Dopo aver letto l’articolo introduttivo di Solidea ed essermi incuriosito al fenomeno Sense8, non ho potuto fare a meno di divorare questa interessantissima serie dalla produzione che definire “travagliata” è mero eufemismo.

Il risultato è stato entusiasmo puro e, grazie anche ad una pausa vacanze che mi ha impedito l’indigesto binge watching, ho potuto centellinarmi i 24 episodi rendendoli la mia compagnia per questa estate.
Ora che ho terminato la visione, è giunto il momento di fare qualche bilancio: per me è un enorme sì, ed ecco quindi quelli che, a mio avviso, sono cinque ottimi motivi per guardarla, se non lo avete ancora fatto.

I protagonisti

Una serie, otto protagonisti sparpagliati in tutto il mondo. I personaggi sono belli, azzeccati, delineati con la cura di un cesellatore e dannatamente imperfetti: fuoriescono dagli stereotipi di genere e regalano momenti di una empatia eccezionale. Sono talmente tanti e talmente diversi che è impossibile non trovarne almeno uno o due con cui sentirsi in sintonia. Che siate appassionati di fitness o di arti marziali, che vi piaccia la musica o la chimica (evito di chiedervi se siete degli scassinatori) sicuramente finirete con l’empatizzare con questi protagonisti. Non vi piaceranno tutti allo stesso modo e ne avrete certamente uno preferito, ma il punto è che nessuno di questi è perfetto a prescindere: eccezionale in quello che sanno fare meglio, ma per tutto il resto sbagliano, fanno errori madornali, mentono, ingannano, cercano di salvarsi da un mondo che fa fatica ad accettarli. Ma, sopra ogni altra cosa, amano qualcosa e/o qualcuno più di loro stessi e tutti prima della fine sono capaci di accettare i compromessi che la vita normalmente chiede di abbracciare per far sì che l’amore faccia parte della nostra esistenza. Perché senza di quello, come dice Amanita nel finale, non ha alcun senso vivere.

Siete curiosi di sapere chi è il mio preferito? Sicuramente Lito Rodriguez.

I coprotagonisti

Otto protagonisti e ognuno ha almeno uno/due coprotagonisti; a volte di più. Quando nel finale sono tutti assieme, formano un vero esercito. Impressionante concepire così tanti personaggi tutti ben definiti e concreti, scolpiti a tutto tondo.
Dopotutto nessuno di noi è se stesso se non consideriamo la relazione che quotidianamente ci collega alle altre persone che ci circondano. Questi coprotagonisti hanno contribuito a dare spessore agli Otto, ce li hanno fatti conoscere, li hanno sfidati e messi alla prova e alla fine ne sono usciti tutti vincitori.
Tra i miei preferiti sicuramente la già citata Amanita, interpretata dalla bellissima e bravissima Freema Agyeman (già Martha Jones in Doctor Who ai tempi di Tennant) e The Bug, folle hacker americano che sì, sembra poter entrare in qualsiasi sistema informatico del mondo in un attimo, ma è socialmente completamente disadattato.
Ma che dire della “famiglia” di Lito? Con Hernando e Daniela formano un trio semplicemente fantastico.

I dialoghi

Sono il vero punto forte di questa serie, secondo me. I dialoghi e le storie secondarie, parallele al plot principale. Onestamente credo non mi sia mai capitato di essermi entusiasmato molto sia alle sotto trame che a quella di base; eppure è proprio così. I dialoghi tra Amanita e Nomi, i monologhi innamorati di Hernando, la follia distruttiva di Wolfgang, il compromesso tra fede e ragione di Kala, il misticismo di Sun, il rapporto tra Will e il padre (Joe Pantoliano, sempre stupendo), e potrei andare avanti a lungo: metà del copione sarebbe da stampare e appendere in casa, sotto vetro, da leggere e rileggere per ricordarsi cosa vuol dire essere davvero vivi.

