Manca poco a Milan Games Week & Cartoomics 2024 che si terrà il 22, 23 e 24 novembre 2024 nei padiglioni 9, 11, 13, 15 e nell’Auditorium di Fiera Milano a Rho. Ecco cosa tenere a mente in base a quello che sappiamo finora.

Videogames

Tra gli ospiti di quest’anno c’è Shinji Mikami, autore di Resident Evil (saga grazie alla quale sono entrato in contatto per la prima volta con l’ecosistema PlayStation), di The Evil Within e ha lavorato anche a titoli iconici come Dino Crisis.

Potrebbe già bastare così, ma c’è di più, dato che saranno presenti tanti protagonisti provenienti dal mondo di Baldur’s Gate 3, il mio gioco preferito dello scorso anno: Jennifer English, Devora Wilde e Neil Newbon che hanno interpretato rispettivamente Shadowheart, Lae’zel e Astarion, e Aliona Baranova, voce dello scoiattolo Corinna e performance director del gioco.

Per quanto riguarda il mondo dei giochi indipendenti, anche quest’anno passerò ore nell’Indie Dungeon, spazio dedicato alle creative e ai creativi italiani dove si potranno trovare i 10 titoli più interessanti che parteciperanno a un bando creato da IIDEA e i 5 videogiochi finalisti di Red Bull Indie Forge che sono Block Number 5 di Overkillas, Dino Path Trail di Void Pointer, Project Pyramid di Team Pyramid, The Crazy Hyper-Dungeon Chronicles di Fix-A-Bug e The Good Overlod di Atomic Hamster.

Fumetti

Ci sarà tanto Giappone: tra gli editori che hanno confermato la loro presenza c’è J-POP MANGA che porterà il mangaka Hiroyuki Eto, celebre per GuruGuru, Il Girotondo della Magia; saldaPress ospiterà Auri Hirao, autrice di If My Favorite Pop Idol Made It to the Budokan, I’d Die e JUNDO avrà nel suo stand Inma R., creatrice di The Violinist and The Nerd e Wild Beast Forest House. Ci saranno anche Star Comics e Magic Press con iniziative e ospiti ancora da annunciare.

Nell’area ImagiNation si potranno esplorare gli universi dei libri e dei comics, incontrando tanti autori come, per esempio, Simone Di Meo, autore della locandina di questa edizione di Milan Games Week & Cartoomics 2024. Tra gli editori, annovero Panini Comics che ospiterà Jason Aaron, Pepe Larraz e Bartosz Sztybor, Tunuè, Astorina, APO, Edizioni BD, BAO Publishing e Gigaciao.

Giochi da tavolo e di ruolo

Anche quest’anno, nell’area Unplugged saranno organizzati tanti workshop su giochi da tavolo, di ruolo e di carte collezionabili oltre alla possibilità di incontrare i publisher presenti.

Ovviamente, si celebrerà il cinquantesimo anniversario di Dungeons & Dragons con tante iniziative e ritornerà La Fortezza, spazio a tema medievale che includerà fantasy, gioco da tavolo e LARP.

Cinema

L’Auditorium di Fiera Milano vedrà al suo interno la seconda edizione del Fantasticon Film Fest, evento dedicato agli anime, al fantasy e all’horror. Si terranno varie proiezioni di film, serie, anteprime, contenuti esclusivi e corti inediti in una sala da oltre 900 posti a sedere, dotata di un impianto audio-video di ultima generazione.

Ci troverete in giro per la manifestazione o allo stand Dive nelle giornate di venerdì e sabato: trovate i biglietti qui.

Vuoi chiacchierare e giocare con noi? Vienici a trovare sul nostro Server Discord e sul nostro Gruppo Telegram.

L'articolo Milan Games Week & Cartoomics 2024 – Cosa sappiamo finora proviene da Nerdando.

Non c’è niente di meglio che iniziare l’anno con una bella pandemia. Come saprete, il nuovo coronavirus sta seminando il panico in tutto il mondo. Non disperate! Intanto perché sembra meno mortale di quello che viene detto. E poi perché grazie a questo noi di Nerdando abbiamo deciso di parlare un po’ di pandemie viste nella cultura pop. Vediamo se nei fumetti esistono virus peggiori del coronavirus (spoiler: decisamente sì).

Piccola postilla, prima di cominciare: abbiamo deciso di non parlare di zombie, perché sebbene spesso le storie di zombie partono da un’epidemia, sono un sottogenere troppo vasto da affrontare qui. Per cui niente The Walking Dead o Highschool of the Dead.

