“C’è un tempo per nascere e un
tempo per morire,
un tempo per piantare e un tempo
per sradicare le piante.
Un tempo per uccidere e un tempo
per guarire,
un tempo per lavorare e un tempo
per videogiocare.”
Incipit del capitolo 3 del libro del
Qoelet (più o meno…)

Recensione

I mostri sacri mettono soggezione, si sa.
Voglio dire, quanti giochi possono gloriarsi di aver contribuito a dare il nome addirittura a un preciso genere videoludico?
E già perché quando parliamo di metroidvania, che tanto di moda sembrano andare negli ultimi anni, facciamo inevitabilmente riferimento, almeno da parte di padre (o
di madre, non saprei) a Castlevania, il cui primo capitolo, vale la pena ricordarlo, risale addirittura al 1986.
Ora, mi domando, sarà forse un caso che proprio in quello stesso anno Rita Levi Montalcini (la cui capigliatura ispirò senz’altro il Dracula di Francis Ford Coppola*) vinse un prestigioso premio Nobel? Eh, no, io non credo proprio.

* Mi sia concesso di scusarmi con l’eccezionale scienziata e con i suoi eredi. La battuta è, a modo mio, un simpatico omaggio al grande personaggio, anche mediatico, che è stata, di cui conservo, peraltro, un ricordo personalissimo e prezioso. Un incontro in una fredda mattinata di oltre 30 anni fa, nei pressi
dell’Università La Sapienza.
Che personaggi del genere ci siano sempre di ispirazione.

Il matrimonio s’ha da fare

Strano come, alle volte, le serie videoludiche seguano un percorso personale che finisce col somigliare, in tutto e per tutto, a quello dei propri protagonisti.
Se ci pensiamo bene, la serie di Castlevania, proprio come il suo antagonista per eccellenza, quel Dracula dall’apparente immortalità e dalle mille facce, è stata protagonista, nel corso del tempo, di un continuo susseguirsi di morti e risurrezioni,
spesso riemergendo dall’immeritato oblio con vesti del tutto inedite.
E così, dopo un ultimo capitolo principale, che risale addirittura al 2014, eccoci qui a parlare della sua nuova incarnazione videoludica intitolata, questa volta, Belmont’s Curse.
Diciamo che già dal primissimo trailer che vidi un po’ di tempo fa, le premesse per un ritorno al glorioso passato c’erano tutte. Via il 3D, via la struttura da Arcade-Adventure che tanto spopolava nel decennio precedente e largo a quel sapore
nostalgico che ci aveva ammaliato in passato.
Tradizione, dunque, ma non solo.
Per stupire lo smaliziato giocatore di oggi, Konami ha fatto una scelta precisa: muoversi nel solco del metroidvania più classico, cui lei stessa ha contribuito a dare i natali, ma con qualche novità e, soprattutto, tanto stile. E qui, secondo me, Konami è partita col piede giusto, ingaggiando due tra i gruppi di sviluppatori più talentuosi sulla piazza.
Da un lato, i ragazzi di Evil Empire Studio, che già avevano stupito gli amanti dei roguelite col loro eccezionale The Rogue Prince of Persia, dall’altro, i veterani di Motion Twin, autori, quasi superfluo dirlo, di quel cult che va sotto il nome di Dead
Cell.
Insomma, in questo matrimonio di talenti poteva andare storto qualcosa? No, e, infatti, non è successo.

La Pulzella d’Orléans

Venendo innanzitutto all’analisi della storia, partiamo dicendo che non sono la persona più indicata per farlo! Eh sì, perché il lore di Castlevania è uno di quelli da mal di testa autentico, roba da far impallidire Resident Evil o Metal Gear.
Qualcosa però posso senz’altro affermare. Innanzitutto la storia di questo nuovo capitolo sembra ricollegarsi molto più alla serie animata di Warren Ellis (sì quello cacciato dopo le accuse di molestie…), piuttosto che alla storia canonica dei videogiochi. Nonostante ciò, i rimandi alla storia più classica non mancano e anche i fan di vecchia data sono sicuro che rimarranno contenti. Anche perché quella che imbastisce questo gioco è una trama articolata e intrigante come poche, qualcosa,
insomma, che non si trova tanto facilmente in un metroidvania.
La protagonista assoluta è Rose Belmont, anche lei cacciatrice di vampiri e mostri vari, che, come ci suggerisce il titolo del gioco, ha ereditato dalla madre una maledizione. Nulla, però, può fermare la nostra protagonista, determinata come non
mai a dimostrare al padre il proprio valore (e io qui taccio).
Nel complesso, sotto il profilo narrativo il lato più interessante è proprio la volontà del gioco di raccontare una storia compiuta e matura, contestualizzandone la trama nel periodo storico in cui è ambientata; un 1499 carico di impellenza e drammaticità che porterà la protagonista a incontrare addirittura alcuni personaggi storici del passato realmente esistiti (tra cui Giovanna D’Arco e San Luigi di Francia).

«Un indizio è un indizio, due indizi sono una coincidenza, ma tre indizi fanno una
prova» (cit.)

Sotto il profilo del gameplay, il gioco non si limita a riprodurre gli stilemi più classici dei metroidvania, ma propone spunti originali che lo elevano egregiamente al di sopra della “massa”.
Dell’ottima trama, e di come si disvela giocando, si è già detto, ma, oltre a questo, sicuramente un ruolo di primo piano è svolto dall’aspetto investigativo del gameplay.
Rose non è mai guidata per mano ed è libera di esplorare ampie sezioni della mappa, soprattutto non appena si supera il prologo, ma lo fa quasi sempre seguendo delle vere e proprie piste.
E qui entra in ballo il mazzo di Tarocchi ereditato dalla madre.
Attraverso di esso, Rose è in grado di assorbire lo spirito di diverse entità che si troverà ad affrontare lungo il suo cammino. Una volta sconfitti questi boss, non solo avrà la facoltà di parlare con loro per ottenere suggerimenti, più o meno utili, ma
acquisirà, anche e soprattutto, le loro abilità che le permetteranno di esplorare nuove zone della mappa e risolvere i vari puzzle sparsi ovunque.
Tra l’altro, i menzionati Tarocchi fungeranno anche da diario delle missioni poiché su di essi saranno annotati gli indizi che ci porteranno man mano a stanare nuove entità del male e/o trovare oggetti speciali.
Personalmente ho trovato questa componente investigativa, in senso lato, molto gratificante, al pari dei puzzle ambientali da risolvere per progredire nella trama.
Insomma, non stiamo parlando di vera rivoluzione dei metroidvania, ma senz’altro di un’apprezzabilissima evoluzione del genere.

Castlevania? Metroidvania? Igavania? Fate un po’ voi…

Fatte tutte queste belle considerazioni, rimane da chiarire che tipo di sensazioni il gioco restituisce pad alla mano.
Sin dall’inizio appare chiara l’intenzione degli sviluppatori: confezionare un gioco dove i riflessi e la reattività la facciano da padrone.
Rose, oltre a godere di splendide – seppur limitate – animazioni, impiega un nanosecondo a rispondere ai nostri comandi, dandoci la sensazione di avere il totale controllo sul personaggio, ma il prezzo di questa reattività estrema lo scopriamo ben
presto.
In diverse sezioni, soprattutto quando avremo acquisito alcune fondamentali abilità, saremo chiamati a compiere acrobazie sincronizzate al millesimo di secondo, tanto che, non lo nascondo, per diverse volte ho dovuto interrompere la sessione di gioco, per districare i nodi alle mie dita.
Insomma, dopo un avvio tutto sommato indulgente, Castlevania spinge sull’acceleratore della difficoltà e non fa sconti a nessuno.
Ti capiterà spesso di morire decine di volte per superare alcune sezioni o, almeno a me, è successo. Eppure, se persino un imbranato come me è riuscito a non provare frustrazione, beh, significa che il gioco è davvero valido.
Oltre a salti e acrobazie varie, la nostra eroina dovrà affrontare continui scontri, dove spesso la scelta della giusta combinazione tra armi, incantesimi e abilità si rivelerà essenziale. Da questo punto di vista penso che non esista, tra tutte e sette le
categorie, un’arma in assoluto più forte delle altre, ma ognuna si rivelerà più o meno adatta a seconda del nemico e della situazione che staremo affrontando.
Chiudiamo il discorso provando a dare una risposta alla domanda che dà il titolo a questo paragrafo.
Solo recentemente ho appreso dell’esistenza degli Igavania, nonostante – l’ho scoperto a posteriori – in passato abbia giocato ad alcuni illustri rappresentanti di questa categoria. A quanto pare a caratterizzare gli Igavania è la preponderanza delle caratteristiche RPG nell’economia del metroidvania.
Ebbene, analizzando il gioco nel suo complesso, penso che effettivamente l’importanza data alle statistiche del personaggio, alla sua crescita e a come tutto questo reagisce in combinazione agli incantesimi, permetta di ascrivere questo capitolo a questo particolare sotto-genere, ma in fondo potrei anche sbagliare.
Classificazioni a parte, però, rimane davvero un gran bel passatempo!

