Articolo a cura di Antonio Petito che trovate qui
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Esistono eventi che sembrano essere sempre stati così.

Grandi. Caotici. Pieni.

Stand ovunque, code interminabili, cosplay curati nei minimi dettagli, annunci, ospiti, creator. Un flusso continuo di persone e contenuti che sembra naturale, quasi inevitabile.
Eppure non è sempre stato così.

Le fiere del fumetto, per come le conosciamo oggi, non sono nate come eventi di massa, capaci di accogliere centinaia di migliaia di persone, né per diventare il punto d’incontro tra cinema, videogiochi, serie TV e cultura pop.

All’inizio erano qualcosa di completamente diverso.

Molto più piccole.
Molto più intime.
Quasi invisibili.

E mentre il Napoli Comicon si prepara ad aprire ancora una volta le sue porte per l’edizione 2026, è proprio da lì che vale la pena partire.

Le origini: tutto iniziò negli USA

Molto prima delle folle, degli stand e degli annunci, le fiere del fumetto non erano affatto “fiere”.

Non c’erano padiglioni.
Non c’erano palchi.
Non c’erano nemmeno “eventi” nel senso in cui li intendiamo oggi.

C’era solo una cosa: i fan.

Negli anni Sessanta, negli Stati Uniti, il fumetto era ancora considerato un prodotto marginale, privo di un vero riconoscimento culturale e di un importante evento fisico dedicato in cui parlarne.

Eppure, proprio in quel contesto, qualcosa inizia a muoversi.

Figure come Stan Lee e Julius Schwartz iniziano a pubblicare nelle riviste gli indirizzi completi dei lettori. Un dettaglio apparentemente secondario, ma fondamentale: per la prima volta, gli appassionati possono trovarsi, scriversi, riconoscersi.

Nasce così una rete informale fatta di lettere, scambi e fanzine: una comunità.

È in questo contesto che emerge una figura chiave: Jerry Bails, spesso considerato il “padre del fandom dei fumetti”. Tra il 1961 e il 1962 contribuisce a fondare l’Academy of Comic-Book Fans and Collectors, una delle prime organizzazioni dedicate allo studio e alla conservazione del fumetto.

Ma soprattutto, crea un precedente: i fan possono organizzarsi.

Il passaggio successivo è inevitabile.

Nel marzo del 1964, proprio a casa di Bails, si tiene uno dei primi raduni documentati: l’Alley Tally. Poche persone, riunite per contare i voti degli Alley Awards.

Niente pubblico. Niente spettacolo.
Solo un po’ di appassionati, tutti nella stessa stanza.

Pochi mesi dopo, a luglio, a New York prende forma qualcosa di ancora più riconoscibile: la Tri-State Con, considerata la prima vera comic convention. Circa cento partecipanti, una sala sindacale, e tra gli ospiti anche Steve Ditko.

È ancora tutto minuscolo, ma è già qualcosa di diverso.

Per la prima volta, il fumetto esce dalla dimensione privata e diventa un evento.

Negli anni successivi, questo modello inizia a prendere forma. Nel 1970 nasce quella che diventerà il punto di riferimento mondiale: il San Diego Comic-Con. La prima edizione attira poco più di 300 persone.

Un numero che oggi sembra irrilevante, ma che dentro lasciava già intravedere il futuro.

Perché una volta che una comunità si incontra, cresce.
E quando cresce, cambia forma.

Da quel momento in poi, non si torna indietro.

La domanda non è più se queste fiere continueranno a esistere, ma fino a dove potranno arrivare.

Come le fiere del fumetto sono diventate un fenomeno di massa

All’inizio, le fiere del fumetto erano incontri.

Poi diventano eventi.

E a un certo punto, smettono di essere solo questo.

Tra gli anni Ottanta e Novanta succede qualcosa di decisivo: il fumetto smette di essere un universo chiuso e inizia a contaminarsi con tutto il resto: cinema, televisione, giocattoli, videogiochi.

Le convention non sono più solo luoghi dove comprare e scambiare albi, ma diventano spazi in cui la cultura pop, nel suo insieme, inizia a prendere forma.

