Articolo a cura di Antonio Petito che trovate qui
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Esistono eventi che sembrano essere sempre stati così.

Grandi. Caotici. Pieni.

Stand ovunque, code interminabili, cosplay curati nei minimi dettagli, annunci, ospiti, creator. Un flusso continuo di persone e contenuti che sembra naturale, quasi inevitabile.
Eppure non è sempre stato così.

Le fiere del fumetto, per come le conosciamo oggi, non sono nate come eventi di massa, capaci di accogliere centinaia di migliaia di persone, né per diventare il punto d’incontro tra cinema, videogiochi, serie TV e cultura pop.

All’inizio erano qualcosa di completamente diverso.

Molto più piccole.
Molto più intime.
Quasi invisibili.

E mentre il Napoli Comicon si prepara ad aprire ancora una volta le sue porte per l’edizione 2026, è proprio da lì che vale la pena partire.

Le origini: tutto iniziò negli USA

Molto prima delle folle, degli stand e degli annunci, le fiere del fumetto non erano affatto “fiere”.

Non c’erano padiglioni.
Non c’erano palchi.
Non c’erano nemmeno “eventi” nel senso in cui li intendiamo oggi.

C’era solo una cosa: i fan.

Negli anni Sessanta, negli Stati Uniti, il fumetto era ancora considerato un prodotto marginale, privo di un vero riconoscimento culturale e di un importante evento fisico dedicato in cui parlarne.

Eppure, proprio in quel contesto, qualcosa inizia a muoversi.

Figure come Stan Lee e Julius Schwartz iniziano a pubblicare nelle riviste gli indirizzi completi dei lettori. Un dettaglio apparentemente secondario, ma fondamentale: per la prima volta, gli appassionati possono trovarsi, scriversi, riconoscersi.

Nasce così una rete informale fatta di lettere, scambi e fanzine: una comunità.

È in questo contesto che emerge una figura chiave: Jerry Bails, spesso considerato il “padre del fandom dei fumetti”. Tra il 1961 e il 1962 contribuisce a fondare l’Academy of Comic-Book Fans and Collectors, una delle prime organizzazioni dedicate allo studio e alla conservazione del fumetto.

Ma soprattutto, crea un precedente: i fan possono organizzarsi.

Il passaggio successivo è inevitabile.

Nel marzo del 1964, proprio a casa di Bails, si tiene uno dei primi raduni documentati: l’Alley Tally. Poche persone, riunite per contare i voti degli Alley Awards.

Niente pubblico. Niente spettacolo.
Solo un po’ di appassionati, tutti nella stessa stanza.

Pochi mesi dopo, a luglio, a New York prende forma qualcosa di ancora più riconoscibile: la Tri-State Con, considerata la prima vera comic convention. Circa cento partecipanti, una sala sindacale, e tra gli ospiti anche Steve Ditko.

È ancora tutto minuscolo, ma è già qualcosa di diverso.

Per la prima volta, il fumetto esce dalla dimensione privata e diventa un evento.

Negli anni successivi, questo modello inizia a prendere forma. Nel 1970 nasce quella che diventerà il punto di riferimento mondiale: il San Diego Comic-Con. La prima edizione attira poco più di 300 persone.

Un numero che oggi sembra irrilevante, ma che dentro lasciava già intravedere il futuro.

Perché una volta che una comunità si incontra, cresce.
E quando cresce, cambia forma.

Da quel momento in poi, non si torna indietro.

La domanda non è più se queste fiere continueranno a esistere, ma fino a dove potranno arrivare.

Come le fiere del fumetto sono diventate un fenomeno di massa

All’inizio, le fiere del fumetto erano incontri.

Poi diventano eventi.

E a un certo punto, smettono di essere solo questo.

Tra gli anni Ottanta e Novanta succede qualcosa di decisivo: il fumetto smette di essere un universo chiuso e inizia a contaminarsi con tutto il resto: cinema, televisione, giocattoli, videogiochi.

Le convention non sono più solo luoghi dove comprare e scambiare albi, ma diventano spazi in cui la cultura pop, nel suo insieme, inizia a prendere forma.

Eventi come il San Diego Comic-Con iniziano ad allargare il proprio raggio d’azione. Non si parla più soltanto di fumetti, ma di tutto ciò che da quei fumetti deriva.

È il primo vero salto.

Negli anni Novanta, poi, arriva un altro elemento destinato a cambiare tutto: Internet.

Per la prima volta, i fan non devono più aspettare una fiera per trovarsi. Possono organizzarsi, coordinarsi, creare community online.

E, proprio per questo, le fiere cambiano funzione; non sono più solo un punto di incontro, ma diventano un punto di riferimento.

È lì che si concentrano le novità, si fanno gli annunci e -in generale- succedono le cose importanti.

A consolidare questo cambiamento arriva, tra la fine degli anni Novanta e i primi Duemila, un nuovo modello: quello delle convention costruite attorno alle celebrità, fatto di autografi, panel tematici ed esclusive pensate proprio per l’evento.

Il fumetto resta, ma non è più l’unico protagonista.

E poi arriva Hollywood.

Con l’esplosione dei cinecomic nei primi anni Duemila — e in particolare con la nascita del Marvel Cinematic Universe — le fiere diventano il palcoscenico perfetto per il lancio globale di film e serie TV, con teaser trailer mostrati in anteprima, cast sul palco e reazioni del pubblico che fanno il giro del mondo.

La “Hall H” del SDCC diventa, nel tempo, uno dei luoghi più influenti dell’industria dell’intrattenimento, in un passaggio simbolico che sancisce un cambio radicale: non sono più le fiere a inseguire la cultura pop, ma è la cultura pop che passa da lì.

Parallelamente, in quegli anni un altro fenomeno cresce fino a diventare centrale: il cosplay che, da pratica di nicchia, diventa pian piano un elemento visivo dominante, uno dei “linguaggi pop” più riconoscibili all’interno degli eventi.

Le fiere smettono definitivamente di essere qualcosa da osservare, ma qualcosa da vivere, e quando un evento diventa esperienza, il passo successivo è inevitabile: diventa massa.

E la cosa si estenderà anche nel resto del mondo.

L’arrivo in Europa: le fiere come eventi culturali

Negli Stati Uniti, le convention crescono seguendo una logica sempre più commerciale e mediatica. In Europa, invece, il percorso è diverso: il fumetto non viene solo consumato, viene legittimato e considerato cultura.

Il punto di svolta arriva nel 1974, con la nascita del Festival International de la Bande Dessinée di Angoulême. Non in una grande metropoli, ma in una piccola città francese destinata a diventare, nel giro di pochi anni, un punto di riferimento mondiale.

Qui il fumetto non è solo intrattenimento, ma esposizione, critica, studio.

Le tavole originali vengono trattate come opere d’arte, gli autori diventano protagonisti e i premi iniziano ad assumere un peso internazionale.

È un approccio completamente diverso. Non si tratta più soltanto di radunare fan, ma di costruire un’identità culturale attorno al medium.

A rafforzare questo processo è anche il supporto istituzionale: in Francia, il fumetto viene riconosciuto ufficialmente come “Nona Arte”, entrando a pieno titolo nel discorso culturale nazionale, come un vero e proprio linguaggio artistico.

Mentre negli Stati Uniti le fiere diventano sempre più grandi, in Europa diventano sempre più radicate. Dei semplici eventi diventano parte delle città che li ospitano: festival diffusi, spazi urbani trasformati, intere comunità coinvolte. Delle vere e proprie “città nelle città”.

È qui che nasce il “modello della fiera-città”, un formato che non si limita a contenere il pubblico ma lo ingloba, e che, negli anni successivi, troverà una delle sue espressioni più potenti proprio in Italia.

Intanto, in Italia…

Per iniziare questo articolo, abbiamo giustamente guardato agli Stati Uniti come punto di partenza. Ma c’è un dettaglio che spesso passa inosservato: in un certo senso, l’Italia arriva prima.

Nel 1965, a Bordighera nacque il Salone Internazionale dei Comics, la prima manifestazione al mondo strutturata e con un respiro realmente internazionale dedicata al fumetto. Non un raduno spontaneo, non un incontro tra fan, ma un evento pensato, organizzato, costruito.