Conclusioni

Che lo si consideri un metroidvania o qualcosa di leggermente diverso, ciò non intacca la qualità complessiva del titolo. Non è un capolavoro né una rivoluzione della serie, ma è comunque uno dei migliori esponenti del genere sviluppati negli ultimi 10 anni e scusa se è poco.

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Nerdando in breve

Acrobazie e lame imprigionate in un’elegante danza mortale, questo è il nuovo Castlevania!

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Recensione

Non c’è due senza tre

Per gli amanti del genere survival horror, il 2024 è stato l’anno del sospirato ritorno di una tra le saghe più amate di sempre, Silent Hill.
Era, infatti, dal lontano 2012 – ovverosia dopo la pubblicazione del discreto Silent Hill: Downpour – che di questa serie non si sentiva più parlare.
In questo lungo lasso di tempo, eccezione fatta per qualche pettegolezzo, molti si sono sentiti traditi da Konami e in qualche misura incapaci di dare un senso a questa scelta. Questo finché, come dicevamo, la serie non è balzata di nuovo agli onori della
cronaca col remake di uno dei capitoli più apprezzati di sempre, quel Silenti Hill 2, che è poi finito anche nelle sale cinematografiche.
Poi, quasi come a voler affannosamente recuperare il tempo perduto, Konami è stata presa da una sorta di frenesia creativa e ha sfornato, appena l’anno seguente, un nuovo episodio che traslocava l’orrore e la nebbia nel folklore giapponese.
Ora, dopo quel Silent Hill f e di nuovo a distanza di appena un anno, eccoci alle prese con un nuovo capitolo.
Nuovi personaggi, nuovi lidi (anche in senso letterale), ma stessi appiccicosi incubi, di quelli che non svaniscono neanche dopo aver aperto e sbattuto ripetutamente le palpebre.
Insomma, siamo sicuri di voler affrontare ancora una volta le nostre paure?

Tac(c)i tu

Nomen omen diceva Plauto, e chi più di Silent Hill può confermare la veridicità di questo brocardo?
In fondo parliamo di un videogioco che ha elevato ad arte il concetto stesso di silenzio. Volendo fare i pretenziosi, potremmo dire che, se Resident Evil ha sempre spaventato spiegando e sbattendo in faccia ai suoi fan l’orrore più viscerale e
sanguinolento, Silent Hill ha sempre fatto il contrario: ha lavorato per sottrazione, tanto nelle storie quanto nei dialoghi (chi non ricorda i mitici dialoghi surreali del secondo capitolo?).
Da questo punto di vista mi sento di tranquillizzare gli appassionati della saga. Anche questo capitolo e il suo nuovo protagonista, Simon Ordell, sanno poco e spiegano anche meno, tutto procede per sottintesi e l’inquietudine si insinua proprio nel clima vago e nell’incertezza tipica di ogni situazione.
Il protagonista all’inizio non ha alcuna memoria del suo passato più recente e i nomi che gli rimbalzano nella testa, sembrano farlo senza lasciare alcuna eco, incapaci all’apparenza di scuoterlo da quello stordimento.

Eppure i presagi che qualcosa di molto grave si sia portato via l’intera cittadina, lasciandosi dietro solo umide case di pietra, sono tanti e costringeranno Simon a ricordare.

La nebbia è pienezza che si svuota, è presenza nell’assenza

Sin dai primissimi istanti di gioco una cosa appare chiara, Konami questa volta ha voluto cambiare decisamente le carte in tavola, tanto che, nebbia a parte, all’inizio bisogna rifletterci su per concludere di trovarsi davanti a un capitolo di Silent Hill.
Innanzitutto la visuale. Per la prima volta in un episodio ufficiale, è passata dalla terza alla prima persona. Ne guadagna in immersività, questo è sicuro, complice anche un comparto grafico che, alle volte, grazie a un ottimo uso di ray tracing e ad altre diavolerie del genere, riesce a sfiorare il fotorealismo.
Il setting, d’altronde, è perfetto e l’atmosfera della piccola cittadina scozzese che vive in simbiosi col mare avvolge da subito il videogiocatore con la sua inquietudine, esattamente come fa la nebbia col suo protagonista.
Sotto questo punto di vista, il grado di tensione che SH:T riesce a generare sin dall’inizio è pari, se non addirittura superiore, a quello del secondo capitolo, il che mi sembra un risultato davvero impressionante. E se, all’inizio, a spaventarci ci saranno solo fugaci visioni e rumori disturbanti, subito dopo il ritrovamento di quello strano aggeggio che va sotto il nome di CRTV – una sorta di televisore analogico portatile – cominceranno a fare la loro comparsa anche delle vere e proprie creature da incubo che non esiteranno a inseguirci e, spesso, ucciderci con pochissimi colpi.

Ma come farà a camminare sempre piegato sulle ginocchia?

E qui arriviamo a quella che, almeno sotto il profilo del gameplay, è, a mio avviso, la più grande differenza rispetto al passato, perché, pur non avendo il combattimento mai rappresentato il vero cardine della serie, qui il confronto fisico con queste creature spesso è sconsigliato, sia per la povertà delle nostre risorse, sia per l’implacabilità del nemico.
Insomma, se pensiamo di trovarci davanti a un sistema di combattimento elaborato (ma da me odiato) come quello di Silent Hill f, beh, siamo davvero fuori strada. Qui, di certo, siamo più dalle parti di Amnesia o forse di Alien: Isolation.
Questo significa che, per larga parte del nostro tempo, cammineremo accucciati, ci nasconderemo negli armadi o resteremo immobili a trattenere il fiato, facendo dello stealth puro la nostra arma migliore.
Le cose cambieranno un pochino più avanti, quando cominceranno a fare la loro comparsa le armi da fuoco, ma diciamo che l’anima del gioco non viene ad esserne
mai stravolta.
È evidente che, sotto questo profilo, diventa una questione di gusti.
Sarò che io ho sempre preferito prendere badilate in faccia, piuttosto che nascondermi nel cassetto dei calzini, ma, insomma, a me lo stealth puro annoia, quando non mi dà addirittura sui nervi. Sono, però, convinto che per altri sicuramente questo cambio di registro rappresenterà una bella ventata d’aria fresca.
Va detto che, nel complesso, questo aspetto del gameplay è realizzato con discreta competenza, al netto di qualche problema di IA che, speriamo, verrà sistemato presto.

Peraltro, nel nostro compito, dovrebbe venirci in aiuto il già menzionato CRTV, indicandoci, sebbene in modo approssimativo, la posizione dei mostri, ma quanto a comodità ed appeal dello strumento diciamo che siamo dalle parti delle infradito con i calzini.

Quel che resta del giorno (e anche della notte)

Del profilo tecnico, si è in parte già detto.
La grafica è molto buona al netto di uno stuttering che, prima della patch correttiva, danneggiava parecchio l’atmosfera. Per il resto, a lasciare l’amaro in bocca, come diceva Lucano, è soprattutto una IA dei nemici a volte troppo stupida a volte troppo sagace, oltre ad un backtracking in alcune fasi un po’ fastidioso.
Quasi sempre ottimi, invece, i numerosi puzzle che incontreremo lungo il cammino, un vero e proprio marchio di fabbrica della serie.
Menzione d’onore, infine, per il sonoro, davvero ispirato e fonte infinita di angoscia e sobbalzi (alé!).
Da ultimo, obliavo, dovrei accennare un po’ alla storia, ma, non avendone alcuna voglia, mi trincererò dietro il più classico dei “non voglio rovinarti la sorpresa”. Posso solo dire che, alla suggestione iniziale indotta dalla vaghezza della situazione e dallo
smarrimento del protagonista, si sostituisce, man mano, un ordito che, nell’aggiungere dettagli, finisce purtroppo col perdere buona parte del suo fascino.

