Recensione

Devo andare nello spazio è una graphic novel tanto surreale quanto concreta. Lo stile peculiare, quasi fanciullesco, eppure pulito ed efficace, mi ha conquistato immediatamente. Scritta e disegnata da Riccardo Atzeni per Bao publishing, è un’ironica e amara constatazione di come i nostri piccoli grandi drammi personali siano sempre in grado di raggiungerci.
Anche nello Spazio.

La trama? Tieniti forte: arriva.

Trama

Il cagliaritano Mocci è un corriere: il suo lavoro è andare nello Spazio e recuperare i file perduti dalle persone. A bordo della sua utilitaria, da oltre cinque anni viaggia ogni giorno nelle profondità cosmiche di uno spazio che sta diventando sempre più piccolo (o forse affollato), trova i file perduti, torna sulla Terra e li restituisce ai legittimi proprietari.
Con lui la sua migliore amica, Arianna, che ama la danza e studia per prendere la licenza e diventare corriere a sua volta.

Mocci e Arianna sono amici viscerali: si conoscono da anni, hanno passioni in comune e condividono praticamente tutto. Non sono una coppia (e non lo saranno mai) e nel loro equilibrio si compensano a vicenda: aiutandosi, supportandosi, insultandosi e prendendosi (metaforicamente) a schiaffi quando serve. Lei ama Scooby-Doo, lui Guybrush Threepwood. Non sono perfetti e per questo si perfezionano assieme.

Poi c’è la vita e le sue difficoltà. Lui è un disastro con la famiglia, lei con le questioni di cuore.
Lo spazio, enorme metafora di Internet e della facilità con cui lo usiamo per perdere noi stessi, resta sullo sfondo di un dramma famigliare (e sociale) che scava nel profondo, che lascia solchi indelebili e cicatrici dalle quali è impossibile guarire del tutto.
Se è vero che ognuno reagisce a proprio modo alle difficoltà e ai lutti della vita, è anche vero che nessuno è realmente da solo e che le proprie scelte, giocoforza, avranno un impatto sugli altri, causando di rimando nuovi dolori, ferite e cicatrici.

Possiamo nasconderci quanto vogliamo, possiamo isolarci e rintanarci nelle profondità dello Spazio, certo, ma la verità è che non possiamo nasconderci da noi stessi e lo spazio, quello che occupiamo, non sarà mai abbastanza vasto da impedirci di essere raggiunti.
E fa male.
Ed è un bene.

Mi fermo qui, il resto lo dovrai scoprire leggendo il volume.
Mi raccomando, però, non contraddite mai Arianna sul suo amore per Scooby: “possa un buco nero assorbire l’immonda materia che forma te e i tuoi gusti in fatto di cartoni animati”
Questa me la annoto e la riciclo con mia figlia e i suoi gusti in fatto di quasi qualsiasi cosa.

Autore

Riccardo Atzeni (rikatz), pirrese emigrato a Cagliari, è nato nel 1981.
Si occupa di illustrazione, animazione e fumetti. Ha realizzato fumetti e illustrazioni per Bompiani, l’inserto Fumetti di Domani Editoriale e 7 del Corriere. Come animatore, concept artist e direttore artistico ha curato alcuni cortometraggi animati indipendenti. Nel 2021 è uscito per Panini Saetta Rossa, con testi di Marco B. Bucci.
Fa parte, insieme a Chiara Lamieri, Barbara Pirisi e Elena Cabitza del collettivo sardo studioITTE.
Devo Andare Nello Spazio è il suo primo lavoro come autore unico.

Commento

Incredibile constatare come la cultura di internet si sia irrimediabilmente fusa con quella pop e insieme abbiano formato un substrato culturale ormai archetipico (secondo la logica Junghiana) in cui ogni persona dello Stivale può tranquillamente riconoscersi.
Non mi riferisco solo alla spassosa carrellata di meme in cui il protagonista si perde a inizio racconto, ma proprio alle piccole imprescindibili cose che fanno ormai parte del nostro trascorso (online). Se anche i meme, dopo un po’ rientrano nella categoria vintage (come la moda, la musica e ormai anche i videogiochi) allora dobbiamo ricordarci che tutto si sta assottigliando.

Un abito è vintage se ha compiuto decine di anni, un meme lo è dopo sei mesi. In mezzo c’è tutto il resto e la fusione delle fonti è ormai un continuum, un fiume in piena dal cui è impossibile riemergere e che continua a soffocarci e trascinarci col suo impeto.
Te le pagine che più mi hanno toccato, al di là del finale, struggente, in cui ho potuto (dolorosamente) rispecchiarmi, non posso che scegliere la galassia dei profili defunti.
Immagino sia capitato a tutti, prima o poi, di imbattersi nel profilo social di qualcuno che non c’è più. Le considerazioni filosofiche e morali su ciò che resta esulano sicuramente lo spazio di questo articolo, ma Riccardo Atzeni ne dà una breve ma lucida interpretazione che mi ha fatto a lungo riflettere: e se questo è il tipo di immortalità (digitale) che abbiamo raggiunto, forse non è stata così sbagliata la mia decisione di spazzare via tutti i miei profili social.

Resta l’amara ironia del volume, che sbeffeggia chi si prende troppo sul serio e lascerà di sé solo qualche manciata di spazzatura digitale destinava a rendere sempre più affollato e sempre più piccolo lo spazio infinito. Un grazie a Bao per avermi inviato il volume!

Vuoi chiacchierare e giocare con noi? Vienici a trovare sul nostro Server Discord e sul nostro Gruppo Telegram.

Nerdando in breve

Devo andare nello spazio è una graphic novel dedicata alla solitudine in un universo affollato.

L'articolo Devo andare nello spazio – Nascere vuol dire cadere dentro una famiglia proviene da Nerdando.

Mercoledì 15 luglio 2026, è ripartita la Lega Pauper Chieti, organizzata da Level Up – We Have Fun.

12 giocatori si sono scontrati con in palio un buono da 200 € da dividere per la top 8: ecco com’è andata. La prossima tappa è fissata per mercoledì 22 luglio 2026 alle ore 21.00.

Classifica tappa 1

Classifica Lega Pauper Chieti Estate/Autunno 2026

Qui trovi il dettaglio di ogni tappa.

Vuoi chiacchierare e giocare con noi? Vienici a trovare sul nostro Server Discord e sul nostro Gruppo Telegram.

L'articolo Lega Pauper Chieti Estate/Autunno 2026 – Tappa 1 – La classifica proviene da Nerdando.