Epidemie Marvel: Spider-Island e il virus Legacy

Un’epidemia diciamo “leggera” per cominciare senza troppa ansia è quella presente nel cross-over Spider-Island. Grazie allo Sciacallo, tutta Manhattan si ritrova in possesso degli stessi poteri dell’Uomo Ragno.

Ovviamente scoppia il caos e Peter dovrà cercare di risolvere la situazione. Come molte cose del ciclo di Dan Slott su Amazing Spider-Man, Spider-Island ha un’idea di base anche carina, ma poi è svolta coi piedi.

Spider-Island non si discosta da questa situazione, e non aiutano i disegni di Humberto Ramos (per chi scrive una delle più grandi sciagure capitate a Spider-Man). Però ha dei momenti divertenti, visto che compaiono una marea di supereroi e comprimari ragneschi tutti con gli stessi poteri di Peter Parker.

Sempre restando tra i supereroi Marvel, il virus più “famoso” è il virus Legacy che colpiva solo i mutanti. Metafora nemmeno troppo velata dell’AIDS (fu creato nei primi anni ’90, in piena fobia per l’AIDS), per un decennio abbondante fece vittime più o meno illustri tra le file degli X-Men. Il personaggio più famoso a morire fu Illyana Rasputin, la sorella di Colosso.

Il virus fu debellato grazie ad un vaccino creato da Bestia che richiese però il sacrificio dello stesso Colosso, in una delle storie più emozionanti che ricordo degli X-Men.

Batman: Contagio

Non solo Marvel, ma anche in casa DC hanno avuto il loro virus letale. Nel crossover Batman: Contagio, l’uomo pipistrello e tutta la Bat-family dovranno cercare di salvare Gotham City dal virus Apocalypse, una variante dell’ebola sviluppata dall’Ordine di St. Dumas.

La saga si sviluppò in tutte le varie collane legate a Batman tra marzo e aprile 1996, quindi ha un elenco enorme di artisti coinvolti, tra cui Alan Grant, Chuck Dixon, Christopher Priest e Dennis O’Neil ai testi e Vince Giarrano, Tommy Lee Edwards, Jim Balent e Dick Giordano ai disegni.

Da questa saga iniziò il percorso che portò alla maxi-saga No Man’s Land, che è una delle mie saghe di Batman preferite. Magari non ve ne importa molto, ma ci tenevo a dirlo.

Y – L’ultimo uomo

Uscendo dal mondo dei supereroi, non posso che citare Y – L’ultimo uomo di Brian K. Vaughan e Pia Guerra, pubblicata dall’etichetta DC Vertigo tra il 2002 e il 2007 e in Italia da Magic Press e Planeta DeAgostini.

Y – L’ultimo uomo racconta la storia di Yorick Brown e della sua scimmia Ampersand, dopo che un virus misterioso ha ucciso tutti gli esseri viventi di sesso maschile tranne i due.

Yorick viene preso in custodia da quel che resta del governo americano e parte in giro per il mondo alla ricerca della sua fidanzata, in un mondo che si sta lentamente riprendendo e adattando alla nuova situazione.

La serie è abbastanza lunga, 60 numeri, e tocca una marea di temi nel corso delle varie avventure dei protagonisti, pur avendo uno spunto non originalissimo. Esistono infatti parecchie storie simili, ma Y è speciale, perché non cade in cliché abusati e cerca di essere realistica fino alla fine. Per me resta ancora oggi il miglior lavoro di Vaughan (sì, anche meglio di Saga). A breve dovrebbe pure arrivare una serie TV tratta dal fumetto.

Crossed

L’altra serie americana da nominare è Crossed, creata da Garth Ennis e Jacen Burrows per Avatar Press (in Italia Panini Comics) nel 2010. Negli anni altri scrittori si sono occupati della serie, tra cui due leggende dei fumetti come David Lapham e Alan Moore.

Il virus al centro del fumetto fa comparire uno sfogo sulla faccia a forma di croce e rende gli infetti degli assassini violenti e depravati. Gli scrociati (cioè gli infetti) diventano ben presto la maggioranza del pianeta e diventa difficile per i non-infetti nascondersi dalla scia di violenza che divampa per il mondo.

Essendo un fumetto di Ennis, l’ultraviolenza è ovunque. Crossed è uno dei fumetti più violenti scritti da Ennis, il che è tutto dire. Più che la violenza fisica, che come spesso capita diventa caricaturale nel suo eccesso, colpisce la violenza emotiva a cui Crossed sottopone il lettore. È un fumetto terrificante nella premessa e nello svolgimento perché gli infetti non sono zombie, ma essere umani veri e dunque le loro azioni sono volute, sebbene amplificate dal virus.

