Un connubio originale

Cinema e gioco di ruolo: un connubio non solo possibile ma anche perfettamente amalgamato. Esistono, naturalmente, film basati o ispirati a popolari giochi di ruolo (Dungeons & Dragons – L’onore dei ladri è diventato una delle mie pellicole preferite in assoluto) ma quello che voglio fare oggi è un discorso diverso.
Ho voluto soffermarmi sui film che mi è capitato di guardare nella vita, ragionando su quali si presterebbero benissimo per una campagna di gioco di ruolo: nessun legame, quindi, con giochi di ruolo esistenti nei titoli che ti proporrò ma semplicemente un’allure che io trovo perfetta per fare il passaggio inverso e, magari, sedersi intorno al tavolo e creare un’avventura che richiami le atmosfere viste su schermo.

La mummia (1999)

Mi riferisco rigorosamente alla pellicola del 1999 con questo titolo: il film d’avventura per eccellenza! Diretta da Stephen Sommers e interpretata da Brendan Fraser e Rachel Weisz, è una pellicola che non mi stanco mai di guardare.
L’opera è ispirata all’omonimo classico del 1932, parte dello Universal Monster Universe ma, a ben guardare, sarebbe perfetto per una campagna d’avventura.

Nel film troviamo un party estremamente variegato destreggiarsi in un’esperienza fuori dal comune: viaggi, avversari apparentemente imbattibili, antichi artefatti, incantesimi e formule magiche, missioni collaterali. Insomma, qui c’è tutto quello che serve e, onestamente, mi stupisco che nessuno abbia ancora pensato a trasformare il film in gioco di ruolo!

Stardust

Se cerchi ispirazione per una campagna fantasy ricca di sfide e colpi di scena, allora Stardust è decisamente il film a cui guardare. Diretto nel 2007 da Matthew Vaughn e interpretato da una parata di stelle tra cui Charlie Cox, Claire Danes, Sienna Miller, Ricky Gervais, Mark Strong, Rupert Everett, Peter O’Toole, Michelle Pfeiffer e Robert De Niro è tratto dall’omonimo romanzo di Neil Gaiman.

La storia è perfetta per una campagna di gioco di ruolo a tema fantasy: un mondo fantastico, un giovane che cerca di salvare una stella da una perfida strega e tutto il corredo che ci aspetteremmo tra aiutanti, antagonisti, artefatti e missioni apparentemente impossibili da portare a termine.

La notte dei morti viventi

Lo zombie movie per antonomasia, quello con cui nel 1968 George A. Romero traccia la rotta per un genere intero. Nulla, nel cinema, sarà più lo stesso dopo l’uscita di questo film. E, a ben guardare, tutta la vicenda si presta benissimo per una campagna di gioco di ruolo a tema zombie.

Quante volte, guardando il film, ci siamo detti che i protagonisti prendono tutte le decisioni più sbagliate possibili? Bè, è quello che succede facilmente anche quando giochiamo di ruolo! Tra tiri di dadi e difficili scelte da prendere, i protagonisti del film cercano di sopravvivere all’apocalisse zombie che si trovano ad attraversare. E non sempre ci riescono.

Questi sono i tre film che, secondo me, sono perfetti per dare vita a una campagna di gioco di ruolo! Ti sembrano adatti? Tu quali avresti scelto? Sono molto curiosa di saperne di più!

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Settembre è tradizionalmente il mese dei nuovi inizi! E allora andiamo a scoprire le novità che Eagle Pictures ha in serbo per noi per il mese di settembre 2024!

Ce ne sarà per tutti i gusti in questo principio di autunno: i titoli che Eagle Pictures aggiunge al suo catalogo home video, infatti, spaziano tra i generi, per accontentare ogni tipo di spettatore.

