Recensione

Sono uno di quei bambini cresciuti con Jurassic Park: nel 1993 avevo 8 anni e ricordo ancora benissimo l’attesa del film e lo stupore nella sua visione, e ancora oggi per me è uno dei film più belli di sempre. Quando mi sono seduto in sala per vedere La fine di Oak Street, film di David Robert Mitchell (It follows), sapevo dal trailer che ci sarebbero stati i dinosauri, ma devo dire che il film mi ha lasciato decisamente sorpreso! Scopriamolo assieme nella mia recensione, ovviamente SPOILER FREE.

Ringraziamo Warner Bros per averci invitati all’anteprima del film.

Trama

Siamo nei primi anni Ottanta. Denise (Anne Hathaway) e Greg (Ewan McGregor) Platt vivono a Oak Street insieme ai figli Audrey (Maisy Stella) e Brian (Christian Convery), una famiglia che presenta già qualche crepa prima ancora che accada qualcosa di inspiegabile. Dopo una festosa domenica pomeriggio nel quartiere di periferia americano, infatti, una misteriosa anomalia strappa via l’intera strada (o per meglio dire l’intero vicinato) dal mondo conosciuto, trasportandola in un luogo in cui gli esseri umani non occupano più esattamente la cima della catena alimentare.

Capire dove siano finiti diventa presto meno urgente del riuscire a sopravvivere, specie perché ci sono delle creature – dinosauri! – decisamente affamate che vagano per il nuovo territorio alla scoperta di spazzatura… e altri spuntini decisamente più freschi. Riuscirà la famiglia Platt a trovare un modo per venire a capo della situazione, mentre il quartiere diventa sempre meno amichevole?

Stile

La fine di Oak Street è un mix di generi e citazioni: spaziamo dall’horror “vecchio stile”, ossia più concentrato sull’osservare le reazioni dei protagonisti che non su elementi spaventosi o semplicemente “gore” – e non ti preoccupare, li troverai tutti – per mettere elementi quasi alla Goonies o in generale alle avventure che abbiamo imparato ad amare negli anni ’80 e ’90.

L’ambientazione anni Ottanta non sembra scelta solamente per riempire le case di oggetti vintage e togliere di mezzo gli smartphone, o per strappare un sorriso malinconico ai più grandicelli. Mitchell recupera soprattutto un modo di costruire il cinema fantastico: personaggi ordinari, tempi meno frenetici, pericoli scoperti insieme a chi guarda e una maggiore libertà nel passare dall’avventura alla paura. E sì, una sana dose di sospensione dell’incredulità.

Il paragone con Jurassic Park arriva praticamente da solo, ma è anche quello meno utile per capire La fine di Oak Street. I dinosauri di Mitchell sono animali enormi, imprevedibili e spaventosi, all’interno di un mondo nel quale sono gli esseri umani a essere improvvisamente fuori posto. Diciamo che se nel capolavoro di Spielberg magari in alcuni momenti abbiamo fatto “il tifo” per i dinosauri, qui non accadrà, affatto. Ho apprezzato molto inoltre la visione più visivamente “moderna” dei dinosauri, ossia meno “lucertoloni” e più allineati alle ultime scoperte scientifiche, come per esempio il piumaggio o la presenza di “pelo” (non so se è proprio corretto definirlo così!). Dettagli, ma belli.

Cast

Ormai la troviamo decisamente spesso nel 2026: la sempre brava Anne Hathaway tende ancora una freccia vincente col suo arco (sì, citazione voluta), diventando il motore emotivo del film che affronta il terrore senza preoccuparsi di risultare composta o elegante. La sua Denise è spaventata, furiosa e determinata, e proprio questa fisicità rende credibile gran parte della minaccia. Ewan McGregor le offre un contrappeso più disorientato e umano, mentre Maisy Stella riesce a dare ad Audrey qualcosa in più del consueto ruolo della figlia adolescente in conflitto con i genitori. Forse quello che ho trovato un po’ più “sciatto” è stato il piccolo Brian, forse meno caratterizzato di quanto avrebbe meritato, a differenza della sorella maggiore.

Per me la star in assoluto del film è Starbucks – ma lascerò a chi legge il piacere di scoprire di cosa sto parlando.

Come accennato su, la regia di David Robert Mitchell gioca molto con le stile delle avventure anni ’80, in alcuni momenti il film potrebbe quasi sembrare un film per famiglie, se non fosse decisamente spaventoso in alcuni momenti. Diciamo che non è un vero e proprio film horror, ma gioca molto sul confine sottile tra diverse sfumature della tensione. Chi ha visto It Follows riconoscerà il gusto di Mitchell per gli spazi apparentemente normali che diventano inquietanti senza cambiare davvero aspetto. La macchina da presa rimane spesso abbastanza a lungo da lasciarci osservare l’inquadratura, costringendoci a cercare il pericolo prima ancora che il film decida di mostrarcelo.

Ah, e si sente il tocco del caro J. J. Abrams, qui produttore della pellicola. Eccome se si sente!

Per quanto riguarda la colonna sonora, l’ormai onnipresente Michael Giacchino ci intrappola ancora una volta nella sua rete sonora (sì, anche questa è una citazione voluta), donandoci una colonna sonora ottima nel mantenere la tensione ai giusti livelli; oltre all’opera originale, il film è (giustamente) infarcito di pezzi anni ’80 che faranno felici tante persone.

Concludendo

La fine di Oak Street è un film che mi ha lasciato con quelli che i nostri colleghi oltreoceano definirebbero “mixed feelings”. Da un lato un film che ha intrattenuto e divertito, senza ombra di dubbio, e che mi ha fatto saltare sulla sedia un paio di volte – ma non troppe, da persona che non ama i film horror, non è stato assolutamente pesante. Di positivo ho sicuramente trovato un’ottima interpretazione del cast, una realizzazione accurata, e la voglia di omaggiare tutta una parte del cinema che forse oggi viene rappresentata un po’ meno, o comunque in maniera diversa.

D’altro canto però, a volte la situazione diventa eccessivamente confusionaria, alcune situazioni vengono gettate addosso al pubblico senza fornire nessun appiglio, e in alcuni passaggi la volontà di strappare una risata a chi guarda è forse un po’ forzata. Non volendo fare spoiler di alcun tipo non voglio entrare nei dettagli ma, ad esempio, anche alcune situazioni della famiglia Platt vengono gestite in maniera poco chiara, e forse senza il giusto approfondimento che sarebbe servito per comprendere meglio alcuni elementi.

La fine di Oak Street conserva l’anima di quei film che da bambini ti facevano nascondere dietro il divano continuando comunque a sbirciare. Non sono sicuro che ogni elemento trovi sempre il proprio posto e alcune scelte faranno sicuramente discutere, soprattutto nel finale. So però che il film mi ha sorpreso, divertito e in più di un’occasione messo genuinamente a disagio. Considerando quanti dinosauri abbiamo visto al cinema negli ultimi trent’anni, essere riusciti a renderli nuovamente imprevedibili è già un risultato notevole.

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Nerdando in breve

Una tranquilla strada americana finisce dove iniziano l’incubo e la preistoria: La fine di Oak Street è un’avventura familiare sorprendente e feroce, che riscopre il piacere di fare paura con i dinosauri.

