Recensione

Ieri, 7 ottobre 2026, è uscita su Prime Video la serie TV su Carrie e io ho deciso di farmi una maratona incredibile per finirla tutta di fila. Letteralmente non ho parlato per tutto il giorno con il mio fidanzato, a malapena ho fatto pipì.

Se avessi messo questo impegno nello studio, probabilmente a quest’ora avrei cinque lauree.

Anche perché ieri ho riguardato sia il film originale di Brian De Palma del 1976 sia il remake di Kimberly Peirce del 2013, proprio per avere un paragone il più possibile fresco. Ero curiosissima di capire come la storia di Carrie sarebbe potuta diventare una serie TV. Perché una cosa è prendere il romanzo di Stephen King e farne un film di due ore, un’altra è dover costruire una stagione intera attorno a una storia che tutti conosciamo già.

E in realtà, dopo averla vista, me lo domando ancora.

Perché se la protagonista di questa serie si fosse chiamata Veronica, poco o nulla mi avrebbe fatto pensare alla Carrie di De Palma. A parte i nomi, alcuni personaggi, la telecinesi e alcune scene fondamentali, il resto è praticamente un mondo inesplorato.

E questo non è necessariamente un difetto.

È semplicemente una storia molto diversa da quella che mi aspetto quando penso a Carrie. Non per questo è meno bella. Anzi, per certi aspetti è persino geniale.

Da qui in poi, però, spoiler praticamente su tutto. Se sei allergico, questo è il momento giusto per chiudere la pagina.

La doccia

Partiamo dalla scena più famosa di tutte. Quella che probabilmente viene in mente a chiunque senta pronunciare il nome Carrie: la doccia, il sangue, le compagne che ridono, l’umiliazione che dà inizio alla storia.

Nella serie di Flanagan c’è, ma è completamente diversa.

De Palma costruiva la scena attraverso uno sguardo estremamente voyeuristico: la macchina da presa indugiava sul corpo nudo di Carrie prima ancora che arrivassero il sangue e l’orrore. Il corpo della ragazza diventava così contemporaneamente qualcosa di innocente, qualcosa che lei stessa non conosce e qualcosa che lo spettatore è invitato a guardare.

Nel remake del 2013 Kimberly Pierce riduce molto questo aspetto e sposta l’attenzione soprattutto sul disagio di Carrie. Anche lì il corpo è importante, ma lo sguardo è meno interessato a mostrarlo.

Flanagan fa un passo ulteriore: non spoglia nessuno.

La scena avviene nello spogliatoio, ma Carrie è vestita. Sono le compagne ad accorgersi del sangue e a farglielo notare. Lei non capisce cosa stia succedendo, chiede aiuto, si agita, urla. E soprattutto si arrabbia perché nessuno sembra intenzionato ad aiutarla.

È una differenza apparentemente piccola, ma dice molto su questa versione di Carrie. Perché finalmente Carrie non è soltanto una ragazza a cui le cose accadono.

Carrie

La Carrie del 1976 è estremamente passiva. All’inizio sembra quasi incapace di stare al mondo. È ingenua, isolata, terrorizzata dalla madre e completamente impreparata a gestire ciò che le succede. Non è stupida, anzi: quando scopre di avere dei poteri cerca informazioni, prova a capire cosa siano e come funzionino, ma per gran parte del film subisce e basta.

La Carrie del 2013 è già più reattiva. Nella stessa scena del ciclo capisce che le ragazze la stanno umiliando deliberatamente e reagisce in maniera più consapevole.

Quella di Flanagan, invece, è curiosa fin dall’inizio. È stata cresciuta completamente fuori dal mondo e deve imparare praticamente da zero come funziona la società, ma non si limita a subire ciò che le viene raccontato. Fa domande, cerca libri sulla telecinesi e sulla stregoneria, si esercita, cerca di capire cosa le sta succedendo.

E soprattutto interagisce.

Carrie si fa amici, va a una festa, beve, parla con le persone, scopre i social, l’amicizia e persino la cattiveria degli altri. Tutto contemporaneamente.

La scuola non è più soltanto il luogo in cui Carrie viene bullizzata: è il primo vero contatto che ha con il mondo.

Carrie arriva persino a usare i suoi poteri prima del ballo, per piccoli dispetti e per reagire a chi la ferisce. Quando Chris la provoca, non resta semplicemente immobile a subire: reagisce, le rompe il naso usando i suoi poteri e le dice pure di “mettersi il tappo” mentre sanguina.

Sinceramente, l’ho adorata.

Questa Carrie ha molta più voglia di vivere e molta meno voglia di farsi mettere i piedi in testa. 

Finalmente gli altri personaggi esistono

In un precedente articolo mi ero lamentata del fatto che i personaggi maschili fossero spesso semplici pedine e, effettivamente, nel primo film è difficile considerarli molto più di questo.

Billy è violento perché deve esserlo per la storia. Tommy è totalmente insipido.

Chris è la ragazza cattiva che deve organizzare la vendetta. Sue è quella che si pente.

Nella serie non funziona più così.

Quasi tutti hanno una vita anche quando Carrie non è nella stanza.

Ed è probabilmente questa la differenza più grande rispetto ai due film: Flanagan non costruisce i personaggi soltanto in funzione di Carrie. Li lascia esistere per conto proprio, con famiglie, problemi, paure, desideri e motivazioni che non dipendono necessariamente dalla protagonista.

Tommy

Nel film del 1976 è praticamente pollo scondito, sembra quasi eseguire quello che gli dice Sue. Nel remake del 2013 acquista già maggiore autonomia e personalità. Nella serie di Flanagan finalmente acquista sapore.

Tommy è genuinamente gentile con Carrie perché vuole esserlo. Non perché Sue gli chiede di portarla al ballo, non perché deve fare il bravo ragazzo e non perché qualcuno gli ha detto che è la cosa giusta da fare.

La conosce, parla con lei e la ascolta. Passano del tempo insieme, guardano le stelle, lui la riaccompagna a casa e alla fine decide spontaneamente di invitarla al ballo.

E soprattutto prova sentimenti propri.

Si arrabbia con Sue quando scopre che gli ha nascosto il ritardo delle mestruazioni, il test di gravidanza e tutta la situazione che riguarda la loro relazione. Non è lì soltanto per accompagnare Carrie verso il massacro finale.

Billy

Già il remake aveva dato a Billy una maggiore autonomia, rendendolo più aggressivo e violento. Qui diventa ancora più indipendente da Chris.

Viene introdotto come spacciatore, è impulsivo, pericoloso e prende decisioni per conto proprio. Il rapporto con Chris nasce e cresce dentro un contesto di rabbia, impulsività e problemi familiari.

Non è semplicemente il ragazzo che Chris manda a fare quello che lei vuole.

Anche il loro rapporto acquista quindi una dimensione propria: i due si frequentano, sviluppano un legame e diventano una coppia, invece di essere semplicemente la coppia criminale funzionale alla vendetta contro Carrie.

Chris

Lei è forse il personaggio che più beneficia dell’espansione della storia.

Nel 1976 è praticamente cattiva e basta. Carrie è la sua vittima e lei vuole vendicarsi senza un reale motivo. Nel remake viene già resa più calcolatrice e viene dato maggiore spazio alle sue motivazioni. Qui, invece, entriamo davvero nella sua vita.

