Star Wars, Jurassic Park, Casper e Indiana Jones sono alcuni dei film e saghe su cui hanno messo le mani quelli di ILM. In questo documentario, attraverso le interviste ai professionisti degli effetti visivi e pratici e i filmati originali del dietro le quinte, ripercorreremo pezzi di storia del cinema, con la Industrial Light & Magic protagonista, a partire dagli anni ’70.

Cos’è Light & Magic

Light & Magic è una miniserie documentaristica disponibile su Disney+ (Disney Plus se vi aggrada di più) composta da due stagioni rispettivamente uscite nel 2022 e nel 2025. La serie racconta, attraverso soprattutto il racconto dei suoi dipendenti e dirigenti, la storia della Industrial Light & Magic (ILM) dalla sua nascita nel 1975 grazie a George Lucas.

Schizzo per Star Wars ovviamente tratto dalla serie

Prima stagione di Light & Magic

La prima stagione parte dalla realizzazione del primo Star Wars fino ad arrivare al momento della transizione da effetti prevalentemente pratici a effetti prevalentemente digitali.

Infatti la ILM nacque proprio per realizzare gli effetti speciali, modellini, miniature ecc. per il primo Star Wars. La cosa da notare è che all’epoca non esistevano riferimenti per quello che chiedeva George Lucas e quindi, man mano, alla ILM si inventarono modi per realizzare gli effetti pratici, visto che ci si trovava negli anni ’70. Il filo rosso della serie è proprio questo, cioè inventarsi modi per fare cose mai fatte prima.

Altra caratteristica di Light & Magic è dare spazio alle esperienze e ai racconti dei protagonisti della storia della ILM. Toccante e attualissima è la puntata dedicata a Jurassic Park. Si tratta di un momento storico della storia del cinema con i dinosauri (anche) in computer grafica. Ma è anche il momento in cui i professionisti degli effetti pratici, delle miniature e dei modellini capirono che era solo una questione di tempo per fare la fine proprio dei dinosauri.

Dietro le quinte di Star Wars

Seconda stagione di Light & Magic

Invece la seconda stagione si apre con la trilogia prequel di Star Wars e la voglia di George Lucas di spingere sul digitale e sulla computer grafica. Infatti troviamo la ILM ormai orientata quasi esclusivamente sui VFX.

Il secondo episodio si apre con un avvertimento sulle tematiche forti trattate e questo inizialmente mi ha spiazzato. Non vi anticipo nulla, ma mi è piaciuto molto come si sia posta l’attenzione sul fatto che ci siano persone dietro un’opera. Forse per voi sarà una cosa banale, ma vista la bile che quotidianamente si getta in rete (e non solo) per ogni cosa evidentemente non lo è.
Se nella prima stagione il ritornello era che ILM era l’azienda numero uno nel suo campo qui emerge una rivale non indifferente e cioè Weta Digital (oggi Weta FX). Non vi dice niente? E se vi dicessi Signore degli Anelli e Avatar? Ovviamente viene specificato come i migliori talenti della Weta provengano dalla ILM, però comunque si ammette che l’azienda neozelandese sia (quasi) allo stesso livello nell’ambito dei VFX.

Doppiaggio e puntate

La prima stagione di Light & Magic è doppiata in italiano, mentre la seconda no. Inoltre la prima si compone di sei episodi, mentre la seconda solo di tre.

Vuoi chiacchierare e giocare con noi? Vienici a trovare sul nostro Server Discord e sul nostro Gruppo Telegram.

Concludendo

Light & Magic è un’ottima serie, consigliatissima per gli appassionati dei dietro le quinte del cinema viste le tante chicche e curiosità tirate fuori in ogni puntata.
Ho sempre paura del rischio agiografia in questo tipo di produzioni, visto che è una serie Disney che parla di una sua sussidiaria. Ma non è così, o meglio: certo che la Industrial Light & Magic ne esce benissimo, visto che non si tratta di un’inchiesta. Mi è piaciuto molto aver puntato la lente di ingrandimento su cosa succede dietro le quinte e sulle persone, anche quando queste ultime sono state colpite dalle scelte dell’azienda, aspetto che per me  è un valore aggiunto.
Quindi una bella serie per i più nerd e curiosi!

L'articolo #NerdandoConsiglia: Light & Magic proviene da Nerdando.

Abbiamo già avuto modo di parlare, su queste pagine, di Martha is Dead, nuovo lavoro della italianissima LKA, con a capo il vulcanico Luca Dalcò e che arriverà a breve su PC, Xbox e Playstation.
Oggi ho avuto modo di scambiare due chiacchiere con la voce protagonista di questo promettente Indie che siamo certi saprà emozionarci come e più di The Town of Light.
Non indugiamo oltre, però, e andiamo a fare la conoscenza della giovane e bravissima Joy Saltarelli, artista straordinaria già insignita nel 2009 del “Premio Voce femminile di un cartone animato” al Gran Galà del Doppiaggio di Romics e nel 2016 del Premio come miglior voce giovane di un’eroina al festival “Le voci del Cinema”.

Per chi non lo sapesse, Joy Saltarelli (che mi auguro avere di nuovo a breve ospite dei nostri microfoni), è tra le altre anche la voce di Jennifer Lawrence in Hunger Games e di Trilli nella serie di film Disney.

Intervista

Zeno2k: Ciao Joy e benvenuta su Nerdando.com, vuoi iniziare raccontandoci come sei approdata a Martha is Dead?

Joy: Faccio la doppiatrice da tantissimi anni, fin da quando ero piccola. Sono arrivata a questo progetto grazie ad un collega di lavoro. Sapendo che non ne avevo mai fatti sono venuta a fare un ascolto voce, perché mi incuriosiva questa sfera.
Mi hanno presentato questo progetto e ne sono stata entusiasta, perché è tutto tranne che “doppiaggio”. L’abbiamo creato con Luca [Dalcò, N.d.R.] ed è stato meraviglioso.

Zeno2k: Quindi: processo creativo oltre che alla mera interpretazione?

Joy: Esatto: è stato molto più processo creativo, piuttosto che legarmi io ad una recitazione già creata e ad una creatività già stabilita da qualcun altro e cucirmici io sopra, insieme abbiamo gli dato noi vita… ed è stato molto bello.

Zeno2k: Se dovessi parlare a chi si avvicina per prima volta a questo titolo che cosa aspettarsi, cosa gli vorresti raccontare?

Joy: Gli direi sicuramente di essere pronto a passare tante fasi emotive, in tanti aspetti e sfaccettature del personaggio. Tanti stati di anima diversi: molto affascinanti, ma anche molto bui.

Zeno2k: È molto impegnativo dal punto di vista emotivo, quindi.

Joy: Più che impegnativo, affascinante: molto “vero”.

Zeno2k: Per te è stato sfidante, come lavoro, o ti sei trovata a tuo agio con questa sfera del videogioco?

