Recensione

Ci sono videogiochi che ti piacciono e ci sono quelli che ti risucchiano in un buco nero spazio-temporale. Super Mario Galaxy per me è stato decisamente il secondo caso. È vero che ho la tendenza a chiudermi completamente in un gioco che mi appassiona finché non l’ho esaurito, ma sono pochi i giochi che negli anni hanno meritato questo speciale trattamento da parte mia: Yoshy’s Wolly World (per rimanere in tema), Hogwart’s Legacy, Pokémon Ultra Luna, Baldur’s Gate 3… e ovviamente Super Mario Galaxy, che imho è il miglior Super Mario di sempre (non scannatemi, è la mia opinione personale), anche meglio di Super Mario Galaxy 2, che non sono invece riuscita a completare al 100%.

Uscito nel 2007 su Nintendo Wii, SMG arrivava in un periodo in cui Nintendo stava cambiando le regole del gioco: controller con sensori di movimento, nuove idee di pubblico, voglia di sperimentare. Ma SMG non era solo un Mario ambientato nello spazio: era una meraviglia continua! Pianeti minuscoli con una loro gravità impazzita, livelli che sembravano progettati in sogno (o sotto l’effetto di droghe), una colonna sonora orchestrale capace di trasformare ogni salto in qualcosa di epico e incredibilmente stressante.

Io con Super Mario Galaxy ho perso il contatto con la realtà. L’ho giocato dopo un intervento chirurgico che mi ha costretta a casa per settimane, e il classico “ancora un pianeta e poi spengo” ripetuto fino a perdere il senso delle ore mi ha aiutata molto in quel periodo. Era uno di quei giochi che non ti chiedono semplicemente di arrivare ai titoli di coda: ti chiedono presenza, dedizione, quasi una forma di abbandono volontario della vita sociale, che in quel momento per me era forzato.

Anni dopo ho provato a rigiocarci, convinta di ritrovare quella stessa magia. Non è andata benissimo. Non perché il gioco non fosse ancora straordinario, ma perché certe esperienze funzionano solo in un preciso momento della vita. Galaxy era rimasto lì, sospeso nello spazio insieme alla me stessa che aveva l’energia per completarlo al 100% senza preoccuparsi delle conseguenze fisiche ed esistenziali. E diciamolo, anche perché arrivare alla fine è stata una faticaccia, e il controller Wii ha rischiato più volte di ritrovarsi conficcato nello schermo della TV dei miei…

Ora mi ritrovo a parlarne di nuovo grazie a un’occasione speciale: l’anteprima cinematografica del nuovo film dedicato a questo universo!

Super Mario Galaxy: il film arriva al cinema a distanza di tre anni da Super Mario Bros – Il film, il primo capitolo cinematografico animato dedicato ai mitici idraulici italo-giapponesi Mario e Luigi. Il grande successo del film precedente ha dimostrato che questo universo funziona anche fuori dal videogioco, e soprattutto che può parlare a più generazioni contemporaneamente: a chi ci è cresciuto e a chi lo sta scoprendo ora.

Il film è prodotto da Chris Melandri di Illumination e Shigeru Miyamoto di Nintendo, è co-finanziato da Universal Pictures e Nintendo e sarà distribuito in tutto il mondo da Universal Pictures.

Trama (senza spoiler)

Dove eravamo rimasti? Nel primo film Mario e Luigi, due fratelli idraulici di Brooklyn, si sono ritrovati catapultati in un mondo parallelo passando attraverso un misterioso tubo. Separati durante il viaggio, Mario è finito nel Regno dei Funghi, dove ha incontrato la Principessa Peach, mentre Luigi, il solito sfigato, è stato invece catturato dal malvagio Bowser, deciso a conquistare il regno e a sposare la bella principessa. Per salvare suo fratello, Mario ha intrapreso un viaggio tra allenamenti, sfide e alleanze improbabili, imparando a muoversi in un modo completamente nuovo (evviva: anche Mario sclera come me quando non riesce a fare un “semplicissimo” salto) fino allo scontro finale contro Bowser, che ovviamente viene sconfitto. Mio personaggio preferito del film? In assoluto lo sfavillotto psicopatico! 

Questa volta, come si intravede già dal trailer, al centro della storia c’è Bowser Jr., deciso a liberare suo padre dalla mini prigione in cui è stato rinchiuso da Mario. Il problema è che, nel farlo, finisce per mettere in pericolo molto più di quanto dovrebbe, arrivando a minacciare l’esistenza dell’intero universo.

Per fermarlo, Mario, Luigi, Peach e Toad vengono trascinati ben oltre i confini del Regno dei Funghi, fin nello spazio profondo, dove pianeti stravaganti, ambientazioni surreali e creature improbabili diventano il nuovo terreno di gioco, in un viaggio che richiama apertamente le atmosfere del videogioco. 

Ad affiancare i nostri eroi ci sono nuovi alleati fondamentali, a partire dall’adorabile Yoshi, fino a una simpatica new entry proveniente da un altro universo Nintendo.

Tra esplorazione, scontri e una minaccia che cresce sempre di più, il gruppo deve unire le forze per affrontare Bowser Jr. in un’avventura che alza decisamente la posta in gioco rispetto al primo film, senza perdere il ritmo e l’energia che da sempre caratterizzano la saga Nintendo.

Cast

Anche in questo secondo capitolo tornano le voci che avevano conquistato il pubblico nel primo film: Chris Pratt è di nuovo Mario, Charlie Day presta la voce a Luigi, mentre Anya Taylor-Joy torna nei panni della Principessa Peach e Keegan-Michael Kay in quelli di Toad. E sì, ovviamente c’è ancora Jack Black come Bowser, che dopo il primo film ormai è semplicemente impossibile immaginare con un’altra voce.

Tra le novità del cast troviamo Brie Larson nei panni di Rosalinda: a quanto pare Larson è una grande appassionata di Super Mario e in particolare del capitolo Galaxy, e ha insistito molto per avere la parte; Benny Safdie entra nel cast come interprete di Bowser Jr., mentre Yoshi (che è un po’ come Groot) è doppiato da Donald Glover e Glenn Powell doppia Fox McCloud.

Ho avuto il piacere di assistere alla proiezione della versione doppiata in italiano in cui tornano Claudio Santamaria e Emiliano Coltorti nei panni di Mario e Luigi. 