Trailer

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Recensione

Il Signore degli Anelli: La Guerra dei Rohirrim è un’epica avventura animata che, 10 anni dopo l’uscita de Lo Hobbit – La battaglia delle cinque armate di Peter Jackson, ci riporta nella Terra di Mezzo di J.R.R. Tolkien, esplorando una delle storie meno conosciute ma più affascinanti della mitologia di Rohan.

(Ndr: ignoro volutamente di considerare la serie TV Gli Anelli del Potere un ritorno ad Arda).

Ambientato secoli prima degli eventi narrati ne Il Signore degli Anelli, il film racconta la storia del leggendario guerriero che ha dato il nome alla fortezza del Fosso di Helm, Helm Hammerhand, e della sua coraggiosa figlia Hèra.

Diretto da Kenji Kamiyama, noto per le sue opere nell’animazione giapponese, questo progetto fonde l’estetica anime con l’epicità tolkieniana, offrendo un’esperienza visiva e narrativa unica. È un’opera che promette di conquistare sia i fan di vecchia data che nuovi spettatori, con un sapiente equilibrio tra azione, dramma e il fascino immortale della Terra di Mezzo.

Il film uscirà nelle sale il primo gennaio 2025 distribuito da Warner Bros. Pictures, noi di Nerdando lo abbiamo visto in anteprima e ve ne parleremo senza spoiler. 

La trama 

La trama de La Guerra dei Rohirrim trae origine da un racconto contenuto nelle appendici de Il Signore degli Anelli, precisamente nell’Appendice A: Annali dei Re e Governatori. In questa sezione, Tolkien ci fornisce dettagli sulla storia del regno di Rohan e sul suo leggendario nono re, Helm Hammerhand.

La vicenda è ambientata circa 250 anni prima della Guerra dell’Anello e narra il conflitto tra il popolo dei Rohirrim e i Dunlandiani, un’antica popolazione nemica di Rohan. La fortezza di Helm’s Deep, che diventerà un luogo cruciale ne Le Due Torri, deve la sua fama proprio dagli eventi di questo periodo e alla resistenza eroica di Helm e del suo popolo durante un disperato assedio.

La storia originale in realtà è breve ed è più simile a una cronaca storica, come è tipico delle appendici tolkeniane, ma è comunque ricca di spunti epici e tragici. Il film di Kenji Kamiyama espande e approfondisce il racconto, dando maggiore spazio ai personaggi e alle dinamiche di guerra, restando però radicato nell’essenza del materiale originale. Non manca inoltre qualche rimando alle famose vicende successive.

La sceneggiatura è stata scritta da Will Matthews, Jeffrey Addis, Arty Papageorgiou e Phoebe Gittins: Gittins è la figlia di Philippa Boyens, co-sceneggiatrice della trilogia di Peter Jackson e qui produttrice esecutiva, e ha dedicato una particolare attenzione alla fedeltà tematica e narrativa al mondo creato da Tolkien. Come ha fatto anche la madre sia nei film tratti da Il Signore degli Anelli che in quelli tratti da Lo Hobbit, Phoebe Gittins si è preoccupata di aggiungere un po’ di femminile ad un’opera che altrimenti sarebbe stata quasi completamente dominata da figure maschili, introducendo un personaggio semi originale cioè Hèra, la figlia di Helm, che nel racconto viene citata ma non ha nemmeno un nome: spero vivamente che la cosa non farà storcere il naso ai fan più puristi che si sono già lamentati di Tauriel e di Arwen.

Il regista

Kenji Kamiyama è un regista, sceneggiatore e animatore giapponese noto soprattutto per il suo lavoro nell’ambito dell’animazione nipponica. Ha iniziato la sua carriera come animatore negli anni ‘80 collaborando a opere importanti come Akira di Katsuhiro Otomo, ma la sua fama internazionale è dovuta soprattutto alla serie Ghost in the Shell: Stand Alone Complex (2002-2005), che ha saputo reinterpretare in maniera innovativa l’universo cyberpunk creato da Masamune Shirow, guadagnandosi il plauso della critica e degli appassionati.

Non è la prima volta che Kamiyama si allontana dalle ambientazioni più tipicamente giapponesi, infatti già nel 2021 si era dedicato alla produzione di Blade Runner: Black Lotus, una serie anime basata sull’universo di Blade Runner, che comunque essendo un’opera cyberpunk non è troppo distante da Ghost in the shell come tematiche. Con La Guerra dei Rohirrim invece, Kamiyama ha cambiato completamente genere ed è riuscito a combinare la propria sensibilità artistica con l’epicità del mondo tolkieniano dando vita a un’opera che sicuramente lascerà un segno sia negli spettatori appassionati di animazione giapponese che negli amanti del fantasy classico. 

Il cast 

Nel cast di doppiatori de La Guerra dei Rohirrim troviamo Brian Cox, il quale presta la voce al protagonista Helm Mano d’Acciaio, Gaia Wise, che interpreta Hèra, la figlia di Helm, Miranda Otto, che ha interpretato il ruolo di Éowyn nella trilogia di Peter Jackson e che qui torna come voce narrante, e infine Luke Pasqualino che presta la voce a Wulf, il temibile antagonista e leader dei Dunlandiani. Anche Billy Boyd e Dominic Monagan hanno partecipato al doppiaggio del film ma non hanno ovviamente ripreso i loro storici ruoli di Merry e Pipino (sta a voi scoprire chi interpretano stavolta, io li ho beccati subito). 

Lo stile

L’animazione del film è stata realizzata utilizzando una combinazione di 2D tradizionale e CGI, mantenendo così un’estetica dinamica e dettagliata, particolarmente adatta alle grandi battaglie e alle ambientazioni della Terra di Mezzo, mentre il design dei personaggi e delle scenografie rispecchia un equilibrio tra il realismo oscuro della trilogia cinematografica e la stilizzazione tipica degli anime, con particolare attenzione ai dettagli culturali e iconografici del popolo di Rohan, che ho molto apprezzato.

Le musiche

La colonna sonora è stata curata da Shirō Sagisu, il compositore giapponese celebre per aver lavorato su capolavori come Neon Genesis Evangelion (che se non avete visto… beh rimediate subito). Le musiche rievocano l’epicità e la malinconia tipiche delle opere di Tolkien, con temi orchestrali potenti e corali che rendono omaggio all’approccio musicale di Howard Shore (alcuni dei suoi temi sono facilmente riconoscibili) ma senza rinunciare al proprio tocco distintivo.

Concludendo

La Guerra dei Rohirrim è un film che riesce a sorprendere: da amante del mondo di Tolkien, ho apprezzato come questa storia poco conosciuta delle Appendici sia stata ampliata, dando respiro a una narrazione epica e tragica al tempo stesso. L’animazione giapponese, che credevo potesse essere insolita per la Terra di Mezzo, si è rivelata invece una scelta azzeccata: il design dei personaggi, le battaglie e le ambientazioni sono visivamente straordinari, e alcune scene sembrano davvero dipinte a mano. La voce di Brian Cox come Helm Mano d’Acciaio dà un peso incredibile al personaggio, mentre Miranda Otto come narratrice è una carezza nostalgica che mi ha riportato subito a Il Signore degli Anelli.