Joy: All’inizio ero molto ansiosa, ma mi hanno aiutato a sentirmi a mio agio. Non pensavo di essere in grado di riuscire a rendere effettivamente tutte le sfumature, perché, facendo doppiaggio appunto, sono abituata a “vedere” quello che devo fare, piuttosto che ricercarlo dentro di me. È stato molto bello.

Zeno2k: Qual è stata l’emozione più intensa di questa fase creativa e dell’interpretazione di questo personaggio?

Joy: In realtà, per me, tutte: dall’inizio riuscire a creare il personaggio di Martha, immedesimarmici e riuscire a vivere fino in fondo nella mia anima tutte le sue sfaccettature. Anche nei suoi cambi, quindi: Martha piccola, Martha grande, le sue trasposizioni degli affetti che le sono orbitati intorno. È stato tutto abbastanza impegnativo, ma al contempo meraviglioso… quindi in realtà tutto il progetto mi ha affascinata: arrivare poi fino alla fine, anche con tutte le problematiche di Giulia [la sorella gemella di Martha N.d.R.], è stato bello.

Zeno2k: Domanda classica: sei una gamer?

Joy: No! (ride) Purtroppo no: non lo sono…

Zeno2k: Farai un’eccezione per Martha is dead o nemmeno?

Joy: Non lo so: non ho neanche una console sinceramente (ride)

Zeno2k: Altra domanda classica: quanto è difficile doppiare un’onda sonora invece che un attore che parla?

Joy: In realtà è differente: sono proprio due cose che non sono paragonabili, perché in questo caso non si è trattato di doppiaggio, c’è stata proprio una creazione passo passo del personaggio. Rimanendo in un “tempo”, per carità, però non è proprio equiparabile al doppiaggio: lì ho la possibilità di vedere gli occhi di un’altra persona; le movenze, che dicono tutto di un sentimento, di quello che sta provando o di un pensiero, e io devo legarmi a quel pensiero. Qui l’abbiamo proprio dovuto ricercare insieme, mano mano, passo passo, sviscerando anche le parole che aveva scelto Luca, capire perché le aveva scelte in un determinato modo; capire perché dove dire quelle cose, che cosa sto pensando. Quindi è stato un lavoro di squadra, piuttosto che di doppiaggio…

Zeno2k: … e quindi quanto c’è, di te, in questo personaggio?

Joy: Tutto: c’è tutta me stessa in questo personaggio. Tutta me stesse con ovviamente le direttive di Luca, ma c’è tutta la mia anima. Ve lo assicuro.

Zeno2k: Grazie mille per il tuo tempo. Vuoi lasciare un ultimo messaggio, liberamente?

Joy: Posso dire che è stata un’esperienza magnifica e che spero mi sia data in futuro un’altra occasione per farla di nuovo! È stata un’esperienza mistica e speciale…

E anche noi, dal profondo del cuore, speriamo davvero di poter sentire ancora Joy non solo al cinema e in televisione, ma anche nel nostro media preferito: il videogame.
Da parte mia, e di tutta la Redazione, un ringraziamento speciale a Luca Dalcò e naturalmente a Joy Saltarelli. Per voi, invece, appuntamento per la recensione dell’attesissimo Martha is Dead!

L'articolo Due chiacchiere con: Joy Saltarelli (Martha is Dead) proviene da Nerdando.

L’ho cercata, l’ho rincorsa, l’ho inseguita per anni. Ho rinunciato e sono tornato alla carica, ma alla fine (e per fine intendo: infinite peripezie, passate anche da problemi tecnici micidiali) ce l’ho fatta. Ho rapito la splendida Benedetta Ponticelli, voce ufficiale di Lara Croft dal reboot del 2013, e l’ho torturata per un paio di ore abbondanti con le mie domande sul mondo del doppiaggio.

Benedetta è una di quelle persone che emanano solarità da ogni poro, capace veramente di illuminare una stanza col suo splendido sorriso; ed è grazie a questo che ho potuto tempestarla di domande senza paura o remore, pur sapendo di essere davanti alla voce di tanti, tantissimi personaggi eccezionali: non solo la giovane e splendida Lara, ma anche di Emilia Clarke in Solo: A Star Wars Story, di Rose Leslie in Downton Abbey, di Anna Diop in DC Titans e tanti, tanti altri.

Posso assicurarvi che il tempo con lei è volato e anche tagliando all’osso ne è emersa un’intervista di oltre un’ora. Non mi resta che augurarvi buona visione e invitarvi a seguirci sempre.

L'articolo Due chiacchiere con: Benedetta Ponticelli (voce di Lara Croft dal 2013) proviene da Nerdando.

Approfittando della vicinanza geografica ho raccolto l’invito di Alfredo a visitare la sede di Ghenos Games, a Milano.
Vengo accolto in quello che non esito definire un piccolo Eden del board gamer: giochi, giochi ovunque. In vetrina, su scaffali, in bella mostra o pronti ad essere spediti. Aggirarmi per la sede di Ghenos è come fare un giro sulle giostre.
Recuperata l’aplomb professionale, mi dedico al mio ospite.

Maurizio: Ciao Alfredo e grazie per questo invito. Cominciamo dall’inizio: perché Ghenos Games si chiama così.
Alfredo: Nel momento in cui abbiamo dovuto decidere il nome eravamo molto indecisi, alla fine abbiamo tirato fuori il mio soprannome del liceo che è, appunto, Ghenos. Se qualcuno mi chiama Ghenos da lontano, mi giro.
Nome greco: io ho fatto il classico ed era una storpiatura di Genovese, il mio cognome.

Maurizio: Quando e come nasce Ghenos?
Alfredo: Ghenos nasce da alcuni amici e dalla passione che hanno per il mondo ludico. Nel 2005 inizia sviluppando un gioco di nome Bolide, che tuttora trovi in copie molto vecchie in qualche negozio o fiera. Poi, sempre a livello hobbistico, perché avevamo tutti un lavoro da ingegnere (io ho lavorato per anni in IBM ad esempio), cominciamo a produrre altri giochi sportivi. Dopo Bolide, gioco di Formula 1, siamo passati a Race the Wind, gioco di regate; poi un gioco sul rugby; per arrivare infine al gioco forse più bello, Leader One, sul ciclismo.
All’epoca non eravamo autori ma editori: abbiamo fatto esperienze con il mondo del licensing, con il gioco ufficiale della Moto GP, del Giro d’Italia (che altro non è che la versione in rosa di Leader One) e il gioco della Uefa Champions League, fino ad arrivare all’incontro con il gioco di Lupin e con Ankama nel 2013.
Nel 2005 nasciamo e nel 2009 decidiamo che quella è la nostra strada. Anche perché coi lavori abbiamo cambiato un po’ di aziende; di aziende tra il 2000 e il 2010 ne sono fallite parecchie e a un certo punto ci siamo lanciati a capofitto; ma abbiamo altre attività che manteniamo: io personalmente faccio anche l’allenatore di pallavolo come seconda attività, ma quella principale è questa.
Abbiamo cambiato due o tre sedi e questa è quella definitiva, anche se, se cresciamo, dovremo andare via anche da qui (ride).