Diverso è bello

Il genio visionario delle sorelle Wachowski ci ha già portato a vivere universi interi grazie a Matrix e a Cloud Atlas. Con Sense8, però, l’asticella viene portata ad una vetta nettamente superiore. Niente effetti fantasmagorici, scene memorabili o tecniche innovative di ripresa: solo la cruda e bellissima diversità umana. Quello che ci viene mostrato, oltre al plot base del prossimo stadio evolutivo, è la banalità del diverso: siamo costretti a confrontarci, episodio dopo episodio, col concetto di “normale” e a vederlo smantellato pezzo dopo pezzo, scardinato dalle nostre convinzioni primordiali per essere assemblato su un piano più elevato.

Non si tratta unicamente di premere l’acceleratore verso un’accettazione della comunità LGBTQ+; siamo invece di fronte a qualcosa di molto più profondo: possiamo anche mettere la testa nella sabbia, ma questo non cambia la realtà delle cose, e le cose (umane) non sono binarie. Non esistono maschi e femmine: la fluidità di genere è una realtà che, prima o poi, riusciremo tutti ad accettare così come per secoli abbiamo faticato ad accettare che fosse la Terra a muoversi attorno al Sole. Ma questo è un processo doloroso, difficile, che apre una lotta continua e costante con pregiudizi e barriere di ogni genere.
Con la scusa del Sense8 (su cui si focalizza l’attenzione del “diverso”), cade completamente il concetto di diversità basato sull’appartenenza di genere: l’essere etero, gay, pansessuali e così via non è altro che una delle molte caratteristiche umane, come il colore dei capelli o degli occhi.

Non voglio farmi illusioni: gli umani si considereranno tutti uguali tra loro solo dopo che verremo visitati da alieni di altri mondi e avremo trovato un nuovo “diverso” da combattere; ma per ora sono felice di aver fatto la conoscenza di altre normalità, diverse dalla mia, eppure ugualmente e semplicemente umane.
L’interpretazione che Jamie Clayton (donna trans) dà di Nomi è semplicemente meravigliosa, così come il suo rapporto con Amanita (donna gay) e i suoi tre papà, e mette in piazza una relazione d’amore che scardina i normali preconcetti che vedono il trans come un uomo (brutto) operato per assomigliare ad una donna (senza riuscirci) interessato a relazioni di solo sesso (magari a pagamento) con altri uomini.
No: la vita, quella vera, è un’altra cosa. Ed è bellissima.

Allo stesso modo vediamo Lito alle prese con il bisogno di nascondere la propria natura per colpa di un’industria (cinematografica) e di un Paese (il Messico) che non lo accetterebbe nel ruolo di action man gay. Potrei spendere mille parole sul suo coming out, ma meglio di me lo ha già fatto in passato la meravigliosa Ellen Page, durante il discorso di apertura della conferenza Time to Thrive dell’organizzazione LGBT Human Rights Campaign. Il video è disponibile su YouTube: se non lo avete ancora visto, correte a farlo. Se lo avete già visto, riguardatevelo.

E che dire di Kala Dandekar? Ho avuto colleghi indiani, in passato, e so quanto le pressioni della società siano incredibilmente violente in India, soprattutto per quanto riguarda il convolare a nozze. Kala si trova ad amare due uomini contemporaneamente e se le regole della società le imporrebbero di fare una scelta, lei su ottimo suggerimento di Bug, ne fa una nuova, “diversa”: perché dover scegliere un solo uomo amato, quando si possono avere (ed amare) entrambi?
Eccezionale, infine, il rapporto di Sun con un altro tipo di costrizione sociale: quella orientale che vede e vuole la donna su un piano inferiore a quello degli uomini. Ha promesso a sua madre, sul letto di morte, di badare al fratello: lei, per questo (folle) senso del dovere, accetta di farsi carico delle azioni illegali da lui commesse, andando in prigione al posto suo per non screditare il nome della famiglia: dopo tutto il nome di una donna non vale come quello di uomo, giusto?
Ecco un’altra normalità che va scardinata con tutte le forze di cui siamo capaci.