Il film ha un ritmo diverso rispetto alla trilogia di Jackson, ma questo non lo rende meno coinvolgente. Ho trovato interessante il focus sui drammi familiari e personali dei protagonisti, che rende il conflitto più umano e toccante, cosa che nell’originale letterario purtroppo tende spesso a mancare. 

Mi è piaciuto moltissimo il personaggio di Hèra, vera protagonista del film, che ha tutti gli ingredienti giusti per farsi amare da me: è una forte, coraggiosa e indomita guerriera, pronta a tutto pur di difendere la sua casa e il suo popolo, ma soprattutto la propria libertà. Come ha giustamente commentato anche l’attrice che la interpreta, Hèra è un’eroina “miyazakiana” che ricorda personaggi come Nausicaa o Mononoke, e c’è una scena in particolare che mi ha fatto pensare proprio ai 2 film dei quali queste ultime sono protagoniste. Avrei molto apprezzato invece un maggiore approfondimento del villain Wulf: le ragioni del suo comportamento non mi sono del tutto chiare e avrei voluto saperne di più dato che mi affascina molto andare alla scoperta delle ragioni che conducono verso il lato oscuro (perdonate la cross-citazione).

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Nerdando in breve

La Guerra dei Rohirrim ha un’animazione straordinaria e una storia epica e commovente che sorprende ed emoziona, è adatto sia a chi ama il mondo di Tolkien sia a chi vi si vuole approcciare per la prima volta, non essendo necessario aver visto (o letto) le opere precedenti.

Trailer 

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Recensione

Creed III, il terzo capitolo della saga Creed che nasce come seguito diretto dei celebri film di Sylvester Stallone sulla storia del pugile italoamericano Rocky Balboa, uscirà nelle sale italiane il 2 marzo; è prodotto da Metro Goldwyn Mayer Pictures e Chartoff-Winkler, ed è distribuito da Warner Bros. Pictures.

Noi di Nerdando siamo stati all’anteprima e ve ne parleremo spoiler free! Personalmente sono molto contenta di essere stata la prescelta per questa anteprima in quanto fin da piccola sono fan sfegatata dei film di Rocky Balboa, del quarto in particolare, e credo di averli visti tutti decine di volte, per cui sono stata molto contenta quando nel 2015 (quando è uscito il primo Creed) alla saga è stata data nuova vita grazie all’introduzione di nuovi personaggi che raccogliessero il testimone di quelli che abbiamo imparato ad amare dal 1976, anno in cui è uscito il primo Rocky, che ha avuto un grandissimo successo ed ha lanciato la carriera di Sylvester Stallone.

Rocky & Creed

La serie Rocky e la serie Creed sono entrambe incentrate sul mondo del pugilato, ma presentano differenze significative nel loro approccio e nella loro narrazione.

La serie Rocky è composta da 6 film, che seguono la vita di Rocky Balboa, un pugile dilettante di Filadelfia che ottiene la possibilità di combattere il campione del mondo dei pesi massimi, il famoso e fortissimo Apollo Creed. I film si concentrano non solo sulla lotta di Rocky per diventare un campione, sia sul ring che nella vita, ma anche sulle relazioni che forma con la sua famiglia e i suoi amici (indimenticabile la storia d’amore con la dolce Adriana).

La serie Creed, invece, è composta da (per ora) 3 film che seguono la vita di Adonis Creed, figlio non riconosciuto del leggendario Apollo, che cerca di affermarsi come pugile professionista sotto la guida di Rocky Balboa, il quale accetta di allenarlo, seppur con riluttanza, a causa della sua amicizia con Apollo e del rispetto che ha per la determinazione del giovane: Adonis infatti lotta non solo per vincere ma anche per trovare la sua identità come uomo, e il rapporto che si sviluppa tra lui e Rocky, inizialmente travagliato, diventa sempre più profondo. Rocky diventa un mentore per Adonis, insegnandogli le tecniche del pugilato e condividendo con lui la sua esperienza sul ring, ma la loro relazione diventa quasi quella tra un padre è un figlio, poiché Rocky aiuta Adonis a trovare il suo posto nel mondo e nella sua famiglia, mentre Adonis aiuta Rocky a trovare la forza di affrontare il cancro e a riconnettersi con il figlio Robert: Rocky quindi passa il testimone a una nuova generazione di pugili e di uomini, che non siano solo quelli che vincono sul ring, ma quelli che sanno anche lottare per gli altri nella vita di tutti i giorni. Il rapporto padre-figlio è molto caro a Stallone che lo ha affrontato anche negli ultimi film della sua saga (Rocky V e Rocky Balboa) e che torna prepotentemente anche in Creed II quando a sfidare Adonis sul ring è il figlio di Ivan Drago, storico rivale di Rocky.

Una delle principali differenze tra le due saghe è il tono: mentre la saga di Rocky è nota per il suo spirito di lotta e la sua tenacia, quella di Creed è più intima e riflessiva, con una maggiore enfasi sui personaggi e le loro emozioni. Inoltre, la serie Creed affronta anche temi più attuali, come il razzismo, la disuguaglianza sociale nel mondo del pugilato e soprattutto quello della disabilità che è approcciato in modo efficace e toccante grazie in particolare al personaggio di Bianca, una cantautrice talentuosa che lotta per emergere nel mondo della musica e per far conoscere la sua arte al pubblico nonostante stia perdendo l’udito, e che cerca di superare le proprie difficoltà attraverso la musica e l’amore per Adonis: apprezzo molto il fatto che nei film il tema sia esaminato in modo rispettoso e senza mai ridurre Bianca a una semplice vittima della sua condizione, descrivendola invece come una donna forte e indipendente che lotta per realizzare i suoi sogni nonostante le difficoltà.

La trama

Il primo Creed aveva una trama più o meno originale: l’incontro tra un giovane e arrabbiato (potremmo dire anche sfigato) pugile e un anziano campione che accetta di fargli da mentore, un po’ come accade in realtà in Rocky V ma in modo molto più emozionante e soprattutto significativo per la vita di entrambi i personaggi. Nel secondo film, molto spudoratamente viene ripresa tale e quale la trama di un altro film della saga di Rocky, questa volta il quarto, infatti lo sfidante di Adonis è il figlio del pugile russo che ha battuto e ucciso suo padre Apollo e poi è stato sconfitto da Balboa: addirittura la struttura del film è ripresa tale e quale, con anche un pesantissimo addestramento che in Rocky IV era nella neve e in Creed II invece è nel deserto.

In Creed III, Adonis è al culmine di una sfavillante carriera: dopo un duro incontro conquista il titolo di campione del mondo dei pesi massimi e decide di ritirarsi dal ring e di dedicarsi alla famiglia e all’allenamento di astri nascenti del pugilato.Tre anni dopo, la sua vita dorata viene sconvolta dal ritorno di un fantasma del passato, il vecchio amico Damian, anche lui pugile, che riesce tra bugie e sensi di colpa a far crollare Adonis. Servirà un regolamento di conti sul ring in diretta mondiale a rimettere a posto la loro amicizia.