La madre ha lasciato suo padre per un altro uomo, che guarda caso è il padre di una compagna di scuola di Chris. Vivono insieme e Chris vive tutto questo come un ulteriore abbandono. Anche il futuro universitario diventa fonte di problemi economici.

E poi c’è Sue. Sue è la sua migliore amica e passa sempre più tempo con Carrie. Dal punto di vista di Chris, anche lei la sta abbandonando.

L’unica persona che sembra rimanerle accanto è Billy.

Questo non giustifica quello che fa, ovviamente. Chris continua a essere responsabile del bullismo, delle umiliazioni e di una quantità impressionante di stronzate, ma la serie prova a raccontare perché una persona possa diventare così ossessionata da qualcun altro.

E alla fine Chris stessa ammette di non sapere nemmeno perché abbia iniziato ad accanirsi tanto contro Carrie. La trovava strana e voleva farle uno scherzo. Il resto è cresciuto progressivamente fino a diventare qualcosa di molto più grande di lei.

Poco prima di morire, quando cerca di chiedere scusa a Carrie, per la prima volta sembra davvero rendersi conto di quello che ha fatto.

Sue

Nel film originale partecipa al bullismo e cerca di rimediare quando ormai è troppo tardi. Nel remake è già più umana e sinceramente pentita.

Nella serie, però, Sue e Carrie diventano davvero amiche.

Sue cerca di aiutarla, prova a fermare Chris, le suggerisce persino di parlare con Margaret e progressivamente costruisce con lei un rapporto vero.

Arriva al ballo appositamente per cercare di avvertire la scuola della presenza di Chris e Billy.

E sarà proprio Sue, dopo la tragedia, a raccontare Carrie nelle sue testimonianze.

Questo è importante perché la serie introduce un elemento che nei due film non esiste: Carrie viene raccontata dagli altri.

Sue la vede come una ragazza buona, gentile, fragile. Altri la descrivono in maniera completamente diversa.

Non esiste più una sola Carrie. Esistono tante Carrie quante sono le persone che l’hanno conosciuta.

Margaret

La Margaret del 1976 è terrificante. Fanatica, violenta, punitiva. Solo successivamente il film ci permette di comprendere che dietro quella follia esiste un trauma.

Quella del 2013 è più disturbante psicologicamente, ma anche più umana.

Quella di Flanagan è ancora diversa.

È religiosa, iperprotettiva e controllante, ma non è semplicemente cattiva. Anzi, spesso sembra sinceramente preoccupata per Carrie.

Le chiede come sta. Si preoccupa perché mangia male e dorme peggio. Cerca di capire cosa le stia succedendo. La abbraccia, la bacia e le dice che le vuole bene.

Quando il bullismo supera le mura della scuola e diventa qualcosa di molto più grande, Margaret prova a proteggerla. Probabilmente le due Margaret precedenti avrebbero dato almeno in parte la colpa a Carrie stessa.

Il suo problema è che per lei proteggere Carrie significa impedirle di vivere.

Quando Carrie ha il ciclo, per esempio, cerca di nasconderglielo perché ha paura della sua reazione. Margaret la manda nello sgabuzzino a pregare perché considera la trasformazione in donna qualcosa di legato al peccato. Ma contemporaneamente le procura gli assorbenti perché non si sporchi a scuola.

È questo il paradosso della Margaret di Flanagan: può essere terribilmente oppressiva e contemporaneamente sinceramente amorevole.

È madre, carceriera e vittima delle proprie paure nello stesso momento.

E poi installa delle telecamere in casa senza che Carrie lo sappia, quindi, diciamo, l’amore materno ha anche qualche problema di gestione della privacy.

Finalmente vediamo il padre di Carrie

Per la prima volta abbiamo anche un volto per il padre di Carrie.

Nel film originale Margaret ne parla come di un uomo violento, dedito all’alcol e responsabile di abusi. Nel remake viene citato da Carrie, che pensa addirittura di aver ereditato da lui i propri poteri.

Qui finalmente lo vediamo.

È un uomo molto religioso, con una certa vena complottista, che lavora in un cantiere. Peccato che muoia praticamente subito a causa di un incidente sul lavoro, quindi non abbiamo davvero il tempo di approfondirlo quanto avrei voluto.

La sua morte, però, lascia una traccia importante nella storia. Carrie continua a vederlo nei sogni e persino da sveglia. Margaret ricorda inoltre che, quando Carrie era bambina, delle pietre erano cadute sulla casa. Lei sospettava che fosse stata la figlia, mentre suo marito continuava a dirle che era impossibile.

Anche il passato di Carrie, quindi, viene ampliato.

Instagram, cyberbullismo e una scuola che esiste davvero

È inevitabile che una nuova versione di Carrie affronti il cyberbullismo.

Nel remake del 2013 era già stato aggiornato il contesto, ma qui la cosa diventa molto più grande.

Chris crea un profilo Instagram chiamato @carriered_ per prendere in giro Carrie, ma l’account finisce per trasformarsi in uno strumento di umiliazione collettiva. Non viene presa di mira soltanto Carrie: gli studenti cominciano a mandare foto e contenuti su altri compagni e persino sugli insegnanti.

Un professore viene pubblicamente accusato di essere un pedofilo e arriva a suicidarsi.

Sue registra Chris mentre ammette di aver creato il profilo e porta la registrazione al consulente scolastico. La ragazza continua a negare tutto finché l’evidenza non diventa impossibile da ignorare, così viene espulsa. E, in un altro ribaltamento interessante, gli stessi studenti che fino a quel momento avevano partecipato al sistema di umiliazione finiscono per rivoltarsi contro di lei.

La scuola non è più soltanto il luogo in cui Carrie viene bullizzata.

Ci sono metal detector, esercitazioni per le sparatorie, consulenti, insegnanti, famiglie, social, problemi economici e dinamiche che esistono indipendentemente dalla protagonista.

Ed è un altro elemento che rende questa serie molto diversa dai film: il mondo non sembra fermarsi quando Carrie esce di scena.

La religione

Nel film di De Palma è praticamente ovunque: croci, peccato, punizione, preghiera, la casa di Margaret che sembra costruita apposta per mettere a disagio chiunque ci entri.

Solo Marcellino pane e vino mi trasmetteva la stessa angoscia.

Nel remake viene mantenuta la simbologia, ma con un approccio più psicologico.

Flanagan la intreccia invece con il controllo familiare, l’isolamento e perfino la salute mentale.

Carrie arriva a pensare di avere una malattia mentale perché vede il padre e parla con quella che crede essere un’amica immaginaria. Margaret, dal canto suo, sostiene che le malattie mentali non esistano.

Quello che mi è mancato, però, è il riferimento più esplicito alla simbologia cristiana nel finale.

Nei due film la morte di Margaret è fortemente legata all’immagine di Cristo. Nel 1976 viene trafitta e la composizione richiama apertamente una crocifissione; il remake riprende quella stessa idea.

Qui no.

Il confronto con Carrie è molto più umano e, per certi versi, persino più doloroso, ma mi è mancato quel richiamo visivo così iconico. 