Le location

Sense8 è stato un progetto faraonico, per una serie TV: decine di location, troupe sparpagliate in mezzo globo, e attori che hanno fatto 4 volte il giro del mondo per completare tutte le riprese (oltre 100 mila miglia in volo effettuate).
Non mi stupisce che sia incappato in cancellazione: il costo per episodio ha sfondato quota 9 milioni di dollari. Per intenderci: il costo medio degli episodi di The Game of Thrones è di 6 milioni. Davvero troppo per un’audience limitata agli utenti Netflix.

Eppure le location sono proprio uno dei punti forti. Da Nairobi a Mumbai, da Berlino a Reykjavik, da Londra a Città del Messico per non parlare del Season Finale che ci ha portati anche nella nostra Napoli (con scene mozzafiato dei palazzi storici) con tanto di omaggio alla celebre pizza; i personaggi di Sense8 ci hanno fatto vivere la quotidianità di quei Paesi, delle città e delle nazioni. La difficoltà della corruzione e della violenza in Kenya; l’affollamento indiano; la poetica dolcezza di San Francisco e l’armonia del paesaggio islandese: senza queste location lo show non avrebbe funzionato altrettanto bene.

Ecco: questi sono i cinque motivi per cui secondo me Sense8 merita di essere visto e vissuto.
La cancellazione ha dato un colpo di spunta a tante, troppe, sotto trame lasciate in sospeso: che ne sarà della carriera hollywoodiana di Lito? Oppure risolte in modo frettoloso, come i crimini di Sun, o ancora appena abbozzati come la cerchia di Lila Facchini (interpretata da Valeria Bilello) che avrebbero potuto rivelare plot interessanti; i cliffhanger lasciatici in eredità dalla seconda stagione resteranno fondamentalmente sussurrati ma, nell’economia globale, forse le cinque stagioni preventivate erano persino troppe.

Abbiamo una conclusione, ed è una di quelle dalla carica emotiva straordinaria. E va bene così: è abbastanza “normale”.

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L'articolo 5 motivi per guardare Sense8 su Netflix proviene da Nerdando.

Non è raro, nel feroce mercato del cinema, che certi titoli vengano snobbati, criticati e infine definitivamente bocciati. Molte volte succede a ragione, ma in altri casi ci sono film che vengono distrutti da critica e pubblico perché non vengono capiti subito o perché alcuni difetti accecano gli spettatori impedendogli di vedere oltre.

Alcuni si riabilitano in seguito, come è successo a Blade Runner, diventando classici, ma altri finiscono nel dimenticatoio come questi cinque che ho voluto mettere sotto una rinnovata luce. Offese e ingiurie non vi temo!

Mars Attacks (Tim Burton – 1996)

Flop clamoroso in patria, un poco meno all’estero, questa parodia fantascientifica ha le stesse premesse de “La Guerra dei Mondi“, non quello di Spielberg. È un film inquietante, ma in modo diverso dai soliti film di Burton. L’ironia e il sarcasmo sono forse troppo fini a tratti e non viene risparmiato nessuno.

Dai bifolchi del Midwest fanatici delle armi, ai ricconi di Las Vegas. Dalla famiglia presidenziale fino al grande esercito degli Stati Uniti d’America (questa parte andava letta in tono solenne con un’aquila sul braccio). Anche i seguaci delle filosofie new age e i mass media finiscono a fare la parte dei perfetti idioti e questo al popolo americano non deve essere piaciuto nemmeno un po’.

Partendo dal fatto che la guerra con i marziani parte per via della gestione raffazzonata dell’evento da parte del governo, fino alla pesante critica al sistema militare, vediamo tutta una serie di attacchi più o meno feroci mascherati da gag. Non è un caso che gli unici personaggi positivi siano quelli più razionali e con i piedi per terra: la figlia decisamente poco istituzionale del presidente, il giovane commesso che si preoccupa di tutti e il padre di famiglia che fa tanto working class hero.