“Qualcosa la troverai nel tuo spirito,
qualcos’altro un dio te la suggerirà.”
Omero – Odissea – Libro III

Recensione

AVVERTENZA: A un film come questo ci si può approcciare in tanti modi diversi, perché questa, come pochissime altre, è un’opera potenzialmente capace di farci viaggiare nel tempo e nello spazio.
Nei giorni e nelle settimane precedenti, si è fatto un gran parlare di casting, di location, di armature scintillanti e di filologia in generale, con critiche che hanno sfiorato il parossismo.
Nel vedere questo film, però, io ho scelto di ignorare qualunque preconcetto, per giudicare l’opera per quello che realmente è e non per quello che avrebbe potuto essere. Uno sforzo non indifferente, visto il mio attaccamento all’opera di Omero.
Quello che segue, dunque, è solo un condensato delle emozioni che il film è riuscito a trasmettermi.

Storia di un (non) eroe

A schermo spento e titoli di coda in corso, mi alzo dalla sedia e mi guardo attorno. Sono stordito, lo ammetto.

Nelle mie orecchie risuona ancora la voce dell’aedo che ha dato inizio e fine al film. Vorrei tirare le somme e confessare a me stesso le sensazioni che mi ha lasciato dentro, ma è impossibile farlo “a caldo”. È un film troppo complesso e capisco di dover lasciar depositare sul fondo della mia mente il mare magnum di suoni, voci e personaggi che hanno alimentato le ultime tre ore della mia vita.

La storia che ho visto scorrere sullo schermo è più o meno quella che tutti conosciamo e sulla quale non mi dilungherò più di tanto.
Certo Nolan si è preso le sue licenze, ha tagliato alcune parti, tra cui quella centrale incardinata sulle figure di Alcinoo e Nausicaa, ma, di fondo, le gesta di Ulisse sono esattamente quelle che abbiamo conosciuto sin dalla nostra infanzia. Di fargliene una colpa, non me la sento, in fondo: condensare un’opera così maestosa in tre ore di film imponeva sacrifici e compromessi innegabili.
E, allora, l’unica è lasciare da parte la storia in sé e concentrarsi sul modo in cui ogni cosa è stata rappresentata e, soprattutto, sull’interpretazione che il regista ha voluto dare al suo eroe.

Perché sia chiara una cosa, l’Odissea, nella sua sapiente miscela di dramma e avventura, è un’opera ricca e complessa come poche altre e il suo personaggio principale è talmente sfaccettato da poter essere potenzialmente oggetto di “letture” personali anche diametralmente opposte tra loro.

C’è chi in Ulisse ha visto l’emblema stesso dell’uomo attaccato alla famiglia, chi ha visto in lui il modello dell’eroe classico, senza macchia e senza paura. C’è, infine, chi, come me, ha da sempre considerato Ulisse come l’archetipo della scoperta e della ricerca della conoscenza.
Nolan, invece, sceglie un’altra via.

Addio al multiforme indegno

Nel descrivere le peripezie dell’eroe omerico, Nolan calca la mano sul Destino avverso, quello manovrato, dietro le quinte, dagli dei capricciosi, e trasforma il suo calvario in una sorta di espiazione che lo porta a rivedere totalmente le sue convinzioni iniziali.

In quest’ottica, per l’Ulisse pentito, l’astuzia del cavallo di Troia diventa un bieco inganno, mentre l’eroicità nella conquista di Troia si riduce a un rivoltante massacro.
E così, se l’Ulisse che torna ad Itaca non è più l’Ulisse che anni prima ne era salpato, non è per mere ragioni anagrafiche, ma per colpa della banalità della violenza che lo ha trasformato definitivamente.

Per usare parole che odio, possiamo dire che l’intento di Nolan è chiaramente quello di “decostruire” l’eroe Ulisse, trasformandolo in un vessillo dell’uomo che, pentito, riconosce l’inutilità della propria violenza.
Per raggiungere questo scopo, il regista inanella le sue disavventure, non limitandosi a cancellare dal personaggio ogni traccia di eroismo, ma ponendo in secondo piano anche la sua proverbiale astuzia.
Quello che ne viene fuori è un Ulisse umano, affranto e spesso in totale balia del destino.
Questo diventa chiaro con progredire della storia, tanto che verso la fine ci si rende conto che il vero Ulisse non è quell’uomo sulla zattera alla deriva, ma è la zattera stessa, che, onda dopo onda, viene a sfaldarsi.

Un matrimonio perfetto

Venendo al lato più puramente tecnico, l’Odissea è uno spettacolo per gli occhi e persino per le orecchie.
Mai come in questo caso credo di aver assistito a un matrimonio così perfetto tra immagini e suoni.

Il talento di Nolan dietro la macchina da presa è indiscutibile, tanto nelle situazioni più meditative, quanto nelle numerosissime scene adrenaliniche. Incalzato da percussioni crescenti, lo spettatore non può fare a meno di trattenere il fiato e stringere i pugni in ansia per le sorti del sempre più esile equipaggio.

Da segnalare anche, lungo il cammino, alcune piacevolissime derive inquietanti, perfettamente in linea con l’opera originale, con la scena da body horror di Circe a primeggiare su tutte.

Insomma, da questo punto di vista il film non delude, è semplicemente uno dei film più belli da vedere degli ultimi anni (peraltro senza neanche indugiare eccessivamente nell’uso degli effetti speciali).

Voglio vivere in Islanda

E allora tutte le critiche che lo hanno preceduto? Avevano senso di esistere? Beh, questo lo lascio decidere a te.
Magari, per alcuni, il colore della pelle di Elena può incidere in modo significativo sul giudizio, per altri (tra cui annovero anche me) no.
A mio avviso, si tratta di questioni che nulla aggiungono e nulla tolgono al valore del film nel suo complesso.