Dietro ci sono nomi come Romano Calisi e Claudio Bertieri, con il supporto di figure come Umberto Eco.

“Quando ho voglia di rilassarmi leggo un saggio di Engels, se invece ho voglia di impegnarmi leggo Corto Maltese”

Il successo è immediato, ma la storia prende presto una nuova direzione. Già dal 1966 il Salone si sposta a Lucca, dando inizio a un legame che dura ancora oggi. Quella che nasce come una rassegna specialistica diventa nel tempo qualcosa di molto più grande, sempre più aperto al pubblico e sempre più contaminato da altri linguaggi.

Il vero punto di svolta arriva nel 1993 con l’avvento di Lucca Comics & Games: non è solo un cambio di nome, ma di visione, con la trasformazione più radicale che arriva nel 2006, quando la fiera abbandona gli spazi tradizionali per occupare l’intero centro storico della città toscana. Le mura diventano il perimetro dell’evento, le piazze e le strade si trasformano in spazi espositivi. Non è più una fiera dentro una città, ma una città che diventa fiera.

Il modello della “fiera-città”, già sperimentato altrove in Europa, qui raggiunge una delle sue forme più compiute, e i numeri iniziano a crescere fino a diventare imponenti: centinaia di migliaia di visitatori e un impatto economico sempre più rilevante.

In questo equilibrio tra cultura e intrattenimento, tra industria e passione, l’Italia costruisce una propria identità nel panorama globale delle fiere del fumetto. Ed è proprio su questa base che emergono esperienze diverse, capaci di interpretare la cultura pop in modo nuovo, tra cui una in particolare destinata a diventare centrale, sia per numeri che per impatto.

Quella di Napoli.

Il Napoli Comicon: identità, crescita e trasformazione

Napoli Comicon rappresenta un caso particolare. A differenza di Lucca, non nasce come estensione di un modello già consolidato, ma come progetto che costruisce la propria identità nel tempo, adattandosi e trasformandosi insieme al pubblico che lo segue.

La sua origine risale al 1998, a Castel Sant’Elmo, una scelta che fin dall’inizio definisce il carattere dell’evento: un dialogo costante tra cultura pop e contesto storico, tra immaginario contemporaneo e città.

Col passare degli anni però, la crescita del pubblico rende inevitabile un’evoluzione strutturale. Il trasferimento alla Mostra d’Oltremare segna un passaggio decisivo: da evento raccolto a grande manifestazione di massa. È qui che il Comicon assume progressivamente la forma di un ecosistema completo della cultura pop, capace di integrare tutte le realtà che le più grandi fiere internazionali contengono.

Ma il Napoli Comicon non si spiega davvero attraverso le sue strutture o i suoi numeri. Si capisce nell’attesa.

Nelle file che iniziano molto prima dell’apertura dei cancelli. Nei gruppi che si danno appuntamento mesi prima. Nei cosplay che prendono forma lentamente, tra prove, errori, dettagli rifiniti fino all’ultimo minuto.

Si capisce nel momento in cui si varca l’ingresso e tutto cambia ritmo. Il rumore aumenta, gli spazi si aprono, le persone diventano parte dello stesso flusso. Non si cammina semplicemente dentro una fiera: si entra dentro un linguaggio condiviso.

Ogni padiglione è una possibilità diversa. Ogni angolo è un incontro. Ogni giornata è troppo piena per essere ricordata tutta intera.

Ed è forse questo il vero elemento che ha reso il Comicon qualcosa di più di un evento: la sensazione di esserci dentro, anche solo per pochi giorni, come se il resto del mondo restasse fuori, un’esperienza collettiva prima ancora che culturale.

E proprio mentre questa nuova edizione si prepara ad aprire le porte, questo racconto smette di essere solo storia. Diventa presente.

Perché al prossimo Comicon non si andrà solo per vedere cosa succede, ma per farne parte e raccontarlo mentre accade.

Anche Nerdando sarà lì, dentro questo flusso, per viverlo e raccontarlo dall’interno.

Non come osservatori distanti, ma come parte della stessa esperienza.

Perché alla fine le fiere del fumetto non sono mai state davvero solo fiere: sono sempre state un modo per stare insieme, dentro le storie che ci appassionano.

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Prima di Deadpool, c’era She-Hulk. Se oggi diamo per scontato la rottura della quarta parete, la battute meta e la consapevolezza di essere dentro a un fumetto, lo dobbiamo alla Gigantessa di Giada, non al mercenario mutante. Infatti già nel lontano 1989 John Byrne aveva introdotto tutti questi elementi nella serie La Sensazionale She-Hulk, ideale punto di partenza per avvicinarsi al personaggio ora che è protagonista di una serie TV per Disney+.

Il personaggio era stato creato nel 1980 addirittura da Stan Lee e John Buscema, ma per motivi opportunistici e legati ad un’altra serie TV, L’incredibile Hulk. Per evitare che i produttori introducessero una loro versione femminile di Hulk, Marvel decise di anticiparli sul tempo per avere il controllo dei diritti del personaggio.

La prima serie a fumetti, intitolata The Savage She-Hulk, durò due anni, poi il personaggio passa per qualche anno di limbo e apparizioni secondarie. In una di queste viene disegnata per la prima volta da John Byrne che poi la introduce come rimpiazzo della Cosa nei Fantastici Quattro.

Evidentemente Jennifer Walters e il suo alter-ego verde piacevano molto a Byrne perché sarà proprio lui a battezzare la seconda serie del personaggio. Byrne scrisse e disegnò i primi otto numeri per poi tornare con il numero 31 fino al numero 50. Panini Comics ha ristampato tutti i cicli in un volume unico.

Byrne nella sua gestione la butta sul ridere e sul ridicolo da subito. In teoria Walters è assistente procuratore distrettuale a New York e ha come segretaria Weezie Mason, una donna di mezz’età. In pratica viene coinvolta in situazioni sempre più assurde e con nemici via via più ridicoli, come Dottor Bong e Xemnu.

Le prime otto storie, seppur sempre piene di idee folli, sono quelle meno citazionistiche e meno meta. Quando Byrne riprese in mano la serie decise di spingere molto di più su questo versante. Ad esempio nel numero 40 She-Hulk salta una corda apparentemente nuda per tutto il numero, parlando coi lettori e lamentandosi della situazione. In una pagina compaiono pure i Simpson, in versione umanizzata, ma ampiamente riconoscibile, in un’altra storia She-Hulk combatte Babbo Natale.

Insomma come potete vedere, si tratta di una serie fuori dagli schemi. Alcune gag non sono più attuali perché troppo legate alla cultura pop del periodo – in una copertina Byrne prende in giro una famosa foto di Demi Moore incinta, ma quanti colgono il riferimento oggi? – ma nel complesso resta una serie molto divertente.

Byrne all’epoca era di gran lunga uno dei migliori fumettisti al mondo e tutte le sue serie valgono una lettura. Con She-Hulk impose la versione definitiva del personaggio, scanzonata, impegnata in situazioni ridicole e con un tocco di legal-drama. Tutte le successive versioni partiranno da qui e pure la serie TV sembra andare nella direzione indicata negli anni ’80.

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Oggi esce Spider-Man: No Way Home e con questo si chiude la prima trilogia Home dei film dell’Uomo Ragno (se ve li foste persi, gli altri sono Spider-Man: Homecoming e Spider-Man: Far From Home). Siccome si avvicina Natale e i fumetti sono sempre un bel regalo (non per forza da fare ad altra gente, potete pure prenderli per voi), eccovi quattro fumetti Panini che val la pena di recuperare, sia che abbiate già visto No Way Home, sia che dobbiate ancora andare al cinema (o che ne aspettiate l’usicta su Disney +).

Marvel-Verse: Spider-Man

Marvel-Verse: Spider-Man è il fumetto perfetto se non avete mai letto alcun fumetto di Spidey. Il libro contiene cinque storie adatte a conoscere l’origine dell’Uomo Ragno, affrontando sei dei suoi nemici più celebri (inclusa una doppia avventura con il Dottor Octopus).

