Ottobre 2022

Tempo di novità nel campo dell’home video ed è il momento di scoprire le novità per ottobre 2022 in casa Plaion Pictures. Come sempre, diamo uno sguardo anche ai brand tematici Midnight Factory e Anime Factory.

Plaion

Accolto da un grande successo al cinema, l’atteso sequel della pellicola di culto Top Gun è pronto a sbancare anche l’home video. Top Gun Maverick arriva in pompa magna a partire dal 31 ottobre con un’edizione standard in DVD, Blu-Ray e 4K UHD e un’edizione Steelbook 4K UHD più Blu-Ray. Per i più esigenti, solo su Amazon sarà disponibile anche l’edizione Steelbook 4K UHD più Blu-Ray con magnete lenticolare. E poteva forse mancare il cofanetto con i due titoli? Top Gun – 2 Film Collection sarà disponibile dal 31 ottobre in 4K UHD più Blu-Ray e DVD.

Più veloce della luce arriva anche Sonic – 2 Film Collection, che racchiude le avventure cinematografiche del riccio blu più famoso dei videogiochi, sarà disponibile dal 17 ottobre in doppia Steelbook 4K Ultra HD più Blu-Ray.

Una delle commedie brillanti più apprezzate tra le pellicole di Steven Spielberg è Prova a prendermi, basato sulla vita del celebre truffatore Frank Abagnale Jr. e interpretato da Leonardo Di Caprio e Tom Hanks. Candidato a due premi Oscar, arriva a partire dal 17 ottobre in Steelbook Blu-Ray.

Il capolavoro di Francis Ford Coppola pronto a mostrarsi in tutta la sua spettacolare epicità: dal 17 ottobre Il Padrino, Il Padrino – Parte II e Il Padrino Coda: La morte di Micheal Corleone arrivano in un’esclusiva edizione Steelbook 4K UHD + Blu-Ray che potrete trovare solamente su Amazon.

Ottobre è sinonimo di paura: ecco che quindi anche Plaion Pictures ci propone una serie di titoli ad hoc per il periodo. Si comincia con The Ring, celeberrimo remake statunitense del classico giapponese che, in occasione del 20° anniversario, arriva in un’edizione celebrativa Steelbook Blu-Ray a partire dal 26 ottobre. Nella stessa data potremo trovare anche Scream 2, per la prima volta in 4K UHD e in edizione Steelbook per il 25° anniversario.

Midnight Factory

È uno dei più grandi cult di sempre e, finalmente, potremo gustarcelo per la prima volta in edizione Steelbook 4K UHD. Stiamo parlando di Donnie Darko, la visionaria ed apprezzata opera horror di Richard Kelly, interpretata da Jake Gyllenhaal.
L’esclusiva edizione Midnight Classics conterrà anche nuovi restauri in 4K, il theatrical cut e il director’s cut. La troverete, corredata da booklet e card da collezione, a partire dal 26 ottobre solo su fanfactory.it.

Non sarebbe il mese di Halloween senza un’incursione filmica tra i classici del genere horror. Questo mese Midnight Factory ci propone Ringu Film Collection, che sarà disponibile dal 26 ottobre in edizione Steelbook 4K UHD + Blu-Ray con booklet e card da collezione.

Classico dei classici è Halloween – La notte delle streghe, capolavoro di John Carpenter che ha segnato la nuova strada dell’horror cinematografico dagli anni Settanta in poi. Dal 26 ottobre lo troverete per la prima volta in edizione Steelbook 4K UHD + Blu-Ray con booklet e card da collezione.

Anime Factory

E per concludere, ecco a voi il kolossal di Production I.G debuttare in home-video: The Deer King – Il re dei cervi sarà disponibile dal 17 ottobre in DVD e Blu-Ray, in edizione limited con booklet e tre card da collezione.

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Le nomination

Sono state annunciate il 13 dicembre le nomination ai Golden Globe 2022, che il 9 gennaio premieranno il meglio del cinema e della TV dell’anno appena trascorso secondo la Hollywood Foreign Press Association.
A fare gli onori di casa, rivelando le candidature, sono stati il rapper Snoop Dogg e la presidente dell’HFPA Helen Hoehne.

Cinema

Tanto grande cinema sarà in gara il 9 gennaio prossimo e iniziamo subito col dire che l’Italia ce l’ha fatta: È stata la mano di Dio, di Paolo Sorrentino, è candidato in rappresentanza del nostro paese nella categoria miglior film straniero. Dovrà vedersela, tra gli altri, anche con Madres Paralelas di Pedro Almodovar.

Come sempre il Golden Globe distinguono le categorie drama e musical o commedia. Tra i film drammatici, nella categoria miglior film, i titoli di maggior spicco sono sicuramente Dune e Belfast, che promette di farsi notare anche agli Oscar.
Per quanto riguarda i protagonisti delle pellicole drammatiche, in campo femminile la cinquina comprende Jessica Chastain (Gli Occhi di tammy Faye), Olivia Colman (The Lost Daughter), Nicole Kidman (Being the Ricardos), Lady Gaga (House of Gucci) e Kristen Stewart (Spencer).
Per quanto riguarda i protagonisti maschili, a contendersi il globo d’oro saranno Mahershala Ali (Swan Song), Javier Bardem (Being the Ricardos), Benedict Cumberbatch (Il potere del cane), Will Smith (Una famiglia vincente – King Richard) e Denzel Washington (The Tragedy of Macbeth).

