Eccoci qui, puntuali come il sole che sorge ogni mattina, con l’annuale appuntamento baskettistico che ci accompagna verso l’autunno. NBA 2K26, sviluppato da Visual Concepts e pubblicato da 2K, torna a farci compagnia con la promessa di sempre: essere il simulatore cestistico definitivo. E devo dire che questa iterazione riesce nell’impresa di rinfrescare una formula che rischiava di diventare troppo stantia. Forse con addirittura il miglior titolo degli ultimi anni?

Ringraziamo 2K che ci ha inviato una copia di NBA 2k26 per Xbox Series X con la quale ho potuto scrivere questa recensione.

Recensione

Per chi si fosse perso qualche puntata delle precedenti stagioni, NBA 2K26 non stravolge la struttura narrativa che abbiamo imparato a conoscere. Ci troviamo davanti a un prodotto che punta tutto sulla credibilità dell’esperienza cestistica, più che su una trama rivoluzionaria. La modalità MyCAREER, cuore pulsante dell’esperienza single-player, ci propone stavolta “Out of Bounds“, una storia che segue il nostro alter ego virtuale MP dal liceo del Vermont fino al draft NBA.

La narrazione, seppur non particolarmente innovativa, riesce a coinvolgere grazie a una scrittura più matura rispetto al passato. Spike Lee torna come narratore (del trailer), conferendo quel tocco cinematografico che aveva già caratterizzato alcune delle migliori incarnazioni della serie. La storia si snoda attraverso il percorso di crescita di un giovane talento che deve farsi strada tra liceo, campionati europei e infine il sogno NBA. Non aspettatevi colpi di scena mozzafiato, ma piuttosto un racconto onesto e credibile di cosa significhi ambire a giocare al massimo livello.

Gameplay

Ed eccoci al dunque, là dove NBA 2K26 mostra i muscoli. Il nuovo motore ProPLAY rappresenta forse il salto di qualità più significativo degli ultimi anni. I movimenti dei giocatori finalmente sembrano naturali, eliminando quasi completamente quell’effetto “pattinaggio” che aveva caratterizzato le precedenti iterazioni. Ogni passo, ogni cambio di direzione, ogni movimento senza palla ora trasuda autenticità. E, soprattutto, c’è sempre una maggiore differenziazione tra i cestisti, siano essi uomini o donne, oppure lunghi o playmaker.

I vari livelli di difficoltà verranno incontro alle esigenze di tutti, ma devo dire che anch’io che non ci giocavo da qualche anno ho potuto fare la mia bella figura sin da subito, e non solo con i classici tiri completamente smarcati. Il sistema di tiro è stato completamente rivisto: il famigerato “Green or Miss” sostituisce il meccanismo precedente, rendendo l’azione di shooting più intuitiva e gratificante. I Go-To Post Shots permettono di sfruttare al meglio i centri di stampo classico, rendendo finalmente giustizia a giocatori lunghi come Jokić ed Embiid. La varietà nelle soluzioni offensive si è ampliata considerevolmente: i layup personalizzabili e la possibilità di combinare diversi stili di tiro sotto canestro aggiungono un livello di personalizzazione che mancava da tempo.

Doncic, Bird e Wemby assieme? Si può fare, si può fare…

Particolarmente apprezzabile il nuovo sistema Quick Protect, che permette ai playmaker più esperti di proteggere palla in maniera realistica, creando situazioni di uno-contro-uno che ricordano le mosse di Luka Dončić o Trae Young. I No-Dip Catch-and-Shoots consentono transizioni fluide tra ricezione e tiro, alla Klay Thompson per intenderci.

La modalità MyTEAM beneficia quest’anno dell’integrazione delle stelle WNBA, ampliando le possibilità di costruzione del roster e aggiungendo una dimensione inedita al collezionismo di carte. Inutile parlare della scimmia che il MyTEAM può farvi salire, specie se siete orfani (o infoiati) del FUT di Fifiana memoria. I progressi nel MyGM sono meno evidenti, ma la modalità mantiene la sua solidità per chi ama l’aspetto manageriale del basket. Questa è la modalità offline probabilmente più “solida”, mentre la classica “La Città” online è sempre quel casino infernale che ricordavo, ma tant’è.

Il gameplay è stato accelerato, premiando decisioni rapide e abilità tecniche. Il bilanciamento difensivo promette di essere più realistico, anche se al momento dell’uscita sembra ancora favorire leggermente l’attacco – un problema che storicamente viene risolto con le patch successive. Inoltre ovviamente chi ha centimetri e peso sfonderà facilmente l’area, così come tiratori come il buon Larry Bird faranno canestri anche con dei tiri non proprio perfetti. Ma ci sta, la palla è tonda anche sul campo da basket.

Audio e Video

Dal punto di vista tecnico, NBA 2K26 si conferma uno spettacolo per gli occhi, specialmente su Xbox Series X. I dettagli grafici sono semplicemente impressionanti: il sudore che imperla la fronte dei giocatori, le piccole crepe che si formano sulle labbra disidratate, la definizione delle cuciture sulle divise. L’illuminazione degli stadi è stata completamente rivista, conferendo ai parquet quel luccichio caratteristico che tutti riconosciamo guardando le partite in TV (o dal vivo, se riuscite magari almeno una volta nella vita a vedere una partita NBA, come è riuscito in maniera fortuita al sottoscritto, esperienza incredibile).

I modelli dei giocatori sono stati ulteriormente perfezionati, con un livello di fedeltà che rasenta il fotorealismo. Le animazioni facciali durante i momenti salienti del match trasmettono emozioni credibili, mentre la folla negli spalti mostra una varietà che rende l’atmosfera più autentica.

Questa l’ho già vista (ma non c’erano né Shaq né MJ)

Sul fronte audio, il comparto tecnico non delude. Il team di commentatori torna con nuovi contenuti, con anche analisi tecniche più approfondite. La colonna sonora è un melting pot ben riuscito che spazia da Kendrick Lamar a Ice Cube, passando per Wu-Tang Clan e Green Day, creando un soundtrack che accompagna perfettamente l’azione. I suoni ambientali dello stadio sono stati curati nel dettaglio: dalle grida dei tifosi agli squeaking delle scarpe sul parquet, ogni elemento contribuisce a creare quell’atmosfera che fa la differenza tra un buon simulatore e un’esperienza immersiva.

Tuttavia, non tutto è oro quel che luccica. Su console ho riscontrato qualche rallentamento di troppo in situazioni particolarmente concitate, nulla di game-breaking ma comunque fastidioso durante i momenti cruciali delle partite. Inoltre, e non so se è un problema della mia rete, sono stato spesso cacciato fuori dal gioco anche durante la modalità MyCAREER, cosa che trovo assurda dato che non stavo giocando online e ho dovuto spesso rifare delle intere sessioni.

Concludendo

NBA 2K26 è esattamente quello che mi aspettavo: un prodotto tecnicamente superlativo che conferma la sua posizione di leadership nel genere dei simulatori sportivi. Il nuovo motore grafico rappresenta un passo avanti significativo, e la rivisitazione del sistema di tiro finalmente restituisce quella soddisfazione che era andata perduta nelle precedenti iterazioni.

Ad essere sinceri, rimane un po’ di quella sensazione di “more of the same” che accompagna ormai da qualche anno la serie. Gli aggiornamenti sono certamente apprezzabili e migliorano sensibilmente l’esperienza di gioco, ma manca quella scintilla innovativa che potrebbe elevare il titolo da “molto buono” a “indispensabile”. Le microtransazioni continuano a essere invasive, specialmente nelle modalità online, creando quella sensazione di prodotto concepito più per monetizzare che per stupire.

Chi cerca il miglior simulatore di basket attualmente disponibile lo troverà senza dubbio in NBA 2K26. Chi invece sperava in una rivoluzione dovrà probabilmente attendere ancora qualche stagione. Però, questa volta, il divertimento è alle stelle.

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Nerdando in breve

NBA 2K26 migliora di gran lunga la formula consolidata senza però osare innovazioni significative, rimanendo comunque il re indiscusso del basket virtuale.

Trailer

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Ci siamo: uno dei remake più attesi degli ultimi anni è finalmente arrivato sulle nostre piattaforme di gioco! Dopo 21 anni dal suo lancio, Metal Gear Solid 3: Snake Eater ritorna con un’anima totalmente preservata ma un look completamente rinnovato, con la nuova incarnazione intitolata Metal Gear Solid Delta: Snake Eater, con il “delta” raffigurato da un triangolo, proprio per richiamare il numero “3”.