Colonna sonora

La colonna sonora del film è stata scritta da Brian Tyler, che già si era occupato di quella del primo film e che ha riarrangiato gli iconici temi musicali dei videogiochi di Super Mario e li ha fatti suonare da un’orchestra di 70 elementi. Il risultato è un mix riuscitissimo tra nostalgia e spettacolo: melodie che chiunque abbia giocato riconosce immediatamente, ma amplificate e rese ancora più epiche dall’orchestra.

Concludendo

Super Mario Galaxy: il film allarga letteralmente l’universo “di gioco” introducendo personaggi amatissimi come Rosalinda e il tenerissimo Yoshi, ma soprattutto portando l’avventura fuori dai confini del Regno dei Funghi, infatti questa volta si vola letteralmente nello spazio tra pianeti magici, galassie coloratissime e percorsi che sfidano la gravità, in un mondo che richiama apertamente le atmosfere di Super Mario Galaxy. Il film è graficamente pazzesco, coloratissimo e molto divertente, mi sono sentita tornare indietro nel tempo e catapultata dentro al videogioco, ma devo ammettere che rivedere alcune scene ambientate in certi particolari livelli del videogioco, appunto, mi ha messo un po’ di ansia! Ho adorato in particolare Yoshi e gli sfavillotti del pianeta di Rosalinda.

Attenzione alle scene post-credit, in particolare a quella proprio in fondo ai titoli di coda…

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Nerdando in breve

Super Mario Galaxy: il film è un sequel che amplia l’universo di Mario in modo spettacolare, portandoci tra galassie e pianeti divertenti e coloratissimi! È pieno di richiami ai videogiochi e funziona sia per i fan di lunga data che per chi si avvicina per la prima volta. È un film perfetto per tutta la famiglia, con il giusto mix di azione, ironia e nostalgia.

Trailer

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È arrivato il momento di scoprire le novità home video che Plaion Pictures ha in serbo per noi per il mese di marzo 2025! Tanti nuovi titoli che spaziano tra i generi!

Universal

La prima novità di cui vi parlo farà felici tutti i mega fan di Super Mario: a marzo, Universal pubblica una nuova edizione Steelbook -dalla grafica bellissima, che riprende il design delle famose scatole gialle- di Super Mario Bros. Il Film.
La Steelbook 4K UHD +. Blu-Ray sarà disponibile a partire dal 3 marzo.

Paramount

Per gli appassionati di kolossal, la data da segnare in calendario è il 3 marzo, quando sarà disponibile Il Gladiatore II. Il sequel del leggendario premio Oscar diretto da Ridley Scott sarà in DVD, Blu-Ray, 4K UHD + Blu-Ray e 2 Steelbook 4K UHD + Blu-Ray, di cui una disponibile solo su Amazon.

Midnight Factory

Tutti gli appassionati di orrore ed emozioni forti, questo mese troveranno pane per i loro denti con le nuove uscite Midnight Factory.
Si comincia il 25 marzo con Paul Morrissey Boxset, che contiene due capolavori del cinema horror d’autore per la prima volta presentati in 4K e HD.
Dracula cerca sangue di vergine… e morì di sete!!! e Il mostro è in tavola… barone Frankenstein saranno in Limited Edition 4K UHD + Blu-Ray, booklet e cards numerata in 1000 copie.

Un altro grande classico è pronto a tornare a nuova vita questo mese: la saga del Maestro del body horror David Cronenberg arriva in alta definizione. Scanners Trilogy sarà disponibile dal 25 marzo in Limited Edition 4K UHD + Blu-Ray.

Il 25 marzo è anche la data d’arrivo di The Strangers: Capitolo 1, capostipite della trilogia horror di Renny Harlin. Sarà disponibile in due edizioni limitata, in DVD e 4K UHD + Blu-Ray.

Anime Factory

Infine, per chi ama l’animazione giapponese, il titolo da non perdere è La nostra alba – Break of Dawn, appassionante avventura sci-fi tratta dal manga di Tetsuya Imai.
Sarà disponibile dal 25 marzo in DVD e Limited Edition Blu-Ray.

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I videogiochi top al cinema e in TV

L’arrivo sul piccolo schermo di Fallout, serie originale Prime Video basata sulla popolare saga videoludica, ci porta a ragionare su come comunicano i tre principali media audiovisivi.
I videogiochi funzionano se trasposti al cinema e in TV? La risposta non è univoca: a volte funzionano alla grande, altre volte danno vita a un autentico disastro!
Ecco quali sono, secondo me, i migliori 5 film e serie TV tratti da videogiochi.

The Last of Us

Nel 2023 HBO ha dato vita ad una serie destinata ad entrare nell’Olimpo dei prodotti di intrattenimento. Sto parlando di The Last of Us, trasposizione televisiva dell’omonimo e amatissimo videogame. È vero, qualche polemica c’è stata ma si è trattato di critiche piuttosto vuote e basate sulla effettiva somiglianza fisica dei due attori protagonisti, Bella Ramsey e Pedro Pascal, con le rispettive controparti videoludiche.
E invece non solo il cast si è dimostrato perfetto, ma la serie ha saputo fondere alla perfezione resa televisiva e aderenza alle atmosfere e alla storia del capostipite. E scusate se è poco!

Arcane

Restiamo nel panorama televisivo con Arcane, che ha debuttato su Netflix nel 2021. Ispirata al mondo videoludico di League of Legends di Riot Games, questa serie animata ha dato vita a una storia completamente originale perfettamente integrata nel contesto del gioco, raccontando le origini di alcuni dei personaggi più amati.
Un lavoro eccellente, che ha saputo prendere spunto dal videogame per creare qualcosa che allo stesso tempo fosse nuovo e coerente con il prototipo.

Silent Hill

Nel 2006 Christophe Gans dirige un lungometraggio ispirato alla saga videoludica survival horror di casa Konami. Interpretato anche da Sean Bean, il film mette in scena una storia in parte nuova e in parte ispirata al primo capitolo della saga di videogiochi, rispettandone le ambientazioni e anche la colonna sonora.
Una trasposizione più che efficace delle sensazioni di inquietudine e mistero che si provano giocando i capitoli dei videogame.

