Recensione

Dal 25 gennaio troveremo al cinema Povere Creature!, il film Searchlight Pictures diretto da Yorgos Lanthimos (premio Oscar alla regia per La Favorita), distribuito da The Walt Disney Company Italia e con un cast di tutto rispetto. Sullo schermo vedremo infatti alternarsi Emma Stone, Mark Ruffalo e Willem Dafoe, accompagnati da Ramy Youssef, Christopher Abbott, Jerrod Carmichael, Hanna Schygulla, Kathryn Hunter e Margaret Qualley.

Povere Creature!, già Leone d’Oro a Venezia come miglior film e neo-vincitore del Golden Globe per lo stesso motivo, è l’adattamento cinematografico di Poor Things! di Alasdair Gray (1992), romanzo gotico anch’esso premiato, che per toni e tematiche ci rimanda al Frankenstein di Mary Shelley (1816).

Perciò, cosa ci aspetta in sala?

Trama

Il confuso trailer [che trovate a fine recensione] ci fa intuire che Povere Creature! racconta la storia di Bella Baxter (Emma Stone), giovane donna anticonformista, con un carattere vivace e ribelle. Di fatto, il film segue proprio la sua incredibile storia nonché fantastica evoluzione: Bella prende il suo posto nel mondo accompagnata dal Dr. Godwin Baxter (Willem Dafoe), scienziato dai metodi discutibili e con un’etica questionabile.

La fame di conoscenza della giovane donna cresce rapidamente insieme a lei, e il desiderio di esplorare la vita nella sua interezza, la porta ad affrontare un viaggio per l’Europa accompagnata da Duncan Wedderburn (Mark Ruffalo), lussurioso avvocato.

Grazie all’incontro con nuove realtà, differenti condizioni sociali e correnti di pensiero accattivanti, Bella mette in discussione tutto ciò a cui era stata abituata, in una spirale di conoscenza e riscoperta continua.

L’emancipata creatura si scopre man mano che conosce ciò che è fuori da sé, sorprendendo, con la sua irruenza, la vita di chiunque incontri nel suo percorso.

Stile

Città rivisitate in note steampunk, vecchie magioni ricche di ammennicoli e abiti esagerati che testimoniano l’esuberanza di chi l’indossa: Povere Creature! traspone l’atipicità della sua protagonista ambientandone le vicende in un Pese delle Meraviglie pseudo-vittoriano.

Un po’ come in La Favorita, anche qui ci troviamo spiazzati da inquadrature simmetriche e tempi sospesi, aumentando il surrealismo degli accadimenti e il senso di spaesamento di chi lo guarda.

Ad aumentare l’effetto disturbante è la scelta delle inquadrature, che non risparmiano dettagli anatomici e un uso assai frequente del grandangolo. Alternando primi piani a scorci incorniciati come se visti dallo spioncino di una porta, i colori saturi e l’alto contrasto accompagnano suoni che tanto mi hanno ricordato la dodecafonia studiata anni fa.

Personalmente, mi ritengo disturbata dalla cruda e innocente verità con cui Bella ci conduce nelle sue esplorazioni, il che si è rivelato un eccellente esercizio di spiazzamento e di messa in discussione continua.

Contenuti

Sono andata all’anteprima di Povere creature! mossa da una grande curiosità: da una parte, volevo vedere quel film di cui ho tanto sentito parlare ultimamente; dall’altra, per l’ambiguità del titolo.

Quando il romanzo Poor Things! venne tradotto in italiano per la prima volta, nel 1994, lo battezzarono Poveracci! e, nella seconda edizione, prese il nome di Vita e misteri della prima donna medico d’Inghilterra. Il cambiamento d’impatto è lampante, perché sposta il focus da un non-ben-specificato gruppo di persone sfortunate (e magari economicamente affaticate), a colei che così descritta potrebbe essere l’alter ego di una anglofona Maria Montessori.

Eppure, a stupirmi è soprattutto il fatto che il titolo inglese non ha mai fatto riferimento alle persone, ma alle cose: è Poor things. Mi sono quindi chiesta da cosa potesse dipendere l’utilizzo del sostantivo e quanta oggettivazione dell’afflitto potesse esserci nell’opera. Forse che, checché ne suggerisse il trailer, Poor things! sarebbe stato l’ennesimo film pietista ambientato in un freak show?