Attenzione: non è da confondere con il porting uscito qualche mese fa che ho recensito per voi sulle pagine di Nerdando e che potrete trovare qui. Questa volta le piattaforme attuali vengono finalmente sfruttate a dovere, e seguitemi nella mia recensione per saperne di più.

Ringrazio tantissimo Konami per avermi spedito una copia di Metal Gear Solid Delta: Snake Eater per PlayStation 5.

Recensione

Credo che non ci sia molto da dire sulla trama di Metal Gear Solid Delta: Snake Eater che non sia stato già detto quando, nel 2004, questo gioco segnò un po’ l’apice tecnico e creativo della PlayStation 2 (a mio modesto parere, sia chiaro!) e portò la narrazione dell’epopea di Hideo Kojima a creare quello che forse è il vero erede del primo, incredibile, Metal Gear Solid.

La trama di Metal Gear Solid 3 rimane intoccata, e meno male. Siamo nel 1964, in piena Guerra Fredda, e vestiamo i panni di Jack, meglio conosciuto come Naked Snake, inviato dall’unità speciale FOX in una missione di infiltrazione nella giungla sovietica. Il nostro compito? Salvare uno scienziato nucleare, Sokolov. Semplice, no? Ovviamente le cose si complicano quando inaspettatamente il nostro mentore, The Boss, diserta e passa ai sovietici, portando con sé due testate nucleari americane che ovviamente non rimarranno a lungo inesplose.

Dove tutto è iniziato, dove il grande tradimento è iniziato…

Quello che seguirà è un racconto di spionaggio, tradimenti, lealtà e sacrificio che ancora oggi, vent’anni dopo, riesce a essere emozionante. La narrazione di Kojima era già fantastica nel 2004, e Konami ha avuto il buon senso di non toccarla. Ogni cutscene è stata ricreata con una fedeltà maniacale, ogni dialogo conserva la sua potenza emotiva originale, ogni personaggio mantiene quella complessità psicologica che aveva reso Snake Eater un unicum nel panorama videoludico.

Il cast di supporto rimane strepitoso: da Ocelot con la sua giovane arroganza e l’ossessione per i revolver, agli inquietanti membri della Cobra Unit, ognuno con le proprie peculiarità e la propria tragica backstory. E poi c’è lei, The Boss, forse il personaggio più complesso mai creato da Kojima, il cui arco narrativo culmina in una delle scene finali più devastanti della storia dei videogiochi.

Gameplay

Qui arriviamo al punto più delicato dell’intera operazione. Come si modernizza un gameplay di vent’anni fa senza snaturarlo? Konami e Virtuos hanno optato per un approccio conservativo ma intelligente. La struttura di base rimane identica: infiltrazione, sopravvivenza, combattimento corpo a corpo e l’iconico sistema di mimetizzazione, reso “divertente” grazie a dei costumi più o meno improponibili.

Le novità più interessanti riguardano le modernizzazioni che sono state inserite, cosa buona e giusta. I controlli infatti sono stati adattati agli standard attuali: addio alla vista dall’alto fissa dell’originale, ora abbiamo una telecamera completamente libera che rende l’esplorazione molto più fluida, grazie alla modalità “Moderna“, selezionabile a inizio partita. Il sistema di mira è stato completamente rifatto, rendendo i combattimenti meno goffi e più precisi. Anche altri piccoli accorgimenti, come la selezione di armi ed equipaggiamento più rapida, sono decisamente benvenuti.

Il sistema di mimetizzazione è stato reso più dinamico: il fango si attacca ai vestiti di Snake, le foglie si attaccano sulla schiena, e tutto questo può influenzare in tempo reale la percentuale di camuffamento. È un tocco di classe che dimostra come si possa rispettare l’originale aggiungendo strati di complessità.

Quello che mi ha colpito di più, però, è come abbiano mantenuto intatta l’anima survival del gioco. Dovrete ancora cacciare animali o raccogliere improbabili funghi per sfamarvi, curare le ferite con degli appositi strumenti (anche in tempo reale, vabbè, sospensione dell’incredulità vieni a me), gestire il vigore e l’impatto che l’equipaggiamento può avere su di esso. In un’epoca di action games frenetici, ritrovare questi ritmi più meditativi è stato quasi terapeutico.

Il rapporto tra Snake e Ocelot è sempre incredibile

I boss fight rimangono dei piccoli capolavori di game design. Ogni scontro con un membro della Cobra Unit è unico, con pattern specifici e soluzioni alternative che premiano la creatività del giocatore. The End continua a essere uno dei boss più geniali mai concepiti, e rivederlo in questa veste grafica è stata un’emozione pura. Avrei voluto qualche aggiornamento? Forse sì, specie per alcuni boss, ciò non toglie che è tutto estremamente godibile.

L’unico appunto che posso muovere riguarda alcune animazioni che, nonostante il restyling, mostrano ancora l’età del design originale. Certe sequenze di CQC, per quanto migliorate, mantengono una certa rigidità che stride con gli standard moderni. Un minimo di flessibilità in più – ad esempio la possibilità di usare il coltello da accovacciati – sarebbe stato gradito, ma sono dettagli minori in un quadro d’insieme che funziona comunque bene.

Audio e Video

Graficamente, Metal Gear Solid Delta: Snake Eater è uno spettacolo per gli occhi. L’Unreal Engine 5 ha fatto miracoli nel ricreare la giungla sovietica. La vegetazione è lussureggiante e densa, l’illuminazione dinamica crea atmosfere mozzafiato, e il level design originale acquisisce una profondità visiva che nel 2004 potevamo solo immaginare. La possibilità di ruotare la visuale rende il tutto ancora più immersivo.

I modelli dei personaggi principali sono semplicemente straordinari. Il lavoro fatto su Snake è impressionante: ogni ruga, ogni poro della pelle e ogni dettaglio creano un livello di realismo decisamente avanzato. The Boss, Ocelot, Eva e tutti gli altri membri del cast sono stati ricreati con una cura maniacale per i dettagli, mantenendo però quell’estetica distintiva che li rendeva iconici. Avrete anche la possibilità di giocare con dei filtri grafici per tornare indietro di qualche anno, se proprio lo desiderate.

Sulla PS5 Pro, il gioco gira in modalità Performance a 60fps con una qualità visiva eccellente, anche se è stato riscontrato qualche problema di framerate in certe situazioni specifiche. Nel mio playthrough non ho notato particolari cali, ma tenete conto che è già disponibile una patch e sono certo che il supporto non mancherà.

Eva, in tutto il suo fascino misterioso

Dal punto di vista audio, Konami ha fatto una scelta coraggiosa: mantenere tutto il doppiaggio originale inglese. David Hayter torna nei panni di Snake con quella voce roca e carismatica che ha definito il personaggio. Il lip-sync non è sempre perfetto, ma l’impatto emotivo delle performance originali rimane intatto. Questo è uno dei rari casi in cui, per un gioco giapponese, non scelgo l’audio giapponese: perché, in questo caso, degli americani dovrebbero parlare la lingua del paese del sol levante?

Le musiche di Harry Gregson-Williams sono state rimasterizzate e suonano meglio che mai. Dal tema principale a “Snake Eater” fino alle tracce più intimiste, ogni brano conserva quella capacità di elevare emotivamente ogni sequenza. Qui gli omaggi al cinema, tanto amato da Kojima, si sprecano, anche dal punto di vista della colonna sonora. Gli effetti sonori sono stati completamente rifatti: dal fruscio delle foglie al rumore dei passi nel fango, tutto contribuisce a creare un’immersione totale nella giungla.

Concludendo

Metal Gear Solid Delta: Snake Eater è esattamente quello che doveva essere: un remake rispettoso che modernizza senza snaturare. Non troverete qui le follie creative di Kojima, non aspettatevi sorprese narrative o stravolgimenti del gameplay. Quello che troverete è uno dei migliori videogiochi mai realizzati, oggi presentato in una veste tecnica che gli rende giustizia e lo rende accessibile a una nuova generazione di giocatori, seppur con qualche minimo limite.

A quanto li mette al chilo i calabroni, signor The Pain?

