio. L’amara verità che dovrà scoprire è che non potrà più toglierselo: il costume, infatti, è infestato da un pericoloso demone assetato di sangue, il Cloyne.

Joker (Batman e Il Cavaliere Oscuro)

Ok, non parliamo esattamente di un pagliaccio nel senso classico del termine ma non si può negare che il trucco del personaggio del Joker sia ispirato ad un clown e che l’acerrimo nemico di Batman abbia notevolmente influenzato l’iconografia del genere.

Creato da Jerry Robinson con la collaborazione di Bill Finger e Bob Kane, il personaggio nasconde dietro il perenne sorriso una natura sadica e diabolica e si configura come uno dei clown più inquietanti mai visti.

Tra le molte incarnazioni di Joker sul grande schermo ho scelto le due, diametralmente opposte, di Jack Nicholson (in Batman, del 1989 e diretto da Tim Burton) e di Heath Ledger (in Il Cavaliere Oscuro, diretto da Christopher Nolan nel 2012), entrambe riuscitissime e spaventose.

Art the clown (All Hallow’s Eve)

Meno conosciuto degli altri ma non meno terrificante è Art, clown serial killer protagonista di All Hallow’s Eve, esordio alla regia di Damien Leone e datato 2013.

Caratterizzato da un trucco estremamente riconoscibile e da una crudeltà fuori dal comune, il clown è protagonista di un esperimento metafilmico semplice quanto terrificante.

John Wayne Gacy (Gacy)

Chiudiamo con un ultimo, spaventoso, clown reso ancora più inquietante perché tratto dalla vita reale.

Le vicende del film, diretto nel 2003 da Clive Saunders, infatti, sono ispirate al serial killer statunitense John Wayne Gacy.

Cittadino modello, tanto che aveva l’abitudine di interpretare il clown negli ospedali pediatrici per alleviare le sofferenze dei bambini, Gacy in realtà è uno spietato serial killer, che ha mietuto più di trenta vittime prima di essere scoperto.

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Tutti hanno sognato, almeno una volta nella vita, di diventare un cavaliere.
Proprio per materializzare questa fantasia, Brian Helgeland realizzò, nell’ormai lontano 2001, Il destino di un cavaliere.

Il film vede le vicende di William Thatcher (Heath Ledger) che, da semplice scudiero, si ritroverà con di fronte l’occasione giusta per realizzare il suo sogno: imbracciare le armi, “cambiare le proprie stelle” e diventare un cavaliere. Insieme ai compagni di una vita intraprenderà, quindi, un viaggio per cambiare il proprio destino, dettato dalle sue origini non nobili.

Pellicola decisamente originale, Il destino di un cavaliere riesce a fondere le ambientazioni tipicamente medievali (si parla del 1370) con contaminazioni assai moderne.
A partire dalle acconciature e dalle musiche, dichiaratamente prese dagli anni 70 (a cominciare dalla formidabile We will rock you, interpretata da Robbie Williams), i costumi, i balli e le dinamiche sono un perfetto connubio tra storia e modernità.

A condire il tutto ci sono le ottime prove attoriali.
Partendo dal protagonista, le interpretazioni danno vita a personaggi perfettamente realizzati e caratterizzati. Paul Bettany regala un indimenticabile (anche se improbabile) Geoffrey Chaucer e Rufus Sewell, con il suo Conte Adhemar e la sua faccia da schiaffi, è l’antagonista perfetto per un film del genere. Vanno poi necessariamente citati Mark Addy, il futuro re Robert Baratheon della saga Il Trono di Spade, ed il memorabile Alan Tudyk, senza dimenticare Shannyn Sossamon, che rivedremo poi nella serie Wayward Pines.

Un cast stellare, quindi, che contribuisce a rendere questo film una piccola perla, condita da amore, amicizia, tornei cavallereschi e duelli con la spada.
Se da piccoli sognavate di vivere avventure medievaleggianti, di conquistare dame e di battere in accaniti scontri il vostro rivale in arme, ma anche se vi sentite terribilmente nostalgici delle musiche anni 70 o semplicemente siete alla ricerca di un film diverso ed indimenticabile, dategli una chance e non ve ne pentirete di certo: la pellicola saprà conquistarvi, riuscendo a rimanervi in testa per parecchio tempo.

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