Recensione

Con l’avvento del digitale tendiamo a scordarci la bellezza che può avere un oggetto fisico come l’enciclopedia. Da bambino ne avevo alcune piene di illustrazioni e grafiche per spiegare meglio i concetti e far vedere il mondo. Nicola Pesce Editore mi ha riportato a quei momenti là, grazie a Infocomics, volume infografico creato dall’illustratore argentino Norberto Baruch B. e dedicato al fumetto.

Infocomics è una raccolta d’illustrazioni e infografiche create negli anni da Norberto Baruch B. e apparse su alcuni quotidiani argentini nel corso degli ultimi anni. Ogni infografica contiene al centro un’illustrazione del personaggio o dei personaggi analizzati realizzata da Baruch B. con tecniche diverse a seconda della natura dei vari personaggi.

Wikipedia ma con le figure

Il libro è quindi una vera e propria enciclopedia dei fumetti e dei cartoni animati. Ogni pagina è dedicata a una serie o a un personaggio in particolare. Alcune informazioni possono ripetersi, d’altronde ci sono tanti modi per parlare di un’icona assoluta come Batman, interpretato al cinema da tanti attori diversi e che in otto decadi di vita ha avuto tanti cambi di costume e di simboli.

Veniamo quindi a scoprire qualcosa di più su tutti i supereroi americani più famosi, ma anche su personaggi giapponesi particolarmente noti come Astro Boy o cartoni animati recenti come Adventure Time. Essendo argentino, l’autore inserisce pure infografiche dedicate a noti personaggi argentini come Nippur o L’eternauta.

Averlo in mano

Ho trovato molto bella la lettura di questo volume. Molte cose le sapevo già e non sempre avevo la necessità di leggerle, ma ogni pagina è un’esplosione visiva di grafica, immagini, colori e foto che la parte più analitica di me, quella che leggeva Encarta e che ogni tanto si perde nei meandri di Wikipedia, non riusciva a mettere via.

È il classico libro che ti piace sfogliare cinque minuti ogni tanto, per anni, leggendo e rileggiendo chi ha creato Superman e quanti Flash sono esistiti. È anche un bel modo per vedere tutti i vari costumi indossati dagli eroi più famosi, dalle mille armature di Iron Man ai vari loghi di Superman.

Contribuisce a questa sensazione il volume stesso, di grande formato e cartonato, coloratissimo e patinato. Lo vedi e lo tocchi e ti dà una bella sensazione, come quella di avere un oggetto di design o un libro da salotto tipo quelli che fa Taschen, solo che invece di essere sui pittori dell’espressionismo polacco dei primi del Novecento è sui fumetti. Da appassionato ringrazio.

Edizione

Infocomics è un volume cartonato di 104 pagine a cura di Nicola Pesce Editore uscito il 4 febbraio al prezzo di €19.90.

Nerdando in breve

Un gradito viaggio nell’immaginario nerd mondiale, Infocomics è una gustosa enciclopedia del fumetto.

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Recensione

Tom Ford: un nome che chiunque di noi, anche chi non è affatto appassionato di moda, ha sicuramente sentito nominare. Un fashion designer che ha saputo diventare in poco tempo una colonna portante dell’industria della moda, rivoluzionandola dall’interno. E che ha saputo rivoluzionare dall’interno anche il mondo del cinema, vestendo i panni del regista.

Ricordo ancora qualche anno fa quando ho visto Animali Notturni: un film osannato dalla critica, diretto da uno stilista, definito da tutti “particolare”. Ammetto che ero scettica quando ho iniziato a guardarlo e invece ne sono rimasta catturata e colpita come non mi capitava da tempo guardando un film. Tom Ford ha davvero realizzato qualcosa di unico, dando nuova linfa al cinema pur rispettandone le basi.

Con queste premesse, è facile intuire perché proprio Tom Ford sia protagonista del nuovo saggio della collana dedicata al mondo del cinema di Nicola Pesce Editore. Tom Ford – Percorsi di moda e cinema, dal Fashion Universe a Nocturnal Animals, scritto da Umberto Mentana, racconta perfettamente questo genio contemporaneo, mettendone in luce formazione, influenze, stile e visioni di vita.

Stile

Tom Ford – Percorsi di moda e cinema si configura come un saggio attento e sfaccettato sulla poliedrica figura dello stilista-regista texano.
L’approccio dell’autore Umberto Mentana, spiegato nei primi capitoli, è rigoroso e competente e ci permette non solo di scoprire le figure chiave del mondo della moda (il fashion designer, il model, il personal shopper, esplorati attraverso pellicole cinematografiche esplicative) ma anche di comprendere come moda e cinema, così compiutamente congiunti nelle opere di Tom Ford, siano in realtà terreni affini e più vicini di quanto non si crederebbe a prima vista. Universi creatori e legati all’estetica, cinema e moda condividono più di un aspetto.

La lunga e interessante digressione ci introduce al clou del libro: Tom Ford. Dell’artista vengono ricordati cenni biografici e la sua inarrestabile quanto rapida ascesa nello star system della moda. Ma l’occhio si concentra, come era sua intenzione fin dall’inizio, sul Tom Ford regista: A Single Man e Animali Notturni, i suoi due gioiellini cinematografici, vengono passati alla lente d’ingrandimento, sviscerati ed esplorati nei loro segreti più intimi, con uno sguardo analitico e affascinato che ci coinvolge ed esalta la geniale e visionaria figura dell’artista.

La trattazione si chiude poi con due interessanti appendici: la prima è la trascrizione (in italiano) di Mr. Tom Ford’s Six rules of Styles, in cui è la voce dello stesso stilista a dettarci la sua visione del mondo; la seconda è una riflessione con successiva rassegna di Fashion Film, forma d’arte cinematografica a metà tra il grande cinema e la pubblicità vera e propria che, un po’ come fanno i videoclip con le canzoni, accompagna sempre più spesso le nuove collezioni di grandi stilisti, raccontando una storia a firma di registi importanti e attori famosi.

Edizione

Tom Ford – Percorsi di moda e cinema si presenta in un’edizione curata, nonostante soffra di qualche piccolo refuso, comunque tollerabile.
Il volume, brossurato con alette e copertina a colori, è costituito da 176 pagine in bianco e nero sarà disponibile nelle librerie e fumetterie a partire dal 22 ottobre al prezzo di copertina di 14,00€. Attualmente è già ordinabile sul sito di Npe al prezzo speciale di 13,30€.