Konami ha dimostrato un timore reverenziale verso l’originale che, se da un lato ha limitato la loro creatività, dall’altro ha garantito che l’essenza di Snake Eater rimanesse intatta. È un approccio conservativo che paga: meglio un remake fedele che un esperimento fallito. Il prezzo di 79,99 euro è “giustificato” dalla qualità dell’operazione e dalla quantità di contenuti extra inclusi, dal ritorno di “Snake vs Monkey” alle varie modalità bonus, anche se personalmente lo trovo un po’ alto. Per chi non ha mai giocato l’originale, questo è il modo definitivo per farlo. Per noi veterani, è l’occasione di rivivere un capolavoro con occhi nuovi.

L’unico, piccolo rammarico è sapere che dietro questo progetto non c’è più la mano di Kojima. Si sente, in certi momenti, l’assenza di quella follia creativa che rendeva unici i suoi giochi e che, in questo caso, avrebbe potuto “aggiornare” ulteriormente la solida storia di questo titolo. Ma Konami ha fatto del suo meglio per onorare quell’eredità, e il risultato è un remake che, pur non aggiungendo nulla di rivoluzionario, riesce a far brillare di nuovo una gemma del gaming, 21 anni dopo.

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Nerdando in Breve

Metal Gear Solid Delta: Snake Eater è un remake fedele e rispettoso di uno dei capolavori assoluti del gaming.

Trailer

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Lost Soul Aside è un degno esponente della categoria dei giochi che ci hanno fatto penare per lungo tempo prima di essere finalmente disponibili. La sua storia inizia nel lontano 2014, dove Yang Bing (all’epoca giovane sviluppatore cinese) decide di iniziare questo progetto che andava nella scia di classici come Devil May Cry e Bayonetta, ma con l’intenzione di fornire una storia epica e “multidimensionale”. Arriviamo a oggi, 11 anni dopo, dove grazie al “China Hero Project” di Sony, gli sviluppatori minori provenienti dalla Cina hanno finalmente la possibilità di vedere sovvenzionati i loro progetti. Ed ecco che arriva Lost Soul Aside, esclusiva (al momento) PlayStation 5 e PC targata Ultizero Games. L’attesa sarà stata ricompensata?

Recensione

La storia di Lost Soul Aside segue Kaser, un giovane guerriero orfano cresciuto nelle periferie di Slum Harbour insieme alla sorella Louisa. Entrambi membri del gruppo di resistenza Glimmer, si ritrovano catapultati in un conflitto interdimensionale quando misteriosi invasori chiamati Voidrax irrompono nel loro mondo, rapendo Louisa. Al fianco di Arena, una creatura draconica dai poteri di trasformazione, Kaser intraprende un viaggio attraverso dimensioni diverse per salvare la sorella e l’umanità stessa.

La narrativa di Lost Soul Aside, purtroppo, è uno dei punti dove il gioco mostra maggiormente i suoi limiti. Non fraintendetemi: la premessa è solida e gli scenari interdimensionali offrono spunti interessanti, ma l’esecuzione soffre di una certa genericità che attraversa dialoghi, caratterizzazioni e sviluppo della trama. È come se il team avesse investito così tanto nell’aspetto visivo e d’azione da dimenticarsi che anche le emozioni hanno bisogno di cure. I personaggi rimangono spesso bidimensionali, incluso il protagonista, le loro motivazioni risultano prevedibili, e il rapporto tra Kaser e Arena, che dovrebbe essere il cuore emotivo dell’avventura, non riesce mai a toccare veramente le corde giuste.

Gameplay

Lost Soul Aside segue una struttura lineare con livelli che includono bivi e sezioni di platforming. Non è assolutamente l’open world che molti si aspettavano, ma una progressione guidata che, se da un lato garantisce ritmo, dall’altro limita quella sensazione di scoperta che avrebbe potuto elevare l’esperienza complessiva. C’è da dire, però, che l’ennesimo open world mi avrebbe sinceramente (e personalmente) stufato!

Il sistema di combattimento di Lost Soul Aside è indubbiamente il suo punto di forza, anche se non senza riserve. Come vi dicevo in apertura, qui si è voluto omaggiare l’hack’n’slash, e gli omaggi a DMC o Bayonetta non mancano. Il gioco offre quattro tipologie di armi principali: spada a una mano, spadone, gunblade e falce, ognuna con set di mosse differenti. La possibilità di cambiare arma al volo durante i combattimenti crea un senso di fluidità che funziona bene sulla carta. Arena, il compagno draconico, può trasformarsi in armi, scudi o persino mezzi di trasporto, aggiungendo un risvolto strategico interessante. Le sue abilità sono spettacolari da vedere e offrono varietà tattica. Il problema è che, nonostante tutto questo arsenale, il combattimento tende a diventare ripetitivo più rapidamente di quanto ci si aspetterebbe.

I controlli, mi spiace ammetterlo, non sono sempre precisi come dovrebbero essere per un action di questo calibro. C’è una certa rigidità nei movimenti che stride con le ambizioni cinematografiche del gioco, e la telecamera può risultare goffa in situazioni concitate. Non sono problemi che rendono il gioco ingiocabile, ma in un genere dove la precisione è tutto, questi piccoli intoppi si sentono eccome. Inoltre, la fluidità è veramente fondamentale in un gioco del 2025, e qui a volte non  ci siamo.

Il sistema di progressione attraverso skill tree e potenziamento delle armi con frammenti aggiunge profondità al gameplay, ma manca quella sensazione di crescita significativa che spinge a sperimentare nuove strategie. Spesso ci si ritrova a usare le stesse combo efficaci senza sentire il bisogno di esplorare il sistema più a fondo. C’è sempre il rischio del “button mashing” (o “schiacchiaschiacciaschiacciaaaa” qual dir si voglia), ma questo è tipico del genere e, diciamolo, a volte è proprio soddisfacente menare le mani senza troppi pensieri! Infine, il sistema di progressione, negozio e salvataggio è affidato a un’assistente che comparirà magicamente qua e là durante le vostre avventure.

I boss fight sono probabilmente dove Lost Soul Aside brilla di più. Questi scontri epici riescono a sfruttare al meglio le meccaniche di gioco, richiedendo tempismo, strategia e uso creativo delle abilità di Arena.

Audio e Video

Tecnicamente, Lost Soul Aside è uno spettacolo per gli occhi. L’Unreal Engine 4 restituisce ambientazioni mozzafiato che spaziano da paesaggi ghiacciati a rovine antiche e dimensioni aliene, passando per una spiaggia che mi ha ricordato tantissimo I Cavalieri dello Zodiaco. Il design artistico è curato, con un’estetica che ha sicuramente una base “anime” ma con la differenza con le produzioni giapponesi che chi ha buon occhio può notare.

Tuttavia, non tutto è oro quello che luccica. Alcuni aspetti tecnici mostrano i segni di uno sviluppo prolungato: animazioni che appaiono datate in certi contesti, texture non sempre uniformi, e quel fastidioso accenno di scabrosità durante le cutscene che il team sta ancora cercando di risolvere con patch post-lancio. La day-one patch ha migliorato stabilità e prestazioni, ma evidentemente non è bastata a limare tutti i problemi. Io ho giocato su PS5 Pro, la modalità Performance garantisce in teoria 60fps stabili, ma ho riscontrato occasionali cali nelle prime fasi di gioco.

Sul fronte audio, il lavoro è più che dignitoso ma senza particolare personalità. Le musiche accompagnano bene l’azione senza mai elevarla davvero, e il doppiaggio, seppur competente, non riesce a dare vita ai personaggi quanto servirebbe per compensare la scrittura un po’ piatta. Personalmente ho messo l’audio giapponese, ma perché non provare anche l’originale cinese?

Concludendo

Lost Soul Aside è un gioco che non posso fare a meno di ammirare per ambizione e perseveranza, ma che fatico a raccomandare senza riserve. È il classico esempio di un progetto nato da una passione genuina che, nel corso di uno sviluppo troppo lungo, ha perso parte della sua anima originaria. Il gameplay funziona abbastanza, la grafica vuole impressionare, ma manca quella scintilla che trasforma un buon action in un’esperienza memorabile. Diciamo che sto faticando a trovare la “sua” anima.

Per chi cerca un action spettacolare da consumare nel weekend, Lost Soul Aside fa il suo dovere. Ma se cercate qualcosa che vi rimanga dentro, che vi faccia tornare indietro a ripensare a personaggi e situazioni, forse è meglio guardare altrove.