Tra le varie serie ambientate in quest’universo narrativo, vale la pena recuperare Crossed +100, scritta da Alan Moore e ambientata 100 anni dopo la prima epidemia.

Il sesso contagioso: Black Hole e The Beauty

Un classico del fumetto indipendente americano, Black Hole, scritto e disegnato da Charles Burns ha al centro un virus misterioso.

Nella graphic novel, pubblicata in Italia da Coconino Press nel 2007, un gruppo di adolescenti contrae il misterioso Bug a metà anni Settanta. Il Bug è una malattia sessualmente trasmissibile che causa bizzarre mutazioni fisiche negli infetti (a un personaggio cresce la coda ad esempio).

Metafora dell’AIDS, dell’adolescenza, del sesso, Black Hole è una di quelle storie osannatissime da critica e pubblico e in effetti è un fumetto la cui forza narrativa è ancora oggi fortissima.

Più di recente, Image Comics ha pubblicato The Beauty, serie scritta e disegnata da Jeremy Haun e Jason A. Hurley. In Italia la sta pubblicando Panini Comics.

The Beauty parla di una malattia sessualmente trasmissibile che rende gli infetti bellissimi. Sembra tutto ok no? Non proprio. Perché ci sono degli effetti collaterali per gli infetti e per la società.

La serie è un misto di horror e thriller con sfumature complottistiche e pone delle domande non banali sulla nostra società ossessionata dalla perfezione fisica.

Epidemie nei manga: 20th Century Boys e Eden

Tra i manga, una citazione rapida la merita 20th Century Boys, capolavoro di Naoki Urasawa uscito tra il 1999 e il 2006 e arrivato in Italia grazie a Panini Comics.

Sebbene il fumetto parli di altro, una parte non indifferente della storia ha come fulcro un’epidemia di un virus letale che stermina la popolazione mondiale. Il virus è parte del piano di conquista del mondo da parte del misterioso Amico, il cattivo mascherato della serie.

Un virus mortale è invece al centro di Eden: It’s an EndlessWorld!, manga di Hiroki Endo pubblicato in Italia da Panini Comics tra 2000 e 2009.

In un prossimo futuro il Closer Virus muta la pelle delle persone in materiale corneo uccidendole. L’umanità è quasi sterminata da questo virus e i pochi immuni vengono rinchiusi in un Eden artificiale per salvare la razza umana.

Ambientazioni post-apocalittiche e cyberpunk fanno di Eden uno dei manga più celebrati degli ultimi decenni.

L'articolo NerdandoSu Epidemie e dintorni – Fumetti contagiosi proviene da Nerdando.

Recensione

Netflix sembra ci abbia preso gusto a fare serie tv tratte dai fumetti. Dopo The Umbrella Academy, il 7 febbraio arriva infatti la prima stagione di Locke & Key, tratto da un fumetto horror scritto da Joe Hill e disegnato da Gabriel Rodríguez, pubblicato in America da IDW Publishing e in Italia da Magic Press.

Non avendo mai letto la serie, ma volendo arrivare preparato, ho recuperato di recenti i sei volumi che compongono la serie principale.

Trama

Un efferato omicidio devasta la famiglia Locke che decide di spostarsi dalla California alla casa ancestrale di Lovecraft, Massachusetts. I tre fratelli Tyrone, Kensey e Bode scopriranno che la casa nasconde tanti segreti, legati a misteriose chiavi che donano diversi poteri a chi le usa.

Mi sembra un momento come un altro per menzionare che Joe Hill è lo pseudonimo di Joseph King, figlio di Stephen (a cui peraltro assomiglia in modo impressionante).

E se sei il figlio del più grande scrittore horror di sempre qual è la cosa giusta da fare? Ovviamente scrivere un fumetto horror prendendo ispirazione da tuo padre e dal secondo scrittore horror di sempre, HP Lovecraft.

Le ispirazioni kinghiane e lovecraftiane sono abbastanza evidenti. Da un lato l’ambientazione nel New England, dove entrambi gli autori hanno ambientato le loro storie. Dall’altro, King ha scritto tante intense storie di crescita all’ombra di eventi orrorifici, come It e Lovecraft ha creato un intero immaginario demoniaco. Entrambi elementi che tornano in questa serie.

Keys to the kingdom

Locke & Key è una storia di crescita e di drammi familiari ambientata nel lugubre New England (sarà un caso che molti scrittori horror americani vengono da lì?). L’orrore è quasi incidentale. Nel senso che sì ok, ci sono mostri, uccisioni e altre cose sovrannaturali, ma il cuore della storia è quello della crescita dei tre Locke e della risoluzione dei segreti di famiglia.