Ridatemi il vestito rosa

Altra domanda fondamentale che nessuno aveva posto ma che io sento il bisogno di porre: perché Carrie è vestita di bianco?

Nel 1976 il vestito è rosa. È cucito da Carrie e diventa parte della sua trasformazione in ragazza che, almeno per una sera, vuole sentirsi normale. Nel remake viene ripreso anche il concetto del colore e del corpo.

Qui Carrie si cuce da sola il vestito, ma è bianco.

E mancano completamente anche quei dialoghi sul rosa, sul rosso e sui seni che Margaret definisce “escrescenze”.

Sono piccolezze, ma sono proprio questi dettagli a rendere riconoscibile Carrie. E quando una serie decide di cambiare quasi tutto, sono anche le piccole assenze a farti capire quanto si sia allontanata dall’originale.

Il ballo

Nei due film il ballo è il grande punto di arrivo. Tutto conduce lì.

Nella serie il ballo arriva nell’ultimo episodio, dopo sette episodi passati a conoscere Carrie, Margaret, Chris, Sue, Tommy, Billy e tutti gli altri.

E questo cambia completamente il significato della scena.

Carrie non ci va soltanto perché Sue e Tommy l’hanno convinta. Lo considera un’occasione per andare avanti, per provare finalmente a vivere una normale adolescenza.

Tommy le chiede spontaneamente di accompagnarla perché ormai tra loro esiste un rapporto.

Chris vota Carrie un numero imbarazzante di volte per farla eleggere reginetta e umiliarla, ma alla fine la folla applaude davvero.

E poi arriva il sangue.

La scena è molto più veloce rispetto a quella di De Palma, che costruiva la tensione con una lentezza quasi insopportabile. Qui tutto succede in pochi istanti: gli studenti ridono, la filmano e Carrie perde il controllo.

Ma anche in questo caso Flanagan cambia qualcosa di importante.

Carrie non è completamente inconsapevole di quello che sta facendo.

La sua rabbia è più consapevole, la vendetta è più ampia e lei stessa ha già imparato a usare i propri poteri.

Quando Tommy muore direttamente per colpa sua, Carrie se ne accorge e ne rimane sconvolta.

È una differenza importante rispetto alle altre versioni: questa Carrie sceglie di reagire, ma quando vede dove l’ha portata quella scelta non riesce più a sopportarla.

La vendetta

Dopo il ballo, Chris e Billy cercano di scappare in macchina.

Billy prova addirittura a investire Carrie, Chris gli urla di frenare e Carrie reagisce: lancia via l’auto, schiaccia Billy e poi fa lo stesso con Chris mentre lei cerca di dirle che le dispiace.

E c’è una cosa che trovo particolarmente interessante: Carrie, per un momento, sembra divertirsi.

Balla tra le fiamme e urla “Vaffanculo, io esisto.”

È forse il momento in cui la Carrie della serie raggiunge il massimo della libertà. Per un attimo è semplicemente libera, poi si rende conto di quello che ha fatto.

Emaline

Ed eccoci alla parte in cui la serie decide definitivamente di prendere Carrie, guardarla negli occhi e giocarci.

Per buona parte della serie Carrie vede Emaline praticamente ovunque. Le parla, interagisce con lei, costruisce un rapporto. Gli altri, però, non sembrano vederla e Carrie viene persino presa in giro perché parla da sola.

All’inizio sembra quindi una classica amica immaginaria, legata al suo isolamento e al suo stato mentale.

Poi la situazione diventa molto più complicata.

Emaline sembra essere una proiezione astrale, una presenza legata alle capacità psichiche di Carrie, e alla fine sembra persino aiutarla a controllare la propria forza.

Carrie non è più l’unica persona con poteri. La serie introduce altre persone dotate di capacità soprannaturali, parla del cosiddetto “luccichio”, fa riferimenti a persone del passato che potrebbero aver avuto capacità simili.

E a quel punto viene spontaneo chiedersi: siamo ancora dentro Carrie o Flanagan sta preparando un universo completamente nuovo?

Il riferimento al “luccichio”, poi, credo non abbia bisogno di spiegazioni.

Questa è probabilmente la parte che mi incuriosisce di più e allo stesso tempo mi lascia più perplessa.

Perché l’idea è interessante. Molto.

Ma più il mondo si espande, più Carrie rischia di diventare soltanto uno dei tanti pezzi di un universo soprannaturale molto più grande.

E se l’obiettivo era raccontare una nuova Carrie, fino a che punto possiamo allontanarci da Carrie prima che smetta di essere Carrie?

Lo sguardo di Flanagan

Guardando i tre prodotti uno dopo l’altro, a distanza di poche ore, la differenza diventa abbastanza evidente.

De Palma guarda Carrie e vede soprattutto un horror psicologico e atmosferico, sporco, perverso, cattivo. La sua regia è fortemente autoriale e riconoscibile. La scuola è luminosa, la casa è buia e claustrofobica, il corpo di Carrie è osservato dalla macchina da presa in maniera quasi inquietantemente voyeuristica.

Peirce guarda Carrie e la trasforma maggiormente in una tragedia adolescenziale. È più luminosa, più realistica, più interessata ai rapporti tra i ragazzi e meno interessata a sessualizzare Carrie.

Flanagan guarda Carrie e vede un’intera rete di persone.

Vede una ragazza che deve imparare a stare al mondo, una madre che ama la propria figlia nel modo peggiore possibile, adolescenti che si portano dietro famiglie problematiche, abbandoni, rabbia, paura e senso di colpa, e una scuola che deve fare i conti con cyberbullismo, sparatorie, salute mentale e reputazione online.

E vede anche un mondo soprannaturale molto più grande di Carrie.

Il risultato è una serie molto più corale, molto più interessata ai personaggi e alle loro vite.

E devo dire che funziona.

Il primo episodio è stato l’unico che ho percepito come lento. Dal secondo in poi gli episodi sono letteralmente volati, anche quando duravano quasi cinquanta minuti. Considerando quante sottotrame ci sono, non era affatto scontato.

Anche visivamente Flanagan non cerca di imitare De Palma. La fotografia è molto scura, soprattutto negli interni, e mantiene quasi sempre un’atmosfera da horror, anche quando la serie si trasforma in teen drama o dramma familiare.

L’orrore non nasce soltanto dalla paura. Nasce dal trauma, dall’isolamento, dal bullismo, dalla famiglia, dalla salute mentale e, naturalmente, dai poteri.

Bella serie ma non è Carrie

Carrie di Mike Flanagan mi è piaciuta.

Anzi, per certi aspetti l’ho trovata persino geniale.

Mi piace moltissimo il modo in cui sviluppa i personaggi. Tommy finalmente è una persona e non pollo scondito. Ho apprezzato che Sue e Carrie diventino davvero amiche. Chris ha una vita al di fuori della sua ossessione per Carrie. Trovo molto più interessante la Margaret ambigua e umana. E mi piace vedere una Carrie curiosa, attiva e capace di prendere decisioni.

E soprattutto mi piace che Flanagan non abbia semplicemente cercato di rifare quello che avevamo già visto.

Però c’è un problema: più la serie amplia il proprio universo, più rischia di allontanarsi da Carrie. Le altre persone dotate di poteri, il “luccichio”, Emaline, la donna misteriosa e tutto ciò che sembra preparare un universo soprannaturale molto più ampio sono elementi interessanti.

