Conosco American Arcadia da un po’, visto che è stato originariamente pubblicato su PC nel 2023. L’avventura, un po’ walking simulator e un po’ puzzle game di Out of The Blue Games mi ha sempre intrigato ma non ho mai trovato il tempo di giocarla. Gli sviluppatori si sono finalmente decisi a portare il videogame su console e ho interpretato tutto ciò come il segno, inequivocabile, che avrei dovuto finalmente dedicargli la mia attenzione. American Arcadia racconta la fuga di Trevor Hills dalla prigione Orwelliana della città di Arcadia e, fidatevi, merita di essere nelle vostre ludoteche. A tal riguardo ci terrei tanto a ringraziare il caro amico Ricardo per avermelo calorosamente consigliato in svariate occasioni; come sempre, il passaparola è l’arma più forte in mano agli appassionati.

Recensione

Ho portato a termine l’avventura sviluppata da Out of The Blue Games (autori dell’apprezzato Call of The Sea) su Xbox Series X. Ho impiegato circa 7/8 ore per veder scorrere i titoli di coda. Nel mio test del gioco non ho incontrato bug o rallentamenti.

Setting e Trama

Sin dai primi istanti si fa la conoscenza di Trevor Hills, co-protagonista del gioco. Questo noioso impiegato di 28 anni viene descritto come un average Joe, un uomo qualunque che fa tesoro della ripetitività della sua routine giornaliera. Il problema di Trevor è però quello di vivere ad Arcadia, una città ferma agli anni ’70 dove tutti gli abitanti, a loro insaputa, vengono seguiti da telecamere 24 ore su 24. Sotto la cupola artificiale di Arcadia, da cui nessuno può uscire, tutto è studiato nei minimi dettagli e nessuno dei suoi cittadini sospetta nulla. L’idea è senz’altro mutuata da opere che seguono questo concetto, quello del Grande Fratello Orwelliano tanto ben rielaborato in The Truman Show, per esempio. Nel caso di American Arcadia, però, a vivere nell’illusione è un’intera popolazione cittadina, la quale da anni viene usata come puro intrattenimento per il pubblico statunitense. Nel videogame, qui e lì, si possono intuire critiche alla nostra quotidianità e all’utilizzo malato dei social network che moltissimi fanno, ma gli sviluppatori hanno comunque voluto tenere un tono leggero e una scrittura immediata.

A rendere ancora più interessante l’intreccio concorre l’introduzione di un secondo protagonista di cui, almeno nel capitolo 1, non conosciamo nulla. L’obiettivo di questa persona è quello di far evadere Trevor da Arcadia, per portarlo nel mondo esterno dove, invece, il calendario segna anno 2023.

Gameplay

American Arcadia mantiene il dualismo dei due personaggi donando loro anche distinte tipologie di gameplay che, però, spesso si intrecciano. In linea di massima, nei panni di Trevor vivrete per la maggiore un walking simulator che spesso mi ha ricordato titoli come Planet Alpha, Never Alone o, perché no, addirittura INSIDE. Quando invece si utilizza il comprimario misterioso di Trevor, si giocherà in prima persona focalizzandosi sulla risoluzione dei tanti puzzle che il gioco propone. Questi ultimi mi hanno soddisfatto tutti, con un manciata di casi che mi sono sembrati particolarmente ispirati (quello dell’automobile, del pannello esagonale e dell’anti-jingle i miei preferiti).

Alcune sezioni mischiano l’utilizzo dei due personaggi e queste sono, in assoluto, quelle che considero più personali di American Arcadia sebbene, per i miei gusti, siano troppo basate sul trial and error. In questi casi si controlla Trevor nella sua pazza corsa mentre col secondo personaggio si innescano una serie di dispositivi per aiutarlo nella sua fuga.

Come detto, il gioco non è lunghissimo e la trama è così intrigante da tenere alte la voglia e la concentrazione del giocatore. Pertanto il videogame non ha tempo di diventare ripetitivo e tutte le soluzioni di gameplay trovate risultano fresche dall’inizio alla fine.

Grafica e sonoro

Come potete intuire dagli screenshot proposti in calce, American Arcadia non propone uno stile grafico muscolare come quello di DOOM, per nominarne uno tra tanti. Piuttosto propone uno stile ispirato e azzeccato che ben si mischia ai vibes anni ’70 che permeano le sezioni di Trevor. I personaggi sono contraddistinti da pochi elementi estetici ma risultano comunque espressivi e, in generale, ben caratterizzati. Sebbene le sezioni nei panni di Trevor Hills siano più ricche di colori, dettagli e fondali splendidamente retro, anche quelle in prima persona non sfigurano.

Il sonoro è tra gli aspetti più riusciti del gioco, che si parli di doppiaggio o di accompagnamento musicale. La prova attoriale, in lingua inglese, proposta dai doppiatori mi ha spesso esaltato. Soprattutto il personaggio di Trevor, che compie una crescita organica e ragionata durante la storia, è stato reso in una maniera a mio parere impeccabile. Spiace notare che tra le miriadi di lingue proposte, ben 11, non sia presente l’italiano per i sottotitoli. Spero che questo non rappresenti un limite insormontabile per voi perché il lavoro portato a termine dai ragazzi di Out of The Blue Games merita quantomeno la vostra curiosità.

Versioni e prezzi

Su console, American Arcadia presenta una sola versione all’invitantissimo e corretto prezzo di 19.99 €. È disponibile per Xbox, Play Station e Nintendo Switch.

Ricordo inoltre che, nel 2023, originariamente il titolo fu lanciato su PC sul sempreverde store digitale di Steam.

Conclusione

Quelle di Trevor Hills, del secondo personaggio misterioso e della città di Arcadia sono storie da vivere inequivocabilmente pad in mano. American Arcadia è un puzzle game e al contempo un walking simulator assolutamente convincente. Il dipendere molto dal trial and error, in alcune fasi, non gli permette, per me, di raggiungere l’eccellenza. Ciononostante lo considero un indie da non lasciarsi scappare, soprattutto ora che, a distanza di due anni, sbarca su console.

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Nerdando in Breve

American Arcadia è un’avvincente avventura condita di tanti riusciti puzzle sviluppata da Out of The Blue Games e pubblicata da Raw Fury.

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Recensione

E se la morte fosse solo il principio? Beh, potrebbe esserci davvero molto da scoprire su noi stessi e sulle nostre esperienze di vita. Soprattutto sarebbe l’occasione di ripensare ai temi importanti, alle decisioni prese, alle persone che ci hanno accompagnato nel nostro percorso.
Ma soprattutto, secondo lo studio Krealit che lo ha sviluppato, sarebbe ben rappresentata da una continua scalata verso l’alto.

Trama

Caligo è un piccolo, piccolissimo, gioco in cui prendiamo coscienza al momento della nostra morte: uno strano traghettatore ci aiuterà a muovere i primi incerti passi fino ad incontrare una figura quanto mai pittoresca, un co-protagonista su cui non posso dire nulla per non spoilerare l’unico mistero del gioco. Da quel momento in poi, la sua voce ci accompagnerà per tutta l’ora necessaria a completare l’esplorazione del gioco e ci accoglierà in prima persona sul suo finire, invitandoci a prendere una decisione fondamentale.
Ovvero scegliere che conclusione dare al nostro viaggio: tempo di fermarsi o di ricominciare una nuova storia tutta da scrivere?