Super Mario Bros. – Il Film

Uscito nel 2023 con le voci di Chris Pratt, Anya Taylor-Joy e Jack Black è un film animato in CGI basato sul popolarissimo idraulico italiano di casa Nintendo.
Si tratta in realtà del terzo adattamento cinematografico del personaggio (nel 1993 c’era stato un live action di cui avremo modo di parlare e nel 1986 un film animato giapponese).
La pellicola è stata particolarmente apprezzata sia per l’aderenza e la fedeltà all’originale, sia per la qualità di realizzazione e animazione ed è stata la prima, tra quelle basate su un videogioco, a raggiungere il miliardo di incassi.

Uncharted

Chiudiamo con questo adattamento del 2022 a partire dalla saga videoludica d’avventura di Naughty Dog.
Interpretato da Tom Holland, Mark Wahlberg e Antonio Banderas, il film è un ideale prequel delle vicende mostrate nel videogioco ed è stato premiato negli incassi grazie al riuscito mix di rispetto dell’originale, azione e umorismo.

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Il gioco di cui vi voglio parlare è uno strategico tattico a turni di cui ormai sono fan: i personaggi sono un gruppo di umani e ibridi alieni armati fino ai denti che possono salire di livello e potenziare le proprie abilità. Il suo immaginario prende a piene mani da titoli ormai cult che fin dal secolo scorso ci tengono compagnia.

Beh, ovviamente sto parlando di Mario + Rabbids Sparks of Hope, Il seguito dell’ottimo crossover di Ubisoft in uscita il 20 ottobre 2022!

Recensione

Additato da molti come un clone di XCOM, Mario + Rabbids Kingdom Battle (il primo capitolo della saga, uscito nel 2017) era già un prodotto con una sua identità. I suoi punti di forza erano l’immediatezza del gameplay a fronte di una profondità strategica di tutto rispetto e la sua anima “gdr” che si rifletteva nella specializzazione dei personaggi e dei loro alberi delle abilità.

Il nuovo capitolo, Mario + Rabbids Sparks of Hope, è una netta evoluzione di questa filosofia di gioco e aggiunge elementi dove serve senza però dimenticare di rielaborare da zero le parti che non funzionavano poi così bene nel gioco precedente.

Anche se i personaggi sono estremamente family friendly (oddio, i Rabbids nemmeno più di tanto), gli studi di Ubisoft Milan e Ubisoft Paris hanno lavorato sodo per creare un’esperienza strategicamente profonda, il che rende il gioco molto più godibile da adulti o comunque da ragazzi più grandicelli. L’abilità del giocatore non si misura saltellando in giro su piattaforme e livelli, ma con una costante ottimizzazione dei propri attacchi, combo e build, dentro e fuori dalle battaglie.

Gameplay

Per chi non ha mai giocato a questo tipo di strategici, il cuore del gioco sta nel combattere fra due fazioni, a turno, effettuando varie azioni, solitamente in numero limitato. In Mario + Rabbids Sparks of Hope ogni personaggio ha accesso a due azioni a turno, che possono essere divise fra attacchi, abilità speciali, abilità degli Spark e oggetti consumabili. Quasi ogni atto ha un raggio d’azione ben definito che viene influenzato anche dalla conformazione del terreno: nemici e alleati possono ripararsi dietro a vari livelli di copertura e subire meno danni, ci sono strapiombi in cui non bisogna cadere ed effetti ambientali come turbini di vento e altre mirabolanti anomalie climatiche.

Come nel primo gioco, le partite si alternano fra overworld e battaglie, con una sostanziale variazione: i vari mondi di gioco sono liberamente esplorabili e al loro interno si incontrano portali e nemici vaganti che portano ai combattimenti (un po’ alla Pokémon, per capirsi), al contrario dei vecchi “corridoi” che portavano periodicamente a finire sul campo di battaglia in cui si svolgono gli scontri, senza soluzione di continuità.

Questa soluzione permette di avere dei livelli decisamente più d’atmosfera e belli da vedere senza però perdere la possibilità di avere arene con la classica struttura a “scacchiera”. Arene in cui ci si può finalmente muovere liberamente senza dover decidere come e quando effettuare l’azione di movimento. Questa è una delle caratteristiche più dinamiche e fresche del gioco, non ci sarà quindi una casella in cui spostarsi, ma un range circolare in cui i personaggi possono muoversi liberamente finché non effettuano un attacco.

Il combattimento è cristallizzato quasi interamente nella struttura a turni, ma diversi eventi sono comunque in tempo reale, come ad esempio il timer di Bob-ombe attivate, il tempo di planata dopo i salti effettuati oppure gli effetti ambientali dell’arena. Il che rende il gioco meno “scacchistico”, ma più dinamico.

Sul lato tattico, almeno inizialmente, la squadra è composta da un mix di volti celebri dal mondo di Super Mario Bros. (lo stesso Mario, il fratello Luigi e la principessa Peach) e da un rostro composto dalle controparti Rabbid dei tre personaggi Nintendo. Ognuno di essi rappresenta uno stile di gioco o, se vogliamo, una classe. Mario è l’attaccante bilanciato, Luigi il cecchino, Peach la protettrice, Mario Rabbid il berserker corpo a corpo, Luigi Rabbid l’avvelenatore e la wannabe influencer Peach Rabbid il tank curatore armato di missili (non a caso, è la più comica di tutti). In aggiunta, ci saranno almeno altri tre personaggi da sbloccare che però non voglio spoilerarvi troppo. Vi dico solo che una di essi è un personaggio inedito di nome Edge che ricopre il ruolo, più o meno, di un DPS.

Ah, è già stato annunciato un DLC con… Rayman! RAYMAN!!!

Ogni singolo personaggio ha a disposizione per il potenziamento quattro alberi di abilità (più un quinto sbloccabile battendo nemici segreti) e due slot per gli Spark, oltre a un pool di oggetti comuni a cui tutti possono accedere durante i combattimenti. Le abilità a disposizione sono solitamente potenziamenti relativi a capacità o specializzazioni del personaggio e in combinazione agli Spark permettono di creare diverse build per ogni personaggio (i punti abilità sono resettabili in qualsiasi momento e anche singolarmente per ogni abilità).