Sono quindi andata in sala con tantissima curiosità e un lieve pregiudizio, aspettandomi qualcosa a metà fra La casa dei Ragazzi speciali di Miss Peregrine e una qualche strana pratica di medicina rudimentale, più vicina al barbaro esperimento che al rispetto dell’essere umano.

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Beh, non potevo sbagliarmi di più! Povere creature! è un film che sicuramente si presta a più chiavi di lettura e analisi, ma che non credo sia questa la sede per fare. Di certo è una storia di emancipazione e di rivendicazione della possessione del proprio corpo, oltre che di sé in quanto identità. Bella non è del suo creatore, né del fidanzato, né dei pretendenti, né di chiunque giaccia (esplicitamente) con lei. È solo sua, un essere dotato di libero arbitrio e che in quanto tale agisce, ignorando qualsivoglia buona maniera o convenzione sociale.

Una crescita fisica e mentale che non risparmia le pulsioni e la sofferenza di fronte alle ingiustizie del mondo, senza perdere la speranza di renderlo migliore.

Concludendo

Povere creature! è un’opera d’arte cinematografica che non sono sicura di aver capito fino in fondo.

Certo è il fatto che mi ha obbligata ad abbandonare i soliti preconcetti e a prendere maggior coscienza dei pregiudizi con cui guardo al mondo. Un film che sfida il senso del pudore, soprattutto quando chi lo guarda crede di essere “di mentalità aperta”, è un film che svolge in maniera egregia il suo lavoro provocatorio.

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Nerdando in breve

Povere creature! è una storia surreale (o surrealista?) di una giovane donna che nasce tale e cresce padrona di sé stessa.

Soprattutto se vi piacciono toni onirici e se cercate qualcosa fuori dal comune, (e sicuramente se La favorita è stato di vostro gradimento), il 25 gennaio avete un appuntamento al cinema. Andate e lasciatevi sorprendere anche voi dalla tragicomica storia di Bella Baxter, moderno Prometeo.

Trailer

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Golden Globe 2021

Un’edizione “dislocata” quella dei Golden Globe 2021, che ha visto i premiati collegarsi direttamente dal salotto di casa.
Diversa dal solito ma comunque ricca di emozioni, la serata dedicata ai premi assegnati dalla stampa estera, ha visto Tina Fey ed Amy Poehler calarsi nei panni delle padrone di casa, ciascuna da una location diversa, e il trionfo di The Crown, che ha portato a casa ben quattro globi.

Spazio anche per un po’ di Italia con Laura Pausini, che ha vinto il premio per la migliore canzone con la sua Io sì (Seen) dal film La vita davanti a sé.

Cinema

Nella categoria miglior film drammatico, come da previsioni, a trionfare è stato Nomadland, che ha battuto la concorrenza di Mank, The Father, Una donna promettente e Il processo ai Chicago 7.
Doppio colpo messo a segno per Nomadland, che porta a casa anche la statuetta per il miglior regista, assegnata a Chloè Zhao.

Sorpresa nella cinquina dedicata al miglior film commedia o musical, che ha visto prevalere Borat – Seguito di film cinema contro Hamilton, Music, Palm Springs e The Prom.
Sacha Baron Cohen si è preso una doppia soddisfazione, conquistando anche la statuetta per il miglior attore in una commedia o musical.
Il premio per il miglior attore in un film drammatico, invece, è stato assegnato postumo (e come da previsioni) a Chadwick Boseman per la sua interpretazione in Ma Rainey’s Black Bottom.

Sul fronte femminile, la miglior attrice in un film drammatico è risultata Andra Day per The United States vs. Billie Holliday mentre la miglior attrice in un film commedia o musicale è risultata Rosamunde Pike per I care a lot.

Per quanto riguarda gli attori non protagonisti, nella categoria maschile ha vinto Daniel Kaluuya per Judas and the Black Messiah e nella categoria femminile Jodie Foster per The Mauritanian.

Come miglior film in lingua straniera è stato scelto Minari mentre nel campo dell’animazione ha trionfato senza troppe sorprese Soul, che ha portato a casa anche la statuetta per la migliore colonna sonora originale.