Nerdando in breve

Tom Ford – Percorsi di moda e cinema, dal Fashion Univers a Nocturnal Animals è un viaggio ispirato e competente sulla vita, lo stile e la poetica dell’icona del nostro tempo Tom Ford.

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Recensione

Si può colpire profondamente un lettore in appena 63 pagine, usando un linguaggio criptico e pochi ed essenziali tratti? La tana di Pietro Elisei e tratto dall’omonimo racconto di Franz Kafka dimostra di sì.

Non so voi, ma per quanto mi riguarda Kafka è sempre stato tra i pochi autori che riescono a turbarmi e trasmettermi un forte senso di angoscia anche in poche righe. Contrariamente a quanto si potrebbe pensare dopo questa dichiarazione, adoro l’autore boemo. Il suo stile, che riesce a mio parere a dare il meglio nella brevità, e il suo immaginario hanno sempre esercitato un indiscusso fascino su di me e trovo i suoi lavori, al giorno d’oggi, più che mai attuali.

È stato quindi un piacere, per me, ricevere da Nicola Pesce Editore, che ringrazio, la possibilità di leggere una copia de La tana, di Pietro Elisei, e poterne ora parlare con voi.

La tana è una breve graphic novel unica nel suo genere, che sa avvincere il lettore e trascinarlo in un vortice sempre più profondo, dal quale non è facile uscire immediatamente. Elisei raccoglie una sfida difficile: far rivivere le sensazioni che Kafka sa regalare, trasformandole in immagini parlanti e adattando il racconto originale al medium del fumetto. Il risultato è qualcosa di mai incontrato prima, semplicemente perfetto.

La tana è una storia introspettiva, criptica quanto basta e aperta a più chiavi di lettura. Pietro Elisei modifica e personalizza il racconto, ma il senso di oppressione e straniamento dell’opera originale resta intatto. L’autore non toglie nulla ma aggiunge un sentimento di poetica malinconia che arricchisce la narrazione e le conferisce una nuova inedita veste.

Disegni

Avete mai provato ad associare un colore, il primo che vi viene in mente, ad un autore? Io sì e, quando penso a Kafka, la mia mente produce istintivamente una tinta marrone, terrigna e ferrosa.
Leggendo La tana sono rimasta colpita da come la mia immagine mentale sia perfettamente estrinsecata nel lavoro di Pietro Elisei.

Per questo lavoro l’autore adotta uno stile estremamente personale, particolarissimo e perfetto per il genere di racconto che ci troviamo davanti. Tinte scure, che virano tra il seppia e l’antracite e il nero pieno, immagini graffiate e scorticate fortemente evocative, didascalie essenziali con fondo nero che si amalgama all’ambiente circostante riempiono le pagine de La tana, immergendo il lettore in un’atmosfera innaturale, quasi come in un sogno (o, sarebbe meglio dire, da incubo).

E in effetti, a che cosa ci troviamo davanti? A un sogno? A una realtà distopica? A una rappresentazione fisica della depressione? Potenzialmente, ogni risposta è corretta e ciascuno di noi può dare la sua interpretazione della storia che legge. Quello che è certo, è che non possiamo fare a meno di ritrovarci invischiati nella tela del racconto, inesorabilmente coinvolti nelle emozioni del protagonista.

L’ispirazione

La tana è, come detto prima, tratta da uno degli ultimi racconti brevi scritti da Franz Kafka, autore boemo vissuto a cavallo tra la fine dell’Ottocento e la prima metà del Novecento e famoso principalmente per il racconto La Metamorfosi o per i suoi romanzi (Il Processo, Il Castello).

Riassumere il pensiero dell’autore in poche righe sarebbe un’impresa impossibile, per cui mi limiterò a dire che è considerato il padre dell’alienazione e dell’angoscia esistenziale, elementi che approfondisce spesso nelle sue opere, dando vita a narrazioni labirintiche e situazione paradossali.

La tana abbonda di questi elementi ma è rimasto incompiuto, data la sopraggiunta morte del suo autore. È stato poi pubblicato postumo utilizzando come finale il momento in cui si interrompeva la narrazione. Non vi svelerò come si conclude il racconto ma posso anticiparvi che ritroverete la stessa chiusura nella graphic novel e che, secondo me, non poteva esserci finale migliore.

Edizione

La tana è edito da Nicola Pesce Editore in un’edizione a colori con copertina cartonata, curata nei dettagli come sempre nelle pubblicazioni di NPE.
Le pagine sono di grana ruvida e restituiscono appieno i colori pensati dall’autore, immergendoci nella storia e permettendoci una lettura priva di fastidiosi riflessi di luce come spesso accade con le grammature lucide.
È attualmente in vendita al prezzo di copertina di 16.90€.

Nerdando in breve

La tana è un vortice in cui inabissarci per emergerne con la nostra personale interpretazione. Con uno stile grafico estremamente personale e perfetto per il racconto, restituisce perfettamente le sensazioni che dà la lettura di Kafka.

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Recensione

A prescindere dai gusti personali, una cosa è innegabile: il cinema è meraviglia. Fin dalla sua nascita, ha saputo stregare e ammaliare tutti coloro che vi sono venuti in contatto, mantenendo immutabile quel senso di stupore e ammirazione attraverso il trascorrere del tempo.

Molto di questo merito, va riconosciuto, è degli effetti speciali. Se ora li diamo per scontati quando guardiamo un film, bisogna ricordare che non si tratta di un aspetto semplice o da sottovalutare e che, anzi, gli effetti speciali hanno avuto e continuano ad avere una vera e propria storia personale, fatta di sperimentazione, arditezza, evoluzione ed esplorazione.

Da grande amante del cinema quale sono, sono stata subito attratta dal libro Storia degli effetti speciali – Dai Fratelli Lumière ad Avatar, scritto da Giovanni Toro e pubblicato da Nicola Pesce Editore, che ringrazio per avermi fornito la copia per la recensione.

Nonostante quando pensiamo a Nicola Pesce la nostra mente voli subito verso i fumetti e le graphic novel, Storia degli effetti speciali è più un vero e proprio saggio, un compendio sulla storia degli effetti speciali cinematografici e televisivi che non sfigurerebbe di certo all’interno di un corso di laurea specializzato.