Si comincia con un cult indiscutibile, pietra miliare della cinematografia: stiamo parlando di Taxi Driver! L’immortale capolavoro di Martin Scorsese, interpretato da Robert De Niro e una giovanissima Jodie Foster, sarà disponibile per la prima volta in versione Stelbook 4K, con doppio disco BD 4K + BD HD a partire dal 4 settembre 2024.

Per chi ama il cinema italiano, la data da segnare sul calendario resta comunque il 4 settembre, quando sarà disponibile Un mondo a parte. Diretto da Riccardo Milano e interpretato da Antonio Albanese e Virginia Raffaele, l’acclamata pellicola racconta il mondo della scuola, regalandoci al contempo incredibili scorci del Parco Nazionale d’Abruzzo. Il film sarà disponibile in DVD e Blu-Ray.

Per gli appassionati di animazione giapponese, a settembre un titolo da non perdere. A partire dall’11 settembre, infatti, arriva Lupin III – Il Castello di Cagliostro, co-scritto e diretto da Hayao Miyazaki al suo esordio nel panorama del lungometraggio. A partire dall’11 settembre troverete questo titolo da collezione in DVD, Combo (doppio disco BD+DVD) e in 4K (BD 4K + BD HD). Quest’ultima versione, con slipcase numerata a tiratura limitata, contiene anche lo storico doppiaggio italiano del 1979 e una maxi card e un booklet con tantissime curiosità.

Infine, se l’azione è il vostro pane quotidiano, sarete strafelici di ritrovare la coppia di poliziotti interpretata da Will Smith e Martin Lawrence. Bad Boys – Ride or Die è disponibile a partire dal 25 settembre in DVD, Blu-Ray, 4K e Steelbook 4K. Dalla stessa data sarà inoltre disponibile il cofanetto da collezione contenente tutti e 4 i capitoli dell’amata saga action.

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Recensione

Devo dire che ero un po’ inquietata dalle 58 pagine di press kit e ho letto tutto prima di andare all’anteprima, cosa che mi ha preoccupato ancora di più. Mi aspettavo di dover affrontare una versione complessa di Cloud Atlas in cui il rapporto tra tre soggetti principali in un contesto temporale che cambia, passando tra fatti realmente accaduti e totale invenzione, mi avrebbe fatto uscire dalla sala quantomeno con un gran mal di testa. In realtà ne sono uscita in lacrime, commossa per le battute, le riflessioni che evoca e la bravura degli attori.

Dato il calibro del cast tecnico ed artistico non mi ha stupito il livello qualitativo della fotografia, delle scene o dei costumi. Provate ad immaginare il più duro dei Batman, il macellatore di Dei, il Patrick Bateman cinematografico, che riesce ad essere tenero, impacciato, innamorato e fragile. Il suo personaggio, animato dai più alti sentimenti di compassione e senso dell’amore e dell’amicizia, è a mio parere meraviglioso.
Mettetegli accanto Al Capone, o il taxi driver o il padre agente segreto di Ti presento i miei e provate ad immaginarlo come un personaggio che pur di rimanere dalla parte dei giusti, rinuncia a tutto in nome del bene. Margot Robbie, al solito perfetta e tutti gli attori totalmente azzeccati.

Nella sceneggiatura originale ho trovato almeno cinque o sei frasi che ritengo meravigliosi aforismi.
È la verità su quello che cambia (e che non cambia mai) nella vita delle persone, quello che davvero mi ha colpito. Non entro nei dettagli perché è una storia articolata e ricca di eventi che non vanno svelati per non rovinare sorprese.

Di che si tratta? Delle cose veramente importanti, quelle che ti fanno capire se hai fatto le scelte giuste, se spendi la tua vita per una causa che senti tua, se ti relazioni al prossimo ricordando sempre chi hai di fronte.
Una serie di questioni eternamente attuali che lasciano lo spettatore davanti ad uno specchio riempito di intime domande.