Marvel-Verse: Spider-Man, che esce domani, è un volume brossurato di 120 pagine a colori che potete trovare a 9,90€ in libreria, in fumetteria e online.

Spider-Man vs. I Sinistri Sei

Se amate gli scontri fra Spider-Man e i suoi rivali, Spider-Man vs I Sinistri Sei è quello che fa per voi. I nemici giurati dell’amichevole supereroe di quartiere si alleano per sconfiggere l’Uomo Ragno, impadronendosi della città una volta per tutte. La raccolta unisce i più celebri scontri fra Spidey e la banda del Dottor Octopus, unendo in un’unica antologia sia i racconti del 1964, sia quelli più recenti.

Spider-Man vs I Sinistri Sei è un cartonato di 160 pagine a colori che raccoglie storie scritte da Stan Lee, David Michelinie e Howard Mackie e disegnate da Steve Ditko, Erik Larsen, John Byrne e John Romita Junior. Lo trovate a 19,00€ in libreria, fumetteria e online.

Non-Stop Spider-Man: Il gioco del cervellone

Non-Stop Spider-Man: Il gioco del cervellone è un’avventura dai toni gialli. L’Empire State University è coinvolta in un mistero, e -manco a dirlo- sarà proprio l’Uomo Ragno a occuparsene. La trama ufficiale dice che “Qualcosa di terribile sta accadendo ad alcune delle giovani menti più intelligenti dell’ESU e, per salvare la situazione, stavolta occorrerà un lato di Peter Parker che nemmeno lui pensava esistesse.”

Non-Stop Spider-Man sono le 120 pagine cartonate a colori scritte da Joe Kelly e disegnate da Chris Bachalo. L’avventura nei quartieri alti di Manhattan è disponibile in libreria, fumetteria e online al costo di 16,00€.

Spider-Man: Smascherato

Dal 23 dicembre sarà disponibile Spider-Man: Smascherato, il cofanetto contenente quattro volumi che raccolgono le storie che hanno ispirato le vicende di Spider-Man: Non Way Home.

Il primo volume raccoglie i vari momenti della carriera dell’Uomo Ragno in cui l’eroe ha rischiato la sua identità segreta. Il tomo prevede storie di Stan Lee, Len Wein e J.M. Straczynski, disegnate da Steve Ditko, John Romita, Ross Andru e Ron Garney.

Il secondo, vede il dottor Stephen Strange in un epico scontro con Dormammu, nella riedizione di Amazing Spider-Man 500 e altre storie del 2003/2004 di J.M. Straczynski, John Romita Jr. e John Romita Sr.

Il terzo racconta di quella volta in cui Peter Parker si è visto costretto a rivelare la sua doppia identità, mettendo di fatto in pericolo zia May, la quale si ritrova in coma per via di una pallottola destinata al nipote.

Il quarto e ultimo volume del cofanetto è una storia di Joe Quesada e Paolo Rivera, quella lunga serie di eventi per cui alla fine il mondo si dimentica chi ci sia sotto la maschera di Spider-Man.

Spider-Man: Smascherato è il cofanetto di 4 volumi cartonati e colorati che ogni persona appassionata dell’Uomo Ragno non vede l’ora di leggere. Costerà 78€ e la troverete in libreria, fumetteria e online, dove potete già preordinarlo.

Nota: i link all’acquisto nell’articolo che avete appena letto, sono link affiliati.

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Ci siamo, venerdì esce su Disney+ l’ultima puntata di WandaVision, che ha segnato l’inizio della quarta fase del MCU e la prima serie originale Marvel sulla piattaforma di streaming della casa madre. In attesa di sapere come andrà a finire, ho deciso di raccogliere alcune curiosità e chicche apparse nei sette episodi finora usciti. Ovviamente l’articolo contiene spoiler, per cui se non siete in pari con la serie, consiglio di aspettare a leggere.

La TV negli anni

Come notato, la serie è un compendio di storia televisiva americana, con ogni episodio ambientato in un decennio diverso e ispirato a una sitcom in particolare, a partire dalla sigla. Ma quali sono queste serie?

I primi due episodi sono ispirati a sitcom pioneristiche come I love Lucy, il Dick Van Dyke Show – che compare pure nell’ottavo episodio – e ovviamente Vita da Strega. Con l’avvento del colore nel terzo episodio si arriva a La famiglia Brady, serie che Wanda guarda in uno dei flashback durante l’ottavo episodio.

Per gli anni ’80 l’ispirazione principale è Casa Keaton, dove esordirono sia Michael J. Fox che Courtney Cox, ma ci sono anche rimandi a Gli amici di papà, serie TV dove esordirono Mary-Kate e Ashley Olsen, le sorelle maggiori di Elizabeth Olsen. Il sesto episodio invece è un grosso omaggio a Malcolm, mentre per l’ultima puntata l’ispirazione, anche stilistica, è a serie mockumentary come The Office, con qualche spruzzata di Modern Family.

Diamo i numeri

Ma sopratutto WandaVision cita tanti fumetti Marvel, com’è giusto che sia. Intanto dando i numeri. Nel primo episodio la coppia ha segnato sul calendario la data del 23 agosto, ovvero 23/8. Avengers 238 presenta una storia in cui Visione viene riattivato dopo essere stato spento, guarda caso con Monica Rambeau tra i protagonisti. Nella seconda puntata l’orologio della pubblicità è fissato a 2:42 e Avengers 242 fa parte dello stesso ciclo di storie su Visione riattivato.

La casa di Wanda e Visione ha come numero civico il 2800 – lo so, gli americani hanno strade enormi – che non si riferisce a una storia in particolare ma è il numero della versione alternativa della Terra dove è ambientato il MCU. Nel multiverso Marvel, Terra-616 è quella dove si svolgono le avventure a fumetti.

Sparsi negli episodi, ad esempio nel numero di serie del drone di Monica, compare il numero 57, riferimento a Avengers 57, prima apparizione di Visione. Nell’episodio sei dal computer di Darcy si vedono sequenze di numeri che sono tutte riferite a storie dei Vendicatori dove Wanda e Visione hanno ruoli prominenti. Stessa cosa per le sequenze numeriche negli schermi dell’Hydra che si vedono nell’ottavo episodio.

Ultima citazione numerica, il numero di targa di Wanda che si vede nell’episodio sette è 122822, che letto all’americana con il mese prima del giorno è la data di nascita del sorridente Stan Lee, creatore sia di Wanda che di Visione.

Costumi e magia

Non ci sono solo i numeri, ovviamente. Durante tutta la serie, inclusa la sigla finale, compaiono sempre delle forme esagonali, o hex che simboleggiano la magia hex di Wanda. Ad esempio tra i pezzi di Visione, o nel pattern delle finestre nel terzo episodio.

Ovviamente nel sesto episodio abbiano tutti notato i costumi di Wanda e Visione uguali a quelli storici, come pure ispirati alle controparti fumettistiche sono i costumi di Quicksilver e quello di Billy, che insieme al fratello Tommy nei fumetti Marvel è membro dei Giovani Vendicatori. Tommy più sfigato ha il costume di Quicksilver e non il suo. Nella scena finale dell’episodio otto, quando i due sono legati da Agatha, i due sono vestiti con i colori dei loro costumi.

Anche Agatha Harkness nell’ultimo episodio sfoggia una versione del suo costume classico. Inoltre, nel suo covo si nota un libro che potrebbe essere il Darkhold, il libro dei dannati dell’universo Marvel, che però è già apparso due volte nel MCU, in Agents of SHIELD e Runaways.

Forse è direttamente il Necronomicon, anch’esso apparso nell’universo Marvel? Se fosse il libro dei morti di Lovecraft si spiegherebbe anche la pubblicità Nexus, che rimanda a Wanda come il nesso della realtà. Forse per queste risposte ci toccherà aspettare Dr. Strange in the Multiverse of Madness.

L’ultimo episodio poi cita parecchio della saga Vision Quest apparsa su West Coast Avengers. In quella saga Visione viene smembrato in modo molto simile a quanto visto nella serie e viene ricostruito, da Hank Pym nel fumetto, completamente bianco e privo di ricordi come si vede nella scena post-titoli di coda.

