Che estate sarebbe senza un buon giallo?

Leggere con le orecchie

Non so voi ma per me estate è sinonimo di letture! Complici le vacanze, le giornate più lunghe e i ritmi meno serrati, è questa la stagione in cui approfitto per recuperare tutte (ora non esageriamo, diciamo alcune dai) le letture che ho lasciato da parte nei lunghi mesi invernali.
Questa estate nello specifico, mi stanno venendo in aiuto gli audiolibri: sto utilizzando Storytel per scoprire titoli che avevo sempre tenuto nel cassetto, ottimizzando il tempo per svolgere nel mentre lavori manuali che non richiedano grossa concentrazione.
Se anche voi state pensando di tuffarvi nel fantastico mondo degli audiolibri, ecco tre consigli che potete trovare su Storytel se amate il genere del giallo!

Le sette morti di Evelyn Hardcastle

Anche quello del giallo è un genere molto frequentato da Storytel: troverete davvero pane per i vostri denti, dagli autori classici (Agatha Christie, George Simenon, Arthur Conan Doyle) a quelli più moderni (Patricia Cornwell, John Grisham, Andrea Camilleri).
Come già fatto per il fantasy, anche in questo caso cercherò di darvi consigli meno scontati e più particolari.
E, con queste premesse, come potevo ignorare Le sette morti di Evelyn Hardcastle? Lo so, vi ho parlato tantissimo di questo libro e del mio sconfinato amore per il suo autore, Stuart Turton, eppure non mi stancherò mai di farlo!
Un giallo deduttivo, originale e spiazzante, che vi toglierà il fiato. Dategli una possibilità!

Ninfee Nere

Questo romanzo poliziesco di Michel Bussi del 2011 mi viene consigliato da mesi e mesi dalla nostra Morgana e sarà il mio prossimo ascolto! Non avendolo ancora letto/ascoltato e non volendo autorovinarmi la sorpresa, vi dico solo che secondo Morgana è pazzesco e che la storia ruota intorno alle indagini su un misterioso omicidio nei luoghi in cui visse il pittore Monet.

Il caso Agatha Christie

Siamo abituati a conoscere Agatha Christie come la regina del giallo, ma che succede se da autrice diventa oggetto stesso di un’appassionante indagine? Il caso Agatha Christie ripercorre il vero episodio del 1926, quando la famosissima scrittrice scomparve per undici giorni.

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La copertina di Paradise

Recensione

Paradise è una serie del 2025 disponibile su Disney Plus, composta da otto episodi, pubblicati dal 28 gennaio al 4 marzo. Ovviamente la recensione (completa, cioè ho visto tutta la prima stagione) di Paradise sarà senza spoiler tranne tre quarti del primo episodio, qualcosa devo pur dire!

Cos’è Paradise

Si tratta di un thriller/mistery in cui, di puntata in puntata, si dipana la trama e ci si avvicina al colpo di scena nella puntata finale.
Inoltre il rinnovo per la seconda stagione è ufficiale, annunciato ancor prima di mandare in onda l’ultima puntata. Lo dico così sapete che non è già stata cassata come spesso succede con le serie Netflix, lo so che questa è su Hulu (negli USA) e da noi su Disney Plus… era per capirci!

Il primo episodio

Senza spiegoni viene introdotto il protagonista Xavier Collins agente capo dei servizi segreti, cioè in pratica colui che deve proteggere il Presidente degli Stati Uniti.
Si inizia con una normale giornata che sembra quasi il paradiso del titolo, con il protagonista che nonostante la difficoltà a dormire fa colazione coi figli, una corsetta e poi si reca a lavoro. Ma ovviamente non rimarrà tutto perfetto, altrimenti la tensione e il mistero dove stanno? Infatti Xavier trova il Presidente morto nella sua camera da letto.
Ovviamente questo è l’incipit della serie, visto che questo evento scuote quello che sembrava il paradiso, ma… Come era facile intuire, andando avanti con l’episodio diventa sempre tutto meno incantato fino alla, prima, rivelazione nel finale.

La quiete prima della tempesta

Stile

L’alternanza costante tra passato e presente è una caratteristica centrale della narrazione di tutta la serie. Ovviamente deve piacere questo stile, a me sì visto che così non ci sono spiegoni, ma attraverso i flashback si capiscono cose e si approfondiscono i personaggi ai quali viene dato tanto spazio e non mi è mai saputo di allungamento di brodo.
La serie gioca molto sul fatto di mostrare i colpi di scena a fine episodio per indurre a vedere avidamente il prossimo. La tecnica funziona alla grande, anche se di certo non è innovativa. Fa quello che deve fare una serie: tenere incollato lo spettatore che vuol sapere come si evolve la cosa.

Cast & mente creativa

Gli attori sono tutti azzeccati e anche il doppiaggio è di alto livello. Il protagonista è interpretato da Sterling K. Brown, che dopo This is Us torna a collaborare con Dan Fogelman, l’autore di entrambe le serie.

Concludendo

La serie mi ha tenuto lì curioso di sapere come andasse a finire e a teorizzare su cosa è successo per davvero al Presidente. I colpi di scena ci stavano tutti, anche se quello del quarto episodio lo avevo beccato con largo anticipo. Il grande punto interrogativo per me era il finale, visto il genere di appartenenza e lo stavo aspettando per capire se consigliarla o meno. “Quindi ‘sto finale com’è?“: senza spoiler vi dico che mi ha convinto, senza gridare al miracolo, visto che è stata annunciata una seconda stagione. Capitemi: non mi dilungo visto che mi trovo nella stessa situazione della recensione di Stray Dogs in cui dovevo soppesare le parole per non rivelare nulla.

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Nerdando in breve

Un’ottima serie “mistery drama” che tiene incollato lo spettatore.

Trailer

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Ed ecco a voi…Stray Dogs!