Serie TV

Nel campo del piccolo schermo c’è stato un autentico trionfo per The Crown in questi Golden Globe 2021.
La serie inglese che racconta la vita della Regina Elisabetta ha portato a casa il premio per la migliore serie drammatica (battendo Lovecraft Country, The Mandalorian, Ozark e Ratched) e anche quelli per il migliore attore e per la migliore attrice, assegnati rispettivamente a Josh O’Connor (interprete di Carlo) ed Emma Corrin (una stupefacente Lady Diana).
A completare il plebiscito, anche il globo per la migliore attrice non protagonista, assegnato a Gillian Anderson per la sua interpretazione di Margaret Tatcher.

Come migliore serie commedia o musicale ha trionfato Schitt’s Creek, che ha portato a casa anche la statuetta per la migliore attrice, assegnata a Catherine O’Hara.
Il migliore attore è risultato invece Jason Sudeikis per il suo ruolo in Ted Lasso.

Come miglior miniserie a prevalere è stata la sorpresa dell’anno: La regina di scacchi, che ha visto premiata anche la sua protagonista, Anya Taylor-Joy.
Il miglior attore in una miniserie è risultato invece Mark Ruffalo per Un volto, due destini.
Il miglior attore non protagonista è invece stato decretato John Boyega per Small Axe.

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Di ritorno da Lucca Comics & Games (nelle quattro simpatiche ore di treno in cui internet va a intermittenza), vi ho chiesto quale film dovessi recuperare assolutamente fra American Beauty ed Eternal Sunshine of the Spotless Mind. Come avrete intuito dal titolo, ha vinto il secondo dei due e sinceramente ne sono abbastanza felice. La pellicola in questione mi ha infatti dato modo di trarre parecchi spunti di riflessione, che spero possano interessare anche a voi, e che adesso vi racconto un po’ (tanto già lo sapete che sono logorroica, è inutile fingere il contrario).

Mi raccomando, fatemi sapere cosa ne pensate voi, che la parte migliore di ‘sta rubrica è proprio il confronto. Potete scrivermi sia commentando l’articolo, sia scrivendo un messaggio su Facebook o su Instagram (per quanto mi riguarda potete anche mandare una mail, una lettera o un piccione viaggiatore, basta che alla fine se ne parli).

Prima dei commenti, però, vediamo di accennare la trama.

Trama

Joel Barish (Jim Carrey) è un omino solitario, timido e introverso che un giorno per caso conosce Clementine Kruczynski (Kate Winslet) durante un viaggio per Montauk. Lei è il suo opposto: colorata, frizzante, energica e spigliata; iniziano a parlare e nel giro di poco si innamorano.

Solo che pochi giorni dopo Joel s’imbatte prima in Clem, che sembra non riconoscerlo minimamente, e poi in una cartolina che dice così: “Clementine Kruczynski has had Joel Barish erased from her memory. Please never mention their relationship to her again. Thank you.” mandato dalla Lacuna INC. L’azienda in questione si occupa di cancellare alcuni ricordi specifici dalla testa delle persone, pertanto il caro Joel, appreso che l’amata Clem l’ha rimosso completamente, decide di fare la stessa cosa su se stesso dimenticandola per sempre.

Tuttavia, mentre la procedura è in atto, ne succedono di tutti i colori:

• Joel si rende conto che l’annullamento del ricordo non è davvero ciò che desidera, pertanto inizia una fuga semi consapevole all’interno della sua memoria, portando con sé l’immagine di Clem;
• Patrick (Elijah Wood), uno dei dipendenti della Lacuna INC, sfrutta la situazione a suo vantaggio cercando di conquistare Clem con le informazioni sottratte a Joel;
• Stan Fink (Mark Ruffalo), l’altro dipendente della Lacuna INC, cerca disperatamente di conquistare Mary (Kirsten Dunst), ossia l’assistente del capo dell’azienda;
• Mary Svevo, l’assistente del capo dell’azienda, cerca di conquistare il dottor Howard Mierzwiak che è proprio il capo dell’azienda (e che però è un uomo sposato).

Il tutto accade nell’arco di una notte, e direi che questo, come riassunto della trama, è più che sufficiente.

Immagina, puoi

“Immagina se un giorno ti arrivasse un biglietto che dice che qualcuno ti ha appena cancellato dalla memoria”.