La struttura del film è quella classica di tutti i film delle saghe Rocky/Creed: la vita del protagonista pare andare a gonfie vele, poi accade qualcosa di tragico che di solito comporta un funerale (la morte di Apollo, la morte di Paulie, la morte di Adriana…). Il pugile sembra sconfitto nella vita e sul ring, a questo punto parte la lunga sequenza di durissimi allenamenti dei due sfidanti, accompagnata da musiche emotive e incalzanti, fino ad arrivare allo scontro finale, dove il protagonista sarà il vincitore, reale o morale. Se nel secondo capitolo i rimandi a Rocky IV erano molto forti, questa volta la trama mi ha ricordato un pochino quella dell’ultimo film della saga, Rocky Balboa, ma non vi dirò perché!

Il cast

I due protagonisti del film, Adonis Creed e Damian Anderson, sono interpretati rispettivamente da Michael B. Jordan (già protagonista dei primi 2 film e Killmonger in Black Panther) e da Jonathan Majors (in questi giorni al cinema anche con Ant-Man and the Wasp: Quantumania); tornano anche Tessa Thompson (Thor Ragnarok e Thor Love and Thunder), Wood Harris, Phylicia Rashad e Florian Munteanu, mentre esordisce sul grande schermo la piccola Mila Davis-Kent. Manca stavolta Sly Stallone (che però produce).

Jordan questa volta ha deciso di emulare Sylvester Stallone, che ha diretto 4 su 6 film della saga di Rocky,  dirigendo e interpretando il film, sceneggiato da Keenan Coogler e Zach Baylin da una storia di Ryan Coogler (già regista del primo Creed oltre che di Black Panther) e Keenan Coogler & Zach Baylin. Il film è prodotto da Irwin Winkler, Charles Winkler, William Chartoff, David Winkler, Ryan Coogler, Michael B. Jordan, Elizabeth Raposo, Jonathan Glickman e Sylvester Stallone. I produttori esecutivi sono Sev Ohanian, Zinzi Coogler, Nicolas Stern e Adam Rosenberg.

Concludendo

Creed III è il nono film di un franchise che da quasi 50 anni appassiona gli spettatori di tutto il mondo, non brilla per originalità ma in fin dei conti è godibile ed ha strappato un applauso finale ai presenti in sala. Ancora una volta, viene raccontata la storia di un underdog che con tenacia e forza d’animo riesce a superare tutte le sfide che la vita gli mette davanti, sul ring e fuori. Ciò che mi è sempre piaciuto di Rocky è che il pugilato non viene mai mostrato come uno sport di sola violenza ma soprattutto di testa: ci vogliono tempismo, concentrazione e controllo, non bastano i soli muscoli (che però di certo aiutano). Ho apprezzato molto l’intensità dell’interpretazione di Michael B. Jordan, che ha saputo creare un personaggio complesso che nel corso dei film cresce e matura.

Nerdando in breve

Se siete come me appassionati dei film su Rocky Balboa non potete di certo farvi scappare Creed III, ultimo (o forse no?) capitolo cinematografico spin-off della saga di Rocky dedicato al mondo del pugilato.

Trailer

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Il regista e sceneggiatore Christopher Nolan non ha certo bisogno di presentazioni, da anni ormai (almeno dal 2005, anno in cui è uscito il suo Batman Begins) ogni volta che esce al cinema un suo film le aspettative sono sempre molto alte, e di solito il consenso generale lo è ancora di più, grazie a ottimi film come Inception, Il cavaliere Oscuro o Dunkirk. Nel caso di Tenet, la sua ultima opera fantascientifica nelle sale dal 26 agosto,  l’aspettativa è alle stelle, a causa dei continui rinvii dell’uscita per via della pandemia (doveva infatti debuttare mesi fa) e anche della scelta di utilizzarlo per rilanciare la riapertura delle sale cinematrografiche in tutto il mondo. Tenet sarà stato all’altezza di tutto questo hype? Continuate a leggerlo per scoprirlo!

Trama

Nel mondo è in corso una guerra fredda temporale: grazie all’utilizzo di macchinari futuristici che invertono l’entropia di oggetti e persone, permettendogli così di muoversi attraverso il tempo, una misteriosa minaccia futura cerca di scatenare la terza guerra mondiale e di distruggere il mondo nel nostro presente. È compito di una segretissima organizzazione chiamata Tenet impedire che ciò avvenga, grazie in particolare al Protagonista, agente della CIA di cui non viene mai pronunciato il nome, e a un piccolo esercito di suoi alleati. A incarnare il pericolo nel nostro tempo è il malvagio Andrei Sator, criminale russo disposto a tutto pur di raggiungere il suo scopo.

Curiosando su internet, ho scoperto che alla base del film ci sono i concetti di “freccia del tempo” e “entropia”, oltre al “teorema della fluttuazione”: non ne capisco molto, per cui vi lascio solo con questi indizi nel caso in cui vogliate approfondire l’argomento.

Come avevo intuito la prima volta che ho letto il titolo “Tenet”, Christopher Nolan ha preso ispirazione dal misterioso quadrato magico “SATOR-AREPO-TENET-OPERA-ROTAS”: si tratta di un’iscrizione latina palindroma presente in vari ritrovamenti archeologici il cui significato esoterico rimane tutt’ora oscuro. Se l’argomento vi interessa, vi consiglio una gita nei sotterranei della Basilica di Santa Maria Maggiore a Roma o a Capestrano in Abruzzo dove potrete ammirarne alcuni esempi. Le enigmatiche parole ricorrono più volte nel lungometraggio, il villain ad esempio si chiama Sator e compare un’azienda di nome Rotas, ma a parte questo non ci sono molti altri riferimenti al quadrato e alle teorie su di esso, a parte solo il fatto che essendo un palindromo può essere letto in un senso o nell’altro, così come si muovono nel film nel tempo oggetti e personaggi. Tra tenaglie temporali, paradossi (avete presente il famoso paradosso del nonno?), spiegazioni fisiche complicate ma purtroppo poco plausibili dal punto di vista tecnico reale (mi hanno confermato persone esperte) e scene d’azione adrenaliniche, le 2 ore e mezza scorrono con un po’ di fatica, soprattutto all’inizio, per poi riprendersi nel finale, con l’unico colpo di scena negli ultimi 5 minuti. In generale, ho apprezzato l’atmosfera alla James Bond che Nolan stesso ha ammesso di aver voluto ricreare.

Cast

Il Protagonista è interpretato da John David Washington (visto in BlacKkKlansman), figlio del più famoso Denzel; lo accompagnano Robert Pattinson, che per la prima volta non ho trovato detestabile, Aaron Taylor-Johnson (Pietro Maximoff in Avengers: Age of Ultron), Himesh Patel (visto di recente nel divertente Yesterday), e l’immancabile Michael Caine. Il cattivo Andrei Sator è interpretato da Kenneth Branagh, che ha già collaborato con Nolan per Dunkirk e che questa volta non mi ha convinto molto, il suo criminale russo infatti è poco carismatico, antipatico ma non odioso tanto da renderlo memorabile come ci aspettiamo dai cattivi dei film di Nolan, e quasi identico al personaggio che ha impersonato in qualche anno fa in Jack Ryan – L’iniziazione. Elizabeth Debicki, che ci ricordiamo per aver incarnato l’antipatica aliena Ayesha in Guardians of the Galaxy vol.2, interpreta la moglie di Sator: l’ho trovata abbastanza inutile e anzi distruttiva ai fini della trama, e spesso mi ha fatto venire in mente il famoso dilemma morale “salvare la vita di una persona a scapito di milioni di altre o sacrificarla e salvare così tutti?”, tema già presente ne Il cavaliere Oscuro.