Ma cosa sono questi Spark che continuo a nominare? Come ho scoperto all’inizio del gioco con mia immensa gioia, sono la versione Rabbid degli Sfavillotti di Super Mario Galaxy! Il primo di questi buffi esserini arriva sulla Terra per chiedere aiuto per salvare la loro mamma, Rosalinda. Man mano che si prosegue nella storia, si otterranno molti Spark, che possono essere assegnati fino a un massimo di due per ogni personaggio. Ognuno di essi garantisce almeno due effetti e, in combo con le abilità del personaggio a cui sono assegnati e con tutti gli effetti dei compagni, rendono la gestione della battaglia una buona sfida. Non si tratta ovviamente di un gioco estremamente hardcore, ma in aggiunta alla regolazione della difficoltà, ci si può rilassare anche un filo meno del previsto.

Ma non finisce qui, perché in Mario + Rabbids Sparks of Hope ci sono ben tre valute: le classiche monete di Super Mario, le Astroschegge e le monete del mondo (una valuta specifica che si trova e ha valenza solo nei mondi di appartenenza). Entrambi i tipi di monete servono per acquistare skin e oggetti consumabili utilizzabili in battaglia, come funghi curativi, blocchi POW che fungono da granate e power-up vari. Le Astroschegge, invece, servono per nutrire gli Spark e farli salire di livello, garantendogli così di potenziare i propri effetti.

Trama

Sì, ok, non è per la trama che giocherete a Mario + Rabbids Sparks of Hope, però c’è. La storia parte poco dopo la fine del primo gioco, con tutti i Rabbid e abitanti del regno dei funghi che vivono in armonia, nel momento in cui arriva una gigantesca manta che sbrodola oscurità su tutto quello che incontra. La manta rapisce Peach Rabbid e da lì Mario e compagnia bella iniziano a prodigarsi per liberarla, di fatto dando vita al tutorial del gioco. Poco dopo, veniamo a conoscenza del fatto che una misteriosa creatura di nome Cursa sta consumando con l’oscurità vari mondi della galassia. A questo punto, la banda di eroi parte per malmenare tutti gli esseri controllati da Cursa e sconfiggere le propaggini di Oscutiferio, l’energia oscura da essa usata, per poi purificarla e utilizzarla come mezzo di spostamento nella galassia.

La trama è un validissimo pretesto per una serie di situazioni comiche e talvolta epiche (Le armi e le animazioni di attacco dei vari personaggi sono fichissime), ma anche per mostrare una serie di mondi molto variopinti. Su ognuno di essi ci sarà una missione principale da seguire, composta da più battaglie (solitamente con strutture atipiche dal resto) e rompicapi nell’overworld, così come una serie di missioni secondarie e incontri liberi con nemici che porteranno a combattimenti molto brevi e immediati, che non spezzano troppo il ritmo ma permettono di farmare esperienza e monete.

Devo ammettere che a fronte di una storia abbastanza semplice, l’enorme farcitura di citazioni al mondo Nintendo (e non solo) e la capacità comica dei Rabbids colmano qualsiasi necessità di narrazione e sono perfette per un gioco di questo tipo. Tutto sommato viene anche voglia di scoprire cosa succederà alla fine e scoprire se si cela qualcuno dietro la maschera di Cursa, quindi direi che il bilanciamento fra una trama complessa e la presenza di personaggi… non esattamente complessi, è raggiunto alla grande.

Grafica e sonoro

Partendo dal comparto audio, la colonna sonora è stata curata da Grant Kirkhope, Gareth Coker e Yoko Shimomura, tre compositori che hanno alle spalle decine di titoli rinomati proprio per le musiche. Al suo interno troviamo piccole citazioni ai classici di Super Mario e pezzi originali di ogni genere. È una soundtrack che definirei efficace, ma non particolarmente protagonista della situazione.

I dialoghi di gioco non sono pochi e quelli ingame sono solitamente doppiati. Stranamente, solo i due robot assistenti sono completamente doppiati, i Rabbids (che sono la maggioranza dei personaggi parlanti) sono stranamente doppiati solo parzialmente: quando un dialogo compare a schermo, il personaggio parlerà solo per dire la prima parte del testo o per fare un’esclamazione che “riassume” il tutto.

Non ho capito il perché di questa scelta, ma penso sia stata fatta per un concetto di snellimento del gameplay: i robot aiutanti solitamente spiegano concetti di gioco, quindi una completa enunciazione dei concetti può aiutare anche i più piccoli giocatori.

I personaggi che si trovano in giro per i vari mondi, invece, hanno dei dialoghi quasi esclusivamente “caratterizzanti” che solitamente non danno particolari informazioni necessarie al proseguimento del gioco. In questo modo si può avere un’idea del tono del dialogo senza doverlo ascoltare per intero e allo stesso tempo leggerne il contenuto in velocità. Credo sia più una scelta artistica che altro, perché tutto il gioco è dedito a rendere il gameplay scorrevole e ritmato, anche nei momenti fuori dai combattimenti.

Per quanto riguarda la resa grafica, Mario + Rabbids Sparks of Hope sembra essere basato sullo stesso motore grafico del precedente, con notevoli migliorie a livello di pulizia dell’output video. Per esempio, non sembrano esserci tracce di alcun aliasing, nemmeno in modalità portatile. Non ho notato rallentamenti o scattosità, neppure in battaglie discretamente grandi.

I mondi di gioco sono notevolmente più coesi e dettagliati di quelli di Kingdom Battle e la cosa più bella e soddisfacente delle migliorie apportate è la telecamera completamente libera sia fuori che dentro le battaglie. C’è comunque un sistema di posizionamento intelligente in base al contesto, ma devo dire che il feeling è quello di star giocando a un’avventura 3D di Super Mario e non a uno strategico, soprattutto nell’overworld.

Lo stile delle interfacce è studiatissimo, fruibile ed efficace, sicuramente uno dei miei preferiti. Le grafiche flat, le icone ben definite, i colori saturi al punto giusto. Tutto ha il sapore di una user experience ben studiata. Ci vuole un pochetto per capire la funzione di ogni menu di gestione della squadra, ma diventa presto intuitivo capire a sentimento dove mettere le mani per migliorare una certa area di competenza di un personaggio o come creare velocemente una build prima di una battaglia.

Prezzo

Mario + Rabbids Sparks of Hope è disponibile esclusivamente su Nintendo Switch al prezzo di 59,99€.