Avrebbe benissimo potuto restare un discorso a bischero intavolato da due amici qualunque al tavolino di un bar, di quelli che inizi quando sei un po’ stanco e alticcio, che ti lasciano fare viaggi mentali assurdi e fini a loro stessi e che di solito si concludono con qualche commento tremendamente superficiale e concreto. Invece, stando a quanto riporta IMDb, a pronunciare una frase tipo questa è stato Pierre Bismuth, lo scrittore di Eternal Sunshine of the Spotless Mind. Caso vuole che Pierre non ne stesse parlando con un tizio qualunque, ma con nientemeno che Michel Gondry (il regista del film).

Pensateci: finisce (male) una storia d’amore, vi accade qualcosa di veramente spiacevole, subite un trauma che vi condizionerebbe per il resto della vita E INVECE, andando alla Lacuna INC e sottoponendovi alle loro terapie, potreste continuare a vivere serenamente nella più totale ignoranza. Se fosse possibile, probabilmente ci sarebbero dibattiti etici e legislativi che vanificherebbero l’idea di fondo del progetto: far star meglio le persone.

Già mi immagino i film ambientati in un futuro distopico in cui la lobotomizzazione sfugge di mano, tutti si continuano a dimenticare ogni cosa, ritrovandosi a commettere sempre gli stessi sbagli, in un eterno loop che andrebbe lentamente a bloccare il progresso e l’evoluzione della razza umana. Oppure, un film in cui la cancellazione dei ricordi viene usata come pena per punire i peggiori criminali, condannati a rivivere sempre lo stesso, inquietante, episodio, manipolato da un pubblico di sadici spettatori.

Se avete visto Black Mirror, è facile che vi sia venuta in mente la seconda puntata della seconda stagione, White Bear, nella quale accade praticamente la stessa cosa. Solo che Eternal Sunshine of the Spotless Mind è del 2004, Black Mirror del 2011 e quella puntata del 2013.

Forse se a distanza di anni l’argomento viene ancora trattato, ma in un’ottica molto più pessimista e catastrofista, un motivo c’è. Secondo me dipende dal fatto che l’idea di rimuovere alcuni ricordi (accuratamente selezionati) ci attrae tanto quanto ci spaventa, e quindi facciamo come con la robotica, il nucleare, l’esplorazione spaziale e le altre grosse novità: ne parliamo, ma evidenziando tantissimo i risvolti pessimi che potrebbe avere.

Magari non avremmo più modo di imparare dai nostri errori, però potremmo apprendere in modi differenti! Magari si creerebbe un nuovo tipo di società, con un’altra morale collettiva e un diverso approccio alle esperienze. Non saremmo più portati a vagliare ogni ipotesi possibile ma seguiremmo solo l’istinto, senza troppi ragionamenti.

Ma infondo, forse, queste sono solo elucubrazioni mentali che potrei fare con un amico qualunque seduta al tavolino di un bar.

Conclusione

L’unica certezza è che Eternal Sunshine of the Spotless Mind è un film caotico che si offre come base a tantissimi dibattiti potenzialmente utili. Non sono sicura che mi sia piaciuto, perché i due protagonisti non mi sono stati troppo simpatici. Entrambi hanno un carattere che me li ha resi altamente insopportabili: lui tanto timido e facile all’ansia, lei molto imprevedibile e suscettibile.

Eppure la storia che viene raccontata, in particolare nella seconda metà del film, ha dei risvolti interessanti. Il finale, soprattutto, mi ha lasciata soddisfatta e per questo posso dire che è valsa la pena di guardarlo tutto. Sicuramente non sta invecchiando male e quindi se vi piacciono i film un po’ caotici, onirici e leggermente psichedelici, avventurosi in parte e con qualche colpo di scena, ve lo consiglio caldamente.

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Nella mitologia norrena, caso abbastanza raro tra le culture antiche e non privo di interessanti speculazioni tra gli storici, il Ragnarok è assimilabile al giorno del giudizio, ovvero il momento in cui tutto finisce e tutto si rigenera: in quel momento gli Dei si scontreranno con le loro nemesi, annientandosi a vicenda; sole e luna spariranno; il Bifrǫst, il ponte dell’arcobaleno, crollerà; il mondo verrà attaccato dalle creature del caos e i morti torneranno dal Valhalla per l’ultima battaglia.