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WandaVision

Era stata tra i titoli più attesi della nuova fase dell’MCU e finalmente ne è iniziata la distribuzione: WandaVision è in programmazione su Disney+, con i primi episodi disponibili dal 15 gennaio scorso e un nuovo tassello ogni venerdì.

Creata da Jack Schaffaer, WandaVision si ambienta dopo gli eventi di Avengers: Infinity War e promette di sparigliare completamente le carte e proporre qualcosa di mai visto nel Marvel Cinematic Universe. Interpretata da Elizabeth Olsen e Paul Bettany, che riprendono i ruoli ricoperti già al cinema, la serie è senza dubbio ambiziosa e, nella descrizione, mi ricorda da vicino le atmosfere già viste (e apprezzate) con Legion: ma sarà all’altezza? Nell’attesa di scoprirlo, ho pensato di fare il punto sui personaggi avvalendomi della consulenza di Giakimo e Jedi.lord, che hanno raccontato qualche curiosità e retroscena nel nostro podcast.

Wanda

Il personaggio di Wanda, Scarlet nei fumetti, è legato ai Vendicatori ma fa il suo esordio sulle pagine degli X-Men. La prima apparizione del personaggio, creato da Stan Lee e Jack Kirby, risale al 1964, quando viene introdotto in X-Men #4.
Sorella gemella di Quicksilver, Wanda Maximoff cresce con lui tra i rom dell’Europa dell’Est, finché non vengono scacciati quando l’accampamento scopre i loro poteri mutanti.

Nella continuity a fumetti, per anni i due gemelli sono stati considerati figli di Magneto ma di recente le loro origini sono state cambiate e al momento i loro genitori vengono identificati in Whizzer e Miss America, mentre i loro superpoteri vengono fatti risalire agli esperimenti dell’Alto Evoluzionario.

Nei fumetti Quicksilver e Scarlet sono inizialmente tra gli antagonisti: vengono infatti reclutati da Magneto mentre vagano per i Balcani ed entrano a far parte della Confraternita dei Mutanti Malvagi. È in questo periodo che abbiamo modo di scoprire qualcosa in più sui poteri di Wanda, che è in grado di alterare la realtà e modificare le probabilità a suo favore. Un potere complesso e potenzialmente devastante, che ne fa uno dei personaggi più potenti di tutto l’universo Marvel.

Dopo l’apparente morte di Magneto, i due fratelli vengono avvicinati da Tony Stark ed entrano a far parte dei Vendicatori: la formazione comprende, oltre a loro due, Capitan America e Occhio di Falco. Dopo un periodo di allontanamento, Scarlet tornerà nuovamente a far parte dei Vendicatori e intraprenderà una relazione con il nuovo acquisto del gruppo, Visione.

Visione

Il personaggio di Visione arriva nel 1968 e appare per la prima volta in Avengers 57; a crearlo sono Stan Lee, Roy Thomas e John Buscema.
Stan Lee voleva a tutti i costi inserire un androide e fu accontentato proprio con Visione. Le origini del personaggio sono simili a quelle che abbiamo visto sul grande schermo, con la differenza che nei fumetti Visione non ha nulla a che vedere né con le gemme dell’infinito né con Ultron (che nei fumetti viene creato da Hank Pym). La sua creazione viene invece fatta a partire dal corpo della Torcia Umana e dai tracciati neurali di Wonder Man.

Dopo essersi ribellato al suo creatore, Visione entra a far parte dei Vendicatori e intraprende una relazione romantica con Wanda: i due si sposeranno e, grazie ai poteri di lei, avranno anche due bambini.
Naturalmente, però, la tragedia è dietro l’angolo anche nei fumetti e, proprio come sembra essere accaduto sul grande schermo, Wanda e Visione non saranno destinati a vivere per sempre felici e contenti.

Lo spunto

Non ho ancora iniziato a guardare WandaVision ma, dalle indiscrezioni e dai trailer, è evidente che la serie abbia preso spunto da più di un fumetto Marvel.
Già negli albi, infatti, i poteri di alterazione della realtà di Wanda hanno creato più di un problema, dando vita a situazioni intricate e paradossali.

In Darker than Scarlet, di John Byrne, ad esempio, Wanda era quasi impazzita dopo aver scoperto che i suoi figli non erano reali e aveva perso il controllo dei suoi poteri. Ma l’ispirazione maggiore per la serie è sicuramente House of M, scritto da Brian Micheal Bandis e pubblicato tra il 2005 e il 2006.

Scarlet e Visione, infatti, sono due personaggi chiave dei grandi eventi che Marvel pubblica a partire dal 2000, a partire da Vendicatori Divisi, del 2004: tutto quello che avviene in questa saga, infatti, deriva dalla follia di Wanda. Gli effetti dei suoi poteri di manipolazione della realtà, scatenati senza alcun freno, sono devastanti e diversi eroi perdono la vita: Visione, il che non farà che aggravare la condizione di Wanda, Occhio di Falco, Antman.

Gli Avangers si sciolgono e Wanda viene quindi affidata alle cure di Magneto e Xavier: proprio dagli eventi di Vendicatori Divisi parte House of M, principale fonte di ispirazione per WandaVision.
In questo evento a fumetti, Wanda dà vita ad un vero e proprio universo alternativo governato dai mutanti e in cui ogni eroe vive la vita che ha sempre sognato. Naturalmente, non potrà che finire malissimo…

Tra le fonti di ispirazione per WandaVision, comunque, non ci sono solo gli albi dedicati a Scarlet ma anche quelli dedicati a Visione: in particolare i creatori della serie hanno preso molto spunto da The Vision, miniserie del 2017 scritta da Tom King e disegnata da Gabriel Hernandez.
Premiata con il premio Eisner, la miniserie a fumetti affronta, attraverso lo spaccato di vita “normale” di Visione, temi profondi e delicati come l’accettazione del diverso, la ricerca di una normalità impossibile e la critica all'”American Dream”.
Una miniserie elegante e interessante, che vale decisamente la pena recuperare, soprattutto se vi preparate alla visione di WandaVision.

L'articolo WandaVision – Da dove vengono i personaggi della nuova serie Marvel? proviene da Nerdando.

Supereroi per Carnevale

I supereroi sono una cosa seria, siamo tutti d’accordo ma è innegabile che, se guardiamo ai costumi delle origini di molti di loro l’impressione di trovarsi di fronte a una sfilata in maschera per Carnevale sia forte.

Se oggi nel rappresentare gli eroi mascherati si punta maggiormente alla semplicità e al realismo, tra gli anni Quaranta e i Sessanta era prassi comune rappresentare i supereroi con abiti vistosi, colorati ed esagerati, sottolineando anche nell’abbigliamento il loro essere fuori dall’ordinario.
Ecco quindi che, sfogliando gli albi più datati, ci troviamo davanti una sfilza di improbabili tutine ricche di accessori kitsch, dai colori sgargianti e affatto sobrie tra le quali è quasi impossibile scegliere quale sia la più imbarazzante.

Di recente abbiamo affrontato l’argomento nella quindicesima puntata di NerdandOnAir, il programma radiofonico che Tencar e io conduciamo su Radio Città Pescara e, direttamente dalla classifica dell’episodio, vi proponiamo quindi la nostra top 5 di supereroi per Carnevale: i costumi più improbabili ed imbarazzanti che non sfigurerebbero affatto in una festa a tema!

Iron Man – prima armatura

In quinta posizione si attesta lui, uno dei supereroi più amati di casa Marvel: sembra impossibile, abituati alle armature supertecnologiche apparse nel Marvel Cinematic Universe, pensare che Tony Stark abbia potuto vestire panni imbarazzanti, eppure è successo.
La prima versione artigianale creata da Stark ci è stata a dire il vero mostrata anche su schermo ma nei fumetti appare come uno scafandro argentato realizzato in carta stagnola… Un’idea di Carnevale low cost da copiare!