Giovanni Toro, certamente, sa di cosa parla: la sua analisi si addentra a fondo nella materia, pur mantenendo un linguaggio divulgativo, per svelarci i segreti dietro le immagini che tanto ci affascinano sul grande schermo. Come si può facilmente intuire dal titolo, l’obiettivo è ripercorrere le tappe dello sviluppo delle tecniche di effetti speciali, dagli albori del cinema fino ai giorni nostri. Un percorso di certo lungo e ricco di esperienze disparate e sperimentazioni di ogni tipo.
Nel corso delle 192 pagine che compongono il volume c’è spazio per i precedenti dell’invenzione del cinema, i primi esperimenti caratterizzati da una forte componente analogica, i film che ci sono rimasti impressi nella mente proprio grazie alle innovazioni tecniche, la comparsa del digitale, la riflessione sull’analisi di un campo così vasto e allo stesso tempo così specialistico.

La narrazione scorre, tra analisi dettagliate, curiosità e spiegazioni semiotiche. Dopo una introduzione volta a chiarire la materia di cui si parla e i termini che verranno utilizzati, ci si addentra nella storia degli effetti speciali propriamente detta. Grande spazio, come è naturale aspettarsi, è riservato a Georges Méliès, grande innovatore e, se vogliamo, padre degli effetti speciali. L’analisi passa in rassegna, poi, le principali fasi dello sviluppo degli effetti speciali e del cinema stesso, fino a concentrarsi sull’impiego sempre più massiccio del digitale, che segna una nuova fase della cinematografia.
L’autore, poi, chiarisce con grande perizia i vari tipi di effetti che possiamo incontrare in un film, le loro caratteristiche, le modalità di realizzazione e l’impatto che questi hanno sullo spettatore.

Caratteristiche tecniche

Storia degli effetti speciali si presenta come un volume brossurato con copertina rigida e a colori. All’interno le immagini esemplificative presenti sono invece in bianco e nero. La trattazione si estende per 192 pagine. Il volume è attualmente in vendita al prezzo di copertina di 12€.

Concludendo

Storia degli effetti speciali è una trattazione saggistica approfondita sul mondo degli effetti speciali e sulla sua evoluzione nel corso del tempo. Ci troviamo di fronte ad un testo corposo, realizzato da un autore che è decisamente addentro la sua materia e la espone con perizia.
Non una lettura da intraprendere nei ritagli di tempo, quanto più uno strumento validissimo per tutti gli appassionati di cinema che vogliano scoprire di più sul mezzo che tanto amano.

Nerdando in breve

Storia degli effetti speciali – Dai Fratelli Lumière ad Avatar di Giovanni Toro è un appassionato saggio su uno degli aspetti più complessi e ancora ricchi di mistero e fascino del mondo del cinema.

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Recensione

Premessa: non sono una grandissima estimatrice di David Lynch (con buona pace di FrankieDedo). Non fraintendetemi: ne riconosco l’indubbio valore e la genialità fuori dal comune, questo senza dubbio; solo che, a me, guardare le opere di Lynch, siano esse cinematografiche, televisive o pittoriche, non fa troppo bene. È un autore che, in ogni circostanza, riesce a trasmettermi un senso insopportabile di angoscia, anche nelle immagini apparentemente meno inquietanti.
È così, ci sono venuta a patti e, gioco forza, limito i miei contatti con il regista a pochi, selezionati e favorevoli attimi (Twin Peaks, in particolare).

Questa premessa per spiegare come, per me, sia stata particolarmente interessante la lettura di David Lynch – Il tempo del viaggio e del sogno, scritto da Valerio Monacò e edito da Nicola Pesce Editore, che ringrazio per l’opportunità.
David Lynch – Il tempo del viaggio e del sogno è un accuratissimo saggio sulla vita e le opere dell’artista, realizzato nell’unico modo in cui sia possibile parlare di un autore folle e poliedrico come Lynch: calandosi completamente nel suo mondo e nel suo modo di pensare. Una vera e propria dichiarazione d’amore, lo si percepisce ad ogni pagina, che Monacò dedica ad un artista complesso e sfuggente, che ha lasciato il segno non solo nella nostra epoca ma in tutta la Storia del Cinema.

Argomento

Ho scritto “argomento” anziché “trama” perché, in effetti, non siamo di fronte ad un romanzo, quanto più ad una trattazione scientifica e sensoriale, un vero e proprio saggio che approfondisce una figura cardine per il mondo del cinema e dell’arte in generale.
Valerio Monacò è un profondo conoscitore di David Lynch e in questo libro ci racconta non solo tutto quello che c’è da sapere per comprendere meglio il cinema del cineasta, ma anche ciò che tutto questo significa per lui.

Dopo la prefazione di Angelo Badalamenti, braccio destro di Lynch nel creare musiche tuttora impresse nella memoria di intere generazioni, e l’introduzione dell’autore, la lettura si tuffa nella vita e nel cinema di David Lynch: sedici capitoli per ripercorrere il cammino di un genio dei nostri tempi, con l’intento non tanto di spiegare il suo cinema, quanto più di condividere le sensazioni che ha saputo trasmettere.

Ogni capitolo è corredato dalle immagini tratte dal film o cortometraggio di cui si sta parlando e si apre e chiude con una citazione, non necessariamente Lynchana ma in linea con l’argomento. Ho particolarmente apprezzato il fatto che l’autore abbia voluto condividere col lettore la colonna sonora che lo ha accompagnato nella stesura dell’opera, tramite l’annotazione per ciascun capitolo della traccia da ascoltare: seguire le indicazioni trasforma la lettura in un’esperienza sensoriale profonda e nuova, che fonde musica, arte e narrazione, un po’ come ha fatto David Lynch in tutte le sue creazioni.

Stile

David Lynch – Il tempo del viaggio e del sogno non è una lettura facile, non ve lo nascondo: così come il cinema di Lynch procede per sensazioni, in un apparente stato caotico, fa anche la scrittura di Monacò. Chiaramente, la confusione è solo apparente: la scrittura si muove di evocazioni in evocazione, arcana e poetica, in un gioco di rimandi e percezioni ancestrali tra il filmico e il reale.

