Recensione

Che bellezza quando l’industria cinematografica attuale riesce a creare qualcosa di personale! In un’epoca in cui Hollywood raramente riesce a lasciare il segno, per fortuna c’è il panorama indipendente a regalare emozioni e grande cinema.
La Sposa!, la rivisitazione secondo Maggie Gyllenhaal di uno dei personaggi più connotati nell’immaginario filmico di tutti i tempi, è arrivato al cinema a partire dal 5 marzo 2026 e, essendo una grandissima fan della sposa di Frankenstein, non ho voluto farmelo sfuggire.
Quello che mi sono trovata di fronte mi ha conquistato per la sua forza dirompente, la sua personalità spiccata e un’anima libertaria affascinante.

Trama

In una sorta di limbo onirico facciamo la conoscenza di Mary Shelley, autrice famosa per aver scritto Frankenstein e morta prematuramente, che ci spiega come avesse ancora una storia da raccontare.
Ci spostiamo nella Chicago del 1936 e seguiamo la giovane Ida, una delle molti amanti di un potente boss della malavita che, dopo averlo pubblicamente accusato durante una festa, viene spinta giù dalle scale trovando la morte.
Nel frattempo in città è arrivata la creatura del dr. Frankenstein, che nel frattempo ne ha assunto il nome: raggiunto lo studio della dottoressa Euphronious, esperta di rinvigorimento a partire dai cadaveri, le chiede di creare per lui una compagna con cui condividere un’esistenza fattasi nel tempo dolorosamente solitaria.
Dopo le iniziali titubanze, la dottoressa accetta e il cadavere prescelto è proprio quello di Ida.

Stile

In previsione dell’uscita nei cinema di questo film ti avevo già raccontato la figura della sposa di Frankenstein, perché è uno dei miei miti cinematografici di sempre (puoi recuperare tutta la lore del personaggio qui). Quando ho scoperto che Maggie Gyllenhaal avrebbe scritto e diretto un remake, mi sono esaltata ma la mia curiosità è aumentata ancora di più quando ho saputo che la storia sarebbe stata completamente nuova e che finalmente la sposa sarebbe stata davvero la protagonista, con una sua voce forte e chiara.

Ecco, La Sposa! la voce la alza eccome: è un film che, come la sua protagonista, non ha paura di esprimersi e non si lascia incasellare in categorie prestabilite. Un’opera femminista, se vogliamo, una storia d’amore (che, come ci ricorda nel preambolo Mary Shelley, rappresenta il tipo di storia più spaventoso di tutti), un inno all’unicità. Una storia in cui fantasy e realismo si stringono la mano, visivamente dirompente e con una cifra stilistica personalissima.

Trama e connotazione scenica sono pienamente originali ma non mancano gli omaggi. A partire dal look scelto per Mary Shelley, che richiama quello della sposa impersonata da Elsa Lanchester nel 1935; così come, proprio come nel film originale, autrice e creatura sono interpretate – magnificamente – dalla stessa attrice.
Ma ci sono anche echi di quel capolavoro che è Metropolis, così come ho trovato gustose le citazioni a Frankenstein Junior (io ne ho individuate almeno due). Se avete amato il Joker di Todd Phillips e Joaquin Phoenix, La Sposa! potrebbe ricordarvelo. Attenzione: non sono film legati o l’uno la copia carbone dell’altro ma a me il ruolo della musica come dimensione di comfort per sfuggire a una realtà respingente ha fatto pensare proprio a quell’incarnazione del Joker.

Se Maggie Gyllenhaal regista e sceneggiatrice è stata, per me, una rivelazione (e ora voglio recuperare la sua filmografia), il cast al suo servizio è stato invece una conferma: Jessie Buckley è un’interprete di indiscusso talento, che qui si è cimentata in un doppio accento (ho guardato il film in versione originale) perfettamente riuscito. La affianca un Christian Bale forse leggermente sottotono rispetto ai suoi standard ma, in fondo, perfettamente in parte: non è lui il protagonista qui e va benissimo lasciare spazio alla “sua sposa”. Completano il cast Jake Gyllenhaal, Peter Sarsgaard (entrambi meschini quanto basta) e Annette Bening e Penelope Cruz (alle prese con ruoli sfaccettati).