Maurizio: Adesso voi avete a catalogo quaranta titoli, giusto?
Alfredo: In realtà sono una cinquantina, comprese le espansioni di Krosmaster, che sono parecchie.
In questo momento controllo quella che può essere la capacità di spinta sul mercato dei giochi. Io divido la gamma in party games, dove ti metto ad esempio Sushi dice e HOPE; fino ad arrivare agli heavy games cove ti metto Scythe e Terraforming Mars. In mezzo individuo altre due zone: i medium, come Fields of Green, giochi per geek: giocatori non troppo spinti; anche Between Two Cities potrebbe essere considerato un medio.
Poi sempre più verso i party c’è lo smart and filler: che è un mondo vero e proprio, perché ci trovi dentro Pozioni Esplosive, Magic Maze, Celestia. Sono quei giochi su cui noi puntiamo molto sia per le nuove generazioni, i giovani che vengono al Play! per imparare sono alla portata, mentre per un gamer sono degli ottimi filler.
Celestia, ad esempio, è molto interessante da questo punto di vista. Il mercato è un po’ così: party, smart, medium ed heavy.
Detto questo, una cinquantina di giochi secondo me sono un limite per cui poi non inizino a cannibalizzarsi. La filosofia che c’è dietro è avere sempre dei giochi che non si diano fastidio. Ad esempio Flick ‘em Up!, è un gioco di destrezza che sta tra il party e lo smart; Aya è il gioco del domino, ha avuto un po’ meno successo degli altri, obiettivamente, ma è comunque un gioco spendibile in un mercato di famiglie.
Si cerca sempre di portare a catalogo Ghenos dei giochi che non siano uno la copia dell’altro.

Maurizio: Qual è il tuo gioco preferito? Se dovessi organizzare una serata di gioco, cosa metteresti in tavola?
Alfredo: Smash up! che non è mio… (ride) o King of Tokyo se mi voglio rilassare. O anche Leader One se devo prenderne uno mio, ma non necessariamente del mio catalogo. Siccome me ne occupo io, cerco sempre di dividere quello che piace a me da quello che piacerà alla massa.

Maurizio: Lo scorso anno Pozioni Esplosive vinse il Gioco dell’Anno. Cosa vuol dire vincere questo premio, dal vostro punto di vista?
Alfredo: Due cose.
La prima una gratificazione enorme per aver creduto nella Horrible, che si è divisa da Cranio, e su cui abbiamo deciso, nel 2013 ai tempi di Krosmaster Arena, di investire subito perché avevamo intuito che oltre a Krosmaster dovevamo costruire un catalogo. Parte proprio da Horrible la costruzione del catalogo Ghenos con Comics, quindi non un gioco indimenticabile, ma un buon gioco che Lorenzo Silva ha iniziato a costruire; io ho sempre creduto in Lorenzo che ritengo essere uno dei game designer migliori che ci possano essere non in Italia, ma worldwide. E infatti al secondo colpo ha tirato fuori una leggenda come Pozioni Esplosive che, ripeto, non ho annoverato tra i miei giochi preferiti ma è in assoluto il best balance tra la nonna, il bambino che non sa leggere ma sa individuare i colori, le nuove generazioni che giocano a giochi leggeri senza leggere regolamenti e perché no un gamer che tra uno Scythe e un Terraforming deve mettere dentro un filler e ci gioca con molto interesse.
La seconda. A livello di vendite il Gioco dell’Anno inizia a essere molto interessante. Questo è sia merito di Lucca Comics & Games che prima aveva Best of Show e ora lavora molto sul brand Gioco dell’Anno, identificando dei giochi come potevano essere anche in passato Colt Express o il Piccolo Principe, giochi che strizzino l’occhio al mercato generalista, non a quello di Lucca. Secondo, a mio modestissimo parere, Pozioni gli sta facendo fare anche il salto. Pozioni è un gioco che sta andando molto bene nei toy store e quindi contribuisce al fatto che il brand Gioco dell’Anno sia molto più conosciuto dai negozi che prima non lo conoscevano.
Un’auto-esaltazione da una parte e dall’altra: un mutual benefit.

Maurizio: Com’è andato Play! 2017?
Alfredo: Bene, molto bene. L’abbiamo preparata bene, nei dettagli. Abbiamo ragionato sullo stand di Isola: abbiamo uno stand molto grande ormai da quattro anni; abbiamo deciso di aprire un altro stand nell’altro padiglione, dando l’accezione di Krosmaster Arena perché resta uno dei nostri brand preferiti e volevamo fosse presente. Siamo stati presenti nella family arena con quattro titoli, e abbiamo deciso di distinguerci dagli altri mettendo tanti tavoli.
L’interpretazione che noi diamo al Play! è che si vada per giocare tanto, quindi 46 tavoli erano davvero il top a detta di tutti, anche degli organizzatori della fiera. Tutti tenuti dai nostri dimostratori in modo egregio che si dividevano più di un tavolo, anche perché non avevamo 46 dimostratori chiaramente.
Lo stand era estremamente popolato, la gente contenta, magari alcuni di più e altri di meno perché i giochi possono piacere o no, ma l’impressione è che Ghenos sia sempre più apprezzata. Soprattutto lo spirito che anima tutti da noi. Abbiamo sempre più gente che ci viene tradizionalmente a visitare nelle fiere.

Maurizio: Cosa ci possiamo aspettare dalla prossima stagione?
Alfredo: Intanto la stagione primaverile non è ancora finita perché, ahimè abbiamo sì preparato bene Play! ma siamo andati lunghi con molti titoli come Terraforming Mars, che è dentro il top 15 di BoardGame Geek. Abbiamo preso i diritti ad Essen e siamo molto contenti di questo. L’editore giovane svedese, il manufacturer inflessibile tedesco hanno fatto sì che slittasse la data di assemblaggio, prima al 15 aprile adesso addirittura ai primi di maggio. Per cui mi aspetto che arrivi a metà maggio.
L’altro grande ritardatario, che pensavamo di avere, è l’espansione Invaders from Afar di Scythe, che aggiunge due fazioni al gioco. Arriverà anch’essa a metà maggio. Il catalogo primaverile della Ghenos è ancora aperto.
Entro giugno arriverà la stagione 5 di Krosmaster. Abbiamo lanciato la stagione 4 a Lucca del 2016, è esaurita e adesso è in ristampa e arriva con la stagione 5 da giugno.
Arriva poi Pozioni Esplosive, che era sold out, con la grande novità di Horrible che è il quinto ingrediente: l’espansione di Pozioni Esplosive. Anche questo a metà maggio.