Eventi come il San Diego Comic-Con iniziano ad allargare il proprio raggio d’azione. Non si parla più soltanto di fumetti, ma di tutto ciò che da quei fumetti deriva.

È il primo vero salto.

Negli anni Novanta, poi, arriva un altro elemento destinato a cambiare tutto: Internet.

Per la prima volta, i fan non devono più aspettare una fiera per trovarsi. Possono organizzarsi, coordinarsi, creare community online.

E, proprio per questo, le fiere cambiano funzione; non sono più solo un punto di incontro, ma diventano un punto di riferimento.

È lì che si concentrano le novità, si fanno gli annunci e -in generale- succedono le cose importanti.

A consolidare questo cambiamento arriva, tra la fine degli anni Novanta e i primi Duemila, un nuovo modello: quello delle convention costruite attorno alle celebrità, fatto di autografi, panel tematici ed esclusive pensate proprio per l’evento.

Il fumetto resta, ma non è più l’unico protagonista.

E poi arriva Hollywood.

Con l’esplosione dei cinecomic nei primi anni Duemila — e in particolare con la nascita del Marvel Cinematic Universe — le fiere diventano il palcoscenico perfetto per il lancio globale di film e serie TV, con teaser trailer mostrati in anteprima, cast sul palco e reazioni del pubblico che fanno il giro del mondo.

La “Hall H” del SDCC diventa, nel tempo, uno dei luoghi più influenti dell’industria dell’intrattenimento, in un passaggio simbolico che sancisce un cambio radicale: non sono più le fiere a inseguire la cultura pop, ma è la cultura pop che passa da lì.

Parallelamente, in quegli anni un altro fenomeno cresce fino a diventare centrale: il cosplay che, da pratica di nicchia, diventa pian piano un elemento visivo dominante, uno dei “linguaggi pop” più riconoscibili all’interno degli eventi.

Le fiere smettono definitivamente di essere qualcosa da osservare, ma qualcosa da vivere, e quando un evento diventa esperienza, il passo successivo è inevitabile: diventa massa.

E la cosa si estenderà anche nel resto del mondo.

L’arrivo in Europa: le fiere come eventi culturali

Negli Stati Uniti, le convention crescono seguendo una logica sempre più commerciale e mediatica. In Europa, invece, il percorso è diverso: il fumetto non viene solo consumato, viene legittimato e considerato cultura.

Il punto di svolta arriva nel 1974, con la nascita del Festival International de la Bande Dessinée di Angoulême. Non in una grande metropoli, ma in una piccola città francese destinata a diventare, nel giro di pochi anni, un punto di riferimento mondiale.

Qui il fumetto non è solo intrattenimento, ma esposizione, critica, studio.

Le tavole originali vengono trattate come opere d’arte, gli autori diventano protagonisti e i premi iniziano ad assumere un peso internazionale.

È un approccio completamente diverso. Non si tratta più soltanto di radunare fan, ma di costruire un’identità culturale attorno al medium.

A rafforzare questo processo è anche il supporto istituzionale: in Francia, il fumetto viene riconosciuto ufficialmente come “Nona Arte”, entrando a pieno titolo nel discorso culturale nazionale, come un vero e proprio linguaggio artistico.

Mentre negli Stati Uniti le fiere diventano sempre più grandi, in Europa diventano sempre più radicate. Dei semplici eventi diventano parte delle città che li ospitano: festival diffusi, spazi urbani trasformati, intere comunità coinvolte. Delle vere e proprie “città nelle città”.

È qui che nasce il “modello della fiera-città”, un formato che non si limita a contenere il pubblico ma lo ingloba, e che, negli anni successivi, troverà una delle sue espressioni più potenti proprio in Italia.

Intanto, in Italia…

Per iniziare questo articolo, abbiamo giustamente guardato agli Stati Uniti come punto di partenza. Ma c’è un dettaglio che spesso passa inosservato: in un certo senso, l’Italia arriva prima.

Nel 1965, a Bordighera nacque il Salone Internazionale dei Comics, la prima manifestazione al mondo strutturata e con un respiro realmente internazionale dedicata al fumetto. Non un raduno spontaneo, non un incontro tra fan, ma un evento pensato, organizzato, costruito.