Non poteva esserci stile più adatto per esplorare il complesso e simbolico immaginario di David Lynch, per tentare di decodificarlo e comprenderlo. Alla fine non avrete tutte le risposte (dove sarebbe il bello, altrimenti?) ma sicuramente conoscerete meglio un autore che ha regalato tanto al cinema e ancora tanto saprà regalare. Magari vi inquieterà ancora come faceva prima, ma sicuramente lo comprenderete un po’ di più e non potrete che apprezzare l’ottimo lavoro fatto da Monacò. O almeno, per me è stato così.

Nerdando in breve

David Lynch – Il tempo del viaggio e del sogno racconta con sguardo affascinato e ispirato un grande rappresentante del cinema mondiale in tutto il suo splendore.

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Recensione

Nella notte tra il 14 ed il 15 Aprile del 1912 si verificò uno degli avvenimenti più sconvolgenti per le menti degli uomini e delle donne moderni: il Titanic, ambiziosa opera dell’ingegneria navale inglese e ammiraglia della White Star Line, inizia e finisce il suo rapido ed ineluttabile viaggio verso i profondi abissi marini.

Nonostante la tragedia legata al famoso transatlantico venne tristemente surclassata, per ciò che concerne il numero delle vittime, dal naufragio del 1945 delle navi Wilhelm Gustolff e Goya (come apprendiamo dall’approfondita ed avvincente prefazione ad opera di Loris Cantarelli), le vicende della nave “inaffondabile” furono in grado di provocare un tale clamore da portare produttori cinematografici e artisti a cimentarsi nella rievocazione delle sue ultime ore più e più volte.

Se nel pensiero di tutti appare prontamente il ricordo del celebre Titanic di James Cameron, con protagonisti Leonardo Di Caprio e Kate Winslet, è anche vero che non fu solo nel 1997 che il grande schermo si occupò di ripercorrere la catastrofe e, invero, già dai mesi immediatamente successivi, fu data agli spettatori la possibilità di assistere ai primi cortometraggi muti sul medesimo tema (Saved from the Titanic e In Nacht und Eis. Der Untergang der Titanic).

Così come nel cinema, anche nel fumetto si tornò più volte sullo sviluppo di storie realizzate con riferimenti più o meno diretti al naufragio del Titanic ed è proprio a questa categoria che il volume edito da Nicola Pesce Editore appartiene.

Riedizione di un’opera di Attilio Micheluzzi del 1988, Titanic promette di immergere il lettore in una narrazione appassionante, serrata e avvincente.

Trama

Le vicende legate alla notte tra il 14 ed il 15 Aprile del 1912, all’iceberg che fu in grado di affondare un immane natante considerato, al contrario, infallibile e costruito per far fronte alle più diverse situazioni catastrofiche, sono solo il pretesto per raccontare le diverse vicende umane che sul Titanic ebbero luogo.

Ecco quindi che, in un riuscito romanzo storico a fumetti, Micheluzzi utilizza il transatlantico come scenario di diverse vicende umane, intrecciate o slegate tra loro.

Tra passione, amore, gelosie e rancori, facciamo la conoscenza di alcuni degli ospiti più illustri della prima classe, quali George B.Putnam (uomo d’affari americano senza scrupoli e pronto a tentare la sua personale scalata nel mondo della politica), Lord Albert Brudenwell (sesto duca di Westmeath e asso del volante) o, ancora, il russo Viktor Denissevich e personaggi di tutt’altro tipo, quali l’idealista spagnolo Mora, il viscido Olivier De La Bretonne o il cronista Hall. Attraverso gli occhi di tali personaggi, il racconto si trasforma ed assume sfumature diverse; il narratore, a seconda del contesto, riesce magistralmente a toccare tematiche quali la disparità sociale, la corruzione dei costumi e la spregiudicatezza morale con delicatezza sopraffina e tiene sempre desta l’attenzione di chi legge.

Autore

Nato architetto, reduce da una lunga esperienza da progettista in Senegal, Tunisia e molti altri paesi, Micheluzzi entra nel mondo del fumetto relativamente tardi. All’età di quarant’anni (1986), l’autore esordisce su varie testate per ragazzi, tra cui il noto Corriere dei Piccoli ed il Corriere dei Ragazzi, sperimentando e cimentandosi nei generi e nelle narrazioni più disparate e collezionando, col tempo, ambiti riconoscimenti.

Nel 1988 l’autore dimostra tutta la propria maturità artistica, creando delle tavole semplicemente perfette.

Attraverso un’innata abilità nel tracciato del disegno, così attento al particolare e carico di realismo, Attilio Micheluzzi è in grado di guidare il lettore nel corso della narrazione, aggiungendo al proprio tratto anche quel pizzico di stile e di personalità in grado di rendere l’aspetto estetico dell’opera unico ed originale.

Le fastose sale del transatlantico rivivono cariche e scintillanti sulle pagine e i personaggi, ottimamente realizzati e caratteristici, sono vivi e credibili.
La plasticità del disegno, si accompagna al perfetto utilizzo della resa anatomica, così ben realizzata e, allo stesso tempo, ben delineata anche con qualche tratto caricaturale.

La tragedia del Titanic

Contenuto speciale della riedizione dell’opera di Micheluzzi è, poi, la storia breve a fumetti La Tragedia del Titanic, nata nel 1972 dal connubio con Mino Milani e che vide la luce sul Corriere dei Ragazzi nello stesso anno.

Di stampo più canonico e sensibilmente più acerba, la storia presenta la medesima tematica del lavoro realizzato successivamente, ma, assumendo principalmente il punto di vista del capitano della nave, ripercorre brevemente i punti salienti del viaggio inaugurale dell’ammiraglia White Star.

Gradito approfondimento, il racconto si dimostra molto rapido da leggere e permette di notare tutto il grande lavoro dietro l’opera che verrà poi lentamente a prendere forma nella mente dell’autore; a cominciare dal tratto, assai diverso e meno sicuro, fino all’utilizzo delle griglie, molto regolari e canoniche nell’impaginazione, non si può fare a meno di notare come si sia riuscito a concepire un racconto a tutto tondo, completo ed efficace soprattutto avendo questa prima messa su carta come premessa fondamentale e base su cui lavorare.