Gameplay

Caligo è un classico walking simulator, in cui non abbiamo praticamente nessun comando e nessuna possibilità di accelerare l’andatura. L’esperienza di gioco consiste unicamente nel percorso, nel viaggio, molto più che nella meta. Così come nell’esplorazione degli ambienti e delle pittoresche figure che incontreremo.
Al contrario di altri titoli celebri, come l’emozionante Dear Esther, però qui siamo davanti a un titolo sostanzialmente appena abbozzato, come un diamante grezzo di cui però è stata appena scalfita la superficie.

Caligo consta di pochi e semplici livelli, in cui non si può fare praticamente nulla se non raccogliere una manciata di disegni (l’unico collezionabile della storia) e procedere sempre avanti e in salita fino al prossimo livello.
Tutta l’esperienza di gioco si consuma in un’oretta, forse due se vorrete dare una seconda chance e perlustrare ogni anfratto alla ricerca dei disegni che non avete raccolto al primo giro. Dopodiché, duole dirlo, ma lo metterete via senza pensarci più.

Comparto tecnico

In quanto produzione indie, siamo davanti al classico gioco dalle pochissime pretese. Nonostante questo, e nonostante la sua esiguità, è innegabile che i livelli siano ben disegnati e molto evocativi. Soprattutto quello della guerra, che risulta particolarmente ispirato e che attinge all’immaginario di artisti come Hans Giger e Zdzisław Beksiński.

Piuttosto gradevole anche l’accompagnamento sonoro, con musiche piacevoli e bene calate nelle atmosfere, talvolta rilassanti, altre volte disturbanti.
Davvero poco ispirato, invece, il recitato, che risulta poco empatico e scarsamente coinvolgente.

Conclusioni

Per quanto apprezzi il genere, devo dire che Caligo non si colloca tra le mie esperienze di gioco preferite: a conti fatti, se escludiamo l’environment design, ha davvero poco da dire: la storia è appena abbozzata, i livelli ricchi di muri invisibili e constano fondamentalmente di ambienti in cui andare sempre dritto o scalate interminabili.
Per un walking simulator le componenti narrative e recitative sono tutto e qui, purtroppo, non ci siamo.

Mi sento di consigliarlo a chi è follemente innamorato del genere o vuole perdersi in ambienti evocativi e ben disegnati.
Un grazie a Sometimes You per il codice inviato per questa recensione.

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Nerdando in breve

Caligo è un breve viaggio sui significati della vita.

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Una costante chiaramente visibile nel lavoro di Thomas Waterzooi, autore di Please, Touch the Artwork e del suo seguito, è la sua capacità di reinventarsi. Il game designer belga, prima di avventurarsi nella produzione di videogame in solitaria, ha infatti lavorato su Divinity Original Sin e Hitman, per poi abbracciare il tema dell’arte moderna e portarlo nel mondo videoludico. Il suo primo progetto, Please, Touch the Artwork (di cui parlo qui), era un puzzle game che omaggiava le opere di Piet Mondrian. Il suo secondo, Please, Touch the Artwork 2, è un walking simulator che ci fa compiere un viaggio nell’arte di James Ensor, il pittore belga famoso per i suoi dipinti satirici e macabri.

RECENSIONE

Ho giocato Please, Touch the Artwork 2 su PC, utilizzando il mouse. Il gioco è perfettamente compatibile anche con i controller. Sono arrivato ai titoli di coda in circa un’ora, come anticipato dallo stesso autore. Ringrazio il publisher per avermi fornito una codice riscattabile su Steam del gioco.

GAMEPLAY

Come accennavo, non aspettatevi da questo seguito la stessa esperienza di Please, Touch the Artwork. Questo secondo capitolo, proposto gratuitamente, al contrario del primo, si configura più come un walking simulator che come un puzzle game.

Il gioco consiste nell’esplorare diversi quadri di Ensor, controllando un enigmatico personaggio scheletrico che si muove con il mouse o con il controller. Lo scopo è quello di trovare oggetti nascosti tra le figure colorate e bizzarre che popolano le tele, sulla falsariga di “Where is Wally?”.

Non si spara, non si corre, non si salta, non c’è azione e se questo rappresenta per voi un problema tenetevi alla larga da Please, Touch the Artwork 2. Personalmente trovo che, seppur troppo breve, l’ultima fatica di Waterzooi sia proprio l’esperienza chill di cui avevo bisogno in questo periodo.

COMPARTO ARTISTICO

La vera protagonista di Please, Touch the Artwork 2 è però la grandiosa produzione artistica di James Ensor, pittore belga nato nella seconda metà dell’800. Onestamente le sue opere mi erano sconosciute ma non posso negare di esserne stato catturato grazie a questo videogame.

Thomas Waterzooi compie un ottimo lavoro prendendo per mano il giocatore, portandolo a scoprire la nutrita collezione di pitture di Ensor. Dai suoi iniziali lavori più votati al realismo e alla sobrietà fino ai suoi bizzarri e stranianti dipinti più maturi. Avere una predisposizione per l’apprezzamento della pittura è chiaramente una condizione fondamentale per godersi questo videogame. Chiaramente, unendo quanto detto alla scarsa durata dell’avventura e al gameplay descritto si può intuire come questa combinazione sia apprezzabile da pochi videogiocatori. Un difetto? Per me no, ma tocca a voi, se dubbiosi su questo videogame, fare le vostre considerazioni.

Certo è che passeggiare in queste meravigliose produzioni artistiche mi ha donato sensazioni di benessere riscontrabili in poche altre produzioni videoludiche. Il tutto viene innalzato dalla bellissima colonna sonora fatta di diverse tracce di musica classica che ben si sposano con quanto proiettato su schermo.

PREZZO

Please, Touch the Artwork 2 è disponibile per PC e dispositivi mobile. È scaricabile gratuitamente e non contiene acquisti in-app.

CONCLUSIONE

Ho apprezzato tanto l’ora spesa in compagnia di Please, Touch the Artwork 2. Il suo semplicissimo gameplay permette di godersi con serenità e calma l’ottimo accompagnamento musicale e le ispirate pitture di James Ensor. In più è gratis! Dategli una possibilità.

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NERDANDO IN BREVE

Please, Touch the Artwork 2 è un walking simulator tra le pitture di James Ensor.

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Recensione

Andrei è un giovane studente rumeno che, dopo aver abbandonato il piccolo villaggio in cui è nato e cresciuto, affronta la vita universitaria a Bucarest per poi decidere di fare ritorno a casa, così da rincontrare il suo amore giovanile e gli amici di sempre.

Le cose, però, non vanno esattamente come atteso e il lungo viaggio verso casa diventa anche una piccola odissea tra i luoghi della memoria che costellano una serie di emozioni, ricordi ed esperienze in cui presente e passato si fondono indissolubilmente.
Le case sono deserte, il villaggio appare abbandonato. Cosa è successo a Ranchiuna? Inizia così un’esplorazione fatta di visioni del passato, con figure misteriose ed evanescenti che diventa sempre più facile credere reali e in cui i confini del mondo reale si sgretolano lasciando spazio ad elementi fantastici e surreali, profondamente evocativi, che dovremo collezionare per ricostruire cosa sia successo realmente.