Il progetto

Amsterdam è un progetto partito cinque anni fa in un ristorante del Westside in cui Russell era a pranzo con Christian Bale e si ipotizzava la realizzazione di un film, senza fretta né limiti di tempo. Con un lunghissimo brainstorming pieno di libri letti, citazioni ed ispirazioni reciproche, lo hanno costruito insieme collaborando dal concept al montaggio finale.

A proposito della realizzazione di questo film, il regista David O. Russell ha detto: “L’amicizia e l’amore sono le fondamenta di questo film e, per me, la cosa più importante è l’amicizia tra questi personaggi. L’amicizia tra Harold Woodman e Burt Berendsen è particolarmente importante: hanno fatto un patto e giurato di proteggersi a vicenda e non lasciarsi morire, che poi viene esteso anche a Valerie Voze. Questo patto è il pilastro della storia. È bello avere amici come questi, che hanno visto il meglio di te e possono aiutarti a ricordarlo, a tornare a dare il meglio di te stesso”.

Trama

Amsterdam ha una trama epica e passa attraverso importanti periodi storici intrecciando un thriller investigativo tra realtà e fatti inventati. I protagonisti diventano grandi amici e attraverso la loro avventura, rinnovano continuamente il legame che li unisce. Come in tutte le storie che raccontano un’esistenza ci sono fatti spiacevoli, persone cattive e incontri memorabili che li mettono alla prova continuamente.

Cast e Regia

Oltre ai grandissimi attori già citati troviamo John David Washington, Alessandro Nivola, Andrea Riseborough, Matthias Schoenaerts e Timothy Olyphant.

La squadra creativa comprende il direttore della fotografia vincitore di tre Oscar Emmanuel Lubezki, il montatore premiato con l’Emmy Award Jay Cassidy, il costumista vincitore di due Academy Award Albert Wolsky. Insomma, quest’anno ci si aspetta qualche statuetta.

Curiosità

Amsterdam è stato girato a Los Angeles e dintorni nei primi mesi del 2021, con una pre-produzione durata cinque anni.
Con un cast composto da 15 persone e riprese di 50 giorni, con le complicazioni dovute dalla pandemia.

Trattandosi di un film in costume che copre 15 anni di tempo in due periodi storici differenti e che ha richiesto effetti visivi e location reali (come il transatlantico Queen Mary che è stato trasformato in un hotel o il cinema Palace Theatre utilizzato per le scene dell’annuale gala dei veterani di New York e che si trova nel centro di Los Angeles), è stata necessario un lavoro impressionante di allestimento e timing.

La scenografa Judy Becker, che ha lavorato con il regista per altri quattro film, si è fatta carico di ogni dettaglio della scena dagli oggetti presenti in ciascuna stanza ai segnali stradali per le strade di New York, necessariamente legati ai diversi periodi storici, ma che al tempo stesso dovevano apparire senza tempo.

Trailer

Nerdando in breve

Amsterdam è la storia magnifica di un’amicizia senza tempo. Non perdetela.

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Febbraio 2022

Pronti a scoprire le novità home video di febbraio 2022? Sfogliamo insieme il catalogo Koch Media, Midnight Factory e Anime Factory!

Koch Media

Sarà un febbraio all’insegna del divertimento quello che ci propone Koch Media. Tra i titoli che questo mese si aggiungono al catalogo non si può dimenticare Fusi di testa, spassoso party film con Mike Myers che festeggia il trentennale. Dal 17 febbraio sarà disponibile in una speciale edizione Steelbook in Blu-Ray.

Assolutamente da non lasciarsi sfuggire è Clerks, commedia grottesca sul mondo dei commessi diretta nel 1994 da Kevin Smith e assurta al ruolo -meritatissimo- di piccolo cult. Questo gioiellino del cinema indipendente che non passa mai di moda sarà disponibile dal 17 febbraio in DVD e Blu-Ray.