Concludendo

Le date colpiscono: storia del 1988, ambientata nel 1912, eppure tremendamente attuale.
Micheluzzi ha trattato con tale efficacia e tale precisione chirurgica la psiche umana da rendere questo fumetto un perfetto specchio della società, a qualsiasi tempo o anno essa appartenga e, soprattutto, in qualsiasi tempo o anno lo stesso fumetto venga letto.

Con sprazzi di dialoghi iniziati in medias res, brevi scene in grado di mostrare tutta la loro verosimiglianza e l’adozione di diversi punti di vista, di personaggi di differente estrazione sociale o culturale, l’autore riesce a ricreare la grande complessità del genere umano. Con la stessa stereotipizzazione di alcuni caratteri essenziali del comportamento, i personaggi acquisiscono ancora più vividezza espressiva e contribuiscono per questo alla grande forza narrativa che è in grado di raggiungere Titanic.

In uscita il 7 giugno 2018, il volume di 96 pagine, interamente a colori, promette al lettore una lettura febbrile e ininterrotta fino all’inevitabile e triste epilogo al costo di € 19,90.

2300 persone a bordo di una nave che ha soltanto 1178 posti sulle scialuppe di salvataggio, poche ore per evacuare una nave che, da inaffondabile, diventa un’infernale prigione di ferro in un mare gelato e inospitale. Quando una corsa contro il tempo per la salvezza di più vite possibili incontra la sete di potere, gli intrighi e gli ideali, cosa si salva davvero?

Nerdando in breve

Una storia da gustare e da leggere tutta d’un fiato. La grande qualità dei disegni, unita al perfetto incastro narrativo operato dall’autore, rende la lettura interessante per chiunque. Se, poi, siete tra le schiere di fan della creatura cinematografica targata James Cameron, il volume, con le sue due diverse storie, rappresenta un acquisto semplicemente obbligato.

Nerdandometro: [usr 4.1]

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Recensione

Era il 1965 quando il giovane Roger Keith Syd Barrett si univa ai The Tea Set, gruppo in cui figuravano già Nick Mason, Roger Waters e Richard Wright.
I Pink Floyd (The Pink Floyd Sound il nome scelto per sostituire il precedente, già in utilizzo da altri) assunsero presto un ruolo da protagonista nel panorama underground della musica londinese.

Guidati dal loro carismatico e creativo frontman, i ragazzi che avrebbero cambiato la storia della musica vennero a contatto con il variegato e complesso mondo dello show business e ne furono irrimediabilmente cambiati.
Gli equilibri creati, le situazioni a cui la band venne esposta e, non ultimo, il particolare clima socio-politico del periodo incisero soprattutto su Syd che, preda del suo disturbo psichico e delle sostanze allucinogene di cui faceva utilizzo, si trovò sempre più isolato da tutto ciò che lo circondava.

Il volume edito da Nicola Pesce Editore e realizzato da Matteo Regattin e Simone Perazzone si propone proprio il compito di far sentire la voce del personaggio tanto discusso e, verrebbe da dire, tanto sfruttato da Waters e co.

Contenuto

Per mezzo di un racconto in prima persona, il lettore è immediatamente messo di fronte alla domanda più importante: chi era davvero Syd Barett?

Cambridge, 2013: è qui che inizia il nostro viaggio.
Attraverso i luoghi simbolo della vita dell’artista, la narrazione ci riporta indietro nel tempo, fino a quando tutto è iniziato.

Le pagine fluiscono rapide, snodandosi con abilità tra le parti in cui la storia appare più lineare e le sezioni in cui la psichedelia prende il sopravvento. Non sappiamo se a causa della malattia, a causa della particolare natura artistica e visionaria del nostro o, ancora, se per l’utilizzo eccessivo di sostanze stupefacenti, ma assistiamo rapidamente al mutamento del giovane che, quasi per gioco, si era unito a un gruppo di coetanei per suonare insieme.

Ingabbiato in un contesto estraneo ed estromesso dagli altri membri del gruppo, Barrett risponde con il totale estraniamento dalla realtà, con comportamenti bizzarri e una creatività difficilmente inquadrabile in una singola forma artistica.
Questa inquietudine generatrice si manifesta in più modi, a cominciare dalla scelta di spettacoli di luci da abbinare alle esibizioni musicali della band, dalla propensione dell’artista per la pittura fino alla vera e propria sperimentazione musicale (quella sperimentazione che poi, adeguatamente modificata, darà identità ai Pink Floyd che verranno).

Letteralmente sostituito dal neo entrato David Gilmoure, chiamato in causa per l’inaffidabilità del frontman, che spesso si presentava in stati disastrosi alle esibizioni o, addirittura, mancava perfino di presenziare a prove e spettacoli, Syd si rifugia nel proprio mondo e viene completamente esautorato da qualsiasi potere nelle scelte musicali.

Nel 1968 avviene la separazione definitiva.

Disegni

Personale, tetro, cupo e, essenzialmente, astratto lo stile che accompagna la narrazione si dimostra perfetto per rappresentare la materia trattata.
I disegni, così in grado di rievocare alla mente le illustrazioni che poi hanno accompagnato molti dei lavori dei Pink Floyd, sono perfettamente plasmati e funzionali alla situazione che devono rappresentare, con una griglia semplice e lineare nei momenti della semplice narrazione e dei riquadri a tutta pagina adottati per le rappresentazioni più particolari e astratte, in cui viene fatto sfoggio anche di notevole abilità nella resa delle distorsioni delle immagini.

Colpisce la scelta del bianco e nero per un lavoro di questo tipo, ma il perfetto utilizzo del chiaro-scuro si adatta perfettamente alla natura del personaggio indagato e si dimostra un contributo essenziale per permettere alla qualità dello scritto di emergere.

Concludendo

Un’opera particolare quella di Regattin e Perazzone, questo è innegabile.
Penso che il volume abbia una forza potente e quasi primordiale nel modo che ha di comunicare il proprio messaggio, così come potente e primordiale trovo fosse la forza comunicativa di Barrett.
Probabilmente la forza maggiore dell’elaborato sta proprio nella grande capacità di rispettare lo spirito, lo stile e l’essenza stessa del lavoro e della vita dell’artista.