Sfida apertissima nella categoria miglior film musical o commedia, con una cinquina composta da Cyrano, Don’t Look Up (che dal 24 dicembre sarà su Netflix), Licorice Pizza, Tick, Tick…BOOM! e West Side Story.
Per quanto riguarda gli attori protagonisti, i titoli per lo più si ripetono: troviamo Leonardo Di Caprio (Dont’ Look Up), Peter Dinklage (Cyrano), Andrew Garfield (Tick, Tick… BOOM!), Cooper Hoffman (Licorice Pizza) e Anthony Ramos (Sognando a New York – In The Heights).
Tra le attrici, si fa notare Emma Stone per la sua interpretazione in Crudelia. Dovrà vedersela con Marion Cotillard (Annette), Alana Haim (Licorice Pizza), Jennifer Lawrence (Don’t Look Up), Rachel Zegler (West Side Story).

La cinquina per decretare il miglior regista, quest’anno, vede protagoniste ben due donne: Jane Campion per Il potere del cane e Maggie Gyllenhaal per The Lost Daughter. Dovranno vedersela con Kenneth Branagh per Belfast, Steven Spielberg per West Side Story e Denis Villeneuve per Dune.

Sfida in casa per Disney nella categoria miglior film d’animazione: Luca, Encanto e Raya e l’ultimo drago sono infatti in lizza insieme a Flee e My Sunny Maad.

TV

Le serie candidate per decretare il miglior dramma televisivo sono: Lupin, The Morning Show, Pose, Squid Game e Succession.
Titoli che ritornano anche quando si parla di attori protagonisti. In campo maschile vediamo sfidarsi Brian Cox (Succession), Lee Jaw (Squid Game), Billy Porter (Pose), Jeremy Strong (Succession), Omar Sy (Lupin).
In campo femminile, invece, Uzo Aduba (In treatment), Jennifer Aniston (The Morning Show), Christine Baranski (The Good Fight), Elisabeth Moss (Il racconto dell’ancella) e MJ Rodriguez (Pose).

Per quanto riguarda la miglior serie comedy, invece, troviamo in lizza The Great, Hacks, Only Murders in the Building, Reservation Dogs, Ted Lasso.
A contendersi il titolo di miglior attrice in una serie comedy saranno Hannah Einbinder (Hacks), Elle Fanning (The Great), Issa Rae (Insecure), Tracee Ellis Ross (Black-ish) e Jean Smart (Hacks).
In campo maschile, i nominati sono Anthony Anderson (Black-ish), Nicholas Hoult (The Great), Steve Martin (Only Murders in the Building), Martin Short (Only Murders in the Building) e Jason Sudeikis (Ted Lasso).

Per quanto riguarda le miniserie o i film TV, infine, la cinquina di titoli comprende Dopesick, American Crime Story: Impeachment, Maid, Omicidio a Easttown e The Underground Railroad.
Nominate come miglior attrice troviamo Jessica Chastain (Scene da un matrimonio), Cynthia Erivo (Genius: Aretha), Elizabeth Olsen (Wandavision), Margaret Qually (Maid) e Kate Winslet (Omicidio a Easttown).
I candidati maschili sono Paul Bettany (Wandavision), Oscar Isaac (Scene da un matrimonio), Micheal Keaton (Dopesick), Ewan McGregor (Holsten) e Tahar Rahim (The Serpent).

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NerdandoSu Sogni

“I sogni sono desideri… di felicità…”

Le parole vengono dal lungometraggio animato Disney Cenerentola, ma il mondo dei sogni ha un rapporto stretto e lungo con l’arte cinematografica.
Affascinanti, misteriosi, magici. Emblema delle nostre speranze più gioiose ma anche dei nostri incubi peggiori, i sogni sono senza dubbio un universo complesso e misterioso, ricco di sfaccettature che negli anni sono state riprodotte e catturate da tantissime pellicole.

Il 25 settembre ricorre la Giornata Mondiale del Sogno e, per l’occasione, abbiamo scelto di celebrare le mille sfumature del mondo onirico in tutti i mezzi espressivi. Oggi scopriamo insieme 10 film sui sogni.

Inception – 2010

Diretto nel 2010 da Christopher Nolan è considerato da molti il suo capolavoro e, se parliamo di film dedicati al mondo del sogno, sicuramente è il primo titolo che viene in mente davvero a chiunque.
In una realtà in cui è possibile infiltrarsi nei sogni delle persone per inculcare idee nelle loro menti, Dom Cobb, un professionista del settore, sarà disposto a fare qualunque cosa per poter riabbracciare gli amati figli. Il confine tra sogno e realtà, però, è davvero sottile…

Narrazione a incastro e dall’architettura complessa, Inception è il film sul sogno per eccellenza ed è interpretato da un cast di stelle composto da Leonardo Di Caprio, Joseph Gordon-Levitt, Tom Hardy, Ellen Page, Marion Cotillard, Ken Watanabe e Micheal Caine.

8½ – 1963

Nel panorama dei registi più onirici di tutti i tempi non può mancare Federico Fellini, famoso per dare vita a creazioni sognanti e metafisiche nei suoi film. La massima espressione di questa sua tendenza è sicuramente 8½, considerato come uno dei suoi capolavori e come uno dei film migliori di tutti i tempi, premiato con l’Oscar per il miglior film straniero.

Scritto dallo stesso Fellini e da Ennio Flaiano, 8½ vede Marcello Mastroianni nei panni del regista Guido Anselmi, in cerca di un risveglio per il suo spirito creativo ormai inaridito e un riscatto nella sua vita privata. Confusione professionale ed esistenziale si fondono sempre di più, in una mescolanza tra episodi reali ed episodi del film che Guido sta girando.

Nightmare – Dal profondo della notte – 1984

Il mondo dei sogni può essere piacevole ma può anche rivelarsi un incubo mortale. È quello che succede in Nightmare – Dal profondo della notte, caposaldo tra i film sul mondo onirico diretto da Wes Craven nel 1984.