Non posso negare una certa delusione personale. Dopo nove anni di attesa, e l’intervento di Sony, speravo in qualcosa di più rivoluzionario, di più emotivamente coinvolgente. Invece mi ritrovo con un prodotto tecnicamente abbastanza solido ma privo di quell’identità forte che lo avrebbe reso davvero speciale. Yang Bing e il team di Ultizero Games hanno realizzato il loro sogno, e per questo meritano rispetto. Ma i sogni, si sa, non sempre si traducono in realtà perfette.

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Nerdando in Breve

Lost Soul Aside è un action frenetico e dalle ottime premesse, che però fa fatica a convincere appieno.

Trailer

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Mare, sole, caldo, ferie: tutti elementi belli, per carità, ma mai dimenticarsi dell’elemento più bello di tutti, ossia il #NerdandoConsiglia di Agosto 2025!

To a T

NoOrdinaryLuca: Il geniale creatore di Katamari Damacy, Keita Takahashi, torna con un nuovo titolo, che prova a raccontarci una storia sulla diversità in modo delicato e leggero, facendoci vestire i panni di un ragazzo bloccato con le braccia aperte come a forma di una “T”. Quello che mi ha colpito di questo immersive sim è che il giocatore si ritrova a dover svolgere tutta una serie di attività, che fanno parte della quotidianità di ciascuno di noi, ma provando le difficoltà di non poter piegare le braccia.

Superando alcuni limiti, come una gestione della telecamera non sempre funzionale a ciò che succede a schermo, una grafica piuttosto basilare, ma dallo stile unico, ci si riesce a immergersi in una storia divertente, bizzarra e mai stucchevole e che lascia qualche spunto di riflessione.

Dylan Dog – Accadde Domani

Ayr: Era il gennaio del 1990 e Sergio Bonelli Editore pubblica quello che può tranquillamente essere considerato un albo da Top 10 di Dylan Dog. Sto parlando di Accadde Domani, numero 40, scritto dal maestro Tiziano Sclavi e illustrato da un Giovanni Freghieri in una forma smagliante. Un numero dove horror, mistero e grottesco si mescolano alla perfezione in perfetto stile sclaviano.

Come sempre ci tengo a rivelare poco della trama ma vi basti sapere che ruota tutta attorno all’incontro di Dylan con un suo caro vecchio amico giornalista di nome Fat. Dopo aver scambiato i convenevoli tipici tra due amici che non si vedono da tanto, Fat regala a Dylan il ‘giornale di Domani‘. Da questo punto in poi l’albo è un susseguirsi di premonizioni impossibili e paradossi temporali più o meno preannunciati nel suddetto quotidiano. Ciò che mi ha sorpreso di più di quest’albo è la qualità di alcune ‘mini storie’ presenti. Chi le ha lette sa cosa intendo, chi le leggerà ne rimarrà impressionato. Sto parlando in particolare della passeggiata nel parco con lo zombie (scena da brividi) e della sequenza che si svolge in carcere. Sono entrambe parti che non coinvolgono Dylan direttamente ma che contribuiscono perfettamente a creare un senso di inquietudine e una forte tensione nel lettore.

L’assurdità e l’atmosfera la fanno da padrone, insomma, così come evidente è la cultura di Sclavi che richiama It Happened Tomorrow di René Clair. Non mancano imprevedibilità, momenti di alleggerimenti comici, sezioni più oniriche, il tutto magistralmente espresso dalle matite e dalle chine di Freghieri che, come sempre, sorprende per la chiarezza dei suoi personaggi, delle ombre e per il suo dinamismo. Un numero da non perdere per ogni appassionato dylaniano e una lettura che saprà appassionare anche chi non conosce l’indagatore dell’incubo.

Doubt is Our Product

Cavaliere: Questo gioco da tavolo ci fa giocare ad una vicenda realmente accaduta, anche se talmente assurda che sembra la trama di un film di James Bond o simili. In Doubt Is Our Product un giocatore impersonerà le aziende del tabacco che nascondono la verità e l’altro i movimenti che propongono politiche sociali volte a contrastare il fumo.

Si tratta di un gioco da tavolo che fonde alla grande componente ludica con quella storica e di denuncia.

Ne ho scritto a lungo nel Nerdandoconsiglia dedicato.

The Alters

Cavaliere: Ho giocato The Alters sul Game Pass tramite Cloud e quindi di conseguenza ho usato il controller e mi sono trovato molto bene, come giustamente segnalato da NoOrdinaryLuca nella sua recensione. Si tratta di un videogioco che mescola benissimo survival, narrazione e scelte morali. Ogni decisione pesa non solo sul corso degli eventi, ma anche per il fatto che il tempo passa e non si può fare tutto.

Mi è piaciuto molto, anche se devo ammettere che ho provato un po’ di frustrazione quando è capitato che non sono riuscito a superare certi punti e ho dovuto necessariamente ricaricare uno dei giorni precedenti.

Un altro ottimo titolo di 11 bit studios, cioè quelli di Frostpunk, tra gli altri.

No Other Land

Cavaliere: Su Mubi ho visto quel pugno allo stomaco che è No Other Land, Oscar 2025 per il miglior documentario e nelle sale italiane all’inizio di quest’anno. Si tratta del documentario, che racconta la vicenda che va avanti da decenni, che vede protagonisti da un lato il villaggio di Masafer Yatta e i suoi abitanti e dall’altro le forze di difesa israeliane (IDF).

Un film tosto che racconta un pezzetto di una vicenda complessa. Per me va visto in quanto i media menzionano i numeri di morti e sfollati, ma in realtà i casini geopolitici riguardano le persone che vivono quei luoghi. Mentre qui al centro ci sono proprio le vicende degli abitanti di un posto conteso.

Weapons

Tencar: Non so che cacchio di problema abbia Zach Cregger; come in Barbarian, crea un’ottima storia che però, nella parte finale, si perde un po’. Bellissima pellicola che poteva essere fantastica.

Trap

Tencar: M. Night Shyamalan ci racconta la vicenda di un serial killer che accompagna la figlia al concerto di una popstar (che termine vetusto) per rimanere – SPOILER MA LO DICE IL TITOLO – intrappolato dalla polizia all’interno di un palazzetto. Il protagonista avrà anche fatto cose terribili, ma l’aver accompagnato un’adolescente a un evento del genere mi ha fatto tifare per lui.

Abigail

Tencar: una classica favola di vampiri che mette in mezzo scene divertenti mixate a esistenze tragiche. Carino e perfetto per una serata da passare sul divano abbracciati al condizionatore.

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Ah, Monster Hunter, che gloriosa serie, un videogioco che è partito come super farmoso e con una altissima barriera d’entrata, ma che è arrivato pian piano a trasformarsi  in un videogioco “mainstream“.

Monster Hunter Wilds è il titolo apice di questa trasformazione, nel positivo e nel negativo.

Attenzione: questa NON è una recensione, è un pensiero, un’opinione, un discorso da parte di un enorme fan della saga, che vuole chiarire il suo dualismo interiore su un gioco che ama.

Ringrazio Capcom per avermi spedito la copia di Monster Hunter Wild che mi ha permesso di scrivere questo articolo.

Una trama, finalmente

Nei vari Monster Hunter, la trama è sempre stata un elemento di sfondo, una linea temporale abbozzata, degli elementi nascosti, tanta banalità e una scusa per la comparsa di nuovi mostri da uccidere.

Monster Hunter Wilds dà una svolta a questa parte di gioco: la storia, anche se breve, è molto interessante, coinvolge pochi personaggi e ne evidenzia l’evoluzione, dà finalmente una personalità (super fica) alla cacciatrice o al cacciatore e, soprattutto, giustifica il “perché” uccidiamo mostri, cosa non scontata.

Senza star qui a fare grandi spoiler, anche se questo gioco ormai lo han visto tutti, ci sono delle strizzate d’occhio ai veterani della saga o a chi conosce la storia dei 4, la guerra dei draghi e la Equal Dragon Weapon, cosa non scontata, un valore aggiunto (o forse fanservice, chi lo sa).

Un gameplay spettacolare

Sul gameplay di Monster Hunter Wilds c’è poco da dire se non: “incredibile”. Le armi sono le solite, ma ognuna più coreografica che mai: io le ho provate tutte ma l’arco, le doppie lame e il falcione-insetto sono le mie preferite perché, utilizzandole, lottare con il mostro diventa una danza.

Ogni colpo ha un peso, ogni combo sembra un’opera d’arte. Ma c’è un problema: è troppo bello.