Recensione

Stray dogs è un thriller di grande successo pubblicato originariamente negli USA da Image Comics in cinque numeri. Finalmente è arrivato in Italia grazie a Saldapress, che ringrazio per il PDF, in un unico volume di 136 pagine. Un fumetto ad alta tensione che vede come protagonisti dei cani che si trovano ad affrontare un grosso dilemma. So che è poco, ma trattandosi di un thriller devo soppesare per bene quello che scrivo visto che state leggendo una recensione senza spoiler!

Trama

Sophie è una cagnolina che non riesce a ricordare nulla. Viene accolta in una casa piena di cani trovatelli come lei curiosi per la nuova arrivata, ma che hanno le più buone intenzioni. Nonostante l’accoglienza molto comprensiva lei si sente a disagio, fino a quando il nuovo padrone, vedendo la nuova arrivata rannicchiata in un angolo e pensando che avesse freddo, la avvolge nella sua sciarpa per riscaldarla. Proprio in quel momento a Sophie torna in mente l’aggressione alla sua padrona proprio con quella sciarpa, o almeno è quello che si ricorda!
Tranquilli, non sto spoilerando nulla, visto che questa è la trama del primo dei cinque numeri nella versione originale e la fine dell’anteprima disponibile gratuitamente in italiano su Issuu.
Proprio questa anteprima mi ha convinto a leggere questo fumetto visto che l’ho trovata di una potenza rara.

Sophie accolta dagli altri cani

Un thriller supportato da disegni e colori

Tony Fleecs ha scritto un ottimo thriller che è stato capace di farsi leggere tutto d’un fiato. Ho voluto sapere come andava a finire visto che sinceramente non sapevo cosa aspettarmi.
Non fatevi ingannare dai disegni di Trish Forstner con uno stile da cartoni animati un po’ alla Disney vecchio stampo. I volti molto espressivi dei cani, l’uso sapiente dei colori da parte di Brad Simpson rendono il tutto molto efficace anche grazie al contrasto tra i momenti di tranquillità e quelli ad alta tensione!
Per me è un vero colpo di genio mettere al centro di tutto la scarsa memoria dei cani, uno stratagemma che rende la narrazione ancora più ricca di pathos. Pensate ad un detective smemorato, ma non in un contesto comico bensì in uno in cui potenzialmente si è davvero in pericolo!

Concludendo

Tutto gli elementi che ho descritto in questa recensione creano un fumetto veramente potente. Capisco il successo di critica e di pubblico. Brava Saldapress non solo ad aver pubblicato Stray dogs – Cani Randagi, ma anche per averlo fatto in un volume unico così da non castrare la voglia di sapere dei lettori voraci come il sottoscritto!

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Stray Dogs – Cani Randagi è un fumetto da leggere per gli amanti della nona arte e dei thriller.

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Lucky Red e Universal Pictures International Italy mi hanno fornito l’occasione di fine estate per un nuovo brivido: l’anteprima di Watcher, presentato al Sundance Film Festival 2022 il 22 gennaio e atteso nelle sale italiane dal 7 settembre.
Vi racconto il mio incubo di una serata di fine estate.

Recensione

Solitamente alle anteprime cinematografiche di fine estate ci si trova circondati dal fastidioso brusio di giornalisti che si raccontano le vacanze reciproche, che tediano i colleghi con le loro impressioni sugli ultimi festival a cui sono stati invitati e sentono l’irrefrenabile impulso di elencare tutte le visioni più deludenti a cui hanno assistito dall’ultima volta in cui hanno visto il loro interlocutore.

Questa volta stranamente non è andata così. Forse il caldo esterno rendeva superflua la conversazione o il tema trattato dalla proiezione invitava ad un certo rigore, fatto sta che l’anteprima si è svolta in totale silenzio da parte degli spettatori, al punto che se qualcuno in sala avesse fatto “Booo!”, secondo me più di uno sarebbe saltato sulla sedia.

Sin dalla prima scena Watcher trasmette la giusta tensione: la scelta cromatica decisa dalla fotografia, le inquadrature, l’ambientazione scenografica di una Bucarest decadente e carica di tensione e la fisionomia degli attori aggiungono all’interpretazione il giusto climax per tenere lo spettatore incollato per tutta la durata della pellicola (96 minuti).

Nel thriller si sa che quello che davvero spaventa di più è sempre quello che con maggior probabilità potrebbe davvero accadere nella vita di tutti i giorni. Watcher rispetta questa semplice regola: non troppo sangue, sguardi agghiaccianti sulle facce giuste e il sospetto tenuto in piedi fino all’ultimo riescono a rendere la più lineare delle trame un’ottima pellicola da paura.

Trama

Julia è americana e segue il marito di origini romene a Bucarest, a cui viene richiesto di occuparsi di nuovi clienti. Lei accetta di accompagnarlo e cerca in ogni modo di integrarsi cercando di imparare la lingua locale, andando un po’ in giro per la città e guardandosi intorno. Ad accogliere la giovane coppia un bellissimo appartamento con grandi finestre.

Inclusi nel pacchetto un misterioso dirimpettaio che è sempre affacciato alla finestra quando Julia guarda fuori e le inquietanti notizie su un serial killer che sta terrorizzando la città sgozzando giovani donne fino alla decapitazione. La bella protagonista si sente osservata, seguita, minacciata e incompresa.

Il marito ed i suoi nuovi colleghi, la polizia, i vicini di casa tendono a non crederle o a pensare che si stia facendo suggestionare più del dovuto dalla situazione, percependo un pericolo che non c’è, se non nella sua testa. La situazione degenera al punto tale che Julia viene messa in condizione di doversi scusare con l’inquietante vicino che si sente ingiustamente accusato di stalking. Meno che mai in questa occasione vi leverò la sorpresa dell’epilogo, ma garantisco che merita, più che per l’originalità della trama, per l’intensità dell’interpretazione.