In conclusione

Dopo aver giocato a Kingdom Battle, la voglia di avere nuovi livelli da affrontare era mitigata da una certa ripetitività nelle tattiche di squadra e un po’ di legnosità nei controlli e meccaniche. Mario + Rabbids Sparks of Hope ha completamente risolto questi problemi e sinceramente non ho trovato un singolo aspetto di cui lamentarmi.

Ogni sfaccettatura del gameplay è pensata per avere un gioco che definirei fluido. Non c’è un momento morto, c’è sempre qualcosa da fare ed è sempre qualcosa di diverso. Si combatte, si potenzia, si esplora. Si può giocare per mezz’ora come per un intero pomeriggio e non ci si annoia mai.

Il team guidato da Davide Soliani ha creato un gioco fatto come si deve. Non solo, è un seguito fatto più che bene: è palese che sia stata fatta un’attenta valutazione di ciò che andava mantenuto e di ciò che andava cambiato rispetto al precedente. Questo lavoro si nota benissimo e il risultato è un gioiellino.

A questo punto, non vedo l’ora di scoprire cosa riusciranno a creare con un dovutissimo terzo capitolo.

Nerdando in breve

Se cercate un gioco rifinito con una cura quasi artigianale, Mario + Rabbids Sparks of Hope è uno strategico tattico a turni non troppo complesso, ma con una profondità e un livello di sfida in grado di appagare giocatori di tutte le età o con approcci molto diversi fra loro.

Trailer

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Non è raro, nel feroce mercato del cinema, che certi titoli vengano snobbati, criticati e infine definitivamente bocciati. Molte volte succede a ragione, ma in altri casi ci sono film che vengono distrutti da critica e pubblico perché non vengono capiti subito o perché alcuni difetti accecano gli spettatori impedendogli di vedere oltre.

Alcuni si riabilitano in seguito, come è successo a Blade Runner, diventando classici, ma altri finiscono nel dimenticatoio come questi cinque che ho voluto mettere sotto una rinnovata luce. Offese e ingiurie non vi temo!

Mars Attacks (Tim Burton – 1996)

Flop clamoroso in patria, un poco meno all’estero, questa parodia fantascientifica ha le stesse premesse de “La Guerra dei Mondi“, non quello di Spielberg. È un film inquietante, ma in modo diverso dai soliti film di Burton. L’ironia e il sarcasmo sono forse troppo fini a tratti e non viene risparmiato nessuno.

Dai bifolchi del Midwest fanatici delle armi, ai ricconi di Las Vegas. Dalla famiglia presidenziale fino al grande esercito degli Stati Uniti d’America (questa parte andava letta in tono solenne con un’aquila sul braccio). Anche i seguaci delle filosofie new age e i mass media finiscono a fare la parte dei perfetti idioti e questo al popolo americano non deve essere piaciuto nemmeno un po’.

Partendo dal fatto che la guerra con i marziani parte per via della gestione raffazzonata dell’evento da parte del governo, fino alla pesante critica al sistema militare, vediamo tutta una serie di attacchi più o meno feroci mascherati da gag. Non è un caso che gli unici personaggi positivi siano quelli più razionali e con i piedi per terra: la figlia decisamente poco istituzionale del presidente, il giovane commesso che si preoccupa di tutti e il padre di famiglia che fa tanto working class hero.

Alla fine ne esce un film che se visto come un “parente comico” di Independence Day è una roba da poco, ma che diventa soddisfacente se riuscirete ad apprezzarne il valore, nascosto nell’ironia sopra le righe che i personaggi, Jack Nicholson con il suo doppio ruolo fra tutti, riescono a tirar fuori.

Detention (Joseph Kahn – 2011)

Ogni tanto sentite definire un regista come “visionario” o “surrealista”. Ebbene, Detention è pronto a farvi ridimensionare il concetto dietro a questi termini.

Non è semplice descrivere la trama in modo da rendere il senso dell’assurdo contenuto in questa pellicola senza fare spoiler. Proviamoci.

Nella Grizzly Lake High School, l’istituto che frequentano i tre protagonisti, si aggira un serial killer, che si fa chiamare Cinderhella. Dopo diversi omicidi, il preside della scuola decide di mandare tutti i tipi sospetti in punizione durante il ballo di fine anno, sperando di bloccare l’assassino.

Sembra semplice, ma non lo è. Quella che sembra una semplice premessa è condita da una quantita incredibile di elementi assurdi, surreali o comunque apparentemente fuori luogo. L’unico momento che posso descrivere senza rivelare niente della trama è quello degli stacchi che, disseminati durante tutto il film, ci mostrano l’avventura di un grizzly robot su di un mondo alieno.

Queste scene arrivano dal nulla, nonostante non siano affatto parte integrante della trama (o forse sì…?) e forse è qui che si nasconde il problema. Molte cose sono lasciate totalmente senza motivazione, da prendere così come sono, però se l0 fa Lynch è un capolavoro, se lo fanno altri… flop!

Questa è la causa principale, ma anche il fatto che Detention passi costantemente da un genere all’altro mette a disagio lo spettatore. Mettete nel calderone anche un po’ di violenza disturbante dove non te l’aspetti e un montaggio molto frenetico e a volte disorientante e il fallimento (immeritato) è assicurato.

Speed Racer (Fratelli Wachowski – 2008)

Dopo il successo cult della saga di Matrix, i Wachowski (al tempo ancora Larry e Andy, ecco perché il maschile), decisero di imbarcarsi in un progetto fra i più assurdi e difficili da realizzare: un adattamento live action dell’anime del 1967, ispirandosi però in parte anche al videogioco, conosciuto da noi come Superauto Mach 5. In questa serie, il protagonista, Speed Racer appunto, si trovava ad affrontare numerose gare contro altrettanti corridori dotati di auto super accessoriate, con gadget di cui il Batman di Adam West sarebbe stato invidioso. Tanto per dare un’idea, parliamo di seghe rotanti che escono dal cofano e di respiratori per guidare sott’acqua.

Questo progetto nasce nel 1992 e ha visto un susseguirsi di nomi anche importanti durante le sue varie incarnazioni. Inizialmente, niente meno che Johnny Depp venne assunto per il ruolo del protagonista e sulla sedia del regista e dello scrittore sono passati personaggi del calibro di Gus Van Sant, Alfonso Cuarón, Hype Williams e J.J. Abrams.