Dietro ci sono nomi come Romano Calisi e Claudio Bertieri, con il supporto di figure come Umberto Eco.

“Quando ho voglia di rilassarmi leggo un saggio di Engels, se invece ho voglia di impegnarmi leggo Corto Maltese”

Il successo è immediato, ma la storia prende presto una nuova direzione. Già dal 1966 il Salone si sposta a Lucca, dando inizio a un legame che dura ancora oggi. Quella che nasce come una rassegna specialistica diventa nel tempo qualcosa di molto più grande, sempre più aperto al pubblico e sempre più contaminato da altri linguaggi.

Il vero punto di svolta arriva nel 1993 con l’avvento di Lucca Comics & Games: non è solo un cambio di nome, ma di visione, con la trasformazione più radicale che arriva nel 2006, quando la fiera abbandona gli spazi tradizionali per occupare l’intero centro storico della città toscana. Le mura diventano il perimetro dell’evento, le piazze e le strade si trasformano in spazi espositivi. Non è più una fiera dentro una città, ma una città che diventa fiera.

Il modello della “fiera-città”, già sperimentato altrove in Europa, qui raggiunge una delle sue forme più compiute, e i numeri iniziano a crescere fino a diventare imponenti: centinaia di migliaia di visitatori e un impatto economico sempre più rilevante.

In questo equilibrio tra cultura e intrattenimento, tra industria e passione, l’Italia costruisce una propria identità nel panorama globale delle fiere del fumetto. Ed è proprio su questa base che emergono esperienze diverse, capaci di interpretare la cultura pop in modo nuovo, tra cui una in particolare destinata a diventare centrale, sia per numeri che per impatto.

Quella di Napoli.

Il Napoli Comicon: identità, crescita e trasformazione

Napoli Comicon rappresenta un caso particolare. A differenza di Lucca, non nasce come estensione di un modello già consolidato, ma come progetto che costruisce la propria identità nel tempo, adattandosi e trasformandosi insieme al pubblico che lo segue.

La sua origine risale al 1998, a Castel Sant’Elmo, una scelta che fin dall’inizio definisce il carattere dell’evento: un dialogo costante tra cultura pop e contesto storico, tra immaginario contemporaneo e città.

Col passare degli anni però, la crescita del pubblico rende inevitabile un’evoluzione strutturale. Il trasferimento alla Mostra d’Oltremare segna un passaggio decisivo: da evento raccolto a grande manifestazione di massa. È qui che il Comicon assume progressivamente la forma di un ecosistema completo della cultura pop, capace di integrare tutte le realtà che le più grandi fiere internazionali contengono.

Ma il Napoli Comicon non si spiega davvero attraverso le sue strutture o i suoi numeri. Si capisce nell’attesa.

Nelle file che iniziano molto prima dell’apertura dei cancelli. Nei gruppi che si danno appuntamento mesi prima. Nei cosplay che prendono forma lentamente, tra prove, errori, dettagli rifiniti fino all’ultimo minuto.

Si capisce nel momento in cui si varca l’ingresso e tutto cambia ritmo. Il rumore aumenta, gli spazi si aprono, le persone diventano parte dello stesso flusso. Non si cammina semplicemente dentro una fiera: si entra dentro un linguaggio condiviso.

Ogni padiglione è una possibilità diversa. Ogni angolo è un incontro. Ogni giornata è troppo piena per essere ricordata tutta intera.

Ed è forse questo il vero elemento che ha reso il Comicon qualcosa di più di un evento: la sensazione di esserci dentro, anche solo per pochi giorni, come se il resto del mondo restasse fuori, un’esperienza collettiva prima ancora che culturale.

E proprio mentre questa nuova edizione si prepara ad aprire le porte, questo racconto smette di essere solo storia. Diventa presente.

Perché al prossimo Comicon non si andrà solo per vedere cosa succede, ma per farne parte e raccontarlo mentre accade.

Anche Nerdando sarà lì, dentro questo flusso, per viverlo e raccontarlo dall’interno.

Non come osservatori distanti, ma come parte della stessa esperienza.