Arriverà qualcosina in estate, un paio di titoli. Uno è un titolo non nuovissimo, ma di Stonemeier, quindi nostro partner preferenziale in America, che è Viticulture, quindi ambientato in Toscana, un gioco strategico enologico.

E poi, una news che dico: non l’ho ancora detto a nessuno. Rock Paper Wizard della WizKids che è brandizzato Dungeons & Dragons. Un giochino molto interessante che dovrebbe arrivare a cavallo tra luglio e agosto.

Per il resto della stagione, i nostri partner principali sono Ankama che butterà fuori la stagione 6 a Lucca, quindi nuove miniature legate tra l’altro alla nuova stagione del cartone animato La confraternita del Tofu. Che non so se sarà tradotta in tempo in italiano, lì non controllo io. Le prime due serie di Hugo e la Confraternita erano presenti in italiano.
Ankama tirerà fuori anche un gioco di strategia, una specie di rugby calcio della serie televisiva Confraternita del Tofu, un gioco che avrà dieci nuove miniature di Krosmaster Arena che potranno essere giocate con una carta dedicata nelle arene compatibili, mentre il gioco sarà di target più familiare, quasi una goliardata con tackle, passaggi, cose funny, ecc.

Per quel che riguarda Stonemaier abbiamo un legacy che si chiama Charterstone, già annunciato; ma è alla quarta sessione di blind playtest per cui dovrebbe arrivare per Lucca.
Horrible invece è concentrata su un gioco ancora Top Secret, un altro gioco nel target di Pozioni e In alto i calici: non posso anticipare nulla. Mentre ci sarà Alone, che il due di maggio verrà lanciato su Kickstarter: un gioco di miniature, una prima assoluta per quanto riguarda le miniature nella casa di Lorenzo Silva.

E poi ci saranno due espansioni di Terraforming: Hellas and Elysium e Terraforming Venus. Per ora nient’altro da dichiarare.

Maurizio: Ultima domanda. Cosa ti aspetti nel futuro di Ghenos Games da qui a tre anni.
Alfredo: Una crescita naturale e coerente con quanto stiamo facendo. Noi abbiamo già come clienti un centinaio di negozi dell’hobby store, riteniamo che l’hobby store sia il futuro non per forza il negozio di giocattoli, ma una crescita del mercato dei giocatori.
Parlando con qualche partner francese, come Black Rock, loro han detto che l’Italia è come la Francia di 5 o 10 anni fa. Se vai a vedere il mercato francese, anche nei negozi normali ci sono giochi dello spessore di Between Two Cities; non trovi Monopoli, Risiko! e basta.
Quella fetta di mercato che inizia a giocare a Bang! a Munchkin, a Vudù, a Carcassonne, a Dixit e ad altri giochi e sulla quale sta battendo molto Play!.
Tutto questo mercato sta crescendo e allora da qui a 3 anni anche noi dovremo crescere.
Nell’ambito di Ghenos, rispetto ai competitor, la nostra ambizione è quella di diventare, dopo Asmodee, l’editore di riferimento apprezzato non tanto per la vastità del catalogo quanto per le scelte editoriali, uniche e raffinate: una sorta di scatola di cioccolatini con dei giochi molto ricercati.
Poi le sole le prendiamo tutti e certe volte il mercato non risponde anche là dove c’erano tutti gli ingredienti giusti. Capita che un cantautore faccia una canzone pensando che sia quella della vita, e invece è un chiavica… però, ripeto, noi siamo molto umili da questo punto di vista e accettiamo gli insuccessi per ripartire.
Il motto è: Fail again, fail better. (ride)

Maurizio: Grazie mille per il tuo tempo, Alfredo.
Alfredo: Grazie a voi.

L'articolo Due chiacchiere con: Alfredo Genovese (Ghenos Games) proviene da Nerdando.

Abbiamo già avuto modo di parlare della splendida fiera Cartoomics di Milano, che nell’edizione del 2017 ha dimostrato di essere una manifestazione di tutto rispetto. Tra i molti ospiti che abbiamo avuto occasione di incontrare e intervistare, non mi sono lasciato scappare la possibilità di fare due chiacchiere con Dan Starkey, attore gallese molto attivo nel franchise del Doctor Who nei panni del comandate Strax, un Sontaran che vive nella Londra vittoriana protagonista di alcuni episodi memorabili.
Grazie al Doctor Who Italian Club ho avuto quindi l’occasione di scoprire cosa si cela sotto il testone gigante di Strax.

Maurizio: Ciao Dan e benvenuto su Nerdando.com. Prima di tutto: come sta andando il tuo soggiorno in Italia?
Dan: Davvero ottimo, anche se resto qui solo un paio di giorni.

Maurizio: È la prima volta che vieni in Itala?
Dan: No, no: ci sono stato molte volte.

Maurizio: Sempre per manifestazioni legate al Doctor Who?
Dan: No, ho famiglia in Svizzera nel Canton Ticino, per cui mi capita spesso di essere qui.

Maurizio: Allora, parliamo un po’ del tuo personaggio in Doctor Who.
Dan: Sì, il Comandante Strax, un Sontaran.

Maurizio: Bene, prima domanda: dov’è la potato head?
Dan: (ride) Vuoi la risposta letterale? È fatta di gomma e non riesco a sentire niente quando la indosso.

Maurizio: È un’esperienza così terribile?
Dan: Può essere anche peggio: è come avere un cuscino sulla testa.

Maurizio: Quanto tempo serve ad indossare il make up completo di Strax?
Dan: Ci vogliono circa tre ore. Per cui mi siedo sulla poltrona alle cinque del mattino e poi la tengo per dodici ore; per toglierla occorre un’altra ora: sono giornate molto lunghe.

Maurizio: Tu hai vestito i panni di diversi Sontaran, non solo Strax, e così hai avuto modo di incontrare diversi dottori, ma sappiamo che tutti ne hanno uno che è il suo preferito, quindi: qual è il “tuo” dottore?
Dan: Beh, suppongo di dover dire Matt Smith, che era l’undicesimo, ma ero un grande fan di Doctor Who da bambino e poi ho lavorato negli audio (audiolibro, N.d.R.) dei vecchi dottori durante gli anni ’80, quindi anche Peter Davison e Sylvester McCoy solo a loro volta miei dottori.

Maurizio: Che sensazione è essere un whovian che lavora proprio in questo show?
Dan: È fantastico, è eccitante. Il bambino di 8 anni che è dentro di me è molto eccitato. È un lavoro davvero molto divertente, soprattutto quando sono sullo schermo con il mio costume, nonostante non sia la cosa più comoda da indossare, ma è davvero divertente: sparare alle persone e fare da solo i miei stunt, ed essere in Doctor Who è come, beh, volare nel Tardis, è pazzesco!