Cast e Regia

Watcher è un thriller totalmente al femminile, non solo per quanto riguarda la regista Chloe Okuno e per la bella protagonista californiana Maika Monroe, specializzata nell’interpretazione di ruoli horror al punto di essersi guadagnata l’appellativo di Scream Queen, quanto per il taglio che viene dato al film. Il ruolo dell’inquietante vicino di casa è affidato all’inglesissimo Burn Gorman (inteprete di Owen Harper in Torchwood), molto bravo.

Curiosità

La protagonista di Watcher, Maika Monroe, oltre ad essere specializzata nell’interpretazione di ruoli legati al genere horror e thriller, è un’appassionata kitesurfer freestyle, attività che la entusiasma da quando aveva 13 anni e che inizialmente avrebbe voluto svolgere a livello professionale. Nel 2013 ha ottenuto un secondo posto all’International Red Bull Air Competition.

Trailer

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Dal 7 settembre al cinema un bel thriller psicologico tutto al femminile che dimostra come anche la trama più classica, se ben costruita registicamente ed interpretata a dovere, fa ancora paura.

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All’interno del Museo del Fumetto in una calda serata milanese arrivano i brividi: grazie a Sperling & Kupfer ho scoperto Macabre, la nuovissima collana della casa editrice del gruppo Mondadori, dedicata a tutte le sfaccettature dell’horror e della letteratura che genera ansia. Macabre si rivolge a tutti gli appassionati di quelle opere che portano il lettore ad affrontare le proprie paure attraverso svariati generi letterari: horror, thriller, soprannaturale, adrenalinico o gotico che sia.

Un bel palloncino rosso non poteva che essere il logo più adatto per rappresentare gli eleganti volumi della casa editrice “di Stephen King”. Formato senza sovraccoperta, preziose copertine realizzate per l’occasione da importanti illustratori e fumettisti italiani ed un elegante profilo rosso per le pagine. Volumi curati con grande attenzione e scelti tra storie contemporanee ancora inedite e classici moderni, tutti introdotti da celebri autori o critici italiani.

I primi due titoli, in uscita il 14 settembre, non potrebbero essere più diversi tra loro per genere, linguaggio ed ambientazione. Hanno però in comune un altissimo livello in termini di trama e la capacità, a quanto ci raccontano le appassionate responsabili della redazione di assorbire in maniera totale l’attenzione del lettore, avvolgendolo in una spirale di ansia fino all’ultima pagina. Una presentazione tanto entusiasmante che sono davvero indecisa su quale leggere per primo. Vediamo nel dettaglio le due opere.

Prede, di Gabriel Bergmoser

«Prede è quanto di più inquietante si possa immaginare, un horror-thriller australiano che riesce a combinare Wolf Creek, Le colline hanno gli occhi e Sulla strada, con un tocco di Un tranquillo weekend di paura.»
The Guardian

La trama
Un incubo ad occhi aperti prende vita in una stazione di servizio nel bel mezzo dell’Australia rurale, in cui quattro protagonisti si ritroveranno a vivere una spaventosa esperienza.
Frank, Allie, Simon e Maggie sono quattro sconosciuti legati da un destino fatto di terrore e brivido, legati inconsapevolmente da un’esperienza che li sconvolgerà profondamente.

L’autore
L’australiano Gabriel Bergmoser, nonostante la giovane età ha già ricevuto numerosi premi come autore e drammaturgo: una nomina al Kenneth Branagh Award e la vittoria del prestigioso Sir Peter Ustinov Television Scriptwriting Award. Prede, i cui diritti per un adattamento cinematografico sono stati acquisiti da Stampede Ventures e Vertigo Entertainment, è il suo primo romanzo pubblicato in Italia.

Il banditore, di Joan Samson

Un classico della letteratura americana, un capolavoro del brivido.
Per la prima volta in Italia, a quasi cinquant’anni dall’edizione originale, una delle storie più amate da Stephen King.

La trama
Ad Harlowe, tranquilla cittadina del New Hampshire arriva all’improvviso il carismatico Perly Dunsmore, intento a richiedere alla popolazione cittadina svariate donazioni per le sue aste. In un posto dove nulla cambia da troppo tempo, tutto prende una piega diversa e il banditore stravolge l’equilibrio cittadino con un piano diabolico in cui gli abitanti perderanno inesorabilmente ogni cosa, a partire dalla propria anima.

L’autrice
L’unica opera dell’autrice americana Joan Samson (1937-1976) in patria è considerata un bestseller assoluto. Figlia di un fisico nucleare e di una maestra, la scrittrice è purtroppo deceduta per malattia prima di poter scrivere il suo secondo romanzo. È stata insegnante in diverse scuole inglesi ed americane ed ha lavorato come editor per la rivista Daedalus. Il banditore, romanzo molto apprezzato anche da Stephen King, non era mai stato pubblicato in Italia.

Dopo questa breve presentazione dovete scusarmi: devo correre a scegliere quale dei due incubi affrontare per primo!

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L’horror ironico secondo John Landis

Era il 1981 e il mondo del cinema viveva un periodo florido di sperimentazione, che avrebbe gettato le basi per molta della filmografia a venire. E proprio quell’anno John Landis, uno dei registi più interessanti del periodo a Hollywood, realizzò un gioiellino che mescolava horror e ironia dal titolo di Un lupo mannaro americano a Londra.

Il film aveva l’ambizione di mescolare folklore e antiche leggende di paura con i tempi contemporanei, fondendo toni cupi e spiritosi. La storia? Due giovani studenti statunitensi sono in viaggio in Inghilterra. Quando vengono attaccati da quello che sembra un grosso cane, la loro vita subirà una svolta che mai avrebbero potuto prevedere.

Nonostante di anni ne siano passati un bel po’, non vi racconto troppo della trama nel caso vi siate lasciati sfuggire questo cult cinematografico. Anche perché in questo caso potete correre a recuperarlo: al momento in cui scrivo è disponibile nel catalogo di Amazon Prime Video. Nel giorno in cui compie la bellezza di 40 anni, comunque, vi racconto qualche curiosità su Un lupo mannaro americano a Londra.