Viene da pensare che, finalmente, sia stata data voce ad una parte mai troppo pubblicizzata della storia dei Pink Floyd e che, come enfatizzato nella storia, il gruppo inglese debba davvero tanto ad un personaggio che, se spesso ricordato, è stato allontanato molto facilmente.

Se siete dei fan del gruppo o del cantante, sicuramente i rimandi e le strizzatine d’occhio vi colpiranno per eleganza e sottigliezza, che, in generale sono solo uno degli aspetti della delicatezza riservata al racconto di una storia così controversa. Io, personalmente, non ho potuto fare a meno di apprezzare la graphic novel di NPE per le sensazione che è riuscita a trasmettermi.

Nerdando in breve

Un prodotto particolare, interessante e pieno di personalità. Consigliatissimo agli amanti della musica e alla storia di uno dei gruppi più significativi di sempre.

Nerdandometro: [usr 3.7]

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Coraline, adattamento a fumetti di Craig Russell del famoso racconto di Neil Gaiman, è in uscita in una nuova edizione brossurata a cura della Nicola Pesce Editore che ci ha gentilmente concesso una copia da recensire.

Il fumetto è del 2008 ed era già stato pubblicato in Italia in una prima edizione cartonata nel 2011.

Trama

Coraline è una fiaba dalle tinte surreali ed oscure in cui la bambina protagonista, Coraline Jones, stufa della noiosa vita in campagna e con aspirazioni da esploratrice, trova un passaggio per quella che sembra essere una versione alternativa della sua casa, inclusi i suoi genitori e vicini.

Sebbene in principio quest’altro mondo sembri eccitante e molto più divertente del suo, Caroline scopre presto come nasconda pericolose insidie.

Recensione

Ammetto prima di tutto di non aver mai letto l’opera originale di Gaiman, quindi in tal senso il mio giudizio è limitato a quanto ho potuto vedere in questo fumetto.

Ho visto che Caroline è stato definito una versione più tetra di Alice nel Paese delle Meraviglie e devo ammettere che trovo sia un ottimo paragone e punto di partenza per capire di che tipo di storia si parli.

La voglia di scoprire contrapposta alla noia del conosciuto della protagonista è la base su cui Caroline si sviluppa e si evidenzia bene nei dettagli, come il maglione che voleva comprarle la madre rispetto agli stivali a forma di rana che voleva lei.

Non mancano i momenti in cui, in maniera simile ad un romanzo di King, vediamo la bambina poco a poco prendere coscienza della propria situazione, farsi carico delle proprie responsabilità ed affrontare le paure che l’altro mondo le assicura.

Di fatto Coraline, per arrivare ad apprezzare i propri genitori, noiosi e distanti, ed il suo mondo banale, deve ritrovarsi in un mondo sì divertente ed eccitante, ma che di fatto è solo una grande illusione ed a cui crederci si finisce male.

Disegni e Testi

Come detto, non ho letto Coraline di Gaiman, quindi non so quanto sia fedele o ben fatto come adattamento.

La sensazione che ho avuto però è quella che Russell si sia sforzato nell’introdurre il più possibile elementi dell’opera originale, utilizzando una struttura in cui si ha una sorta di narrazione esterna tramite didascalie che, di fatto, congiunge il fumetto al libro (non escludo nemmeno che molte delle frasi utilizzate in queste didascalie siano infatti prese direttamente dal libro).

Per quanto riguarda i disegni invece, non mi hanno entusiasmato particolarmente. L’unica nota di merito è probabilmente per l’aspetto dell’antagonista, che riesce ad essere come dovrebbe, ovvero rassicurante in principio, ma dando quell’inquietudine che aumenta sempre più con lo scorrere delle pagine, riflettendo anche i sentimenti di Coraline verso di lei.

In conclusione

Coraline è una fiaba interessante, in cui la protagonista con i suoi sentimenti e la sua crescita è ben caratterizzata. L’equilibrio tra la parte più infantile della storia e quella più tetra è perfetto e ne viene fuori una storia che crea tanto sensazioni di meraviglia quanto di paura ed insicurezza.

Nonostante la lunghezza, scorre velocemente e piacevolmente e la narrazione esterna aiuta a creare quel sentore di essere osservatori esterni di una vicenda conclusasi chissà quando, tramandata di generazione in generazione.

Nerdando in Breve

Coraline è un fumetto di Craig Russell basato sulla novella di Neil Gaiman di cui è uscita una nuova edizione nel 2017 a cura della Nicola Pesce Editore.

È una fiaba con connotazioni horror che parla delle vicende di Coraline Jones, bambina irrequieta che scopre un passaggio per un altro mondo nella sua nuova casa.

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Recensione

Chi di noi, nerd cresciuti negli anni Novanta, non ricorda il capolavoro di Tim Burton Edward mani di forbice? Io, personalmente, ne sono innamorata fin dalla prima visione: è tra i miei film preferiti in assoluto e sicuramente il migliore realizzato dal regista californiano.

Ebbene, dopo 27 anni arriva il sequel: non si tratta però di un lungometraggio ma di un’opera a fumetti, realizzata con il beneplacito di Burton da Kate Leth e Drew Raush e portato in Italia da Nicola Pesce Editore.

Il film

Nel 1990 Tim Burton, reduce dal successo del suo Batman, realizza un film destinato a diventare il suo personale capolavoro e un fenomeno di culto: Edward mani di forbice. La pellicola è una personale rivisitazione del mito del mostro di Frankenstein, declinato in salsa gotica e poetica, nel puro stile del suo autore.

Edward è una creatura artificiale realizzata da un anziano inventore: l’artefice, però, muore prima di poter completare la sua opera, lasciando Edward privo di mani, sostituite da acuminate forbici. La creatura conduce una vita solitaria nel suo castello, finché non viene trovata casualmente dalla rappresentante di cosmetici Peggy, che decide di portarla a casa ed introdurla nella comunità.

Inizialmente Edward, grazie alle proprie capacità e ai modi gentili, viene accolto positivamente dagli abitanti, incuriositi dalla novità. Rapidamente, però, la mentalità chiusa e ipocrita della cittadina emerge e Edward si ritrova ad essere accusato di essere un assassino e perseguitato da tutti. Solamente Kim, giovane figlia di Peggy innamorata di lui, resta dalla sua parte e riesce a vederlo per quello che è davvero.