Il cacciatore o la cacciatrice ha così tante mosse incredibili, così tanti strumenti a disposizione, che il mostro diventa poco più di un punching ball, sempre a terra, cavalcato o bloccato dai focus strike alle ferite.

Persino il palico è diventato fortissimo.

Dove sta la lotta per la sopravvivenza che tanto ho amato? La tensione del dover scegliere il momento giusto per colpire? Credo che quando tutto è spettacolare, niente lo è davvero.

Forse serve un po’ di cruda difficoltà in più perché, alla fine, credo che molti di noi abbiano continuato a cacciare, negli anni, non per il farming facile, ma per la gloria della sfida e per la bellezza di conoscere ogni mostro piano piano.

Un farming [molto] semplificato

Farmare in Monster Hunter Wilds è diventato quasi un passatempo rilassante più che una necessità, che può essere visto come un lato positivo o negativo.

I drop rate sono aumentati, le ferite scoppiano con i Focus Strike e rilasciano materiali in quantità assurde, e la fauna endemica—pur essendo ben contestualizzata nel mondo di gioco—è ovunque, pronta a rimpinguare il tuo inventario con oggetti da crafting.

Fare scorte di materiali non è più un problema, e questo, a prima vista, sembra un bene. Ma c’è un rovescio della medaglia.

Le parti Artian e i gioielli, che dovrebbero essere il vero endgame del farming, sono teoricamente rari, ma in pratica no.

Online circolano già diversi metodi per sfruttare alcune meccaniche, (relative a missioni, cicli lunari in gioco e piante che si possono ottenere solo nella luna piena)  e ottenere letteralmente mille gioielli e mille parti all’ora, cosa che verrà nerfata a breve.

Costruire la build perfetta non è più una questione di impegno e dedizione, ma di guardare il tutorial giusto e spammare una strategia ripetitiva.
Wilds ti mette in mano tutto su un piatto d’argento ma, nel farlo, si perde qualcosa: il senso di soddisfazione che derivava dal guadagnarsi ogni piccolo miglioramento con sudore e pazienza.

Non serviva inserire dei droprate assurdamente rari, come in World, ma qui la caccia non è più un viaggio, è un traguardo già scritto.

Delle performance scadenti

Uno dei problemi più grossi di Monster Hunter Wilds? Le performance.

Il gioco è incredibilmente ambizioso, con un mondo vasto e dinamico, effetti atmosferici pazzeschi e mostri dettagliatissimi. Però, anche su hardware di fascia alta, cali di frame rate, stuttering e pop-in sono all’ordine del giorno.

Su console, il frame rate spesso fatica a restare stabile, mentre su PC l’ottimizzazione lascia a desiderare, con richieste hardware che sembrano esagerate per quello che offre il gioco.

Certo, Monster Hunter non è mai stato un franchise noto per la sua fluidità impeccabile (soprattutto su PC), ma qui si sente davvero il peso dell’ambizione. Speriamo che Capcom riesca a sistemare la situazione con future patch, perché un titolo del genere merita di essere giocato al meglio, senza dover lottare più contro il frame rate che contro i mostri.

Conclusione

Alla fine della fiera, per quanto abbia spalato merda su Monster Hunter Wilds per tutto l’articolo, devo ammettere una cosa: lo considero un capolavoro. Certo, ha i suoi difetti ma è impossibile negare quanto sia coinvolgente. Il mondo è vivo, la caccia è più fluida che mai, e ogni battaglia ha comunque il suo fascino.

Sto continuando a giocarci e, nonostante le critiche che gli ho fatto, mi sta piacendo un sacco.

Mi rimane però, visto che Capcom di solito non ne sbaglia una, la curiosità di vedere cosa succederà con i prossimi aggiornamenti. Questa questione della difficoltà potrebbe rivelarsi esclusivamente una scelta di marketing volta a attrarre nuovi giocatori? Riusciranno quindi a portare una sfida degna di noi veterani? Bilanceranno il farming in modo che il progresso torni a essere un percorso, e non solo una corsa all’ottimizzazione?

Se Capcom ha già in mente come rielaborare questi aspetti in chiave moderna senza snaturare il cuore della serie, allora Wilds potrebbe davvero diventare il gioco che si merita di essere.

Nerdando in breve

Monster Hunter Wilds è il punto di svolta della serie: spettacolare, accessibile e pieno di qualità, ma anche troppo semplificato. La trama è finalmente coinvolgente, il gameplay è incredibile ma rende i mostri fin troppo facili, e il farming è talmente veloce da togliere soddisfazione. Le performance tecniche zoppicano, ma il gioco resta un capolavoro. Resta da vedere se Capcom riuscirà a bilanciare la sfida nei prossimi update, riportando il brivido della caccia ai veterani.

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Trailer

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Incredibilmente, è passato un altro anno e io sono ancora qua a raccontarvi di come la redazione più bella del 2025 sia pronta a regalarvi un ottimo #NerdandoConsiglia di Gennaio 2025!

On Your Tail

NoOrdinaryLuca: Per provare a scaldarmi nelle gelide serate di questo gennaio, ho deciso di fare un viaggio virtuale a Borgo Marina, la tranquilla cittadina ligure che fa da palcoscenico alle vicende di On Your Tail. A metà tra un life-sim e un gioco investigativo, l’opera degli italianissimi Memorable Games mi sta decisamente intrigando: nei panni di Diana, una scrittrice in erba nel pieno di una crisi creativa, ci ritroviamo a vivere una vacanza in un paesino liberamente ispirato ai paesaggi della Liguria, nel quale però stanno accadendo alcuni furti misteriosi. Diana decide allora di iniziare ad indagare su tali misfatti, imparando a conoscere non solo i luoghi di Borgo Marina, ma anche i suoi abitanti, con cui iniziare a stringere delle amicizie. L’avventura si svolge in ambientazioni 3d molto ben realizzate, con uno stile grafico accattivante, all’interno delle quali ci viene richiesto di investigare scene del crimine per formulare le nostre deduzioni e riuscire a risolvere i misteri che stanno interessando la cittadina.

Non sono ancora giunto alla conclusione della storia, ma sono rimasto catturato da questo gioco fin dalle prime battute, grazie ad una storia ben scritta, un comparto grafico molto curato e alcune interessanti trovate di gameplay, come, la Chronolente, che permette alla protagonista di vedere alcune scene nel passato, per capire ciò che è cambiato.

Alan Wake II

Zeno2k: Semplicemente monumentale: la capacità di scrittura di Remedy è da sempre uno dei grandissimi punti di forza di questo studio, capace di colmare anche imprecisioni o sbavature di gameplay. Ricordo con piacere Quantum Break, una vera esperienza multimediale dove serie TV e videogame diventano un tutt’uno inscindibile. Impossibile non menzionare anche Control, sebbene giunto alla fine io decisamente non abbia capito a cosa ho giocato.

Ma torniamo all’attesissimo Alan Wake II: divorai il primo capitolo, amando alla follia il sentore Kinghiano, l’ambientazione alla Twin Peaks e la struttura a serie TV (grazie anche ad una colonna sonora superlativa). Ho sperato per anni di vedere un seguito nonostante la cancellazione del progetto e qualche indizio (ricordate il video con l’avviso dello “scrittore scomparso” alle spalle di Sam Lake, nei panni dell’agente Casey -e nessuno mi leva dalla testa che si tratterebbe in realtà del mitico Max Payne se solo il nome non fosse detenuto da Rockstar Games-?) mi aveva fatto ben sperare, ma il prodotto giusto a fine 2024 ha superato davvero ogni aspettativa.

A fronte di una grafica ispirata, una colonna sonora incredibile e un gameplay non sempre perfetto, abbiamo una sceneggiatura che meriterebbe la creazione di una categoria agli Oscar solo per poterglielo consegnare.

Un videogame che è un film che è un libro che è un talk show (e potrei andare avanti) dove persone, personaggi e attori continuano a fondersi gli uni con gli altri senza soluzione di continuità. Dove realtà e finzione si scambiano continuamente di posto e dove la finzione è spesso più reale e concreta del mondo vero.

Aggiungete migliaia di dettagli, di camei, di informazioni sparse che rendono il giocare ad Alan Wake II un’esperienza totalizzante, a volte dolorosa e sofferta.

Impossibile elencare le cose che più mi hanno colpito senza spoilerare nulla, ma lasciatemi lanciare un paio di indizi: tutti i giochi Remedy condividono lo stesso universo narrativo, ormai è cosa certa: qui troveremo davvero tante, tante cose (e persone) che gli appassionati dei loro titoli riconosceranno.