Conclusioni

E arriviamo alle amate/odiate conclusioni.
Giudicare un videogioco, lo sappiamo, non è mai facile, ma questo assunto vale in particolar modo per SH:T.
Insomma, questo nuovo capitolo della serie non ha nulla che non vada: ha un buon setting, un’eccellente atmosfera e una storia capace di portarti comunque per mano fino alla fine delle sue quindici ore.
A mancare è, forse, quel guizzo di originalità che ci si augura sempre di trovare in un gioco che va a inserirsi in un genere già ampiamente battuto, ma di questi tempi non me la sento di rimproverarlo per questo.
A me personalmente non ha intrigato molto la decisa virata verso il genere stealth che, tuttavia, sono sicuro farà la felicità di molti.
Tirando le somme, se siete orfani di Alien: Isolation non esitate a comprarlo, se avete, invece, una crisi di astinenza da Resident Evil, beh forse allora è meglio cercare altrove.

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Silent Hill: Townfall è esattamente come la nebbia: suggestiona ed emoziona, ma, talvolta, manca di consistenza.

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Dopo 3 anni (di già!) dalla prima collezione di remaster della fantastica saga di Hideo Kojima, eccoci qui a parlare di Metal Gear Solid: Master Collection Vol. 2, ultima uscita che contiene due giochi “e mezzo”, ossia Metal Gear Solid 4: Guns of the Patriots, Metal Gear Solid: Peace Walker e Metal Gear: Ghost Babel. Chi mi conosce lo sa quanto sia un grande fan della saga targata Konami, quindi è con vero piacere che ho potuto provare questo gioco grazie a Konami, che ringrazio per la copia che è stata usata per questa recensione, giocata (ovviamente) sulla mia fiammante (fa troppo caldo) PlayStation 5 Pro.

Recensione

Dunque, dove eravamo rimasti?

Dopo MGS 3: Snake Eater, che ci aveva accompagnato indietro nel tempo a vivere le avventure che hanno portato alla nascita di Big Boss, futuro “padre” di Solid e Liquid Snake (e non solo…), ci troviamo nel 1974 in Sudamerica, dove il nostro Big Boss si è ritirato al fine di fondare la sua compagnia privata di mercenari, i “Militares Sans Frontières”. All’inizio di Metal Gear Solid: Peace Walker (PSP, 2010) viene raggiunto dal suo secondo Kazuhira Miller, che gli chiede di affrontare una spinosa organizzazione che sta occupando alcuni territori della Colombia. Da qui parte la classica escalation che vede – guarda un po’ – la presenza di un nuovo tipo di Metal Gear, questa volta il Peace Walker, pronto a lanciare l’atomica in caso di necessità. Gli eventi di MGS: PW fanno da anticipo a quella che sarà l’ultima parte della storia di Big Boss, ossia il duetto Ground Zeroes e Metal Gear Solid 5: The Phantom Pain, ma questa è un’altra storia, o meglio, un’altra remaster.

Metal Gear Solid: Ghost Babel (Game Boy Color, 2000) ci porta al primo spin-off della saga tra Metal Gear 2: Solid Snake e il “primo” Metal Gear Solid, con una piccola avventura di Solid Snake in una nazione africana dove è stato ricreato Outer Heaven, che era la nazione militare ideata da Big Boss. Solid non può non intervenire, e anche qui scoprirà che ci sono dei Metal Gear pronti a fare fuoco, e spetterà a lui risolvere di nuovo la situazione, affrontando alcuni fantasmi del passato.

Torniamo invece ai giorni nostri, dal nostro Solid Snake, che appare tremendamente invecchiato all’inizio di Metal Gear Solid 4: Guns of the Patriots (PS3, 2008) a causa del suo patrimonio genetico, tanto da fargli ottenere il nuovo nome di Old Snake. Dopo gli avvenimenti di MGS2 sono passati 6 anni, e Liquid Ocelot ha in mente una nuova insurrezione contro i Patriots, tanto per cambiare. Il maggiore Campbell dà a Old Snake un’ultima missione: trovare e neutralizzare Liquid Ocelot. Ciò mette in moto tutta una serie di avvenimenti dei quali non posso parlare in maniera dettagliata, rischiando di tirar giù degli spoiler enormi. Basterà sapere che Kojima ha abbastanza superato se stesso nello scrivere MGS4, e che i colpi di scena e i ribaltamenti di fronte sono davvero dietro l’angolo.

Qui ci fermiamo, in attesa di una potenziale Master Collection Vol. 3, e andiamo a vedere qualche dettaglio dei singoli giochi.

Metal Gear Solid 4: Guns of the Patriots

Di certo questo è il piatto forte di questa Metal Gear Solid: Master Collection Vol. 2, soprattutto poiché è la prima volta che esce dall’ecosistema PlayStation. Gioco acclamato dalla critica, fautore di mille mal di testa a causa della storia intrecciata, titolo che ci ha fatto chiedere che cosa ci fosse nelle bevande degli sceneggiatori, si tratta di un capitolo molto importante della saga che ha portato diverse novità. Innanzitutto la tecnologia PS3 permetteva una mappa finalmente più ampia e con un controllo libero della visuale, cosa che aumenta l’approccio tattico/stealth; il gioco mette subito in mostra i muscoli con la prima parte ambientata in una zona di guerra in Medioriente, dove potremo decidere il nostro approccio e il percorso da effettuare in totale autonomia.

Come è ben noto, le cutscenes qui sono sempre belle lunghe e intense, ma occhio alla pressione di alcuni tasti per cambiare prospettiva o per dei simpatici effetti. Dal punto di vista tecnico, questo porting non ha subito particolari modifiche lato grafico, infatti fa ancora la sua buona figura anche se qua e là si vede che è un gioco di 18 anni fa. Concludo con una breve storia triste: avevo il gioco originale per PS3, per me un vero tesoro, preso con risparmi e sacrifici, e lo prestai con un po’ di leggerezza a un vicino di casa. Non serve che io aggiunga altro.

Metal Gear Solid: Peace Walker

Seconda uscita per la mitica PlayStation Portable, MGS:PW portò due innovazioni che poi rimasero negli altri capitoli della saga: il gioco online e la struttura a missioni con tutta la gestione della base e delle risorse, cosa evidente soprattutto in MGS5. Qui c’è da fare una precisazione: nella Master Collection Vol. 2 è inclusa la versione “HD Edition” del gioco, ossia del primo porting che venne realizzato nel 2011 per PS3 e Xbox 360.

La possibilità di dividere l’azione tra il proseguimento della storia principali e le missioni secondarie ha dato molta profondità al gioco; un’altra caratteristica è che alcune cutscenes sono realizzate con uno stile fumettoso molto figo, e in queste sequenze ci sono anche dei Quick Time Event, quindi occhio alle distrazioni! Infine, ci sono diverse opzioni di visualizzazione, potendo scegliere di portare il gioco a una risoluzione più alta; il mio consiglio è di configurare bene questi settaggi per avere l’esperienza ottimale in base alla posizione di gioco a disposizione.

Metal Gear: Ghost Babel

Qui griderei quasi al miracolo: come portiamo in maniera soddisfacente un gioco del Game Boy Color su uno schermo da 50-60 pollici? Beh, Konami ci è riuscita, e posso garantire che l’esperienza di gioco è scorrevole e divertente, pur essendo un titolo secondario e con delle limitazioni “hardware” che richiedono un approccio diverso, ma pur sempre valido. Già ai tempi questo gioco fu un piccolo miracolo, spremendo gli 8 bit della console portatile Nintendo, e ora è giocabile comodamente sul divano.

Anche qui si possono impostare alcune opzioni, e forse bisogna fare ancora più attenzione per evitare di fare qualche pasticcio con le opzioni. In ogni caso, è divertente giocare con un Game Boy Color enorme!

Concludendo

Metal Gear Solid: Master Collection Vol. 2 è il giusto proseguimento della prima Master Collection, quindi non posso che consigliarlo a chiunque voglia giocare di nuovo a dei titoli che hanno fatto la storia, oppure a chi vuole avvicinarsi a questa folle e meravigliosa saga per la prima volta. La presenza di MGS4 per me vale da sola l’intero acquisto, ma non sottovalutare assolutamente PW o Ghost Babel!

Giusto per completare il quadro, voglio ricordare che oltre ai tre giochi, ci sono numerosi contenuti extra: Screenplay e Master book per MGS4 e PW, Soundtrack digitale e soprattutto un fantastico MGS4 Database, utilissimo per avere più informazioni e nerdare allegramente sul quarto capitolo, davvero pieno zeppo di elementi da notare e osservare.

Insomma: una grande Master Collection! A differenza della prima, qui secondo me il lavoro è stato fatto in maniera più accurata, e le opzioni di personalizzazione rendono il tutto più personalizzabile. Non ho avuto quindi la sensazione di “porting pigro”, ma credo che siano i giochi stessi a permettere un approccio diverso. C’è da chiedersi se arriverà la terza, ma soprattutto c’è da chiedersi se il buon Kojima riprenderà mai in mano la saga per un ipotetico MGS 6… ma questa è davvero un’altra storia.