Il Fante di Cuori

Fante di Cuori (Jack of Hearts in lingua originale) è lo pseudonimo di Jonathan “Jack” Hart, personaggio dell’universo Marvel creato da Bill Mantlo e Keith Giffen nel 1976.
Al suo look non manca veramente niente, nemmeno i cuori riportati sul viso e sugli stivali. Perfetto per una festa di Carnevale ma al cinema, al giorno d’oggi, penso non potrebbe essere riproposto senza prima subire un deciso restyling.

Shocker

Restiamo nell’universo Marvel con Shocker, supercriminale avversario dell’Uomo Ragno creato da Stan Lee e John Romita Sr. nel 1967.
Shocker controlla emana potentissime onde d’urto ma, con la sua tutina gialla a rete e inserti bordeaux è difficile prenderlo troppo sul serio.

Doctor Mid-Nite

Ci trasferiamo in casa DC Comics per la seconda posizione della nostra classifica, occupata da Doctor Mid-Nite, creato da Charles Reizenstein e Stanley Joseph Aschmeier nel 1941.
Membro originale della Justice Society of America, Doctor Mid-Nite ha avuto tre incarnazioni, tutte accomunate da una quasi totale cecità alla luce del sole compensata da una super vista al buio. Al suo look sembra non mancare proprio niente: mantello verde, mezze lune per bottoni, stivaloni e gufo sulla spalla.

Robin

In vetta alla classifica non poteva che esserci lui, la fedele spalla di Batman, Robin.
Il Ragazzo Meraviglia è stato creato da Bill Finger e Bob Kane nel 1940 e, ammettiamolo, il suo primo look era piuttosto imbarazzante. D’altra parte, il ragazzo proveniva da un circo e il suo primo costume ricordava un costume di scena: colori sgargianti, ampio mantello, calzoncini minuscoli.
Non a caso, il look di Robin è stato sottoposto a più di un restyling, anche al cinema.

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Lucca Comics & Games

Ci siamo, anche quest’anno l’appuntamento più atteso per ogni nerd che si rispetti è arrivato e siamo prontissimi a tuffarci nel Lucca Comics & Games 2019.
Per aiutarvi a rendere meno caotica la vostra esperienza e ad orientarvi nel vastissimo programma di questa edizione selezioniamo per voi, giorno per giorno, alcuni eventi da tenere in considerazione.

Ecco cosa non lasciarsi sfuggire venerdì 1 novembre!

Incontri

L’incontro più succoso di giornata è quello che si svolgerà alle 11.00 in Teatro del Giglio. Amazon Prime Video presenta: Star Trek Picard vedrà Sir Patrick Stewart e il resto del cast incontrare il pubblico. Subito dopo, Lucca Comics & Games renderà onore al grande attore, che imprimerà anche l’impronta delle sue mani per la Walk of Fame. Per partecipare sarà necessario ritirare il biglietto gratuito speciale.

Allw 12.00, poi, il Teatro del Giglio sarà teatro del Tributo a Stan Lee: dalle testimonianze di autori e amici che lo hanno conosciuto, come Chris Claremont e Jim Starlin, ai tributi di alcuni degli artisti italiani, come Alessandro Bilotta, Sergio Ponchione e Tito Faraci. Accompagnati dalle musiche indimenticabili della band Quinto Aere, e la lettura, da parte di Marco Mete (voce italiana di Bruce Willis, Kevin Bacon e Robin Williams) di alcuni estratti dall’ultimo romanzo di Stan Lee.

Alle 18.00 l’Auditorium San Girolamo vedrà invece svolgersi il Convegno Mondiale del Cinema di Menare n.5, a cura de I 400 calci.

Per i più piccoli

Per tutto il giorno il Chiostro 1° ospiterà Buon compleanno, Hello Kitty! Per i suoi 45 anni, la beniamina incontrerà e saluterà tutti i bambini.

Il Viale delle Mura, alle 11.00, ospiterà la Cartoon Network Parade, con accompagnamento musicale e tutti i personaggi iconici del canale.

Anteprime

Alle 10.00 in Auditorioum San Girolamo verrà trasmesso Sacrificio – Star Wars Fan Film, progetto ispirato alla saga che si piazza subito prima del classico del 1977 e che ha vinto il crowdfunding nel concorso Infinity/Eppela. Con le voci di Benedetta Degli Innocenti (Rey) e Ottavia Piccolo (Leia).

Alle 14.00 nel cinema Astra si svolgerà Netflix presenta: The Witcher. Creata da Lauren Schmidt Hissrich, la serie è basata sulla Saga di Geralt di Rivia dell’autore fantasy Andrzej Sapkowski. Sarà possibile incontrare Tomek Baginski (executive producer), Tim Aslam (costume designer) e Andrew Laws (production designer).

Alle 16.00 il Cinema Centrale sarà teatro di InGenereCinema.com e Space OFF presentano: il giro dell’horror. Verrà proiettato il primo episodio e seguirà dibattito con gli autori.

Alle 20.30 il Cinema Centrale trasmetterà in anteprima Dead Ant: Una band metal, un festival musicale nel mezzo del nulla e un’orda di formiche gigantesche e affamate. Dal 2 novembre il film sarà disponibile su tutte le piattaforme Amazon Prime Video.

Conferenze

Alle 10.30 in Auditorium Fondazione Banca del Monte di Lucca si svolgerà Lucca Comics & Games presenta: Lunga vita agli X-Men. Si discuterà sul successo imperituro degli Uomini X insieme agli autori che li hanno resi immortali, a chi prosegue il sogno e al team che permette ai lettori italiani di leggere le avventure dei mutanti.

Alle 12.00 in Auditorium San Girolamo si svolgerà Lucca Comics & Games e CICAP presentano: Leonardo – Tra vere meraviglie e “bufale“ svelate: è dell’uomo Leonardo che Massimo Polidoro ci racconta, sfoltendo il mito da fraintendimenti, errori e vere e proprie bufale.

Alle 14.00 in Auditorium Fondazione Banca del Monte avrà luogo Nathan Never, Sergio Bonelli Editore e Agenzia Spaziale Italiana (ASI): La grande esplorazione spaziale incontra l’orizzonte della fantasia in Nathan Never. Stazione Spaziale Internazionale.

Attività

Da non perdere, Devil Deals – Patti con il Diavolo, organizzato da Lucca Comics & Games e Wizard nel Sottrraneo San Colombano a partire dalle 10.00. Si potrà partecipare a una grande quest interattiva che coinvolgerà fino a 10.000 giocatori all’interno della città di Lucca. La missione sarà ambientata nella storia di “D&D” 2019: “Baldur’s Gate: Descent into Avernus”. La sfida per i giocatori sarà quella di attraversare la città, trovare indizi e, infine, sconfiggere un diavolo per conquistare il premio finale.

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Con Avengers: Endgame si chiude un’era cinematografica per quanto riguarda l’universo Marvel su grande schermo.
Che il film vi abbia soddisfatti o meno, infatti, è innegabile che abbia scritto la parola fine ad un ricco decennio di film dedicati ai supereroi della Casa delle Meraviglie, forgiando il Marvel Cinematic Universe e tracciando la rotta per chiunque voglia cimentarsi con un adattamento cinematografico di un fumetto.

In redazione, quindi, ci siamo chiesti: qual è la scena migliore del MCU fino ad ora?