Secondo: Old Gods of Asgard. Non dico altro se non che qui c’è anche molto da ascoltare oltre che da vedere (sono totalmente d’accordo, musica incredibile ndGiando). Che volete di più da un gioco che ha una colonna sonora originale i cui testi sono un messaggio per il protagonista (e quindi per il giocatore), che afferiscono alla trama e il cui album finisce nella (vera) top 10 di iTunes?

Fatevi un regalo: giocatelo. E giocatelo senza guide e spoiler.

Mi ringrazierete.

No Pasaran!

Cavaliere: Uno dei giochi da tavolo in cui ho più partite negli ultimi mesi è certamente No Pasaran!. Su Board Game Arena ho passato partite a resistere letteralmente da solo, visto che si gioca in solitario, contro i Franchisti impersonando la resistenza fatta da gente comune contro un esercito vero e proprio. Ho cercato di resistere il più possibile e non farli passare, ma No Pasaran! è bello difficile visto che nella realtà poi Francisco Franco ha vinto. Un ottimo gioco da tavolo se apprezzate i solitari, la storia e titoli volutamente sbilanciati.

Cyberpunk: Edgerunners

Cavaliere: Alla fine ho recuperato questa miniserie in due giorni. La consiglio a chi ama l’estetica Cyberpunk o l’immaginario creato dal GDR e dal videogioco. Cyberpunk: Edgerunners è un mix di colori, luci, sangue, politica e tanto altro tutto insieme. Ottimo colpo messo a segno da Studio Trigger e da Netflix! (Confermo! ndGiando)

Donne, Madonne, Mercanti e Cavalieri – Sei storie medievali

Cavaliere: Barbero dà voce a sei persone del Medioevo contestualizzando le loro vite e idee. Questo libro offre una prospettiva molto contemporanea, cioè la storia vista attraverso lo sguardo delle persone che l’hanno vissuta. Trattandosi di Barbero si nota il suo tocco che rende la narrazione scorrevole e “pop”. L’ho ascoltato tramite Audible.

Superhot

Cavaliere: È lo sparatutto più innovativo a cui ho giocato negli ultimi anni! Così mi hanno detto di dire! Ha l’identikit dei giochi come piacciono a me: un’idea geniale implementata perfettamente e senza allungamenti di brodo! Non mi dilungo visto che su Nerdando c’è una approfondita recensione!

Severance – Scissione

Kiarakala: Dopo un lutto importante o un evento traumatico è sempre difficile riprendere in mano la propria vita e soprattutto tornare a lavoro. Ma cosa accadrebbe se scindessimo la nostra mente e creassimo una versione alternativa di noi che non ha alcuna memoria di chi siamo e che lavori al posto nostro? Questo è possibile in Severance, serie su Apple TV+ di cui è appena uscita la seconda stagione.

Alla calma piatta della monotonia del lavoro di ufficio si intervallano momenti adrenalinici, dove suspense e mistero vi attanagliano allo schermo.

Nel cast troviamo attori di grande talento come Adam Scott, Christopher Walken e Patricia Arquette e sapete chi è il regista e produttore di questa serie? Un insospettabile Ben Stiller, che si rivela un abile regista.

Severance è un The Office dove i capi sono inquietanti e per nulla divertenti e la comicità è sostituita dal dramma e dal mistero. Se siete a corto di serie TV  in cui fare congetture per scoprire la verità, Severance fa al caso vostro.

ACAB: La serie

Tencar: Avevo visto con interesse il film e adesso, a distanza di 13 anni, ho visto con interesse anche la serie sequel Netflix di sei puntate dedicata a una squadra del reparto mobile di Roma composta da individui che cercano di tirare avanti nonostante abbiano delle vite parecchio problematiche.

Credo che vi farà parecchio incazzare, qualsiasi siano le vostre opinioni sulle forze dell’ordine e, proprio per questo, vi suggerisco di vederla.

Come al solito, Marco Giallini è immenso.

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Una cena di community di Nerdando, con un Dedo perplesso ma comunque felice

Dalla sua fondazione, lo scopo di Nerdando è stato quello di creare uno spazio sicuro dove intavolare discussioni costruttive e condividere le proprie passioni con altre persone, lontano da troll, gatekeeper e FOMO.

Non abbiamo bisogno di guru che ci facciano sentire in colpa se ci piace qualcosa che la maggioranza odia (o viceversa), non occorre giocare un titolo al day 1 o guardare subito la serie TV del momento perché altrimenti ci sentiremmo a disagio o fuori luogo; la community di Nerdando è stata pensata per essere accogliente e a misura di persona: con l’idea di rispettare tutte e tutti, ci riprendiamo i nostri tempi e i nostri spazi senza fretta, senza affanni e senza giudizi.

Ci sono vari modi per interagire con la community e con la redazione.

Server Discord

Il Server Discord di Nerdando, raggiungibile tramite questo link, è costruito per essere uno spazio ordinato dove discutere di nerdate, condividendo non solo i nostri pensieri, ma anche – per esempio – quello che stiamo mangiando e bevendo, i pensieri sulla nostra giornata, oltre ad avere dei canali vocali dove parlare e giocare insieme oppure anche semplicemente entrare, tenendo il microfono spento, rimanendo a sentire e guardare le sessioni di gioco delle altre persone.

Sono presenti anche delle sezioni dedicate a giochi specifici come Dungeons & Dragons e Magic: The Gathering.

Gruppo Telegram

Il Gruppo Telegram, raggiungibile tramite questo link, è uno spazio più informale e caciarone, dove iniziamo la mattina con i classici saluti e riempiamo la giornata raccontando quello che stiamo facendo, chiedendo aiuti a Dedo per l’hardware del PC oppure con Ayr che ci racconta di quanto sia bella l’Australia, Apollo che ci fornisce informazioni sul meteo e con Il Moruz che crea sticker personalizzati.

Social

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Insomma, se cerchi una community con cui passare tempo Nerdando, ti aspettiamo dove vuoi tu e con i tuoi tempi.

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Back to school, back to work, back to nerd: come affrontare al meglio la nuova stagione se non con il #NerdandoConsiglia di Settembre 2024?

Kaos

Giando: quasi per caso, con poche aspettative, io e Morgana ci siamo messi a vedere Kaos su Netflix, con Jeff Goldblum nei panni di uno Zeus in crisi di mezza età: il rischio ca*ata era altissimo, eppure non è stato così, anzi, ci siamo bevuti tutta d’un fiato questa serie decisamente sorprendente!

Un cast stellare, una colonna sonora incredibile e uno stile di regia ricercato ma non fine a sé stesso ci ha fatto compagnia mentre osservavamo il dipanarsi delle profezie che colpiscono l’Olimpo, la Terra e l’Oltretomba.

Guardatela, perché abbiamo bisogno che sia confermata la seconda stagione!

California. La fine del sogno

Cavaliere: Hollywood è uno dei simboli della cultura pop tra film e serie TV, hip hop, i Golden State Warriors e i Los Angeles Lakers che sono tra le squadre NBA più famose e come non citare la Silicon Valley che ospita alcune tra le principali società tecnologiche. Tutti questi elementi sono accomunati dal dove, cioè la California. Quindi ci sta leggere o ascoltare (come ho fatto io tramite Audible) un libro che analizza la situazione di questo Stato americano. Poi, se il maestro di cerimonie è Francesco Costa, allora il risultato è scorrevole e informativo, cosa si vuole di più da un libro del genere? Quindi California. La fine del sogno lo consiglio a chi voglia capire tutte le contraddizioni di uno degli Stati più ricchi al mondo (se fosse indipendente), ma dal quale se ne va via più gente di quanta ne arrivi!

I racconti delle Tartarughe Ninja

I racconti delle Tartarughe Ninja in azione

Cavaliere: Dopo Caos mutante ho visto anche I racconti delle Tartarughe Ninja, la serie che ne è il seguito. Ho scritto una recensione, che trovi qui, per dirti che merita, visto che non se l’è filata nessuno ed è un vero peccato! È su Paramount Plus e c’è pure una settimana di prova, volendo. Ovviamente PURTROPPO nessuno mi sta pagando per scriverlo!

Batman: Caped Crusader

Zeno2k: Serie d’animazione sul mio eroe preferito, con una declinazione che richiama molto le storie classiche degli anni ’40 e ’60 del fumetto.

