Un dettaglio dalle tavole di Dracula

Recensione

Ci sono personaggi destinati a tracciare un solco indelebile nell’immaginario comune, non importa quanti anni passino. Dracula è senza dubbio uno di questi: il vampiro originariamente creato dalla mente di Bram Stoker vanta innumerevoli incarnazioni, rivisitazioni e trasposizioni su ogni medium.
Tra le più iconiche, c’è sicuramente quella cinematografica diretta da Tod Browning e interpretata da Bela Lugosi, che ha scolpito a fuoco nella mente di spettatori di ogni epoca l’iconografia del più classico dei vampiri.
Quella rappresentazione, entrata nel panorama dei Mostri Universal, oggi torna a nuova vita in veste di graphic novel: Dracula, trasposizione a fumetti dell’omonimo film del 1931 prodotto da Universal, è scritto da James Tynion IV e disegnato da Martin Simmonds. Grazie a SaldaPress, ho potuto leggerlo e innamorarmene perdutamente.

Trama

La storia di Dracula la conosciamo tutti, ne sono sicura, ma non perde mai di freschezza. Nella Londra di fine Ottocento, il dottor John Seward accoglie nel suo manicomio un paziente come non ne ha mai visti, un certo Renfield accusato di aver sterminato brutalmente l’equipaggio della nave su cui viaggiava.
Renfield dichiara di non essere il colpevole ma di servire un padrone demoniaco, che sarebbe il vero artefice del massacro e che è pronto a prendere possesso della città di Londra.
Mentre il dottore cerca di curare con la logica e la medicina il suo nuovo paziente, in città iniziano sinistri accadimenti e anche la figlia di Seward, Mina, subirà l’influenza del misterioso Conte transilvano appena arrivato a Londra.

Stile

SaldaPress ha scelto di aprire la collana dedicata alle trasposizioni dei Mostri Universal nel migliore dei modi con questo Dracula: un lavoro incredibile, che lascia davvero a bocca aperta.
La storia tratteggiata da James Tynion IV è rispettosa del materiale di partenza e fedele alla pellicola originale, facendo rivivere su carta i personaggi che ci hanno entusiasmato sullo schermo.

A livello grafico, Martin Simmonds ha creato dei veri e propri quadri, che vivono di luce propria grazie ad un uso espressivo del colore e a uno stile unico, che con poche e precise pennellate riesce a far rivivere gli stati d’animo, le sensazioni e le emozioni della pellicola.

Dracula è disponibile dall’11 ottobre scorso in volume cartonato al prezzo di copertina di 21.00€.

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Nerdando in breve

Dracula è l’emozionante trasposizione a fumetti dell’omonima e iconica pellicola dello Universal Monster Universe diretta nel 1931 da Tod Browning e interpretata da Bela Lugosi.

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Gli anni Trenta e i fenomeni da baraccone

Ci sono film destinati a lasciare un segno indelebile nella storia del cinema e Freaks, diretto nel 1932 da Tod Browning, è senz’altro uno di questi. Decisamente in anticipo sui tempi, il film è stato incompreso nella sua epoca, ha stroncato per sempre la carriera del suo regista ed è stato rivalutato molti anni dopo, raggiungendo la status di cult. E infatti, 90 anni dopo dalla prima proiezione il 20 gennaio 1932, siamo ancora qui a parlarne.

Freaks è, ancora oggi, un film come non ce ne sono altri, unico nel suo genere. Anticonvenzionale e spiazzante, non poteva che essere frainteso nel clima culturale in cui è nato. Quando Browning decide di girare Freaks, infatti, siamo negli anni Trenta: i fenomeni da baraccone, i disabili, i “diversi” in genere vengono guardati con sospetto, diffidenza e addirittura paura e un film in cui non solo vengono resi protagonisti ma sono anche mostrati in tutta la loro normalità di esseri umani non può che generare reazioni controverse, come infatti è stato.

Eppure in Freaks c’è molto di più che “un assalto oltraggioso ai sentimenti, ai sensi, al cervello e allo stomaco degli spettatori” come scrisse The Hollywood Reporter nella sua recensione dell’epoca. E infatti, a partire dagli anni Sessanta, il film è stato protagonista di una progressiva rivalutazione, che ne ha evidenziato il valore artistico e metaforico.

