La copertina sci-fi di Hexagon Bridge

Recensione

Questo autunno Edizioni BD ha sganciato una piccola bomba, pubblicando in Italia Hexagon Bridge – Orizzonti Obliqui, l’intrigante fumetto fantascientifico di Richard Blake.
Ho potuto leggerne una copia, restando stregata dalle atmosfere sognanti e le ambientazioni incredibili immaginate dall’autore. Un grazie a Edizioni BD per questa perla!

Trama

Siamo nel 4040 quando un gruppo di scienziati ed esploratori scopre una porta verso una strana dimensione parallela, ribattezzata il Ponte. Quando la coppia di cartografi Elena e Jacob Armlen rimangono intrappolati e dispersi durante una spedizione al Ponte, la figlia Adley, dotata di poteri psichici, intraprende un lungo addestramento insieme all’avanzatissimo robot Staden per riuscire ad addentrarsi in sicurezza nella dimensione parallela e ritrovare e recuperare i genitori dispersi.

Stile

Hexagon Bridge – Orizzonti Obliqui è un graphic novel dal grandissimo impatto visivo. Le articolate e dettagliate architetture immaginate da Richard Blake sono al servizio di una storia complessa e concettuale e riescono a trasporne visivamente il potere immaginifico.
Il futuro in cui vivono i personaggi di Hexagon Bridge è incredibilmente lontano da noi, non solo nel tempo ma anche per evoluzione, tecnologie e stile di vita: l’effetto finale è quello di un mondo altro, più legato alla sfera mentale che a quella fisica, quasi trascendente.
Non a caso, la mente avrà un ruolo centrale in tutta la narrazione e si dimostrerà un concetto cardine anche per comprendere l’enigmatica realtà parallela in cui si svolge gran parte dell’azione.

Sì, la storia al centro di Hexagon Bridge – Orizzonti Obliqui è particolarmente complessa, immaginifica e rarefatta: la fantascienza più concettuale e in un certo senso più pura trova la sua collocazione ideale nelle tavole di Richard Blake.
A livello visivo siamo di fronte a un mondo affascinante, in cui le suggestioni delle nostre memorie concrete (sarà possibile ammirare anche una vivida ricostruzione di Roma) si fondono a scenari pienamente futuristici.

D’altra parte, tra le ispirazioni dichiarate dallo stesso autore troviamo Moebius (le cui estetiche avevano influenzato anche le scenografie di Blade Runner) e autori come Jorge Luis Borges e Italo Calvino. Non appare dunque strano che Hexagon Bridge ci trascini in luoghi remoti e un po’ sognanti, costringendoci a riflessioni alte che faranno la felicità degli appassionati della fantascienza vecchio stile.

Edizione

Hexagon Bridge – Orizzonti Obliqui arriva in Italia in un’elegantissima edizione cartonata curata da Edizioni BD nei minimi particolari, la cui copertina richiama nella grafica i libri classici di fantascienza. All’interno, 160 pagine a colori, arricchite in chiusura da tavole e studi.
È disponibile dall’8 ottobre scorso al prezzo di copertina di 20,00€.

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Nerdando in breve

Hexagon Bridge – Orizzonti Obliqui è un visionario e immaginifico viaggio nella fantascienza che non potrà lasciarvi indifferenti.

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Recensione

Da bravo fanatico di JRPG quale sono, non potevo lasciarmi scappare Xenoblade Chronicles 3.

Dopo aver giocato i capitoli precedenti, la grande attesa e l’hype hanno creato delle aspettative molto alte, che però non sono state deluse.

Xenoblade Chronicles 3 (XC3 da ora, perché è troppo lungo da scrivere) è, secondo me, un must play su Switch, e adesso vi spiego anche perché!

Trama

Senza entrare troppo nel merito delle questioni più profonde della storia, che potrebbero essere degli spoiler troppo pesanti, vediamo di fare un piccolo resoconto, con le informazioni disponibili.