Non solo risate, comunque, perché nel febbraio di Koch Media c’è spazio anche per il dramma, rappresentato perfettamente dal grande classico Il paziente inglese, diretto da Anthony Minghella e interpretato da Ralph Fiennes e Juliette Binoche. Dal 17 febbraio lo troverete in DVD e Blu-Ray.

Grande rappresentante del genere è anche Il Petroliere, diretto da Paul Thomas Anderson e interpretato da un intenso Daniel Day-Lewis. Il film sarà disponibile sempre dal 17 febbraio, in DVD e Blu-Ray.

Infine da segnalare c’è il controverso Southland Tales, opera seconda di Richard “Donnie Darko” Kelly, dal 17 febbraio in DVD e Blu-Ray, e L’Arminuta, tratto dal romanzo best seller di Donatella Di Pietrantonio, in DVD e Blu-Ray sempre dal 17 febbraio.

Midnight Factory

Brividi ed emozioni forti sono il leit motiv di Midnight Factory, che questo mese propone titoli da non perdere.
Si comincia con Romero Film Collection, un esclusivo cofanetto dedicato all’indiscusso Maestro dell’horror con quattro sue pellicole: There’s always vanilla, La stagione della strega, La città verrà distrutta all’alba e The amusement park.
L’edizione limited più booklet è distribuita in 1000 copie limitate in DVD e Blu-Ray e sarà in esclusiva su Fan Factory a partire dal 17 febbraio.

Un altro cofanetto da non lasciarsi sfuggire è Cape Fear Collection. L’edizione limited più booklet, distribuita in 1000 copie numerate, contiene il classico del 1962 Il promontorio della paura, interpretato da Gregory Peck e Robert Mitchum, e il remake che nel 1991 ne trasse Martin Scorsese, Cape Fear – Il promontorio della paura, interpretato da Nick Nolte e Robert De Niro.
Dal 17 febbraio sarà in DVD e Blu-Ray in esclusiva su Fan Factory.

Anime Factory

È uno dei personaggi più amati degli anime e, dopo il successo del primo film, è pronto a tornare con il sequel. Doraemon – Il film 2 è un’esclusiva Anime Factory numerata in 1000 copie, con card da collezione.
Sarà disponibile solo su Fan Factory a partire dal 17 febbraio, in DVD e Blu-Ray.

Dopo il successo sul grande schermo, Digimon Adventure Last Evolution Kizuna è pronto ad irrompere anche nell’home video. Il film che celebra il 20° anniversario del franchise che ha segnato una generazione arriva dal 17 febbraio in DVD e Blu-Ray, in edizione limited con booklet e card.

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Mamma, ho perso l’aereo

Era il 16 novembre 1990 quando nei cinema degli Stati Uniti usciva una commedia natalizia per famiglie destinata ad entrare nel mito.
Mamma, ho perso l’aereo, diretto da Chris Columbus, ha lanciato la stella (cadente, si potrebbe dire. Ma questa è un’altra storia) del giovanissimo Maculay Culkin, che all’epoca aveva solo 10 anni.

Clamoroso e immediato successo, Mamma, ho perso l’aereo è diventato rapidamente uno dei film di Natale per eccellenza, programmato ancora oggi in tutto il mondo. Con un remake all’orizzonte già annunciato da Disney, abbiamo pensato di celebrare i 30 anni della pellicola ricordando alcune curiosità legate alla sua realizzazione!

Ideazione

Sebbene Mamma, ho perso l’aereo sia legato nell’immaginario comune indissolubilmente al nome del regista Chris Columbus, la sceneggiatura è stata firmata da John Hughes ed è sua l’idea alla base della pellicola.
Hughes, infatti, era in vacanza in Europa con la famiglia quando ebbe l’illuminazione: e se uno dei ragazzi fosse stato dimenticato a casa? Due settimane dopo, il copione era pronto.