Per certi versi è il primogenito Tyrone il vero protagonista, ma la sorella Kinsey e il fratellino Bode non sono da meno e sono tutti e tre il fulcro delle vicende tanto quanto Tyrone.

C’è un altro vero protagonista: la Keyhouse Mansion, dove la famiglia Locke si trasferisce. Tipica magione nordamericana, in stile coloniale, a picco sul mare, sferzata dal vento. La Keyhouse Mansion ha stanze, giardini, dependance e cave piene di segreti che vengono a mano a mano esplorati.

Con una sensibilità e un’abilità rara, Hill tratteggia un cast di personaggi sempre approfondito, anche nei personaggi più secondari. Siamo dentro al microcosmo della città di Lovecraft e della sua scuola, non solo dentro la famiglia Locke. Hill riesce a dare spazio a tutti nel corso della serie, spostando di volta in volta l’attenzione su un fratello in particolare o su un personaggio estraneo alla famiglia.

Tutti gli episodi però sono funzionali sia narrativamente che emotivamente e trovano giusto sfogo nel finale della storia. Che per certi versi è stata una vera mazzata per me, non solo per quello che succede, ma perché mi ero appassionato e affezionato a tutti i personaggi e lasciarli andare è stato difficile.

Se notate bene, non ho praticamente mai parlato delle chiavi magiche. E non è un caso. Lo spunto della storia potrebbe far pensare che il fumetto non sia altro che una serie di situazioni in cui le chiavi sono dei deus ex machina magici. Ma non è così. Anzi, per larghi tratti della serie le chiavi sono decisamente in secondo piano.

Detto questo, il concetto dietro e la loro realizzazione mi è piaciuto tanto, quasi da rimanere deluso che alcune chiavi non vengono usate e spiegate così tanto. In generale il modo in cui vengono mostrate le chiavi è interessante e non banale.

Chiavi Grafiche

E se parliamo di rappresentazione, spendiamo anche due parole sui disegni di Rodríguez. Ai disegni per tutta la serie, Rodríguez ha uno stile a tratti cartoonesco, amplificato da colori chiari e dalle poche chine. Non aspettatevi oscurità tipiche di fumetti horror.

Paga forse una certa ripetitività nella rappresentazione dei visi, compensata da una grande capacità espressiva, cruciale per una storia come detto anche di sentimenti.

Personalmente il suo stile l’ho trovato perfetto nel rappresentare la storia in tutti i suoi registri. La serie passa da momenti più sovrannaturali ad altri più intimi, passando per diverse scene molto violente e momenti più leggeri.

Rodríguez ha come punto di forza un grande senso dello storytelling, cioè la capacità di usare i disegni per raccontare una storia, cruciale per un fumetto. Hill sembra quasi volerlo sfidare per vedere fino a che punto il disegnatore sarà in grado di seguirlo.

Ad esempio a metà serie ci sono delle storie apparentemente autoconclusive, ognuna scritta e disegnata in uno stile diverso, talvolta ispirato ad artisti particolari o a generi. Mi sono trovato a leggere una storia in stile Calvin & Hobbes in un fumetto horror e non posso che applaudire il risultato, soprattutto perché coerente con la serie.

Concludendo

Di Locke & Key ne avevo sentito parlare da tempo, ma non mi ero mai interessato, perché di solito non mi interessa molto l’horror. Mi sono ritrovato a leggere invece una storia appassionante e umana, nonostante resti chiaramente una storia horror. Con tanti personaggi che bucano la pagina e degli adolescenti scritti in modo vero (una rarità), Locke & Key è forse la miglior versione cartecea di storie alla Stranger Things, senza la deleteria nostalgia anni ’80.

Edizione

La saga completa di Locke & Key è uscita in sei volumi IDW Publishing, raccolti anche in un cofanetto. In Italia i volumi sono ad opera di Magic Press e sono in tutto e per tutto identici alle versioni americane. Esiste anche un settimo volume che raccoglie storie autoconclusive che non fanno parte della saga principale.

Nerdando in Breve

Un viaggio tra segreti di famiglia e dolori della crescita, con annessa minaccia di mostri lovecraftiani, Locke & Key è un fumetto che ti resta dentro.

Nerdandometro 4,8/5

L'articolo Locke & Key – Lovecraft per famiglie proviene da Nerdando.

Recensione

C’era davvero bisogno di un reboot cinematografico di Hellboy?

Penso che questa sia la domanda che tutti noi ci siamo fatti all’annuncio del nuovo film diretto da Neil Marshall, che di fatto resetta la presenza cinematografica del personaggio creato da Mike Mignola nel 1993, il cui esordio sul grande schermo porta invece la data del 2004.