Parliamo, in fondo, di un’opera letteraria atipica che nasce orale e si cristallizza pian piano nei secoli, dunque forse non è il caso di arrabbiarsi troppo per qualche licenza.
Certo, in tutta onestà, devo dire che molte di queste “scelte insolite” non hanno reso il film più bello, anzi, non hanno inciso affatto, dunque forse erano in partenza superflue o evitabili.
Di fondo, però, mi sento di promuovere in larga parte le scelte adottate. Bellissime le location (lo so di mezzo c’è pure la contestata Islanda, ma funzionano bene tutte, fidati!), ottimo il cast, seppure alcuni volti funzionano meglio di altri.
Accanto alle conferme dei sempre bravi Anne Hathaway e Matt Damon, ci sono sorprese positive come Jon Bernthal, nel ruolo di Menelao e Himesh Patel, in quello di Euriloco.
Meno convincenti alcune comparsate famose, forse un po’ forzate, come quella di Elliot Page.
Discorso a parte, infine, per Calypso. Ai suoi detrattori, convinti che una cinquantenne non potesse sostenere il ruolo di una ninfa, mi sento di rispondere in modo netto: Charlize Theron ha ancora tanto da dire.

In conclusione

Parlare di un’opera così complessa (e qui mi riferisco tanto al film quanto al testo letterario) richiederebbe pagine e pagine di recensione, anche solo per scalfirne la superficie, ma in fondo davanti a un film del genere, più che alle ragionate elucubrazioni, dobbiamo lasciarci andare alle sensazioni più viscerali.

A me l’Odissea è piaciuta e molto, pur con i suoi limiti e pur con qualche deviazione indigesta dal “sacro testo”.
Se ci si lascia andare alla più pura e spensierata sospensione dell’incredulità, ci si trova dinnanzi a un film capace di rimanere ben impresso nella nostra memoria per molti anni.
Personalmente non condivido la lettura del personaggio di Ulisse adottata da Nolan, ma su di essa spero di potermi soffermare nel corso di un successivo approfondimento.

Quel che rimane, a ogni modo, oltre le apparenze e oltre le critiche aprioristiche, è puro cinema!

Vuoi chiacchierare e giocare con noi? Vienici a trovare sul nostro Server Discord e sul nostro Gruppo Telegram.

Nerdando in breve

Davanti a un film del genere, il miglior consiglio che posso darti è corri a vederlo e giudica tu stesso. Magari non ti piacerà, ma difficilmente rimpiangerai di aver sprecato il tuo tempo.

Trailer

L'articolo Odissea – Un destino implacabile proviene da Nerdando.

Partirà stasera mercoledì 15 luglio 2026, alle 21.00, la Lega Pauper Chieti organizzata dal negozio specializzato Level Up – We Have Fun.

Il torneo di Magic, in formato pauper, sarà composto da 15 tappe: verranno conteggiati i 10 migliori risultati di ogni player per la classifica e la finale tra i migliori 8, con iscrizione gratuita, avrà in palio un premio garantito di 500 € e un bye per il prossimo Paupergeddon.

Ogni tappa, esclusa quella del 23 agosto 2026, si giocherà su un massimo di 4 turni di svizzera.

Dove si gioca

Level Up – We Have Fun è a Chieti Scalo in Via Barcellona, 7.

Il calendario

Tappa 1: mercoledì 15 luglio 2026 ore 21.00 – 200 € di buono garantiti
Tappa 2: mercoledì 22 luglio 2026 ore 21.00 – 200 € di buono garantiti
Tappa 3: mercoledì 29 luglio 2026 ore 21.00 – 200 € di buono garantiti
Tappa 4: mercoledì 5 agosto 2026 ore 21.00 – 200 € di buono garantiti
Tappa 5: mercoledì 12 agosto 2026 ore 21.00 – 200 € di buono garantiti
Tappa 6: mercoledì 19 agosto 2026 ore 21.00 – 200 € di buono garantiti
Tappa 7: domenica 23 agosto 2026 ore 11.00 – 1000 € di buono garantiti
Tappa 8: mercoledì 26 agosto 2026 ore 21.00 – 200 € di buono garantiti
Tappa 9: mercoledì 2 settembre 2026 ore 21.00 – 200 € di buono garantiti
Tappa 10: mercoledì 9 settembre 2026 ore 21.00 – 200 € di buono garantiti
Tappa 11: mercoledì 16 settembre 2026 ore 21.00 – 200 € di buono garantiti
Tappa 12: mercoledì 23 settembre 2026 ore 21.00 – 200 € di buono garantiti
Tappa 13: mercoledì 30 settembre 2026 ore 21.00 – 200 € di buono garantiti
Tappa 14: mercoledì 7 ottobre 2026 ore 21.00 – 200 € di buono garantiti
Tappa 15: mercoledì 14 ottobre 2026 ore 21.00 – 200 € di buono garantiti
Finale: mercoledì 21 ottobre 2026 ore 21.00 – 500 € di buono garantiti

Vuoi chiacchierare e giocare con noi? Vienici a trovare sul nostro Server Discord e sul nostro Gruppo Telegram.

L'articolo Il calendario della Lega Pauper Chieti Estate/Autunno 2026 di Level Up – We Have Fun proviene da Nerdando.

Quante cose succedono davanti a un caffè?

Recensione

Il caffè scandisce la mia vita dai tempi del liceo ma, a farci caso, in casa mia è stato una presenza costante da molto prima. La caffettiera era sempre sul fuoco, pronta per ospiti o momenti di riflessione. Una vera e propria ritualità, che continua ancora oggi e di cui non saprei fare a meno. Un momento intimo, di connessione con se stessi ma anche con gli altri, a seconda della situazione. Il caffè, per me, è tante cose oltre a essere una bevanda: per questo motivo sono stata più che felice di poter leggere L’ora del caffè, manga autoconclusivo di Tetsuya Toyoda, portato in Italia da Bao Publishing. Grazie davvero per questa esperienza!

Trama

Giappone contemporaneo. Diciassette storie si rincorrono tra le pagine. Storie di vita, di solitudini, di rinascita, di scoperta di sé, di resa. A volte ritroviamo personaggi che abbiamo già conosciuto, catturati in un diverso momento del loro percorso; altre volte ci intrufoliamo a sbirciare altre esistenze. Il minimo comune denominatore? Il caffè, che accompagna storie diverse eppure unite dal filo sottile di una bevanda che sa essere molto più di questo. Come andranno a finire tutte queste storie? Non lo sappiamo e, in fondo, non è questo l’importante: quello che portiamo via con noi è uno sguardo fugace, il tempo di una tazzina di caffè. E una riflessione che dura molto più a lungo.