Ecco quindi Andrei che si trova ad affrontare un lungo viaggio, passo dopo passo, per scoprire che alcune cose non sono cambiate (purtroppo) e che altre sono addirittura peggiorate. Spesso osservare da lontano è il modo migliore di vivere le cose e molto, troppo spesso, tornare sui propri passi vuol dire scoprire che quando ce ne siamo andati, abbiamo voltato pagina e riaprire il libro dall’inizio non fa che riaprire vecchie ferite ed evidenziare quel solco che l’allontanamento aveva creato.

Lo sa bene chi, come me, come molti altri, ha abbandonato la (piccola) città di origine per una (grande) avventura di vita, vuoi che sia studio, lavoro, famiglia. Dopo un po’ di tempo quella rottura diventa incolmabile, la separazione non è solo fisica ma anche e soprattutto morale. Quando si torna alle origini chi è rimasto ci vede come un estraneo, un traditore, qualcuno che ha rinnegato la propria natura per un effimero ed incomprensibile qualcosa nel buio.

Non è così, ovviamente, e noi che abbiamo voltato pagina spesso guardiamo a chi è rimasto come a creature piccole e ottuse, bloccate nel loro minuscolo universo come pesci rossi nella boccia di vetro che rappresenta tutto il loro universo e dal quale non riescono a percepire quanto limitato sia.

Nel nostro viaggio in The Dead Tree of Ranchiuna i pensieri accompagnano incessanti i passi, i fantasmi del passato, le ombre del presente, le riflessioni sul futuro si fondono tra loro in un concerto di emozioni e sensazioni senza soluzione di continuità. Quanti di noi non hanno mai passato un momento di profonda solitudine, accompagnati solo dai propri pensieri, spesso scoordinati, dove il filo logico lascia il passo alla mera esplosione emotiva?
Come detto all’inizio la narrazione include elementi astratti altamente evocativi, che danno il via ad una profonda analisi sulle ingiustizie sociali e di come la vita possa spesso travolgere i piccoli umani che vi si affacciano, lasciandoli in loro balia.

Così Andrei, in questa lunga passeggiata, affronta una vita che decisamente non gli appartiene più e noi, con lui, affrontiamo quel medesimo viaggio: incapaci di abbandonarlo, desiderosi di portarlo a termine, determinati a scoprire dove il flusso di coscienza collettiva ci porterà.
Arriviamo con l’intento di incontrare e salutare nostra madre, che ha già preparato per noi il nostro piatto preferito, ma prima di tornare alle origini, dobbiamo compiere la nostra rivoluzione copernicana: e solo tramite la mutazione, la trasformazione che attimo dopo attimo regola il battito della nostra vita, e i suoi passi attraverso di essa, saremo in grado di completare il ciclo, ed essere così liberi di chiudere, finalmente, quel libro aperto il giorno della nostra nascita.

Un ultima nota. Ranchiuna, in rumeno, vuol dire “rancore”.

Comparto tecnico

Tonguç Bodur non è nuovo alla realizzazioni di avventure intimiste e riflessive, come Drizzlepath deja vu. Oggi, in collaborazione con il team cinese con sede ad Hong Kong EastAsiaSoft (già autori dello splendido Bard’s Gold) confeziona un walking simulator delicato e intimista.
Non esente da difetti, occorre ammetterlo, ma profondamente poetico ed efficace nella sua realizzazione.

Il modello 3D del personaggio sembra essere stato confezionato diverse generazioni fa, ma l’opzione di vivere l’esperienza in prima persona (altamente consigliata per questo genere di titolo) ovvia immediatamente al problema.
A farla da padrona, ovviamente, è la composizione grafica e musicale del mondo di gioco: il bosco in cui (è facile) perdersi è dipinto in modo impeccabile, con scorci eccezionali ed effetti di luce che fanno capolino tra le fronde che vi lasceranno fermi ad ammirare il panorama.
In un gioco del genere il comparto audio non può essere da meno, e infatti la colonna sonora che accompagna i nostri passi è semplicemente perfetta: delicata, emozionante, avvolgente.

Privi di interfaccia, di mappa, e con le interazioni ridotte al lumicino, abbiamo anche la possibilità di attivare la camminata automatica, così da poter procedere con la nostra esplorazione, accompagnare il lento incedere del protagonista e seguire con calma e attenzioni le lunghe riflessioni sulla vita, sull’amore, sul rapporto con se stessi e col prossimo, che appaiono a sottolineare determinati passaggi dell’avventura, alternandosi al silenzio della natura, e ai dialoghi evocativi che ci fanno comprendere il rapporto di Andrei con l’amata Daniela e coi vecchi amici.

Compaiono alcuni enigmi ambientali privi di alcuna complessità, giusti per spezzare il ritmo di tanto in tanto.

Conclusioni

The Dead Tree of Ranchiuna è un titolo interessante, mi ha colpito la sua poetica e la sua eleganza grafica. L’ottimo recitato (inglese) con i sottotitoli (italiani) facilita l’accesso alle profonde riflessioni che accompagnano il gameplay. Non siamo ai livelli di capolavori come What Remains of Edith Finch, né abbiamo l’interattività e l’esplorazione di The Vanishing of Ethan Carter, così come la quantità di dialoghi e riflessioni è estremamente ridotta e lontana da Dear Esther, tuttavia ha il pregio di regalarci uno spaccato dell’Europa dell’Est che raramente abbiamo occasione di vivere.

Insomma: la realizzazione tecnica è di ottima fattura e non posso che consigliarlo a chi ama il genere dei walking simulator.

The Dead Tree of Ranchiuna è ora disponibile per Xbox One, Xbox Serie S|X, Playstation 4 e 5, Nintendo Switch al prezzo di 9,99 Euro.

Nerdando in breve

The Dead Tree of Ranchiuna è il viaggio di chi torna alle proprie origini per scoprire di non farne più parte.

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Recensione

Panorami mozzafiato nella profonda Inghilterra vittoriana.
Un antico albergo caduto in rovina e il disperato tentativo di riportarlo in auge.
La voce, idilliaca, della padrona di casa e la pesante eredità della figlia di lei, nel tentativo di ripercorrerne le orme.

Cos’altro? Ah sì: un maleficio che trasforma gli abitanti del maniero in creature prive di anima, assetate di sangue e tortura; natura contorta contro se stessa e contro chiunque ancora cerchi di mantenere un briciolo di sanità mentale.

Questo è il panorama avvincente di Maid of Sker, un survival horror che ricorda da lontano il celebre Layers of Fear, ma che in realtà se ne discosta fin quasi da subito.
La nostra esplorazione inizia sul treno che lentamente ci porta verso Sker, l’albergo teatro di tanto orrore: qui dovremo fare il possibile per salvare Elizabeth, la nostra amata dal canto argentino.
Per farlo non avremo altra arma che il nostro coraggio e la nostra intraprendenza, nella lenta discesa verso un abisso di orrore che vi farà saltare sulla sedia più di una volta.