Ma sono anche le cose che mi fanno pensare a quanto possiamo cambiare una storia prima che smetta di essere quella storia.

Per me questa serie non è davvero Carrie nel senso in cui lo sono i due film.

È una nuova storia costruita attorno a Carrie.

E forse è proprio questo che Flanagan voleva raccontare: non una nuova versione della storia che già conosciamo, ma il suo sguardo su Carrie.

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Nerdando in breve

Flanagan prende Carrie, cambia praticamente tutto quello che può e riesce comunque a costruire qualcosa che vale la pena guardare.

Trailer

L'articolo Carrie – Lo sguardo di Flanagan proviene da Nerdando.

Ho sempre amato il cinema in ogni suo genere, ma ce n’è uno che mi ha scelta quando ero una bambina e non mi ha più lasciata andare.

Il mio primo horror è stato The Ring, visto di nascosto quando avevo sette anni. Una scelta probabilmente discutibile per una bambina così piccola, ma che ha avuto una conseguenza inevitabile: non ho più smesso. Anzi, con il passare degli anni ho iniziato a scavare sempre più a fondo, passando dai titoli più conosciuti a opere sempre più oscure, disturbanti e difficili da dimenticare.

La tana del Bianconiglio, in fondo, è molto più profonda di quanto sembri.

E proprio mentre pensavo a quanto ancora ci fosse da esplorare, un annuncio ha attirato la mia attenzione: Mike Flanagan, mio unico e solo Dio, porterà sul piccolo schermo una nuova versione di Carrie – Lo sguardo di Satana.

Non nascondo l’entusiasmo: tutto ciò che passa dalle mani di quell’uomo si trasforma in oro. Ma capiamoci, Carrie è un capolavoro dell’horror a prescindere da qualsiasi nuovo adattamento.

Del film di Brian De Palma si è parlato moltissimo. Si è analizzato il rapporto tra genitori e figli, il bullismo, il fanatismo religioso, il trauma adolescenziale. Tutto giusto, ma c’è un aspetto che secondo me spesso passa in secondo piano: in Carrie i personaggi che muovono davvero la storia sono donne.

Carrie, Margaret, Chris, e Sue sono il motore dell’intero film. Sono loro a compiere le scelte che determinano la tragedia finale. Sì, ok, Tommy è carino. Ma, a parte prendersi una secchiata in testa, cosa combina?

Il conflitto, il sangue, la tragedia… tutta una faccenda femminile.

Ed è proprio qui che ho iniziato a pensare che forse l’horror sia molto più femminista di quanto siamo abituati a pensare.

L’horror non si limita a mostrarci come vittime. Certo, la vittima è una figura fondamentale del genere, ma non è l’unica. Ci sono madri, figlie, mogli, amanti, sopravvissute e carnefici. Ci sono donne spezzate dal trauma e donne che trasformano quel trauma in qualcosa di distruttivo.

È quasi ironico pensare che un genere costruito spesso sull’impossibile e sul soprannaturale riesca a raccontare con così tante sfumature qualcosa di profondamente umano. 

Carrie

Prima ancora di essere una ragazza con poteri telecinetici, Carrie è una vittima.

È una giovane donna cresciuta in un ambiente che non le permette di esistere davvero: a scuola viene umiliata, mentre a casa è oppressa da una madre incapace di distinguere la fede dalla crudeltà. Cresce convinta che il suo corpo sia una colpa, che essere donna significhi peccare e che ogni desiderio debba essere represso.

Possiamo dare a Margaret il premio Anna Maria Franzoni? Grazie.

La tragedia di Carrie nasce proprio da questo: non è un mostro nato dal nulla, ma lo diventa agli occhi degli altri nel momento in cui decide di smettere di subire.

Sinceramente credo che pure il Dalai Lama, dopo anni di quel trattamento, avrebbe sbroccato come lei. 

Audition

Con Audition, Takashi Miike costruisce uno dei ribaltamenti più belli del cinema horror.

All’inizio sembra che la storia appartenga a Shigeharu: un uomo che, rimasto vedovo, organizza un finto provino per trovare la compagna perfetta. Perché chiaramente partecipare a Uomini e Donne sarebbe stato troppo semplice.

Asami sembra incarnare proprio questo ideale: bella, gentile, educata, fragile. La classica ragazza da proteggere. La mia bimba bellissima, posso abbracciarti? Piangiamo insieme e poi ci vendichiamo dei Gianpirli che abbiamo conosciuto.

Ma è proprio qui che quel pazzo geniale di Miike ribalta tutto. Per gran parte del film guardiamo Asami attraverso gli occhi di Shigeharu, finendo anche noi per vedere la donna perfetta che lui desidera vedere. Poi, lentamente, quella maschera si sgretola e ci costringe a rimettere in discussione tutto ciò che credevamo di sapere su di lei.

Dietro quell’apparente fragilità si nasconde una donna segnata dal dolore e dagli abusi, che rifiuta di essere ancora una volta l’oggetto dello sguardo maschile. E, sinceramente, la si ama proprio per questo. Anche dopo aver visto cosa serve agli ospiti nella ciotola del cane.

The Woman

Mio grande trauma.

Film bellissimo, non fraintendermi. Ma quando l’ho visto mi ha trasmesso la stessa angoscia che provavo da piccola dopo aver visto Io non ho paura e piangevo ogni volta che dovevo scendere in garage.

Già mi immagino a scegliere le immagini per questo articolo con gli occhi chiusi.

Qui troviamo una famiglia: padre Giancazzo, madre completamente succube, due figlie e un figlio. E un cane che… va beh. Non voglio nemmeno pensarci.

A questa famiglia del Mulino Bianco si aggiunge una nuova presenza: una donna selvaggia e cannibale che il padre ha trovato durante una battuta di caccia e ha pensato bene di stordire, rapire e incatenare per addomesticarla.

Dopotutto, cosa potrebbe mai andare storto?

Te lo dico io, tutto. Ma che goduria vederla riprendersi la libertà.

In questo tipo di film, la donna dovrebbe essere il mostro. Un essere violento, pericoloso, qualcosa di cui avere paura, da cui scappare. The Woman, invece, ribalta completamente la prospettiva: il vero orrore non è la creatura selvaggia rinchiusa in cantina, ma l’uomo convinto di poter giocare a fare Dio senza conseguenze. 

The Substance

Qui il corpo femminile diventa un prodotto, qualcosa da migliorare, modificare e controllare.

L’ossessione per la giovinezza e per la perfezione trasforma Elisabeth in una prigioniera della propria immagine. Il body horror diventa così il mezzo per raccontare qualcosa di estremamente reale: la pressione costante esercitata sulle donne affinché siano sempre giovani, belle e desiderabili.

Elisabeth non perde valore perché è invecchiata, ma perché una società intera che le ha insegnato che, superata una certa età, non ha più niente da offrire.

Che poi io ci metterei la firma per invecchiare come Demi Moore, ma queste sono piccolezze.

E poi c’è Sue, giovane, bella e apparentemente perfetta. Anche lei, però, è vittima dello stesso meccanismo.