Insomma, in definitiva non posso che consigliarti di guardare La Sposa!: un’opera ricca di personalità, interpretata magistralmente e diretta con ispirazione, che sa far convivere amore e individualità. Un’opera che, parlando del passato, racconta parecchio anche il presente e che dà una voce, forte e chiara, alle donne di ogni epoca.

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Nerdando in breve

La Sposa! rivisita con occhio personale un personaggio chiave del cinema, esaltando l’unicità e raccontando una storia d’amore e di libertà.

Trailer

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Film classici

Lo sapevamo già e durante la quarantena abbiamo avuto modo di rendercene conto ancora di più: viviamo in un’epoca fortunata, a livello cinematografico, perché i servizi di video streaming on demand ci danno accesso ad un catalogo pressoché infinito di pellicole di ogni genere.

Questa grandissima opportunità ci permette di fruire di moltissime novità ma ci permette anche di recuperare film classici che, per una questione temporale (magari sono usciti prima che nascessimo), non abbiamo mai avuto l’occasione di guardare prima.
Tra tutti, Amazon Prime Video è il servizio che più di ogni altro rivela un’anima cinefila: presenta in catalogo autentiche chicche, infatti, che non possono mancare nella vostra esperienza di spettatori. Soprattutto considerando che vi basta un click dal divano di casa per gustarvi la visione.
Tra tutti, ho selezionato 5 film classici dal catalogo Amazon Prime Video che secondo me non potete proprio lasciarvi scappare!

Metropolis

Diretto nel 1927 da Fritz Lang, questo titolo è considerato un vero e proprio pilastro del cinema di tutti i tempi.
Siamo ancora nell’ambito del muto e del bianco e nero, in pieno espressionismo: Metropolis si ambienta nel futuro e offre scenografie in grado di influenzare il cinema di fantascienza a venire fino ai giorni nostri (la città di Blade Runner, per dirne una, attinge a piene mani da qui).
In un futuro distopico in cui la società è fortemente gerarchizzata, si consuma la lotta tra i più umili e i vertici che vogliono schiacciarli.
Accompagnati dalle stupende musiche di Giorgio Moroder, è un viaggio che non potete perderevi.

Freaks

Anche in questo caso siamo di fronte a un classicone imperdibile, con l’aggiunta che questo film non è mai stato doppiato in italiano e finora era praticamente introvabile nel nostro paese.
Freaks è stato diretto nel 1932 da Tod Browning ed è ambientato in un circo di “fenomeni da baraccone”, tutti interpretati da veri disabili, i “freaks” del titolo, appunto.
In appena un’ora di film, Browning mette al centro i freaks non per deriderli o shoccare ma per mostrare la loro estrema normalità nonostante la differenza fisica.
Una pellicola ancora tremendamente attuale, osteggiata dai distributori nel corso degli anni. Recuperarla vale decisamente la pena! Su Amazon Prime Video è in versione originale sottotitolata in italiano.

Il settimo sigillo

Restiamo nel bianco e nero e voliamo fino in Svezia: Il settimo sigillo è stato diretto nel 1957 da Ingmar Bergman ed interpretato da Max von Sydow. Al centro della pellicola, la più famosa partita a scacchi mai giocata: quella tra il cavaliere Antonius Block e la Morte.
Il settimo sigillo non è l’unico film di Bergman presente su Amazon Prime Video (io stessa conto di recuperare presto Il posto delle fragole) ma è senz’altro quello che vi consiglio se vi avvicinate per la prima volta al regista: citatissimo, elegante e introspettivo.

Il cielo sopra Berlino

Nel 1987 il colore al cinema era ampiamente sdoganato ma c’era chi utilizzava il bianco e nero come scelta non solo stilistica ma concettuale: Wim Wenders sceglie nel suo film proprio questa tonalità per rappresentare visivamente il punto di vista degli angeli che vivono sopra la città di Berlino e osservano il fluire della vita dei suoi abitanti.
Ispirato dalle poesie di Rainer Maria Rilke e interpretato da Bruno Ganz, Il cielo sopra Berlino è un classico sognante che merita di essere riscoperto in ogni generazione.