Effetti speciali e colonna sonora

Gli effetti visivi sono stati realizzati magnificamente dalla Double Negative, già responsabile della creazione degli effetti di praticamente tutti i film di Christopher Nolan, oltre che di alcuni Harry Potter e di molti film supereroistici: una garanzia! Le scene in cui, come si vede già nel trailer, gli attori e le cose si muovono al contrario sono incredibili e sono realizzate davvero bene, tutto scorre in modo plausibile e senza il minimo difetto.

Alla colonna sonora non troviamo come al solito Hans Zimmer ma Ludwig Göransson, vincitore del premio Oscar nel 2019 per le musiche di Black Panther.

Concludendo

Lo so, c’è una legge non scritta che dice che “i film di Nolan sono bellissimi e non criticabili”, e spesso non posso che essere d’accordo (sono fan di Nolan dal 2002), per cui immagino che mi attirerò le ire di molti ma purtroppo la mia personalissima opinione è che stavolta non ci siamo al 100%, nonostante si tratti comunque di un grande film. Tenet mi ha un pochino deluso, è troppo lungo e ho dovuto vederlo una seconda volta per riuscire a capirci qualcosa (e ho ancora moltissimi dubbi) mentre guardando gli altri film del regista, come ad esempio Inception, nonostante l’ambientazione fantascientifica non mi ero mai trovata a sentirmi così tanto persa come stavolta. Le spiegazioni fisiche e scientifiche sono frequenti durante il film, e anche se non sono accurate non fa niente, si tratta sempre di fiction, però mi è rimasta l’impressione che alcuni avvenimenti non si svolgano in modo coerente rispetto ad altri precedenti, e che alcune cose siano rimaste senza un chiarimento (dovrò vederlo una terza volta!). Le scene d’azione sono tante, molto particolari e interessanti (con i personaggi che si muovono all’indietro, in particolare una spettacolare lotta corpo a corpo) e tengono viva l’attenzione nonostante la prima parte sia un po’ lenta. A parte il personaggio di Pattinson, che mi è stato da subito simpatico e ritengo essere il migliore del film, gli altri non mi hanno suscitato particolare passione, evidentemente Nolan mi ha abituata troppo bene grazie ad altri personaggi memorabili come Cobb o Angier.

Nerdando in breve

Tenet è un gran film che sicuramente resterà una pietra miliare nella storia del cinema in particolare per il tipo di narrazione scelto, secondo me è un po’ troppo incasinato e non paragonabile ad altri capolavori di Christopher Nolan, primo tra tutti Inception, ma è un film che piacerà agli appassionati del regista e non solo, e farà un po’ storcere il naso agli studiosi di fisica.

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Trailer

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Recensione

Lo ammetto: il sequel di Jumanji, film del 1995 che ha divertito un’intera generazione anche grazie al compianto Robin Williams, ha suscitato in me pareri contrastanti e aspettative molto basse. Ma, una volta seduto sulla poltrona del cinema, mi sono ricreduto al 100%: Jumanji – Benvenuti nella Giungla mi ha divertito tantissimo grazie ad una storia non banale ma soprattutto agli attori protagonisti che l’hanno resa veramente divertente, primo fra tutti Dwayne “The Rock” Johnson. Ora è arrivato il momento del sequel, intitolato Jumanji: The Next Level, e grazie a Sony e Warner abbiamo potuto guardare il nuovo capitolo in anteprima per tutti voi amici di Nerdando.com. Sarà all’altezza del primo? Sarà ancora migliore? Continuate a leggere!

Trama

[Spoiler Free!]Dopo un po’ di tempo dalla conclusione delle avventure all’interno di Jumanji, The Next Level si apre con uno spaccato della vita dei quattro protagonisti (Spencer, Martha, Fridge e Bethany), e mentre sembra andare tutto per il meglio al resto del gruppo, il timido e impacciato Spencer si sente un pesce fuor d’acqua. Tornato a casa per le vacanze, trova la sua stanza occupata da Nonno Eddie, burbero e litigioso anziano alle prese con un conflittuale rapporto con l’incedere dell’età e con l’ex-amico Milo. Spencer non ce la fa più, e pensa bene di tornare all’interno del gioco – che ha voluto conservare nonostante tutti gli altri pensavano fosse stato distrutto – e grazie alla sua sparizione il gruppo di amici decide di tornare nel gioco per andare a salvarlo. Ma non tutto fila per il verso giusto, poiché il gioco è danneggiato: nel momento in cui si risvegliano all’interno di Jumanji, il gruppo scopre che qualcosa è andato storto e ci sono persone che non sarebbero dovute essere lì… oltretutto nel personaggio sbagliato. Questo non è che l’incipit dell’avventura, vi lascio ovviamente il gusto di scoprire il resto della storia da soli!

Stile

Jumanji: The Next Level è un film divertente, che scorre piacevolmente e che, soprattutto, non è un clone del primo film. Anzi, proprio grazie ad alcune scelte (di cui ovviamente non posso parlarvi), il film è più riflessivo e “maturo” e affronta temi nuovi, lasciandovi anche un po’ di spazio per riflettere. Probabilmente il primo capitolo è nel complesso ancor più esilarante, ma vi assicuro che anche qui mi sono fatto non poche risate! Ho trovato la trama lineare ma non scontata, specie in un paio di occasioni che, seppur leggermente “telefonate”, mi hanno piacevolmente colpito. Come sempre, grande uso di effetti speciali che sono sempre più spettacolari, ma alla fine il film lo riescono a condurre gli attori e non la CGI. Preparatevi a viaggiare in ambienti estremi che vanno decisamente al di là della giungla dello scorso film, e vestitevi per bene, farà caldo e farà freddo!

Cast

Squadra che vince non si cambia, pertanto ritroviamo in The Next Level la stragrande maggioranza del cast già visto nello scorso capitolo: avremo quindi The Rock nei panni del dottor Smolder Bravestone, Jack Black in quelli di Sheldon “Shelly” Oberon, il sempre sopra le righe Kevin Hart è Franklin “Topo” Finbar, la bella e combattiva Karen Gillian ritorna nei panni di Ruby Roundhouse e Nick Jonas – ma i Jonas Brothers sono ancora insieme? – è Jefferson “Idrovolante” McDonough, assieme alla new entry Awkwafina nel ruolo di Ming. Non dimentichiamoci però degli “altri” protagonisti, ossia di chi si è tuffato nell’avventura: dopo tanto tempo, tornano sui nostri schermi Danny De Vito (Nonno Eddie) e Danny Glover (Milo), e direi che queste due vecchie glorie sanno fare ancora bene il loro mestiere! Infine il villain di turno è una gradita conferma: torna sugli schermi Il Mastino di Game of Thrones, Rory McCann, nel ruolo di Jurgen il Bruto.