L’ispirazione

L’idea alla base di Un lupo mannaro americano a Londra affonda le sue radici ancora più indietro del 1981 e in particolare al 1969. In quell’anno il giovane John Landis stava girando I guerrieri in Jugoslavia e, durante uno spostamento da un set all’altro, si è imbattuto in un curioso funerale gitano. Il morto, uno stupratore seriale della zona, venne seppellito con i piedi legati da corone di aglio: in questo modo non sarebbe potuto risorgere per perpetrare i suoi crimini.

L’incontro stuzzicò la mente del regista, che iniziò a pensare a un progetto che trasponesse il folklore e le antiche credenze popolari in un contesto contemporaneo. L’obiettivo era portare in epoca moderna temi classici dell’horror. Come il mito del lupo mannaro, per esempio.

Tra le fonti di ispirazione apertamente citate c’è inoltre il più popolare romanzo di Sir Arthur Conan Doyle, Il mastino dei Baskerville. Il rimando all’avventura di Sherlock Holmes è evidente nell’ambientazione iniziale, una misteriosa brughiera nebbiosa nei pressi di Londra.

La casa di produzione, la Polygram, aveva accettato di produrre un soggetto così insolito ma spingeva per scegliere i protagonisti: i nomi su cui puntare, per loro, erano Dan Aykroyd e John Belushi. In questo modo speravano di bissare il successo di The Blues Brothers, sempre diretto da John Landis e uscito l’anno prima. Il regista, però, fu irremovibile su questo punto e alla coppia di comici preferì David Naughton, scelto dopo averlo visto nella pubblicità della Dr. Pepper, e Griffin Dunne.

Eredità

Un lupo mannaro americano a Londra ha colpito molto l’immaginario cinematografico, grazie alla sua carica dirompente. Uno dei più grandi fan del film fu nientemeno che Micheal Jackson: il cantante apprezzò tantissimo l’opera di Landis, tanto da volere fortemente il regista per quello che diventerà il suo videoclip più famoso, Thriller. Girato l’anno seguente, nel 1982, il video vede riunita la premiata ditta dietro Un lupo mannaro americano a Londra: Landis in cabina di regia e Rick Baker agli effetti speciali. Inoltre, alla fine del girato è riportata la stessa frase che troviamo in chiusura del film.

Anche Edgar Wright, autore della Trilogia del Cornetto, è un grande fan di Un lupo mannaro americano a Londra, tanto che lo ha omaggiato nel suo film L’alba dei morti dementi. La scena in cui il protagonista Shaun viene spaventato dal riflesso della figura di Pete nello specchio del bagno, viene direttamente dal film di Landis. La curiosità nella curiosità è che anche la scena di Un lupo mannaro americano a Londra era a sua volta un omaggio: a Repulsion di Roman Polanski.

Dal film è stato tratto, un decennio più tardi, anche uno spinoff: Un lupo mannaro americano a Parigi, uscito nel 1997, era interpretato da Tom Everett Scott e Julie Delpy ma non è stato in grado di replicare il grande successo dell’originale.

Lupo ululà

Perdonatemi, ma non potevo esimermi dal citare quel capolavoro della comicità che è Frankenstein Jr. Come è lecito aspettarsi, il lupo mannaro era il fulcro del film di John Landis e sulle sue sembianze pesavano grandi aspettative. Regista e direttore degli effetti speciali, il già citato Rick Baker, non riuscivano proprio a mettersi d’accordo ma, alla fine, l’aspetto dell’uomo lupo è stato ispirato dal cane di Baker.

La scena della trasformazione, una delle più impegnative da girare oltre che tra le più famose della storia del cinema, necessitò di ben sei giorni per essere realizzata, con circa 10 ore di lavoro al giorno. Servivano cinque ore per applicare il trucco e tre per toglierlo. Il risultato, però, è stato di gran lunga sopra le aspettative, tanto che Rick Baker venne premiato con il premio Oscar per il miglior trucco: la categoria non esisteva prima, venne creata proprio con Un lupo mannaro americano a Londra.

Luna storta

John Landis era uno che sapeva curare ogni dettaglio e dare vita ad autentici capolavori (prima del fatto drammatico che avvenne sul set e che di fatto rallentò definitivamente la sua carriera. Ma questa è un’altra storia che vi raccontiamo qui) e per Un lupo mannaro americano a Londra si occupò con attenzione della colonna sonora: tutte le canzoni che ascoltiamo nel film, hanno la paura “moon” nel titolo.

Tra le varie possiamo ricordare Moondance di Van Morrison e la stupenda Bad Moon Rising dei Creadence Clearwater Revival. Landis avrebbe voluto anche Moon Shadow di Cat Stevens, ma l’autore non concesse il permesso perché credeva nell’antico folklore secondo cui i lupi mannari esistono e non voleva mancare loro di rispetto.

Questione di stile

Nel corso del film ci imbattiamo in una sala cinematografica che proietta un film pornografico, di cui scorgiamo anche le locandine: See you next wednesday è un finto filmino hot, girato ad hoc prima delle riprese e che appare spesso nei film diretti da John Landis. Il titolo See you next wednesday, a ben guardare, è un inside joke costante nella filmografia di John Landis: lo vediamo apparire in tutti i suoi film e ogni volta si riferisce ad una pellicola di genere diverso (c’è perfino nel già citato videoclip Thriller). Ma perché proprio questo titolo? È un rimando a una battuta di 2001: Odissea nello spazio, di Stanley Kubrick.

Alla fine del film, dopo i titoli di coda, appare una scritta con le congratulazioni per il matrimonio del Principe Carlo con Lady Diana, celebrato il 29 luglio 1981. Questo perché nel corso del film il personaggio di David, nel tentativo di farsi arrestare, aveva urlato un insulto proprio alla figura del Principe Carlo.

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The Walt Disney Company Italia mi ha dato l’opportunità con Underwater, thriller sottomarino al cinema dal 30 gennaio, di confrontarmi con la mia ansia subacquea. Ecco com’è andata.