Alla fine ne esce un film che se visto come un “parente comico” di Independence Day è una roba da poco, ma che diventa soddisfacente se riuscirete ad apprezzarne il valore, nascosto nell’ironia sopra le righe che i personaggi, Jack Nicholson con il suo doppio ruolo fra tutti, riescono a tirar fuori.

Detention (Joseph Kahn – 2011)

Ogni tanto sentite definire un regista come “visionario” o “surrealista”. Ebbene, Detention è pronto a farvi ridimensionare il concetto dietro a questi termini.

Non è semplice descrivere la trama in modo da rendere il senso dell’assurdo contenuto in questa pellicola senza fare spoiler. Proviamoci.

Nella Grizzly Lake High School, l’istituto che frequentano i tre protagonisti, si aggira un serial killer, che si fa chiamare Cinderhella. Dopo diversi omicidi, il preside della scuola decide di mandare tutti i tipi sospetti in punizione durante il ballo di fine anno, sperando di bloccare l’assassino.

Sembra semplice, ma non lo è. Quella che sembra una semplice premessa è condita da una quantita incredibile di elementi assurdi, surreali o comunque apparentemente fuori luogo. L’unico momento che posso descrivere senza rivelare niente della trama è quello degli stacchi che, disseminati durante tutto il film, ci mostrano l’avventura di un grizzly robot su di un mondo alieno.

Queste scene arrivano dal nulla, nonostante non siano affatto parte integrante della trama (o forse sì…?) e forse è qui che si nasconde il problema. Molte cose sono lasciate totalmente senza motivazione, da prendere così come sono, però se l0 fa Lynch è un capolavoro, se lo fanno altri… flop!

Questa è la causa principale, ma anche il fatto che Detention passi costantemente da un genere all’altro mette a disagio lo spettatore. Mettete nel calderone anche un po’ di violenza disturbante dove non te l’aspetti e un montaggio molto frenetico e a volte disorientante e il fallimento (immeritato) è assicurato.

Speed Racer (Fratelli Wachowski – 2008)

Dopo il successo cult della saga di Matrix, i Wachowski (al tempo ancora Larry e Andy, ecco perché il maschile), decisero di imbarcarsi in un progetto fra i più assurdi e difficili da realizzare: un adattamento live action dell’anime del 1967, ispirandosi però in parte anche al videogioco, conosciuto da noi come Superauto Mach 5. In questa serie, il protagonista, Speed Racer appunto, si trovava ad affrontare numerose gare contro altrettanti corridori dotati di auto super accessoriate, con gadget di cui il Batman di Adam West sarebbe stato invidioso. Tanto per dare un’idea, parliamo di seghe rotanti che escono dal cofano e di respiratori per guidare sott’acqua.

Questo progetto nasce nel 1992 e ha visto un susseguirsi di nomi anche importanti durante le sue varie incarnazioni. Inizialmente, niente meno che Johnny Depp venne assunto per il ruolo del protagonista e sulla sedia del regista e dello scrittore sono passati personaggi del calibro di Gus Van Sant, Alfonso Cuarón, Hype Williams e J.J. Abrams.

Insomma, Speed Racer faceva gola. Ma cos’è successo quindi? Perché è stato un flop così epico? Senza dubbio il problema è da cercare nell’utilizzo scriteriato di una quantità abnorme di effetti digitali, fra l’altro di qualità infima. Unite questo problema al fatto che la tavolozza di colori del film abbia dei colori che definire accesi è un delicato eufemismo ed ecco che il pubblico crolla.

Perché salvare questa pellicola allora? Perché nel suo pasticcio di fiammeggiante CGI i Wachowski hanno inserito tanta sperimentazione ben riuscita. Le scene sono molto simili, come ritmo e caratterizzazione, a quelle di un cartone animato giapponese, senza però risultare più ridicole del dovuto e riesce ad adattare in modo sensato addirittura una gara contro una “ghost car”, un classico dei videogiochi di guida.

Stessa origine anche per l’assurdo funzionamento delle auto da corsa che vediamo. Il motivo per cui queste ruotano su loro stesse è che nel gioco per DOS di Accolade (che è stato fra l’altro il mio primo videogioco in assoluto!), una volta andati in testacoda la macchina continua ad andare a dritto come se nulla fosse dando l’impressione che abbia delle ruote… rotanti!