La storia

Freaks si ambienta in un circo itinerante popolato da artisti circensi e fenomeni da baraccone. L’avvenente acrobata Cleopatra, in combutta con il forzuto Ercole, sfrutta il sincero amore che il nano Hans prova per lei per circuirlo. Il suo piano è di sposarlo, ucciderlo con il veleno e appropriarsi delle sue ricchezze. Quando il gruppo di “freaks” amici di Hans scoprirà l’inganno, però, darà il via ad una crudele vendetta.

La realizzazione

Nel 1932 Tod Browning era una stella a Hollywood, reduce dell’enorme successo del suo Dracula, interpretato da Bela Lugosi e uscito l’anno prima. La MGM, casa di produzione dove il regista era tornato dopo l’esperienza in Universal, era pronta quindi ad offrirgli letteralmente qualunque film. Il regista, però, scansò ogni tipo di proposta, perfino un Arsenio Lupin con John Barrymore, pur di realizzare l’unica pellicola che aveva davvero in mente: Freaks.

Browning lavorava al film da anni ed era deciso a portarlo al cinema, nonostante i molti pareri negativi: la MGM da lui si aspettava un horror degno di Dracula e, alle prese con una storia circense di fenomeni da baraccone, pensò ad una storia dell’orrore e scommise sulla visione del regista. Quello che non sapevano, però, era che Browning non avrebbe diretto un horror e che si sarebbero trovati per le mani uno dei più colossali flop a livello di incassi che la storia del cinema ricordi.

I primi problemi iniziarono già in fase di lavorazione: Browning insistette per scritturare veri freaks, scovati nei circhi itineranti. Il regista proveniva dal mondo del circo, dove aveva mosso i primi passi artistici prima di approdare al cinema: per lui, i fenomeni da baraccone non erano altro che persone con le quali imbastire un normale rapporto di lavoro. Non era così per tutti i componenti del cast tecnico però: molti non nascondevano il proprio disagio per quell’ambiente di lavoro e la produzione fu addirittura costretta ad allestire un secondo locale mensa dove sistemare gli attori “più particolari” del film.

La prima versione di Freaks era più lunga di quella che possiamo guardare adesso e decisamente più cruenta. Nel finale venivano mostrate le sevizie a cui i membri del circo sottoponevano Ercole e Cleopatra per vendicarsi ed era assente la scena della riconciliazione finale tra i nani Hans e Frida. Colpito da pesanti tagli e censure, il film raggiunse infine una durata di appena 64 minuti e le scene escluse dal montaggio finale sono oggi irrimediabilmente perdute, distrutte o smarrite.

L’accoglienza

I problemi di Freaks si manifestarono già nelle visioni di prova: quando la prima versione del film, quella senza tagli, fu mostrata ad un pubblico campione si registrarono reazioni disgustate, svenimenti, malori e – si vociferava – perfino un aborto spontaneo. Proprio questi primi commenti negativi portarono la MGM a pretendere i tagli, per cercare di salvare il proprio investimento.
Nel tentativo di catturare l’attenzione e la curiosità del pubblico, Freaks venne pubblicizzato come il nuovo horror di Tod Browning, anche se di horror aveva poco o niente e si scelse di calcare la mano sugli aspetti bizzarri dei protagonisti, stimolando la morbosità del pubblico nei loro confronti.

Non funzionò: Freaks si rivelò un disastro a livello di incassi, unica pellicola MGM ad essere ritirata da cinema prima del previsto. Inondato di critiche negative, il film venne accolto con repulsione per le immagini mostrate sullo schermo e fu vietato in Germania, Gran Bretagna, nella città di Cleveland e anche in Italia (dove fu trasmesso per la prima volta direttamente in TV nel 1983).

Da quel momento in poi la carriera di Tod Browning, che solo un anno prima aveva il mondo del cinema ai suoi piedi, fu definitivamente distrutta: isolato da Hollywood, lavorò solo a pochi film mediocri prima di ritirarsi definitivamente dalle scene nel 1942. Dimenticato e incompreso, il regista morì in solitudine vent’anni dopo, nel 1962. Ironia della sorte, è proprio in quegli anni che il suo film maledetto inizia ad essere rivalutato, a partire dagli ambienti della controcultura.

Apprezzato per la sua visione sul tema della diversità decisamente in anticipo sui tempi, in cui i fenomeni da baraccone vengono mostrati nella loro normalità e i cosiddetti normali mettono in luce tutta la propria meschinità, Freaks viene gradualmente considerato un film cult, inserito per la conservazione nel National Film Registry degli Stati Uniti e nella rassegna Il cinema ritrovato della Cineteca di Bologna.