Ma sebbene ci siano somiglianze con l’apocalisse cristiana, il Ragnarok in realtà non è la fine di tutto: è piuttosto la fine del mondo come lo conosciamo e l’inizio di qualcosa di nuovo, in quella che è l’eterna danza della cose: vita, morte, rinascita.

Recensione

Thor: Ragnarok è il terzo film dedicato al celebre eroe dei fumetti Marvel, e il diciassettesimo film del Marvel Cinematic Universe. Dopo due pellicole che non hanno entusiasmato gli animi era lecito aspettarsi un cambio di rotta, una trama avvincente e un cast ispirato che riuscissero a dare lustro all’eroe norreno che è tanto amato su carta ma che sembra non aver trovato ancora la sua giusta dimensione sul grande schermo.

Trama

Anche se già trattati in precedenza, in questo paragrafo potrebbero esserci degli argomenti considerati spoiler.

Le vicende si collocano due anni dopo la fine di Marvel Avengers: Age of Ultron. Thor ha lasciato Asgard alla ricerca dei demoni che tenteranno di annientare il suo pianeta, scatenando l’arrivo di Ragnarok. Ma come spesso accade è proprio la via imboccata per scongiurare un evento che ci porterà dritto tra le sue braccia.

Dopo aver annientato il gigante del fuoco Surtr, infatti, Thor scoprirà che in sua assenza molte cose sono cambiate, e nessuna in meglio. Ragnarok è già iniziato e verrà portato da Hela, dea della morte e sorella di Thor e Loki, che dopo aver esiliato i due Principi sul pianeta Sakaar, prenderà possesso del Regno, imponendo il suo dominio di terrore e morte.

Nel frattempo Thor farà il possibile per fuggire dal proprio esilio. Sakaar è un pianeta discarica (letteralmente la discarica dell’Universo), governato dal pittoresco Gran Maestro che intrattiene il proprio popolo con l’antica usanza dei giochi dell’arena. Qui Thor incontrerà una vecchia conoscenza in versione gladiatore: Hulk, scomparso dai tempi di Ultron, che ricopre il ruolo di campione indiscusso dell’arena.

Inizia così per Thor un viaggio di redenzione e mutazione, alla ricerca del se stesso più maturo, consapevole, degno di sedere a testa alta sul trono di Odino. Ma per farlo dovrà cambiare, sia fisicamente che psicologicamente, e sconfiggere i propri demoni, compreso lo schiacciante senso di inferiorità al cospetto del padre degli Dei.

Cast

Thor: Ragnarok ha un cast semplicemente eccezionale. Oltre agli attori che da sempre accompagnano il franchise, Chris Hemsworth, Tom Hiddleston, Idris Elba e Anthony Hopkins; nuovi volti giungono ad arricchire la pellicola.

Hela, villain di questo capitolo, è nientemeno che il premio Oscar Cate Blanchett, strepitosa come al solito e perfettamente calata nei panni della dea a lungo imprigionata, capace di scaricare sul proprio popolo millenni di rabbia e frustrazione.

Il ruolo del Gran Maestro va a Jeff Goldblum che avevamo già potuto intravedere come easter egg nei titoli di coda di Guardiani della Galassia vol. 2. Statuario come sempre, Goldblum dà vita ad un personaggio grottesco e caricaturale. Fratello del Collezionista (presente proprio nei Guardiani) è uno degli Antichi dell’Universo, una creatura dai poteri quasi illimitati che qui preferisce dedicarsi ad un ruolo fortemente caratterizzato da facezie e stravaganze.

Tessa Thompson, apprezzatissima in Westworld, interpreta Valchiria: la guerriera ispirata alla Brunilde wagneriana, nel doppio ruolo di antagonista e alleata di Thor.
Infine, per gli amanti del Signore degli Anelli, ecco Karl Urban ad interpretare Skurge, un guerriero asgardiano dilaniato tra dubbi, paure e invidie.

Torna, naturalmente, anche Mark Ruffalo ancora una volta nei panni di Bruce Banner (aka Hulk).