Un gruppo di liceali comincia a fare strani incubi, in cui i sognatori vengono perseguitati dal misterioso Freddy Kruger. Il problema è che i sogni si dimostrano fin troppo reali, con la conseguenza che il crudele assalitore comincia ad uccidere i ragazzi uno dopo l’altro.
Freddy Kruger a partire da questo film è diventato un’icona e il suo interprete, Robert Englund, è rimasto per sempre legato al ruolo. La pellicola, inoltre, rappresenta la prima esperienza d’attore di un giovanissimo Johnny Depp.

L’arte del sogno – 2006

Un altro regista estremamente legato al mondo onirico è Michel Gondry, che ha saputo creare pellicole estremamente poetiche e sognanti.
In L’arte del sogno, del 2006 e interpretato da Gael Garcìa Bernal e Charlotte Gainsbourg, il materiale onirico diventa addirittura protagonista indiscusso.

Il giovane Stéphane ha da sempre problemi a distinguere la realtà dalla fantasia. Quando conosce Stéphanie, la giovane rimane inizialmente colpita da questa sua caratteristica ma, dopo un po’, inizia a lamentarsi dell’atteggiamento strano del ragazzo. Per riconquistarla, Stéphane cerca la soluzione proprio nei sogni.

Brazil – 1985

Ispirato a Il Processo di Franz Kafka, Brazil entra a far parte della trilogia dell’immaginazione del regista Terry Gilliam, uno dei massimi esperti dei sogni su grande schermo.
In un Ventesimo secolo dominato da meschinità e burocrazia, l’impiegato ministeriale Sam Lowery ha frequenti sogni ad occhi aperti a interrompere la sua monotona routine. Quando si troverà invischiato in una storia più grande di lui, realtà e sogni si dimostreranno stranamente connessi.

Brazil è interpretato da Jonathan Pryce, Robert De Niro, Ian Holm e Bob Hoskins.

Mulholland Drive – 2001

Se c’è un nome che più di altri è legato all’immaginario onirico in campo cinematografico, quello è il nome di David Lynch. Il visionario e istrionico regista ha dato vita a pellicole fortemente criptiche, caratterizzate da più chiavi di lettura e in cui realtà e sogno si fondono senza soluzione di continuità.

Tra le sue opere più oniriche c’è Mulholland Drive, uscito nel 2001 e interpretato da Naomi Watts, Laura Harring e Justin Theroux. Nel film l’aspirante attrice Betty stringe amicizia con Rita, che soffre di amnesia in seguito a un incidente automobilistico. Le cose si riveleranno però molto più complesse.

Alice nel paese delle meraviglie – 1951

Il classico Disney ispirato dai romanzi di Lewis Carroll è un autentico classico per quanto riguarda i film onirici.
La giovane Alice vive male la routine quotidiana e viene rimproverata spesso per i suoi sogni ad occhi aperti. Un giorno segue un coniglio bianco dentro una cavità nel terreno e si ritrova immersa in un mondo fantastico.

La storia di Alice è stata trasposta in mille modi sul grande e il piccolo schermo ma il classico Disney conserva sicuramente una delle migliori ambientazioni sognanti apparse su grande schermo.

Il posto delle fragole – 1957

Ingmar Bergman è uno dei registi più apprezzati del ventesimo secolo e nel 1957 ha voluto confrontarsi con la tematica onirica con Il posto delle fragole.
L’anziano professore Isak Borg deve ricevere un prestigioso premio accademico e si prepara a intraprendere il viaggio per ritirarlo. L’uomo, tuttavia, è tormentato da vividi incubi che lo costringono a confrontarsi con il suo passato e le sue scelte.

Io ti salverò – 1945

Anche il maestro del brivido Alfred Hitchcock si è confrontato nel corso della sua carriera con la tematica del sogno. In Io ti salverò, diretto nel 1945, un uomo affetto da una singolare fobia cerca di scoprire l’origine del problema attraverso l’ipnosi e l’attività onirica.

Protagonisti della pellicola sono Gregory Peck e Ingrid Bergman mentre le sequenze oniriche sono state realizzate interamente da Salvador Dalì.

Sto pensando di finirla qui – 2020

Concludiamo con un film recentissimo, uscito proprio a settembre su Netflix. Sto pensando di finirla qui è l’ultima fatica di Charlie Kaufman, un autore che in quanto a creazioni oniriche si distingue già da tempo.
La giovane Lucy ha una relazione con Jake ma, mentre stanno viaggiando in macchina fino a casa dei genitori di lui, è ossessionata dal pensiero di porre fine al loro rapporto. Una volta sul posto, però, cominciano a verificarsi stranissime circostante.

Sto pensando di finirla qui è un film decisamente particolare e splendidamente interpretato da Jesse Plemons, Jessie Buckley, Toni Collette e David Thewlis.

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Martin Scorsese

Ultimamente il suo nome è legato soprattutto a polemiche: quella sulla distribuzione del suo nuovo film prodotto da Netflix, per esempio, o quella, insensatissima, con Marvel e i suoi cinecomic ma non si può negare che Martin Scorsese sia uno dei migliori registi viventi e uno dei più importanti all’interno della storia del cinema.

Non potevo, quindi, che inaugurare proprio con lui questo nuovo appuntamento nel corso del quale vi presenterò una serie di registi, dandovi qualche informazione sul loro stile e suggerendovi i titoli che proprio non potete perdervi.

Novembre è il mese di The Irishman, nuovo e atteso lungometraggio di Martin Scorsese, uscito al cinema ad inizio mese e disponibile su Netflix a partire dal 27. E allora scopriamo qualcosa in più su questo interessante regista, che vanta una carriera lunghissima e ricca di premi e soddisfazioni.