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Nerdando in breve

Metal Gear Solid: Master Collection Vol. 2 ci porta a giocare Guns of the Patriots, quarto capitolo principale della saga, l’ottimo Peace Walker e lo spin-off Ghost Babel.

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Recensione

Nel vasto, ricco e variegato mondo dei puzzle platform game, ecco apparire un nuovo titolo che dovrà sgomitare per trovare il suo posto nel firmamento dei grandi classici e illustri seguiti.
Il suo grande vantaggio? Ha ben otto zampe con cui spintonare.

Trama

Darwin’s Paradox! è un, come detto, puzzle platform che segue le meccaniche di esplorazione ed enigmi ambientali resi celebri da mostri sacri come Limbo, Inside o il recentissimo Planet of Lana II.
In questo caso seguiamo le vicende di un polpo di nome Darwin, naturalmente inteligentissimo grazie ai suoi multipli sistemi nervosi, che si trova catapultato fuori dal tranquillo mare e dovrà sfidare ben più di un pericolo per tornare a casa.

Meccaniche di gioco

La natura cefalopode del nostro protagonista dà una bella ventata di novità alle meccaniche di gameplay. Se siamo abituati a bambini che saltano, si arrampicano, usano le liane e si fanno aiutare più o meno inconsciamente da chi gli sta attorno, l’aver a che fare con un polpo ha consentito agli sviluppatori di inventare meccaniche diverse e dare fondo alla fantasia.

Ovviamente non possiamo saltare (in realtà saltiamo, ma sono piccoli salti), ma grazie alle ventose potremo arrampicarci sui muri e sui soffitti, nuotare velocemente in acqua e spruzzare inchiostro per nascondere il nostro passaggio a nemici e predatori naturali perennemente in agguato (sì, le murene sono proprio brutte).

Tutto ciò colloca immediatamente Darwin’s Paradox! tra i titoli da attenzionare, perché apre scenari inediti per il genere e, per una tipologia stra abusata, è come manna dal cielo.

Comparto tecnico

Come è facile immaginare, nel momento in cui si va a collocare sul mercato un titolo che si avvicina a molti altri, occorre che abbia connotazioni forti che lo distinguano dalla massa, uno spiccato senso ironico o profonde riflessioni sociali e umane.

Ma non basta: è necessario che abbia un ottimo gameplay, funzionale e rodato, buon accompagnamento sonoro e naturalmente una grafica che sappia farsi ricordare.
Darwin’s Paradox! stupisce immediatamente, fin dalle prime battute, per la premessa surreale e ironica: un misto tra fantascienza anni ’50, messaggi stile Vault-Tech, e false rassicurazioni di alieni benevoli che ci assicurano di non esistere.
Il tutto collegato alla catena alimentare e alla piccola grande sfortuna che accomuna tutti i polpi: l’essere decisamente gustosi.

Il resto è un tripudio di immagini, con fondali splendidamente disegnati e un ritmo forsennato di gameplay, cutscene, puzzle e chase sequence senza alcuna soluzione di continuità. Prendere in mano il pad e guidare Darwin è un’esperienza totalizzante, molto più di quanto mi sarei aspettato.

Ringrazio Konami per il codice review.

Darwin’s Paradox! è disponibile dal 2 aprile 2026 per Xbox, Playstation 5, Switch 2 e PC su Steam ed Epic Games.

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Nerdando in breve

Darwin’s Paradox! è il puzzle platform che ti fa vivere l’esperienza di un polpo.

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Recensione

Sull’onda dello splendido remake di Silent Hill 2, firmato da Bloober Team, arriva nei cinema il terzo film ispirato alla saga, senza collegamenti diretti coi precedenti ma, de facto, trasposizione su pellicola proprio di SH2.

A questo punto non resta che dividere il tutto in due: chi ha giocato e chi non ha giocato. Chi sa e chi non sa.
Quindi: se sei tra quelli che non sanno, il prossimo paragrafo è per te.

Trama (se non sai)

spoiler free
Se sei qui è perché vuoi sapere se andare o no a vedere questo film e se ti occorre averlo giocato.
La risposta è no: Return to Silent Hill è fruibile anche da chi non conosce la storia e non ha visto i primi due film. Lo posso classificare come horror psicologico, intrigante e anche se non originalissimo ma meritevole di essere visto, se non altro per godere dell’immaginifico comparto visivo che gli amanti della serie conservano gelosamente nel cuore.

Non dirò altro, per non spoilerare, se non la base di tutto: protagonista è James Sunderland che riceve una misteriosa lettera da parte della ex fidanzata che gli chiede di tornare nel loro luogo speciale, quella Silent Hill del titolo che cela più segreti di quanti una ridente località turistica del Massachusetts non dovrebbe avere.
Arrivando sul posto, James scopre della città che ricorda non è rimasto che polvere, cenere e distruzione. Inizia così la sua forsennata ricerca.

Trama (se sai)

Silent Hill 2 Remake presenta la bellezza di otto finali, mi sono quindi interrogato su quale sarebbe stato scelto per il film. Ebbene, senza spoilerare, posso dirti che ne è stato scelto un nono. Almeno in parte.
Ma se stai leggendo questo paragrafo è perché hai giocato e probabilmente amato il videogame, per cui vuoi sicuramente sapere: “sì o no”? In breve: sì.

Return to Silent Hill non solo è fedele e rispettoso della controparte videoludica, ma ne amplia e arricchisce la lore, modificando ovviamente, e rimuovendo tutte le parti di mero gameplay che non avrebbero senso al cinema, valorizzando però tutti quei componenti imprescindibili.
Le falene, il tatuaggio di Maria, le creature (più bonus), il modo in cui James si guarda allo specchio all’inizio, i cartelli stradali, i negozi, i pistoni nel muro di carne, le immagini dell’otherworld. Posso andare avanti a lungo, ma posso dire di aver sorriso e annuito di continuo per tutto il tempo.

Naturalmente ci sono cose che mancano: Eddie, ad esempio, è solo presentato e manca tutta la sua backstory. L’intera sequenza della prigione è stata cancellata, peccato ma comprensibile. Ma soprattutto viene data una nuova interpretazione alle figure di Angela e Laura, molto più facile da comprendere, e in un certo senso anche più coerente; così come la natura del caro Pyramid Head.
Non do ulteriori dettagli, ma posso dire che, da fan del titolo, ho apprezzato il modo in cui è stato declinato: non rivoluzionato, ma addomesticato per essere fruibile da chi non conosce la lore.

Rimane il senso di colpa? Sì: rimane ed è il motore della trama.
Insomma: promosso.

Cast

Christophe Gans aveva già diretto il primo film del 2006 e qui co-firma anche la sceneggiatura. Il primo film non mi aveva convinto, mentre oggi vedo dimostrare molta più convinzione nelle riprese e nei passaggi cruciali della pellicola, sottolineando le fratture della psiche di James.
Jeremy Irvine (Outlander) interpreta un James convincente con una bella evoluzione del personaggio e della sua psiche. Non sarà uguale alla controparte, ma rende bene.
Hannah Emily Anderson (X-Men: Dark Phoenix) ha il compito di dar vita a Mary e l’ho trovata assolutamente adeguata.
Robert Strange, specialista di creature, alieni e amenità varie, dà forma a Pyramid Head.
Evie Templeton interpreta Laura e, chicca delle chicche, la interpreta anche come doppiatrice del medesimo personaggio in Silent Hill 2 Remake. La cosa straordinaria è che è stata scelta e scritturata senza che si sapesse che aveva doppiato il gioco, in quanto ancora sotto NDA.

Alla colonna sonora niente meno che il celebre Akira Yamaoka, autore delle tracce dei videogiochi. E si sente.

Conclusione

Ormai l’avrai capito: Return to Silent Hill è un prodotto a mio avviso riuscito che merita di essere visto e, per gli appassionati, collezionato. Da grande amante del gioco, ne ho apprezzato il citazionismo e l’espansione della lore, ricordandoci sempre che medium diversi devono avere modi diversi di raccontare anche la stessa storia (vedi The Last of Us).

Ringrazio Midnight Factory per l’invito all’anteprima.

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Nerdando in breve

Return to Silent Hill è il film tratto da Silent Hill 2.

Trailer

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Recensione

È passato un anno di esclusiva Playstation e, molto a sorpresa e con un gustosissimo 50% di sconto lancio, approda anche nell’universo Xbox il celebre Silent Hill 2 remake: una delle migliori prove di Bloober Team che ha consolidato la fama di questo studio polacco.