Bellissima

Anche per l’ultimo suggerimento non posso che restare fedele al filo conduttore di questo articolo: il bianco e nero.
L’ultimo film che vi consiglio di recuperare su Amazon Prime Video è l’italiano Bellissima, diretto nel 1951 da Luchino Visconti e interpretato da Anna Magnani e Walter Chiari.
La povertà e il mito della fama a tutti i costi, per raggiungere la quale si è disposti a qualunque sacrificio: argomenti dei giorni nostri, senza dubbio, eppure qui siamo sul finire del Neorealismo.
Anna Magnani interpreta una madre disposta a tutto pur di ottenere per la figlioletta Maria un ruolo nel nuovo film del regista Alessandro Blasetti (qui interpretato da se stesso).
Non il titolo più iconico del Neorealismo italiano ma senza dubbio una visione meritevole, non fosse altro che per l’estrema attualità della trama e la stupenda Anna Magnani.

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Donne toste al cinema

Film, serie TV, videogiochi, libri, animazione: le forme di intrattenimento sono costellate di protagoniste femminili emancipate, in gamba e intriganti.
Dopo avervi ricordato alcune tra le migliori protagoniste del panorama videoludico, mostrato le nostre eroine della TV preferite e presentato le donne regista della storia, per la festa della donna 2020 abbiamo pensato di passare in rassegna le più memorabili donne toste del panorama cinematografico.

Il mondo del cinema è da sempre capace di creare figure femminili in grado di imprimersi nella mente dello spettatore e, di fatto, la scelta è quanto mai ampia. Per la nostra lista, quindi, abbiamo deciso di escludere tutti i personaggi che provengono da altri media e solo in un secondo momento hanno preso vita al cinema. Non troverete, quindi, protagoniste di libri, fumetti o ispirate a figure reali ma solamente eroine che sono nate direttamente sul grande schermo.

9. Juno (da Juno, 2007)

Anticonformista, sicura di sé e in grado di non lasciarsi influenzare dall’opinione comune, Juno è la protagonista dell’omonimo film diretto da Jason Reitman e ha le fattezze della talentuosa Ellen Page. Premiato agli Oscar per la migliore sceneggiatura originale, il film racconta le vicende dell’adolescente Juno che, rimasta incinta alla prima esperienza sessuale, decide di portare avanti la gravidanza e far adottare il nascituro.
Buona scrittura, verve e colonna sonora stupenda fanno da contorno a una protagonista iconica.

8. Maria (da Metropolis, 1927)

Poteva nel 1927 il cinema dare spazio a una protagonista femminile non stereotipata e al centro dell’azione? Poteva, se a dirigere c’era Fritz Lang. In Metropolis la giovane Maria è la guida spirituale e politica degli oppressi nel futuro distopico che ci viene mostrato.
Nonostante gli anni, il film è all’avanguardia per la presenza femminile ma è anche uno dei migliori esponenti del cinema espressionista e fonte di ispirazione per gran parte del cinema di fantascienza moderno.

7. Thema e Louise (da Thelma & Louise, 1991)

Doppietta in settima posizione per la coppia tutta al femminile più iconica della storia del cinema. Susan Sarandon e Geena Davis interpretano due amiche che intraprendono un viaggio che si trasforma presto in fuga per la libertà a bordo di una Ford Thunderbird.
Premiato con l’Oscar alla migliore sceneggiatura originale, il film diretto da Ridley Scott è  tuttora un capolavoro insuperato sul desiderio di libertà.

6. Shosanna Dreyfus (da Bastardi senza gloria, 2009)

Interpretata da Mélanie Laurent, Shosanna Dreyfus è uno dei personaggi più riusciti e iconici del capolavoro di Quentin Tarantino Bastardi senza gloria.
Nell’ucronia immaginata dal regista, Shosanna è una giovane ragazza ebrea che, scampata al massacro della sua famiglia, coglie un’occasione propizia per potersi vendicare dei nazisti.
Premiato con un Oscar al miglior attore non protagonista (Christoph Waltz nei panni del Colonnello Landa), per me resta il miglior Tarantino finora.

5. Leila Organa (da Guerre Stellari, 1977)

Perfettamente interpretata da Carrie Fisher, la Principessa Leila è l’unico personaggio femminile presente nella prima trilogia cinematografica creata da George Lucas ma riesce a rappresentare al meglio le donne.
Caparbia, scaltra, indomita e tenace, Leila è in grado di cavarsela in qualunque situazione e di guidare al meglio la Ribellione prima e la Resistenza poi.
Una vera eroina.