Recensione

Io amo l’acqua. Nuoto sin da piccola e mi piace. Ho anche partorito in acqua ed è stata una magnifica esperienza.
Ma.
Per quanto mi riguarda l’acqua è mia amica finché riesco a vedere il fondo. E deve essere chiarissimo. Tanto per intenderci, sono appena tornata da un meraviglioso viaggio nello Yucatan e ho avuto il privilegio di tuffarmi nelle acque cristalline di alcuni cenote. Ho nuotato dentro ad una grotta piena di acqua corrente, turchese. In entrambi i casi, nonostante il liquido intorno a me fosse perfetto e trasparente, la sola presenza di pesci gatto mi metteva in ansia. Premessa doverosa per dare un quadro preciso dello spirito con cui ho affrontato l’anteprima. Un film ambientato negli abissi in cui sai che prima o poi spunterà un mostro l’ho trovato un’ottima occasione per affrontare i miei demoni. E non sono scappata.

Il ritmo è buono, le riprese sono curatissime e gli interpreti adatti.
Strepitoso il lavoro di scenografo e direttore della fotografia: hai la sensazione di essere realmente schiacciato sott’acqua, esposto ad una pressione fortissima, privato dell’ossigeno. E basta questo a spaventare, senza dover ricorrere a creature aliene.
Il fatto di non dover sfidare la natura per non incorrere nei suoi pericoli è sicuramente d’attualità, anche se già visto più volte.

Per quanto riguarda la trama non posso davvero dire di aver visto qualcosa di originale, ma ritengo che gli appassionati di Alien ci leggeranno tanti riferimenti ed apprezzeranno il genere. La regia è curata con attenzione per rendere al meglio lo stato di tensione e devo dire che l’intento dichiarato dal regista di voler sconvolgere gli utenti è abbastanza riuscito.

Se siete aracnofobici potreste non andare oltre ai primi cinque minuti della pellicola.
I claustrofobici dovrebbero reggere almeno per i primi 20 minuti.
Se il vostro problema è la talassofobia (irrazionale paura dell’acqua profonda, che priva del piacere di rilassarsi e farsi cullare dalle onde) prima della metà del film avrete già il respiro corto e starete meditando la fuga.
Devo dire che in qualche scena ho fatto mia la respirazione rumorosissima dentro al silenzio dello scafandro della protagonista e mi sono sentita sopra la testa litri e litri d’acqua.
Per tutti gli altri sarà una passeggiata.

Progetto

Ispirato a due colossi del panico da cinema come Alien (Ridley Scott, 1979) e The Abyss (James Cameron, 1989), Underwater nasce per coinvolgere i fan dell’horror e della fantascienza in un incubo ambientato 11 chilometri sotto la superficie dell’oceano.

L’intenzione era quella di creare un film che mettesse insieme horror, azione, fantascienza, partendo dalla considerazione che il 95% dei fondali marini non è ancora stato esplorato.
La protagonista vuole rappresentare un’omaggio alla Ellen Ripley interpretata da Sigourney Weaver, mentre la mostruosa creatura dentro alla quale la nostra eroina ha il piacere di fare un viaggio è volutamente ispirata ad Alien.

Trama

Norah Price è un ingegnere meccanico ed accetta di partecipare all’operazione mineraria Kepler (che a dirla tutta sembra rischiosissima ancora prima di cominciare) nella fossa delle Marianne. Nel giro di pochissimi minuti – per dire che lo spettatore ancora non si è abituato alla temperatura dell’acqua – ed esplode tutto a causa di un devastante terremoto.

La nostra bella ex vampira si ritrova a correre e scivolare tra frammenti esplosi, tubi di ogni genere, tonnellate d’acqua, neanche avesse visto dell’aglio. Scalza e quasi nemmeno in pigiama, esce praticamente indenne da una catastrofe sottomarina e recupera via via i pochi sopravvissuti al disastro subacqueo. Il capitano, il nero, lo splendido e la coppietta. Appena raggruppata la ciurma, viene messo in atto l’unico possibile piano di salvataggio: la fuga verso le capsule che si spera  riportino i superstiti sulla superficie terrestre.

Tanti i colpi di scena che impediscono al gruppo di raggiungere indenni le capsule, suscitando nel pubblico un certo panico. Il nero non vi dico nemmeno che fine faccia, lo sapete già. Nè tantomeno mi dilungherò sullo spirito di sacrificio della protagonista.

A rendere ancora più teso il viaggio tra i fondali marini che i nostri eroi dovranno affrontare (in buona parte a piedi, essendo troppo rischioso muoversi all’interno delle poche stazioni rimaste), la presenza inquietante di una creatura marina da incubo: provate ad immaginare Gollum ma con la dentatura del Demogorgone. Di cui esistono diversi esemplari…

Cast

Oltre a Kristen Stewart, tutto sommato piuttosto brava nel rendere lo stato di angoscia costante, troviamo Vincent Cassel, Jessica Henwick, John Gallagher Jr., Mamoudou Athie e T.J. Miller.
Il regista è William Eubank (noto per aver diretto il thriller scify The Signal) mentre la sceneggiatura è stata affidata a Brian Duffield (The Divergent Series: Insurgent) e Adam Cozad (The Legend of Tarzan).

Curiosità

Per poter girare Underwater in modo realistico, nei teatri di posa di New Orleans sono state utilizzate diverse tecnologie e svariati effetti visivi, di cui alcuni creati appositamente. Tante riprese sono state fatte in dry-for-wet, una tecnica utilizzata anche ne La forma dell’acqua di Guillermo del Toro, che permette di girare all’asciutto invece che tenendo gli attori in vasche gigantesche. Attraverso uno speciale effetto di luce e nebbia, si ha la percezione che gli attori siano in acqua anche se non lo sono affatto e si limitano a muoversi con imbracature che diano la sensazione di galleggiamento.