Gameplay

Maid of Sker si configura come un classico survival horror in prima persona, strizza l’occhio ad altri titoli indie che ho avuto la fortuna di provare, come What Remains of Edith Finch, per la cura dei dettagli, e il già citato Layers of Fear per quanto riguarda invece l’ambientazione vittoriana e le atmosfere cupe e oppressive.

Il gameplay, però, è qui ridotto all’osso: ci sono alcuni collezionabili da trovare e raccogliere, e alcuni enigmi ambientali da sviscerare per procedere nella storia. Il tutto cercando di non farsi scoprire dalle creature del buio, esseri che un tempo erano uomini ma che sono stati corrotti da una maledizione. Creature cieche ma dall’udito sviluppato, i Quiet Men, ed è qui che intervengono le novità del titolo.

Dovremo infatti fare poco rumore, accucciandoci, nascondendoci, superando gli ostacoli nel modo più silenzioso possibile. Ma attenzione che urtando i mobili si genera rumore, così come correndo e, infine, ansimando rumorosamente dopo una corsa o tossendo, magari passando dentro un ambiente polveroso.
Il gioco ci mette a disposizione la possibilità di soffocare la tosse e trattenere il respiro (ci sono anche un paio di obiettivi dedicati), ma naturalmente non possiamo abusarne: è una possibilità che va usata con parsimonia e solo nel momento in cui vi siamo costretti.

Un altro paio di note doverose. Durante la mia esplorazione del gioco (che si assesta sulle 6 ore per essere completato), ho visto un paio di evidenti richiami a Resident Evil 2 e Resident Evil 3. Da un lato sono presenti delle porte che non sono operabili a meno di non trovare delle chiavi apposite, il tutto collegato ad un enigma che è risolvibile sono in momenti prefissati dell’esplorazione.
Dall’altro lato è il comportamento del boss, che sembra stranamente capace di individuarci a prescindere da qualsiasi cosa facciamo (stealth o no) e che è ovviamente indistruttibile (qualcuno ha detto Nemesis?).

Componente tecnica

Ho sperimentato Maid of Sker su Xbox One X e la resa grafica è davvero notevole.
Non mancano le sbavature, naturalmente, ma stiamo pur sempre parlando di una produzione contenuta.
Personalmente ho trovato un po’ troppo rapida la velocità con cui si gira l’inquadratura, al punto da dare leggermente le vertigini, e alcuni modelli peccano in quantità di poligoni; tuttavia la resa complessiva è davvero ottima: i panorami sembrano dei dipinti e la splendida colonna sonora, che permea tutta la natura del gioco, si lascia ascoltare con grande piacere.

Ottimo anche il recitato inglese, davvero ispirato, a cui è possibile associare sottotitoli in italiano, per chi non è troppo pratico della lingua.
Maid of Sker è da giocare rigorosamente con le cuffie, sia per una questione di immersività, sia che di gameplay: l’audio binaurale infatti ci consente di capire dove si trovano i Quiet Men e ci aiutano nella difficile opera di evasione e fuga.

Da segnalare anche l’abilita dei ragazzi di Wales Interactive (gli stessi di Late Shift e The Bunker) di generare nel giocatore uno stato d’ansia constante, senza ricorrere eccessivamente al vecchio escamotage dello jumpscare.

Conclusioni

Maid of Sker trae ispirazione da una leggenda locale, e a sua volta da un’antica ballata gaelica, Y Ferch O’r Scer, ambientata nella House of Sker. La dama in questione è Elizabeth Williams, il cui destino sfortunato la vede agli albori del 1800 innamorata di Thomas Evans (il nostro protagonista del gioco). Il padre di lei, a causa della differente estrazione sociale, si oppone alla loro unione e dà la figlia in sposa ad altri.
Dopo nove anni di pene d’amor perduto, la povera Elizabeth passò a miglior vita ma il suo fantasma rimase ad infestare le stanze della casa nella quale era stata fatta prigioniera.

Ed è proprio la musica a fare da colonna portante di questo titolo: per spezzare la maledizione, infatti, dovremo trovare i pezzi perduti di un’antica melodia, e consegnarli alla povera Elizabeth, che aspetta solo noi per essere liberata.
Le brevi e cadenzate telefonate con la voce di lei non fanno che incrementare lo stato d’ansia e il senso di urgenza di trovarla e salvarla.

Nerdando in breve

Maid of Sker ci fa vivere un vero incubo musicale.

Nerdandometro: [usr 3.8]

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Recensione

Esiste una definizione del tipo “electropunk” dedicato alle arti visive? No? In tal caso andrebbe inventata perché steampunk e dieselpunk si avvicinano ma tradiscono la natura interamente incentrata, invece che sul vapore o l’olio di balena, proprio sull’elettricità e sul fascino che un personaggio come Nikola Tesla riesce a tramandare anche a decenni di distanza.
Close to the Sun è l’opera tutta italiana di Storm in a Teacup che ho potuto ammirare in anteprima qualche tempo fa all’evento ID@Xbox 2018 di Microsoft e che da quel momento ho attesa con impazienza.
Da un lato perché trattasi di un walking simulator/survival horror a tinte vittoriane, e dall’altro perché è sempre meraviglioso vedere l’opera dei talentuosi team italiani, che nulla hanno da invidiare a produzioni blasonate.

Gameplay

Close to the Sun ci porta a bordo della Helios, la nave ultratecnologica che Tesla ha messo a punto e caricato di menti eccelse allo scopo di portare a termine un progetto strabiliante.
Qualcosa, però, non è andato per il verso giusto e Rose Archer, la nostra protagonista, riceve una lettera dalla sorella Ada (un vago riferimento alla celebre Lovelace?) che la invita a raggiungerla a bordo.

Qui troveremo un’ambiente corrotto e devastato dagli esperimenti di Tesla, e si sa che grandi fonti di energia possono causare spiacevoli distorsioni temporali. Ci troveremo quindi ad esplorare realtà che si sovrappongono senza soluzione di continuità oltre che a fuggire da una misteriosa creatura con la quale è bene non entrare in contatto.

Il risultato finale è un’avventura di esplorazione lenta e meticolosa, cosa che ci lascia godere degli ottimi ambienti che strizzano l’occhio a sua maestà Bioshock per capacità evocativa, alternata a brevi momenti concitati che spezzano il ritmo.

L’avventura si chiude, cercando ed esplorando un po’ di tutto, in circa cinque ore, ma una run rushata può portarci ai titoli di coda in 3 ore.

Comparto tecnico

Come già detto, le suggestioni del comparto visivo sono di prima qualità. Gli ambienti sono ricchi e dettagliati e anche se le texture non fanno gridare al miracolo, la resa complessiva è ottima, così come i giochi d’ombre e la dinamica delle luci.
Doveroso ammettere che non tutti gli ambienti sono curati con la stessa dovizia di particolari, ma alcuni punti lasciano davvero sgomenti.
Buono anche l’accompagnamento sonoro, che in un titolo del genere ha e deve avere un ruolo di primo piano.