4. Beatrix Kiddo (da Kill Bill: Volume 1, 2003)

Quentin Tarantino sembra essere parecchio bravo a tratteggiare donne forti e indipendenti, tanto che appare due volte nella nostra lista. La Sposa, interpretata da Uma Thurman, è un personaggio a tutto tondo, temibile e inarrestabile nel suo proposito di vendetta.
Un personaggio che è rimasto nella storia del cinema.

3. Imperatrice Furiosa (da Mad Max: Fury Road, 2015)

Diretto da George Miller, il film è stato tra le rivelazioni dell’ultimo decennio cinematografico e vanta tra i protagonisti una splendida figura femminile interpretata da Charlize Theron.
In un futuro distopico in cui le risorse sono praticamente esaurite e l’umanità è regredita ad un livello praticamente tribale, Furiosa è una fiera combattente, che non si tira indietro nel difendere le donne della Cittadella.
L’incarnazione dei valori femministi, quelli veri.

2. Sarah Connor (da Terminator, 1984)

Creata dalla mente di James Cameron e protagonista di uno dei migliori film mai girati, Sarah Connor si ritrova ad essere, da ragazza comune, l’ultima speranza dell’umanità nel futuro distopico dominato dalle macchine.
Interpretata da Linda Hamilton, sa tirare fuori i muscoli e competere con i terribili cyborg inviati per ucciderla.

1. Ellen Ripley (da Alien, 1979)

Ancora Ridley Scott a dirigere uno dei capisaldi della fantascienza. Alien e Aliens – Scontro finale (diretto invece da James Cameron) portano sullo schermo la protagonista femminile senza dubbio più tosta e carismatica del cinema. Interpretata da Sigourney Weaver, qui al suo primo ruolo importante, rappresenta tuttora una delle migliori eroine mai apparse su celluloide.
E pensare che Ripley non doveva essere nemmeno una donna…

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George Lucas

Star Wars è al giorno d’oggi qualcosa con cui chiunque di noi è venuto in contatto prima o poi nel corso della propria vita. Che lo abbiate amato o che lo abbiate odiato, è innegabile che sappiate di cosa si sta parlando, infatti. E pensare che nel lontano 1973, quando un illustre sconosciuto di nome George Lucas aveva iniziato a mettere insieme i tasselli della sua personale epica ambientata in una galassia lontana lontana, ben pochi avrebbero creduto in un progetto del genere.

Guerre Stellari era nato nella mente del giovane George Lucas in un periodo in cui gli Studios Hollywoodiani non puntavano a investire sulla fantascienza (o space opera, che dir si voglia) e, per questo, il regista faticò non poco a trovare un produttore. Alla fine, riuscì a convincere la Fox, a cui spillò senza troppe difficoltà anche la clausola che ne decretava i diritti su eventuali sequel, sulla colonna sonora e sul merchandising. Sì, proprio quella clausola che lo ha reso ricchissimo.

In ogni caso, prima di presentare al pubblico Guerre Stellari (poi diventato Una nuova speranza) nel 1977, Lucas era da un bel po’ che ci pensava a quella storia ambientata nello spazio. Nel tempo aveva avuto la possibilità di limarla, di prendere tutto ciò che lo aveva colpito nel corso della sua vita e mescolarlo, dando vita ad una narrativa innovativa e classica allo stesso tempo. E in fondo, la forza di Star Wars sta proprio lì: nel far convivere elementi classici con spunti moderni, nell’attingere dalla fantascienza, dalla mitologia, dalle tragedie greche, dal cappa e spada.

Dopo esserci tuffati nell’entusiasmante viaggio dedicato alle colonne sonore dei film, così importanti per la riuscita finale, curiosiamo un po’ nelle ispirazioni dietro alla saga di Star Wars.

La fantascienza

“Ma Star Wars è di fantascienza o fantasy?” L’annosa questione non è mai stata del tutto risolta (ci eravamo soffermati brevemente anche noi sulla domanda in uno dei nostri discutendo) ma resta innegabile che tra le fonti di ispirazione del giovane George Lucas la fantascienza classica ha un ruolo di primo piano.

Le astronavi, le battaglie spaziali, i droidi e i pianeti lontani venivano dall’infanzia del regista, di quando guardava Il pianeta proibito o Metropolis (se C3PO vi ha sempre ricordato Maria robot del film di Fritz Lang, non è certo un caso) e sognava di esplorare un giorno le galassie più recondite.
Ma la fonte di ispirazione primaria viene dalla space opera, in particolare da Flash Gordon: George Lucas ne era un accanito lettore, tanto che cercò in più di un’occasione di acquistare i diritti per trarne un film. Alla fine non ci riuscì (un film su Flash Gordon vedrà la luce solo nel 1980, diretto da Mike Hodges) ma questo fornì lo sprone necessario perché Lucas decidesse di dedicarsi a una sceneggiatura originale di ambientazione simile: era nato Star Wars.