Martin Charles Scorsese nasce a New York nel quartiere di Queens il 17 novembre del 1942. I genitori sono nati come lui negli Stati Uniti, ma la sua famiglia è di origine italiana, precisamente della Sicilia. Quando Martin è ancora piccolo la famiglia si trasferisce a Little Italy, quartiere nel quale il futuro cineasta ha la possibilità di formare il proprio immaginario. La quotidianità che lo circonda lo colpisce profondamente, tanto che contribuirà in maniera significativa alle storie al centro dei suoi futuri film. Scorsese soffre d’asma fin dalla tenera età e questo non gli impedisce solo di fare sport ma anche di integrarsi nelle numerose gang del quartiere. Costretto a passare lunghi periodi in casa, Martin si appassiona al cinema, in particolare al Neorealismo e alla Nouvelle Vague;  contemporaneamente sviluppa un forte senso religioso.

Tutto questo si riversa nel suo cinema, che esplora l’uomo alle prese con la violenza, il peccato, la colpa e la religione. Caratteristiche tipiche del suo stile sono le sequenze virtuosistiche e la violenza iper realista.

Gli anni Settanta

Martin Scorsese inizia a fare film già nel 1967, con il lungometraggio Chi sta bussando alla mia porta ma sono gli anni Settanta a mostrarne il pieno potenziale e a cominciare a renderlo noto presso il grande pubblico.

Tra i film di questa decade, vi consiglio Mean Streets – Domenica in chiesa, lunedì all’inferno, diretto nel 1973. Il film è fortemente autobiografico e racconta le vicende di Charlie Cappa, giovane di Little Italy intenzionato a farsi strada nel mondo violento che lo circonda. Mean Streets mette in luce quelli che diventeranno i temi fondamentali del cinema di Martin Scorsese e segna l’inizio del fortunato sodalizio del regista con Harvey Keitel ma soprattutto con Robert De Niro.

Nel 1976 Scorsese gira il film che è tuttora considerato uno dei suoi capolavori indiscussi: Taxi Driver. Robert De Niro, accompagnato ancora una volta da Harvey Keitel e da una giovanissima Jodie Foster, è il protagonista di un intenso spaccato del forte disagio che i reduci del Vietnam vivono nel reinserirsi nella società civile. Ancora attualissimo, il film vale al suo regista la Palma d’Oro al Festival di Cannes ed è un must see per ogni cinefilo che si rispetti.

Gli anni Ottanta

Il decennio successivo rappresenta la consacrazione per l’emergente cineasta, che proprio nel 1980 dirige l’apprezzatissimo Toro Scatenato. Girato in bianco e nero, il film racconta la vita del pugile Jake LaMotta. Nei panni del protagonista c’è nuovamente Robert De Niro, premiato per l’occasione con il premio Oscar, accompagnato da Joe Pesci.

Nel 1983 Martin Scorsese ritrova Robert De Niro in Re per una notte, che racconta la storia di Rupert Pupkin, ossessionato dal presentatore TV Jerry Langford e dall’ambizione di diventare un grande comico televisivo. Dovete vederlo, fosse solo per comprendere da dove nasce il Joker di Todd Phillips e Joaquin Phoenix.

Nel 1988 Martin Scorsese gira il suo film più controverso e anche il più apertamente religioso: L’ultima tentazione di Cristo, interpretato da Willem Dafoe e Harvey Keitel, mette in scena un Gesù dubbioso e tormentato.

Gli anni Novanta

Il 1990 regala al mondo uno dei film più ispirati e riusciti di Martin Scorsese: Quei bravi ragazzi, interpretato da Ray Liotta, Robert De Niro e Joe Pesci, premiato con l’Oscar al migliore attore non protagonista. Il film fa parte della classifica dei 100 film più belli della Storia del Cinema.

Nel 1991 Scorsese realizza Cape Fear – Il promontorio della paura, remake del classico thriller Il promontorio della paura del 1962. Ancora una volta nei panni del protagonista c’è Robert De Niro, accompagnato da Nick Nolte, Juliette Lewis e Jessica Lange. Appaiono in piccoli ruoli anche Gregory Peck e Robert Mitchum, protagonisti del film del 1962.

Nel 1995, poi, il regista conclude la sua “trilogia della Mafia” girando Casinò, interpretato da Robert De Niro, Joe Pesci, Sharon Stone e James Woods.

Gli anni Duemila

Il nuovo millennio regala una nuova giovinezza a Martin Scorsese, che raggiunge in questo decennio nuove vette e il tanto sospirato Oscar alla regia.
È del 2002 Gangs of New York, ispirato affresco storico sulla nascita della metropoli con Leonardo Di Caprio e un grandissimo Daniel Day-Lewis. A completare il cast ci sono Cameron Diaz, Liam Neeson, John C. Reilly.

Nel 2004 Scorsese ripete la collaborazione con Leonardo Di Caprio e l’incursione nella Storia girando The Aviator, accurato ed apprezzatissimo ritratto del magnate Howard Hueghes. Il film vale l’Oscar per la migliore attrice non protagonista a Cate Blanchett nel ruolo di Katharine Hepburn.

Non c’è due senza tre e nel 2006 Martin Scorsese e Leonardo Di Caprio si ritrovano per The Departed – Il bene e il male. Remake di Infernal Affairs, il film segna il ritorno alle tematiche di mafia e permette all’autore di vincere il primo Oscar per la regia (oltre che quello per il miglior film). Del cast fanno parte anche Jack Nicholson, Martin Sheen, Matt Damon e Mark Wahlberg.

E poi?

Passano gli anni, ma Scorsese continua ad inanellare grandi capolavori. Tra i miei film preferiti in assoluto, per esempio, c’è Shutter Island, diretto nel 2010 e interpretato ancora una volta da Leonardo Di Caprio. Un film in cui nulla è come appare e la mente umana è un labirinto inestricabile.