Morgana

La scena migliore di questi bellissimi 10 anni di MCU secondo me è la battaglia di New York del primo Avengers: per la prima volta vediamo i Vendicatori uniti, 6 persone straordinarie combattono da sole contro un intero esercito di alieni e mostri volanti: che emozione! Menzione d’onore anche alla battaglia finale di Endgame, dall’apertura dei cerchi in poi…

Giakimo

Ufficialmente siamo ancora nella Fase 3 del Marvel Cinematic Universe, eppure dopo Endgame mi sembra corretto dire che siamo arrivati alla fine di una prima lunghissima saga, iniziata con Iron Man e finita 21 film dopo. In tutti questi anni e in tutti questi film ho avuto la fortuna di godermi un numero spropositato di grandissime scene cinematografiche.
In un Discutendo simile di due anni fa avevo indicato il famoso piano sequenza del primo Avengers. Oggi c’è una scena simile ma ancora più bella ed epica: ovviamente mi riferisco alla scena con tutti gli eroi pronti a fronteggiare Thanos alla fine di Endgame. Tutto è perfetto in quella scena, a partire dalla sua costruzione. Capitan America sta perdendo, Thanos lo sta massacrando di botte e sapendo tutto quello che si sapeva prima, ero convinto che in quella scena Cap ci avrebbe rimesso le penne. E invece.
Uno dopo l’altro si aprono sempre più portali e arrivano tutti gli eroi redivivi, pronti alla battaglia finale. Il culmine di 10 anni e 22 film in cui ha reso possibile una resa dei conti quasi da crossover
fumettistico. Al cinema la gente si è alzata in piedi ad applaudire, io ero in lacrime di gioia. E poi Cap dice, finalmente, la frase che tutti noi aspettavamo e parte il tripudio.
L’equivalente cinematografico di una splash page, il momento perfetto di ogni Marvel Zombie, aspettato e sognato fin da quando si giocava coi pupazzetti da bambini.

Giando

Sarò scontato, sarò banale, ma il momento dell’MCU che più mi ha emozionato è quello in Avengers: Endgame in cui “si aprono i cerchietti del dr. Strange” e iniziano a tornare tutti gli eroi svaniti dopo lo schiocco di Thanos di Avengers: Infinity War. Il silenzio nell’aria, le prime scintille arancioni che subito riconosciamo, Black Panther che entra con incedere regale e determinato, e poi via via il ritorno di tutti i nostri personaggi preferiti… che emozione! Ma ancor di più mi sono emozionato quando Capitan America chiama a sé il gruppo: “Vendicatori… uniti!” mi fa venire la pelle d’oca anche adesso che ho già visto due volte Endgame e sono qui a pigiare su di una tastiera. Fantastico.
Menzione d’onore agli intro credits di Capitan Marvel, dove attorno alle lettere che compongono la parola Marvel non vediamo più i protagonisti dei film ma tutti i cameo di Stan Lee, che era scomparso proprio poco prima dell’uscita del film. Mi sono emozionato tanto e mi sono sentito grato per essermi divertito così tanto grazie alla fantasia di un uomo che ha cambiato il mondo del fumetto e, da questo punto di vista, anche del cinema. Grazie, The Man!

LC

È una decisione piuttosto difficile, ché tra tanti film di momenti favolosi ce ne sono stati parecchi. Alla fine però se devo mettermi la metaforica pistola alla testa e scegliere dico l’arrivo di Thor in Wakanda. È perfetto sotto ogni punto di vista, dalla soundtrack che esplode, al momento del film (sia per quello che succede prima sia per quello che succede dopo), all’interpretazione di Chris Hemsworth.
(mi sento sporco a non aver scelto un momento di Spider-Man).

Zeno2k

Una sola? Davvero?
Sarebbe difficile sceglierne solo una a film… ma una, la migliore, in tutta la saga è un’impresa titanica.
Se dovessi fare una top 3 metterei sicuramente l’arrivo di Thor in Infinity War, quando spacca il cielo grazie alla sua ascia. Poi anche l’avanzata delle donne a fine Endgame, quando tutte le eroine si schierano davanti a Thanos: da femminista convinto credo sia uno dei momenti più esaltanti, e dura solo una manciata di secondi. Infine premierei la morte di Yondu in Guardiani 2, uno dei miei momenti preferiti.

Ma insomma: se devo sceglierne uno che rappresenti questi dieci anni, a dirla tutta la scelta è obbligata… E l’abbiamo aspettato tutti per anni.
Vendicatori… uniti!

Penny

Scegliere una sola scena in universo cinematografico così vasto e ricco, per eleggerla come “migliore”, è pressoché impossibile. Fresca di Endgame, penso all’attimo in cui il Capitan America della nostra linea temporale si finge parte dell’Hydra per mantenere il possesso dello scettro. Quell’”Heil Hydra” sussurrato mi ha riempita di uno stupore pregno di entusiasmo, quasi come fossi orgogliosa di lui per essersela cavata in quel modo. Anche la straziante sequenza in cui Spidy svanisce sul finale di Infinity War ha saputo smuovermi (distruggermi?), e quando una scena riesce a coinvolgere tanto da indurre al pianto, merita di essere ricordata. Tuttavia, quella che forse è la migliore per la scarica di entusiasmo che dà è il finale di Thor: Ragnarock. Quando l’armata di Hela attacca l’esercito di Asgard, mentre Hulk è alle prese con un gigante di lava e all’improvviso sopraggiungono le Valchirie e un’astronave e tutto esplode in un apice di trash, mi sono davvero esaltata tantissimo.
Menzione d’onore a tutti i momenti in cui Bucky e Capitan America si riconoscono e, lentamente, riavvicinano: mi hanno sempre fatto entrare pulviscoli negli occhi.

Clack

Metto le mani avanti: sono una spettatrice svogliata quando si parla di MCU. Nel senso che non ho visto tutti i film, né conosco a menadito l’opera omnia fumettistica che fa da sfondo e ispirazione all’universo cinematografico. Detto questo, se devo indicare quella che per me è la migliore scena del MCU, non ho dubbi. Un pianeta sconosciuto, un cacciatore di tesori spaziali si aggira in quel mondo silenzioso e potenzialmente letale, schivando trappole come un Indiana Jones del futuro. E lo fa ballando sulle note anni Ottanta di Come and get your love. E da quel momento il cinema non sarà più lo stesso. La sequenza iniziale di Guardiani della Galassia è, per me, la migliore scena del MCU.

Tencar

Sarò brevissimo: la scena migliore è quella che dà l’origine a tutto ciò che abbiamo visto in questi anni, quei pochi secondi in cui Tony Stark pronuncia la celebre frase “Io sono Iron Man” nel primo film dedicato al vendicatore in armatura.

Gattiveria

Se devo rispondere di getto direi qualunque scena in cui Stan Lee fa la sua comparsata, che vivevo inizialmente con divertita curiosità e ultimamente con i lucciconi. Tra le mie preferite anche la scena rivelazione sul micetto Flerken. Pensandoci con un po’ più di attenzione però, devo dire che i momenti più emozionanti me li ha regalati lo spaccone. Aldilà delle sue uscite sempre sopra le righe, è il personaggio a cui mi sono più affezionata proprio per la capacità di saper andare oltre anche nel riconoscere di aver sbagliato. Quindi il momento per me più forte (forse anche perché coincide con la fine di un’era) è stato il vedere quell’aggeggio che galleggiava sull’acqua con la scritta Proof that Tony Stark has a heart…

La parola ai lettori

Ed ecco cosa ne pensano i nostri lettori, direttamente dal gruppo Facebook.

Daniele Poletti

Secondo me quando Tony Stark dice “Io sono Iron Man“.

Mirko Ferritto

Captain America – Winter Soldier: i momenti sono diversi ma quando lo Shield si rivela essere l’Hydra è l’apice. E poi Cap nell’ascensore!!

Francesco Peace Pace

Infinity war. La sensazione provata a fine film è stata unica e, credo, irripetibile.

Anna J. Herondale

Per me niente supererà mai la scena del primo Avengers, quando i nostri eroi si riuniscono a cerchio con in sottofondo la colonna sonora. Ogni volta che la guardo mi fa venire la pelle d’oca come fosse la prima. Una scena memorabile e iconica.

Tirion Karl Lannister

Il miglior momento? L’inizio: Tony Stark a cena con Fury e la proposta del “Progetto Avengers“.

Marta Maria Casetti

Il momento migliore è che non c’è un momento migliore. Ci sono momenti epici e bellissimi di ogni tipo, ognuno avrà il proprio ed è giusto così, e non si possono confrontare davvero.

Ho avuto la fortuna di vedere Endgame in un cinema con il pubblico che faceva il tifo (nei momenti giusti): sentivi i diversi gruppi di spettatori che si scatenavano per diversi momenti (tutti per la battuta “Avengers: assemble”, ovviamente), con un “Wakanda Forever!” di tre ragazze nere quando è arrivato il team Black Panther, il delirio di tutte le donne sul crossover femminile, chi piangeva per Iron Man e chi piangeva sul finale. Quello è lo spirito, secondo me. Potete scegliere tra pasta all’arrabbiata e cioccolato? No. Ecco.