La storia si basa principalmente sulla guerra tra due nazioni: l’Agnus e il Keves. Nel mondo di XC3, queste nazioni sono composte da colonie itineranti (I ROBOTTONI CI SONO SEMPRE), ognuna delle quali possiede una cronofiamma, necessaria alla sopravvivenza della colonia stessa, che si ricarica mietendo soldati della nazione avversaria. Da qui, l’apparente motivo principale del conflitto.

I nostri sei protagonisti, tre di ogni nazione, si incontrano proprio durante uno scontro tra due colonie, che cambierà la loro vita per sempre. Diventeranno infatti Ouroboros, acerrimi nemici di altre misteriose creature denominate Moebious, che tentano di controllare il fato della guerra.

La storia nel gioco è spiegata nei dettagli e i personaggi sono caratterizzati in maniera eccelsa, anche grazie alle tante e lunghe cutscenes!

Open World? Si, ma in alcuni punti no

Chiariamoci, secondo la definizione di Open World, XC3 lo è senza problemi.

Vorrei però applicare una definizione più specifica. La domanda da farsi è: in XC3 si può andare ovunque, potenzialmente da subito?

La risposta è un sonoro “NO!”. Questo perché ci sono delle limitazioni a dove si può andare, sia a causa di elementi RPG, come il livello dei mostri, ma anche a causa della mancanza di abilità da sbloccare completando missioni o andando avanti con la storia!

Sto parlando di abilità come arrampicarsi su alcune pareti specifiche o correre su superfici scivolose, che non sono disponibili da subito.

Customizzazione RPG folle

Xenoblade Chronicles tre ha tanti, tanti, tantissimi modi per personalizzare i propri personaggi e renderli più forti!

Il primo sono le classi, le abilità (passive) e le tecniche (attive). Ognuno dei nostri personaggi avrà una classe inziale, dopo un po’ di missioni della storia saremo in grado di cambiarle, per ottimizzare i protagonisti.

Come? Semplice, con un meccanismo di classi simile a Bravely Default: giocare molto una classe con un personaggio ne aumenta il rango, ogni cinque ranghi (max 20) si otterranno della abilità che si legheranno al personaggio e sarà possibile utilizzarle anche cambiando classe.

All’inizio del gioco avremo solo sei classi a disposizione, ma giocando se ne sbloccheranno molte altre, anche se gli archetipi di classe rimarranno tre: attaccante, difensore e guaritore!

Il secondo elemento di personalizzazione RPG sono gli accessori, semplicemente degli oggetti equipaggiabili: salendo di livello otterremmo fino ad un massimo di tre slot equipaggiamenti.

Il terzo elemento sono le gemme, craftabili a qualsiasi checkpoint utilizzando i materiali trovati nell’esplorazione del mondo ed equipaggiabili. Anche qui si potranno ottenere un massimo di tre gemme equipaggiabili contemporaneamente, salendo di livello.

Il quarto e ultimo elemento importante sono gli Ouroboros, la fusione di due personaggi protagonisti prefissati e non intercambiabili. Ognuno degli inizialmente tre Ouroboros (meccanica principale del gioco) avrà le sue tecniche e le sue abilità, sbloccabili e potenziabili tramite la mappa dell’anima, una sorta di albero delle abilità.

Ci sono altre possibilità minori di customizzazione, ma vi lascio scoprirle nel gioco!

Combat system (nel dettaglio)

Il combat System è pieno di meccaniche, vecchie e nuove.

Come nel titolo precedente, gli attacchi di base sono automatici: dovremo premere solo i tasti corrispondenti (Y/B/X) alle tecniche equipaggiate al personaggio per eseguirle.

Il tasto A invece sarà riservato all’abilità finale, che si caricherà in modo diverso per attaccanti, difensori e guaritori. Questa tecnica è molto potente e sarà diversa per ogni classe.

La frequenza di utilizzo delle abilità dipenderà da due fattori: la loro potenza e la loro modalità di ricarica. Infatti le abilità provenienti da classi Agnus si ricaricheranno attraverso gli attacchi automatici, mentre quelle da classi Keves con il tempo.