Un film ancora oggi sconvolgente, anche se non per i motivi che portarono a bollarlo come inaccettabile negli anni Trenta e che, a distanza di 90 anni, ha ancora molto da dire al pubblico disposto a guardarlo senza pregiudizi. Se volete scoprire in prima persona il sogno che costò la carriera al suo ideatore, Freaks è disponibile in Italia nella sua versione superstite di 64 minuti (in lingua originale con sottotitoli italiani) nel catalogo di Amazon Prime Video.

Trailer

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Recensione

Ci siamo: Gabriele Mainetti è tornato. E con Freaks Out ha deciso di sognare in grande.

Premessa: io Lo chiamavano Jeeg Robot l’ho adorato, con la sua carica dirompente, innovativa e sognatrice. In quell’occasione avevo avuto anche la possibilità di intervistare il regista, Gabriele Mainetti, scoprendo una persona cortese, amante del cinema e disponibile. E allora potete immaginare quanto aspettassi Freaks Out. Con quel misto di trepidazione e anche paura, ché il rischio di deludere le aspettative c’era eccome. E invece Freaks Out è pura meraviglia: ci porta a sognare, ci diverte e ci emoziona. E non potremmo chiedere di più.

Trama

Siamo nel pieno della Seconda Guerra Mondiale, a Roma. Il circo itinerante di Israel è composto da fenomeni da baraccone: Matilde, Fulvio, Cencio e Mario hanno tutti capacità straordinarie ma la società li considera dei veri e propri mostri, emarginandoli. Quando il divampare della guerra si fa inarrestabile e mette in seria difficoltà l’attività lavorativa, il gruppo decide di trasferirsi negli Stati Uniti. Ma per farlo, occorrono documenti: Israel parte quindi alla volta della Capitale, promettendo di tornare la sera stessa con le salvifiche carte d’identità.

Quando però non fa ritorno, Matilde e gli altri temono che sia stato rastrellato in quanto ebreo. All’assortito gruppo non resta quindi che tentare di ritrovarlo nella Roma devastata dai combattimenti. Sarà l’inizio di un viaggio che porterà tutti loro, Matilde per prima, a fare i conti con chi sono e con quello che sono in grado di fare.

Stile

Che Gabriele Mainetti (in coppia con Nicola Guaglianone, insostituibile partner di sceneggiatura) fosse uno con tante idee e un amore smisurato per il cinema, si era già capito con Lo chiamavano Jeeg Robot, il film in grado di mostrare un nuovo volto (ancora inesplorato) del cinema italiano e di farci innamorare di un attore incredibile come Luca Marinelli.
Ebbene, con Freaks Out l’autore fa un passo in più: l’amore per il cinema c’è ancora tutto, la scrittura è ancora ispiratissima ma stavolta si fa in tutto in grande. Quello che ci troviamo davanti è uno spettacolo pirotecnico che nasconde però tantissima emozione dietro le luci scintillanti. Un po’ come la sua protagonista, Matilde, che dietro una luce accecante cela un grande cuore.

E proprio il personaggio di Matilde, interpretato da una sorprendente Aurora Giovinazzo, fa da centro nevralgico di tutta la storia e della ragnatela di protagonisti che le girano attorno. Da ricordare, sotto la fitta peluria del personaggio di Fulvio, Claudio Santamaria, che continua il suo felice sodalizio artistico con Mainetti e Pietro Castellitto, incredibile nel ruolo di Cencio. Ma meritano anche una menzione Giorgio Tirabassi nel ruolo di Israel, Max Mazzotta in quello del Gobbo e Franz Rogowski nel dare vita al terrificante antagonista Franz.

Luci ma anche ombre nell’universo narrativo tratteggiato da Freaks Out, che ci mostra una guerra crudele, in cui nulla è solo bianco o nero ma ogni persona che incontriamo è di fatto una scala di grigi. Tutti, comunque, hanno il loro percorso, il loro vissuto con cui fare i conti e i loro obiettivi: ciascuno farà le sue scelte e ne affronterà poi le conseguenze.