Stile noir metropolitano che mi ha ricordato James Ellroy, ottime le storie dal gusto investigativo hard boiled e l’iconografia così come il recitato italiano. Altro punto di forza è il grande spazio dato ai comprimari (sia villain che coprotagonisti), che talvolta mettono il Cavaliere Oscuro sullo sfondo spostando i riflettori sugli altri personaggi, spesso reimmaginati e reinventati ma comunque fedeli nello spirito agli originali.

Per me un ottimo lavoro, forse tra i migliori dedicati a Batman. La prima stagione è disponibile su Prime Video.

Mafia: Definitive Edition

Zeno2k: Uscito nel 2020, ho avuto occasione di riprovarlo oggi grazie a Game Pass.

La prima volta che giocai a Mafia, uno dei pochi giochi che ho avuto per PC due decenni fa, nel 2002, ne rimasi folgorato. L’ambientazione, le sensazioni evocate, il recitato in perfetto stile film hollywoodiano, tutto richiamava alla memoria l’immaginario del periodo d’oro di Al Capone e Lucky Luciano. Lost Heaven è una trasposizione immaginifica della Chicago degli anni ’30 e questo open world ce l’ha fatta vivere sulla pelle.

Non sono un grande amante dei remake, ma devo dire che questo mi ha davvero convinto. Svecchiato nelle dinamiche di gameplay, con migliorie generali nelle missioni (oltre che nella grafica ovviamente), non fa gridare al miracolo, ma si lascia giocare e seguire eccome anche grazie a una trama semplice ma efficace e al piacere profondo che dà viaggiare.

Kevin Can F**k Himself

Kiarakala: Kevin Can F**k Himself è una serie TV che mostra la sitcom sotto un’altra luce e lo fa letteralmente dal momento che alle scene comiche e super luminose del protagonista maschile, Kevin, si alternano quelle più cupe e drammatiche della moglie Allison, vera protagonista della storia. Accattivante non solo per la sua estetica, ma anche per la trama che lascia incollati allo schermo. Se siete in cerca di una novità, sebbene sia una serie del 2021, datele uno sguardo su Prime Video.

Maestri d’ascia del Mare del Nord: Redux

Jedi.lord: In una rara serata da puro testosterone e giochi da tavolo, con i valorosi Jarl Zeno2k e Giando, abbiamo provato questa nuova versione del primo gioco di Shem Phillips, diventato nel frattempo celebre con le sue trilogie basate sui punti cardinali.

C’era nell’aria la voglia di qualcosa di vichingo, in pieno accordo con il testosterone di cui sopra, e ci siamo ritrovati a reclutare cittadini, costruire edifici, ma soprattutto navi, tutto in perfetta…solitudine. Ci è piaciuto, ci siamo divertiti, ma mancava quel sano gusto di razzia, prevaricazione e mascolinità tossica (mi sono appena ricordato del perché non controllo più le bozze degli articoli n.d.Tencar) nel menarsi a vicenda, che ci ha lasciati un po’ con l’amaro in bocca, data l’ambientazione. Ci siamo rifatti con una bella sfida a Beyond the Sun, dove c’erano pochi vichinghi, ma un Giando corsaro delle galassie.

The Excavation of Hob’s Barrow

Jedi.lord: Cloak & Dagger Games, gli sviluppatori di Hob’s Barrow, sono una piccola realtà indie che crea delle interessantissime avventure punta e clicca in pixel art, molte delle quali free to play (vi consiglio di recuperarle su Steam). Con questo titolo hanno alzato l’asticella della qualità, portandoci nella brughiera inglese nei panni di una archeologa alle prese con un mistero antico e terribile.

Affascinante l’ambientazione, interessante la trama, bellissimo il doppiaggio.

Un gran bel punta e clicca.

eFootball 2025

Jedi.lord: Ecco che comincia la nuova stagione del calcio targato Konami e tornano le stesse domande: sarà questo l’anno giusto per la scommessa free-to-play?

Che vi devo dire, immagino già lo sguardo traverso di Giando (esatto, n.d.Giando) quando leggerà questo paragrafetto, ma io mi diverto parecchio con il titolo Konami, soprattutto per quanto riguarda la giocabilità, che con l’aggiornamento alla nuova stagione mi sembra anche migliorato sul fronte della fisicità dei calciatori.

Rimangono le solite criticità sul fronte licenze e sull’oramai cronaca mancanza della Master League, che sta diventando un meme a sé. Però, per quanto tempo e impegno posso investirci, è un titolo perfetto per placare la mia voglia di fare rotolare un pallone sui campi virtuali.

E ho Maradona in attacco, scusate se è poco.

Stellaris

Jedi.lord: Sono tornato dopo anni sul grand strategy spaziale di Paradox e ho trovato un gioco molto diverso da quello che avevo lasciato, come accade solitamente con i titoli della casa svedese, che patch dopo patch riescono a evolvere a livelli impensabili al momento del rilascio.

E nulla, mi sono ritrovato a dover imparare quasi tutto da capo, ma è stato comunque bellissimo. Ho fatto giri immensi ributtandomi su vari titoli di strategia spaziale, ma lui era lì ad attendermi, bello come il sole del prossimo sistema solare da colonizzare.

Still wakes the deep

Ayr: Il Game Pass, che grande invenzione! Una trovata che mi ha permesso di scoprire tante piccole o grandi gemme che, probabilmente, mi sarei perso altrimenti. Tra queste non posso non citare Still Wakes The Deep, avventura horror molto breve che ho giocato questo mese.

Nonostante io sia lontano dal genere, ho adorato l’ultima fatica di The Chinese Room. La lista dei pregi è molto lunga; potrei parlarvi dell’ottimo comparto grafico, del buon ritmo della trama, delle piccole soluzioni di gameplay che l’hanno reso interessante. Ma voglio focalizzarmi su due aspetti, che mi hanno, più degli altri, convinto e ammaliato.
Innanzitutto, ho adorato l’idea di ambientare il videogame su una piattaforma petrolifera. Una tipologia di struttura estremamente affascinante che mi fa chiedere: ma davvero abbiamo dovuto aspettare il 2024 per vederla in un videogame? Per favore, cari developer, datemi più giochi ambientati su delle Oil Rig.
Secondo fattore, ancora più importante per me, sono i dialoghi e il linguaggio di cui Caz, il personaggio principale, è protagonista. La mia immersione è aumentata a dismisura, non soltanto per la scelta di dotare i vari personaggi di un super realistico accento scozzese, ma, soprattutto, di renderli autentici. In generale, mal sopporto l’esigenza di un linguaggio super pulito e corretto, che ripudia l’utilizzo di parolacce a ogni costo. Figuratevi quando tutto sta esplodendo su una stazione petrolifera! Caz è splendidamente naturale nel suo modo di parlare. È sboccato, cafone, brutale, a volte blasfemo (ricordate che in Inglese la blasfemia non è grave come in Italiano). Reagisce, insomma, come l’uomo medio reagirebbe di fronte ad una tragedia così immane e, per questo, mi sono sentito vicino a lui.

Little Nightmares II

NoOrdinaryLuca: In occasione dell’uscita di Little Nightmares II tra i giochi del catalogo Playstation Plus, ho iniziato il secondo capitolo di questa saga dalle tinte horror, essendomi piaciuto molto il primo Little Nightmares (e in preparazione del terzo capitolo, in arrivo nel 2025).

In questo gioco del genere avventura/platform a enigmi, il protagonista è Momo, un misterioso ragazzo che si ritrova suo malgrado in un mondo distorto e pericoloso, popolato da loschi personaggi che tentano in ogni modo di fermare la sua fuga. Aiutato da una misteriosa ragazzina, Momo deve affrontare tutte le sue paure per poter riuscire a fuggire da questo incubo con la speranza di essere nuovamente libero.

Ciò che mi sta maggiormente piacendo di Little Nightmares II è la storia del gioco, che si svela lentamente, man mano che il giocatore si addentra nell’incubo in cui il protagonista si trova invischiato. L’atmosfera è davvero ben riuscita, così come le emozioni che suscita (con l’aggiunta di alcuni piccoli jump scare, che rendono sempre viva l’attenzione).