Tuttavia è innegabile la presenza di alcune sbavature tecniche nel gameplay, tipiche delle produzioni indie ma che fanno storcere il naso. Ho trovato i movimenti meno fluidi di quanto avrei sperato, ma è un peccatuccio veniale; sono altre le cose importanti: ad esempio l’attivazione dei cue point, che spesso richiedono di trovarsi esattamente davanti all’oggetto in questione (per esempio: non basta essere dall’altra parte del tavolo, ma bisogna fare il giro e aspettare che il cue point si trasformi in quello giusto per interagire).

Sempre a proposito di collezionabili ho trovato un po’ confusionario il fatto che non avessero una connotazione precisa. Ad esempio in alcuni casi un foglio di giornale è un collezionabile, in altri no. Stesso dicasi per i passaporti e questo rende abbastanza frustrante la caccia al completismo sfrenato.

Altra cosa che mi ha disturbato è la presenza di tante, troppe porte chiuse e di elementi fisici atti a ridurre forzosamente l’area di gioco, con una protagonista che non è in grado di scavalcare una balaustra o passare sotto un ostacolo.

Al netto di queste sbavature tecniche, però, il titolo è assolutamente godibile, la storia narrata ha la capacità di appassionare e catturarci per tutta la sua durata.
Personalmente avrei omesso le sequenze action che, a mio avviso, non aggiungono nulla ad un titolo che si gode pienamente nel piacere di perdersi tra i ritagli di giornale e di una lore ottimamente costruita che vale la pena vivere fino in fondo.

Conclusioni

Close to the Sun è un titolo lontano dall’essere perfetto, ma i ragazzi di Storm in a Teacup hanno dimostrato di avere talento ed idee. La mia speranza, e il mio augurio per loro, è quella di vederli crescere ulteriormente con i prossimi titoli, imparando dalle sbavature del passato e alzando sempre più l’asticella.

Nerdando in breve

Close to the Sun ci porta a vivere sulla pelle gli incubi del genio di Nikola Tesla.

Nerdandometro: [usr 3.4]

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Recensione

Esplorazione, mistero, avventura. Se c’è una cosa che non ha mai dato per vinto l’essere umano è la sua sete di conoscenza. Il bisogno di gettare la luce della razionalità anche laddove le tenebre regnano sovrane.

Sono questi i temi alla base della lunga e conturbante letteratura del maestro di Providence, e ancora oggi, a distanza di molti anni, continuiamo a subire il fascino del proibito, degli orrori sussurrati, del sonno irrequieto di quelle creature blasfeme che attendono solo di essere risvegliate.

Si abusa spesso dell’immaginario lovecraftiano nella produzione videoludica, ma Conarium, sviluppato da Zoetrope interactive è invece capace di rievocare alle perfezione quelle suggestioni: lo smarrimento, l’esplorazione dell’ignoto, il sentirsi schiacciati da qualcosa di troppo grande e troppo inumano per essere afferrato, eppure questo non ci impedisce di spingerci più in là di un altro passo ancora. E i riferimenti alla letteratura e alla cosmologia dei Grandi Antichi non vengono lesinati: non solo nelle rievocazioni ambientali, ma addirittura nell’oggettistica e nei collezionabili, a partire dalla presenza di una copia del celebre “Il re in giallo” in Robert W. Chambers, da cui Lovecraft venne ampiamente influenzato.

Ma torniamo al gioco: in Conarium prendiamo la guida di Frank Gilman (nome ricorrente negli scritti di Lovecraft) scienziato in una base antartica a seguito dello studioso dal nome evocativo: Dottor Faust. Ci svegliamo nella nostra stanza privi di memoria e privi di riferimenti certi. I nostri colleghi sono scomparsi, in compenso una strana presenza inizia a manifestarsi fuori e dentro di noi, apparendo come un’ombra fugace, pesando sulla sua mente e sul suo corpo. Si tratta di un ottimo escamotage che deve spingerci ad esplorare con meticolosità ogni anfratto, ogni oggetto, a leggere e ricomporre questo articolato puzzle onirico dove la realtà fonde i suoi confini con quelli del regno degli Antichi che sognano in eterno

Il nostro compito è quello di esplorare, ovviamente, ricostruire cosa è successo nella base grazie ad una meticolosa ricerca e scrupolosa analisi degli indizi sparsi ovunque. E quando finalmente riusciremo ad abbandonare la nostra base, avremo accesso ai misteriosi scavi archeologici e a quello che essi nascondono.

Gameplay

Molto vicino ad un walking simulator (ma qui si può correre, e alla fine del gioco servirà eccome), Conarium ricorda per alcuni versi il pregevole Layers of Fear, con le dovute differenze.
Innanzitutto l’ambientazione: come detto siamo in una base antartica, un ottimo escamotage per gestire l’avventura in un ambiente dai confini bel delimitati, ma non per questo troppo piccolo né troppo vasto da risultare caotico.

L’esplorazione invece sembra tratta da quella del titolo citato: pochi i jump-scare di questo horror, ma tanti elementi con cui interagire, cassetti da aprire, oggetti da raccogliere, dossier da leggere; tanti documenti per ricomporre i frammenti della trama che però alla fine non viene, forse intenzionalmente in stile decisamente lovecraftiano, del tutto dipanata.

Presenti anche alcuni enigmi, non troppi impegnativi a dirla tutta, in un equilibrio che fa di esplorazione, investigazione e ambientazione un giusto mix che funziona molto bene.
In Conarium non ci sono combattimenti, e l’ascia che troveremo ad un certo punto serve come elemento di esplorazione, non di attacco. Non che manchino i nemici: la seconda parte dell’avventura è decisamente più vivace, ma dalle creature che incontreremo sarà necessario fuggire, non ingaggiare attacchi destinati a fallire.
Ma la cosa fondamentale è che non ci si annoia mai e per un titolo del genere è davvero un ottimo risultato.

Comparto tecnico

Non mi stancherò mai di dire che in titoli come questo a renderli vincenti sono la triade: storia, audio, video. In quest’ordine.
Sul primo nulla da dire, anche per non spoilerare, se non che ho apprezzato la presenza di due finali. Ispirato direttamente a quel capolavoro di Lovecraft: Le Montagne della Follia, il lavoro fatto dal team di sviluppo per regalarci una sensazione di immersione nel mondo di Lovecraft è assolutamente pregevole.

Il comparto audio è la vera punta di diamante di questo titolo: sottolinea le sue atmosfere alla perfezione, accompagnando la lenta (ma non lunghissima) esplorazione passo dopo passo, sottolineando gli snodi e aiutandoci a procedere verso la meta successiva.
Ho percepito invece qualche stonatura nel parlato (inglese) in cui talvolta le intenzioni sembrano decisamente errate o fuori luogo rispetto alla situazione.

Qualche incertezza in più invece per quanto riguarda il comparto grafico: il motore Unreal Engine 4 non è certo tirato al massimo, alcune texture e talvolta gli effetti di luce presentano spiacevoli sbavature. Niente che rovini l’esperienza di gioco che, come detto, è supportata da un ottimo storytelling e dall’audio pregevole.

Conclusioni

Sono molto soddisfatto del lavoro fatto per questo titolo: trovare il giusto equilibrio di suspense, trama ed investigazione, applicandolo ad un walking simulator senza renderlo tedioso è stato davvero un lavoro di rara e pregevole alchimia.
Il difetto maggiore, a mio avviso, è la breve durata: arrivare alla fine richiede 2/3 ore che possono aumentare fino a 5 se, come consiglio, lo giocherete una seconda volta per sbloccare tutti gli obiettivi e, soprattutto, per guardare il secondo finale.