Maurizio: Una cosa che caratterizza Doctor Who è il tipo di sentimenti con cui vengono risolti i conflitti. Ogni volta che c’è una possibile soluzione violenta, il Dottore riesce a trovarne una pacifica. Abbiamo situazioni di tolleranza e accettazione del diverso: tutti sono uguali a prescindere dal Pianeta da cui provengono, dal loro sesso, dalla religione. Abbiamo matrimoni gay, come ne caso di Madame Vastra e Jenny, personaggi che dividono con te la scena.
Dan: Jenny e Vastra sono sposate, sì, sono di specie diverse e figurati, hanno lo stesso sesso!

Maurizio: Come mai secondo te c’è questa enorme disparità tra ciò che vediamo nello show e la vita reale, in cui siamo invece tanto spaventati dal diverso?
Dan: Oh bene, io penso che qualcosa come Doctor Who, la sua fantascienza, può prendere idee dai problemi del mondo reale e poi li può drammatizzare all’interno dello show, facendoli sembrare veri ma in modo fantascientifico. Ad esempio i Sontaran sono tutti cloni, si assomigliano tutti, così solo sono molto confusi da tutto ciò che è fuori dalla (loro) norma: incontriamo persone come queste nel mondo reale, persone per cui anche la minima differenza non è tollerabile, e questo ci fa molto ridere, però ci spaventa anche perché tutto quello che conoscono è la guerra, il militarismo; non hanno nemmeno un’idea di genere, non hanno idea di cosa sia una donna perché non ne esistono tra loro.
Così abbiamo visto queste idee recitate in modo così assurdo, e penso che questo possa aprire la mente degli spettatori che restano così stupiti e divertiti; ma penso che sia una cosa che Doctor Who ha sempre fatto: prende i problemi del mondo reale e li drammatizza in modo fantastico; così i Dalek degli anni ’60 nascevano dalla paura di una guerra nucleare e da ciò che ne sarebbe seguito, così anche il loro design old-fashion li faceva assomigliare al guscio di una bomba atomica. Oppure i Cyberman, che rappresentano la paura della tecnologia che supera l’umanità, e questo genere di cose; così penso sia sempre stato; ma credo che nel nostro mondo di oggi cose come il matrimonio omosessuale, la diversità, la fluidità di genere, non sono il punto principale di Vastra e Jenny, ma sono ovviamente il SOLO punto dei personaggi Vastra e Jenny; il fatto che possiamo parlarne e che sia un argomento mainstream in uno show grande come Doctor Who è molto positivo.

Maurizio: Secondo te, quindi, uno show come Doctor Who può essere d’aiuto alle persone?
Dan: Penso che aiuti a normalizzare le cose: ci sono personaggi che sono eroi da ammirare, anche se le persone sanno perfettamente che sono aliene ma le vede ricche di una grande umanità.

Maurizio: Allora, una domanda sulla situazione politica attuale della Gran Bretagna. Cosa pensi di quel che sta succedendo in questo momento nei rapporti tra il Regno Unito e l’Unione Europea?
Dan: Beh, non posso dire di essere contento. Non ho votato per questo, e penso che tutto sia enormemente confuso. Penso che questo momento sia, oh Dio, se ci penso troppo mi deprimo; penso che l’intero mondo sia in uno stato di enorme mutazione continua e in continuo cambiamento di stato… e penso che le certezze degli ultimi 50 anni si stiano disfacendo, così le strade davanti a noi sono sia molto esaltanti che molto spaventose, dipende dal punto di vista.
Un sacco di persone hanno votato per avere un qualche cambiamento, senza sapere necessariamente che tipo di cambiamento sarebbe stato. Quando un voto nasce dalla paura si cerca di tornare ad un mondo di certezze che non esiste più; penso che molte delle volte la retorica che circonda tante di queste cose dia ascolto ad un passato immaginario, più felice e più stabile, che non necessariamente potrà tornare… Senza entrare in una disquisizione più lunga su tutti i miei pensieri in merito (perché, come puoi vedere, i miei pensieri sono molto infelici), credo che uno stato di Caos sia dietro l’angolo.
Sono felicemente pessimista!

Maurizio: Quali sono i tuoi progetti per il futuro?
Dan: Un sacco di cose! Sono un attore per cui non si sa mai quale progetto ti aspetta dietro l’angolo. Al momento sono impegnato in un paio di lavori a teatro, per cui potrebbe cambiare ciò che farò nel resto del mese. Inoltre lavoro molto con la Big Finish Audio che realizza le avventure audio del Dottor Who; non ricordo di preciso perché le registriamo in sequenza, ma ce n’è una in cui ho recitato nell’Uomo Invisibile di H.G. Welles, insieme a John Hurt, una delle ultime cose che ha registrato prima di morire: l’ha registrata l’anno scorso ed è stata pubblicata un paio di settimane fa. E allo stesso modo penso ci saranno molte altre cose su Doctor Who che usciranno a breve, solo un paio di mesi fa ho fatto un sacco di cose per Big Finish, e beh: se tu chiedi ad un libero professionista cosa farà la settimana prossima senza guardare l’agenda, è difficile che si ricordi qualcosa.

Maurizio: Pensi che prima o poi vedremo uno spin-off del Doctor Who dedicato a Strax, Madame Vastra e Jenny?
Dan: Sarebbe bello, ma sarei sorpreso di vederlo realizzato. Solo per la quantità di soldi necessari e le risorse che dovrebbero dedicargli. Ma la verità è che non si può mai dire. Oltretutto abbiamo, come sai, un nuovo showrunner in arrivo e con Chris Chibnail che prenderà le redini di Doctor Who, non ho la minima idea della direzione che prenderà la serie. Sarei molto sorpreso se riportasse sullo schermo Vastra, Jenny e Strax, soprattutto perché sono personaggi di Steven Moffat; potremmo avere nuovamente i Sontaran (in quel caso mi vedrai di nuovo su schermo) o i Siluriani, ma magari con incarnazioni differenti.

Maurizio: Personalmente penso sia un setting molto interessante: abbiamo la Londra vittoriana, tecnologia aliena, in pratica una sorta di Steampunk
Dan: Oh sì, è quasi una messa in scena teatrale. Penso che Steven (Steven Moffat, N.d.R.) fosse cosciente di quanto le persone amino quei personaggi, e così è stato davvero entusiasta nel fare quei tre episodi, sono venuti bene e ne è stato molto contento; non credo che riuscirebbe a scrivere una serie di 10-12 episodi di cui non è completamente felice.
Penso anche semplicemente in termini di risorse, una serie ha bisogno di tante protesi ed effetti speciali, e ambientarlo nell’epoca vittoriana è un grosso impegno per tutti; Doctor Who vede la BBC lavorare a pieni giri per tentare di far funzionare tutto; difficile avere un’altra serie della stessa dimensione, come è stata Torchwood, che è stato un grande spin-off, ma ambientato ai giorni nostri, a Cardiff, ed è andato bene! Abbiamo mostri e alieni, ma l’intero cast era umano; fare invece qualcosa che richiede un passo in più sarebbe davvero una grossa richiesta, ma chi può dirlo? Magari prima o poi torneremo anche noi, non si sa mai.