Stile

Non sono un’assidua lettrice di manga, non perché non mi piacciano ma perché rappresentano un medium che ho sempre fruito a piccole dosi, concentrandomi sui titoli che mi colpiscono a prima vista. E questo L’ora del caffè mi aveva incuriosita già dalla copertina e dal titolo. Ci ho trovato dentro una profondità e, allo stesso tempo, una leggerezza che mi hanno conquistato!
Tetsuya Toyoda tratteggia storie accennate, sempre con discrezione ma con il giusto grado di approfondimento. I suoi sono personaggi tridimensionali, ricchi di sfaccettature e imperfezioni e, proprio per questo, incredibilmente umani. Siamo davvero noi stessi davanti a una tazzina di caffè, con i nostri chiaroscuri, e questo aspetto emerge con evidenza nella narrazione di Toyoda. Lo stile grafico mi è piaciuto moltissimo: pulito e realistico, dona espressività ai personaggi ma anche alla scena, immergendoci completamente nella storia che abbiamo davanti agli occhi.

Edizione

L’ora del caffè arriva in formato compatto in un’edizione che rispetta il senso di lettura giapponese. Il volume, in bianco e nero, contiene 208 pagine che racchiudono i racconti (il mio preferito? Il surreale Giraffe!) accompagnati da una stupenda copertina a colori con alette segnapagina. È disponibile dal 19 giugno scorso, al prezzo di copertina di 8,90€. Dato anche il costo contenuto, te lo straconsiglio: non te ne pentirai!
Un grande grazie a Bao per avermelo inviato!

Vuoi chiacchierare e giocare con noi? Vienici a trovare sul nostro Server Discord e sul nostro Gruppo Telegram.

Nerdando in breve

L’ora del caffè: racconti brevi che durano il tempo di una tazzina, profondi e sognanti. Me ne sono innamorata!

L'articolo L’ora del caffè – Spaccato di vite in tazzina proviene da Nerdando.

Introduzione

Ed eccoci qua, con un nuovo episodio di Abiura di Nerd, la rubrica che unisce musica e videogiochi analizzando e riesplorando tutti i giochi citati da Caparezza nel suo pezzo Abiura di Me.

Abbiamo iniziato il nostro viaggio con un gran classico, cioè Puzzle Bobble, e seguendo il testo della canzone ci ritroviamo di fronte a un altro grande caposaldo del gaming: Crash Bandicoot, a cui il “Capa” si paragona in quanto anche a lui piace rompere le scatole.

Pensavi sparassi balle, bravo?
Io sono il drago di Puzzle Bobble
Come Crash mi piace rompere le scatole

La nascita di Crash

Crash Bandicoot è sicuramente tra i personaggi più iconici dei videogiochi, tanto da essere quasi considerato la mascotte della PlayStation 1, al pari di Super Mario per le console Nintendo. Ad attirare il pubblico sono il suo aspetto da “giovane ribelle” e la sua verve comica, una combo perfetta che decreterà il suo successo per parecchio tempo, anche se con qualche scivolone nel corso della sua vita.

Crash è un bandicoot, un marsupiale di piccole dimensioni, che generalmente vive in Australia, in Papua Nuova Guinea o in Tasmania. Nonostante ciò, il suo aspetto ha poco a che fare con i bandicoot osservabili in natura e, per via del suo pelo arancione, spesso è stato scambiato per una volpe (persino Nathan Drake in Uncharted 4 crede che sia “una volpe con i jeans”).

Secondo la lore del gioco, Crash nasce come esperimento mal riuscito del malvagio Dr. Neo Cortex, un folle scienziato che vuole conquistare il mondo grazie al suo esercito di animali geneticamente modificati e che il nostro protagonista cercherà sempre di fermare grazie all’aiuto della sorella Coco e dello stregone Aku Aku. Ma come nasce, invece, Crash come videogioco?

Il primo capitolo di Crash Bandicoot, sviluppato da Naughty Dog in collaborazione con la Universal Interactive, arriva negli scaffali dei negozi americani nel 1996 e nello stesso anno sfonderà anche il mercato europeo e quello giapponese. Il successo di questo platform è immediato e spinge a realizzare un nuovo gioco all’anno. Infatti, il secondo capitolo della saga Crash Bandicoot, Crash Bandicoot 2: Il Ritorno di Cortex, esce nel 1997 e nel 1998 uscirà Crash Bandicoot 3: Warped.

Gli spin off

La popolarità di Crash è alle stelle e bisogna far uscire nuovi giochi. Ecco che escono nel 1999 Crash Team Racing e nel 2000 Crash Bash.

Crash Team Racing, noto anche solo con la sigla CTR, è un gioco di guida con i kart, che a tratti ricorda Mario Kart per alcune meccaniche di gioco. Diversamente da altri giochi di kart, però, è riuscito a distinguersi per la sua personalità, tanto che ancora oggi è ricordato con affetto dai videogiocatori di quegli anni (me compresa).

Crash Bash, invece, è un party game, a cui sono molto legata perché ci giocavo spesso con mio fratello e i miei cugini. Si potrebbe dire che Crash Bash è stato un po’ “il Mario Party di casa Sony“. Sebbene questo sia il primo gioco non sviluppato da Naughty Dog, sono riusciti a non renderlo una semplice brutta copia di un gioco famoso, puntando tutto sulla vera essenza di Crash.

Quanto ci si divertiva a lanciare casse di TNT e missili balistici addosso ad amici e parenti!

Sempre seguendo i ritmi serrati di un gioco all’anno, nel 2001 arriva su PlayStation 2 Crash Bandicoot: L’Ira di Cortex. Questo è il primo Crash a non essere più un’esclusiva Sony, infatti, nel 2002 sarà disponibile anche su Xbox e Nintendo GameCube. Questo titolo ha ricevuto critiche meno entusiaste rispetto ai primi tre capitoli e, anche se mantiene le caratteristiche principali del gioco, segna in qualche modo l’inizio del declino del nostro caro marsupiale.

Morte e rinascita di un’icona

Dopo l’Ira di Cortex sono usciti altri videogiochi con Crash protagonista. Durante le mie ricerche ho scoperto che, oltre ai giochi in cui il design di Crash era stato “tamarrizzato”, ne sono usciti parecchi altri, di cui ignoravo completamente l’esistenza. Pertanto, mi limiterò a fare un elenco con data di uscita ed eventuali particolarità legate al gioco.

2002

• Crash Bandicoot XS: il primo titolo per Game Boy Advance

2003

• Crash Bandicoot 2: N-Tranced : altro platform 2D per Game Boy Advance
• Crash Nitro Kart : nuovo spin-off con i kart per più piattaforme ma di cui ignoravo l’esistenza

2004

• Crash Twinsanity : titolo principalmente per Playstation 2 e Xbox, ma anche per mobile, in cui iniziamo a vedere un inizio di “tamarrizzazione” di Crash
• Crash Bandicoot Fusion : in questo titolo Crash si unisce a un’altra celebre icona videoludica, il draghetto Spyro, per sconfiggere assieme i due cattivi Neo Cortex e Ripto, anche loro alleati.