Non importa quanti anni tu abbia o quanto tu sia vicina all’ideale di perfezione, se sei una donna non sei mai abbastanza. E quindi tanto vale trasformarsi in un mostro degno di Society e traumatizzare tutti, che forse era la soluzione fin dall’inizio.

Thanatomorphose

Che dire, i canadesi sanno quello che fanno.

Ci sono film horror in cui il corpo viene distrutto da un mostro, da un virus o da una maledizione. In Thanatomorphose, invece, la protagonista è talmente tanto morta dentro che inizia a decomporsi anche fuori.

Laura conduce un’esistenza vuota, intrappolata in una relazione tossica e incapace di trovare un senso alla propria vita. La sua decomposizione non è soltanto un esercizio di body horror estremo: è la manifestazione fisica di un dolore che la sta consumando molto prima che compaiano i primi segni sul suo corpo.

Ed è proprio qui che il film dimostra quanto l’horror sappia raccontare la figura femminile in modo diverso rispetto ad altri generi.

Laura non è un’eroina, non è una final girl e non è nemmeno una classica vittima in attesa di essere salvata. Non combatte, non cerca vendetta e non si ribella.

È una donna divorata dall’apatia, dalla solitudine e dall’incapacità di reagire, fino a quando il suo stato d’animo diventa qualcosa di tangibile.

 Conclusione

Le donne nell’horror non sono mai state soltanto vittime in attesa di essere salvate.

Sono madri distruttive, ragazze arrabbiate, sopravvissute, mostri, carnefici e persone spezzate.

Ed è forse proprio questo il motivo per cui continuo ad amare così tanto il genere, perché riesce sempre a raccontare qualcosa di profondamente umano. A volte persino più di molti film che, sulla carta, dovrebbero farlo.

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Nessun posto è come casa

Complice il fatto che sto riguardando Hill House con il mio ragazzo e che in questi giorni è uscito al cinema un nuovo film de La Casa, mi sono resa conto di una cosa: nei miei horror preferiti il personaggio più interessante non è mai il protagonista, killer o vittima che sia. È la casa.

Hai presente Ju-On, no? Quello giapponese ovviamente, quello americano facciamo finta sia stato un brutto sogno collettivo. Pensiamo ai personaggi di quel film: Kayako, che non vede un parrucchiere da anni ma ha comunque dei capelli migliori dei miei; Toshio, pallido e inquietante, che non devi confondere con il bambino di Scary Movie; e soprattutto la casa, che ha più potere decisionale di un adolescente che vive con i suoi.
Nel corso del film le famiglie cambiano, il tempo scorre, ma la casa rimane sempre fedele a se stessa. Resta lì, immobile, aspettando semplicemente che qualcuno apra la porta. E quando succede, rigurgita tutto quello che ha ingoiato.

Ha memoria, non come la nostra, ma una memoria muscolare: ricorda anche quando vorrebbe solo dimenticare.

Pareti inquietanti

La Casa di Raimi funziona allo stesso modo: non è una semplice baita nel bosco, è un vero e proprio corpo. Le pareti sudano, il pavimento si apre come una bocca, i rami degli alberi ti afferrano…
E poi Hill House. Dio, Hill House. Mike Flanagan potrebbe dirigere la mia intera esistenza, e probabilmente la mia vita starebbe comunque andando a rotoli ma in modo estremamente poetico.
In questa serie la casa non ospita semplicemente una famiglia, ma se la mangia poco alla volta, fisicamente e psicologicamente.

La Stanza Rossa non è solo una stanza, ma è il cuore pulsante della casa. Un cuore che batte in maniera diversa per ognuno, perché la casa ti conosce meglio di chiunque altro e sa perfettamente cosa serve per farti a pezzi.

Più ci penso e più mi sembra che le case dell’horror abbiano qualcosa di profondamente umano.

Una casa, in fondo, è il posto in cui succede tutta la nostra vita. Ti chiudi in bagno a piangere sperando che le lacrime si confondano con l’acqua della doccia. Litighi in cucina perché è l’unica stanza in cui, prima o poi, tutta la famiglia finisce per ritrovarsi. Ti addormenti sul divano dopo una giornata infinita. Fai l’amore. Festeggi un compleanno. Ricevi una telefonata che ti cambia la vita.
E, qualche volta, ci muori.

Uno specchio oscuro

Forse è per questo che ogni stanza finisce per assomigliare a chi la vive: la cantina si riempie di quello che non vuoi affrontare, la soffitta diventa il posto in cui ammassi i ricordi che fanno troppo male per stare davanti ai tuoi occhi. Gli angoli bui sono complici delle tue emozioni quotidiane, assorbono tutto e ti osservano mentre la vita ti passa accanto.

Questa notte, dopo l’ennesimo episodio di Hill House, mi sono alzata per bere un bicchiere d’acqua. Erano le 2 passate, la casa era completamente buia e mi è venuto in mente un pensiero che potrebbe anche sembrare una stronzata: queste mura sanno tutto di me. Mi hanno vista ridere da sola e piangere per ore. Mi hanno vista arrabbiarmi, festeggiare, restare in silenzio guardando il soffitto per non pensare a nulla. Mi conoscono meglio di chiunque altro, ma io cosa so di loro?

Forse è questo il motivo per cui le case dell’horror continuano a farci paura: ci costringono a guardare con sospetto il luogo in cui dovremmo sentirci al sicuro. Finché continueremo a vivere tra quattro mura, continueremo anche a chiederci se tutto quello che hanno visto di noi sia rimasto davvero un segreto solo nostro.

Dormi sereno questa notte, e se senti un rumore provenire dal corridoio, non pensare che sia la casa che si assesta. Probabilmente si è soltanto girata per guardarti meglio.

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Un nuovo anno è al via: cosa c’è di meglio che sbirciare nel calderone delle novità per scoprire cosa ci attende a gennaio 2026 in casa Eagle Pictures?

Fantascienza, storie indimenticabili, body horror, anti-eroi cult: ce ne sarà davvero per tutti i gusti!
Dal 14 gennaio sarà disponibile in home video The Life of Chuck, rivisitazione firamta Mike Flanagan di un racconto di Stephen King con l’interpretazione di Tom Hiddelston. Sarà disponibile in DVD, Blu-Ray, 4K (BD 4K + BD HD).

Dalla stessa data, il 14 gennaio, potremo trovare anche A Big Bold Beautiful Journey – Un viaggio straordinario, favola romantica interpretata da Colin Farrell e Margot Robbie. Sarà disponibile in DVD e Blu-Ray con ricchissimi ed emozionanti contenuti speciali.

Appuntamento invece al 21 gennaio per Tron: Ares. La celebre e amata saga sci-fi nata negli anni Ottanta torna con temi attuali e l’interpretazione di Jared Leto. Sarà disponibile nei formati DVD, Blu-Ray, 4K (BD HD + BD 4K) e una Steelbok 4K. Dalla stessa data sarà possibile trovare anche il cofanetto con tutti i film della saga.

Sempre a partire dal 21 gennaio è in arrivo Together, un body horror audace ma anche romantico che segue una coppia interpretata da Dave Franco e Alison Brie nel corso di un evento che cambierà per sempre la loro relazione. Lo troveremo in DVD, Blu-Ray e 4K HD (BD HD + BD 4K).