Dopo due film, diretti dal plurivincitore di premi Oscar Guillermo del Toro, il Rosso (questo il soprannome di Hellboy) torna nei cinema con rinnovato vigore, facendo piazza pulita delle storie raccontate dal talentuoso regista messicano e ricominciando, effettivamente, da capo.

Molta importanza si è data al maggior coinvolgimento di Mignola sia nella sceneggiatura che in generale nella creazione di questo nuovo inizio, che andrebbe quindi a fornirci un’immagine del Rosso molto più vicina a quella del suo papà su carta; inoltre l’aver affidato la regia ad un autore di film horror servirebbe a virare lo stile della pellicola verso atmosfere più consone al personaggio.

Ma bando alle ciance, che sennò vi spazientite: lo so cosa volete sapere, quindi cominciamo ad andare dritti al punto.

Chi è Hellboy

Due parole sul personaggio, siate pazienti, ve le devo pur dire, che non tutti quelli che arrivano qui magari conosceranno vita, morte e miracoli del bestione rosso.

Hellboy è sostanzialmente un demone, che fu evocato sulla Terra dallo stregone siberiano Rasputin al soldo dei nazisti nel 1944; fu sottratto ai Nazisti ancora cucciolo, fu allevato dal professor Trevor Bruttenholm che lo crebbe come un umano.

Particolarità dell’aspetto di Hellboy sono le corna tagliate, che egli stesso evita di far crescere, e la mano destra gigantesca, cui è legata buona parte del destino del personaggio.

Da adulto Hellboy entra a far parte del Bureau of Paranormal Research and Defense (BPRD) ed insieme alla sua squadra si occupa di casi paranormali in tutto il mondo.

Il fumetto di Hellboy è pubblicato dal 1994, quando esce il primo numero della prima serie per i tipi della Dark Horse, “Il seme della distruzione” e prosegue da allora in modo molto differente dal classico fumetto supereroistico, dato che la scrittura è del solo Mignola che ne detta i ritmi.

Un caso quindi di fumetto molto più autoriale di quanto si possa credere e che vanta fan affezionatissimi allo stile peculiare delle storie, dei disegni e delle tematiche trattate, che affondano le radici nell’horror, nei romanzi pulp e nel folklore popolare.

In Italia le storie di Hellboy sono pubblicate dalla Magic Press, che ne detiene i diritti, in volumi che raccolgono cicli narrativi. Quest’anno vedrà la luce una edizione speciale per il 25esimo anniversario.

Trama

Come da tradizione, qui su Nerdando.com gli spoiler sulla trama sono banditi perché possiate goderne al meglio su grande schermo; ciò però non mi impedisce di accennarvi ad un canovaccio e citare ispirazioni.

La trama del nuovo Hellboy è tratta dalla miniserie più lunga tra tutte le storie scritte sul personaggio e quella probabilmente più importante, dato il forte impatto sulla sua biografia: “La caccia Selvaggia” (The Wild Hunt, pubblicato nel nono volume italiano della serie), che fa parte di una trilogia iniziata con “Il richiamo delle tenebre” e conclusa con “La tempesta e la furia“, dalle quali la pellicola trae alcuni spunti.

Niente racconto delle origini (o quasi…), e immediatamente uno snodo principale della vicenda.

Come scelta a mio avviso non è affatto male, in tempo di cinema super decompresso in cui per assistere al finale di una vicenda devi aspettarti quantomeno una trilogia; il ritmo è gestito bene, velocemente, forse anche troppo e di certo non c’è tempo per annoiarsi.

Tra forti scene d’azione, colpi di scena incredibili, morti violente e caciara il film passa in fretta, e forse abbiamo poco tempo per approfondimenti di personaggi, psicologia spiccia e roba simile, ma quantomeno il personaggio principale ci apparirà molto ben delineato.

Hellboy ha un gran carisma proprio di suo e spicca tra tutti i personaggi per il suo essere un vero e proprio antieroe grezzo, brutale, sarcastico e profondamente umano.

Ovviamente, come ci si poteva aspettare, il finale lascia ampio spazio per un seguito (o più di uno), lasciando anche aperta una delle trame secondarie della vicenda. Ci sta, dopotutto, oggigiorno è impensabile far uscire al cinema un personaggio dei fumetti per farlo durare un solo film.

Personaggi

Hellboy interpretato da David Harbour (Jim Hopper in Stranger Things) mi ha convinto parecchio, forse anche più di quello di Perlman dei film precedenti: è una forte presenza fisica sullo schermo, le fattezze e le movenze sono esattamente quelle che mi sarei aspettato, compresa la punta di ironia cinica che ci sta alla grande.