Chris Columbus, in quel momento, stava lavorando ad un’altra commedia natalizia: Un Natale esplosivo, con Chevy Chase. Le incomprensioni con l’attore protagonista, però, rendevano la lavorazione esasperante e, una volta letto il copione di Hughes, Columbus non ebbe dubbi: abbandonò il progetto per dedicarsi a Mamma, ho perso l’aereo. Inutile ricordare quale, tra i due film, sia rimasto di più nella memoria collettiva…

Cast

Il giovanissimo attore Maculay Culkin era nella mente di John Hughes fin dal primo momento: avevano già lavorato insieme per Lo zio Buck e lo sceneggiatore era certo che fosse perfetto per la parte. Chris Columbus volle comunque sostenere le audizioni ma, dopo più di 200 provini, si convinse di aver trovato il suo Kevin McCallister appena Culkin aprì bocca.

Nei panni del pericolo ladro Harry Lime (nome omaggio ad un personaggio del film Il Terzo Uomo, sceneggiato da Orson Welles) doveva esserci Robert De Niro, che però preferì rifiutare la parte. Al suo posto, venne scelto un altro re del gangster movie, Joe Pesci. L’attore si è dimostrato una scelta azzeccata e si è anche calato molto nella parte: durante la lavorazione, trattò sempre Maculay Culkin in maniera scostante, per fargli credere di essere davvero cattivo; durante un ciak di prove, inoltre, morse per sbaglio un dito del bambino, tanto da lasciargli una cicatrice.

Anche Daniel Stern, nel ruolo del ladro Marv, si è dimostrato un interprete versatile, tanto da recitare senza problemi perfino con una tarantola sul naso. Sì, l’animale era vero. Ad essere aggiunto in postproduzione, invece, l’urlo di Marv: registrarlo dal vivo avrebbe spaventato l’aracnide.

Sul set di Mamma, ho perso l’aereo, in generale, si creò una buona sintonia tra gli interpreti e si improvvisò molto e anche una delle battute più famose del film, pronunciata da Kevin all’indirizzo dei ladri (Allora, ne avete avuto abbastanza?) è stata totalmente improvvisata.

Film nel film

Uno degli elementi più riconoscibili di Mamma, ho perso l’aereo è sicuramente il film di gangster che Kevin guarda in TV, terrorizzandosi. È rimasto così tnato nell’immaginario da essere citato in lungo e in largo e da essere inserito anche nel sequel, Mamma, ho riperso l’aereo: mi sono smarrito a New York.

La particolarità, però, è che Angels with Filthy Souls… non esiste! Lo spezzone è stato infatti girato per l’occasione, così come quello presente nel secondo film, che verrebbe da un ipotetico Angels with Filthier Souls.

Teorie

Negli anni diversi pareri medici hanno decretato che, nella realtà, per i ladri Harry e Marv sarebbe assolutamente impossibile sopravvivere alle trappole architettate da Kevin.
In particolare, fiamme ossidriche sulla testa e barattoli di vernici lanciati in piena faccia, comporterebbero seri danni ai due malcapitati.
E proprio i barattoli di vernice sono oggetto di una citazione nel film Safe Neighborood dove, però, l’esito è molto più realistico che nel film di Columbus.

Secondo una singolare teoria, il personaggio del Re della Polka interpretato da John Candy sarebbe in realtà il diavolo. Compare infatti proprio quando la madre di Kevin afferma che sarebbe disposta a vendere l’anima al diavolo pur di trascorrere la notte di Natale col figlio e inoltre esordisce con le parole “Lasciate che mi presenti“, frase iniziale di Sympathy for the Devil dei Rolling Stones.

Che sia il diavolo o no, comunque, il personaggio di John Candy è stato quasi totalmente improvvisato dall’attore, che ha creato il suo background rimanendo sul set per 23 ore consecutive.

Sequel

Il successo di Mamma, ho perso l’aereo ha portato ad un sequel diretto nel 1992: Mamma, ho riperso l’aereo: mi sono smarrito a New York, con lo stesso cast artistico e tecnico.