Maurizio: Hai visitato la Doctor Who Experience a Cardiff?
Dan: Oh sì, è proprio vicino agli studi.

Maurizio: Merita la visita? Dicono che chiuderà a breve.
Dan: Sì, devi andarci prima dell’estate perché sta per chiudere. Un sacco di persone sono tristi per questo, porta molta gente e tanto turismo a Cardiff. Prima, ho vissuto lì negli anni ’80 quando ero bambino, non era certo il posto in cui andavi in vacanza; ha un sacco di posti bellissimi vicino ma non è una classica meta turistica. Cardiff è un bellissimo posto da visitare. Penso che la Doctor Who Experience abbia portato un mondo tutto nuovo a Cardiff che non esisteva prima.

Maurizio: ultima domanda: chi sarà il prossimo Doctor Who?
Dan: (ride) non lo so! Sono molto eccitato dallo scoprire chi sarà, ma finché si tratta di un grande attore, non ho preferenze. Attore, o attrice, vedremo.

Maurizio: Grazie mille per il tuo tempo!
Dan: Grazie a te!

L'articolo Due chiacchiere con: Dan Starkey (Doctor Who) proviene da Nerdando.

Ho illustrato, nel precedente articolo, come si è evoluto Confrontation in Italia dopo che la casa madre lo ha lasciato al suo destino. Ma cosa ha da offrire oggi un gioco come questo e quali sono i possibili sviluppi futuri sia del gioco che della comunità?

Ho avuto il piacere di parlarne con Tomaso “The King of Squid” Fiumara e Flavio “Felian” Damasco, due dei creatori originali del progetto C5 e CEvo, e con Marco “Squera” Patrignani, che si è unito successivamente ed è a capo del settore di traduzioni.

Come detto nella prima parte, Confrontation è una mia grande passione da anni, per tante ragioni che vanno oltre il gioco in sé. Ma perché altri appassionati di vecchia data dovrebbero riavvicinarvisi o perché altre persone dovrebbero iniziare?

“Nel panorama dei giochi di miniature c’è una palese tendenza verso la semplificazione” spiega Tomaso “The King of Squid” “inoltre ci sono sempre più giochi da tavola basati sulle miniature. Noi abbiamo voluto mantenere in vita un gioco classico, cioè il gioco di miniature articolato, in cui devi avere idea di tutto quello che vuoi fare al tavolo.”
Questo fattore di complessità è personalmente uno degli elementi che più mi attrae di Confrontation, ma può anche essere un grosso limite: per esperienza personale so bene quanto possa essere difficile convincere altre persone ad iniziare, considerando la difficoltà nell’apprendere le regole generali e quelle specifiche della propria armata.

Proprio per questo a breve uscirà la versione demo di CEvo, che ha lo scopo di consentire ai neofiti di approcciarsi al gioco senza il timore di doversi leggere 200 pagine di regole e magari invece apre la possibilità di provare partite in questa versione anche a fiere ed eventi.

CEvo però rimane un gioco senza nuove uscite previste, qualcosa che secondo Marco “Squera” non è un problema: “Non ho mai capito il discorso secondo il quale un gioco abbia bisogno di nuove uscite. Ci sono già un sacco di miniature e grazie alle missioni c’è tutta la varietà possibile”.
Su questo personalmente un po’ di rammarico mi rimane, viste le grandi potenzialità del background, ma d’altro canto è innegabile che, anche solo con il materiale esistente attualmente, la rigiocabilità è enorme.

Altro aspetto importante per questo progetto è l’internazionalizzazione: “Mi ero reso conto che all’estero c’era tanto interesse [per Confrontation], ma nessuna soluzione in inglese” racconta Flavio “Felian”.
Questo interesse si è concretizzato rapidamente e dall’uscita della versione inglese ad oggi si sono già formati varie comunità che hanno adottato il regolamento di CEvo: in Austria, in Germania, in Svizzera, in Polonia ed in varie località degli Stati Uniti; non solo, in Spagna ed in Francia i giocatori locali hanno deciso di tradurre nelle rispettive lingue il materiale, così da poter diffondere più facilmente il gioco.
Il caso francese è particolarmente rilevante, visto che la comunità d’oltralpe è tuttora la più popolosa e che aveva già un proprio sistema di regole autoctono sviluppato dopo l’addio della Rackham.

Il successo dello sviluppo delle comunità internazionali dovrebbe essere anche la linea guida per l’evolversi della situazione in Italia: l’obiettivo è quello di far sì che le comunità locali di giocatori possano organizzarsi per tornei ed eventi autonomamente, appoggiandosi sulle pagine e sul forum ufficiali, in maniera simile a quanto avveniva ai tempi delle Confederazioni del Drago Rosso, visto che per la crescita del gioco è necessario andare oltre quelle che sono le limitate disponibilità di tempo dei creatori.

L’esperimento di Confrontation Evolution è senza dubbio interessante, anche per quelli che non hanno mai avuto modo di approcciare il gioco in passato, ed è l’esempio di come la voglia di fare possa portare molto lontano un progetto anche senza nessuna casa di produzione dietro.

Grazie quindi all’impegno di tutte le persone dietro a CEvo quello splendido gioco che è Confrontation sta ritrovando una dimensione ed una rilevanza all’interno del panorama italiano (ma anche estero) che merita indubbiamente e grazie a questo, si spera, tante altre persone potranno scoprire il fantastico mondo creato dalla Rackham.

L'articolo Confrontation: Evolution parte 2 – Intervista agli Sviluppatori proviene da Nerdando.

L’edizione del Lucca Comics & Games che si è appena conclusa è stata ricca di grandi ospiti internazionali. Oltre alla leggenda Frank Miller sono stati moltissimi gli artisti ed i premi Eisner presenti alla manifestazione. Abbiamo avuto la fortuna di incontrare, nel primo pomeriggio di sabato 29 ottobre, gli autori Marvel (e non solo) ospiti di Panini John Cassaday e Gabriel Hernández Walta: il primo è affermatissimo nel panorama internazionale, vincitore di 4 Eisner per Planetary, I Am Legion ed Astonishing X-Men, la testata che lo accomuna con lo spagnolo, al momento al lavoro su Visione.

La chiacchierata, che ha toccato principalmente il tema del ruolo dell’illustratore e del suo rapporto con sceneggiatori, editori e nuovi media, si è aperta con uno scambio di cortesie tra gli ospiti. Walta ha dichiarato di ammirare ed invidiare al collega la capacità nel raccontare storie con la sua arte, un’abilità unica nel panorama internazionale, così ricco di ottimi artisti ed allo stesso tempo povero di storyteller. Cassaday ha ricambiato i complimenti, riconoscendo la grande capacità di Walta nel costruire i personaggi e dare loro un’identità e ricordando come entrambi abbiano mosso i loro primi passi lavorando con Jeff Mariotte.