Andando poi a guardare gli aspetti più seri, impossibile non riconoscere la buona performance degli attori, John Goodman su tutti. L’atmosfera vivace e luccicante nasconde un mondo spietato e violento che si manifesta soprattutto nella seconda parte del film. C’è da dire che anche le scene su set, quelle praticamente prive di effetti speciali, hanno un loro perché. Le inquadrature diventano interessanti, così come i giochi di luce… viene da chiedersi perché diamine non potesse essere fatto tutto così!

Finito il film, invece che pensare alle diottrie perdute, potreste pensare di aver visto qualcosa di effettivamente folle, ma sotto sotto geniale, a modo suo. Dai che vi è venuta voglia di rivederlo!

Super Mario Bros (Rocky Morton and Annabel Jankel – 1993)

Uno dei più controversi film di sempre della cultura geek. Altro adattamento, questa volta videoludico, viene bistrattato da ormai quasi 25 anni per motivi non molto chiari. Di fronte all’impossibilità oggettiva di vendere un film basato su un mondo di funghi, fiorellini e tartarughine, a qualcuno è venuto in mente di stravolgere tutto e rendere Super Mario… cyberpunk!

Ricordiamo che sono gli anni ’90 e questo è uno stile che si sta facendo sempre più sentire. La premessa è tutto sommato semplice: l’asteroide che avrebbe dovuto porre fine ai dinosauri ha aperto una spaccatura dimensionale, in cui sono andati a vivere, e si sono evoluti, i suddetti rettili. Qui hanno creato una società particolare, simile a quella umana ma diversa in molti aspetti.

Intanto, le auto sono elettriche e funzionano in modo simile agli autoscontri. Non hanno freni e si fermano solo andando a sbattere contro un gigantesco elastico. Questa è anche una delle geniali follie che più mi ha colpito. In questo universo, il Re Toad è stato destituito e devoluto dal golpista Koopa (ovvero Bowser) il quale manda i nipoti nel mondo degli umani a rapire la principessa perduta, Daisy. Mario e Luigi si troveranno invischiati loro malgrado in questa operazione e durante una riparazione di tubi nelle fogne, finiranno nel mondo dei dinosauri. Una delle chicche è la parte in cui i due idraulici finiscono attraverso un tubo in una zona desertica con cumuli piramidali…

Insomma, è effettivamente la trama standard di un qualsiasi platform dei fratelli Mario! Quindi, ricapitoliamo: è un adattamento del videogioco infarcito con una quantità di citazioni da far invidia a un film Marvel, con tinte dark e realistiche, attori del calibro di Bob Hoskins e Dennis Hopper che interpretano personaggi comici (ma nemmeno troppo), grotteschi e convincenti… Praticamente quello che in molti vogliono da Nintendo per i loro videogiochi!

Cos’ha la gente da lamentarsi adesso? Purtroppo la classica lamentela è “non c’entra niente con Super Mario!”

Eh, invece no. Se evitiamo di fermarci alla prima impressione viene fuori tutto il lavoro di fino, fatto per adattare una roba inadattabile come Super Mario Bros., l’archetipo di platform puro, senza trama. Sarà per questo che forse è davvero la trasposizione più riuscita di un videogioco? Guardatelo senza troppe pretese, come fareste con un qualsiasi film d’azione becero e vi divertirete genuinamente, magari rimarrete pure stupiti da dettagli che non avevate colto e apprezzerete lo sforzo di questa assurda pellicola.

Nota finale: Super Mario Bros. è anche uno dei primi film, se non il primo, ad avere una scena post-credits oltretutto molto divertente! Qui vediamo i nipoti di Koopa che vengono contattati da agenti di Nintendo (sì avete letto bene) per creare un gioco su di loro, Super Koopa Bros.

Altro che Nick Fury!