Per verificare la fattibilità di lunghe scene ambientate sui fondali marini, Eubank ha voluto testare realizzando un cortometraggio di 90 secondi in cui un membro di una squadra sottomarina di trivellato risente un rumore anomalo, cammina sul fondale per cercare la causa e trova soltanto uno dei guanti di una collega, che sembra scomparsa. Appena si gira appare davanti a lui una creatura che lo aggredisce. Dopo aver visto il cortometraggio, Underwater affinché è stato approvato.

Lo scenografo Naaman Marshall ha dovuto fare in modo che quasi tutti i set utilizzati fossero adatti ad essere scossi, bruciati o allagati, oltre a sembrare consumati dalla permanenza in acqua. La gestione degli spazi angusti è un altro aspetto reso visivamente con grande cura, ottenuto riempiendo di materiale, monitor (più di 60) ed attrezzature un set di 4×6 metri.

Per girare le scene con l’aiuto degli stunt, sono state progettate speciali imbracature che simulassero la forza gravitazionale esercitata dall’acqua. Inoltre è stato creato un apposito “ascensore” che premette agli attori di passare da un’ambientazione asciutta ad una acquatica in modo credibile. Un lavoro impressionante.

Le mute subacquee utilizzate sono state appositamente create ispirandosi alle tute spaziali della NASA, ma rigide all’esterno e superleggere all’interno, tenendo conto delle riprese da fare in acqua e fuori. Utilizzando dei modelli stampati in 3D, i costumisti hanno realizzato dei calchi poi personalizzati per essere più confortevoli per ogni attore.
I nove costumi utilizzati pesavano dai 29 ai 45 kg e potevano essere immersi in acqua e appesi al soffitto, bilanciati con cinghie e protezioni per le spalle e dotate di illuminazione interna.

Nerdando in breve

Se avete amato Alien e The Abyss questo incubo sottomarino fa per voi. Claustrofobici e con terrore dell’acqua astenersi.

Nerdandometro: [usr 3.6]

Trailer

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Recensione

Premessa: il film è strettamente legato alle vicende di Gomorra – La serie, per cui, se non siete in pari con le puntate o dovete ancora iniziarne la visione, consiglio caldamente di saltare la sezione dell’articolo relativa alla storia; solo in questo modo, infattti, riuscirete ad evitare di incorrere in inevitabili spoiler.

Già da tempo in cantiere, L’Immortale è l’ambizioso progetto di Marco D’Amore, che, già durante l’interpretazione di Ciro Di Marzio all’interno di Gomorra, ha iniziato a sviluppare l’idea dietro al film.
Un personaggio tanto amato dai fan ed in grado di diventare un vero e proprio fulcro narrativo, diventa in questo modo l’oggetto di un’indagine che ne ripercorre la storia e solleva importanti domande sul suo futuro.

Storia

Avete letto bene…sul suo futuro: Ciro Di Marzio (se davvero eravate riusciti ad evitare questa notizia, rimbalzata ovunque su internet, fino a questo momento) è davvero vivo.

Sopravvissuto al colpo ricevuto da Gennaro Savastano, costretto a giustiziare il fraterno compagno nel finale della terza stagione di Gomorra, Ciro viene ripescato dal mare e portato al cospetto di Don Aniello. Questo personaggio, noto ai fan, decide di proteggere e, allo stesso tempo, utilizzare il protagonista per i propri traffici e così, segretamente, lo invia in Lettonia.
Proiettato nel mezzo di una guerra che non gli appartiene, l’Immortale si ritrova a gestire gli affari del boss campano insieme a dei compatrioti esodati e a Bruno, un misterioso personaggio del suo passato.

Regia

Alle prese con una pellicola crossmediale, Marco D’Amore si dimostra estremamente abile nel gestire la natura del film: se da un lato, infatti, è inevitabile che le atmosfere debbano richiamare quelle di Gomorra, è pur vero che il film non rinuncia alla propria identità. Interessante come il regista sia riuscito, quindi, a rispettare lo stile tipico della serie (si pensi al sapiente uso delle tipiche inquadrature) e, al tempo stesso, abbia saputo adattarsi al differente mezzo filmico. Grazie al maggior minutaggio a disposizione, D’Amore riesce a muoversi con disinvoltura tra passato e presente e, con questo gioco di alternanza temporale, riesce a costruire con calma e pazienza una storia che, tuttavia, non risente mai del ritmo a volte lento e compassato che le appartiene.

Il ritmo, che riesce a cambiare anche repentinamente, è prevalentemente dettato dalla natura stessa di Ciro Di Marzio che, così apparentemente calmo e freddo, si dimostra un personaggio sì d’azione, ma soprattutto riflessivo e freddo.

Interpretazioni

Se di certo non si avevano dubbi sulla capacità di Marco D’Amore di rendere adeguatamente sul grande schermo il personaggio che lo ha consacrato al grande pubblico, di certo il film non manca di stupire con interpretazioni convincenti e riuscite anche da parte dei comprimari.

A stupire particolarmente è la prova del giovanissimo Giuseppe Aiello, interprete del piccolo Ciro, che, oltre ad una oggettiva somiglianza fisica con il protagonista adulto, riesce, con un ottimo uso del linguaggio non verbale e l’adozione della giusta mimica, ad abbattere qualsiasi tipo di scetticismo. Il giovane attore si dimostra indispensabile per la riuscita del film e, complice la buona scrittura del personaggio, è vitale per spiegare la trasformazione dietro l’uomo che vediamo poi proiettato sullo schermo.

Altra prova convincente viene da Giovanni Vastarella e Salvatore D’Onofrio, rispettivamente Bruno da giovane e da anziano, e da Gennaro di Colandrea, che mette in scena un credibilissimo e riuscito Virgilio.

Meno convincente la prova di Marianna Robustelli, che, nei panni della moglie di Virgilio, non si dimostra sempre a proprio agio.