Insomma, Speed Racer faceva gola. Ma cos’è successo quindi? Perché è stato un flop così epico? Senza dubbio il problema è da cercare nell’utilizzo scriteriato di una quantità abnorme di effetti digitali, fra l’altro di qualità infima. Unite questo problema al fatto che la tavolozza di colori del film abbia dei colori che definire accesi è un delicato eufemismo ed ecco che il pubblico crolla.

Perché salvare questa pellicola allora? Perché nel suo pasticcio di fiammeggiante CGI i Wachowski hanno inserito tanta sperimentazione ben riuscita. Le scene sono molto simili, come ritmo e caratterizzazione, a quelle di un cartone animato giapponese, senza però risultare più ridicole del dovuto e riesce ad adattare in modo sensato addirittura una gara contro una “ghost car”, un classico dei videogiochi di guida.

Stessa origine anche per l’assurdo funzionamento delle auto da corsa che vediamo. Il motivo per cui queste ruotano su loro stesse è che nel gioco per DOS di Accolade (che è stato fra l’altro il mio primo videogioco in assoluto!), una volta andati in testacoda la macchina continua ad andare a dritto come se nulla fosse dando l’impressione che abbia delle ruote… rotanti!

Andando poi a guardare gli aspetti più seri, impossibile non riconoscere la buona performance degli attori, John Goodman su tutti. L’atmosfera vivace e luccicante nasconde un mondo spietato e violento che si manifesta soprattutto nella seconda parte del film. C’è da dire che anche le scene su set, quelle praticamente prive di effetti speciali, hanno un loro perché. Le inquadrature diventano interessanti, così come i giochi di luce… viene da chiedersi perché diamine non potesse essere fatto tutto così!

Finito il film, invece che pensare alle diottrie perdute, potreste pensare di aver visto qualcosa di effettivamente folle, ma sotto sotto geniale, a modo suo. Dai che vi è venuta voglia di rivederlo!

Super Mario Bros (Rocky Morton and Annabel Jankel – 1993)

Uno dei più controversi film di sempre della cultura geek. Altro adattamento, questa volta videoludico, viene bistrattato da ormai quasi 25 anni per motivi non molto chiari. Di fronte all’impossibilità oggettiva di vendere un film basato su un mondo di funghi, fiorellini e tartarughine, a qualcuno è venuto in mente di stravolgere tutto e rendere Super Mario… cyberpunk!

Ricordiamo che sono gli anni ’90 e questo è uno stile che si sta facendo sempre più sentire. La premessa è tutto sommato semplice: l’asteroide che avrebbe dovuto porre fine ai dinosauri ha aperto una spaccatura dimensionale, in cui sono andati a vivere, e si sono evoluti, i suddetti rettili. Qui hanno creato una società particolare, simile a quella umana ma diversa in molti aspetti.

Intanto, le auto sono elettriche e funzionano in modo simile agli autoscontri. Non hanno freni e si fermano solo andando a sbattere contro un gigantesco elastico. Questa è anche una delle geniali follie che più mi ha colpito. In questo universo, il Re Toad è stato destituito e devoluto dal golpista Koopa (ovvero Bowser) il quale manda i nipoti nel mondo degli umani a rapire la principessa perduta, Daisy. Mario e Luigi si troveranno invischiati loro malgrado in questa operazione e durante una riparazione di tubi nelle fogne, finiranno nel mondo dei dinosauri. Una delle chicche è la parte in cui i due idraulici finiscono attraverso un tubo in una zona desertica con cumuli piramidali…

Insomma, è effettivamente la trama standard di un qualsiasi platform dei fratelli Mario! Quindi, ricapitoliamo: è un adattamento del videogioco infarcito con una quantità di citazioni da far invidia a un film Marvel, con tinte dark e realistiche, attori del calibro di Bob Hoskins e Dennis Hopper che interpretano personaggi comici (ma nemmeno troppo), grotteschi e convincenti… Praticamente quello che in molti vogliono da Nintendo per i loro videogiochi!

Cos’ha la gente da lamentarsi adesso? Purtroppo la classica lamentela è “non c’entra niente con Super Mario!”

Eh, invece no. Se evitiamo di fermarci alla prima impressione viene fuori tutto il lavoro di fino, fatto per adattare una roba inadattabile come Super Mario Bros., l’archetipo di platform puro, senza trama. Sarà per questo che forse è davvero la trasposizione più riuscita di un videogioco? Guardatelo senza troppe pretese, come fareste con un qualsiasi film d’azione becero e vi divertirete genuinamente, magari rimarrete pure stupiti da dettagli che non avevate colto e apprezzerete lo sforzo di questa assurda pellicola.

Nota finale: Super Mario Bros. è anche uno dei primi film, se non il primo, ad avere una scena post-credits oltretutto molto divertente! Qui vediamo i nipoti di Koopa che vengono contattati da agenti di Nintendo (sì avete letto bene) per creare un gioco su di loro, Super Koopa Bros.

Altro che Nick Fury!

Star Wars – Episodio I: La Minaccia Fantasma (George Lucas – 1999)

Non temo niente e nessuno! Il capitolo più bistrattato della più grande saga di sempre non merita questo trattamento e adesso vi spiegherò perché.

I principali motivi per cui il ritorno di Lucas al cinema è così odiato sono più o meno tre: hype, Anakin e ovviamente Jar Jar Binks. Il primo di questi è un po’ deboluccio. Molti si aspettavano lo Star Wars di sempre, un’avventura fantastica e fantascientifica più vicina a Indiana Jones che a Star Trek. Ecco che il Giorgione californiano, invece, tira fuori un film che parte con blocchi commerciali, trattative politiche e continua lentamente fino alla parte in cui viene mostrato il senato di Coruscant per la prima volta, con tutte le sue meccaniche poco esplosive. L’inserimento di tematiche più complesse atte al rendere viva la galassia lontana lontana non sono piaciute a quanto pare.