Le domande si sono subito spostate sul loro attuale e passato lavoro in Marvel, ponendo l’accento su cosa si prova a lavorare per la Casa delle Idee ed a confrontarsi con i personaggi storici degli Avengers e degli X-Men. Cassaday ha detto subito come l’approdo in una grande casa editrice non è altro che un punto di partenza, prima di lavorare su personaggi importanti ha dovuto fare molta gavetta partendo dai western per poi arrivare a Planetary ed infine approdare alle grandi testate. Ha anche raccontato della sua prima esperienza ad un Comic Con, in cui tentava di presentare i suoi lavori alla Dark Horse, per poi ritrovarsi solo sei mesi dopo rapito da un turbinio di lavoro che sarebbe bastato ad impegnarlo per un paio di decenni. Cassaday ha poi aggiunto che si è trovato molto bene a lavorare sugli X-Men, sono dei personaggi molto più malleabili rispetto agli Avengers e le loro storie sono sempre drammatiche e ricche di azione. Quando si lavora su testate così importanti, le stesse che leggeva da bambino, è normale partire dagli aspetti che più si amano per poi dare loro la propria impronta ed è proprio così che si è mosso con Joss Whedon nella realizzazione di Astonishing X-Men. Walta vive il proprio mestiere in modo completamente diverso: ama disegnare e spende talmente tanto tempo a farlo che partecipare alle fiere o disegnare per Marvel diventa marginale, per quanto gratificante. Lavorare su personaggi che non conosce o di cui non è fan, come Visione, è per lui più semplice e gli permette di disegnare in modo molto più libero, senza dover faticare per sopprimere il proprio essere fan, eppure il senso di soddisfazione provato nel disegnare per la prima volta la “X” sulla cintura degli X-Men è ciò che lo ha fatto sentire per la prima volta realizzato.

Cassaday e Walta si sono invece trovati sulla stessa lunghezza d’onda quando si è parlato del rapporto con gli sceneggiatori. Entrambi sono a loro agio con scrittori che rispettano il ruolo di storyteller dell’illustratore proponendo script privi di eccessive descrizioni e dettagli, questo modo di proporre le sceneggiature non dipende solo dalla bravura dello scrittore, ma anche e soprattutto dalla sintonia che si crea nel tempo tra sceneggiatore ed illustratore. A tal proposito Cassaday ha ricordato come le prime sceneggiature ricevute da Ellis per Planetary fossero molto descrittive e ricche di dettagli per poi diventare molto più stringate a partire dal secondo o terzo volume della serie.

L’incontro si è concluso con una domanda dedicata al rapporto con i nuovi media e le nuove tecnologie. Walta ha fatto notare come nonostante realizzi le sue opere ancora su carta, l’impatto delle nuove tecnologie sul suo lavoro è notevole e gli permettono di rimanere comodamente in contatto con i suoi editori di New York senza rinunciare a vivere in Spagna con la propria famiglia. Cassaday ha invece fatto notare come le nuove tecnologie abbiano cambiato il modo di relazionarsi con i suoi editori: “Una volta andavo lì [le sedi Marvel e DC a New York] a far vedere il mio lavoro, pranzavo con i responsabili e ricevevo da loro i complimenti. C’era una maggiore componente sociale. Adesso invece faccio scansioni e ricevo feedback e complimenti via e-mail, ma dov’è il mio pranzo?”

L'articolo Incontro con John Cassaday e Gabriel Hernández Walta proviene da Nerdando.

Sono entrato in contatto con le Blankets per puro caso, e il loro progetto ha immediatamente catturato la mia attenzione. Si tratta di cinque fumettiste (Elisa, Francesca, Giada, Giulia e Roberta) e uno sceneggiatore (Roberto) con le idee piuttosto chiare in testa; ho quindi pensato di infilarmi tra le pieghe dei loro fumetti per scoprire cosa bolle in pentola e, soprattutto, cosa avremo modo di trovare nella Self Area del Lucca Comics & Games 2016. Andiamo a conoscere in dettaglio questo collettivo e il loro progetto chiamato evocativamente PanTimeOnium.

Maurizio: Ciao ragazze (e ragazzo)! Benvenuti su Nerdando.com. Partiamo dall’inizio e raccontatemi cosa volete dalla vita di un povero appassionato di fumetti.
Giulia: Ciao, inizio io; ho conosciuto le ragazze in un altro collettivo, abbiamo lavorato bene insieme e abbiamo deciso di iniziare un nuovo progetto. Dopo aver inventato la storia abbiamo aggiunto Roberto per i testi.
Francesca: Questo progetto è iniziato più per amicizia che per il fumetto stesso: ognuna di noi ha mille progetti alternativi e quindi lo abbiamo fatto per divertimento. Poi Roberto, alla fine, ha tirato un po’ le fila ed è venuto fuori qualcosa che ci è piaciuto veramente.
Roberto: Ognuna di loro si è scelta un personaggio, un archetipo. Alla fine avevamo cinque personaggi e c’era il bisogno di fare un’amalgama; così ho cercato di dare un’unità, attaccando tra loro questi pezzi in cui ognuna ha messo il suo, dando la propria impronta.

Maurizio: Parliamo del progetto in sé: da dove inizia, dove finisce, dove volete arrivare?
Giulia: Per prima cosa faremo uno sketchbook in cui presenteremo tutti i personaggi mostrando innanzitutto i nostri stili. Ad esempio Giada è più pittorica, io sono più realistica, Elisa è più “pupazzosa”, Roberta più disneyana e Francesca rappresenta un bel mix di tutte. Mostreremo poi l’ambientazione e introdurremo la vicenda e la storia che, se tutto andrà bene, racconteremo in seguito in un fumetto.
Francesca: La nostra intenzione è quella di catturare l’attenzione del pubblico con lo sketchbook, mostrando gli studi e i luoghi dell’ambientazione.
Roberto: Lo sketchbook è una sorta di banco di prova in cui cercheremo di capire se tutte le idee che abbiamo avuto, la fusione di diversi mondi e stili, possa avere una certa attrattiva. Noi crediamo di sì. La storia si svolgerà in cinque mondi differenti: cinque personaggi che di volta in volta verranno riproposti con stili e tratti differenti. Cinque modi di intendere il fumetto: grossi omaggi a cinque filoni del fumetto mondiale.