I tasti freccia non sono per il movimento, i tasti su/giù/destra serviranno a usare le abilità extra ereditate da altre classi, mentre il tasto sinistra servirà a inizializzare la fusione Ouroboros.

Utilizzare le tecniche con un buon timing (ossia collegandole agli auto-attacchi), attivare i loro effetti secondari e scatenare le nostre tecniche speciali ci permetterà di caricare l’indicatore assalto di gruppo, una potente tecnica capace di infliggere veramente molti danni, se usata in maniera corretta.

Assieme ai nostri protagonisti potremo anche usare un eroe, nelle nostre avventure. Gli eroi sono personaggi importanti a livello di storia, che si uniranno alla nostra causa, venendo sbloccati man mano che si procede con la trama principale!

Ultimo punto, ma non meno importante, con chi si combatte? Ovviamente ci sono i boss, ma in giro per la mappa potremo trovare diversi tipi di nemici, oltre a quelli normali: i fortunati (con le stelline intorno al livello, per indicare che dropperanno cose rare), i “punti esclamativi” (standoci intorno dropperanno materiali particolari), gli Elite (con ali blu intorno al livello, nemici difficili da abbattere, ma che daranno bonus esperienza) e, infine, gli Unici (con ali d’oro intorno al livello, questi mostri scompariranno per sempre una volta sconfitti, ma sono degli ossi veramente duri).

Grafica e sonoro

Probabilmente sarà la Switch che è limitata, ma onestamente mi aspettavo una grafica leggermente migliore, per i modelli e per le texture del mondo, ma forse sto chiedendo troppo, visto che i paesaggi sono fenomenali.

Per quanto riguarda il sonoro, la musica è bellissima e tutte le OST dei combattimenti sono superbe, la critica che ho da fare è che, soprattutto nelle cutscenes, ci sia una mancanza di suoni di fondo/ambientali.

Conclusione

Non voglio tediarvi ulteriormente, quindi la chiudo qua.

Sotto la maggior parte dei punti di vista questo gioco è fenomenale, anche se ha qualche pecca.

La mia opinione è che sia un must play al livello di Breath Of The Wild, anche se forse leggermente meno accessibile a un certo tipo di pubblico, perché sono presenti meccaniche di ottimizzazione molto complesse ed è, in generale, un gioco più difficile.

Nerdando in breve

Xenoblade Chronicles 3 è un Action JRPG sviluppato da Monolith Software e distribuito da Nintendo. I suoi punti di forza sono un open world enorme, tantissime meccaniche di personalizzazione RPG, delle ambientazioni fantastiche e un sistema di combattimento molto interessante, seppur, a volte, lento. I suoi lati negativi sono una grafica non al 100%, della mancanza di audio in diversi punti e le cutscenes decisamente troppo frequenti e lunghe. Rimane, però, un must play per Nintendo Switch!

Trailer

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Recensione

Il colpo d’occhio è di quelli che non si dimenticano facilmente. Appena aperto Sable, disponibile il giorno dell’uscita grazie al servizio Xbox Game Pass, la prima cosa che mi è tornata alla mente è stata l’arte del maestro Moebius, fumettista francese capace di creare tavole fantascientifiche incredibilmente evocative, poetiche ed oniriche.

Sable richiama quel genere di grafica, grazie al suo stile coloratissimo e minimalista, dandoci l’impressione di giocare all’interno di un fumetto. Ed è allo stesso modo che andrebbe, a mio avviso, affrontato: con calma, serenità, pazienza e tanta voglia di esplorare.

Sable, la protagonista del titolo, è una giovane ragazza che si muove in un mondo del futuro, eppure regredito all’epoca tribale. Partendo dal suo villaggio, inizierà ad esplorarne i dintorni, risolvendo piccoli compiti per gli abitanti ed entrando così in contatto col modo circostante. Un mondo fatto di tecnologia antica e dimenticata, poteri mistici e misteri sepolti nel tempo da svelare.