Poi la mia sequenza preferita è la battaglia finale di Thor: Ragnarok, con Immigrant Song dei Led Zeppelin che spacca tutto in sottofondo e la regia che viene dritta da Jack Kirby. Ma, appunto, quello è il *mio* momento magico del *mio* MCU preferito.

E già che ci siamo… Il movimento di macchina perfetto o quasi: il piano-sequenza che unisce tutti gli Avengers durante la battaglia di New York.

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Recensione

Un antipasto per Endgame?
Me lo sono chiesto a lungo in questi mesi, più o meno dall’esatto momento in cui ho visto comparire il suo simbolo alla fine di Infinity War e ho scoperto che ci sarebbe stata una pellicola prequel, dedicata al celebre Capitano, nella sua incarnazione femminile di Carol Danvers.
Quindi: solo un antipasto, in previsione del piatto forte, o molto di più? Scopriamolo.

Per chi non lo sapesse Capitan Marvel è un personaggio molto datato nella storia della celebre casa editrice. Dal 1967, anno della sua prima apparizione, ad oggi sono stati diverse le identità e le trame alle spalle del Capitano: partendo dalla più remota, Mar-Vell, un ufficiale della milizia militare Kree (gli stessi visti nella serie TV Agents of Shield e in Guardiani della Galassia), passando per Monica Rambeau, umana, ed altri alieni, si arriva finalmente a Carol Danvers, già precedentemente Ms. Marvel e poi Capitano in una serie dedicata al rilancio del personaggio.

Al di là della complessa storia editoriale, dei differenti poteri, dei costumi (di cui alcuni vengono omaggiati qui) e delle infinite sottotrame che permeano le molte pubblicazioni MARVEL, è interessante notare che in questa pellicola MCU, la ventunesima e penultima della Terza Fase, venga scelta proprio la sua ultima incarnazione.
Nel film, ovviamente non c’è nulla di tutto questo, ma fanno la loro comparsa proprio Mar-Vel e Monica Rambeau, una bambina con le idee molto chiare e un futuro verosimilmente già delineato.

Trama

Ma veniamo alla storia, ovviamente priva di spoiler.
Siamo sul pianeta dei Kree e facciamo la conoscenza di Vers , un’affascinante soldato d’élite pronta a difendere il proprio mondo contro le orde degli Skrull, alieni mutaforma perennemente in guerra con i Kree, pianeta dopo pianeta.
Durante un’incursione di salvataggio, Vers viene catturata da Talos e sottoposta ad una procedura atta a rievocare ricordi sepolti, alla caccia di una fonte di energia capace di alimentare astronavi a velocità luce.
La fonte di questo potere è, guarda caso, proprio sul nostro vecchio, rozzo e scalcinato pianeta.

Siamo nel 1995 e sappiamo quanto gli americani amino riportare in vita il loro passato, più o meno recente.
Da qui in poi assistiamo ad un crescendo di citazioni che, per chi è stato ragazzo in quel periodo, come me, e ha vissuto le brutture delle connessioni 56K non potrà fare a meno di ricordare con un sorriso e una punta di nostalgia per un’innocenza ormai perduta.
Certo il confronto con la tecnologia Kree è impietoso, ma buona parte dell’ilarità che permea la pellicola arriva proprio da lì.

È anche l’occasione per trovare un (digitalmente) giovane Nick Fury e scoprire come ha dato vita al progetto Avengers, di come ha perso il celebre occhio e soprattutto di scoprire un lato della sua personalità finora impensabile.
Tra bombardamenti, esplosioni e combattimenti spettacolari, Carol Danvers compirà un viaggio dentro se stessa, nel proprio passato, e nella presa di coscienza non tanto dei suoi superpoteri, ma delle sue capacità tutte umane.

Ed è proprio questo il fulcro su cui registi e sceneggiatori (una squadra ad altissimo contenuto femminile) hanno voluto porre l’accento. Siamo umani, e quindi imperfetti. Ma sono proprio i nostri limiti e le nostre debolezze a darci la possibilità di migliorare, di evolvere. Di scoprire fino a che punto possiamo spingerci e quali incredibili traguardi siamo in grado di raggiungere unicamente con la nostra forza di volontà, con spirito di abnegazione, con testardaggine.
Soprattutto se siamo donne che devono dimostrare di essere molto superiori alle controparti maschili per sperare di essere considerate quasi alla pari.

Cast

A prendere gli elegantissimi panni di Capitan Marvel è Brie Larson che abbiamo potuto ammirare in Room, pellicola che le è valsa Golden Globe, BAFTA, Screen Actors Guild Award e Premio Oscar. Qui è capace di regalare interpretazioni intense, al netto delle interminabili sequenze action, che ne mostrano l’evoluzione in modo convincente.

Inutile citare il sempre immenso Samuel Jackson, che come detto ci regala un Fury morbido e caciarone, competente ma ancora fiducioso nel sistema che rappresenta.
Splendida prova per Ben Mendelsohn (Ready Player One, Robin Hood – L’origine della leggenda) che nonostante il trucco da Skrull riesce a mostrare una bella mutazione del personaggio dai primi agli ultimi minuti del film.

Non posso non citare, ovviamente, Jude Law. Un attore per il quale provo da sempre sentimenti contrastanti ma che è innegabilmente un artista eccezionale, capace di regalare performance di altissimo livello e di esaltare le proprie doti recitative in questa pellicola ricca di plot twist.

Conclusioni

Se vi state chiedendo se il compianto Stan Lee riceve il giusto tributo, sappiate solo che al momento opportuno nella sala gremita per l’anteprima si è levato un lungo, commosso applauso.

Altra cosa: se avete un gatto che vi gira per casa, dopo la visione non lo guarderete mai più nello stesso modo.

Per rispondere alla domanda iniziale, quindi, no: Capitan Marvel non è un banale riempitivo in attesa del 26 aprile. Non è un filmetto utile solo a spiegare qualcosa di uno dei personaggi di Endgame. Tutt’altro.
Grazie alla regia congiunta di Anna Boden e Ryan Fleck (che firmano anche la sceneggiatura), questa pellicola ci consegna un eroe potente da tutti i punti di vista: talmente forte, a pieno regime, che se fossi Thanos ci avrei pensato due volte prima di fare tutto quel casino; ma è anche una donna, forte, capace di amare nel senso più ampio del termine, e di saper prendere le decisioni giuste lasciandosi guidare più dall’istinto che dall’ordine delle cose.

In un mondo prettamente maschile, popolato e dominato da uomini, spesso il nemico è dentro di noi. Siamo noi. E allora solo una donna può salvarci. Splendida, fragile, imbattibile. In una parola Meravigliosa.

Nerdando in breve

Capitan Marvel introduce nell’MCU il personaggio chiave che ritroveremo in Avengers: Endgame.

Nerdandometro: [usr 4.0]

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Recensione

Another definition of a hero is someone who is concerned about other people’s well-being, and will go out of his or her way to help them — even if there is no chance of a reward. That person who helps others simply because it should or must be done, and because it is the right thing to do, is indeed without a doubt, a real superhero.”

Questo affermava il compianto Stan Lee, il Sorridente, il papà di quel meraviglioso universo di fantasia corrispondente al nome di Marvel, che ha avuto il merito di portare i supereroi al livello dell’uomo comune.

Chiunque può essere un supereroe, l’importante è essere disposti a mettere in gioco tutto perché senti di dover dare una mano. Perché c’è bisogno di fare la cosa giusta.

Supereroi con super problemi, persone comuni come me o te che stai leggendo che per qualche motivo ottengono poteri fenomenali, che molte volte la vita gliela incasinano, anziché migliorarla. Prima i supereroi erano dèi; con la Marvel i supereroi divennero esseri umani.

E chi è il più comune fra tutti, quello con la faccia come tanti altri, con una vita normalissima come tanti altri? Chi se non Peter Parker, il secchione Peter Parker, il nostro amichevole Uomo Ragno di quartiere?