Te ne avevo parlato all’uscita su console Sony, ricordi? Ma ora eccomi a raccontare l’esperienza nebbiosa sulla console di casa Microsoft.
Ovviamente parliamo del medesimo gioco, per cui, per tutte le informazioni di merito, non esitare a seguire il link all’articolo originale. In questo pezzo, invece, parleremo di (eventuali) differenze tra le due versioni.

Nel frattempo ti ricordo che da poco è uscito un gran gioiello proprio di Bloober Team, chiamati alla loro prova più dura: dimostrare il loro valore con un prodotto originale. È quel Cronos: The New Dawn che ha lasciato il segno (e le ferite) non più tardi di un paio di settimane fa.

Nebbia su Xbox

Dopo essermi immerso (almeno quattro volte) nelle nebbie nipponiche di quel gioiello incredibile di Silent Hill f (a cui ho anche dedicato un pezzo-spiegone per i suoi significati più reconditi), ho deciso di farmi decisamente del male e ho affrontato nuovamente i drammi del povero James Sunderland alla disperata ricerca della moglie scomparsa e del mistero che attanaglia Silent Hill, con tutti i suoi orrori annessi.

Lasciami premettere che ho sperimentato la mia copia review, per cui ringrazio Konami, su Xbox Serie X, la console ammiraglia di casa a Seattle.
Non posso certo lamentarmi del risultato finale: come potete vedere dal mio screenshot qui sotto, la resa è incredibile tanto nelle cutscene quanto durante il gameplay.
A farla da padrona, però, era e resta ancora il comparto sonoro: che il vero terrore passi più dal canale auditivo che non da quello visivo è ormai cosa nota (avete provato a guardare un horror senza audio? quanto fa ridere?) e in Silent Hill 2 remake questo è vero al 100%.

Per quanto riguarda il tema prestazioni ho notato alcuni cali di framerate a modalità grafica, soprattutto quando ci si trova circondati da più avversari contemporaneamente e si cerca disperatamente una via di fuga; in modalità performance, invece, nei miei test tutto è filato liscio come l’olio.

Le offerte

Con il lancio del titolo su Xbox, sono arrivate alcune gustosissime offerte, come accennavo all’inizio.
La versione base è scontata del 50% ed è acquistabile a 34,99 Euro mentre la versione deluxe, contenente un Artbook digitale, la Colonna sonora digitale e la (gustosissima) Maschera Pyramid Head (cartone della pizza) è disponibile a 39,99 Euro invece di 69,99 Euro.

Oltre a questi sconti, però, sono disponibili dei bundle che, se non avete ancora provveduto, io vi suggerisco caldamente di acquistare: il dual pack con SH 2 e SH f standard è venduto a 87,99 Euro invece di 109,99 Euro mentre il pack con le versioni Deluxe è acquistabile a 103,99 Euro invece di 129,99 Euro.
Se avete qualche dubbio, vi invito nuovamente a leggere i nostri articoli su entrambi i titoli: è un’ottima occasione per immergersi in questo universo terrificante che ha segnato la storia del genere su console.

Conclusioni

Avendo giocato SH 2 remake su PS5, ho voluto riprovarlo anche su Xbox e posso dire di esserne rimasto assolutamente soddisfatto. La resa è perfetta ed è un’ottima occasione anche per i boxari di colmare un gap importante.
Ancor più fondamentale, su ambiente Microsoft è supportato dal servizio Xbox Play Anywhere, quindi con una sola licenza, potrai giocarlo sia su Xbox che PC, inclusi device mobile come ROG Xbox ally.

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Nerdando in breve

Silent Hill 2 remake è finalmente arrivato su Xbox.

Trailer

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Recensione

Ebisugaoka è un piccolo villaggio sito nella Prefettura di Ishikawa, poco più di 400km a ovest di Tokyo. Un luogo tranquillo e pacifico, immerso nel placido silenzio della natura e circondato dalle montagne. Qui, negli anni ’60, vive Hinako Shimizu una giovane ragazza malinconica con un padre severo e pochi amici.
La vita scorre tranquilla e sui binari imposti dalla società e cultura dell’epoca, quando, inaspettatamente, una fitta nebbia scende a coprire ogni cosa, dando il via a un nuovo, terribile incubo.

Silent Hill è tornato.

Trama

Potrebbe essere la cosa più difficile da raccontare. Sì, perché Silent Hill f è molto più che un semplice survival horror: è un racconto multi sfaccettato, come quei romanzi, o quelle graphic novel in cui arrivare alla fine spinge a ricominciare e a ogni lettura emergono nuovi dettagli, ad alimentare una consapevolezza sempre più profonda della storia che stiamo vivendo. Con un medium peculiare come quello del videogioco, la cosa si concretizza in run multiple, la cui durata, di circa 10 ore, è perfetta per spingerci a riaffrontare gli orrori della nebbia per aggiungere quel tassello mancante che ci consente di avere un panorama molto più nitido.

Grande merito di tutto ciò va all’autore della storia, Ryukishi07 mente alle spalle di Higurashi When They Cry (visual novel ed anime). La storia di Hinako, come accennato, sembra quella di una normalissima ragazza giapponese del periodo showa: scuola, amici, amori proibiti, famiglia severa. Ma, andando avanti e acquisendo quella maggiore consapevolezza di cui parlavo, ecco emergere dettagli molto più cupi: parliamo di abusi, fisici e psicologici, parliamo di una società che ti attacca un bollino sulla fronte alla nascita in cui già tutto è deciso e non c’è spazio per l’individualità, per la personalità, per il desiderio di uscire da binari preimpostati. Emergono segreti anche tra gli amici più stretti, le gelosie immotivate acquisiscono un significato, così come gli appellativi inizialmente assurdi (parleremo ancora della “traditrice”, ne sono certo).

Tutto questo perché Silent Hill f, come i primi quattro capitoli della saga, ritorna alle origini della metafora. La nebbia: da sempre vista non come una realtà prettamente fisica ma psichica, una rappresentazione, con i suoi mostri annidati in essa, della psiche dei disgraziati che si perdevano a Silent Hill. Nel primo affrontavamo temi di genitorialità, nel secondo il lutto e la depressione, nel terzo l’adolescenza, nel quarto l’abuso. Per questo i protagonisti non sono mai stati dei supersoldati, come nella controparte zombesca di Resident Evil, ma persone normalissime con vite banali, che vedono emergere e farsi carne e ossa delle loro paure, fobie, nevrosi.

In questo è stata sempre la grandezza del franchise, e Silent Hill f torna su quei concetti, ribaltando però il tema dell’Otherworld, che qui diventa una nuova dimensione parallela fatta di misticismo e spiritualità. Quando la sanità mentale di Hinako vacilla pericolosamente, è in questa dimensione che viene portata, dove il misterioso Maschera di Volpe, la accompagnerà nell’esplorazione di se stessa con un processo di purificazione dell’anima e della mente. Ma anche qui, c’è molto di più da scoprire di quanto non sembri all’inizio. E le stesse dimensioni spiritiche giapponesi, affascinanti e misteriose, portano a contenere qualcosa di inquietante nel modo in cui si intersecano con la società e la vita delle persone.

Mi fermo qui: apparentemente non ho detto molto, ma ho detto tutto quello che potevo su una trama che mi ha colpito profondamente. Mi auguro che vorrete affrontare l’esperienza e non posso che raccomandarvi di farlo più e più volte. Non è solo un mero andare a caccia di finali alternativi, ma è principalmente un aggiungere tessere al puzzle. Nelle nuove run compariranno nuovi elementi, sia tra i documenti e collezionabili, che soprattutto nelle cutscene (alcune saranno proprio inedite) che, come quando leggiamo un libro per una seconda volta, ci daranno la sensazione di aver colto più dettagli, aver aumentato la conoscenza di personaggi e storie, aver approfondito (dolorosamente), quanto c’è da scoprire.

Gameplay

In compenso qui la cosa viene via facile: Silent Hill f è un survival horror in terza persona, combattimenti all’arma bianca (niente bocche da fuoco), esplorazione, raccolta di collezionabili e, soprattutto, tonnellate di mostri da, possibilmente, evitare.
Sì, perché il combattimento è abbastanza poco agevole: la nostra povera liceale (e ci mancherebbe) risulta piuttosto imbranata con in mano il suo immancabile tubo Innocenti, e non è che le cose migliorino molto con le lame che troveremo in giro.

La cosa migliore da fare, quindi, è quella di girare al largo: i mostri non sono irresistibili, ma le armi si consumano molto rapidamente, ed è facile restare incastrati da qualche parte e perdere tonnellate di vita o sanità mentale. Dovremo infatti curare entrambe, se non vogliamo soccombere agli orrori della nebbia.
Orrori che, lasciatemi dire, vomitano mostruosità tali da far rimpiangere le infermiere assassine.