Gameplay

Per certi versi questo titolo mi ha riportato alla mente le sensazioni di un esplorativo d’altri tempi: Submerged, ma non lasciatevi ingannare. Come potete vedere dagli screenshot, la grafica è molto diversa, ridotta all’osso, eppure la sensazione, durante le mie sessioni esplorative, è stata della medesima pace ed armonia.

Sable si può muovere a piedi, saltando ed arrampicandosi pressoché ovunque, oppure scivolando nell’aria grazie al potere che si acquisisce quasi subito, dopo una breve esplorazione di un antico tempio. Tuttavia, come avveniva in altri titoli come I Am Alive, di Ubisoft, abbiamo a disposizione una sorta di “barra della fatica” al termine della quale, se non abbiamo raggiunto una posizione ferma, cadremo nella nostra arrampicata, o, più semplicemente, dovremo smettere di correre per prendere fiato.

Per coprire lunghe distanze, poi, troviamo quasi subito un hoverbike, una sorta di motocicletta fluttuante che potremo anche potenziare per acquisire maggior velocità. Al netto di questo, nel gameplay c’è davvero poco altro: interazione (fumettistica, con tanto di descrizione dei pensieri) con i PNG, un po’ di investigazione per risolvere qualche mistero, e tanta, tantissima esplorazione senza alcun orologio a ticchettare.

Abbiamo tutto il tempo che vogliamo per chiudere le nostre missioni, possiamo anche andare in esplorazione nel vasto mondo senza alcuna fretta, e abbiamo modo di perderci tra le sue bellezze senza che qualcuno ci spinga a fare le cose di corsa. Possiamo quindi perderci alla ricerca delle maschere da indossare, o scrigni da aprire per trovare merce di scambio e acquistare nuovi vestiti o ancora migliorare il nostro hoverbike.

Ne emerge un approccio intimista e soggettivo, in cui possiamo affrontare questa avventura e calarci nel suo spirito con grande tranquillità, lasciandoci avvolgere dal suo misticismo e dalla sua poetica leggera.

Comparto tecnico

Avrete intuito, dalle mie parole, che l’aspetto grafico mi ha pienamente convinto. Anche il sonoro è degno di nota, e si fonde perfettamente nell’economia globale di questo titolo. L’approccio al gioco, come già detto a più riprese, è estremamente personale ed intimista, i controlli vengono introdotti poco per volta, e richiedono un paio d’ore di esplorazione per essere padroneggiati: non perché ci sia qualcosa di particolarmente complesso da acquisire, ma proprio per la struttura del gioco che ci avvicina poco per volta alle diverse funzioni messe a disposizione.

A fronte di un comparto artistico notevole, però, devo rimarcare alcune sbavature che possono rendere l’esperienza meno pulita di quanto non avrebbe potuto essere.
Mi spiego meglio: le fasi di platform sono a mio avviso poco riuscite e risultano abbastanza frustranti; capita spesso di mancare il bersaglio, cadere e dover ricominciare, oppure di non riuscire ad interpretare il percorso giusto perché non sempre è facile distinguere, all’interno di una grafica così minimalista, le pareti verticali dalle piattaforme.
Sbavature che non rovinano l’economia globale del gioco; tuttavia in un titolo che è pensato per offrire un’esperienza prettamente esplorativa e meditativa, può risultare un neo che era facilmente evitabile con un pizzico di maggiore attenzione sul comparto tecnico.

Stiamo comunque parlando di un titolo sviluppato da due sole persone, che compongono la londinese Shedworks, e che si colloca decisamente tra le esperienze indie più particolari e meritevoli di essere giocate dell’ultimo anno.

Conclusioni

È davvero difficile riuscire a far trasparire il senso di meraviglia, di pace e di armonia che mi ha avvolto durante la mia esperienza con Sable. Se siete possessori dell’abbonamento Xbox Game Pass, vi consiglio decisamente di dedicargli qualche ora, così da sondare con mano quale incredibile viaggio rappresenti.