Star Wars – Episodio I: La Minaccia Fantasma (George Lucas – 1999)

Non temo niente e nessuno! Il capitolo più bistrattato della più grande saga di sempre non merita questo trattamento e adesso vi spiegherò perché.

I principali motivi per cui il ritorno di Lucas al cinema è così odiato sono più o meno tre: hype, Anakin e ovviamente Jar Jar Binks. Il primo di questi è un po’ deboluccio. Molti si aspettavano lo Star Wars di sempre, un’avventura fantastica e fantascientifica più vicina a Indiana Jones che a Star Trek. Ecco che il Giorgione californiano, invece, tira fuori un film che parte con blocchi commerciali, trattative politiche e continua lentamente fino alla parte in cui viene mostrato il senato di Coruscant per la prima volta, con tutte le sue meccaniche poco esplosive. L’inserimento di tematiche più complesse atte al rendere viva la galassia lontana lontana non sono piaciute a quanto pare.

Passiamo ad Anakin, il povero bambino odiato da troppi. Perché? Probabilmente l’ingenuità, ma soprattutto i dialoghi poco ispirati sono il suo problema più grande. A dirla tutta, molti dei dialoghi dei personaggi secondari sono in effetti un po’ blandi e questo è il problema più grande del film, ma l’ingenuità del personaggio centrale della saga e di alcune scene che spezzano il tono del film sono funzionali all’insieme. Questa è l’origine di Darth Vader, Episodio I doveva mostrare il bambino strappato dalla madre e di come la sua purezza e ingenuità vengano progressivamente distrutte fino al culmine di Episodio III. Il tono dei film riflette infatti l’evolversi del personaggio di Anakin, così come il tono della trilogia classica riflette il cambiamento di Luke, da ragazzo desideroso di avventure a uomo che si confronta con le difficoltà della vita a cavaliere Jedi ben formato e pronto a combattere grandi battaglie. Certo, qualche buffonata del calibro di “Qui-Gon mi ha detto di restare in questa carlinga e io ci resto” poteva evitarla.

Passiamo al punto più dolente. Jar Jar. Come è possibile che un personaggio presente per 17 minuti di un film di 136 sia così importante e prominente da renderlo una schifezza? Beh, a quanto pare il problema è che nella galassia di Star Wars non possono assolutamente esserci idioti, ma devono essere tutti personaggi carismatici ed epici. In realtà il grosso problema di Mr.Binks è che le sue battute sono assolutamente superflue e distraggono dalla sua vera natura. Per quanto sia pensato come personaggio comico, Jar Jar è rappresentato, sia nella trilogia prequel che in The Clone Wars, come un personaggio negativo. Tutti, dal primo all’ultimo lo trattano come una pezza da piedi (tranne forse Amidala e Anakin), in quanto inaffidabile e distratto, più che goffo. Il fatto che in seguito il suo voto sia fondamentale per la nascita dell’esercito dei cloni, e quindi per la nascita dell’Impero, fa trasparire come Binks rappresenti l’ignoranza e la stupidità che portano a conseguenze negative, infatti, ogni sua azione portano problemi e distruzione. Può far ridere, certo, ma se lo leggiamo sotto un’altra luce, è tutto tranne che divertente.

Tolti questi problemi, ci resta un grande film introduttivo di avventura, che getta una visione più ampia del mondo con corse di sgusci, politica, filosofia Jedi e personaggi così carismatici da restare nell’immaginario pur avendo un paio di battute, ovviamente sto parlando di Darth Maul, il Boba Fett del 2000. Gli effetti speciali sono migliori rispetto a quelli del resto della trilogia e la colonna sonora di John Williams ha raggiunto una vetta che non ha poi recuperato con i due episodi seguenti, grazie soprattutto al brano Duel of the Fates. Tutti sembrano poi dimenticare l’ottimo lavoro di Ewan McGregor e Liam Neeson, che nei panni dei Jedi protagonisti ci regalano i migliori cavalieri di tutta la saga.

“Avevate ragione maestro. I negoziati sono stati davvero brevi.”

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