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Recensione

Già protagonista di un simpatico platform gratuito, Astro’s Playroom, atto ad offrire un assaggio delle potenzialità del Dual Sense e della console Playstation 5, Astro Bot ritorna in una nuova coloratissima avventura, che lo vede protagonista di un viaggio intergalattico per riuscire a recuperare tutti i pezzi della sua astronave PS5. Grazie alle sue eroiche gesta, riuscirà il bianco robottino ad affermarsi come nuovo punto di riferimento per il genere platform? Scopriamolo insieme nella nostra recensione!

La missione intergalattica di Astro Bot

Astro Bot è una avventura platform a tre dimensioni, in cui il Team ASOBI ha deciso di sorprendere i giocatori ad ogni salto, riempiendo i vari livelli di sempre nuove interessanti idee, che denotano un lavoro di game design e level design davvero curato, in cui nulla è lasciato al caso. Infatti, ogni livello presenta nuove regole e nuovi elementi che riescono a strappare ben più di un sorriso ai giocatori che decidono di accompagnare il simpatico robottino nelle sue avventure intergalattiche.

Da semplice platform tridimensionale, Astro Bot cambia forma ripetutamente, anche grazie ai potenziamenti che potranno essere utilizzati in alcune parti del gioco. Senza scendere troppo nei dettagli, per non rovinare in alcun modo l’esperienza di scoprire tutte le chicche sparse tra i vari livelli, Astro Bot prende in prestito elementi tipici di altri generi di gioco e li sfrutta per proporre nuove sfide, insieme a piccoli puzzle ambientali da risolvere, che rendono l’esperienza di gioco sempre varia e divertente.

Il Dual Sense diventa co-protagonista

Come in Astro’s Playroom, anche qui viene fatto un ottimo uso di tutte le funzioni del Dual Sense, che diventa un importante elemento di gameplay: a partire dallo speaker che fornisce informazioni sonore aggiuntive; ai grilletti adattivi, che mutano continuamente per adattarsi ai vari poteri di Astro, restituendo ogni volta un feedback tattile che, secondo me, facilita l’immersione; così come la vibrazione, che, oltre ad accompagnare i giocatori e a sottolineare gli eventi che succedono a schermo, diventa anche un elemento fondamentale di gioco, come, ad esempio, per la risoluzione di alcuni enigmi. Non a caso gli sviluppatori hanno deciso di rappresentare il Dual Sense anche all’interno del gioco, con il ruolo di astronave che accompagna il protagonista nelle sue scorribande tra le stelle, proprio per sottolineare questa importanza nell’economia di gioco.

Mondi colorati e pieni di dettagli

Da un punto di vista tecnico ci troviamo di fronte ad un ottimo lavoro svolto dal Team ASOBI: il motore grafico riesce a gestire i numerosi elementi a schermo senza la minima incertezza, mantenendo un framerate sempre stabile. Graficamente è una vera gioia per gli occhi, con mondi di gioco molto colorati ed estremamente particolareggiati, pervasi da una grande simpatia, che, sono sicuro, faranno sorridere anche il più serio tra i giocatori. Le ambientazioni che visitiamo nel corso delle avventure di Astro sono molto differenti tra di loro. Proprio questa varietà rende l’esplorazione dei livelli mai tediosa, anzi, risulta divertente e stimolante cercare di trovare tutti i collezionabili nascosti dagli sviluppatori in ogni livello.

Una sfida ben bilanciata per ogni tipo di giocatore

Anche per quanto riguarda il livello di difficoltà, Team ASOBI ha svolto un certosino lavoro di bilanciamento, riuscendo a creare un’avventura godibile anche per i giocatori meno esperti (completabile in una decina di ore), ma aumentando il tasso di sfida per chi vuole arrivare a trovare tutti i compagni di viaggio di Astro. Infine, sono anche stati inseriti alcuni livelli extra, che risultano essere una vera sfida anche per i veterani del genere platform. Insomma, ce n’è per tutti i gusti!

Prima di chiudere questa recensione, ci tengo a menzionare l’omaggio che gli sviluppatori hanno deciso di fare alla storia di Playstation, inserendo in Astro Bot una collezione di robottini, che dovremo trovare nei vari livelli, ispirati ai più importanti giochi usciti sulle differenti generazioni di console Sony. Estremamente divertente (e in parte commovente) è stato ritrovare alcuni degli eroi che hanno accompagnato la mia crescita da videogiocatore.

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Nerdando in breve

Con Astro Bot, Team ASOBI ha fatto centro, arrivando all’Olimpo dei giochi del genere platform. Mi sono infatti trovato di fronte ad un gioco estremamente divertente e curato, in cui il senso di stupore e meraviglia mi ha accompagnato lungo tutta l’avventura del bianco robottino. Pad alla mano, il gioco funziona e i comandi sono sempre responsivi ed efficaci, restituendo diverse sensazioni sulla base di ciò che accade a schermo, complice un ottimo utilizzo di tutte le caratteristiche del Dual Sense. Proprio per queste motivazioni, mi sento di consigliare Astro Bot a chiunque abbia voglia di vivere un’esperienza divertente e spensierata, ma in grado di offrire anche un tasso di sfida interessante per coloro che vorranno provare a completare il gioco al 100%.

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Recensione

In questa calda estate ho avuto l’occasione di recuperare alcuni giochi che mi erano originariamente sfuggiti di questo primo semestre 2024. Tra questi, c’è Princess Peach: Showtime! l’ultimo gioco Nintendo che vede come protagonista Peach, che ha ormai dismesso i panni della inerme principessa da salvare, per diventare protagonista delle proprie avventure, mostrando una grande forza d’animo e un indomito coraggio.

Il gioco parte dal momento in cui la nostra Principessa Peach decide di recarsi al Teatro Splendente per assistere ad uno spettacolo. Qui però viene sorpresa dalla malvagia Uva Spina e dalla Compagnia dei Mostri, che rapiscono tutti gli attori, trasformando lo spettacolo in una tragedia. Con l’aiuto di Stella, custode del Teatro Splendente, Peach prende in mano la situazione cercando di ristabilire l’ordine.

Un maestoso spettacolo teatrale

Il gioco ha una struttura a livelli, ognuno dei quali costituisce un atto di uno spettacolo più grande. Ciascuno di essi vede Peach indossare diversi costumi di scena, attraverso i quali acquisisce poteri differenti. La particolarità di Princess Peach: Showtime! è che ad ogni spettacolo corrisponde una diversa formula di gameplay. Questa struttura potrebbe risultare un po’ frammentata, ma gli sviluppatori di Good-Feel sono riusciti ad amalgamare bene il tutto, rendendo le avventure di Peach sempre diverse e mai noiose. Purtroppo, devo segnalare che la qualità dei vari spettacoli risulta un pochino altalenante, ma nel complesso l’esperienza è sempre in grado di mantenere viva la curiosità dei giocatori.

Un’avventura adatta anche ai giocatori meno esperti

Come da tradizione Nintendo, il gioco si propone ad un pubblico molto ampio, risultando approcciabile dai meno esperti, che potranno divertirsi a concludere la storia in circa una decina di ore, ma prova ad avvicinarsi anche a giocatori più esperti, data la mole di collezionabili presenti nel gioco, che richiedono un pizzico di abilità in più per chi vuole completare al 100% le sfide presenti.

Uno spettacolo per gli occhi

Il comparto tecnico risulta solido, con giusto qualche tentennamento nel framerate delle scene più concitate e con qualche caricamento leggermente più lungo rispetto a quanto ormai siamo abituati. Nel complesso, graficamente, rimane un ottimo colpo d’occhio generale, con immagini molto colorate e ambientazioni sempre diverse e ben curate. Ottimo anche il lavoro svolto con le boss fight, che propongono nemici fantasiosi, che richiedono la giusta strategia per essere sconfitti (anche se questa risulta ben leggibile dagli indizi lasciati dagli sviluppatori in-game).

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Nerdando in breve

In conclusione, Princess Peach: Showtime! è una divertente avventura, non particolarmente complessa da completare, che risulta così adatta anche ad un pubblico più giovane, o meno avvezzo ai videogiochi. Questo si traduce in un livello di difficoltà complessivo che risulta essere tarato verso il basso. Le differenti idee di gameplay, che sono state inserite nel gioco, regalano tante sorprese e trasportano i giocatori nel colorato mondo della Principessa Peach, per un divertimento leggero e spensierato, senza troppo avere l’ansia di vedere la schermata del game over. Per chi cerca una sfida in più restano comunque i numerosi collezionabili sparsi per i livelli, che richiedono un maggiore impegno per essere raccolti.

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