Voglio menzionare l’impegno che gli attori, in primis The Rock e Kevin Hart, hanno profuso nel cercare di non creare dei “cloni” ma di dare diverse sfumature ai personaggi. I due che cito sono coloro che, per due terzi di film, stravolgono completamente la loro essenza e ci regalano momenti divertenti in maniera inaspettata. Non posso non apprezzare lo sforzo del regista Jake Kasdan di voler regalare al pubblico un’esperienza simile ma allo stesso tempo diversa, cosa che non è sempre così scontata quando si parla di sequel; allo stesso modo, ho apprezzato molto la crescita e il cambiamento di alcuni personaggi, cosa anche questa mai banale e che poteva rischiare di appiattire il film, pericolo fortunatamente evitato alla grande.

Nerdando in Breve

Jumanji: The Next Level è un ottimo film da gustarvi a Natale – in realtà è anche un po’ un film natalizio data l’ambientazione “nel mondo reale” – e saprà divertirvi con freschezza ma senza superficialità. Di certo consigliato a chi vuole svagarsi ma, volendo, non disdegna un po’ di profondità e di riflessioni sulla vita e sulla crescita. E poi c’è The Rock!

Nerdandometro: [usr 4.3]

Trailer

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Pacific Rim 2 – La Rivolta è l’atteso sequel dell’insperato successo estivo del 2013 ad opera di Guillermo “the latino Peter Jackson” Del Toro, che per questo seguito si è limitato alla produzione, lasciando la regia a Steven DeKnight.

La distribuzione è ancora una volta Warner e vede, più ancora che nel primo film, la partecipazione numerosa di attori orientali, cinesi soprattutto, nonché di John Boyega, che si traveste da Jimmy Butler dei Minnesota Timberwolves per interpretare il protagonista, Jake Pentecost, figlio di Stacker, il comandante del primo film sacrificatosi da eroe dopo aver fatto il miglior discorso dall’uscita di Independence Day.

Trama

In Pacific Rim – La Rivolta torniamo nel futuro prossimo, dove una Terra devastata dagli anni di guerra contro i Kaiju sta cercando di ricostruire, ma molto lentamente, così che alcune città sono ancora semi-abbandonate (probabilmente tutti i materiali del mondo sono stati usati per l’utilissimo muro del primo film).

È in una di queste città che vive Jake Pentecost, facendo una vita a metà tra Stifler di American Pie e Rey su Jakku, fino all’incontro fatale con la giovane Amara Namari ed il suo jaeger artigianale.

Intanto, memori di quanto avvenuto nel primo film, i governi del mondo non hanno interrotto la ricerca sugli jaeger e sono pronti per rilasciare un nuovo reggimento di robottoni automatizzati, che rimuoverebbe la necessità di utilizzare piloti.

Ovviamente, qualcosa va storto ed i nostri sono costretti a fronteggiare una nuova invasione da parte dei Precursori, i creatori dei mostruosi Kaiju che abitano dall’altro lato del visualizzatore di iTunes che si trova sul fondo del Pacifico.

Recensione

Il primo Pacific Rim era stato giustamente definito un film che il vostro bambino di cinque anni interiore avrebbe adorato: c’erano robottoni, mostri, robottoni che scazzottavano mostri, una petroliera usata come mazza da baseball, un robottone con tre braccia e così via.

Era un film fondamentalmente demenziale, che avrebbe dovuto perdere qualunque pretesa di serietà nel momento in cui parlava della costruzione del muro attorno al Pacifico (tuttora l’idea più idiota ed assurda che io abbia mai visto, letto o sentito).

Nonostante la sua totale assenza di coerenza o senso però, continuava a pretendere di essere un film serio come ci si aspetterebbe dal budget speso o dai nomi coinvolti. Il risultato era un film estremamente gradevole dal punto di vista estetico e allo stesso tempo demenziale e divertente. Un film che era il piacere peccaminoso dell’estate nella sua tamarragine.

In Pacific Rim – La Rivolta questo elemento scarseggia, una cosa che, per quanto abbia deluso le mie aspettative, in sé potrebbe non esser male. Il problema però è che è comunque troppo pieno di buchi ed assurdità per essere un film serio e le scene di combattimento non sono soddisfacenti come quelle del primo.

Nel complesso ne esce un film che non si può prendere seriamente, nonostante sembri pensare di poterlo essere, e che nemmeno ha quell’insensatezza coreografica alla Power Rangers che fa gasare e ridere la nostra parte più infantile.

In Conclusione

Pacific Rim era stato un caso più unico che raro, in cui un film prodotto da una major si è travestito da film dell’Asylum (di quelli “belli”, non Airplane vs Volcano) con un budget sufficiente a metter su gli effetti speciali necessari.

Pacific Rim 2 – La Rivolta invece abbandona la tamarragine e la spensierata cafonaggine del primo, per produrre un film che pecca di scene memorabili e che non può di certo definirsi indimenticabile, anche a causa di scene d’azione non all’altezza.

Nerdando in Breve

Pacific Rim torna nelle sale con i suoi robot ed i suoi mostri alieni giganti. Anni dopo la guerra, la minaccia dei Precursori torna a farsi viva e sarà compito di Jake Pentecost (John Boyega) fronteggiarli.

A differenza del primo però, Pacific Rim – La Rivolta pecca in spensieratezza e demenzialità, finendo per diventare solo un film che vuole essere serio senza esserlo.

Nerdandometro: [usr 2.5]

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È già disponibile su Amazon il Geek Mix Wonder Woman, dedicato all’amata eroina di casa DC Comics.

Ma di cosa si tratta? Ogni mese Amazon seleziona il tema più nerd del momento e, con l’aiuto di alcuni blogger geek, seleziona i migliori prodotti da proporre in una ricercata raccolta a prezzo speciale.

Il Geek Mix è un’esclusiva Amazon.it e comprende materiali da collezione legati alle più amate saghe nerd di tutti i tempi. L’offerta, inoltre, è proposta ad un prezzo speciale e solo per un determinato lasso di tempo, dato che i prodotti vengono resi disponibili in una quantità limitata e che ogni mese viene proposto un tema diverso.

Questo mese tocca a Wonder Woman, scelta per diventare protagonista del Geek Mix attualmente proposto da Amazon.

Il Geek Mix Wonder Woman comprende il film targato Warner Bros. recentemente uscito nei cinema e dedicato alla Principessa delle Amazzoni ed un esclusivo poster che ritrae la paladina.

La pellicola, diretta da Patty Jenkins e con Gal Gadot nei panni della protagonista, viene proposta in Blu-Ray nella Steelbook da collezione esclusiva Amazon.

All’interno del Geek Mix anche un poster, anch’esso esclusiva Amazon, che ritrae Wonder Woman e realizzato dall’artista Emanuela Lupacchino per l’occasione.

Il Geek Mix Wonder Woman è acquistabile al prezzo di 25.99€ ed è disponibile dal 3 novembre 2017 e fino ad esaurimento scorte.