2005

• Crash Tag Team Racing: un altro spin-off di corse coi kart, pensato stavolta per console portatili come la PSP
• Crash Bandicoot e Crash Racing: due giochi mobile
• Interactive Pachislot Crash Bandicoot: ebbene sì, esiste anche una versione slot machine di Crash Bandicoot

2006

• CR Crash Bandicoot : Dopo le slot machine non poteva mancare la versione pachinko.
• Crash Bandicoot Party Games : un gioco mobile che si potrebbe definire come una collezione di minigiochi in cui era possibile giocare in compagnia di un amico dividendosi i turni e sfidandosi raggiungendo il punteggio più alto.
• Crash Boom Bang!: altro party game, questa volta pensato esclusivamente per il Nintendo DS.

2007

• Crash of the Titans : è probabilmente con questo titolo che iniziamo a indicare la fine di Crash. Un cambio sia nel gameplay (il gioco diventa più hack and slash) che nel design dei personaggi, infatti è proprio con questo gioco che Crash diventa un “tamarro” con cresta e tatuaggi tribali sulle braccia.
• Chokkan♪ Crash Bandicoot : un gioco mobile con minigiochi

2008

• Crash: Il dominio sui mutanti: sequel di Crash of the Titans e ultimo gioco della serie prima della sua rinascita.

Eccolo qua Crash all’apice della sua tamarraggine. Tatuaggi tribali e Aku Aku usato come skate…

Infatti, dopo Crash: Il dominio sui mutanti, verranno prodotti solo alcuni giochi mobile, per poi sparire quasi completamente per anni e ritornare nel 2017 con Crash Bandicoot: N. Sane Trilogy, un remake dei primi tre capitoli originali.
Il successo di questo remake spinge Activision (che nel frattempo ha acquisito i diritti del brand) a produrre anche il remake di Crash Team Racing Nitro-Fueled, che uscirà nel 2019, e nel 2020 un quarto capitolo sequel della N. Sane Trilogy, Crash Bandicoot 4: It’s About Time . Nel 2023, invece, è uscito Crash Team Rumble, un battle arena multiplayer online.

Il quarto capitolo della saga riprende le caratteristiche classiche del platform, ma introduce novità nel gameplay e nella storia, ridonando al giocatore quel livello di sfida e difficoltà che l’ha reso un titolo così celebre e amato in passato.

Parlando proprio del suo livello di sfida, che ti fa provare un mix di gioia e frustrazione, direi che è arrivato il momento di parlare della mia esperienza.

La mia esperienza

Non avendo a disposizione una PlayStation 1, ho deciso di giocare i primi tre capitoli di Crash nella versione remake della N. Sane Trilogy e devo ammettere che è stato bello mettersi alla prova, soprattutto perché, anche se amo il genere platform, non sono particolarmente abile nel trovare il timing perfetto, ma ad ogni livello superato ho potuto notare un miglioramento che è stato fonte di orgoglio.

Crash Bandicoot

Sono partita dal primo Crash Bandicoot e, dei tre, effettivamente quello più tosto. Il livello più divertente da affrontare, sicuramente, è stato quello in cui bisogna scappare da un gigantesco masso rotolante, forse perché dà anche un po’ quel brivido di essere Indiana Jones. Per poter giocare anche gli altri due capitoli, ho deciso di interrompere dopo aver battuto il secondo boss del gioco: il folle Ripper-Roo e le sue dannate casse di dinamite. Dopo vari gameover, ci sono riuscita ed è stata una grande soddisfazione. Penso che con maggiore calma lo riprenderò in mano insieme agli altri capitoli.

Se i millennials lavorano bene sotto stress, è anche colpa e merito di questo livello.

Crash Bandicoot 2: Il Ritorno di Cortex

Ho deciso poi di provare Il Ritorno di Cortex. Dei tre è quello che non avevo mai giocato da piccola ed è anche quello che mi è piaciuto meno. Non mi ha particolarmente colpito, probabilmente, perché mi è sembrato molto ripetitivo e con livelli simili tra loro o a quelli del precedente capitolo. Inoltre, il boss della prima area era nuovamente Ripper-Roo; tuttavia, questa volta la sfida è stata quasi nulla e l’ho sconfitto al primo colpo, rimanendo un po’ delusa dalla facilità.

Crash Bandicoot 3: Warped

Dopo la delusione, ho deciso di tornare nel mio porto sicuro, ovvero Crash Bandicoot 3: Warped. Warped è infatti il capitolo a cui sono sentimentalmente più legata, perché da bambina lo adoravo e quando non riuscivo a superare un livello avevo sempre al mio fianco mio fratello maggiore, pronto ad aiutarmi. Inoltre, amavo i livelli con Coco e Pura, il tigrotto. Perciò mi sono precipitata a rigiocare i livelli della mia infanzia ed è stata pura magia. L’effetto nostalgia e la nuova grafica mi hanno riportato indietro nel tempo e, contemporaneamente, fatto provare un’esperienza del tutto nuova.

Una tipologia di livello che non sopportavo da piccola era quella dei livelli subacquei ma, rigiocandoli, li ho rivalutati molto. Inoltre, con la versione remake è stato possibile apprezzare al massimo la qualità delle animazioni che erano già incredibili negli anni ’90.

In conclusione

Insomma, per concludere, posso dire che rigiocare Crash Bandicoot e scoprire un po’ della sua storia è stato sia parecchio interessante sia emozionante e, se non hai ancora giocato la trilogia remake, la  straconsiglio a chi ama le sfide e i platform classici di una volta. Inoltre, se ho acceso in te la curiosità su questa splendida saga, consiglio di andare a leggere i vecchi articoli dedicati a Crash qui su Nerdando.

Il viaggio con Abiura di Nerd continua e sono pronta a esplorare un altro classico dei videogiochi. E tu? Sei pronto a salire al livello successivo con me?

Vuoi chiacchierare e giocare con noi? Vienici a trovare sul nostro Server Discord e sul nostro Gruppo Telegram.

L'articolo Abiura di Nerd – Crash Bandicoot proviene da Nerdando.