E poi c’è il cinema, lo dicevamo prima, che in Freaks Out è meraviglia allo stato puro. La messa in scena è lussureggiante e lascia tutti a bocca aperta. E i rimandi, per chi voglia coglierli, sono infiniti: c’è la Seconda Guerra Mondiale in chiave western (un po’ come aveva fatto Quentin Tarantino, ma con un percorso stilistico differente rispetto a Bastardi Senza Gloria, con il quale le affinità finiscono qui), c’è il Neorealismo, imprescindibile in Italia quando si voglia tratteggiare il periodo bellico e c’è il circo, reso immortale da Federico Fellini, sognante e misterioso come ce lo aspetteremmo. E poi ci sono loro, i Freak, il vero motore della vicenda ed è impossibile non cogliere una strizzatina d’occhio al classico Freaks del 1932 di Tod Browning (con esiti diversi -per fortuna-).

Insomma, Freaks Out è una gioia per gli occhi e per il cuore. Fatevi un regalo e andate al cinema a guardarlo, non resterete delusi.

Nerdando in breve

Freaks Out è pura magia, un film in grado di far sognare e di emozionare: fidatevi, è il momento di tornare al cinema.

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Ottobre, in particolare fine ottobre, significa una cosa sola: Halloween o Alluin se sei il presidente della Campania De Luca. Critica all’esterofilia a parte, è quel momento dell’anno in cui l’orrore e l’horror come genere la fanno da padroni. Da sempre è uno dei momenti più nerd dell’anno, anche solo per la quantità immane di film ambientati in questo periodo.

Siccome io sono boomer dentro e adoro i film “vecchi”, come ho già ampiamente dimostrato in passato, ne approfitto per unire Halloween con il vintage per parlarvi dei film horror Universal. Film leggendari che hanno fissato nell’immaginario collettivo i protagonisti delle pellicole. Da anni vengono raccolti in cofanetti comprensivi di seguiti e altre chicche.

Di cosa parliamo?

Per motivi diciamo quasi obbligati, negli anni ’30 l’Universal Pictures si specializza nella produzione di film dell’orrore, ispirati o spesso direttamente tratti da classici della letteratura gotica e dell’orrore. Nonostante la povertà della casa di produzione e la scarsa rispettabilità del genere, molti di quei film furono enormi successi di pubblico.

Sfatando un mito sul cinema di una volta, durante tutti gli anni ’30 e per parte degli anni ’40 vennero prodotti numerosi sequel e addirittura un paio di team-up fra tutti i mostri Universal. Di fatto è il primo universo condiviso al cinema. Ironico pensare che il Dark Universe proposto recentemente dalla stessa Universal sia fallito laddove erano riusciti 70 anni fa.

L’epoca d’oro di questi film horror fu la prima metà degli anni ’30, con una piccola ripresa intorno a metà anni ’40 prima del ritorno alla mediocrità e il declino definitivo con gli anni ’50, decennio con altre preoccupazioni e orrori. Di solito quando vengono raccolti in cofanetti per l’home video viene incluso Il Mostro della Laguna Nera e i suoi seguiti, tutti di metà anni ’50, ma ho sempre pensato che fosse un’aggiunta forzata.

I protagonisti

Evito di fare un listone, ma sostanzialmente questi film sono tutti basati sui capolavori letterari che immaginate e su leggende simili. E quindi il Fantasma dell’Opera, Dracula e Frankenstein in primis e poi altri pesi massimi come l’uomo invisibile, la mummia e l’uomo lupo.

Praticamente tutti questi mostri sono rimasti fino ai giorni nostri nella versione Universal. Se pensate al mostro di Frankenstein state sicuramente pensando alla versione di Boris Karloff nel Frankenstein di James Whale. Oppure Dracula, personaggio rielaborato centinaia di volte, ma se chiedi alla persona delle strada è facile che te lo descriva come Bela Lugosi.

I film e cosa aspettarsi

Queste sono coordinate molto generiche per film leggendari anche se molto vecchi. Parliamo di film che hanno tra gli 80 e i 60 anni massimo, ci vuole un minimo di consapevolezza. Non aspettatevi spaventi o effetti speciali, d’altronde erano film quasi di Serie B per l’epoca.

Quello che però questi film hanno è un mood narrativo e visivo a metà tra gotico ed espressionismo che resta sempre incredibilmente affascinante. È vecchio ma senza tempo. Nei momenti migliori sono film pieni d’invenzioni visive e con qualche effetto speciale ancora oggi validissimo, oltre che con make-up leggendari.