Ci sono tanti motivi per amare un personaggio del genere, e il primo che mi viene in mente è proprio l’essere quello più vicino a noi tutti, con i suoi problemi quotidiani come potremmo averli tutti.

Io personalmente adoro l’Uomo Ragno, soprattutto quello del periodo classico in cui c’era Gwen, e il primo periodo di Straczynski, quello in cui Romita jr. ci faceva innamorare con le sue tavole, per capirci.

Io e Peter, però, non ci incontriamo da tempo, perché da quel pasticcio di Brand New Day e della gestione di Dan Slott persi l’interesse per le storie e in generale per seguire l’infinita epopea Marvel, che non mi gasava più come un tempo, se non sul grande schermo.

Proprio lì sopra, dopo gli orribili film con Andrew Garfield, ho ritrovato un grande Uomo Ragno in Spiderman: Homecoming dell’anno scorso, ma mai mi sarei aspettato che sarebbe stato un film d’animazione a folgorarmi e a farmi di nuovo sentire così vicino al caro, vecchio testa di tela.

Non faccio troppi giri di parole e ve lo dico immediatamente, Spider-Man: Un Nuovo Universo è uno spettacolo incredibile.

Davvero, non ci avrei scommesso nulla guardando il trailer e, forse, proprio questo scarsissimo hype che avevo prima di recarmi all’anteprima questa sera, mi ha fatto venire un sorriso da deficiente in sala e mi ha fatto alzare dalla poltroncina verde della sala alleggerito, divertito e soprattutto stupefatto dal lato tecnico di questa pellicola mirabolante.

Ma andiamo con ordine, che già sono confuso di mio.

Trama e personaggi

Spider-Man: Un Nuovo Universo (in originale Spider-Man: Into the Spider-Verse) è un film d’animazione (e che animazione!) facente parte dello stesso universo cinematografico di Venom, recentemente uscito, e della trilogia di Spiderman con Tobey Maguire.

Ma questa cosa potete anche scordarvela, perché oltre a ridere delle scenette con i riferimenti, non vi importerà nulla: la cosa che dovete sapere, forse, è che qui si parla di Ragno-verso, che è una saga fumettistica piuttosto recente riguardante l’Uomo Ragno e che qui serve sostanzialmente come ispirazione sommaria per le vicende che accadono.

Il protagonista, badate bene, non è affatto il celebre Peter Parker ma un tale Miles Morales, che i lettori di Ultimate Spiderman conosceranno bene, dato che nell’universo Ultimate della Marvel è proprio Miles ad indossare il costume del fu Peter, deceduto a seguito di tragici eventi.

Miles Morales è stato creato, come personaggio, nel 2011 da Brian Michael Bendis e Sara Pichelli ed è un ragazzo afro-latino, cosa che all’epoca fruttò critiche alla Marvel, per essere, ad avviso di qualche idiota, troppo politically correct. Ma a noi di queste polemiche sterili, sinceramente, frega poco: piuttosto, ci interessa se le storie sono buone oppure no.

Ebbene, in Spider-Man: un nuovo Universo seguiremo le vicende che porteranno il nostro Miles ad indossare l’iconico costume e ad incontrare altri tizi-ragno di altri universi, per motivi che non starò qui a dirvi.

Sebbene fossi scettico sull’idea di assistere di nuovo ad un racconto di origini o di vedere un crossover, posso solo chiedere scusa agli sceneggiatori e congratularmi con loro per la scelta, perché sono stati in grado di costruire un gran film su di un’idea che poteva risultare piuttosto semplice e già vista.

Le vicende scorrono ad un ritmo perfetto, le due ore di film volano e, nel frattempo, si ride, si piange, ci si esalta e ci si innamora di personaggi caratterizzati in modo eccellente: non solo Miles, ma anche gli altri Uomo Ragno degli altri universi ed i comprimari sono uno spettacolo, per non parlare dei cattivi.

Io adoro i cattivi dell’Uomo Ragno, perché ce ne sono alcuni fessissimi e sfigati come non mai (ed è proprio lì la loro bellezza) che mai ti sogneresti di vedere al cinema. E invece, a volte accade.

Difficile non innamorarsi dello Spiderman Noir con la voce di Nicholas Cage, che parla come se fosse uscito da un film di gangster anni ’40, o della tostissima Spider-Gwen, di cui andrò di certo a recuperare il volume a fumetti. Per non parlare del Peter originale, qui in versione inedita che non vi svelerò, il cui rapporto con Miles mi ha convinto moltissimo.

È tutta la costruzione del film ad essere eccellente, nei suoi siparietti, nei richiami, nelle citazioni e nel voler sfoggiare a tutti i costi il fatto di esser tratto da un fumetto e non vergognarsene.

Si entra e si esce dalle pagine di un fumetto, le didascalie invadono la scena così come dirompono le onomatopee, ma non ci sono note stonate: è tutto coerente con sé stesso, con il fatto che si parla di supereroi, non di impiegati di banca e quindi l’esagerazione, l’osare devono essere all’ordine del giorno.

Anche le citazioni sono piazzate in modo intelligente e non invasivo, come omaggio ai lettori e agli appassionati del personaggio.

Per un Marvel zombie questo film potrebbe risultare, perdonatemi il termine, orgasmico.

Aspetti tecnici

Dal punto di vista tecnico, penso che Spider-Man: Un Nuovo Universo sia tra i film d’animazione più strabilianti che io abbia mai visto. Non so se riesco a descrivere, non essendo del settore, le tecniche utilizzate, ma posso raccontarvi l’assoluta meraviglia che vedrete sullo schermo, un fumetto coloratissimo, dinamicissimo, che vi esplode in faccia e non si ferma mai.

La resa visiva è pazzesca davvero, andatelo a vedere al cinema perché altrimenti vi perdereste uno spettacolo caleidoscopico, che diventa sempre più pazzesco col progredire della pellicola, per arrivare ad un finale allucinante, che potrebbe diventare la nuova pietra di paragone della resa visiva dei film d’animazione dei prossimi anni.

Quasi mi dispiace non trovare schermate esplicative da mostrarvi, ma quasi quasi è meglio così, ve lo gustate al cinema che è sicuramente meglio.

Adoro l’idea di rendere il colore, in certi momenti, come nei vecchi fumetti o nei quadri di Roy Lichtenstein, oppure sfocato come se la pagina del fumetto fosse stampata male ed in generale, dal punto di vista meramente sensoriale, colori e musica la fanno da padrone e vi rapiranno dal primo all’ultimo istante del film.

Piccola nota a margine: ho guardato il film in inglese con i sottotitoli in italiano e il doppiaggio originale è eccellente. Non so come sarà reso in italiano, ma spero si attesti almeno su buoni livelli e su questo ho molta fiducia.

In conclusione

Spider-Man: Un Nuovo Universo è un film meraviglioso, sia dal punto di vista tecnico che dei personaggi e non si vergogna di essere un fumetto di supereroi in movimento, e probabilmente questo lo classifica come uno dei film di supereroi più belli mai fatti.

Di sicuro Spider-Man vede qui uno dei suoi massimi picchi sul grande schermo, e non penso che su questo mi darete torto.

Non per corroborare le mie ipotesi, ma per farvi capire di cosa stiamo parlando, al momento attuale detiene il punteggio massimo sul sito aggregatore di recensioni Rotten tomatoes, e non è affatto una cosa semplice.

Coloratissimo, iperdinamico, innovatore e divertentissimo, non potevo sbagliare di più nel giudicare di poco interesse l’uscita di questa pellicola. Ho riguardato il trailer col senno di poi e vi posso dire, senza falsità, che non vedo l’ora di guardarlo di nuovo.

Spider-Man: Un Nuovo Universo uscirà nelle sale italiane il 25 dicembre, un ottimo regalo di Natale!

Nerdando in breve

Spider-Man: Un Nuovo Universo è stupefacente, a mio avviso uno dei migliori film d’animazione tra quelli usciti negli ultimi anni e forse uno dei più bei film di supereroi in assoluto.

Nerdandometro: [usr 4.8]

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