Bentornato Carl

Il primo volume di Dungeon Crawler Carl mi appassionò da morire, lasciandomi con la voglia di saperne di più sull’evoluzione della storia, ecco perché ho atteso con grande pazienza l’uscita, il 20 marzo 2026, di Dungeon Crawler Carl. Vol. II: Il giorno del giudizio.

Recensione

La Saga di Dungeon Crawler Carl è composta (attualmente) da 8 libri, tre dei quali sono usciti in Italiano, editi da Mercurio Books, che ringrazio per avermi spedito la copia del secondo volume, azione che ha permesso la stesura di questo articolo.

La serie fa parte di un genere letterario piuttosto particolare chiamato LitRPG, che sta per LITerary Role-Playing Game, che unisce gli elementi tipici dei giochi di ruolo, sia da tavolo che per computer, con le atmosfere e le tematiche della fantascienza e del fantasy: tutto ciò rende la lettura più coinvolgente e fa sì che il lettore si ritrovi catapultato nella storia quasi in prima persona.

Un piccolo accenno alla trama cercando di evitare fastidiosi spoiler: Carl, veterano della Guardia Costiera degli Stati Uniti, in compagnia della gatta – senziente e parlante – della sua ex ragazza, Princess Donut, si trova all’interno di un dungeon a più piani che è stato creato nel sottosuolo della Terra, a seguito di un’apocalisse avvenuta con lo scopo di trasformare il nostro pianeta nel palcoscenico di uno show interplanetario seguitissimo in tutto l’universo. Nel corso dell’avventura, la strana coppia ha adottato Mongo, un piccolo velociraptor che li sta aiutando parecchio. Il variegato gruppo è arrivato nel terzo livello di questo gioco, precisamente nella Città di Sopra, una metropoli in rovina che ha, al suo interno, un simpatico circo gestito da non morti, delle creature misteriose che solcano i cieli e, durante la notte, sembrano anche piovere cadaveri.

Le vicende di Carl e del suo simpatico e strampalato party proseguono in maniera spiazzante e, spesso, ci sono colpi di scena che mi hanno lasciato a bocca aperta; inoltre, pagina dopo pagina, conoscerai meglio i protagonisti (e il lato sempre più polemico e ribelle di uno di loro) mentre nuovi personaggi faranno il loro ingresso, andando a costruire un mondo sempre più ricco e articolato: non ho idea di come possa andare avanti la storia, perché sono state introdotte tantissime variabili, ma sono certo che, con i prossimi volumi, riceverò delle risposte. Fra l’altro, Dungeon Crawler Carl. Vol. III: Il ricettario dell’anarchico è uscito il 26 giugno 2026 e non vedo l’ora di metterci le mani sopra.

La penna dell’autore Matt Dinniman continua a piacermi, con il suo stile diretto e incisivo, farcito di citazioni pop (in un dialogo, è spuntato fuori anche Discord) e con una scrittura dal ritmo incalzante che mi ha fatto, spesso, andare a dormire più tardi di quanto avessi preventivato perché una pagina ha sempre chiamato quella successiva.

Come per l’altro volume, anche qui vengono utilizzati due font, entrambi leggibilissimi ed efficaci per dividere la narrazione normale da ciò che viene descritto dal sistema di gioco.

Se ti è piaciuto il primo libro, ti toccherà prendere il secondo. Se non hai ancora iniziato la lettura, ti consiglio di procurarti anche il terzo e di buttarti a capofitto in Dungeon Crawler Carl, soprattutto se ami il fantasy e la fantascienza.

Volume

Dungeon Crawler Carl. Vol. II: Il giorno del giudizio, pubblicato in Italia da Mercurio Books, ha le stesse dimensioni del libro precedente, quindi 13,3 cm x 20,3 cm, con una copertina flessibile, è composto da 480 pagine e il suo prezzo è fissato a 20 euro.

Vuoi chiacchierare e giocare con noi? Vienici a trovare sul nostro Server Discord e sul nostro Gruppo Telegram.

Nerdando in breve

Dungeon Crawler Carl. Vol. II: Il giorno del giudizio è la degna prosecuzione di una storia avvincente iniziata col botto e che sta prendendo, sempre di più, forma; anzi, varie forme.

L'articolo Dungeon Crawler Carl. Vol. II: Il giorno del giudizio – Continua il viaggio proviene da Nerdando.

Mi spiace ma non ce la faccio proprio a usare il nome italiano: la protagonista veste un nome bellissimo e significativo, Moana, che per chi non lo sapesse vuol dire oceano, trasmettendo quel legame insolubile tra i popoli delle isole del pacifico e lo sconfinato mare che è tutto il loro universo.

Fatta questa dovuta premessa, andiamo a incominciare grazie a Disney che mi ha invitato all’anteprima del live action di Oceania (Moana!!!)

Recensione

Sono passati solo nove anni dall’uscita del film d’animazione (l’intervallo più breve ad oggi), per cui, un po’ a sorpresa, ho accolto l’arrivo di questo ennesimo live-action.
Sorpresa ma anche speranza perché pare evidente che più indietro si va nel tempo e peggio esce il film.
Vuoi che sia per ragioni prettamente commerciali e/o di scadenza diritti, ma abbiamo tutti sotto gli occhi gli esiti nefasti di Dumbo, per dirne uno, per non parlare di Biancaneve, su cui meglio stendere un velo pietoso.

Ebbene, forse perché spinto dai protagonisti originali, che l’hanno prodotto, forse perché appunto abbastanza recente da parlare un linguaggio ancora moderno, il live-action di Oceania è un film ben riuscito, a tratti addirittura bello.
Personalmente lo considero il migliore finora (No: Lilo e Stitch non mi è piaciuto).

Trama

Le giornate scorrono tranquille sull’isola di Motunui fin quando la vita non inizia ad appassire. L’oceano sceglie Moana per ritrovare il perduto semidio Maui e insieme restituire il cuore rubato alla dea Te Fiti.

Che altro posso dirti? La trama è un copia e incolla, solo un pelo allungato per raggiungere le due ore del film originale. Se desideri un approfondimento, posso invitarti a leggere il bell’articolo di Morgana, qui e di Aliquis invece qui, nei quali viene detto già tutto e meglio di quanto non possa fare io.

In queste righe vado invece a discutere delle aggiunte: di ciò che troverai in questo live-action e che è stato, appunto, inserito per arricchire un po’ la narrazione.
Contrariamente ad altri casi le canzoni extra (pratica che normalmente detesto, come ho ad esempio raccontato per La bella e la bestia) si calano invece bene nell’impianto complessivo e non disturbano, anzi.