Anche la voce (l’ho guardato in originale) è perfetta per un demone umanizzato. Dal punto di vista del protagonista, casting azzeccato.

Il professor Broom, interpretato da Ian McShane è più sui generis e diverso dal vecchietto che ricordavamo, ma non per questo meno buono: è un personaggio molto più in linea con i tempi moderni e con gli odierni film di supereroi.

Milla Jovovich interpreta invece Nimue, principale antagonista del nostro bestione e devo dire che come parte le sta bene, con il suo sguardo glaciale e distaccato sembra proprio provenire dalle nebbie dei secoli bui.

Come comprimari avrei preferito i classici Abe e Liz Sherman perché ci sono affezionato, ma devo dire che Alice mi ha convinto, un po’ meno Daimio, interpretato da una vecchia conoscenza dei fan di Lost, ma sono gusti.

Stile

Ecco che ci addentriamo nel punto focale del discorso, anche se vi sembrerà strano.

Infatti, devo confessarvi che, uscito dal cinema, non avevo ben capito se mi fosse piaciuto o no, questo reboot.

La trama non mi era dispiaciuta, anzi, così come gli attori e in generale come erano stati trattati i personaggi.

Cos’era allora, quella punta di insoddisfazione?

Credo, dopo una notte di sedimentazione delle emozioni, di averlo individuato nello stile del film.

Vi spiego.

La regia di Marshall è parecchio orientata all’azione, e le scene di combattimento in effetti sono belle e furiose; la provenienza dal mondo degli horror si riflette in una decisa virata verso lo splatter e gli spargimenti di sangue, tanto che negli USA il film è stato classificato come PG-17.

Il problema è che questo stile non mi ha convinto del tutto.

Io Hellboy me lo immagino sempre come gotico, oscuro, crepuscolare e la super velocità delle scene, l’utilizzo eccessivo della musica rock nei momenti d’azione e  il voler a tutti i costi portare nella modernità un personaggio che è affascinante anche per i continui riferimenti al passato che permea completamente le storie è, a mio avviso, un po’ forzato.

Senza dubbio si tratta di un film moderno, modernissimo anzi, ma con un cuore ancorato ai B-Movie dei decenni passati; se più horror doveva essere, me lo aspettavo più oscuro e meno rispondente ai canoni del classico film d’azione/supereroistico degli ultimi anni.

Di sicuro ho in mente il ricordo delle vicende narrate da quel grande bardo dell’inquietudine che è Del Toro, ben altro talento (che io personalmente adoro), senza voler nulla togliere a Marshall, e il confronto ne risente assai.

Altro punto discutibile, sempre secondo il mio umil parere, è la CGI: le scene sono molto curate senza dubbio, ma ho trovato l’utilizzo della computer grafica non a livello in tutte le scene. Addirittura alcune mi sono sembrate tratte dal film con una ventina d’anni sulle spalle!

Queste critiche prendetele, ovviamente, per quello che sono: un punto di vista personale influenzato da ciò che io mi aspettavo dopo aver visto e letto le intenzioni della produzione. Non è detto che a molti di voi questo stile potrà farvi impazzire.

In conclusione

In conclusione, com’è questo reboot?

Lo definirei un film modernissimo ma dall’estetica che guarda con non poca nostalgia a certi B-Movie degli anni ’90, che porta idealmente Hellboy nel XXI secolo con tanta azione, tanto sangue, e un cast azzeccato, ma pure con la strizzata d’occhio, appunto, a quella nostalgia che tanto va di moda; qualche dubbio me lo lascia l’impronta troppo moderna e caciarona su un eroe crepuscolare e quasi drammatico, anche se a lui, sostanzialmente, del dramma non frega nulla.

Ottima senza dubbio la scelta dell’interprete principale, un Harbour perfettamente calato nel ruolo. Molto bene anche le scene d’azione, ipercinetiche e a tratti tamarrissime.

Non lo promuovo a pieni voti, sperando in un sequel che sappia aggiustare il tiro su alcuni aspetti che a me personalmente non hanno convinto appieno.

Hellboy esce in Italia in anteprima mondiale l’11 aprile 2019 e il 12 in tutto il resto del mondo.

Nerdando in breve

Hellboy è la nuova incarnazione cinematografica del personaggio di Mike Mignola con nuovo attore, nuova trama e nuovo regista. E anche un nuovo stile.

Nerdandometro: 3/5

L'articolo Hellboy – Sympathy for the devil proviene da Nerdando.

Pensate, c’è stato un tempo prima dell’avvento dei social in cui era comunque possibile diventare virali senza transitare per i canali tradizionali quali televisione e radio ma mediante delle semplici cassette passate di mano in mano a scuola, in sala giochi o sotto l’ombrellone.