Nel 2011 realizza poi Hugo Cabret, con il quale sperimenta il 3D e dimostra tutto il suo grande amore per il cinema. Il film vede Ben Kingsley interpretare il padre del cinema Georges Méliès.

Nel 2013 si ripete la fruttuosa collaborazione con Leonardo Di Caprio per The Wolf of Wall Street. Interpretato anche da Jonah Hill, Matthew McConaughey e Margot Robbie, il film esplora la parabola della finanza.

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Recensione

Fatta eccezione per Jackie Brown (in cui salvo comunque l’interpretazione di Robert De Niro che per una volta non era un maschio alfa), i film di Tarantino li ho amati  tutti. Primo fra tutti Reservoir Dogs, a seguire Pulp Fiction, The Hateful Eight, Inglorious Bastards e gli altri a seguire.

Per i dialoghi mai banali e messi in bocca ad attori fenomenali, per la capacità di costruire una scena in cui tutto fila liscio ed un’attimo dopo si scatena un bordello infinito, con tanto di quel sangue che lo spettatore deve pulirsi la faccia. Per l’arte di rendere comica una situazione di una violenza inaudita.
Per la verità dei suoi personaggi, che nessun altro riesce a rendere persone altrettanto veri. Con debolezze, preoccupazioni e fragilità comuni a chiunque.

In questo lungometraggio c’è tutto Tarantino. L’amore per il western ed i b-movie degli anni’70, per il cinema italiano e per Los Angeles. La ricostruzione storica fatta è incredibile, e copre sia la realtà losangelina del ’69 che le ambientazioni western dei film anni ’50 e ’60. Sembra tutto girato all’epoca, al punto che mi è capitato di pensare che renda meglio come descrizione del mood di quei luoghi e di quei periodi rispetto a tanti filmati originali.

La musica del film è come sempre molto azzeccata, in particolare una struggente versione di California Dreaming, intepretata da José Feliciano.

Il rapporto tra i due protagonisti è forse la cosa più bella di questo film: nonostante la differenza caratteriale, le aspettative di fronte alla vita, ed il proprio ceto sociale, Rick Dalton e Cliff Booth riescono ad essere sinceramente AMICI. È un’amicizia sbilanciata, ma funziona. La parte dello stuntman silenzioso capace di affrontare qualunque situazione con calma platonica è magnificamente interpretata da Pitt, così come Margot Robbie non si distingue dalla vera Sharon Tate per bellezza e grazia. Sembra davvero una creatura di quel periodo.

Ma su entrambi spicca la capacità impressionante di superLeo di trasformasi in un attore, ossia tirare fuori il protagonista con le sue fragilità nascoste dietro ad una maschera dorata, ma anche dare vita ai personaggi che viene chiamato ad interpretare sul set di film e serie TV interpretati da Rick Dalton. Un lavoro complesso e delicato che il nostro ha saputo portare a termine splendidamente. Altro che Revenant.

Progetto

Tarantino come sappiamo non è uso fare un film dietro l’altro. Pochi, ben curati e memorabili. Anche questo progetto non fa eccezione.
Dopo cinque anni di stesura di quello che avrebbe dovuto essere un romanzo, il nostro Quentin si è reso conto che della sua storia, inizialmente incentrata sulla figura dello stunt-man Cliff Booth, sarebbe stato meglio farci un film.

Una volta creato il personaggio principale (un veterano che si ricicla come controfigura cinematografica e televisiva, ispirato a figure realmente esistite) si è dedicato all’attore di cui Booth faceva la controfigura: Rick Dalton una figura che vi ricorderà molto da vicino Steve McQueen. I due oltre che colleghi diventano buoni amici e si ritroveranno ad avere come vicina di casa la bellissima Sharon Tate, giovane attrice sposata al regista del momento, destinata ad una delle morti più spaventose a cui si possa andare incontro.

Inizialmente della produzione del film avrebbero dovuto occuparsi gli onnipresenti Weinstein Brothers, ma a causa delle pesantissime accuse di molestie sessuali a carico di Harvey, il nostro Quentin ha preso immediatamente le distanze (anche grazie alle testimonianze sullo scandalo della sua musa di sempre Uma Thurman). Dopo una lunghissima trattativa che ha coinvolto più case di produzione (tra cui Warner Bros., Universal Studios e Paramount Pictures), della produzione si è occupata la Sony, garantendo a Tarantino il controllo creativo della produzione, 95 milioni di dollari come budget ed il 25% dei diritti sull’incasso lordo del film.

Trama

Siamo nella città degli angeli del 1969. Cultura hippie, l’atterraggio sulla Luna, Hollywood è il mondo dorato in cui nascono i miti che vengono presi a modello dall’intero mondo occidentale. È un momento di grandi cambiamenti culturali che trasformeranno il mondo per sempre. Raccontato seguendo differenti linee narrative, è una celebrazione del periodo in cui il mondo hollywoodiano ebbe gli ultimi momenti d’oro prima di cambiare definitivamente.

La storia dei tre protagonisti viene raccontata a ritroso partendo dalla terribile notte del 9 agosto in cui Charles Manson e la sua family sterminarono brutalmente Sharon Tate, il bambino che portava in grembo ed i suoi quattro ospiti, invitati per non lasciarla sola durante l’assenza londinese del marito. I tre protagonisti rappresentano tre differenti tipologie di contesti sociali tipici del periodo: l’eroe di guerra che anche in un momento di scarso successo è animato dallo spirito di lealtà e amicizia nei confronti dell’attore a cui fa da spalla, la star che non riesce ad effettuare il grande passo dalla televisione al cinema ed è incapace di apprezzare quello che ha avuto e la diva che all’apice del successo vive un sogno.