Infine, a partire dal 29 gennaio arriva The Toxic Avenger, reboot folle ed esilarante del cult anni Ottanta, che in questa occasione annovera nel cast Peter Dinklage, Jacob Tremblay, Elijah Wood e Kevin Bacon. Lo troviamo in DVD, Blu-Ray, 4K (BD 4K + BD HD) e Steelbook con oltre ottanta minuti di extra.

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Ma ve la ricordate la Notte Horror, quando Italia 1 ci rinfrescava i martedì sera d’estate con un film a tema? Molti di noi sono cresciuti con quell’appuntamento fisso, proprio alla fine del Festivalbar, e oggi sono orfani di quella guida televisiva al cinema horror.
Questa estate a rinfrescarvi ci pensiamo noi, proponendovi una versione seriale della famosa notte horror: ecco 5 serie TV a tema per serate da brivido!

Loro

Serie antologica in due stagioni che è stata particolarmente apprezzata, Loro mescola eventi storici a un orrore sotterraneo e strisciante che ha lasciato gli spettatori a bocca aperta.
La prima stagione, ambientata nel 1953, segue le vicende di una famiglia afroamericana in piena segregazione razziale; la seconda prende il via nel 1991 e segue una detective che indaga di un brutale omicidio.
Dieci episodi per la prima stagione, otto per la seconda, potete guardarle entrambe su Prime Video.

La caduta della casa degli Usher

Una miniserie firmata Mike Flanagan che adatta in versione moderna il racconto di Edgar Allan Poe, aggiungendo con sapienza una serie di rimandi diretti e nascosti all’opera omnia dell’autore statunitense.
Questo inverno questa serie è stata decisamente la mia preferita e mi ha regalato brividi ed emozioni. È composta da otto puntate e la trovate su Netflix.

Servant

Una serie in quattro stagioni di M. Night Shyamalan (nella quale ha fatto il suo debutto alla regia anche la figlia Ishana) che gioca sul filo dell’inquietudine e del soprannaturale. Una giovane e affermata coppia assume una tata a tempo pieno per il proprio figlio neonato. La particolarità è che l’infante altro non è che una bambola reborn. La vicenda assumerà contorni inquietanti.
Le quattro stagioni complete, composte da 10 puntate ciascuna, sono disponibili su Apple TV.

Scream Queens

Creata da Ryan Murphy, Scream Queens è una serie in due stagioni che mescola efficacemente (in particolare nella prima stagione, la seconda è un po’ debole) humour e horror. Vera e propria parodia del genere, che vanta nel cast un’icona del cinema dell’orrore come Jamie Lee Curtis, segue le vicende di una confraternita in un college universitario, funestata dall’immancabile serial killer.
Tredici episodi per la prima stagione, dieci per la seconda, la trovate interamente su Disney+.

The Haunting of Hill House

Doppio Mike Flanagan in questa selezione ma che possiamo fare se lui è una vera garanzia nel settore?
The Haunting of Hill House prende spunto dal romanzo L’incubo di Hill House di Shirley Jackson, già trasposto -male- nel film del 1999 Haunting – Presenze.
La serie crea qualcosa di unico e davvero riuscito, che non posso che consigliarvi! Se volete, dopo aver guardato i dieci episodi, potete guardare il sequel antologico The Haunting of Bly Manor, basato su Giro di Vite di Henry James e realizzato in nove episodi: entrambe sono disponibili su Netflix.

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Recensione

Da grande appassionata di gotico, ho subito avuto aspettative altissime appena ho saputo che Netflix avrebbe distribuito una miniserie basata sul lavoro di Edgar Allan Poe. La caduta della casa degli Usher è uno dei racconti più famosi dello scrittore americano, già trasposto sullo schermo in più di un’occasione -tra cui la pellicola del 1960 I vivi e i morti, con l’interpretazione di Vincent Price- e trasformato nel corso degli anni Ottanta anche in videogioco (per Atari 8-bit e per Commodore 64).

Dietro la miniserie Netflix in 8 puntate c’è la mente di Mike Flanagan, autore non nuovo alle atmosfere tenebrose sul piccolo schermo. È infatti regista di The Haunting of Hill House e The Haunting of Bly Manor, entrambe disponibili su Netflix.
L’esperimento messo in atto da Flanagan con La caduta della casa degli Usher è ardito: il racconto di partenza è mero spunto narrativo per dare vita ad una storia completamente originale e ambientata ai nostri giorni, nella quale però spiccano riferimenti all’opera omnia di Edgar Allan Poe. Un terreno scivoloso, che rischiava di portare ad una completa catastrofe o a un ottimo prodotto. E, per fortuna, ha prevalso la seconda opzione.

Trama

Roderick e Madeline Usher hanno fatto da soli la propria fortuna, partendo dal nulla. Oggi, ormai anziani, rappresentano insieme ai sei figli di Roderick una delle famiglie più potenti e intoccabili degli Stati Uniti, grazie alla leadership nel settore farmaceutico della Fortunato, l’azienda che gestiscono e che produce il ligodone, antidolorifico quasi miracoloso.
Ogni tentativo portato avanti dal procuratore Auguste Dupin per portare a galla il marcio dietro l’azienda si è sempre risolto in un nulla di fatto ma, quando nel giro di una settimana tutti i suoi figli muoiono in circostanze poco chiare, è proprio a Dupin che Roderick si rivolge per svelare i torbidi segreti che lui e sua sorella Madeline custodiscono ormai da troppo tempo.

Stile

La caduta della casa degli Usher mi ha lasciata a bocca aperta! Avevo letto proprio in questo periodo il racconto di partenza e ammetto che mi ero domandata come potesse essere reso adeguatamente in una serie TV, non solo per la brevità dello scritto ma anche per la sua natura essenzialmente descrittiva.
Dopo la diffusione dei primi trailer della serie, che mostravano un’ambientazione contemporanea e un arricchimento dei personaggi, devo confessare di essermi preoccupata perché temevo che lo stile di Edgar Allan Poe sarebbe stato totalmente stravolto.

E invece, dopo aver letteralmente divorato la serie in anteprima -grazie a Netflix- posso affermare che me ne sono davvero innamorata! La caduta della casa degli Usher è molto di più di una semplice trasposizione televisiva: è un omaggio totale a Edgar Allan Poe, che utilizza il racconto di partenza come trampolino di lancio per costruire una narrazione a sé, innovativa ma ben radicata.

Nelle atmosfere, nei personaggi, negli avvenimenti, nei titoli degli episodi e perfino nei semplici dettagli sullo sfondo vive un microcosmo di rimandi e riferimenti ai racconti dell’autore di Boston, oltre che alla sua vita, che non possono che fare felici gli ammiratori di Poe. Allo stesso tempo, la storia è “nuova” eppure così familiare a chi conosca lo stile dello scrittore.

La scrittura convince e le atmosfere a metà tra sogno e incubo rendono la visione de La caduta della casa degli Usher una vera gioia per gli appassionati del genere. A completare il tutto, il ricco cast: su tutti spicca Carla Gugino, vero e proprio talismano di Mike Flanagan, qui alle prese con il ruolo cardine dell’intera serie ma anche Bruce Greenwood e Mary McDonnell, nei panni di Roderick e Madeline, risultano perfettamente in parte. Farà felici molti la presenza di Mark “Luke Skywalker” Hamill, qui nel ruolo di Arthur Pym, tenebroso avvocato della famiglia Usher che deve il proprio nome al protagonista del più celebre romanzo di Allan Poe.