Oltre a questo le scene extra (perché così si possono considerare) si fondono armoniosamente con la storia e danno qualche dettaglio in più, come la scena della storia di Maui, che ho gradito particolarmente.

Per il resto il film è a tutti gli effetti la fotocopia dell’originale, ben recitato e con ottimi effetti speciali.

Cast

A interpretare una versione pompata di Maui (ricordate le polemiche per aver rappresentato come obeso un uomo di etnia polinesiana?) è Dwayne Johnson, che continua a difendersi molto bene a 54 anni, nonostante sfoggi una chioma di capelli assolutamente inguardabile. Fortunatamente viene fatta ironia proprio sui suoi boccoli.

Auli’i Cravalho, voce originale della protagonista nel classico d’animazione, compare qui come produttrice esecutiva. Ufficialmente ha scelto di non tornare a interpretare il personaggio nel live action perché ha deciso di “passare il testimone alla prossima giovane donna discendente delle isole del Pacifico”. Probabilmente, osservo io, il fatto che abbia 26 anni e sia impegnata a Broadway, può aver influito.
Scegliere la nuova protagonista tuttavia non è stato facile e, dopo lunghi mesi di tentativi, è stata individuata la praticamente esordiente Catherine Laga’aia, brava e convincente.

Oltre a Laga’aia e Johnson, il cast di Oceania include John Tui, nel ruolo del severo padre di Moana, Capo Tui; Frankie Adams, che interpreta Sina, la madre; e la neozelandese Rena Owen, nel ruolo della saggia Tala nonna di Moana, celebre per il ruolo coperto in Once Were Warriors, comparsa anche in pellicole di alto livello come A.I. e SW III: La Vendetta dei Sith.

Il film è diretto da Thomas Kail, vincitore di un Emmy e di un Tony Award per Hamilton.

Oceania include brani originali di Lin-Manuel Miranda, Opetaia Foa’i e Mark Mancina, oltre a una colonna sonora originale composta da Mancina.

Commento finale

Mi è piaciuto?
Onestamente sì.
Ne sentivo il bisogno?
Francamente no.
Probabilmente non sono però il target giusto: da quanto letto in giro i live action sono qualcosa di gradito e atteso. Per me, che sono vecchio, la magia c’era già anche prima.

Il punto: qual è il senso di fare un live-action di film così recente? Nella speranza che la risposta non sia un banale e prosaico “fare un sacco di soldi”, lascio a te l’onere di trovare una risposta e magari condividerla con noi, sui nostri canali social.

Per quanto mi riguarda, Oceania si colloca sotto Rapunzel ma sopra Frozen, tra gli ultimi classici con principesse, grazie sicuramente al mio amore per la Nuova Zelanda (sapevate che Maui ha pescato l’Isola di Nord usando l’Isola del Sud come barca?) e per la scena più emozionante della storia recente di Disney: la scena della navigazione, con la canzone (non a caso scritta e cantata da Lin-Manuel Miranda) che meglio di tutte in pochi momenti racconta l’intera storia e filosofia del popolo polinesiano.
Tatou o tagata folau vala’auina / Le atua o le sami tele e o mai / O ava’e le lu’itau e lelei / Tapenapena
Siamo marinai chiamati dal dio del grande mare a venire. Il mese della sfida è ben preparato

Oceania arriverà nei cinema italiani il 19 agosto 2026.

Vuoi chiacchierare e giocare con noi? Vienici a trovare sul nostro Server Discord e sul nostro Gruppo Telegram.

Nerdando in breve

Oceania è l’ennesimo live-action tratto da un classico Disney.

Trailer

L'articolo Oceania – We know the way proviene da Nerdando.

L’Irlanda: un amore infinito

Recensione

L’Irlanda è il mio posto del cuore da quando ho memoria. Non so perché, non ci ero mai stata da bambina, eppure la Terra di Smeraldo ha sempre esercitato un fascino incredibile su di me. Così tanto che, quando nel 2014 Tencar e io abbiamo dovuto scegliere dove trascorrere il viaggio di nozze, ci siamo indirizzati subito a quell’isola meravigliosa che ci avrebbe stregati per sempre.
A giugno 2026 Neri Pozza ha pubblicato Il canto dell’anguilla – Un’estate irlandese di Massimo Bubola, il racconto del viaggio che ispirò l’autore a scrivere la canzone Il cielo d’Irlanda. Il nostro viaggio di nozze, nemmeno a dirlo, è stato proprio a giugno: ho voluto vederci un segno del destino e tuffarmi in questa incredibile esperienza di lettura. Grazie, Neri Pozza, per avermi permesso questo straordinario viaggio.

Trama

Estate 1983. Due amici di vecchia data partono all’avventura, a bordo della loro Volvo d’annata, alla volta dell’Irlanda. Non hanno un piano preciso, se non l’idea di ripercorrere alcune tappe cinematografiche di spessore. Lasciandosi guidare dall’istinto e dalle suggestioni di una terra che con la magia conserva una connessione profonda, scopriranno un Paese accogliente, ricco di poesia e musica, di tradizioni ancestrali e di brindisi condivisi che aprono le porte a riflessioni profonde e mistiche. Un Paese che, una volta che l’hai conosciuto, non puoi più lasciarlo andare.

Stile

Sono profondamente connessa all’Irlanda nella mia vita personale e anche in redazione è un Paese che ricorre in più di un’occasione… Non ho resistito, quindi, alla possibilità di scoprire i retroscena dietro una delle canzoni italiane più rappresentative quando si parla di Irlanda e ringrazio molto Neri Pozza per avermi inviato una copia del volume!
Il canto dell’anguilla ha spiazzato completamente tutte le mie aspettative: credevo di trovarmi davanti un diario di viaggio, mi sono ritrovata a perdermi in un resoconto emozionale, in cui le suggestioni si mescolano e, grazie alla grandissima capacità evocativa di Massimo Bubola, ci immergono in un sentire intenso e poetico.

Come dice lo stesso autore, forse quell’Irlanda del 1983 non esiste più eppure, leggendo Il canto dell’anguilla, riusciamo a respirarla e viverla, condividendo il viaggio guascone dei due protagonisti. Un libro che è una dichiarazione d’amore a un’estate irripetibile e a una terra che vive con intensità l’arte in tutte le sue forme e che, se ancora non hai mai visitato, ti invito caldamente a scoprire: ci lascerai il cuore in Irlanda, come è successo a me.