Cast

Leonardo DiCaprio e Brad Pitt non hanno certo bisogno di presentazioni. Insieme hanno dato vita ad una coppia di amici credibilissima. Davvero bravi. Margot Robbie (la Harley Queen di Suicide Squad per intenderci) è la bellissima Sharon Tate. Al Pacino compare in un paio di scene nel ruolo di un produttore di film western. E poi Dakota Fanning (The Alienist), Timothy Olyphant (Santa Clarita Diet), Emile Hirsch (Into the Wild), Kurt Russell…

Curiosità

Il film è stato presentato in anteprima alla 72ª edizione del Festival di Cannes, durante la quale è stato accolto con sette minuti di standing ovation da parte del pubblico. Distribuito nei cinema americani dal 26 luglio 2019, anche se originariamente la data di uscita prevista avrebbe dovuto essere il 9 agosto, in occasione del 50° anniversario dell’omicidio di Sharon Tate. Nel primo giorno di programmazione statunitense C’era una volta…a Hollywood ha incassato 16,9 milioni di dollari, diventando il film di Tarantino con gli introiti maggiori di sempre.

Purtroppo a causa dei tagli effettuati nel montaggio finale non avremo occasione di vedere (almeno sul grande schermo) qualche chicca regalata da alcuni attori tarantiniani: Tim Roth nella parte del maggiordomo di Jay Sebring e James Marsden nei panni del fascinoso Burt Reynolds. Ci sono però Michael Madsen, riconoscibile sotto la falda del suo cappello da cowboy e Maya Hawke, che compare in un cameo.

La scena de La grande fuga in cui Rick Dalton compare al posto di Steve McQueen è stata realizzata con un delicato lavoro di effetti speciali: facendo girare la ripresa a Leo Di Caprio davanti ad un green screen sono state utilizzate le stesse angolazioni ed inquadrature del film originale. Infine è stato tutto aggiustato in un secondo tempo con un delicato lavoro di sovrapposizione di pellicola.

Nerdando in breve

Se fate parte di coloro che amano il re del pulp, non potete perdervi uno dei suoi film più riusciti, al cinema dal 18 settembre 2019.

Nerdandometro: 4,9/5

Trailer

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Giornata mondiale del teatro

Il 27 marzo è la data in cui si celebra in tutto il mondo l’arte teatrale: la giornata mondiale del teatro è un appuntamento organizzato in ogni città per ricordare la bellezza e il fascino del palcoscenico, che ormai da secoli sa stregare il pubblico e rinnovare la propria maestosità.

A ben riflettere, però, il teatro è anche un po’ il progenitore del cinema: arti affatto in antitesi, i due aspetti dell’intrattenimento visivo si presentano più come due facce della stessa medaglia e negli anni non sono mancati i momenti di incontro e le possibilità di comunicazione e trasferimento dall’uno all’altro.

Abbiamo quindi pensato di celebrare anche noi la giornata mondiale del teatro segnalandovi 5 film tratti da opere teatrali nei quali l’adattamento da un medium all’altro è perfettamente riuscito e che, di conseguenza, proprio non potete non guardare almeno una volta nella vita!

Un tram che si chiama Desiderio

Diretto nel 1951 da Elia Kazan, il film è l’adattamento dell’omonima opera teatrale realizzata da Tennessee Williams nel 1947 ed è parecchio fedele all’archetipo, considerato che lo stesso Williams è autore della sceneggiatura. Rispetto alla controparte teatrale, tuttavia, il film incontrò numerose difficoltà con la censura dell’epoca, tanto che Williams e Kazan si videro costretti ad omettere e lasciare sottintese tematiche e avvenimenti che invece sul palcoscenico sono direttamente esplicitati. Il risultato è che il film risulta edulcorato rispetto al testo teatrale, ma rimane comunque un capolavoro.

Il film segue le vicende di Blanche DuBois, donna depressa e disturbata psicologicamente, che si stabilisce a casa della sorella Stella e di suo marito Stanley Kowalski, uomo violento e rozzo ma anche attraente e sensuale.
L’impatto con il carattere dell’uomo e il riemergere del passato di Blanche non faranno che aggravare la sua precaria situazione mentale.

Un tram che si chiama Desiderio vedeva nel ruolo della protagonista femminile la già affermatissima Vivien Leigh e lanciò, nel ruolo del protagonista maschile, l’astro di Marlon Brando, che aveva interpretato Stankey Kowalski anche a teatro.

Jesus Christ Superstar

Diretto nel 1973 da Norman Jewison, il film è l’adattamento per grande schermo dell’omonimo musical teatrale scritto da Tim Rice e Andrew Lloyd Webber nel 1970.

Un gruppo di hippie si reca nel deserto e mette in scena l’ultima settimana di vita di Gesù Cristo.
Interamente cantato e privo di dialoghi parlati, il film è un’opera rock caratterizzata da musiche stupende e una rivisitazione moderna e provocatoria della Passione che colpì molto il pubblico all’epoca, generando anche polemiche.
A distanza di tanti anni, resta uno dei migliori musical mai portati su grande schermo.

Romeo + Giulietta

Classico dei classici: l’amore osteggiato e tragico tra Romeo Montecchi e Giulietta Capuleti è sinonimo stesso del teatro e opera più famosa del drammaturgo William Shakespeare, vissuto alla corte di Elisabetta I tra la fine del 1500 e la prima metà del 1600.

Trasposizioni cinematografiche di Romeo e Giulietta ne sono state fatte a migliaia ma, senza dubbio, la più ambiziosa è Romeo + Giulietta, diretto nel 1996 da Baz Luhrmann e interpretato da un giovanissimo Leonardo Di Caprio.
Ambientazione contemporanea e americana, per il film, ma dialoghi originali del testo shakespeariano: una commistione ardita e decisamente riuscita.