Passiamo ad Anakin, il povero bambino odiato da troppi. Perché? Probabilmente l’ingenuità, ma soprattutto i dialoghi poco ispirati sono il suo problema più grande. A dirla tutta, molti dei dialoghi dei personaggi secondari sono in effetti un po’ blandi e questo è il problema più grande del film, ma l’ingenuità del personaggio centrale della saga e di alcune scene che spezzano il tono del film sono funzionali all’insieme. Questa è l’origine di Darth Vader, Episodio I doveva mostrare il bambino strappato dalla madre e di come la sua purezza e ingenuità vengano progressivamente distrutte fino al culmine di Episodio III. Il tono dei film riflette infatti l’evolversi del personaggio di Anakin, così come il tono della trilogia classica riflette il cambiamento di Luke, da ragazzo desideroso di avventure a uomo che si confronta con le difficoltà della vita a cavaliere Jedi ben formato e pronto a combattere grandi battaglie. Certo, qualche buffonata del calibro di “Qui-Gon mi ha detto di restare in questa carlinga e io ci resto” poteva evitarla.

Passiamo al punto più dolente. Jar Jar. Come è possibile che un personaggio presente per 17 minuti di un film di 136 sia così importante e prominente da renderlo una schifezza? Beh, a quanto pare il problema è che nella galassia di Star Wars non possono assolutamente esserci idioti, ma devono essere tutti personaggi carismatici ed epici. In realtà il grosso problema di Mr.Binks è che le sue battute sono assolutamente superflue e distraggono dalla sua vera natura. Per quanto sia pensato come personaggio comico, Jar Jar è rappresentato, sia nella trilogia prequel che in The Clone Wars, come un personaggio negativo. Tutti, dal primo all’ultimo lo trattano come una pezza da piedi (tranne forse Amidala e Anakin), in quanto inaffidabile e distratto, più che goffo. Il fatto che in seguito il suo voto sia fondamentale per la nascita dell’esercito dei cloni, e quindi per la nascita dell’Impero, fa trasparire come Binks rappresenti l’ignoranza e la stupidità che portano a conseguenze negative, infatti, ogni sua azione portano problemi e distruzione. Può far ridere, certo, ma se lo leggiamo sotto un’altra luce, è tutto tranne che divertente.

Tolti questi problemi, ci resta un grande film introduttivo di avventura, che getta una visione più ampia del mondo con corse di sgusci, politica, filosofia Jedi e personaggi così carismatici da restare nell’immaginario pur avendo un paio di battute, ovviamente sto parlando di Darth Maul, il Boba Fett del 2000. Gli effetti speciali sono migliori rispetto a quelli del resto della trilogia e la colonna sonora di John Williams ha raggiunto una vetta che non ha poi recuperato con i due episodi seguenti, grazie soprattutto al brano Duel of the Fates. Tutti sembrano poi dimenticare l’ottimo lavoro di Ewan McGregor e Liam Neeson, che nei panni dei Jedi protagonisti ci regalano i migliori cavalieri di tutta la saga.

“Avevate ragione maestro. I negoziati sono stati davvero brevi.”

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Articolo a cura di Gattiveria

Inauguriamo questa rubrica di Nerdando.com presentandovi un temporary pub che farà impazzire gli appassionati di Super Mario Bros. Dal 1 marzo al 15 aprile infatti, tutti i giorni a partire dalle 17, se avrete l’occasione di trovarvi a Washington DC (ed avrete la pazienza di attendere qualche ora per entrare), potrete assistere allo spettacolare evento.

Grazie all’organizzazione della Drink Company, i due locali denominati Southern efficiency (1841 7th Street NW) e Mockingbird Hill (1843 7th Street NW), gestiti dallo stesso proprietario e resi comunicanti attraverso un passaggio che li collega, si sono temporaneamente trasformati nel Cherry Blossom PUB (acronimo di Pop Up Bar), un grandioso omaggio al più famoso idraulico di tutti i tempi.

Non fatevi ingannare dal fatto che si tratti di un’iniziativa temporanea, tutto è stato studiato con dovizia di particolari, per ricreare un angolo di Giappone a tema nella capitale statunitense. I soffitti sono ricoperti di dinamiche icone del mondo SMB, i banconi dei due bar sono pieni zeppi di riferimenti al popolarissimo videogioco anni ’80.
Una cascata di ciliegi in fiore (realizzata interamente con origami fatti a mano), che oltre ad introdurre al paesaggio nipponico, vuol essere celebrativa della stagione primaverile, vi avvolgerà, occupando una vastissima parte del locale.
Dietro al bancone, le schermate sono state ricostruite con l’utilizzo di un considerevole numero di mattoncini LEGO, utilizzati per rendere l’effetto pixelato. Dal soffitto vedrete familiari piantine carnivore in animatronic fuoriuscire da tubi verdi, mistery box illuminate e funghetti di ogni sorta pendere dall’alto.
Inutile dire che anche i cocktails, sono evocativi del nerdissimo tema nipponico, con drink come il King Koopa Cup (mix di differenti whiskey giapponesi), il Quello che non ti uccide ti rende più piccolo (vodka, mandarino, pomelo e soda all’albicocca), La principessa è in un altro castello (Cognac, Macchu Pisco, Momo Tea, limone, zucchero di canna e acqua gassata) o il Press Start-A (whiskey giapponese, Cardamaro e Cynar). Immancabili sake, birre e whiskey giapponesi di ogni sorta.
Lo chef Evan Scarlatelli non non ha trascurato inoltre di inserire la giapponesissima insalata di alghe, i katsu sandwich, funghi marinati, Gyoza.

Nel caso in cui aveste deciso di fare un breve break primaverile a Washington, non dimentica di fare un salto nel suo Giappone!

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Cinema e videogiochi sono spesso in relazione tra loro e, se come ci ha dimostrato il recente Assassin’s Creed, spesso gli adattamenti cinematografici di opere videoludiche non accontentano in tutto e per tutto la totalità dei fan, ci sono state nel corso degli anni anche delle pellicole che hanno saputo far valere (almeno in parte) il loro potenziale.
Da successi assurdamente mancati a produzioni che hanno saputo tenere testa a delle aspettative assai alte, mi è venuto spontaneo chiedermi quali siano le pellicole che più mi hanno colpito nel corso degli anni.

1. Lara Croft: Tomb Raider (2001)

Diretto da Simon West, questo è il primo film che mi viene in mente pensando ai videogiochi.
La pellicola, attesissima dal pubblico e pubblicizzata come nemmeno un nuovo Papa, prometteva una trasposizione fedele delle avventure legate all’archeologa più desiderata dai videogiocatori grazie alle doti attoriali di Angelina Jolie.
Al di là della trama (che poi dai, diciamocelo, vai a vedere un film del genere per la trama?) e di alcune scelte non azzeccatissime, “Lara Croft: Tomb Raider” riuscì parzialmente nei propri intenti e si guadagnò persino un seguito: quel “Tomb Raider – La culla della vita” che in appena 117 minuti riuscì a cancellare quanto di buono si era fatto con il primo film.