Conarium dopo il rilascio per PC nel 2017, è finalmente disponibile anche per Xbox One, Playstation 4.

Nerdando in breve

Conarium è il walking simulator dedito anima e corpo alle suggestioni lovecraftiane.

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L'articolo Conarium – Un orrore lovecraftiano proviene da Nerdando.

Nel mondo attuale ancora si fatica a riconoscere il videogioco come arte. Purtroppo, spesso si dimentica che l’arte è un tramite, un modo per esprimere e comunicare sentimenti grazie alla creatività. Pittura, musica e recitazione, ma anche cinema o performance sono accettate comunemente come forme di espressione.

Quando il gameplay di un videogioco viene utilizzato, insieme alla rappresentazione narrativa e audiovisiva, per comunicare un sentimento o un concetto, non è forse arte? GRIS è un esempio perfetto di questo connubio artistico e il risultato è un’opera semplicemente bellissima, che ci ricorda come il videogioco possa essere visto e realizzato come un’arte di tutto rispetto.

Recensione

Chiudete tutto e andate a giocare a GRIS.

Una parte di me vorrebbe chiudere così. Vorrei permettere a tutti di entrare in questa esperienza completamente vergini del gioco, ma sarebbe irrispettoso. Questo è un titolo particolare, che merita di essere giocato con la giusta aspettativa.

Partiamo dalle cose semplici: GRIS è un platform con elementi puzzle. Non è complesso e nemmeno difficile. Vi sono alcuni collezionabili opzionali da raggiungere tramite piccole sfide che richiedono un poco di abilità in più. Avanzando nei livelli si sbloccano nuovi poteri che aumentano la propria mobilità e l’interazione con il mondo di gioco.

Ovviamente, non è l’originalità del gameplay il punto di forza del gioco, ma anzi, il fatto che sia così facile rende molto più fruibile e godibile la storia. Le vicende sono narrate interamente in modo non verbale e tutto è indipendente dalla lingua. Ciò lo rende un titolo estremamente accessibile che va dritto al cuore del giocatore.

Ciò che rende GRIS così speciale sono la poesia e la profondità che traspaiono da ogni singolo momento di gioco. I meravigliosi fondali ad acquerello, le oniriche strutture su cui la protagonista si inerpica, le meravigliose musiche e il modo in cui questi elementi si mescolano con le sfide da affrontare, per raccontare una storia e per comunicare un messaggio.

Senza svelarvi troppo, voglio raccontarvi meglio cosa potrete incontrare in questa meravigliosa esperienza.

Trama

L’avventura di GRIS, che è anche il nome della ragazza protagonista, inizia con una tragedia. Il suo canto si ferma, la statua femminile che la sorreggeva si sgretola e lei precipita al suolo, ritrovandosi ferita e senza forze. In un mondo bianco e desolato, punteggiato da rovine, ci iniziamo a muovere a tentoni, acquistando sempre più forza.

Di lì a poco, arriva il primo cambiamento sostanziale. Ritrovata la mano di pietra che ci sosteneva, ormai precipitata, entra nel mondo il primo colore. Tutto si tinge di rosso e il panorama diventa più aggressivo, tagliente e la saturazione cromatica aumenta man mano che si prosegue. Man mano che si avanza nel gioco si scopriranno nuovi colori, che faranno da sfondo a visuali sempre più elaborate e vive, con atmosfere musicali coerenti al momento.

Lo scopo finale è volutamente poco chiaro a livello narrativo. GRIS non può morire o farsi male e può solo proseguire nel superare le difficoltà che le vengono poste. Di quando in quando, il suo vestito acquisirà nuove abilità, che le permetteranno di oltrepassare ostacoli e di raggiungere punti prima inaccessibili.

Il gameplay stesso è metafora della storia e del messaggio: la ragazza che abbiamo incontrato piena di dolore si rinforza e ciò che prima le impediva di andare avanti non solo viene sconfitto, ma addirittura diventa una risorsa da sfruttare. Ovviamente non vi posso dire cosa succede con precisione. Vivere l’esperienza di Gris insieme a lei è fondamentale e ognuno di noi deve leggere in essa qualcosa di significativo e di personale.

Significato

Nonostante questo, sono pur sempre un nerd! E che nerd saremmo noi tutti, senza un po’ di voglia di approfondire e di interessarsi ai significati nascosti?

Per quanto sia vero che è più interessante trovare la propria lettura di GRIS, i ragazzi di Nomada Studio hanno comunque seguito un tema per creare il gioco. Ho accennato al fatto che la protagonista sia afflitta dal dolore, che potrebbe essere quello per la perdita della voce, ma la struttura dei livelli, come colori, composizione e atmosfere in generale porta alla tematica dell’elaborazione del lutto.

Una delle letture, assolutamente non univoca, è quella di una ragazza che ha perso la madre, rappresentata dalla statua andata in pezzi nei primi istanti di gioco, che deve superare il trauma. Ogni stadio dell’elaborazione viene mostrato stratificando i colori che li rappresentano. Ad esempio, il rosso viene usato per la rabbia. Nella sezione corrispondente, furiose tempeste vi travolgeranno, ma dopo aver trovato il modo di rendersi inamovibili si riuscirà a proseguire senza farsi soffiare via da esse. Il blu viene usato nella fase corrispondente alla depressione, blue in inglese, appunto. Qui ci troveremo a vagare per enormi masse d’acqua, che ci renderanno sordi ai suoni e agli stimoli esterni.

Di quando in quando, temibili ombre nere ci impediranno con violenza di proseguire e non sempre sarà facile o possibile fuggire da esse. Queste forme oscure di animali simboleggiano le paure più interiori, quelle forze che noi stessi ci creiamo e che ci impediscono di interiorizzare in modo sano e tranquillo le nostre emozioni.

Quello di GRIS è un mosaico di elementi naturali e di antiche rovine che una volta composto ci mostra la storia di un percorso. Come dicevo, le letture sono molte, perché altrettanti sono i viaggi e le esperienze che una persona può intraprendere e vivere. In questo gioco si parla sicuramente di dolore, di perdita e di sconfitta, ma anche di gioia trovata nel vincere le difficoltà e nel raggiungere degli obiettivi. Per questo, un videogioco è il medium perfetto per questa storia.

Cercare il percorso giusto per finire un livello, scoprire la soluzione di un enigma, testare i propri limiti e le proprie abilità. Sono i princìpi di un gioco, ma anche di un percorso di crescita o di guarigione. La nostra Gris, che significa grigio in spagnolo e francese, scopre i suoi colori e li esplora fino ad arrivare alla risoluzione finale, più forte e più abile rispetto all’inizio del gioco. Sarebbe stato impossibile ottenere la stessa profondità con un qualsiasi altro mezzo di espressione e ognuno di noi può trovare la sua interpretazione, soprattutto a seconda delle emozioni e che faremo rispecchiare nel gioco.