Lo svolgimento della trama ci conduce attraverso l’esplorazione e la raccolta di molti indizi, documenti, collezionabili. Sia nel mondo “reale” che in quello “spiritico”. Maggior esplorazione vuol dire maggior conoscenza e consapevolezza del mondo, ma vuol anche dire imbattersi in un maggior numero di creature, spesso letali.
Alla fine di ogni sezione avremo poi un boss da sconfiggere. Niente di vagamente o lontanamente paragonabile alle arene dei boss nei soulslike, ma possono essere comunque sfidanti, soprattutto se ricordiamo che la protagonista non è una macchina da guerra, ma una ragazzina timida e sotto shock.

Non mancano sezioni puzzle, che caratterizzano le sezioni spiritiche (ma non solo) per un’alternanza che rende piacevole e dinamico il prosieguo della trama. Per questa ragione possiamo scegliere tre diversi livelli di difficoltà, per combattimenti e puzzle (che avranno soluzioni più complesse), incrociandole per ottenere la combinazione preferita.

Comparto tecnico

Sviluppato da NeoBards Entertainment e pubblicato, ovviamente, da Konami, Silent Hill f non è esente da imperfezioni, soprattutto per quanto riguarda il combattimento: la legnosità dei movimenti, l’imprecisione nei colpi d’attacco e la difficoltà nelle schivate così come nella finestra del contrattacco, sono tutti elementi che possono portare frustrazione, se ci si ostina a ragionare nel modo sbagliato.

Non mi stancherò mai di ripeterlo: stiamo guidando una ragazzina che viene catapultata in mezzo ad orrori indicibili. Vederla trasformare da liceale a Jill Valentine istantaneamente sarebbe totalmente assurdo e fuorviante per la logica del titolo.

Fronte impianto grafico nulla da dire: le location sono incredibili e, avendo avuto la fortuna di visitare alcuni paesini giapponesi, aver visto santuari e templi, aver passeggiato sotto i Torii, aver assaporato il loro cibo, non posso che rimarcare quanto verosimile e tangibile sia il mondo ricreato a schermo. Le mappe sono grandi ma non enormi, esplorabili in modo abbastanza pilotato con un certo margine di libertà (ridotto), ma densissime di dettagli.

Ecco, se proprio devo trovare un difetto, che mi fa spezzare un po’ la sospensione dell’incredulità, la maggior parte degli elementi di sfondo sono staccati dal flusso di gioco e fungono da mera scenografia. Non importa quanto potente sia la nostra arma, la maggior parte delle cose che ci circondano non si rompe, non viene nemmeno spostata. Certo, non mi aspetto la mostruosa complessità di titoli come The Last of Us, ma ammetto che ormai un po’ fa storcere il naso.

Lato comparto audio nulla da dire: effetti sonori (soprattutto versi) e musiche sono di primissimo livello, ci trascinano a forza in un mondo malato e distorto e difficilmente ci lasciano andare.

Conclusioni

Che vi posso dire: Silent Hill f è un’esperienza ludica di quelle di cui non sai di avere bisogno finché non ci cadi dentro. La profondità della sceneggiatura, la complessità delle psicologie in atto, i delicati equilibri tra sanità e follia, tutto rappresenta un’orchestra di emozioni che non vi lasceranno nemmeno dopo averlo finito la seconda, o terza volta. Ho una personale classifica di pugni nello stomaco videoludici, ve ne ho dato un breve decalogo qui, ma devo assolutamente ammettere, con sentimenti contrastanti, che questo Silent Hill f scala le classifiche. Non stavo così tanto male davanti a un videogioco dai tempi del primo Life is Strange.

Ho adorato, soprattutto, l’intensa metafora sottostante il viaggio di Hinako: l’evoluzione del personaggio in avanti e indietro. La scoperta lenta e inesorabile dell’orrore più grande per un liceale, il diventar grande e come questo processo comporti necessariamente l’uccidere il bambino che siamo stati. L’evoluzione diventa tangibile, come la sua perfetta uniforme alla marinara che si lacera pian piano mentre procediamo, ennesima potente metafora della sua crescita e di quanta sofferenza questa si porti dietro.
Così come la (nostra) scoperta di dettagli e particolari che gettano più di un’ombra sulla protagonista.

Nessuno è perfetto, bene e male coesistono in tutti, così come luce e ombra. A volte feriamo le persone che amiamo senza nemmeno rendercene conto, troppo presi da noi stessi o dai nostri problemi. Nessuno è immune e nessuno (o quasi) è biasimabile per questo, per il suo maturare, per il suo cambiare, fisicamente e psicologicamente, mentre ci si avvia a diventare l’adulto che si sarà. E in questo, Silent Hill f regala uno spaccato che rende alla perfezione, soprattutto calato nella realtà culturale del Giappone di quegli anni, dove padri troppo severi possono diventare letali e madri troppo accondiscendenti possono diventare complici.

In tutto questo mi resta dentro una grande domanda a cui solo un profondo conoscitore della mentalità nipponica come il nostro Djando saprà rispondere. Per questa recensione ho ricevuto il codice dell’edizione deluxe, che si fregia di alcuni oggetti e consumabili a disposizione e un paio di costumi extra. Ho optato per la divisa bianca, l’avete vista nei miei screenshot. L’altro costume disponibile è quello da “coniglietto rosa”. Ora, la domanda: perché in un titolo horror, disturbante, socialmente drammatico e privo di qualsivoglia ilarità, deve comparire un costume da coniglio rosa shocking?

Ringrazio Konami per la copia inviata.

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Nerdando in breve

Silent Hill f è il primo capitolo della saga di Silent Hill ambientato in Giappone.

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Ci siamo: uno dei remake più attesi degli ultimi anni è finalmente arrivato sulle nostre piattaforme di gioco! Dopo 21 anni dal suo lancio, Metal Gear Solid 3: Snake Eater ritorna con un’anima totalmente preservata ma un look completamente rinnovato, con la nuova incarnazione intitolata Metal Gear Solid Delta: Snake Eater, con il “delta” raffigurato da un triangolo, proprio per richiamare il numero “3”.

Attenzione: non è da confondere con il porting uscito qualche mese fa che ho recensito per voi sulle pagine di Nerdando e che potrete trovare qui. Questa volta le piattaforme attuali vengono finalmente sfruttate a dovere, e seguitemi nella mia recensione per saperne di più.

Ringrazio tantissimo Konami per avermi spedito una copia di Metal Gear Solid Delta: Snake Eater per PlayStation 5.

Recensione

Credo che non ci sia molto da dire sulla trama di Metal Gear Solid Delta: Snake Eater che non sia stato già detto quando, nel 2004, questo gioco segnò un po’ l’apice tecnico e creativo della PlayStation 2 (a mio modesto parere, sia chiaro!) e portò la narrazione dell’epopea di Hideo Kojima a creare quello che forse è il vero erede del primo, incredibile, Metal Gear Solid.

La trama di Metal Gear Solid 3 rimane intoccata, e meno male. Siamo nel 1964, in piena Guerra Fredda, e vestiamo i panni di Jack, meglio conosciuto come Naked Snake, inviato dall’unità speciale FOX in una missione di infiltrazione nella giungla sovietica. Il nostro compito? Salvare uno scienziato nucleare, Sokolov. Semplice, no? Ovviamente le cose si complicano quando inaspettatamente il nostro mentore, The Boss, diserta e passa ai sovietici, portando con sé due testate nucleari americane che ovviamente non rimarranno a lungo inesplose.

Quello che seguirà è un racconto di spionaggio, tradimenti, lealtà e sacrificio che ancora oggi, vent’anni dopo, riesce a essere emozionante. La narrazione di Kojima era già fantastica nel 2004, e Konami ha avuto il buon senso di non toccarla. Ogni cutscene è stata ricreata con una fedeltà maniacale, ogni dialogo conserva la sua potenza emotiva originale, ogni personaggio mantiene quella complessità psicologica che aveva reso Snake Eater un unicum nel panorama videoludico.

Il cast di supporto rimane strepitoso: da Ocelot con la sua giovane arroganza e l’ossessione per i revolver, agli inquietanti membri della Cobra Unit, ognuno con le proprie peculiarità e la propria tragica backstory. E poi c’è lei, The Boss, forse il personaggio più complesso mai creato da Kojima, il cui arco narrativo culmina in una delle scene finali più devastanti della storia dei videogiochi.

Gameplay

Qui arriviamo al punto più delicato dell’intera operazione. Come si modernizza un gameplay di vent’anni fa senza snaturarlo? Konami e Virtuos hanno optato per un approccio conservativo ma intelligente. La struttura di base rimane identica: infiltrazione, sopravvivenza, combattimento corpo a corpo e l’iconico sistema di mimetizzazione, reso “divertente” grazie a dei costumi più o meno improponibili.