Nerdando in breve

Sable è il titolo che ci porta a vivere un’esperienza esplorativa altamente metafisica ricca di poesia.

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Finalmente ci siamo. Il 10 dicembre è uscito Cyberpunk 2077. Ma questo videogioco è solo la punta dell’iceberg di un genere di fantascienza che sembrava ormai passato di moda e invece eccoci qua a parlarne nel nostro consueto NerdandoSu: il cyberpunk.

Il genere nasce sulla spinta delle opere di William Gibson, in particolare del suo Neuromante, libro che ho provato a leggere ben due volte senza mai andare oltre pagina 50, ma che ha un grosso debito di riconoscenza al fumetto, perché Gibson stesso disse che l’ispirazione visiva gliela diede il racconto The Long Tomorrow scritto da Dan O’Bannon e disegnato da sua maestà Moebius. Oltre a quel mitico fumetto sono tanti altri quelli che hanno segnato la storia del fumetto e del genere. Ne ho scelti cinque.

Ronin

Frank Miller ha avuto una carriera stellare e per almeno un lustro è stato di gran lunga il più grande fumettista al mondo. È in quel periodo che tra i tanti progetti supereroistici, Miller piazza un lavoro ambiziosissimo e stupendo: Ronin.

Un samurai del Giappone feudale si reincarna in una New York futuristica controllata dall’Aquarius Corporation e dovrà combattere il demone Agat, anch’esso di ritorno dal passato.

Non solo le atmosfere più cyberpunk che possiate immaginare, tra innesti cibernetici e corporazioni malvagie, ma Ronin è un fumetto visivamente stupendo, forse il picco artistico fin lì raggiunto dall’autore. Miller, libero dai vincoli del fumetto seriale, si sbizzarisce e cerca una sintesi impossibile ma bellissima tra manga, fumetto francese e fumetto americano.

Anni dopo, Miller tornerà al cyberpunk con il violentissimo Hard Boiled, questa volta però solo ai testi, i disegni iperdettagliati sono di Geoff Darrow.

L’Uomo Ragno 2099

Tanto cruciale e pervasivo era l’immaginario cyberpunk tra anni ’80 e ’90 che nel 1992 Marvel lanciò un’intera linea ambientata in un futuro cyberpunk, la linea Marvel 2099. Una larga fetta delle serie presentate erano abbastanza brutte, ma una in particolare è stata una grande serie. Sto parlando ovviamente de L’Uomo Ragno 2099, scritto da Peter David e disegnato per una buona metà da Rick Leonardi.

Miguel O’Hara è uno scienziato per la corporation Alchemax che viene ricatatto dai suoi superiori e finisce per avere il suo DNA mischiato con quello di un ragno. Un supereroe molto diverso da Peter Parker, Miguel cerca principalmente di sconfiggere la Alchemax.

I primi 25 numeri disegnati da Leonardi sono uno spettacolo puro e li consiglierei ad occhi chiusi a chiunque. Tanto più che l’Uomo Ragno 2099 ha pure uno dei costumi più belli di sempre.

Nathan Never

Sebbene in Italia la fantascienza ha sempre fatto un po’ fatica come genere, anche noi abbiamo un grande fumetto cyberpunk: Nathan Never. Creato nel 1991 da un trio di sceneggiatori, Michele Medda, Antonio Serra e Bepi Vigna e disegnato negli anni da tantissimi grandi artisti, con le copertine di Claudio Castellini.

Nathan Never è un investigatore privato per l’Agenzia Alfa e vive in un mondo dove catastrofi naturali e guerre spaziali hanno cambiato enormemente il pianeta. A differenza di altri personaggi Bonelli, le storie di Nathan Never sono interconnesse tra loro e questo aiuta a immergersi nel vasto mondo creato dai tre.