Grafica e sonoro

Non credo ci sia modo migliore di definire l’aspetto audiovisivo di GRIS che il termine “perfetto“.

Sarà che gli acquerelli mi fanno impazzire, che le musiche dei Berlinist sono sublimi, ma cavolo… non c’è un singolo momento in cui occhi e orecchie non siano completamente appagate. Ho finito il gioco in due o tre sessioni e subito dopo averlo chiuso per la prima volta mi sono reso conto di quanto mi sentissi rilassato e ispirato. In poche parole, stavo bene. Prima di continuare l’avventura ho sentito come desiderassi, quasi fisicamente, tornare a provare le stesse sensazioni.

Questo è uno dei pochissimi titoli che mi ha fatto provare queste emozioni e una grandissima parte di questo merito va al lato artistico, senza se e senza ma. La progettazione del mondo di gioco, delle forme e dei vari livelli di profondità è stata fatta con cura maniacale e niente è lasciato al caso. Ogni singola scena sarebbe da incorniciare e mettere in un museo.

Prezzo

GRIS è disponibile su Steam per PC e Mac OS X e su Nintendo Switch al prezzo di 16,99€

In conclusione

Se non si era capito, GRIS è un capolavoro. Pochi titoli si meritano questo appellativo e finora l’ho attribuito a pochissimi giochi. Non sono riuscito a trovare un singolo difetto, più ci penso e più realizzo che questo è un gioco che andrebbe portato nelle scuole come esempio di perfetta coesione fra narrazione, espressione visiva e musicale e gameplay.

È chiaro che non si può entrare in questo gioco sperando di trovare una narrativa lineare o una sfida che metta alla prova le nostre abilità, ma si è chiamati più a “toccare con mano” la strada percorsa da Gris, a viverla insieme a lei e a scoprire cosa può comunicarci questa esperienza.

Fatevi un regalo, di quelli belli, e giocate a GRIS. Fatelo a mente aperta, desiderosi di interpretare e di raccogliere il messaggio di questa perla videoludica.

Nerdando in breve

GRIS è un’opera d’arte mascherata da platform, fra le più soddisfacenti e complete, con un forte messaggio sul dolore e sulle emozioni. Un’esperienza più che un videogioco.

Nerdandometro: [usr 5.0]

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Trailer

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D’accordo non siamo a livelli onirici di Dear Esther o di astrazione metaforica come Inside, tuttavia anche The Vanishing of Ethan Carter ha qualcosa da raccontare che si nasconde sotto la superficie e per tutti coloro che lo hanno giocato, apprezzato, e che sono rimasti con un dubbio in testa, ecco le mie impressioni.

Prima di tutto, se non avete giocato il titolo, smettete subito di leggere: stiamo per spoilerare tutto.
The Vanishing of Ethan Carter ci vede giocare nei panni del detective Paul Prospero, dotato di poteri sovrannaturali, intento ad indagare sui misteri che avvolgono la famiglia Carter.
Ci troviamo negli anni ’70, come dimostrano alcuni documenti trovati nella nostra investigazione, anni di grandi conquiste ed esplorazioni spaziali. Ethan, il più giovane della famiglia Carter, esplora una vecchia dimora abbandonata e per caso riesce ad entrare in una stanza segreta, dove un antico mago custodiva i suoi segreti. Qui risveglia accidentalmente una creatura arcana e maligna, il Dormiente, che si impossessa di tutti i membri della famiglia, sussurrando orrori alle loro orecchie e spingendoli a servirlo in modo sempre più violento e crudele.

La madre e lo zio di Ethan, Travis, cercano di compiacere il Dormiente sacrificando il ragazzo, ma vengono fermati dal padre di lui che poi si suicida con un paio di forbici pur di sfuggire allo spirito maligno. Travis cerca ancora di uccidere Ethan ma viene fermato e ucciso a sua volta dal nonno. Ethan e il nonno, poi, con un tentativo disperato, danno fuoco alla stanza segreta, sperando di rimandare indietro lo spirito, tuttavia le fiamme avvolgono il nonno, bruciandolo vivo.
Prospero trova infine Ethan, illeso, nella stanza segreta. A quanto pare è l’unico sopravvissuto della follia collettiva.

Tutto ciò, però, solo apparentemente. Una scena finale rimette tutto in discussione e ci fa capire che abbiamo fatto sì un viaggio, ma nella fantasia di Ethan.
Molti indizi ci fanno capire che tutti gli elementi del gioco nascono dalle velleità creative di Ethan stesso: troviamo romanzi di avventure spaziali e libri di Lovecraft. La strega del bosco, l’orrore senza forma e senza nome, il minatore zombie e la creatura degli abissi sono tutti frutto della fantasia di Ethan che ha tentato di raccontare storie ispirandosi alla letteratura che tanto lo ha affascinato.
Sfortunatamente la sua famiglia non approva queste sue inclinazioni: lo zio lo chiama “femminuccia” (in realtà usa un termine ben peggiore, ma preferisco tenere quello della traduzione italiana); sua madre gli intima di restare ancorato nella realtà; solo suo nonno sembra volerlo difendere.

E durante l’ultima scena ecco apparire il dettaglio più shockante: anche Paul Prospero è frutto della sua immaginazione. Quando la madre, accidentalmente, dà fuoco alla casa, Ethan, invece di fuggire, si rifugia nella sua immaginazione. Si avvolge in se stesso e nelle sue fantasie, in attesa che fumo e fiamme lo raggiungano.
Tutto il gioco, quindi, non è che il viaggio della fantasia negli ultimi istanti di vita del giovane Ethan Carter, che sentendosi rifiutato nelle sue passioni da chi invece avrebbe dovuto amarlo e sostenerlo, sceglie di alienarsi dalla realtà fino all’autodistruzione.

Resta un’ultima domanda: chi è il Dormiente? Potrebbe essere un elemento fantastico di ispirazione lovecraftiana fine a se stesso, ma tuttavia ho la sensazione che ci sia di più, sotto.
La mia interpretazione è che sia una metafora della depressione di Ethan: un malessere strisciante, oscuro e impalpabile ma inesorabile, invincibile, che cresce man mano che la sua frustrazione aumenta.
Quando le fiamme avvolgono la casa Ethan lascia che la Depressione abbia il sopravvento: la sua famiglia cerca di salvargli la vita, ma lui sa che comunque non sarebbe mai accettato per quello che è e sceglie di abbandonarsi all’unica cosa che lo fa sentire bene. La propria fantasia.

Paul e Ethan spariscono assieme, nella speranza di avere davanti una nuova storia da vivere.

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L'articolo The Vanishing of Ethan Carter – Significato nascosto proviene da Nerdando.

Recensione

The Vanishing of Ethan Carter è un’avventura esplorativa investigativa che molto si avvicina ai walking simulator come Dear Esther: grafica mozzafiato, storia da vivere attimo dopo attimo.
In questa avventura, tuttavia, saremo chiamati ad un’esplorazione approfondita di tutto il territorio a disposizione: c’è tanto da scoprire, tanto per cui stupirsi. Non si tratterà quindi di fare una semplice passeggiata, ma di andare a scavare in un torbido passato e investigare sugli orrori morbosi che hanno travolto la valle in cui il gioco è ambientato.