Trama

Non temete, non ci sono spoiler, potrete leggere le stesse informazioni sulla quarta di copertina dell’albo.

Siamo nel 2992, la tecnologia ha compiuto passi da gigante tuttavia non è in grado di proteggere l’uomo da tutte le minacce.

Sulla stazione spaziale Eagle, la tranquillità della popolazione viene scombussolata dall’improvviso arrivo di alcune piante che sembrano essere pacifiche – ma si sa – l’apparenza inganna, soprattutto nello spazio.

Quando tutto sembra perduto faremo la conoscenza di Marius, pronipote del famoso bidello aquilano Magnotta, che cercherà di gestire la situazione a suo modo.

Recensione

Quando, mesi fa, seppi che Magic Press avrebbe pubblicato Magnotta Wars, non avrei saputo dire cosa avrei avuto tra le mani, soprattutto conoscendo i lavori di Fabrizio “Pluc” Di Nicola che mi hanno finora sempre piacevolmente spiazzato.

Il connubio artistico con Antonio Recupero, che si è occupato dei testi, è molto fortunato e le 84 pagine della storia filano via rapidamente, omaggiando quel campione della comicità involontaria che è stato Mario Magnotta con un fumetto originale ma ricco di riferimenti agli scherzi telefonici di cui fu vittima (e non solo, perché vengono celebrate anche alcune note pellicole di cui non farò menzione per evitare di essere sbranato dai nazispoiler) e un divertente quanto improbabile cameo.

I disegni di Di Nicola sono una delizia per gli occhi, con una squisita cura dei dettagli per quanto riguarda l’ambientazione e gli sfondi, una realizzazione dei personaggi – con il classico e preciso tratto caricaturale con cui Pluc mi stupisce da anni – molto accurata e una colorazione che è il fiore all’occhiello dell’opera.

I testi di Antonio Recupero sono altrettanto studiati, la maggior parte dei dialoghi hanno, come scrivevo poc’anzi, dei rimandi sia alle telefonate che hanno reso celebre Magnotta, sia delle citazioni a diversi film classici; anche i nomi utilizzati nel corso di Magnotta Wars non sono buttati a caso, ma si intuisce come siano frutto di un’approfondita conoscenza delle gesta del bidello aquilano e di un certo cinema trash molto in voga negli anni ’80.

In conclusione, se anche voi (come il sottoscritto) siete cresciuti ascoltando le popolari cassette che sono passate di mano in mano nel corso dei gloriosi anni ’90 – ma anche se avete visto i video su Youtube o sentito le chiamate in formato mp3 -, non fatevi sfuggire Magnotta Wars: è il giusto omaggio che Mario merita e una gradevole opera da avere in libreria…

…a maggior ragione se siete abruzzesi e/o amate la cultura, la cucina del luogo e in special modo gli arrosticini (non me ne vogliano gli amici vegetariani e vegani, di cui ho sempre il massimo rispetto).

Nerdando in breve

Magnotta Wars è l’omaggio di cui Mario Magnotta aveva bisogno per tutte quelle risate di cui, senza volerlo, ci ha fatto dono nel corso degli anni: ben concepito, ottimamente scritto e magistralmente disegnato.

Nerdandometro: 4/5

L'articolo Magnotta Wars – Il virale prima di Internet proviene da Nerdando.

La vita di coppia e le sue, talvolta tragicomiche, dinamiche viste con un pizzico di ironia: questo è Simple&Madama, webstrip che sta spopolando sui social network. Forti di quasi centomila “Mi piace” su Facebook, le vignette create da Lorenza Di Sepio hanno conquistato davvero tutti, grazie al connubio di un tratto personale e storie fresche ed accattivanti, nelle quali qualunque coppia non faticherà a ritrovarsi.
Con un libro, “La Scintilla”, edito da Magic Press Edizioni, in uscita e un Lucca Comics & Games da preparare, l’autrice, Lorenza, è stata così gentile da trovare un po’ di tempo per scambiare due chiacchiere con noi.

Claudia: Simple&Madama è diventato in poco tempo un vero e proprio fenomeno virale: ti aspettavi un successo del genere?
Lorenza: Assolutamente no. Non mi aspettavo minimamente di suscitare tutto questo interesse sul web, perché è davvero nato tutto per gioco, per puro caso.
Vedere tutte queste persone rispecchiarsi in ciò che disegno è meraviglioso e continua a stupirmi ogni giorno!