Le storie di questo sbirro del futuro sono piene di elementi cyberpunk, dalla presenza di corporation malvagie, alla cibernetica, oltre all’aspetto grafico, ispirato in parte a Blade Runner. Come tutti i fumetti seriali ha alti e bassi, ma i primi 150/200 numeri sono quasi tutti perfetti, con tante storie memorabili.

Ghost in the Shell

Si può parlare di cyberpunk a fumetti senza parlare di Giappone? No, non si può. Nella patria del Sol Levante sono troppe le storie che si rifanno a quell’estetica e a quelle tematiche. Chiaramente il top è Akira di Katsuhiro Otomo, ma confesso che non ho mai letto il manga, limitandomi al bellissimo film.

E quindi non mi resta che citare l’altra pietra miliare del genere, Ghost in the Shell. Anch’esso adattato in un anime stroardinario. Il manga fu creato da Masamune Shirow nel 1989 e racconta le gesta del maggior Makoto Kusanagi e della sezione Speciale 9.

I disegni di Shirow sono spettacolari, la storia è un tantino troppo episodica e come molti manga finisce un po’ frettolosamente, ma è uno di quei fumetti che non posso non piacere e affascinare.

L’Incal

Come detto è grazie a Moebius che dobbiamo una larga fetta d’immaginario cyberpunk e dunque non posso che consigliare un’altra sua creazione, L’Incal, scritto da quel matto di Alejandro Jodorowsky e uscito tra 1981 e 1988.

Le avventure dell’investigatore privato John Difool che si ritrova in mano l’artefatto magico dell’Incal, sono un concentrato di invenzioni grafiche e narrative come pochi fumetti al mondo. Visivamente è molto più “colorato” di altri fumetti cyberpunk, ma a conti fatti è un fumetto cyberpunk fatto e finito. Jodorowski lo riempie come solo lui sa di riferimenti esoterici e Moebius disegna coma al solito divinamente.

La serie ha anche un prequel, Prima dell’Incal, disegnato da Zoran Janjetov e un sequel, Dopo l’Incal, disegnato da José Omar Ladrönn. Inoltre due altre saghe di Jodorowsky, La casta dei Metabaroni e I Tecnopadri, sono ambientati nello stesso mondo de L’Incal, ma sono vanno in direzioni diverse dal cyberpunk.

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Jason Aaron torna alla riscossa con un’opera che farà sicuramente discutere. Di ispirazione biblica, tormentato, violento, disperato, The Goddamned è pronto a impressionare tutti i lettori.

La pubblicazione italiana è curata da Panini Comics, che ci ha gentilmente fornito il primo volume, Prima del Diluvio, per recensirlo.

Trama

Il mondo, dopo la cacciata di Adamo ed Eva dal Paradiso Universale, è in rovina. Lande desolate e fangose, dove acqua pulita e qualcosa da mangiare sono merce rara, sono percorse da tribù barbare senza alcuna parvenza di civiltà, che rispondono solo alla legge del più forte. Un mondo completamente corrotto, insomma. E il corruttore è proprio il maledetto da Dio del titolo, the Goddamned, ossia Caino, figlio di Adamo. Caino, che è costretto a vagare per le terre ostili e desertiche, costante testimonianza della corruzione da lui stesso portata con il primo omicidio, per sempre. La sua condanna, infatti, è di non poter morire: dovrà assistere ogni giorno alla rovina e ricordare che il responsabile di tutto è lui.

È possibile un riscatto, una redenzione? Oppure non c’è più speranza, perché anche Dio si è dimenticato del mondo che ha creato?

Recensione

Ouch. Ecco la mia prima impressione: un bel pugno nello stomaco. Ma andiamo con ordine.

Dalla collaborazione tra Jason Aaron e r.m. Guéra, con Giulia Brusco ai colori, arriva The Goddamned, edito in Italia da Panini Comics. Non ci girerò intorno: è un’opera forte, cruda e disturbante. La violenza fa da padrone e non c’è spazio per la speranza. È un’opera complessa, che attinge a piene mani dalla tradizione biblica per reinterpretarla secondo la poetica di Aaron, dipingendo un mondo cupo, dove tutto è immerso nel peccato e dove neanche Dio ormai risponde più agli appelli disperati.