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Abbiamo già avuto modo di parlare abbondantemente del nuovo film ispirato all’amazzone più celebre dei fumetti. Oggi, a distanza di qualche settimana dall’uscita nei cinema, vediamo alcune gustose curiosità sulla pellicola con Gal Gadot.

Prima di tutto, però, facciamo il punto sull’andamento al botteghino: dopo tre settimane, Wonder Woman si assesta al terzo posto, con un incasso che sta per sfiorare i tre milioni di Euro. Primo posto, invece, per il pirata Jack Sparrow: Pirati dei Caraibi – La vendetta di Salazar, ha infatti totalizzato una somma superiore agli undici milioni di Euro in quattro settimane.
Secondo posto, infine, per La Mummia, con oltre tre milioni raccolti in sole due settimane (ma su un numero di schermi doppio rispetto gli altri due).

Veniamo ora alle dieci curiosità promesse:

1. Gal Gadot, protagonista della pellicola, è un’esperta di arti marziali e non ha usato stunt double per le scene action.
2. A causa del reshoot di alcune scene, stunt compresi, è dovuta tornare sul set mentre era incinta al quinto mese. Per nascondere l’evidente gravidanza, le è stato confezionato un costume con un green screen attorno alla pancia che è poi stato rimosso in post-produzione.
3. Zack Snyder, produttore del film, ha un cammeo in cui interpreta un soldato della Prima Guerra mondiale.
4. Il film è stato bandito in Libano. Gal Gadot, infatti, è un’ex soldato israeliano e Libano ed Israele sono ufficialmente in guerra.
5. Patty Jenkins, regista del film, è la prima donna a dirigere un film sui supereroi con una donna come protagonista.
6. Nicole Kidman ha ricevuto l’offerta di impersonare la regina Ippolita, ma ha rinunciato alla parte. La Kidman, in compenso, apparirà in Aquaman nel ruolo della madre di Arthur Curry.
7. Lynda Carter, l’attrice che impersonò Wonder Woman nella serie degli anni ’70, avrebbe dovuto avere un cammeo nel film. La sua partecipazione non è stata resa possibile per un conflitto negli impegni dell’attrice.
8. Questo film è il primo live action in cui compare Diana da bambina.
9. La doppiatrice giapponese di Wonder Woman è Kotono Mitsuishi, la voce originale di Sailor Moon.
10. Il ruolo di protagonista è stato offerto, nel 2015, ad Angelina Jolie che è stata riconsiderata, in seguito, anche per dirigerlo.

Che ne pensate di queste curiosità? Vi hanno fatto voglia di andare a vedere il film (nel remoto caso in cui non lo aveste già fatto), o vi servono altri cinque motivi?

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Gal Gadot è scesa sulla Terra e lo ha fatto in modo tale da ridefinire per sempre la figura dell’Amazzone nel nostro immaginario. In tutta la neonata saga del DC Extended Universe è infatti il personaggio meglio disegnato e meglio riuscito. Non tanto per la qualità della sceneggiatura, altalenante, ma per le indubbie capacità di Gal Gadot, che probabilmente è la migliore Wonder Woman mai vista.

Gal Gadot

Gal Gadot arriva all’attenzione del mondo grazie alla saga Fast & Furious in cui interpreta per tre pellicole il personaggio di Gisele Harabo. Fino a quel momento aveva recitato in piccole produzioni israeliane e aveva fallito il provino per la Bond girl di Quantum of Solace. Ma Gal Gadot non è semplicemente attrice ed (ex) modella: ha servito per due anni nelle Forze di Difesa Israeliane, è appassionata di motociclismo e arti marziali, per le quali ha conseguito la cintura nera terzo Dan in karate.

Siamo evidentemente di fronte ad un personaggio che poco si adatta alla figura della donna fragile con il cuore infranto, che va per la maggiore in un mondo maschio centrico. Wonder Woman è invece l’eroina per eccellenza, capace di tenere testa a qualsiasi uomo, a qualsiasi esercito: spinta da ideali ellenici di purezza e grandezza, è costretta a confrontarsi con un’amara realtà in cui il genere umano è corrotto e piegato sotto il gioco delle proprie passioni. Da questo scontro nasce e scaturisce la maturità del personaggio che esce dall’idillio pagano e scende, appunto, sulla Terra entrando di diritto a far parte di quella schiera di metaumani che la proteggeranno nel corso dei decenni da mostri, alieni e, soprattutto, dalla loro tendenza autodistruttiva.

Wonder Woman

Nel corso degli anni Wonder Woman, che insieme a Batman e Superman costituisce il trittico iconografico di DC Comics, ha subito molti cambiamenti. Nacque nel 1941 ad opera di William Moulton Marston, femminista convinto, con lo scopo di dare alle lettrici americane un punto di riferimento che non fosse la solita ragazzina svenevole. Sopravvissuta alla crisi degli anni ’50 con la crociata contro il “malcostume” imperante nei fumetti, si è completamente rigenerata grazie al ciclo Crisi sulle Terre infinite, alternando archi narrativi in cui i superpoteri andavano e tornavano.
Tornata in auge grazie allo splendido lavoro del fumettista George Pérez, viene legata maggiormente alle sue origini greche, in quello che probabilmente è l’arco narrativo meglio riuscito dell’intera saga.

La pellicola uscita in questi giorni mostra la genesi dell’eroina, narrandone la gioventù e il suo primo impatto con il mondo. Ambientato in una Prima Guerra mondiale mal tratteggiata, data la sua somiglianza con le immagini di Capitan America e Teschio Rosso, Diana acquisirà poco per volta coscienza dei suoi incredibili poteri, arrivando ad uno scontro epico tra divinità elleniche.
Il punto di debolezza di questo personaggio, a mio avviso, è lo stesso che ho sempre imputato a Superman: quando hai un eroe fondamentalmente immortale, come puoi renderlo interessante? L’unico modo è quello di scatenargli contro avversari sempre più potenti, sempre più micidiali e, necessariamente, sempre meno credibili. In pratica, dopo decine di anni, si cade nella noia mortale.
Questo ciclo di film di DC Extended Universe ha il pregio, innanzi tutto, di prevedere poche pellicole, per cui l’inflazione dei personaggi dovrebbe essere limitata; tuttavia abbiamo già visto come Batman V Superman e Suicide Squad pecchino in trama; Wonder Woman rappresenta sicuramente un balzo in avanti, ma se togliamo le pur spettacolari sequenze action, tutto quel che resta è l’evoluzione di Diana, da giovane amazzone ingenua a terribile bad ass. Narrazione che, ovviamente, non può essere riproposta in futuro, per cui il timore è che dai prossimi film non possiamo aspettarci altro che interminabili scene di combattimenti ed esplosioni. Un vero peccato perché DC Comics mette a disposizione una sandbox con cui chiunque sarebbe felice di giocare per creare trame e storie memorabili.
A patto, però, di riuscire a scrollarsi di dosso la pesante influenza di Marvel. Se i film DC Comics fossero vere e pure storie DC, non ci sarebbe paragone alcuno; tuttavia non sembrerebbe essere questa la direzione presa: a breve ci aspetta Aquaman, e chi conosce e ama questo personaggio sa bene che Jason Momoa è probabilmente il peggior interprete che potesse essere scelto per il ruolo.