I capostipi sono tutti godibili e una visione, anche solo per motivi storici, se la meritano tutta. Tutti i seguiti sono di qualità via via sempre più calante, con l’unica luminosa eccezione di La Moglie di Frankenstein. Tra budget sempre più scadenti e continui cambi di cast, guardateli con il beneficio del dubbio.

Fra tutti, i miei preferiti sono i primi due film di Frankenstein, entrambi diretti da James Whale e con Boris Karloff come mostro. Sono film che hanno atmosfere pazzesche e talmente iconiche da rimanere indelebili. Il castello del barone, l’esperimento iniziale, il mostro con la bambina, la moglie del mostro tutti elementi che sono stati riproposti fino alla nausea in svariate forme hanno qui una forma espressiva pazzesca. E non solo perché sono state copiate omaggiate da Mel Brooks in Frankenstein Junior.

Più deludente il Dracula di Tod Browning (1931), che si regge tutto su Bela Lugosi e la sua magistrale interpretazione ma per il resto mostra troppo gli anni che ha. Addirittura la versiona spagnola girata in contemporanea da George Melfrod – assurda pratica dell’epoca fatta per vendere i film sonori nei mercati stranieri – è superiore, non fosse per il Dracula di Lugosi.

Degli altri, una delle sorprese più piacevoli è stata L’Uomo Invisibile (1933), anch’esso diretto da James Whale con effetti speciali meno datati di quel che si pensa. L’inizio nella locanda resta un momento di cinema grandissimo e Claude Rains recita solo con la voce in maniera incredibile.

Ho bei ricordi anche de La Mummia (1932) di Karl Freund, con Boris Karloff nei panni di Imhotep. Come molti ho un debole per la versione del 1999 con Brendan Fraser, ma quel film la butta più sull’avventura stile Indiana Jones, mentre il capostipite è un film più dell’orrore che altro.

L’Uomo Lupo (1941) di George Waggner fu una specie di rinascita del genere dopo un lustro di pochi e scadenti seguiti. Anche qui, siamo al grado zero di una storia sulla licantropia. Wolfman del 2010 con Benicio del Toro è il remake diretto di questo film, ma non vale granché al confronto. L’atmosfera non c’è, il licantropo in CGI è una merda e i colori tolgono tutta l’ambiguità al personaggio. Molto meglio l’originale, una storia gotica fatta e finita con Lon Chaney Jr. perfetto come uomo tormentato. Chiaramente la trasformazione è invecchiatissima, ma il make-up è indimendicabile.

In alcuni cofanetti viene inserito Il Fantasma dell’Opera di Arthur Lubin del 1943 con il già citato Claude Rains nel ruolo protagonista. Di tutti questi film, è di gran lunga il film più debole, datato, pesante e poco interessante.

L’universo condiviso

Dopo il successo dell’Uomo Lupo e il passo falso del Fantasma dell’Opera, l’Universal punta la via del crossover. Nel 1943 esce Frankenstein contro l’Uomo Lupo, Chaney Jr. è di nuovo un licantropo mentre Lugosi è per la prima volta il mostro di Frankenstein. Il film non è un granché ma servì a far attecchire l’idea dell’incontro-scontro tra le due icone. È l’equivalente filmico della creazione della Justice Society of America.

Dopo quel primo esperimento, Universal alza il tiro tra 1944 e 1945 con Al di là del mistero (poi rinominato in Italia La casa di Frankenstein) e La casa degli orrori. In entrambi i film il trio di mostri protagonisti è composto da Dracula, mostro di Frankenstein e l’uomo lupo. Nonostante gli intenti seriosi, entrambi i film virano rapidamente sul parodico.

Da lì al film comico in tutto e per tutto il passo è breve e infatti si arriva al 1948 con Il cervello di Frankenstein in cui i mostri incontrano Gianni e Pinotto, due comico al picco della popolarità nel periodo. Quest’ultimo film è esclusivamente un film comico, ma per la sua natura apertamente comica è più riuscito di altri film. Si segnala anche per essere il secondo e ultimo film in cui Bela Lugosi interpreta Dracula. Quasi come un passaggio di testimone tra i vecchi maestri dell’orrore e i nuovi, compare in un breve cameo Vincent Price, il re dell’orrore tra anni ’50 e ’60. Ma questa è un’altra storia.