Il fulcro di tutto è lui, Caino, il responsabile della corruzione del mondo. Un personaggio estremamente controverso. Da un lato, sappiamo che è tutta colpa sua e che si merita la sua condanna, una maledizione terribile: non poter morire ed essere così costretto ad affrontare ogni giorno i frutti del male che ha introdotto. Dall’altro, non possiamo non essere colpiti dalla sua disperazione. Immerso negli orrori e nella violenza, non ha più la forza di sperare in una redenzione, perché sa che sarebbe tutto inutile e porterebbe solo altro dolore. Ormai, il suo unico desiderio è solo quello di poter finalmente morire. Questa disperazione, nonostante la consapevolezza che non dovremmo, porta quasi ad avere compassione per Caino, il mostro, il maledetto da Dio.

Dio, che è il grande assente. Il creatore, qui, sembra essersi dimenticato di ciò che ha creato o, addirittura, di essersene del tutto disinteressato. È indifferente alla sofferenza di Caino e degli altri esseri umani, non risponde neanche a Noè, che sta costruendo l’Arca in previsione di un Diluvio Universale. Che la corruzione sia arrivata così a fondo che anche Dio ha perso la speranza? Davvero non c’è possibilità di redenzione?

Jason Aaron, già conosciuto sia per i suoi lavori per la DC e la Marvel, sia per altri fumetti indipendenti (tra cui cito Scalped e Men of Wrath), ha già affrontato i temi della violenza e dell’espiazione. In The Goddamned, la situazione è particolarmente disperata: il mondo è popolato da mostri umani, senza più freni né civiltà. L’unico che, almeno in questo primo volume, mantiene un fondo di umanità è proprio il corruttore, Caino.

Sono questi contrasti che rendono The Goddamned così interessante. Non è una lettura facile, questo è poco ma sicuro. Io ho avuto bisogno di una rilettura per elaborare la violenza e la volgarità, che sono pervasive, e apprezzare nell’insieme questo fumetto. Beninteso, violenza e volgarità non sono gratuite, ma sono necessarie per raggiungere quella forza espressiva da pugno nello stomaco che The Goddamned trasmette. Ciò non toglie che la botta arrivi. Ouch.

Disegni

The Goddamned è in realtà la seconda collaborazione tra Jason Aaron e r.m. Guéra, dopo Scalped, e direi che è una collaborazione fortunatissima. I disegni si adattano benissimo alla crudezza della sceneggiatura: la violenza si percepisce anche senza le parole. Le scene di desolazione e solitudine si alternano a quelle di battaglia, dando un respiro spezzato alla narrazione.

Lo stile di r.m. Guéra è realistico e con una grande cura del dettaglio. In alcune scene somiglia un po’ a Moebius, specialmente nei paesaggi, mentre in altre mi ha ricordato un po’ il Frank Miller di Ronin.

I colori, ad opera di Giulia Brusco, contribuiscono enormemente alla creazione dell’atmosfera. Assieme al tratto del disegno, i colori spenti e delle tonalità del fango fanno percepire l’onnipresente sporcizia. I paesaggi sono cupi, scuri e opprimenti, in contrasto con il rosso vivace del sangue versato.

In conclusione

Se cercate una lettura semplice e leggera, The Goddamned non fa per voi. Chi è interessato ai temi religiosi, anche molto rielaborati, o chi apprezza storie crude e dirette, o anche chi cerca disegni davvero molto belli: a voi lo consiglio.

Probabilmente la discesa nel mondo antidiluviano di Caino non sarà semplice, ma, d’altronde, non deve esserlo. È comunque una discesa che vale la pena fare.

Nerdando in breve

The Goddamned: Prima del Diluvio è il primo volume della serie firmata Jason Aaron e r.m. Guéra. Immagini forti e violente raccontano la storia di Caino, il primo assassino, e del mondo rovinato dalla corruzione che lui vi ha portato.

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