La caduta della casa degli Usher arriva su Netflix a partire dal 12 ottobre 2023: un titolo imperdibile per chi cerca brivido di qualità sul piccolo schermo, oltre che per gli inguaribili affezionati di Edgar Allan Poe.

Nerdando in breve

La caduta della casa degli Usher è un originale e appassionante omaggio all’opera omnia di Edgar Allan Poe. Un must see per gli appassionati del genere gotico.

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Recensione

Dopo aver amato Il gioco di Gerald, Hill House e tutto sommato anche Doctor Sleep mi sento di affermare che il mio giudizio sull’opera di questo regista – che ha avuto il merito di avvicinarmi ad un genere che ho sempre considerato di scarso interesse – non è probabilmente obiettivo: mi sono piaciuti moltissimo tutti i suoi lavori visti finora, è evidentemente nelle mie corde. Il fatto poi che il suo operato venga giudicato da Stephen King come molto vicino all’opera di un genio, mi fa pensare che tutto sommato debba essere DAVVERO un ottimo showrunner.

Ma veniamo a Bly Manor. In pieno stile Flanagan questa serie è fatta di angoscia sottile, genera incapacità di distinguere le proprie allucinazioni dai ricordi di un passato reale e paura gestita con compostezza. Vedendolo non vi capiterà insomma di ritrovarvi in braccio al gatto urlando come pazzi, ma verrete trascinati in un graduale stato di tensione che vi farà comunque rigirare nel letto certi di aver sentito qualche rumore strano o di aver visto luci anomale in casa.

Come in Hill House lo spavento era dietro l’angolo (anche grazie alle numerose comparse nascoste in buona parte delle scene), Bly Manor gioca in modo più sottile sulla tensione, con piccoli movimenti di creature inanimate che si muovono impercettibilmente.

Trama

Sulla famiglia Crain si era già detto tutto: formazione, trauma e devastazione. Il fil rouge che collega le due stagioni non è quindi la trama, ma piuttosto lo stato di shock generato dalle esperienze soprannaturali subite in età giovanile. La fascinosissima Carla Gugino è qui una misteriosa signora che si fa narratrice di una storia di fantasmi e creature per intrattenere gli ospiti di un matrimonio.

Una delle sue sfortunate figlie all’epoca dei Crain, in Bly Manor è invece la protagonista di questa nuova ed angosciante serie. Siamo negli anni ’80 e Dani Clayton, innamorata di Londra (o forse in fuga da qualcosa), decide di accettare di occuparsi dell’educazione di Flora e Miles i due orfani nipoti di Mr Wingraves, un inquietante avvocato che non vuole essere coinvolto nella vita dei piccoli e li affida alle cure di tutore, cuoco, governante e giardiniere in una maestosa residenza di famiglia situata nell’Essex. A rendere ancora più preoccupante il ruolo che la giovane insegnante dovrà occupare è la notizia che chi l’ha preceduta ha fatto una pessima fine…

Cast

Victoria Pedretti, volto già noto agli spettatori di Netflix, oltre ad essere una figura chiave in Hill House, è l’interprete di Love Quinn, l’oggetto del desiderio del malatissimo Joe Goldberg nella seconda stagione di You. Altro interprete rilevante della serie è Oliver Jackson-Cohen, che nella stagione precedente era Luke Crain.

Il libro

La seconda stagione di Haunting si articola in nove episodi e come per Hill House è tratta da un libro. Il giro di vite, scritto da Henry James e pubblicato inizialmente a puntate sulla rivista Collier’s Weekly nel 1898, è una novella di genere gotico in cui i fantasmi la fanno da protagonisti.

La grande capacità di James di generare ansia nel lettore fu argomento di studio per molti accademici, che finirono per considerarlo il testo fondamentale della corrente letteraria denominata New Criticism. Utilizzato più volte come spunto per la realizzazione di film, opere teatrali e drammi radiofonici, Il giro i vite vede come protagonista una governante impegnata a prendersi cura di due bambini, che finisce col credere che incarnino in realtà due spiriti malvagi.

Nerdando in breve

Se amate il thriller psicologico e le uggiose ambientazioni della campagna inglese, una storia di fantasmi della memoria da non perdere!

Nerdandometro: 4,8/5

Trailer

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Doctor Sleep

Halloween è ancora nell’aria e forse è ancora il momento di immergersi con lo spirito giusto nel periodo più spaventoso dell’anno.
In redazione vi abbiamo preparato un bel po’ di curiosità sui film, i racconti, i videogames, la musica, le creepypasta, i luoghi e le serie più spaventosi di sempre. Dovreste già essere carichi, insomma.

Questo 31 ottobre, al cinema, è arrivato insieme al ritorno della luccicanza.
Non so voi, ma io sono piuttosto curiosa di scoprire come sarà il Doctor Sleep sul grande schermo.

Come già detto in più articoli, ho scoperto da non molto un amore insospettato per le storie di Stephen King e per una che con American Horror Story non è riuscita ad andare oltre alla sigla per paura di restare sveglia la notte, è tanta roba.

Un po’ come chi avanza con l’età sente sempre più bisogno di dolci, a me viene voglia di storie da paura.

Ecco dunque i cinque motivi che mi portano ad aspettare con una certa ansia la visione (spero a brevissimo) del film.

Il regista: Mike Flanagan

Già in due differenti occasioni vi ho parlato di opere horror che mi hanno davvero affascinato: Hill House, l’inquietante serie Netflix in cui una famiglia paga per tutta la vita il prezzo della scelta di una dimora non idonea e la bellissima mini serie de Il gioco di Gerald, in cui la burrosa Carla Gugino si ritrova ammanettata al letto con un cadavere addosso per un gioco erotico finito male. Entrambi i prodotti sono stati diretti da Mike Flanagan, talentuoso regista nato a Salem, conosciuto per Ouija e Oculus.
Davvero bravo, e spesso in produzioni low cost, è capace di alimentare la tensione senza trasformare una storia horror in un cliché. Specializzato nel gestire storie di spiriti e dipendenze da sostanze tossiche, immagino sarà stato fenomenale nel raccontare l’incubo di Dan Torrance.

Il protagonista: Ewan McGregor

Da quando l’ho visto la prima volta in Piccoli omicidi tra amici, sono follemente innamorata di questo pallido scozzese, che mi è piaciuto moltissimo in Trainspotting, mi ha sorpreso in Moulin Rouge e commosso in Big Fish.
Non saprei giudicare il suo Obi Wan Kenobi perché con Alec Guinness è difficile confrontare chiunque, ma l’ho trovato davvero speciale in Abbasso l’amore ed in Velvet Goldmine.
Nei panni di Christopher Robin è stato bravo, pur immerso in un film noiosissimo. Trovo speciale la sua capacità di confrontarsi con ruoli diversissimi e dare vita a personaggi che hanno sempre in comune una leggera malinconia, ho grandi aspettative.