Perché alla fine le fiere del fumetto non sono mai state davvero solo fiere: sono sempre state un modo per stare insieme, dentro le storie che ci appassionano.

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L'articolo Fiere del fumetto: dalle origini negli USA al Napoli Comicon proviene da Nerdando.

Oggi esce Spider-Man: No Way Home e con questo si chiude la prima trilogia Home dei film dell’Uomo Ragno (se ve li foste persi, gli altri sono Spider-Man: Homecoming e Spider-Man: Far From Home). Siccome si avvicina Natale e i fumetti sono sempre un bel regalo (non per forza da fare ad altra gente, potete pure prenderli per voi), eccovi quattro fumetti Panini che val la pena di recuperare, sia che abbiate già visto No Way Home, sia che dobbiate ancora andare al cinema (o che ne aspettiate l’usicta su Disney +).

Marvel-Verse: Spider-Man

Marvel-Verse: Spider-Man è il fumetto perfetto se non avete mai letto alcun fumetto di Spidey. Il libro contiene cinque storie adatte a conoscere l’origine dell’Uomo Ragno, affrontando sei dei suoi nemici più celebri (inclusa una doppia avventura con il Dottor Octopus).

Marvel-Verse: Spider-Man, che esce domani, è un volume brossurato di 120 pagine a colori che potete trovare a 9,90€ in libreria, in fumetteria e online.

Spider-Man vs. I Sinistri Sei

Se amate gli scontri fra Spider-Man e i suoi rivali, Spider-Man vs I Sinistri Sei è quello che fa per voi. I nemici giurati dell’amichevole supereroe di quartiere si alleano per sconfiggere l’Uomo Ragno, impadronendosi della città una volta per tutte. La raccolta unisce i più celebri scontri fra Spidey e la banda del Dottor Octopus, unendo in un’unica antologia sia i racconti del 1964, sia quelli più recenti.

Spider-Man vs I Sinistri Sei è un cartonato di 160 pagine a colori che raccoglie storie scritte da Stan Lee, David Michelinie e Howard Mackie e disegnate da Steve Ditko, Erik Larsen, John Byrne e John Romita Junior. Lo trovate a 19,00€ in libreria, fumetteria e online.

Non-Stop Spider-Man: Il gioco del cervellone

Non-Stop Spider-Man: Il gioco del cervellone è un’avventura dai toni gialli. L’Empire State University è coinvolta in un mistero, e -manco a dirlo- sarà proprio l’Uomo Ragno a occuparsene. La trama ufficiale dice che “Qualcosa di terribile sta accadendo ad alcune delle giovani menti più intelligenti dell’ESU e, per salvare la situazione, stavolta occorrerà un lato di Peter Parker che nemmeno lui pensava esistesse.”

Non-Stop Spider-Man sono le 120 pagine cartonate a colori scritte da Joe Kelly e disegnate da Chris Bachalo. L’avventura nei quartieri alti di Manhattan è disponibile in libreria, fumetteria e online al costo di 16,00€.

Spider-Man: Smascherato

Dal 23 dicembre sarà disponibile Spider-Man: Smascherato, il cofanetto contenente quattro volumi che raccolgono le storie che hanno ispirato le vicende di Spider-Man: Non Way Home.

Il primo volume raccoglie i vari momenti della carriera dell’Uomo Ragno in cui l’eroe ha rischiato la sua identità segreta. Il tomo prevede storie di Stan Lee, Len Wein e J.M. Straczynski, disegnate da Steve Ditko, John Romita, Ross Andru e Ron Garney.

Il secondo, vede il dottor Stephen Strange in un epico scontro con Dormammu, nella riedizione di Amazing Spider-Man 500 e altre storie del 2003/2004 di J.M. Straczynski, John Romita Jr. e John Romita Sr.

Il terzo racconta di quella volta in cui Peter Parker si è visto costretto a rivelare la sua doppia identità, mettendo di fatto in pericolo zia May, la quale si ritrova in coma per via di una pallottola destinata al nipote.

Il quarto e ultimo volume del cofanetto è una storia di Joe Quesada e Paolo Rivera, quella lunga serie di eventi per cui alla fine il mondo si dimentica chi ci sia sotto la maschera di Spider-Man.