La storia

Leth e Raush hanno scelto di dare vita non ad un adattamento a fumetti del film ma ad una storia autonoma, che si ponga come continuazione delle vicende che conosciamo. La scelta è quanto mai riuscita e il risultato è una graphic novel che non tradisce lo spirito dell’originale ma amplia perfettamente l’universo del film, rispondendo alle domande che tutti ci siamo posti per 27 anni: cosa è successo dopo? Che fine ha fatto Edward?

Sono passati molti anni dall’epilogo del film e Edward, come era prevedibile, è rimasto immune al trascorrere del tempo. Vive ancora nel suo castello, isolato dal mondo esterno, dove conduce una vita nostalgica e solitaria. L’amata Kim, già molto invecchiata alla fine del film, è ormai scomparsa da qualche anno ma sua nipote Meg, che le somiglia in modo impressionante, non ha mai smesso di credere ai suoi racconti.

Mentre la ragazza indaga per dimostrare che sua nonna non era matta ma raccontava la verità, Edward scopre per caso un’altra creazione del suo artefice e decide di attivarla per avere un po’ di compagnia da parte di un suo simile. Il robot, che Edward battezza Eli, si dimostra però ostile e incontrollabile e fugge dal castello per dirigersi in città.

Nel frattempo, Meg ha trovato tra i ricordi di sua nonna un diario e la chiave del castello: lì incontra Edward e lo convince a lasciare la sua solitudine per salvare la città dalla minaccia di Eli.

I disegni

La veste grafica scelta da Drew Raush per dare vita a Edward mani di forbice – Qualche anno dopo è perfettamente in sintonia con le atmosfere del film che tanto abbiamo amato. Lo stile scelto per i disegni ricorda quello dello stesso Tim Burton, caratterizzandosi con tratti gotici e leggermente cartooneschi.

I colori prevalenti sono scuri e cupi, su cui risaltano il bianco della neve e il verde delle opere di topiaria realizzate da Edward. Il tratto riesce a trasmettere le emozioni dei personaggi, la fragilità di Edward e la complessità di Eli, personaggio tragico e perfetta incarnazione del moderno mostro di Frankenstein.

Scorrendo le tavole si ritrova l’atmosfera poetica e leggermente malinconica del film, ed è impossibile non sentirsi immersi in un mondo altro, gotico e fantastico.

Conclusioni

Edward mani di forbice – Qualche anno dopo è un sequel riuscito del film originale, che mantiene intatta la poesia e delicatezza del lungometraggio. Se siete tra coloro che consideravano perfetto così com’era il finale immaginato da Burton (come me, tra l’altro) non lasciatevi condizionare: la graphic novel non rovinerà il vostro ricordo. La scelta di non collegarsi direttamente alle vicende del film ma di collocare la narrazione diversi anni dopo è vincente e arricchisce la storia che già conoscete.

Il sequel mantiene l’atmosfera delicata del predecessore, cui aggiunge la redenzione e il dramma, estrinsecato dal personaggio di Eli: non vi svelo dettagli ma vi dico che, per me, è la figura più tragicamente bella di questo seguito, profonda e coinvolgente.

Edward mani di forbice – Qualche anno dopo è edito in Italia da Nicola Pesce ed è disponibile dal 15 giugno 2017 al prezzo di 19.90 euro. L’edizione è a colori con copertina cartonata e arricchita, a fine storia, di bellissime tavole a colori e studi dei personaggi.

Si ringrazia NPE per il materiale.

Nerdando in breve

Edward mani di forbice – Qualche anno dopo è un interessante sequel di un fortunato film, che riesce a trasportare su un altro medium tutta la poesia e delicatezza dell’originale pur mantenendo una sua identità ben precisa.

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Recensione

Dino Battaglia è stato un fumettista italiano di quella grande generazione che ci ha regalato, giusto per fare due nomi, anche Hugo Pratt e Sergio Toppi.

Vi butto immediatamente una confessione qui, su due piedi: di Battaglia (mea culpa, mea culpa) non avevo ancora letto mai nulla, ma per fortuna NPE – Nicola Pesce Editore è corsa in soccorso alla mia arroganza da sapientone fumettistico e mi ha dato l’opportunità di iniziare a rimediare a questa grave mancanza, permettendomi di parlare del loro nuovo bel volume della serie dedicata al maestro veneziano.

Nei volumi precedenti, sempre pubblicati da NPE, erano state ristampate alcune mitiche storie dell’autore come Maupassant e L’uomo della legione, mentre in questo, intitolato appunto “Lovecraft e altre storie“, lo vedremo alle prese con atmosfere decisamente horror.

Ci ho messo un po’ di tempo a scrivere questo articolo perché non sia mai che vi lasci il classico articoletto descrittivo ed arido: i lettori di Nerdando.com meritano l’approfondimento.

Sono perciò andato a cercare la fonte dell’ispirazione di Battaglia per ciascuna delle storie presenti nel volume e ho cercato di fornirvi qualche riferimento per goderne al meglio.

Storie

Non vi tragga in inganno quel “Lovecraft” del titolo, poiché una soltanto delle storie rappresenta un omaggio al grande autore di Providence.

Le altre presentano ispirazioni di differente provenienza e suggestione ed effettivamente vanno analizzate ciascuna per conto proprio, poiché non sono legate tra loro se non dalla tematica horror.

Omaggio a Lovecraft

La prima del gruppo, è l’omaggio a quel Howard Phillips Lovecraft a cui il mondo nerd deve tantissimo.

La storia è originale, ma sono le atmosfere quelle che rappresentano l’omaggio vero e proprio: un incipit forse non originalissimo ma sempre di grande effetto quello che vede un commesso viaggiatore sbagliare strada durante una notte di tempesta per poi ritrovarsi in un paesino da incubo.

A seguire, incubi malsani, inquietudine, senso di spaesamento e il meraviglioso bianco e nero di Battaglia che vale più di mille necronomicon.

La malizia del diavolo… cronaca medievale illustrata.

La chicca di questa storia sono decisamente i disegni, dato che qui Battaglia utilizza uno stile grafico che riecheggia quello delle miniature medievali, permettendo così di calarci pienamente in una vicenda le cui basi sono certamente da ritrovarsi nell’alveo della tradizione dei secoli bui, intrise di superstizione, misticismo e timore dell’ultraterreno.