Al cast principale si accompagnano altri volti più o meno noti, tra citazionismo e cammei di cui non voglio svelare troppo per non rovinare la sorpresa. In tutti i casi, però, la prova di attore di questo ricco cast è notevole: perfetta e mai fuori posto, sopra le righe il necessario ma mai sguaiata.

Regia

Come dicevo all’inizio questa pellicola era chiamata a dare un cambio di rotta alle avventure di Thor.

Dopo lo strappo con Alan Taylor, regista di The Dark World, a seguito di polemiche nate sul processo di post produzione, a dirigere questa pellicola è stato chiamato Taika Waititi (attore, sceneggiatore e regista neozelandese), il quale ha dichiarato senza mezzi termini l’intenzione di dare un taglio da film di fantascienza degli anni ’70 ispirandosi molto più al climax di Guardiani della Galassia che non ai precedenti Thor.

Al di là della trama e degli inevitabili sviluppi futuri nell’economia complessiva del MCU, la prima cosa a colpire è il taglio dato dalla regia. Il tono di sottofondo è volutamente scanzonato, ricco di battute, facezie e momenti di ilarità capaci di strappare diverse risate in sala. Oltre al personaggio del Gran Maestro, brillante e faceto per copione, lo stesso Thor sembra aver imparato a non prendersi troppo sul serio. Certo ci sono momenti altamente drammatici, atti a scatenare una profonda evoluzione del personaggio che ho decisamente apprezzato, così come ci sono sequenze che rasentano l’epicità, soprattutto durante le complesse scene di combattimento con Hela; ma a farla da padrona è sicuramente la volontà di intrattenere e di farlo divertendo. E questo senza mai scadere nel banale, nella battuta facile o nella macchietta.

Il concerto di emozioni si rende ancora più palese nel momento in cui prestiamo attenzione alla colonna sonora. Oltre ai temi dei supereroi, e alle loro rielaborazioni, fa colpo un uso sfrenato delle sonorità elettroniche, che avvicinano questa pellicola ad alcuni dei grandi action movie del passato. Non è un caso se lo stesso Chris Hemsworth ha dichiarato di essersi ispirato a Jack Burton di Grosso guaio a Chinatown per la costruzione e l’evoluzione di Thor.

Ad un orecchio attento, soprattutto a quelli che come me sono entrati negli “anta”, non sarà sfuggita la melodia di Pure Imagination, canzone tratta dal film del 1971 Willy Wonka e la fabbrica di cioccolato. Difficile immaginare qualcosa di più lontano dal tema supereroistico, eppure nell’economia complessiva tutto funziona, si incastra in un connubio di opposti capaci di creare una sinfonia di discrepanze, scioccante e disorientante al punto giusto.

Conclusioni

Thor: Ragnarok è il classico film di cui si fa fatica a dare un giudizio alla prima visione. Presi dalla trama e dai molti momenti di ilarità, richiede una seconda e più attenta visione per godersi quei piccoli dettagli che ne compongono l’architettura globale. Personalmente ho apprezzato moltissimo le contaminazioni dai film degli anni ’70, con costumi e sonorità sopra le righe davvero sfarzose; ho adorato vedere nuovamente su grande schermo uno dei miei attori kiwi preferiti, Sam Neill, anche se per un brevissimo lasso di tempo; e decisamente ho amato l’unica scena ambientata sulla Terra, di cui non dirò nulla per non rovinarvi la sorpresa.

Nel complesso credo sia un film nettamente superiore ai primi due ma allo stesso tempo ancora manca di qualcosa per essere paragonabile a grandi pellicole come Capitan America. Sicuramente è stata coraggiosa la scelta di dare un taglio completamente diverso, rendendolo de facto quasi un film stand alone; mancano forse ancora un po’ di sottotrame di spessore e una maggiore introspezione dei personaggi come Valchiria, che ha del potenziale, ma alla fine risulta molto legata ai cliché; si sarebbe potuto osare un po’ di più con il Gran Maestro e i gladiatori, magari riducendo il tempo dedicato alle sequenze action; tuttavia sono stati seminati germogli interessanti per il futuro.

Nerdando in breve

Thor: Ragnarok porta l’apocalisse ad Asgard, scatenando la tanto attesa evoluzione di Thor.

Nerdandometro: [usr 2.9]

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Trailer

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