Non ci resta che valutare quando sarà il momento; per ora godiamoci questa splendida Gal Gadot che ha dato a questo personaggio tutto quello di cui aveva bisogno per essere svecchiato (anche grazie ad un redesign accurato del costume) e per far breccia nel cuore degli spettatori. Dopo tutto non potevamo aspettarci nulla di meno da una donna che interpreta da sola le scene stunt pur essendo incinta di cinque mesi.

Nerdandometro: [usr 4.0]

Trailer

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Recensione

Il 24 maggio a Roma, Warner Bros. ha deciso di regalare ai fan e ad alcune testate come la nostra la possibilità di vedere in anteprima mondiale Wonder Woman. Quest’operazione si allinea con il bisogno di rilanciare l’immagine del DC Extended Universe dopo che i due film precedenti, Batman V Superman e Suicide Squad, sono stati severamente bacchettati da pubblico e critica, per usare un eufemismo.

Analisi

Quello che mi incuriosiva di Wonder Woman è il “venir dopo” quelli che, per ragioni diverse, erano film attesissimi e che hanno fatto flop: è l’ultima pellicola che uscirà prima di Justice League ed un esito negativo rischierebbe di affondare il DC Extended Universe prima ancora di poter arrivare al piatto forte; allo stesso tempo, però, molta della produzione e delle riprese era avvenuto prima dei risultati rivedibili dei sopraccitati film, così che non poteva deviare troppo dal progetto originale. In sostanza: la visione originale di Zack Snyder (regista che adoro e nel quale ho una fiducia immensa e forse ingiustificata) può riscuotere successo o è fallita definitivamente?

Per certi versi questo era il film perfetto per ravvivare l’entusiasmo: innanzitutto si tratta di una origin story, genere nel quale è molto difficile sbagliare; poi perché è passato molto più sottotraccia rispetto a Batman V Superman ed a Suicide Squad, dove le aspettative erano esageratamente alte da un lato per i protagonisti e dall’altro per la campagna promozionale eccessivamente pomposa; infine perché è la prima eroina che abbiamo sul grande schermo in questa generazione così che, per una volta, DC può “sorpassare” Marvel.

Questa visione complessiva per quel che riguarda il DC Extended Universe superava nel mio interesse quello strettamente legato a Wonder Woman in sé, che ammetto essere un personaggio che conosco poco e che non mi ha mai suscitato un particolare interesse. Questo però si rivelava essere un altro banco di prova importante: sarebbe riuscito questo film a svegliare in me la passione per la Principessa delle Amazzoni, indubbiamente il meno popolare dei membri della “Trinità DC”? La risposta è… nì. Cercherò di spiegarvi senza spoiler il perché questo film convince ma non esalta.

Trama

Come detto, Wonder Woman – interpretata da Gal Gadot – narra la origin story dell’eroina, ovvero di come Diana, Principessa delle Amazzoni, è divenuta Diana Price, la seducente ed elegante donna che in abito da sera anticipa Bruce Wayne ed in armatura aiuta Batman e Superman contro Doomsday. Se però l’omicidio dei coniugi Wayne o l’arrivo in astronave nel ranch dei Kent in Kansas sono storie iconiche ed arcinote, quella di Wonder Woman è decisamente meno consolidata nell’immaginario collettivo, lasciando quindi ampia libertà agli autori della pellicola su come dipingerla ed evitando di cadere nello scontato (per dire, adoro Spider-Man, eppure dubito che sarei interessato all’ennesimo film in cui bisogna aspettare la morte di Ben Parker per un’ora buona).

La scelta di Zack Snyder, Allan Heinberg e Jason Fuchs è stata innanzitutto di scegliere un setting molto diverso: come si vede già dal trailer, il film si ambienta durante le fasi conclusive della Prima Guerra Mondiale nella quale una giovane ed ingenua Diana si ritrova coinvolta, costretta a scontrarsi con la brutalità della guerra di trincea alla sua prima esperienza nel mondo esterno all’Isola delle Amazzoni dove era cresciuta isolata e protetta.

Nonostante il quantitativo enorme di conoscenze accumulate negli anni di studio ed addestramento, Diana è come una bambina, non solo nel suo candore nei confronti del mondo maschile e nella sua ignoranza dei costumi moderni, ma anche nella sua cieca ed ingenua ossessione per la bontà dell’umanità.
Quando però quest’illusione cade e Diana inizia a rendersi conto di cosa alberga veramente nel cuore degli esseri umani, solo legami e sentimenti forti riescono ad evitare di farla passare dalla parte di chi vuole vedere la nostra specie estinguersi, diventando così la Wonder Woman che conosciamo (e risvegliando i suoi veri poteri, laddove per quasi tutto il film le sue capacità sono “limitate”).
Questa crescita è ben descritta nel film ed è sostenuta benissimo dal ruolo del de facto co-protagonista Steve Trevor, spia americana al servizio dell’intelligence britannica, interpretata a mio parere ottiamamente da Chris Pine.

Il film ha il merito di riuscire ad imbastire un’origin story dignitosa per Wonder Woman, che va a delineare il suo personaggio all’interno di quella che sarà la Justice League: la combattente dura, fiera, che non s’arrende mai, ma che è empatica con i più deboli ed è sempre disposta ad aiutarli, di fatto bilanciando le attitudini eccessive degli eroi di Metropolis in un senso e di Gotham in un altro.
Oltre alla trama anche la sceneggiatura è molto valida (tranne che per alcune scene, dove è un po’ confusa) e sa inserire i momenti comici senza forzarli come sembra avvenire negli ultimi film Marvel o in Batman vs Superman.

Quanto ai punti deboli: le musiche (fatta eccezione per il main theme che si era già sentito nel combattimento con Doomsday e che adoro) sono così così; il rallenty nei combattimenti era fantastico in 300, ora però sarebbe il caso di smettere di usarlo ad ogni occasione; il setting della Prima Guerra Mondiale m’interessava non poco, ma alla fine sembra un film sulla Seconda, con i tedeschi che passano per i cattivoni crudeli dediti a ricerche folli e le somiglianze con l’HYDRA e con Teschio Rosso sono eccessive. Tra l’altro, una nota a parte: mi aspettavo che questo film sarebbe stato molto simile al primo Captain America e, sebbene ci siano alcune somiglianze innegabili, alla fine forse il paragone più idoneo è… la Trilogia Originale di Star Wars!

Infine, come detto, il film convince ma non esalta: la trama è piacevole, ha delle svolte interessanti, l’azione è coinvolgente, ma manca quel qualcosa che renda il tutto indimenticabile, che sia un personaggio che emerge, un cattivo incredibile o una scena inaspettata o clamorosa. Nel complesso la sensazione è che si sia giocato molto sul sicuro con Wonder Woman: c’era bisogno di recuperare l’attenzione e l’aspettativa del pubblico (cosa che probabilmente farà), ma non si poteva rischiare di combinare un altro pasticcio con Justice League alle porte.

Nerdando in breve

Guardando il bicchiere mezzo pieno: si tratta di un buon film, senza evidenti lacune o problemi. Ora continuando su questa strada Warner e DC devono levare qualche freno e lanciarsi per creare un capolavoro come Justice League meriterebbe di essere.

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