Il diavolo vuole convincere un soldato a vendergli la sua anima: la storia ha sicuramente dell’inquietante, accentuato dal connubio tra i disegni e il particolare lettering che evocano antiche credenze che mi mettono sempre un po’ di brividi.

Al subconscio non si comanda.

Il particolare stile che ricorda le miniature medievali

Totentanz

Il titolo è lo stesso di una composizione, precisamente una danza macabra, del compositore ungherese Franz Liszt, che significa letteralmente “Danza della morte“.

La storia imbastita da Battaglia ha come cardine una ossessione d’amore destinata a finire in tragedia.

Ma anche in questo frangente il maestro veneziano ci stupisce con uno stile grafico splendido che sfocia, nel finale, in un richiamo artistico e testuale al tema iconografico della Danza Macabra medievale; precisamente il riferimento sarebbe ad un affresco di Simone II Baschenis, un pittore italiano del XVI secolo, ammirabile nella chiesa di San Virgilio a Pinzolo in Trentino Alto Adige.

Tale riferimento lo si può cogliere nel testo delle didascalie, che riportano esattamente i versi dipinti sotto l’affresco:

Io sont la morte che porto corona/ Sonte signora de ogni persona/ Et cossì son fiera forte e dura/ Che trapasso le porte e ultra le mura…

Per permettervi di godere meglio della storia, vi lascio qui e qui due link a due bellissime esecuzioni della Totentanz di Liszt, che sicuramente potrà aiutarvi a creare la giusta atmosfera durante la lettura del volume.

Il Patto

L’ispirazione per questa storia è la leggenda di Lucida Mansi, una nobildonna lucchese del XVII secolo, molto famosa per la sua bellezza e per i suoi costumi lascivi, che divenne simbolo dell’esser vanitosi.

In virtù di questo suo controverso vivere, sulla morte di Lucida furono imbastite storie oscure dal fascino gotico, tra le quali quella narrata da Battaglia, un patto con il diavolo per mantenere una bellezza immutata nel tempo.

Leggetevi la leggenda qui, poi la storia raccontata da Battaglia e infine, quando vi recherete alla consueta edizione del Lucca Comics & Games di questo autunno prossimo, fatevi correre un brivido lungo la schiena visitando l’Orto botanico comunale di Lucca…

Lo strano caso del dottor Jekyll e del signor Hyde

La storia cui Battaglia si è ispirato non penso abbia bisogno di presentazioni: il romanzo di Robert Louis Stevenson è qui ridotto a fumetti in modo magistrale dal maestro di Venezia e a mio avviso rappresenta il piatto forte del volume.

Infatti, grazie al suo tratto così particolare, Dino Battaglia riesce perfettamente a farci immergere nelle strade oscure della Londra vittoriana, a farci sentire l’odore e l’umidità malsana di quella nebbia che tanti delitti e storture sembra aver nascosto e coperto.

Lo strano caso è un classico della letteratura che vi consiglio assolutamente di recuperare, seguito da questa splendida versione a fumetti, così da apprezzarla maggiormente.

Il Golem

La storia è ispirata a due film del regista tedesco Paul Wegener, il primo chiamato “Der Golem” del  1915, andato perduto, ed il secondo del 1920, “Der Golem, wie er in die welt kam“, ovvero “Il Golem – Come venne al mondo, più famoso, non fosse altro perché la pellicola è sopravvissuta e ancora visionabile (e vi lascio qui il link, casomai vi venisse la curiosità. Qui invece la versione restaurata dei frammenti ritrovati della prima pellicola).

Piccola buffa curiosità: il secondo film è un prequel del primo. Quindi anche cento anni fa non scherzavano su questa cosa…

Quello del Golem è un antico mito ebraico, molto diffuso anche nel folklore medievale, legato ai misteri della Cabala.

Il protagonista è un rabbino nella Praga del XVI secolo (non è specificato, ma il film è ambientato in quel periodo) che, grazie alle sue immense conoscenze di teologia, filosofia e appunto Cabala, riesce ad infondere la vita in un costrutto umanoide di fango e creta.

Ovviamente sappiamo tutti come il voler sostituirsi a Dio non ha mai portato conseguenze serene e positive…

Anche in questo caso Battaglia ci regala un racconto tenebroso e colto, nel quale inserisce i versi del poema di Jorge Luis Borges intitolato “El Golem” che narra, guarda caso, proprio della storia di Judah Loew ben Bezalel, proprio il nostro protagonista. 

La prima tavola de “Il Golem”.

Edizione

L’edizione imbastita da NPE – Nicola Pesce Editore per questo Lovecraft e altre storie è veramente di pregio: un meraviglioso cartonato con una carta che esalta il tratteggiato di Battaglia, ma soprattutto una graditissima nonché corposa parte editoriale, ben fatta e indubbiamente il valore aggiunto che rende questa riedizione la definitiva.

Come era accaduto nel caso del volume che conteneva Sharaz-De di Sergio Toppi di cui parlammo tempo fa, la parte di analisi e spiegazione è dunque eccellente e imprescindibile per chiunque cerchi l’approfondimento e il modo di apprezzare l’opera a 360 gradi.

Conclusione

Lovecraft e altre storie è un’edizione di gran pregio, che permette di conoscere nel modo migliore alcune storie a tema horror di  Dino Battaglia.

Grazie ad una parte redazionale molto approfondita, ci viene data la possibilità di apprezzare queste opere in modo completo.

Le storie in sé sono molto belle e potranno interessare sicuramente anche tutti i non avvezzi alla tematica horror, che comunque è approcciata in modo piuttosto colto: non pensiate che siano splatter e altre cafonate simili a farla da padrone, poiché qui l’ispirazione è piuttosto da ricercare nel folklore medievale, nelle leggende antiche, nella letteratura e nelle antiche arti visive.

Se tutto ciò vi incuriosisce un minimo, comprate questo volume e fatevi una cultura.

Nerdando in breve

Lovecraft e altre storie è una bellissima riedizione di alcune storie a tema horror del maestro veneziano Dino Battaglia, che continua l’ottimo lavoro di Nicola Pesce Editore nel proporci le opere dei maestri italiani del fumetto in edizioni di pregio.

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