Ma fanno parte del franchise anche Mamma, ho preso il morbillo, uscito nel 1997 con il titolo originale di Home Alone 3 e sceneggiato nuovamente da John Hughes e il film per la televisione del 2002 Mamma, ho allagato la casa (Home Alone 4), che riprende i personaggi di Mamma, ho perso l’aereo interpretati però da nuovi attori.

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Martin Scorsese

Ultimamente il suo nome è legato soprattutto a polemiche: quella sulla distribuzione del suo nuovo film prodotto da Netflix, per esempio, o quella, insensatissima, con Marvel e i suoi cinecomic ma non si può negare che Martin Scorsese sia uno dei migliori registi viventi e uno dei più importanti all’interno della storia del cinema.

Non potevo, quindi, che inaugurare proprio con lui questo nuovo appuntamento nel corso del quale vi presenterò una serie di registi, dandovi qualche informazione sul loro stile e suggerendovi i titoli che proprio non potete perdervi.

Novembre è il mese di The Irishman, nuovo e atteso lungometraggio di Martin Scorsese, uscito al cinema ad inizio mese e disponibile su Netflix a partire dal 27. E allora scopriamo qualcosa in più su questo interessante regista, che vanta una carriera lunghissima e ricca di premi e soddisfazioni.

Martin Charles Scorsese nasce a New York nel quartiere di Queens il 17 novembre del 1942. I genitori sono nati come lui negli Stati Uniti, ma la sua famiglia è di origine italiana, precisamente della Sicilia. Quando Martin è ancora piccolo la famiglia si trasferisce a Little Italy, quartiere nel quale il futuro cineasta ha la possibilità di formare il proprio immaginario. La quotidianità che lo circonda lo colpisce profondamente, tanto che contribuirà in maniera significativa alle storie al centro dei suoi futuri film. Scorsese soffre d’asma fin dalla tenera età e questo non gli impedisce solo di fare sport ma anche di integrarsi nelle numerose gang del quartiere. Costretto a passare lunghi periodi in casa, Martin si appassiona al cinema, in particolare al Neorealismo e alla Nouvelle Vague;  contemporaneamente sviluppa un forte senso religioso.

Tutto questo si riversa nel suo cinema, che esplora l’uomo alle prese con la violenza, il peccato, la colpa e la religione. Caratteristiche tipiche del suo stile sono le sequenze virtuosistiche e la violenza iper realista.

Gli anni Settanta

Martin Scorsese inizia a fare film già nel 1967, con il lungometraggio Chi sta bussando alla mia porta ma sono gli anni Settanta a mostrarne il pieno potenziale e a cominciare a renderlo noto presso il grande pubblico.

Tra i film di questa decade, vi consiglio Mean Streets – Domenica in chiesa, lunedì all’inferno, diretto nel 1973. Il film è fortemente autobiografico e racconta le vicende di Charlie Cappa, giovane di Little Italy intenzionato a farsi strada nel mondo violento che lo circonda. Mean Streets mette in luce quelli che diventeranno i temi fondamentali del cinema di Martin Scorsese e segna l’inizio del fortunato sodalizio del regista con Harvey Keitel ma soprattutto con Robert De Niro.

Nel 1976 Scorsese gira il film che è tuttora considerato uno dei suoi capolavori indiscussi: Taxi Driver. Robert De Niro, accompagnato ancora una volta da Harvey Keitel e da una giovanissima Jodie Foster, è il protagonista di un intenso spaccato del forte disagio che i reduci del Vietnam vivono nel reinserirsi nella società civile. Ancora attualissimo, il film vale al suo regista la Palma d’Oro al Festival di Cannes ed è un must see per ogni cinefilo che si rispetti.