Le novità più interessanti riguardano le modernizzazioni che sono state inserite, cosa buona e giusta. I controlli infatti sono stati adattati agli standard attuali: addio alla vista dall’alto fissa dell’originale, ora abbiamo una telecamera completamente libera che rende l’esplorazione molto più fluida, grazie alla modalità “Moderna“, selezionabile a inizio partita. Il sistema di mira è stato completamente rifatto, rendendo i combattimenti meno goffi e più precisi. Anche altri piccoli accorgimenti, come la selezione di armi ed equipaggiamento più rapida, sono decisamente benvenuti.

Il sistema di mimetizzazione è stato reso più dinamico: il fango si attacca ai vestiti di Snake, le foglie si attaccano sulla schiena, e tutto questo può influenzare in tempo reale la percentuale di camuffamento. È un tocco di classe che dimostra come si possa rispettare l’originale aggiungendo strati di complessità.

Quello che mi ha colpito di più, però, è come abbiano mantenuto intatta l’anima survival del gioco. Dovrete ancora cacciare animali o raccogliere improbabili funghi per sfamarvi, curare le ferite con degli appositi strumenti (anche in tempo reale, vabbè, sospensione dell’incredulità vieni a me), gestire il vigore e l’impatto che l’equipaggiamento può avere su di esso. In un’epoca di action games frenetici, ritrovare questi ritmi più meditativi è stato quasi terapeutico.

I boss fight rimangono dei piccoli capolavori di game design. Ogni scontro con un membro della Cobra Unit è unico, con pattern specifici e soluzioni alternative che premiano la creatività del giocatore. The End continua a essere uno dei boss più geniali mai concepiti, e rivederlo in questa veste grafica è stata un’emozione pura. Avrei voluto qualche aggiornamento? Forse sì, specie per alcuni boss, ciò non toglie che è tutto estremamente godibile.

L’unico appunto che posso muovere riguarda alcune animazioni che, nonostante il restyling, mostrano ancora l’età del design originale. Certe sequenze di CQC, per quanto migliorate, mantengono una certa rigidità che stride con gli standard moderni. Un minimo di flessibilità in più – ad esempio la possibilità di usare il coltello da accovacciati – sarebbe stato gradito, ma sono dettagli minori in un quadro d’insieme che funziona comunque bene.

Audio e Video

Graficamente, Metal Gear Solid Delta: Snake Eater è uno spettacolo per gli occhi. L’Unreal Engine 5 ha fatto miracoli nel ricreare la giungla sovietica. La vegetazione è lussureggiante e densa, l’illuminazione dinamica crea atmosfere mozzafiato, e il level design originale acquisisce una profondità visiva che nel 2004 potevamo solo immaginare. La possibilità di ruotare la visuale rende il tutto ancora più immersivo.

I modelli dei personaggi principali sono semplicemente straordinari. Il lavoro fatto su Snake è impressionante: ogni ruga, ogni poro della pelle e ogni dettaglio creano un livello di realismo decisamente avanzato. The Boss, Ocelot, Eva e tutti gli altri membri del cast sono stati ricreati con una cura maniacale per i dettagli, mantenendo però quell’estetica distintiva che li rendeva iconici. Avrete anche la possibilità di giocare con dei filtri grafici per tornare indietro di qualche anno, se proprio lo desiderate.

Sulla PS5 Pro, il gioco gira in modalità Performance a 60fps con una qualità visiva eccellente, anche se è stato riscontrato qualche problema di framerate in certe situazioni specifiche. Nel mio playthrough non ho notato particolari cali, ma tenete conto che è già disponibile una patch e sono certo che il supporto non mancherà.

Dal punto di vista audio, Konami ha fatto una scelta coraggiosa: mantenere tutto il doppiaggio originale inglese. David Hayter torna nei panni di Snake con quella voce roca e carismatica che ha definito il personaggio. Il lip-sync non è sempre perfetto, ma l’impatto emotivo delle performance originali rimane intatto. Questo è uno dei rari casi in cui, per un gioco giapponese, non scelgo l’audio giapponese: perché, in questo caso, degli americani dovrebbero parlare la lingua del paese del sol levante?

Le musiche di Harry Gregson-Williams sono state rimasterizzate e suonano meglio che mai. Dal tema principale a “Snake Eater” fino alle tracce più intimiste, ogni brano conserva quella capacità di elevare emotivamente ogni sequenza. Qui gli omaggi al cinema, tanto amato da Kojima, si sprecano, anche dal punto di vista della colonna sonora. Gli effetti sonori sono stati completamente rifatti: dal fruscio delle foglie al rumore dei passi nel fango, tutto contribuisce a creare un’immersione totale nella giungla.

Concludendo

Metal Gear Solid Delta: Snake Eater è esattamente quello che doveva essere: un remake rispettoso che modernizza senza snaturare. Non troverete qui le follie creative di Kojima, non aspettatevi sorprese narrative o stravolgimenti del gameplay. Quello che troverete è uno dei migliori videogiochi mai realizzati, oggi presentato in una veste tecnica che gli rende giustizia e lo rende accessibile a una nuova generazione di giocatori, seppur con qualche minimo limite.

Konami ha dimostrato un timore reverenziale verso l’originale che, se da un lato ha limitato la loro creatività, dall’altro ha garantito che l’essenza di Snake Eater rimanesse intatta. È un approccio conservativo che paga: meglio un remake fedele che un esperimento fallito. Il prezzo di 79,99 euro è “giustificato” dalla qualità dell’operazione e dalla quantità di contenuti extra inclusi, dal ritorno di “Snake vs Monkey” alle varie modalità bonus, anche se personalmente lo trovo un po’ alto. Per chi non ha mai giocato l’originale, questo è il modo definitivo per farlo. Per noi veterani, è l’occasione di rivivere un capolavoro con occhi nuovi.

L’unico, piccolo rammarico è sapere che dietro questo progetto non c’è più la mano di Kojima. Si sente, in certi momenti, l’assenza di quella follia creativa che rendeva unici i suoi giochi e che, in questo caso, avrebbe potuto “aggiornare” ulteriormente la solida storia di questo titolo. Ma Konami ha fatto del suo meglio per onorare quell’eredità, e il risultato è un remake che, pur non aggiungendo nulla di rivoluzionario, riesce a far brillare di nuovo una gemma del gaming, 21 anni dopo.

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Nerdando in Breve

Metal Gear Solid Delta: Snake Eater è un remake fedele e rispettoso di uno dei capolavori assoluti del gaming.

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Di che cosa si tratta

Chi ci segue saprà già che ultimamente mi sono interessata al concetto di backroom e di spazi liminali: dopo essermi imbattuta nell’idea attraverso alcuni video, ho voluto approfondire e qui vi ho spiegato cosa indicano questi due termini, come sono nate queste leggende metropolitane e qualche anticipazione sul film di prossima uscita.
A quel punto, mi sono chiesta? Gli spazi liminali sono presenti nei videogiochi? A quanto pare sì e, anzi, rappresentano un materiale suggestivo e ricco di possibilità. Ecco 5 titoli che esplorano il concetto.

Superliminal

Con un titolo così, poteva forse non trattarsi di un videogioco sugli spazi liminali? Superliminal è un puzzle game surreale pubblicato nel 2019 da Pillow Castle Game per Nintendo Switch, PlayStation e XBox.
In prima persona, il gioco ci pone nei panni di un partecipante in uno studio sul sogno che, però, rimane intrappolato in un ciclo onirico. Guidato dalla voce del Dr. Pierce, dovrà risolvere tutti gli enigmi per uscirne.
Nell’iconografia di gioco non faticheremo a riconoscere le atmosfere tipiche degli spazi liminali, oltre che qualche riferimento a Portal.

Portal

Lo abbiamo appena nominato: Portal è un apprezzato e famoso videogioco rompicapo in prima persona del 2007, sviluppato da Valve Corporation per Windows, XBox, PlayStation e Linux.
Acclamato come uno dei giochi più originali di quell’anno, Portal si caratterizza per un gameplay unico e una storia ricca di humor nero.
Impersoneremo una persona che si risveglia in un complesso tecnologico abbandonato e che viene guidata da una voce AI nella risoluzione di vari livelli di test attraverso l’edificio (con la promessa di una torta in ricompensa).
Le atmosfere liminali ci sono tutte, così come la possibilità di spostarsi attraverso portali: elementi che, insieme a una storia appassionante e ricca di sorprese, hanno contribuito a fare di Portal un autentico masterpiece.