Concludendo

Caratterizzandosi come un prodotto solido e decisamente ben fatto, L’Immortale si presenta come un altro indispensabile capitolo della serie Gomorra.
Tuttavia, pur essendo il film direttamente connesso con il serial cui fa riferimento, l’avventura in solitaria di Ciro brilla di luce propria e niente affatto riflessa.
Il film è valido e questo si vede fin dai primi minuti, così come la mano di D’Amore si dimostra davvero abile nel gestire con disinvoltura una storia che poteva mettere in difficoltà davvero chiunque.

Con una trama ben congegnata, che presenta qualche sbavatura soltanto nel finale (di cui non parlo per ovvie ragioni) a mio avviso troppo affrettato e leggermente semplicistico, L’Immortale offre 116 minuti di totale immersione e immedesimazione. Il tempo scorre davvero veloce durante la visione ed è facile, una volta terminata la proiezione, ritrovarsi ad aspettare smaniosi il proseguo della storia.

Nerdando in breve

Ciro Di Marzio è il protagonista di questa coinvolgente pellicola direttamente collegata agli avvenimenti di Gomorra – La serie. Irrinunciabile per qualunque appassionato, si dimostra anche un ottimo punto di partenza per chiunque volesse iniziare ad appassionarsi alla grande narrazione ispirata al libro di Roberto Saviano.

Nerdandometro: [usr 3.9]

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Introduzione

Ci sono alcuni film horror che hanno fatto la storia, ma avete mai provato a guardare un lungometraggio di questo tipo senza soundtrack? Vi assicuro, fa metà, se non un terzo della paura che farebbe se la colonna sonora fosse presente.

Così ho pensato che sarebbe stato interessante, anche per cultura personale, analizzare le canzoni che hanno fatto la storia nell’ambito horror e scoprire perché aiutano la sensazione di paura trasmessa dal film.

Prima di entrare nel dettaglio, però, dobbiamo farci una domanda: perché questo tipo di musica ci fa spaventare?

Teoria

Secondo lo studio di Hans-Eckhardt Schaefer ( Music-Evoked Emotions—Current Studies, https://www.ncbi.nlm.nih.gov/pmc/articles/PMC5705548/) le onde sonore sono interpretate dall’orecchio e trasformate in segnali neurali che vengono inviati al cervello.

Ci sono quattro meccanismi nel suono che hanno rilevanza sulle nostre emozioni perché intervengono sui segnali che arrivano al cervello, questi sono: tempo, timbro, volume e consonanza.

Facendola molto, ma molto semplice, potremmo dire che: mischiando nella maniera corretta questi quattro segnali, si ottengono delle onde sonore che stimolano l’amigdala. Essa è il centro nervoso che controlla anche la paura, e che, se sollecitata, va a stimolare la ghiandola surrenale. Tale ghiandola inizia a produrre noradrenalina, una parola difficile che indica l’ormone che prepara il corpo a reagire in situazioni di imminente pericolo, principalmente aumentando la frequenza cardiaca.

Ma queste sono solo parole, passiamo al concreto!

Profondo Rosso – Goblin e Giorgio Gaslini

Questa composizione è veramente un capolavoro, invidiata da qualsiasi thriller/horror di altre nazioni.

In questa musica viene a galla il concetto di consonanza, ossia il suonare contemporaneamente due note (che possono essere sia differenti, sia uguali ma di ottave diverse) di modo che ascoltate assieme producano una melodia che sia orecchiabile.

La base di questo brano è semplicemente un giro di note fisso in consonanza, più precisamente ogni nota viene suonata in una ottava base e in due ottave più alta.

Per i non avvezzi un’ottava è una scala completa di otto note, ad esempio nella scala DO RE MI FA SOL LA SI DO il primo DO sarà quello di riferimento, mentre il secondo sarà un’ottava più alto.

Alla base si aggiunge poi un giro note suonate su un basso tagliate occasionalmente da alcuni picchi altissimi in timbro e molto forti in volume (minuto 0:25 nel video).

Ultimo ad arrivare sono gli accordi (gruppi di note suonate insieme) di organo assieme alle percussioni, fatti partire sul climax dell’azione nella scena (minuto 0:50 nel video).

Come è facile notare, questa parte ha una connotazione lugubre, che è data dall’uso di accordi in forma minore, il che significa la nota principale dell’accordo è spostata in basso di una terza (le terze funzionano allo stesso modo delle ottave).

The Murder – Bernard Herrmann

Non poteva mancare la colonna sonora di Psycho, il film horror per antonomasia, più precisamente quella della scena del delitto.

Staccato è la parola chiave di questo componimento. Lo Staccato è una tecnica ritmica in cui, come si può facilmente dedurre dal nome, si applica una pausa netta, di silenzio, tra un suono e quello successivo.

La prima parte di questo brano è una serie in Staccato di note di volume e tono estremamente alti, come per comunicare un senso di crescente ansia. Ovviamente non può mancare il solito gioco di consonanze (lungo tutta l’opera).

Passato il momento di climax, ossia quello dell’accoltellamento, il ritmo rallenta e il tono si abbassa notevolmente, mantenendo una punta di Staccato. Questo suscita allo spettatore la sensazione della morte lenta e dolorosa della protagonista. Se provate ad ascoltare questa parte con gli occhi chiusi, vi accorgerete di poterla paragonare al respiro rotto di chi è sul punto di morte (minuto 0:24 nel video).

The Shining – Wendy Carlos e Rachel Elkind

Per questo film ho deciso di prendere solo il brano iniziale, questo perché The Shining non ha un vero e proprio brano iconico, ma sono tutti egualmente peculiari. Per questo ho deciso, per evitare di scrivere un trattato, di parlare solo del tema iniziale.

Avete presente tutto quello che ci siamo detti finora? ritmi veloci, toni alti e altri mezzi per trasmettere ansia? Beh, dimenticate tutto perché The Shining è tutta un’altra storia.

Qui lo scopo fondamentale è quello di favorire l’inquietudine nello spettatore, far capire che, anche se la scena sembra mostrare una famiglia andare in vacanza, non è un film per bambini.

Questo scopo lo adempie eccome, attraverso l’utilizzo magistrale degli Ottoni: strumenti a fiato composti da ottone, come il trombone o il corno francese (dall’inizio).