Spider-Man: Smascherato è il cofanetto di 4 volumi cartonati e colorati che ogni persona appassionata dell’Uomo Ragno non vede l’ora di leggere. Costerà 78€ e la troverete in libreria, fumetteria e online, dove potete già preordinarlo.

Nota: i link all’acquisto nell’articolo che avete appena letto, sono link affiliati.

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Spider-Man è senza alcun dubbio uno dei supereroi più popolari di sempre.
Complici l’ottima caratterizzazione che casa MARVEL ha saputo dare ad uno dei suoi personaggi di punta e la grande forza comunicativa che le storie del ragno hanno sempre avuto nei confronti del pubblico, l’arrampicamuri si è visto dedicare numerose trasposizioni cinematografiche, l’ultima delle quali in arrivo il prossimo 6 luglio. Se è vero che sono molti gli elementi che hanno sancito la riuscita o la disfatta al botteghino delle pellicole con protagonista il tessiragnatele, nondimeno c’è sempre stata grande attesa per un dettaglio di ogni nuova produzione. Tale dettaglio, a mio avviso, riveste un’importanza non minore della scelta di registi, attori e sceneggiatura… sto parlando, ovviamente, del costume del protagonista! Ricordo che uno dei motivi per cui, da piccolo, mi appassionai tanto alle storie dell’alter ego di Peter Parker era l’incredibile emozione che quel costume rosso e blu, con le ragnatele disegnate sopra, riusciva a suscitare in me. Con il passare degli anni e degli albi, diversi disegnatori hanno dato libero sfogo alla loro fantasia per mostrare sempre nuove versioni del costume della testa di tela, inventando, grazie alle indicazioni di sensazionali sceneggiatori, dei design incredibili, che pur modificando qualcosa, lasciavano invariate le caratteristiche più amate del protagonista.

Ma, se dovessimo fare una classifica, quali sono i migliori costumi di Spider-Man di sempre?

Ragno Rosso

Ebbene sì, lo ammetto, ho sempre tifato per lui.
Apparso per la prima volta in Web of Spider-Man n. 118, il costume rosso, con tanto di felpa azzurra indossata sopra, caratterizzò l’identità dell’indimenticabile clone di Peter Parker creato dal folle Sciacallo. Il clone, creato per sconfiggere l’originale Uomo Ragno, dopo aver fallito il proprio compito, intraprese l’arduo cammino dell’eroe, creando una nuova identità combinando il nome dello zio Ben con il cognome da nubile della cara zia May. Attraverso una grande caratterizzazione data dai disegni di Steven Butler, lo stile del personaggio è indiscutibile e, per quanto mi riguarda, da parecchi punti all’originale.

The Amazing Spider-Man

Al secondo posto non può che esserci lui, l’originale!
I disegni di Steve Ditko mi hanno legato per sempre all’universo dell’Uomo Ragno e non potrò mai dimenticare le fantastiche ragnatele appese sotto le ascelle del protagonista. La versione originale del costume è stata ripresa, ridisegnata e reinterpretata da autori di grandissimo spessore, che hanno aggiunto, storia dopo storia, qualcosa di distintivo alla propria versione dell’arrampicamuri. L’interpretazione che ne fa Ditko, però, rimane sempre la migliore. Semplicemente un pezzo di storia.

Superior Spider-Man

Cosa accade quando il Dr. Octopus si impossessa del corpo del suo acerrimo nemico?
Semplice: nasce Superior Spider-Man. Doc Ock decide che con la propria mente superiore può essere un eroe ancora migliore di Peter Parker e, per questo, dà vita ad una rivoluzione totale, sia nel costume che nel modo di affrontare il crimine, alla figura dell’Uomo Ragno. La grande differenza rispetto all’originale è resa in modo spettacolare ed è testimoniata dall’aspetto molto più oscuro che l’amichevole Spider-Man di quartiere assume.

Costume nero

Prima con il simbionte, trovato su Battleworld durante le Guerre segrete, e poi con una versione di stoffa, Peter si trovò a sostituire il proprio costume con la ormai famosa variante nera. Riesumato in particolari occasioni, come nella celebre saga di Back in black, il costume in versione dark ha un indiscutibile fascino, tanto che con il terzo capitolo della saga diretta da Sam Raimi, si è colta l’occasione per darne un’ulteriore versione.