Storia

Entrati nel gioco prendiamo i panni di Paul Prospero, un investigatore specializzato in crimini disturbanti conditi dal paranormale, che ha deciso di raggiungere Red Creek Valley a seguito di una richiesta di aiuto da parte di un dodicenne di nome Ethan Carter, che parla di un pericolo imminente da cui la sua famiglia non può salvarlo.
Uscito dal tunnel della ferrovia vengo abbagliato dalla fulgida luce del giorno morente: il bosco è rigoglioso, ricco di alberi, piante e rocce su cui i raggi del sole disegnano splendidi giochi di luce.

Appena raggiunto il ponte mi rendo conto di trovarmi sulle alture di una valle ai piedi della quale fanno capolino una diga e un impianto di produzione elettrica. Sono in una vecchia cittadina mineraria ormai abbandonata. Prima di iniziare la discesa, tuttavia, noto che un vecchio locomotore è malamente parcheggiato sui binari, chiazze di sangue ne hanno lordato il parafanghi e sembra non esserci modo di metterlo in funzione.
È solo il preludio di quanto mi attende: una discesa rapida e sconvolgente tra gli orrori che hanno travolto la famiglia Carter. Poco più in là, infatti, ecco la prima vittima: cranio sfondato, gambe tranciate di netto. La mia investigazione mi porta a far luce sulla fine di questo povero uomo, ma le prime risposte non fanno che aprire la strada a nuove e più inquietanti domande.

Domande che non troveranno risposta nemmeno una volta giunti nella casa dei Carter. La morte e la perversione aleggiano tra le mura di questa dimora: una sensazione di profondamente sbagliato mi accompagna per tutta la mia esplorazione, che poco dopo mi porterà a confrontarmi con il piccolo e inquietante cimitero della città.

Tutto è abbandonato, in rovina. Sono ancora visibili i segni di un grande e glorioso passato: una vivace comunità deve aver abitato questi luoghi e il treno andava e veniva in continuazione. Ora tutto è finito, passato. Deduco che i Carter sono stati gli ultimi ad aver abitato in questa valle, e questa valle ospitava qualcosa di pericoloso, accidentalmente ridestato dal giovane Ethan: un orrore indicibile e senza forma è uscito dal proprio sepolcro e ha sconvolto la vita della famiglia Carter.

Gameplay

Questa è un’avventura che non ti prende per mano. Minaccia o promessa? Una cosa è certa, il primissimo impatto è piuttosto disorientante: niente mappa, niente inventario, niente indicazioni su cosa fare o dove andare. Dopo un quarto d’ora di gioco, tuttavia, ecco che tutto inizia a farsi più chiaro: saremo chiamati a risolvere una serie di “casi”, grazie ai quali ricostruiremo le vicende legate alla famiglia Carter e, ovviamente, alla scomparsa di Ethan.

Collezionando abbastanza indizi, quindi, potremo aprire una sorta di terzo occhio, una percezione extrasensoriale che ci riporta agli ultimi istanti prima del crimine. Risolto l’enigma potremo andare avanti nella nostra esplorazione, fino al prossimo puzzle.
Non tutti i puzzle sono obbligatori per arrivare alla soluzione dell’enigma finale, tuttavia è piuttosto facile imbattersi in tutti gli elementi di mistero che avvolgono questa valle.

Personalmente ho faticato solo a sbloccare un obiettivo, durante la seconda run, perché non riuscivo a capire dove utilizzare gli oggetti che avevo trovato (non svelo altro per evitare spoiler), ma per il resto c’è da dire che sebbene manchino “aiuti” espliciti, in effetti siamo seguiti quasi passo passo dal game design che si rivela essere molto meno cervellotico di quanto non sembri a primo impatto.
I percorsi, alla fin fine, non sono moltissimi e gli ostacoli ambientali sono piuttosto eloquenti per farci capire dove e come muoverci.

The Vanishing of Ethan Carter ha il pregio di alimentare la nostra curiosità, ci conduce in un abisso di orrore disturbante che aumenta lentamente, ma inesorabilmente, il nostro livello di ansia. Pur senza arrivare all’escamotage del jump scare (con una dovuta e pregevole eccezione), la trama diventa ben presto la componente fondamentale di questo titolo, cosa che personalmente considero un vero punto di forza. La storia, sia grazie ai misteri svelati che agli appunti disseminati in giro da Ethan, diventa così avvolgente e immersiva che sarà quasi impossibile staccarsi dal pad.

A mio avviso è evidente il lavoro di cesello fatto nel creare una serie di puzzle ed enigmi con un livello di complessità piuttosto blando (anche qui con una eccezione), per far sì che tutta l’attenzione del giocatore sia portata sulla storia che vive al di sotto della superficie.
Niente distrazioni eccessive, quindi, e una volta aggiunto un nuovo pezzo al mosaico, possiamo gettarci a capofitto in quello successivo.

Comparto tecnico

Inutile girarci attorno, per quanto riguarda la direzione artistica siamo davanti ad un’opera semplicemente sbalorditiva. L’aspetto visivo è impressionante per ricchezza di dettagli, per dinamica delle luce, e, non ultimo, per un comparto sonoro sempre azzeccatissimo, che muta di momento in momento per accompagnare le diverse aree della mappa e i diversi momenti della nostra investigazione.
Non ho avuto particolari problemi con i controlli, tranne in un punto in cui ho dovuto muovervi avanti e indietro più volte prima che il cue si attivasse.

Un unico difetto che ho riscontrato, e che fa riemergere da un titolo altrimenti molto immersivo, è la presenza di molti muri invisibili in cui ci si imbatte durante l’esplorazione. Risulta quindi evidente che il meccanismo dell’open world è più nominale che reale.

A dirla tutta, in effetti, ci sono davvero poche interazioni a disposizione: a parte gli oggetti per risolvere i singoli “casi” siamo di fronte ad un’estetica eccezionale ma priva di vita, ricca di bellissimi dettagli che però restano relegati sullo sfondo.

La versione per Xbox One X, su cui ho giocato, gode infine di una modalità esplorazione libera, in cui il titolo si trasforma in un walking simulator a tutti gli effetti e che consente di godersi al 100% tutta la bellezza fotorealistica dei paesaggi.

Conclusioni

The Vanishing of Ethan Carter è uscito per la prima volta su Steam per PC nel 2014, riscuotendo un buon successo. Nel 2015 è invece approdato su PlayStation. Oggi, finalmente, arriva anche su Xbox One con ottimizzazione 4K e HDR per One X, ed è una festa per gli occhi. Non mancano i difetti, soprattutto nella longevità e nella scarsa complessità del titolo. Personalmente ho impiegato meno di 5 ore a completarlo, senza aiuti, compresa una seconda run per recuperare un paio di obiettivi che avevo dimenticato per strada.

The Astronauts, team di sviluppo indipendente polacco, ha fatto davvero un ottimo lavoro di pulizia e rifinitura. Sono certo che possiamo aspettarci grandi cose in futuro, da questo gruppo.

Nerdando in breve

The Vanishing of Ethan Carter è molto meno difficile di quanto non si annunci, ma l’impatto visivo ed emotivo è semplicemente eccezionale.

Nerdandometro: [usr 3.3]

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