Carnage

Diretto nel 2011 da Roman Polanski, il film è la trasposizione al cinema dell’opera teatrale Il Dio del Massacro, scritto nel 2006 dall’autrice francese Yasmina Reza.

A Brooklyn, un ragazzino ne colpisce un altro al parco con un bastone così le rispettive famiglie, composte da persone pacate e perbene, decidono di incontrarsi a casa del bambino aggredito per discutere civilmente dell’accaduto e trovare una soluzione.
L’incontro degenererà…

Il film, che si svolge tutto all’interno dell’appartamento ed è splendidamente interpretato da Jodie Foster, Kate Winslet, Christoph Waltz e John C. Reilly, è uno dei più riusciti adattamenti del teatro al cinema e si risolve in una caustica e spietata critica alla nostra società.

Cena tra amici

Concludiamo spostandoci in Francia: Cena tra amici è un film del 2012 diretto da Alexandre de La Patellière e Matthieu Delaporte e basato sulla pièce teatrale Le Prénom, scritta dagli stessi registi.

Un gruppo di amici di lunga data si ritrova per una cena ma quando uno di loro rivela che avrà presto un bambino e lo chiamerà Adolphe gli animi iniziano a scaldarsi. Sarà un crescendo che porterà il gruppo a tirare fuori segreti e rivalità sopite.

Cena tra amici è un riuscitissimo adattamento, divertente e caustico quanto basta per avvincere lo spettatore.

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Vent’anni fa un film destinato ad entrare nella leggenda arrivava nei cinema: Titanic raccontava la storia di un amore impossibile e di un’immane e tristemente famosa tragedia a bordo di una nave e, da allora, è diventato una delle pellicole più conosciute ed amate al mondo.

Il film, diretto da James Cameron, uscì nelle sale americane il 19 dicembre 2017 per arrivare nei cinema del nostro paese il 16 gennaio 2018: in Italia restò in programmazione per sei mesi, un vero record. Ma Titanic è stato il film dei primati sotto molti altri aspetti: detiene insieme a Eva contro Eva e La La Land,  infatti, quello del maggior numero di candidature agli Oscar, ben 14; ma è anche uno dei film ad aver portato a casa più Academy Awards. Sono 11, infatti, i premi Oscar ottenuti dalla pellicola, tanti quanti Il Signore degli Anelli –  Il Ritorno del Re e Ben-Hur.
Titanic è stato inoltre per molto tempo il film a detenere il record di incassi nella storia del cinema. Curiosamente, James Cameron è stato battuto in questo da se stesso: Titanic è infatti stato sorpassato da Avatar, film dello stesso regista, nel 2009.

Ora a distanza di vent’anni da quella prima proiezione nel nostro paese, Titanic torna al cinema per un evento speciale di tre giorni: sarà nelle sale italiane, infatti, solo nei giorni di 8,9 e 10 ottobre 2018.
Non è in realtà la prima volta che il film torna al cinema: era già accaduto, sempre per un evento speciale, il 4 aprile 2012, in occasione del centenario della partenza del vero Titanic per il suo viaggio inaugurale, che tragicamente è stato poi anche l’ultimo.

Oltre ad aver riscosso un incredibile successo di critica e di pubblico, Titanic lanciò definitivamente la carriera dei due giovanissimi protagonisti, oggi attori affermati ed apprezzati, Leonardo Di Caprio e Kate Winslet. Contribuì anche alla definitiva consacrazione di Celine Dion, autrice della colonna sonora e della celeberrima canzone “My Heart Will Go On”, ormai immancabile in ogni playlist romantica che si rispetti. E pensare che James Cameron non voleva canzoni nel suo film…

Titanic è inoltre pienamente creazione del regista, che ha sfidato gli Studios soprattutto sulla durata, da molti giudicata eccessiva, della pellicola. Esclusi titoli di testa e di coda e le sequenze ambientate nel presente, infatti, il film dura 2 ore e quaranta minuti: esattamente il tempo che, secondo gli esperti, ci mise il transatlantico ad affondare.
La mano del regista, inoltre, è presente anche nel ritratto che il personaggio di Jack realizza all’amata: il disegno, infatti, è di Cameron stesso.

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Recensione

Nella notte tra il 14 ed il 15 Aprile del 1912 si verificò uno degli avvenimenti più sconvolgenti per le menti degli uomini e delle donne moderni: il Titanic, ambiziosa opera dell’ingegneria navale inglese e ammiraglia della White Star Line, inizia e finisce il suo rapido ed ineluttabile viaggio verso i profondi abissi marini.

Nonostante la tragedia legata al famoso transatlantico venne tristemente surclassata, per ciò che concerne il numero delle vittime, dal naufragio del 1945 delle navi Wilhelm Gustolff e Goya (come apprendiamo dall’approfondita ed avvincente prefazione ad opera di Loris Cantarelli), le vicende della nave “inaffondabile” furono in grado di provocare un tale clamore da portare produttori cinematografici e artisti a cimentarsi nella rievocazione delle sue ultime ore più e più volte.

Se nel pensiero di tutti appare prontamente il ricordo del celebre Titanic di James Cameron, con protagonisti Leonardo Di Caprio e Kate Winslet, è anche vero che non fu solo nel 1997 che il grande schermo si occupò di ripercorrere la catastrofe e, invero, già dai mesi immediatamente successivi, fu data agli spettatori la possibilità di assistere ai primi cortometraggi muti sul medesimo tema (Saved from the Titanic e In Nacht und Eis. Der Untergang der Titanic).

Così come nel cinema, anche nel fumetto si tornò più volte sullo sviluppo di storie realizzate con riferimenti più o meno diretti al naufragio del Titanic ed è proprio a questa categoria che il volume edito da Nicola Pesce Editore appartiene.