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Film classici

Lo sapevamo già e durante la quarantena abbiamo avuto modo di rendercene conto ancora di più: viviamo in un’epoca fortunata, a livello cinematografico, perché i servizi di video streaming on demand ci danno accesso ad un catalogo pressoché infinito di pellicole di ogni genere.

Questa grandissima opportunità ci permette di fruire di moltissime novità ma ci permette anche di recuperare film classici che, per una questione temporale (magari sono usciti prima che nascessimo), non abbiamo mai avuto l’occasione di guardare prima.
Tra tutti, Amazon Prime Video è il servizio che più di ogni altro rivela un’anima cinefila: presenta in catalogo autentiche chicche, infatti, che non possono mancare nella vostra esperienza di spettatori. Soprattutto considerando che vi basta un click dal divano di casa per gustarvi la visione.
Tra tutti, ho selezionato 5 film classici dal catalogo Amazon Prime Video che secondo me non potete proprio lasciarvi scappare!

Metropolis

Diretto nel 1927 da Fritz Lang, questo titolo è considerato un vero e proprio pilastro del cinema di tutti i tempi.
Siamo ancora nell’ambito del muto e del bianco e nero, in pieno espressionismo: Metropolis si ambienta nel futuro e offre scenografie in grado di influenzare il cinema di fantascienza a venire fino ai giorni nostri (la città di Blade Runner, per dirne una, attinge a piene mani da qui).
In un futuro distopico in cui la società è fortemente gerarchizzata, si consuma la lotta tra i più umili e i vertici che vogliono schiacciarli.
Accompagnati dalle stupende musiche di Giorgio Moroder, è un viaggio che non potete perderevi.

Freaks

Anche in questo caso siamo di fronte a un classicone imperdibile, con l’aggiunta che questo film non è mai stato doppiato in italiano e finora era praticamente introvabile nel nostro paese.
Freaks è stato diretto nel 1932 da Tod Browning ed è ambientato in un circo di “fenomeni da baraccone”, tutti interpretati da veri disabili, i “freaks” del titolo, appunto.
In appena un’ora di film, Browning mette al centro i freaks non per deriderli o shoccare ma per mostrare la loro estrema normalità nonostante la differenza fisica.
Una pellicola ancora tremendamente attuale, osteggiata dai distributori nel corso degli anni. Recuperarla vale decisamente la pena! Su Amazon Prime Video è in versione originale sottotitolata in italiano.

Il settimo sigillo

Restiamo nel bianco e nero e voliamo fino in Svezia: Il settimo sigillo è stato diretto nel 1957 da Ingmar Bergman ed interpretato da Max von Sydow. Al centro della pellicola, la più famosa partita a scacchi mai giocata: quella tra il cavaliere Antonius Block e la Morte.
Il settimo sigillo non è l’unico film di Bergman presente su Amazon Prime Video (io stessa conto di recuperare presto Il posto delle fragole) ma è senz’altro quello che vi consiglio se vi avvicinate per la prima volta al regista: citatissimo, elegante e introspettivo.

Il cielo sopra Berlino

Nel 1987 il colore al cinema era ampiamente sdoganato ma c’era chi utilizzava il bianco e nero come scelta non solo stilistica ma concettuale: Wim Wenders sceglie nel suo film proprio questa tonalità per rappresentare visivamente il punto di vista degli angeli che vivono sopra la città di Berlino e osservano il fluire della vita dei suoi abitanti.
Ispirato dalle poesie di Rainer Maria Rilke e interpretato da Bruno Ganz, Il cielo sopra Berlino è un classico sognante che merita di essere riscoperto in ogni generazione.

Bellissima

Anche per l’ultimo suggerimento non posso che restare fedele al filo conduttore di questo articolo: il bianco e nero.
L’ultimo film che vi consiglio di recuperare su Amazon Prime Video è l’italiano Bellissima, diretto nel 1951 da Luchino Visconti e interpretato da Anna Magnani e Walter Chiari.
La povertà e il mito della fama a tutti i costi, per raggiungere la quale si è disposti a qualunque sacrificio: argomenti dei giorni nostri, senza dubbio, eppure qui siamo sul finire del Neorealismo.
Anna Magnani interpreta una madre disposta a tutto pur di ottenere per la figlioletta Maria un ruolo nel nuovo film del regista Alessandro Blasetti (qui interpretato da se stesso).
Non il titolo più iconico del Neorealismo italiano ma senza dubbio una visione meritevole, non fosse altro che per l’estrema attualità della trama e la stupenda Anna Magnani.

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