C: Come nasce l’idea alla base di Simple&Madama? Potremmo definirlo un fumetto autobiografico?
L: Diciamo di si. Come quasi tutti nel mio mestiere, ho una vera e propria esigenza di comunicare con le immagini, anche fuori dall’orario di lavoro! Le prime vignette le ho create per il mio privato ed è lì che pensavo restassero.
Invece la Rete ed i social le hanno spinte oltre e, trasformandosi in un vero e proprio progetto editoriale, i personaggi hanno preso un’altra strada. Sviluppato caratteri e una vita a sè.

C: Sappiamo che il nuovo libro, “La Scintilla”, verrà presentato in anteprima al Lucca Comics & Games. Puoi darci qualche anticipazione?
L: La novità principale di “La Scintilla” è sicuramente la narrazione. Mi sono discostata, in parte, dalle pillole autoconclusive del web per creare un prodotto cartaceo più lineare e completo.
Quindi in questo primo volume troverete una vera e propria linea narrativa, che parte dal primo appuntamento, e tutto ciò che comporta!

C: Trovo il tuo tratto molto personale, è stato difficile per te trovare il tuo stile, senza farti influenzare da altri autori, oppure ti è venuto naturale?
L: Beh, non saprei. Ho letto diversi fumetti e visto molti cartoni animati. Non mi sento però di aver preso spunto da nessuno, anche se sicuramente nella crescita di un disegnatore ci sono incontri più o meno incisivi e consapevoli. Lo stile che uso per Simple&Madama lo sento mio al 100%, si sta perfezionando nel tempo ma non è stato studiato, è uscito fuori da sè!

C: C’è una routine di cui non puoi fare a meno quando disegni? Hai bisogno di un ambiente particolare?
L: Purtroppo per chi mi sta attorno, disegno ovunque e senza condizioni particolari, spesso anche sul bus o sul treno!
Però, quando sono nella comodità della mia stanza, mi piace avere come abitudine quella di una bella tazza di thé bollente e della buona musica di sottofondo.

C: Realizzi i tuoi disegni su carta o direttamente al computer? E perché privilegi questa scelta? Quali programmi e modalità ti sono più utili?
L: Ogni vignetta la creo e la lavoro direttamente in digitale.
Ci tengo a precisare che non “fa tutto il computer”, come molti credono, però l’ho scelto per una serie di comodità.
Sicuramente giova all’ordine della mia stanza, senza troppi materiali in giro. Si risparmia tanta carta e questo è un bene, e poi c’è l’immediatezza del lavoro. Con tanta pratica, si accorcia di molto la tempistica di lavorazione!

C: Hai altri progetti in cantiere? Cosa possiamo aspettarci per il futuro di Simple&Madama?
L: Per il momento non ho nulla in cantiere, se non di continuare questo percorso che, comunque, mi sta prendendo tantissimo tempo. Preferisco fare una cosa alla volta, ma fatta bene!
Quanto invece al futuro di Simple&Madama, sono in mano alla Magic Press Edizioni che mi asseconda e mi sostiene tantissimo con idee e proposte. In arrivo quindi qualche nuovo gadget in più e poi i volumi periodici come “sequel” della Scintilla!

C: Che consigli daresti ad un giovane con la passione dei fumetti che vorrebbe intraprendere questo mestiere?
L: Difficile dare consigli, tanto più senza scadere un po’ nel banale.
Però, una cosa che avrei voluto sentirmi dire più spesso c’è, quindi la dico a mia volta sperando sia utile: mai arrendersi ai primi ostacoli. Sia che vengano da un cattivo feedback, dal rifiuto di un editore, o da persone care che dicono di lasciar perdere e trovare un lavoro serio.
E di avere anche un pizzico di spirito di sacrificio, perché nessuno regala nulla, ma non vuol dire che non si riesca comunque ad ottenerlo.
In conclusione: tanto esercizio e volontà di ferro!

C: Per concludere, ci sono autori che apprezzi particolarmente e che hanno contribuito, in qualche modo, alla tua formazione?
L: Tra quelli che seguo e che ammiro, mi sento di nominare Paco Roca, di cui consiglio “Memorie di un uomo in pigiama”, uno dei miei volumi preferiti in assoluto! Poi Gud, che con il suo “Tutti possono fare fumetti” mi ha aiutato tantissimo. E infine un po’ di Leo Ortolani, che col suo “Ratman” non guasta mai e fa sempre ridere!

Grazie a Lorenza per la sua disponibilità. Le auguriamo ancora tantissimi successi e, personalmente, non vedo l’ora di incontrarla dal vivo al Lucca Comics & Games e di poter sfogliare «La Scintilla». Per quanti vorranno approfittare dell’occasione, l’appuntamento è presso lo stand della Magic Press Edizioni.

L'articolo Due chiacchiere con: Lorenza Di Sepio (Simple&Madama) proviene da Nerdando.