Riedizione di un’opera di Attilio Micheluzzi del 1988, Titanic promette di immergere il lettore in una narrazione appassionante, serrata e avvincente.

Trama

Le vicende legate alla notte tra il 14 ed il 15 Aprile del 1912, all’iceberg che fu in grado di affondare un immane natante considerato, al contrario, infallibile e costruito per far fronte alle più diverse situazioni catastrofiche, sono solo il pretesto per raccontare le diverse vicende umane che sul Titanic ebbero luogo.

Ecco quindi che, in un riuscito romanzo storico a fumetti, Micheluzzi utilizza il transatlantico come scenario di diverse vicende umane, intrecciate o slegate tra loro.

Tra passione, amore, gelosie e rancori, facciamo la conoscenza di alcuni degli ospiti più illustri della prima classe, quali George B.Putnam (uomo d’affari americano senza scrupoli e pronto a tentare la sua personale scalata nel mondo della politica), Lord Albert Brudenwell (sesto duca di Westmeath e asso del volante) o, ancora, il russo Viktor Denissevich e personaggi di tutt’altro tipo, quali l’idealista spagnolo Mora, il viscido Olivier De La Bretonne o il cronista Hall. Attraverso gli occhi di tali personaggi, il racconto si trasforma ed assume sfumature diverse; il narratore, a seconda del contesto, riesce magistralmente a toccare tematiche quali la disparità sociale, la corruzione dei costumi e la spregiudicatezza morale con delicatezza sopraffina e tiene sempre desta l’attenzione di chi legge.

Autore

Nato architetto, reduce da una lunga esperienza da progettista in Senegal, Tunisia e molti altri paesi, Micheluzzi entra nel mondo del fumetto relativamente tardi. All’età di quarant’anni (1986), l’autore esordisce su varie testate per ragazzi, tra cui il noto Corriere dei Piccoli ed il Corriere dei Ragazzi, sperimentando e cimentandosi nei generi e nelle narrazioni più disparate e collezionando, col tempo, ambiti riconoscimenti.

Nel 1988 l’autore dimostra tutta la propria maturità artistica, creando delle tavole semplicemente perfette.

Attraverso un’innata abilità nel tracciato del disegno, così attento al particolare e carico di realismo, Attilio Micheluzzi è in grado di guidare il lettore nel corso della narrazione, aggiungendo al proprio tratto anche quel pizzico di stile e di personalità in grado di rendere l’aspetto estetico dell’opera unico ed originale.

Le fastose sale del transatlantico rivivono cariche e scintillanti sulle pagine e i personaggi, ottimamente realizzati e caratteristici, sono vivi e credibili.
La plasticità del disegno, si accompagna al perfetto utilizzo della resa anatomica, così ben realizzata e, allo stesso tempo, ben delineata anche con qualche tratto caricaturale.

La tragedia del Titanic

Contenuto speciale della riedizione dell’opera di Micheluzzi è, poi, la storia breve a fumetti La Tragedia del Titanic, nata nel 1972 dal connubio con Mino Milani e che vide la luce sul Corriere dei Ragazzi nello stesso anno.

Di stampo più canonico e sensibilmente più acerba, la storia presenta la medesima tematica del lavoro realizzato successivamente, ma, assumendo principalmente il punto di vista del capitano della nave, ripercorre brevemente i punti salienti del viaggio inaugurale dell’ammiraglia White Star.

Gradito approfondimento, il racconto si dimostra molto rapido da leggere e permette di notare tutto il grande lavoro dietro l’opera che verrà poi lentamente a prendere forma nella mente dell’autore; a cominciare dal tratto, assai diverso e meno sicuro, fino all’utilizzo delle griglie, molto regolari e canoniche nell’impaginazione, non si può fare a meno di notare come si sia riuscito a concepire un racconto a tutto tondo, completo ed efficace soprattutto avendo questa prima messa su carta come premessa fondamentale e base su cui lavorare.

Concludendo

Le date colpiscono: storia del 1988, ambientata nel 1912, eppure tremendamente attuale.
Micheluzzi ha trattato con tale efficacia e tale precisione chirurgica la psiche umana da rendere questo fumetto un perfetto specchio della società, a qualsiasi tempo o anno essa appartenga e, soprattutto, in qualsiasi tempo o anno lo stesso fumetto venga letto.

Con sprazzi di dialoghi iniziati in medias res, brevi scene in grado di mostrare tutta la loro verosimiglianza e l’adozione di diversi punti di vista, di personaggi di differente estrazione sociale o culturale, l’autore riesce a ricreare la grande complessità del genere umano. Con la stessa stereotipizzazione di alcuni caratteri essenziali del comportamento, i personaggi acquisiscono ancora più vividezza espressiva e contribuiscono per questo alla grande forza narrativa che è in grado di raggiungere Titanic.

In uscita il 7 giugno 2018, il volume di 96 pagine, interamente a colori, promette al lettore una lettura febbrile e ininterrotta fino all’inevitabile e triste epilogo al costo di € 19,90.

2300 persone a bordo di una nave che ha soltanto 1178 posti sulle scialuppe di salvataggio, poche ore per evacuare una nave che, da inaffondabile, diventa un’infernale prigione di ferro in un mare gelato e inospitale. Quando una corsa contro il tempo per la salvezza di più vite possibili incontra la sete di potere, gli intrighi e gli ideali, cosa si salva davvero?

Nerdando in breve

Una storia da gustare e da leggere tutta d’un fiato. La grande qualità dei disegni, unita al perfetto incastro narrativo operato dall’autore, rende la lettura interessante per chiunque. Se, poi, siete tra le schiere di fan della creatura cinematografica targata James Cameron, il volume, con le sue due diverse storie, rappresenta un acquisto semplicemente obbligato.

Nerdandometro: 4,1/5

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