Il Giappone

Tra le influenze più preponderanti e mai nascoste per l’immaginario di Star Wars c’è sicuramente il Giappone. A livello di cinematografia, senza dubbio, in particolare nella persona del regista Akira Kurosawa. Del cineasta giapponese Lucas apprezzava in particolare lo stile esotico e l’abitudine di iniziare i propri film con i protagonista già nel bel mezzo dell’azione; tratti, questi, che ha scelto di includere nel suo Guerre Stellari.
In particolare, I sette samurai e La fortezza nascosta sono i film che maggiormente hanno influenzato Star Wars, a livello di trama e anche a livello di suggestioni visive: non è difficile, infatti, cogliere scene che sembrano rievocare quelle dei due film di Kurosawa.

Non solo cinema, comunque, il Giappone feudale è stato una costante fonte di ispirazione per la figura di Darth Vader, la cui maschera ricorda da vicino gli elmi tipici dei Samurai. Ma anche l’utilizzo della spada (seppure laser) da parte di questi futuristici guerrieri e il loro abbigliamento si rifa ai Samurai, così come il termine Jedi deriva dai Jidai Geki, i drammi in costume ambientati durante l’epoca, appunto, dei Samurai.

L’epica classica

L’idea di dare vita a dei veri e propri cavalieri dello spazio, con tanto di spada e codice d’onore, deriva a Lucas sicuramente dai film che guardava da bambino: Scaramouche, Robin Hood e in generale tutti i classici di cappa e spada ricordano da vicino alcune sequenze di Guerre Stellari.

Ma le radici di Star Wars affondano ancora più indietro: a L’anello del Nibelungo di Richard Wagner, per esempio, ai poemi cavallereschi del ciclo arturiano e, ancora più indietro, alle tragedie greche e a Omero. E sono proprio queste origini a conferire a Star Wars il pathos che tanto viene apprezzato. La dimostrazione definitiva che, non importa quanto tempo passi, l’epica e il viaggio dell’eroe restano sempre temi amatissimi dal pubblico.

Il western

Chi sta guardando The Mandalorian non sarà particolarmente sorpreso da questa affermazione: tra le fonti di ispirazione per Star Wars il western riveste un ruolo di primo piano.
Abbiamo già detto quanto le suggestioni di un Lucas bambino abbiano saputo forgiare il suo immaginario di regista e tra le visioni infantili che hanno lasciato un segno indelebile c’è anche Sentieri Selvaggi.
Le ambientazioni sabbiose di Tatooine, i tramonti all’orizzonte, i Sabbipodi che, novelli indiani, assalgono la fattoria di Luke e ne trucidano gli zii, tutto grida western a pieni polmoni.

Il “futuro usato”

Quest’ultima, più che una vera e propria ispirazione, la potremmo definire un’intuizione destinata a cambiare per sempre il modo di rappresentare lo spazio al cinema.
Una delle critiche maggiori che venivano mosse alla fantascienza negli anni Settanta era che era asettica; superfici lucidissime e intonse, colori nettissimi: tutto, nei film di fantascienza, sembrava essere stato appena costruito e mai utilizzato da essere vivente.

Lucas rovesciò questa convinzione: d’altra parte, la sua storia era ambientata “tanto tempo fa in una galassia lontana lontana“…
Via, quindi, i metalli scintillanti tipici dei film ambientati nello spazio e largo a astronavi, robot e dispositivi che mostrassero i segni del tempo e dell’usura. George Lucas era infatti convinto che per rendere più verosimile possibile l’universo che stava creando si doveva dare visivamente allo spettatore l’impressione che quei luoghi fossero effettivamente abitati da qualcuno e quegli oggetti fossero davvero usati da qualcuno.
Aveva ragione, se consideriamo che da allora il “futuro usato” è diventato quasi un obbligo dei film di ambientazione fantascientifica ed è stato applicato anche al fantasy da Peter Jackson al momento di creare le location per il suo Il Signore degli Anelli.

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