Il confronto: l’opera di Kubrick

Shining porta con sé il doppio peso di un libro importante e di una regia maniacale. Il film è entrato nell’immaginario collettivo in modo talmente forte che certe scene sono iconiche anche per chi non ha mai visto la pellicola: le due gemelle, il ragazzino che corre col triciclo nei corridoi dell’Overlook Hotel, la voce stridula di Jack Torrance che chiama la dolce metà: “Wendy…. Wendyyyy“. Kubrick nel 1980 realizzò un film straordinario, che però piacque talmente poco a King da voler realizzare una serie TV per rendere giustizia al proprio libro.

Il male: Rose Hatter

La figura che nella storia rappresenta il Male è uno di quei personaggi che se ben costruito può essere davvero interessante. Un po’ vampira e un po’ zingara, è una delle tipiche figure care al Re: carismatica, carogna fino all’osso e molto determinata. Purtroppo il nome del suo personaggio tradotto come Rose Cilindro la fa sembrare una sorta di Mary Poppins, ma se correttamente valorizzato potrebbe essere il nuovo elemento di rilievo dell’universo della Luccicanza.

Il mito attraverso gli anni: King nel tempo

Qui si parla di un autore straordinario, non solo per la quantità di romanzi che continua a sfornare a settant’anni suonati, ma anche per la sua capacità di scrivere storie sempre attuali, che rimangono adattabili nel tempo. I tantissimi adattamenti fatti delle sue opere non sempre hanno retto al passaggio del tempo e, rivisti a distanza di anni, risultano davvero datati. Shining, aldilà della bravura degli attori e del regista, è una storia girata ed ambientata nel medesimo periodo storico. Funzionano ancora le storie di luccicanza nel 2019?

Nerdando in breve

Doctor Sleep al cinema ha tutti i numeri per risultare un ottimo film, aldilà dell’ingombrante eredità letteraria e cinematografica di Shining. Speriamo bene!

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Iniziamo l’anno nuovo con una serie TV da paura. E non solo per la spettacolare casa dell’orrore protagonista assoluta di Hill House, ma per la trama brillante e ben costruita, la capacità di evitare i più comuni cliché legati al genere e di riuscire a farti fare qualche balzo per lo shock imprevisto anche se credi che l’horror ti faccia un baffo.

Recensione

Ognuno di noi conserva nei ricordi un’immagine, una sensazione o una storia legata alla casa in cui si è vissuti da bambini. Qualche volta bellissima, altre volte meno. In questo caso un incubo che condiziona tutta la tua vita, pur facendo parte del passato.

Personalmente l’horror non è il mio genere, non tanto perché mi spaventi quanto per il fatto che spesso lo trovi noioso e prevedibile.
Dopo un’adolescenza piena di La casa, La chiesa, L’esorcista, The Hitcher, Morte a 33 giri ed altri classiconi, difficilmente ho trovato qualche trama capace di spaventarmi ed entusiasmarmi allo stesso tempo con contenuti davvero nuovi. Fino all’arrivo di Hill House.

Visivamente curatissima, ognuna delle dieci puntate porta lo spettatore in uno stato che si alterna tra la curiosità di vedere ogni singolo istante con crescente avidità e l’allerta per la prossima occasione di terrore che lo farà balzare lontano dallo schermo. La trama salta dal presente al passato con una serie di flashback che permettono di costruire un po’ per volta la storia di tutti i protagonisti, in modo molto ben dettagliato e comunque facile da seguire. Vi troverete a guardare e riguardare più scene per capire meglio cosa vi abbia dato quella strana sensazione di aver notato qualcosa di anomalo, posso garantirvelo.

Carla Gugino e Timothy Hutton sono già noti per la qualità del loro lavoro, ma anche gli altri protagonisti, tutti, sono davvero bravi e riescono a tenerti incollato allo schermo fino all’ultimo minuto. Davvero una serie riuscita.

Trama

Hugh e Liv Crain decidono di acquistare una strepitosa casa vittoriana, ristrutturarla in 8 settimane e rivenderla per acquistare una nuova dimora in cui risiedere con i cinque figli Steven, Shirley, Theo ed i gemelli Luke e Nell.

Le cose però vanno diversamente da quanto previsto: la casa è bellissima e piena di stanze, ma nasconde fantasmi e segreti che rendono impossibile ai ragazzi il trascorrervi la notte serenamente. Da bravi genitori i due cercano di rassicurare i loro piccoli adducendo all’età avanzata della casa rumori e ombre che facilmente possono suggestionare e procurare brutti sogni. E fin qui tutto piuttosto ordinario, almeno fino al momento in cui Liv comincia a percepire che c’è davvero qualcosa di anomalo ed inquietante e Hugh scopre che il custode e la moglie non si azzardano ad entrare nella casa dopo il tramonto.

Parallelamente la trama si snoda tra le vite di Hugh e dei suoi figli ormai diventati adulti. Steven è diventato un acclamato scrittore di racconti dell’orrore ispirati a quanto visto nella casa dai fratelli, Luke è perso nel vortice della tossicodipendenza e passa il suo tempo ad entrare ed uscire da centri di rehab, Shirley gestisce insieme al marito un’impresa di pompe funebri, Nell cerca di sopravvivere allo shock subito da bambina e Theodora diventa una psicologa infantile con doti molto particolari.

Nessuno di loro riesce nemmeno a distanza di anni a liberarsi dall’incubo vissuto all’interno della casa fino a che…

Cast

Mike Flanaghan è il prodigioso regista che è riuscito con grandissima cura a costruire un’atmosfera che gradualmente attrae ed inquieta lo spettatore. Già lo avevamo conosciuto dietro la macchina da presa per Il gioco di Gerald, sempre con la burrosa Carla Gugino. Il più grande dei fratelli Craig è interpretato dall’olandese Michiel Huisman (il Daario Naharis visto nella quarta stagione di GoT), mentre Hugh da giovane ha il volto di Henry Jackson Thomas (il bambino di E.T.) e del premio Oscar Timothy Hutton da grande, straordinario.

Progetto

La serie tv è basata sul romanzo gothic horror L’incubo di Hill House scritto da Shirley Jackson e pubblicato nel 1959.
Il libro è stato fonte di ispirazione per innumerevoli opere su agghiaccianti dimore piene di sorprese e vi hanno attinto autori con Stephen King in primis.
Disponibile su Netflix dal 5 ottobre scorso, la prima stagione è articolata su 10 episodi che hanno ricevuto un’approvazione del 94% su Rotten Tomatoes. Già girano voci sulla realizzazione di una seconda stagione, che sono sicura, non tarderà ad arrivare. In rete è possibile trovare numerosi video che svelano il numero impressionante di inquietanti presenze nascoste all’interno delle scene di ogni puntata.

Altra curiosità: il regista ha volutamente reso omaggio alla serie del Doctor Who, di cui è un appassionato fan, con una citazione all’Undicesimo Dottore. Nel secondo episodio, infatti, Liv consola la figlia ricordandole che “alla fine, siamo tutti storie”, una delle frasi più iconiche del lungo monologo con cui Steven Moffat fa congedare Eleven dalla piccola Amelia Pond.

Nerdando in breve

Hill House è uno strepitoso horror familiare di alto livello, capace di scuotere anche lo spettatore più avvezzo al genere.

Nerdandometro: 4,8/5

Trailer

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