Edizione

Il canto dell’anguilla fa parte della collana Bloom di Neri Pozza, si caratterizza per copertina morbida e formato compatto, oltre che per una carta opaca che rende la lettura davvero confortevole. È disponibile dai primi di giugno 2026 al prezzo di copertina di 18,00€.

Vuoi chiacchierare e giocare con noi? Vienici a trovare sul nostro Server Discord e sul nostro Gruppo Telegram.

Nerdando in breve

Il canto dell’anguilla ci prende per mano e ci conduce in un viaggio tra arte, vita e magia in un’Irlanda persa nel tempo.

L'articolo Il canto dell’anguilla – Alla scoperta di un’Irlanda perduta nel tempo proviene da Nerdando.

Un gioiello per gli amanti degli strategici

In questo periodo, ho abbandonato qualsiasi gioco in tempo reale perché ho bisogno di rilassarmi.

Ho riscoperto il piacere dei giochi a turni e ho reinstallato Heroes of Might and Magic III su Steam Deck. Poi, mi sono ricordato di Songs of Conquest e così ho contattato i ragazzi di Coffee Stain Publishing che mi hanno gentilmente fornito i quattro DLC del titolo, che mi hanno permesso di avere un’esperienza completa e di scrivere questo articolo.

Vanir

Uscito il 17 dicembre 2024, sette mesi dopo il gioco base, Vanir introduce la nuova Fazione omonima, un popolo discendente dai coloni di Arleon e dagli indebitati di Barya che, in cerca di vendetta, ha iniziato a depredare i propri vecchi padroni. La particolarità dei Vanir è che sono entrati in contatto con i Vildra, esseri pericolosissimi che hanno il potere di trasformare gli umani in bestie assetate di sangue.

Sono inclusi nel pacchetto anche un nuovo Bioma (comprensivo di villaggi e insediamenti) perfetto per la stagione estiva, con tanto ghiaccio e neve, 8 Truppe, 9 Branditori con Specializzazioni inedite, l’Essenza della Distruzione, Arcana e del Caos, 5 mappe di Conquista e 2 mappe Sfida.

Roots

Il 17 giugno 2025, i Root sono arrivati in Songs of Conquest. Dominano la Foresta Selvaggia, un luogo permeato da magia; rendono schiavi tutti coloro che muoiono dove abitano e hanno accesso, più debolmente, a tutte le Essenze. Ogni volta che una truppa con un’Essenza specifica si avvicina a un’altra, essa si diffonde a quest’ultima, rendendo ogni scontro molto tattico e permettendo di creare tante sinergie.

Nel DLC ci sono un Bioma a tema foresta (che ha luoghi con nuove costruzioni), 8 Truppe, 9 Branditori con nuove e vecchie Specializzazioni, 5 mappe di Conquista, 2 di Sfida e inediti Artefatti.

Rise Eternal

Rise Eternal è stato pubblicato il 5 marzo 2026 ed è il DLC più piccolo e incentrato su una storia, quella di Kastus Maal, un ex ricercatore della Società Nonvista; ti troverai, Baronia di Loth, a uscire dalla tomba per scoprire che la tua casa è stata occupata e, durante le quattro missioni, conoscerai anche il destino della tua famiglia.

L’espansione comprende anche un nuovo Branditore e tanti  artefatti, ricerche, costruzioni, e abilità.

Yulan

L’ultimo DLC, uscito il 4 giugno 2026, è incentrato sulla fazione degli Yulan, che ricorda le civiltà orientali di un tempo, ed è composta da tre diverse casate: Li (ordine), Sheng (Creazione) e Xuan (Arcana), ognuna con la propria Essenza e le proprie Truppe e Abilità. Questa espansione include anche una nuova storia basata su tre mappe collegate tra loro.

C’è anche spazio per 5 nuove Mappe di Conquista, 8 Truppe con Tratti, Abilità e differenti opzioni di potenziamento, e un nuovo Bioma.

Impressioni

L’Oriente mi affascina

Il buon Jedi.Lord ha già scritto di Songs of Conquest e io me ne sono innamorato subito dopo aver letto la sua recensione. Il gioco è molto valido, tecnicamente solido, ma ha senso espanderlo ulteriormente con i DLC?

La risposta è ASSOLUTAMENTE SÌ per vari motivi.

Partiamo dal più semplice: il prezzo. Le tre espansioni dedicate alle nuove fazioni costano 9,75 € ciascuna, mentre Rise Eternal si porta a casa con appena 5,89 €. Durante i frequenti periodi di sconto su Steam, è facile procurarseli per pochi spicci.

Il vero valore risiede in ciò che viene aggiunto all’esperienza di gioco. Ogni nuova fazione introduce meccaniche, unità, biomi e stili di gioco che cambiano sensibilmente il modo di affrontare una run e ti troverai a usare strategie differenti sia nelle campagne che nelle partite online.

A proposito di campagne, se ami le storie e la modalità singleplayer, sia Rise Eternal che Yulan meritano la tua attenzione e avrai decine di ore di gioco in più da aggiungere al titolo base.

È importante sapere che è possibile giocare con altre e altri player online anche se non possiedono determinate espansioni e viceversa, rendendo le varie espansioni acquisti non necessari per godersi in tranquillità la modalità multiplayer.

Se già conoscevi Songs of Conquest, questi DLC rappresentano il modo migliore per prolungarne la longevità grazie ai contenuti aggiuntivi che ne aumentano la rigiocabilità e che riescono a dare la sensazione di avere tra le mani un prodotto sempre più completo. Se ti vuoi invece avvicinare per la prima volta, forse è il caso di prendere solo la base e, in seguito, decidere se espanderla (a meno che non ci sia un’offerta veramente allettante come in questo periodo).

Se hai una Steam Deck, te lo puoi godere anche ottimamente nella versione portable: gira che è una meraviglia.

Vuoi chiacchierare e giocare con noi? Vienici a trovare sul nostro Server Discord e sul nostro Gruppo Telegram.

Nerdando in breve

I DLC di Songs of Conquest sono un ottimo motivo per divertirsi con uno strategico che già aveva tanto da dire ma che, allo stato attuale, si trova a offrire tantissimi contenuti e ore di gioco per divertirsi in solitario o con altre persone.

La mia classifica personale è questa: Yulan, Vanir, Root e Rise Eternal.

Trailer

L'articolo Ai DLC di Songs of Conquest dico di sì proviene da Nerdando.