Gli anni Ottanta

Il decennio successivo rappresenta la consacrazione per l’emergente cineasta, che proprio nel 1980 dirige l’apprezzatissimo Toro Scatenato. Girato in bianco e nero, il film racconta la vita del pugile Jake LaMotta. Nei panni del protagonista c’è nuovamente Robert De Niro, premiato per l’occasione con il premio Oscar, accompagnato da Joe Pesci.

Nel 1983 Martin Scorsese ritrova Robert De Niro in Re per una notte, che racconta la storia di Rupert Pupkin, ossessionato dal presentatore TV Jerry Langford e dall’ambizione di diventare un grande comico televisivo. Dovete vederlo, fosse solo per comprendere da dove nasce il Joker di Todd Phillips e Joaquin Phoenix.

Nel 1988 Martin Scorsese gira il suo film più controverso e anche il più apertamente religioso: L’ultima tentazione di Cristo, interpretato da Willem Dafoe e Harvey Keitel, mette in scena un Gesù dubbioso e tormentato.

Gli anni Novanta

Il 1990 regala al mondo uno dei film più ispirati e riusciti di Martin Scorsese: Quei bravi ragazzi, interpretato da Ray Liotta, Robert De Niro e Joe Pesci, premiato con l’Oscar al migliore attore non protagonista. Il film fa parte della classifica dei 100 film più belli della Storia del Cinema.

Nel 1991 Scorsese realizza Cape Fear – Il promontorio della paura, remake del classico thriller Il promontorio della paura del 1962. Ancora una volta nei panni del protagonista c’è Robert De Niro, accompagnato da Nick Nolte, Juliette Lewis e Jessica Lange. Appaiono in piccoli ruoli anche Gregory Peck e Robert Mitchum, protagonisti del film del 1962.

Nel 1995, poi, il regista conclude la sua “trilogia della Mafia” girando Casinò, interpretato da Robert De Niro, Joe Pesci, Sharon Stone e James Woods.

Gli anni Duemila

Il nuovo millennio regala una nuova giovinezza a Martin Scorsese, che raggiunge in questo decennio nuove vette e il tanto sospirato Oscar alla regia.
È del 2002 Gangs of New York, ispirato affresco storico sulla nascita della metropoli con Leonardo Di Caprio e un grandissimo Daniel Day-Lewis. A completare il cast ci sono Cameron Diaz, Liam Neeson, John C. Reilly.

Nel 2004 Scorsese ripete la collaborazione con Leonardo Di Caprio e l’incursione nella Storia girando The Aviator, accurato ed apprezzatissimo ritratto del magnate Howard Hueghes. Il film vale l’Oscar per la migliore attrice non protagonista a Cate Blanchett nel ruolo di Katharine Hepburn.

Non c’è due senza tre e nel 2006 Martin Scorsese e Leonardo Di Caprio si ritrovano per The Departed – Il bene e il male. Remake di Infernal Affairs, il film segna il ritorno alle tematiche di mafia e permette all’autore di vincere il primo Oscar per la regia (oltre che quello per il miglior film). Del cast fanno parte anche Jack Nicholson, Martin Sheen, Matt Damon e Mark Wahlberg.

E poi?

Passano gli anni, ma Scorsese continua ad inanellare grandi capolavori. Tra i miei film preferiti in assoluto, per esempio, c’è Shutter Island, diretto nel 2010 e interpretato ancora una volta da Leonardo Di Caprio. Un film in cui nulla è come appare e la mente umana è un labirinto inestricabile.

Nel 2011 realizza poi Hugo Cabret, con il quale sperimenta il 3D e dimostra tutto il suo grande amore per il cinema. Il film vede Ben Kingsley interpretare il padre del cinema Georges Méliès.

Nel 2013 si ripete la fruttuosa collaborazione con Leonardo Di Caprio per The Wolf of Wall Street. Interpretato anche da Jonah Hill, Matthew McConaughey e Margot Robbie, il film esplora la parabola della finanza.

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