N.B. Forse non tutti ci hanno fatto caso, ma nel primo e nel secondo film appaiono degli attori che in seguito avranno un enorme successo. Mi riferisco, ovviamente, a Daniel Craig e Gerard Buttler, che compaiono rispettivamente nel primo e nel secondo capitolo.

2. Super Mario Bros. (1993)

Ok, qui la situazione è chiara: questo titolo o lo si ama o lo so odia.
Io, personalmente, lo giudico eccezionale.
Va bene, non c’entra nulla con il videogioco, ma vogliamo mettere il carisma anni ’90 che trasuda da ogni elemento di questo film?
Idraulico baffuto (interpretato da Bob Hoskins), ragazza da salvare, dinosauri, dimensioni parallele… c’è qualsiasi cosa in questa pellicola diretta da Rocky Morton, Annabel Jankel e (anche se non accreditati) Roland Joffé, Dean Semler.
Poi, diciamocelo, la capacità di concepire una rilettura della serie in chiave cyberpunk non è da tutti.

N.B. I Goomba, dai…

3. Tekken (2010)

A qualcuno è venuta in mente l’idea di riproporre le lotte dell’Iron Fist Tournament in una pellicola, dalla trama molto poco aderente alla saga videoludica, in cui Jin Kazama è un improbabile adolescente col capello giappo e l’addominale scolpito che, a suon di pugni e di botte (ricevute, non date) cerca vendetta.
I personaggi, più o meno, hanno provato ad infilarceli tutti ma, nonostante alcuni risultino anche fedeli nella caratterizzazione, il film non riesce mai a decollare e regala dialoghi, combattimenti (perfino) e una trama a dir poco imbarazzanti. Inutile dire che mi ha colpito unicamente per quant’è brutto. Un capolavoro del trash.

N.B. La Crystal Sky ha anche fatto uscire un prequel nel 2014 dal nome “Tekken 2: Kazuya’s Revenge”. Tanto per essere chiari, il primo capitolo venne a costare 35 milioni di dollari e ne incassò appena 1600000 giù di lì, con una perdita intorno al 95%… grande affare!

4. Resident Evil (2002)

Il film forse più conosciuto tra quelli presi in esame.
La trasposizione diretta da Paul W.S. Anderson (che già ci aveva provato con Mortal Kombat nel 95), ha per protagonista Milla Jovovich e credo che sia uno dei maggiori successi dal punto di vista commerciale per un prodotto del genere.
In grado di incassare bei soldoni al botteghino, il film si guadagnò ben cinque sequel, divenendo una saga longeva e seguita.

N.B. La fantasia nel nome dei sequel si spreca… originalità e varietà a palate.

5. Mortal Kombat (1995)

Lo abbiamo evocato ed eccolo qui.
Penso che sia poco da aggiungere se dico che Christopher Lambert interpretò uno dei personaggi e, nello specifico, Lord Raiden.
Il film per me è brutto, c’è poco da dire, son gusti, ma mi rimase così impresso da bambino che, dopo la prima volta che lo vidi, decisi di non concedergli una seconda occasione.
Il mondo la pensava molto diversamente dal me bambino, a quanto pare, perché al botteghino la pellicola ebbe un tale successo da far realizzare un sequel: nel 1997 uscì Mortal Kombat – Distruzione totale.

6. Final Fantasy (2001)

Il primo “lungometraggio fotorealistico interamente generato in computer grafica” (questa era da scrivere tutta maiuscola) ebbe un notevole successo.
Io avevo 10 anni quando uscì questo film e ricordo solo che rimasi deluso come un cocomero alla fine dell’estate quando seppi (ovviamente dopo averlo visto) che il film, in realtà, non ripercorre nessuna delle trame dei capitoli videoludici. La trama rielabora la teoria olistica per cui Gaia è un pianeta vivente e ricordo perfettamente che pensai “sì, ma le evocazioni, le magie, le spadone dove sono? Io mica voglio vedere queste cavolate ambientaliste”.

N.B. Detiene il primato per film più costoso ispirato ad un videogioco, mica pizza e fichi.

7. Final Fantasy VII: Advent Children (2005)

Potevo non metterlo alla settima posizione? (Ammicco ammicco).
Uscito in DVD e disponibile soltanto in giapponese e inglese (però i sottotitoli in italiano ce li ha, eh… che sennò col cavolo che lo vedevo), il film in grafica computerizzata racconta le vicende successive a Final Fantasy VII.
La pellicola, se si conosce la storia del videogioco, risulta davvero ben realizzata e gli appassionati dovrebbero vederla tutti.

8. Prince of Persia (2010)

Diretto da Mike Newell, il film non è un adattamento diretto diretto del videogioco.
Con un cast stellare (Jake Gyllenhaal, Gemma Arterton, Alfred Molina, Ben Kingsley tra gli altri), la pellicola è ben confezionata e, con molta attenzione soprattutto per quanto riguarda i costumi e una sceneggiatura che risulti snella e veloce, è riuscita a strappare buoni incassi ed una critica non troppo feroce. I fan hanno, ovviamente, gridato allo scempio ma io, personalmente, me lo sono anche comprato in blu-ray (tiè, fan sfegatati, tiè).

9. Hitman – L’assassino (2007)

Diretto da Xavier Gens, la trasposizione di Hitman è una delle mie più grandi delusioni.
Interpretato da Timothy Olyphant (un cane incredibile), l’agente 47 viene letteralmente seviziato da un film che non augurerei nemmeno al mio peggior nemico.
Il flop è stato tale che, quando nel 2015 si è pensato di girare un altra pellicola dedicata al personaggio, si è preferito non tenere minimamente conto di questo prodotto targato 20th Century Fox.

Si sa, l’universo videoludico è sempre motivo di spunto per la produzione di nuovi film e, tra annunci e voci che circolano, possiamo star certi che molti dei nostri eroi preferiti subiranno il trattamento cinematografico. C’è solo da sperare che anche i fan più esigenti vengano accontentati!

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