The Exit 8

Se parliamo di spazi liminali nei videogiochi non possiamo che citare The Exit 8: walking simulator ambientato in una stazione della metropolitana, è stato pubblicato nel 2023 da Kotake Create per Nintendo Switch, XBox e PlayStation.
Sviluppato in prima persona, il gioco si ambienta in una metropolitana di Tokyo deserta, nella quale saremo chiamati a individuare le variazioni e le anomalie che si presenteranno. Un tipico esempio di inquietanti spazi liminali, giocabile anche con VR.

The Stanley Parable

Un altro esempio che si adatta bene al concetto di spazi liminali nei videogiochi è questa avventura dinamica del 2013, sviluppata da Galactic Cafe per Windows, MacOS e Linux.
In questo titolo nato inizialmente come mod per Half-Life 2, impersoniamo Stanley, un impiegato che ha il compito di eseguire le istruzioni che gli vengono impartite tramite un computer.
Quando il computer si oscura, Stanley dovrà abbandonare la sua postazione ed esplorare gli uffici deserti, guidato dalla voce narrante, che potrà scegliere di assecondare o contrastare.

Silent Hill

Probabilmente questo celeberrimo survival horror del 1999 sviluppato da Konami per la PlayStation 1, che ha dato poi vita ad una fortunatissima e longeva saga di videogame con incursioni cinematografiche, non è il primo titolo che ci verrebbe in mente parlando di spazi liminali nei videogiochi eppure, a ben guardare, si inserisce perfettamente nel genere.
La nebbia che ci conduce in un mondo altro, deserto tranne per la presenza di temibili mostri, è la perfetta ambientazione liminale!

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Seguo Deliver At All Costs da un be po’ di tempo, se posso dirla tutta. E, ad essere sinceri, era proprio l’inquadratura a volo d’uccello ad avermi catturato, un po’ come sui vecchi GTA per intenderci, ma rivista in chiave moderna. Che poi era lo stesso motivo per cui mi sono infatuato di The Precinct, qui recensito dall’ottimo Zeno2K. Insomma, ero alla ricerca di qualcosa di spassoso e immediato, scanzonato e delirante come, appunto, i vecchi lavori di Rockstar. Sono felice di potervi dire che ho saziato la mia fame di divertimento grazie a Deliver At All Costs, un videogame di consegne pieno di azione e follia.

Recensione

La mia prova del titolo sviluppato da Studio Far Out Games e pubblicato da Konami è avvenuta su due macchine molto differenti. In entrambi i casi il comportamento del gioco è stato impeccabile. Mi sono avvalso del mio mio fidato PC, riuscendo a lanciare il gioco a dettagli alti, in 2K a 60 fps in ogni situazione. La mia macchina monta i seguenti componenti: NVIDIA GeForce RTX 2060 SUPER, 32 GB di memoria RAM e processore AMD Ryzen 5 3600.

Ho inoltre, come sempre quando possibile, testato il gioco in lungo e largo su Steam Deck. Deliver At All Costs è perfettamente godibile sulla console portatile di casa Valve. In qualunque situazione di gioco non sono mai sceso sotto i 30 fps con dettagli medi.

Setting e trama

Le vicende narrate nel titolo action/adventure di Studio Far Out Games iniziano nel 1959. Deliver At All Costs ci porta infatti negli Stati Uniti post-bellici in un mondo ricco di dettagli e splendidi stereotipi estetici dell’epoca. Come in ogni opera ambientata in questo particolare periodo del ‘900, non mancano elementi retro-distopici e sopra le righe ma, state tranquilli, eviterò ogni spoiler a riguardo.

Il videogame ci mette nei panni di Winston Green, un giovane ragazzo disoccupato che fa del suo meglio per sbarcare il lunario. Un bel giorno viene assunto dalla ditta di consegne ‘We Deliver’ e da quel punto in poi la sua vita (e la nostra, in quanto giocatori) cambia radicalmente.

Che ci crediate o meno, nonostante la facciata leggera che il videogame mostra, Deliver At All Costs ha una trama stratificata e piena di mistero. Sebbene non sia, a mio parere, sempre perfettamente raccontata, sa tenere il giocatore col fiato sospeso. Sulle prime battute ho pensato che le tante cut-scene e i numerosi dialoghi avrebbero spezzato troppo il ritmo di gioco. In realtà, col tempo, ho imparato ad apprezzare questa interessante doppia anima del gioco. Da un lato un gameplay pazzo e immediato, ricco di consegne e delirio, dall’altro una trama inaspettatamente interessante. Fidatevi, questo mix funziona!

Gameplay

Date un’occhiata agli screenshot (provenienti tutti dalle fasi iniziali del gioco per non rovinarvi la sorpresa) per rendervi conto cosa vi aspetta in Deliver At All Costs. In questo videogame si guida, anche tanto e a rendere interessanti e strampalate queste numerose scorribande concorre l’ottimo motore fisico che governa il gioco. Sulle prime, complice anche l’inquadratura che rende il tutto più caotico, ho pensato che non avrei mai governato il sistema di guida. Consegna dopo consegna sono riuscito ad innamorarmene ed ad apprezzare le tante variazioni sul tema proposte dalle varie spedizioni. Ve ne cito giusto un paio per farvi capire cosa intendo senza rovinarvi la sorpresa di scoprire da voi l’offerta ludica.

Mi è capitato, ad esempio, di dover trasportare un enorme Marlin vivo nel cassone del fidato pick-up di Winston. Il mastodontico pesce non ha smesso un secondo di muoversi, spostando di conseguenza il baricentro del veicolo, rendendo il suo comportamento imprevedibile e a tratti inguidabile. Situazione similare quando ho dovuto donare dei palloncini ai clienti più affezionati di We Deliver. Invece di guidare un’automobile mi è sembrato quasi di governare la famosa casetta del film d’animazione Up.

Se quanto descritto non bastasse, ricordate che ogni edificio presente in Deliver At All Costs è distruttibile. Potete letteralmente entrarci col vostro pick-up, generando una cascata di mattoni e parti strutturali e lasciando dietro di voi solo distruzione. Inoltre sono presenti diverse missioni secondarie, matte tanto quanto quelle principali. Il mondo è inoltre pieno di collezionabili, raggiungibili, a volte, solo a piedi. Non mancano  miglioramenti più disparati per il veicolo di Winston che già verso metà gioco avrà più gingilli del mezzo di Rick in Rick & Morty.

Comparto artistico

Studio Far Out Games ha davvero fatto un ottimo lavoro sia sul versante grafico che su quello audio. L’immersione donata dal curatissimo comparto artistico, nonostante la visuale isometrica, è decisamente sorprendente. Anche i dialoghi non sono da meno, come di qualità sono le cut-scene presenti.

Sia su PC a dettagli alti che su Steam Deck, Deliver At All Costs è una carezza per gli occhi. La città è ricchissima di dettagli, la palette cromatica è azzeccata e la già citata distruttibilità degli ambienti non fa altro che impreziosire il tutto. I modelli di veicoli, edifici e persone, visti dalla visuale di gioco, risultano eccellenti e restituiscono su schermo un tripudio di colori. Ho adorato inoltre la colonna sonora che giudico eccellente. I pezzi che la compongono spaziano dalla surf-music al rock-and-roll tipico di quegli anni e accompagna splendidamente le vicende narrate nel gioco.

Versioni e prezzi

Deliver At All Costs viene proposto a un prezzo decisamente competitivo su Steam, EPIC e GOG a 29.99 €. C’è anche una versione ribattezzata Deluxe al costo di 34.99 € che include la bellissima soundtrack del gioco. Voglio farvi notare, a margine, che l’ultima fatica di Studio Far Out Games vanta anche una versione Demo piuttosto esaustiva e che, fossi in voi, proverei, soprattutto se già interessati al gioco. Ricordate inoltre che, qualora lo preferiate, potrete acquistare il videogame anche su console Play Station 5 o Xbox Series X/S.

Conclusione

Deliver At All Costs è una boccata d’aria fresca. Un videogame che garantisce un buon mix di azione, guida, follia e, fattore non da sottovalutare, un intreccio interessante. Certo, non tutte le consegne sono geniali come quelle più ispirate e le cut-scene avrebbero giovato, a volte, di una minore lunghezza. Il risultato è però più che buono, soprattutto considerando il prezzo budget a cui il titolo è proposto. Vi invito, ancora una volta, a provare la demo del gioco e a valutarne seriamente l’acquisto se avete una Steam Deck.

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Nerdando in breve

Deliver At All Cost è un divertente action-adventure pubblicato da Konami e sviluppato da Studio Far Out Games.

Trailer

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