La base di questo componimento sono note basse, molto allungate, punto di forza degli strumenti usati.

A favorire il senso di inquietudine, ogni tanto verrà fatto suonare uno strumento a corde, che però produrrà un suono distorto e con molto eco (minuto 1:15 nel video).

Ma non è finita qui, l’ultima chicca che porta questo brano è l’utilizzo di una voce (opportunamente modificata tramite dispositivi elettronici) come strumento (minuto 1:47 nel video).

Non so se è la presenza di inquietanti voci, ma sicuramente questa è la colonna sonora che svolge meglio il suo lavoro tra quelle che fino ad ora ho descritto.

Tubular Bells – Mike Oldfield

L’Esorcista, ci siamo arrivati.

Il titolo di questo brano, ossia Campane Tubulari, è il nome dello strumento a percussione usato come principale, assieme ad un piano.

Questa composizione, a parte per le sue campane tubulari, è veramente molto simile a Profondo Rosso.

La base è sempre composta da una serie di note in consonanza, con delle note di basso a condire il tutto (dall’inizio del brano).

A differenza però del primo brano di cui abbiamo parlato, qui troviamo una prepotente introduzione della chitarra elettrica distorta (minuto 3:52 nel video).

Udite udite signori e signore, mi permetterò di fare una critica ad un capolavoro come questo: secondo me Oldfield poteva fare a meno della chitarra elettrica. Non so perché, ma mi crea un senso di disorientamento, siamo sul set de L’Esorcista o ad un concerto Rock?

È chiaro, però, che questo strumento è una peculiarità, un qualcosa che nessuno aveva all’epoca.

Questo brano è bello perché è vario, pieno di particolarità e intrigante all’orecchio.

Conclusione

L’avventura alla scoperta dei misteri delle colonne sonore dei film horror più famosi è arrivata alla sua conclusione, un peccato, perché mi sono veramente divertito a scrivere questo articolo, è come se avessi dovuto immergermi nella testa dell’autore, per capire cosa intendesse fare con ogni cambio di tonalità o stile.

Ma è stato anche molto difficile, infatti chiedo scusa ai musicisti, di sicuro ho trattato qualche argomento troppo superficialmente.

Spero che questo articolo possa aiutarvi a capire meglio i prossimi film horror che andrete a vedere, inoltre, quali altre canzoni avreste inserito come iconiche? Raccontatemelo sul nostro gruppo Facebook!

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Metti una sera oziosa e un po’ pigra di agosto, una di quelle in cui hai abbastanza tempo per un film, ma non hai voglia di un’epopea da tre ore.
Metti una di quelle sere in cui vuoi vederti una bella storia di fantascienza e per caso, facendo surfing sul catalogo Netflix, ti imbatti nel volto sornione del Professore de La Casa di Carta.
Ecco: questo è quello che è successo a me e, sempre per puro caso, mi sono lasciato convincere a dargli una chance.
Il mio consiglio, è quello di fare lo stesso.

Durante la tormenta è un film che si basa, senza nemmeno preoccuparsi di nasconderlo, al bellissimo Frequency, pellicola del 2000 con Dennis Quaid e Jim Caviezel.
Qui siamo in Spagna e durante la sera in cui cadde il muro di Berlino, il 9 novembre 1989, si abbatte una tempesta di fulmini sulla penisola iberica. Nico, un ragazzo di 12 anni, appassionato di musica pop, viene distratto da alcuni rumori mentre sta registrando la propria performance canora.
Affacciatosi alla finestra vede una colluttazione tra i vicini di casa. Incuriosito prova a raggiungerli e quello che trova, in casa loro, lo atterrisce a tal punto da fuggire per strada senza prestare attenzione all’auto che sta arrivando.

Venticinque anni dopo, una normale famiglia spagnola si sta apprestando a fare un trasloco. Sta per abbandonare casa propria e decide di invitare i vicini di casa per un saluto. Durante la serata si abbatte sulla città una tempesta di fulmini del tutto analoga a quella dell’89. E durante la notte le scariche elettrostatiche fanno accendere un vecchio televisore in soffitta, e con esso una vecchia telecamera.
Vera Roy (Adriana Ugarte) attratta dal rumore, vede nel vecchio tv un bambino che suona la chitarra, e capisce che la tempesta ha creato una sorta di wormhole che consente loro di comunicare. Compreso di essere di fronte a un preciso episodio del passato, la donna prova ad avvisare il ragazzo del pericolo imminente e cerca di salvargli la vita.
Tanto basta a far sposare di pochi secondi il momento in cui lui scende in strada: un battito d’ali di farfalla, che a cascata cambierà tutti gli avvenimenti da quel momento in poi.

Quando Vera si risveglia, la mattina dopo, la vita che conosceva è andata perduta. Il suo lavoro è cambiato, suo marito (Alvaro Morte) non la conosce e sua figlia non è mai esistita. La tempesta durerà solo tre giorni: tanto è il tempo che le rimane per comprendere cosa sia realmente accaduto nel passato, e cercare di recuperare la sua vita. Ma per farlo dovrà sacrificare quella del ragazzo che invece ha appena salvato.

Mi fermo qui.
Oriol Paulo, talentuoso regista e sceneggiatore spagnolo già autore dello splendido Contrattempo, firma un’altra di quelle pellicole che rischiano di passare inosservate, mentre invece merita tantissimo sia per la sua capacità di costruire dialoghi particolarmente ispirati, sia per il gusto raffinato di creare plot twist: trame solo apparentemente lineari che invece nascono molte insidie da scoprire fotogramma per fotogramma, senza vezzi o manierismi, di quelli che alla fine ti lasciano in bocca il gusto dolce di una storia ottimamente costruita.

Il plot (la tempesta, la connessione col passato tramite apparecchio elettronico, il tempo limitato) è identico al celebre Frequency, ma le analogie finiscono qui.
Il resto scopritelo voi, non ve ne pentirete.

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