Ben Reilly

Quando il nostro clone preferito si trova a dover sostituire il nostro Parker, crea un costume nuovo, simile all’originale, ma con delle caratteristiche che rendono il tutto molto personale. Si è davanti ad un Uomo Ragno diverso e questo è evidente.

Costume Stealth

Sviluppato dal buon Peter Parker grazie alla tecnologia della Horizon Labs, compare per la prima volta in The Amazing Spider-Man #650 e presenta diverse caratteristiche degne di nota.
Prima tra tutte, come potrebbe anche intuirsi dal nome stesso della tuta, la capacità di di rendersi invisibili. Le luci verdi del costume servirebbero proprio agli alleati del ragnetto che, se muniti di apposite lenti, possono vedere il ragno.

Spider Iron

Una versione potenziata, regalata al nostro eroe dal caro, vecchio Tony Stark.  È entrata prepotentemente nel cuore degli appassionati, non fosse altro che per le fantastiche zampe da ragno che possono fuoriuscire dallo “zainetto” sulla schiena e da tutto quello che riesce ad evocare (qualcuno ha detto Civil War?)

House of M

Nell’universo alternativo risalente al 2005, la vita di Peter ha preso una piega decisamente diversa.
Con la fama portata dal grande successo nel wrestling e la dichiarazione dei propri poteri ragneschi agli zii Ben (ancora in vita) e May, al giovane Parker si apre una vita di successi, come simbolo della popolazione dei mutanti.

Costume della Fondazione Futuro

Con l’adesione di Peter alla Fondazione Futuro, Spider-Man cambia costume. Fatto di molecole instabili, è impossibile da sporcare, consente anche al ragno di cambiarsi col pensiero e possiede un’interessante modalità stealth nera.

Spider-Armor

Nel 1993 Peter si dotava di un’armatura creata di un composto metallico in grado di renderlo a prova di proiettile! Sviluppato presso l’Empire State University, il costume ebbe però vita breve, finendo presto distrutto dall’acido.

Miles Morales Ultimate Spider-Man

A portare avanti il buon nome del tessiragnatele nell’universo Ultimate ci ha pensato per un bel po’ il nostro Miles. La sua apparizione ha destato sentimenti contrastanti tra i fan, ma personalmente sono rimasto subito positivamente colpito dalla scelta di cambiare una testata che rischiava di diventare stanca e senza spunti narrativi. Morales indossa un costume nero e rosso, donatogli da Nick Fury in persona!

Capitan Universo

Incredibile a dirsi, ma Peter Parker diviene ospite di una forza extra-dimensionale, la Forza Enigma, che gli dona nientemeno che… poteri cosmici!

Apparendo su Amazing n. 329, Peter sfoggia un costume completamente diverso dal solito, con una sola parte della maschera a testimonianza delle vecchie ragnatele.

Spider-Phoenix

L’incredibile versione di Spider-Man sotto l’effetto della forza fenice non può che far parte di questa classifica. In versione ultra potenziata Spidey mostra tutta la sua carica dirompente e questo costume non fa certo eccezione!

Spider-Man 2099

Nel 2099 Miguel O’Hara, un genetista dell’Alchemax, scopre accidentalmente il modo di acquisire poteri ragneschi. Nasce, quindi Spider-Man 2099, una versione leggermente diversa dall’originale, che si contraddistingue per la mancanza del senso di ragno e da una visione accelerata, una sorta di potere che gli permette di reagire più velocemente agli stimoli che percepisce.

Spider-Man Noir

E’ sempre il nero il colore scelto per una delle più riuscite rielaborazioni del personaggio dell’arrampicamuri. Pubblicata da Marvel Comics dal 2009 al 2010, la storia che racconta una versione anni ’30 dell’Uomo Ragno, si colloca al di fuori della continuity classica dell’universo Marvel (se non si considera la saga Ragnoverso), con una versione alternativa di Peter Parker che, morsa da un ragno mistico, decide di combattere la malavita.

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