Maurizio: Unire linguaggi e stili così diversi è un progetto molto interessante; abbiamo già avuto modo di farci un’idea grazie alle pubblicazioni su Facebook, ma ora sono curioso di sapere come pensate di fonderli tra loro.
Giulia: Con una storia di magia.
Roberto: [ride] Ovviamente con la magia. C’è un perché profondissimo: un patto, una scommessa che porta le cinque ragazze ad incontrarsi in successive incarnazioni. Ogni disegnatrice le farà vivere secondo la propria interpretazione. Ad esempio, siccome il personaggio di Elisa è una suora, quando la storia verrà ambientata nel suo mondo avremo cinque versioni diverse di suore. Questo a livello di stile; mentre a livello narrativo il motivo c’è, ma non lo possiamo rivelare ora. Posso però raccontare l’incipit: sono cinque ragazze condannate a morte che fanno un patto per salvarsi la vita. Sull’orlo della condanna faranno un patto con un demone (il vecchio dio Pan) giocandosi l’anima. Pan le inganna e, anche se salva loro la vita, le scaglia in epoche diverse. Quindi salteranno da un’epoca all’altra e ognuna di loro dovrà affrontare il proprio demone, ovvero il motivo che le ha spinte a commettere il crimine per cui sono state condannate a morte. Il loro scopo quindi è quello di capire se è possibile affrontare il demone con cui han fatto il patto e salvare anche l’anima dalla dannazione.

Maurizio: Qual è il target a cui vi rivolgete?
Roberto: Sicuramente giovani adulti, abbiamo temi e scene erotiche, mature, che non sono adatte a ragazzi. Non sarà eccessivamente spinto, ma ci saranno nudità e violenze. Con lo sketchbook invece vogliamo tastare il terreno e capire quanta gente sarà interessata al progetto.

Maurizio: Toglimi una curiosità. Hai citato erotismo, violenza, crimini. Volete intrattenere con una storia avvincente o volete mettere un sotto testo che faccia riflettere?
Roberto: Per me entrambi. Va bene il just for fun, come South Park e Archer. Ma non è questo il caso: c’è un viaggio nella psiche dei personaggi che farà riflettere il lettore. Sono tutti personaggi disturbati, chi più e chi meno.
Francesca: La cosa carina è che ognuna ha messo qualcosa di sé nel proprio personaggio.
Roberto: [ride] Sì, ogni artista è disturbata come i loro personaggi.

Maurizio: Io spesso faccio fatica a mettermi d’accordo con me stesso, voi come fate a metter d’accordo sei teste di cui oltretutto cinque sono femminili?
Francesca: [ride] Abbiamo già lavorato insieme e ci siamo già messe alla prova; abbiamo visto che lavoriamo bene insieme.
Giada: Fondamentalmente siamo amiche.
Francesca: Ognuna ha il proprio spazio ben definito per cui non ci pestiamo i piedi.
Roberto: E ognuna ha la curiosità di vedere come le altre interpretano il loro personaggio. Alla fine si sono divertite tanto.

Maurizio: Presentatemi i personaggi.
Roberta: Io ho scelto la ragazzina; l’ambientazione è il Giappone dei giorni nostri. Omaggio al classico manga con studenti del liceo ed elementi sovrannaturali.
Elisa: Io ho scelto la suora; un personaggio che non disegno di solito, così ho adottato uno stile più grottesco del mio; lei è completamente pazza, ha una fede incrollabile ma vede il demonio ovunque, anche nelle altre ragazze. Il setting è un monastero dell’epoca Vittoriana. Omaggio al fumetto horror di stampo bonelliano, come Dylan Dog.
Giada: Il mio è la strega, quella che baratta l’anima di tutte con il demone Pan; ha manie di grandezza, è cattiva, arrogante, piena di sé, egoista. Ambientazione: post apocalittica in stile fantasy per adulti anni ’80, un ambiente che mi piace. Amo creare gli sfondi e volevo cimentarmi con questo setting un po’ in stile Mad Max.
Giulia: Io ho scelto la schiava-prostituta. Molto ambivalente, perché ha una certa cultura, capace di intrallazzare col potere grazie al suo carisma. Una donna colta e intelligente, che sa qual è il potere del proprio fascino e lo usa a proprio vantaggio. È partita dal ruolo di schiava per arrivare a fare la tenutaria. L’abbiamo proiettata nella Pompei del 79 d.C. per cui creeremo riferimenti comici con un parallelismo tra l’eruzione del vulcano e analogie erotiche. Lo stile richiama Druuna e Manara, i classici dell’erotismo italiano.
Francesca: La piratessa. Ambientata nella fantascienza pura. Sarà capitana di una nave spaziale e tutti gli altri personaggi ruoteranno attorno a lei.
Roberto: Poi ognuna, come abbiamo detto, avrà un demone personale da vincere, quello che le ha portate alla condanna a morte. Il motivo per cui sono state condannate lo scoprirete nel fumetto, non nello sketchbook. Ma non è un caso: sono tutti personaggi con grande forza e determinazione; anche quello della ragazzina.

Maurizio: Come mai “Blankets”?
Giulia: Blankets, in inglese, vuol dire “coperte”. La prima volta che ci siamo viste per parlare del progetto eravamo tutte con una coperta in testa, perché faceva freddissimo. Quindi abbiamo preso spunto. Ci piaceva anche l’idea della cosa che si legge sotto le coperte, con le torce.
Roberto: Per il fumetto, invece, dopo un lungo brainstorming si è scelto un gioco di parole con pandemonio, che poi è quello che succede. Il nome del demone è nato dopo il gioco di parole e infine c’è il fatto che le cinque viaggiano nel tempo, per cui sembrava il nome più adatto. Ed ecco: PanTimeOnium.

Maurizio: Tema dell’erotismo. Da un lato abbiamo cinque fanciulle che disegnano un fumetto violento ed erotico, cosa che vi attirerà sia tante simpatie che antipatie. Trovo però interessante, da un punto di vista sociale, che la produzione femminile stia aumentando su temi che fino a qualche tempo fa erano a prerogativa maschile.
Giulia: Se ci pensi non solo quello erotico, ma tutto il fumetto in generale era prerogativa solo maschile. Forse questa è la prima generazione che cerca di emanciparsi; se non la prima, la seconda, per cui noi partiamo dal coraggio di quelle pioniere e proviamo a dare il nostro punto di vista.

Maurizio: Credete che la cosa avrà un impatto prevalentemente positivo o negativo? Cattura o scandalizza?
Giulia: Secondo me ha vantaggi e svantaggi in egual misura. Attiri più l’attenzione, ma attiri anche tante critiche rispetto a quello che attirerebbe un uomo e devi difenderti di più.
Francesca: Questo mondo va tanto a simpatia, per cui se non vai a genio a questo o a quello sei già tagliato fuori.
Giulia: Secondo me comunque crea curiosità che siano ragazze ad affrontare questi temi, per cui attireremo anche tante critiche che poi dovremo essere brave a scrollarci dalle spalle.

Maurizio: Rovescio della medaglia: vi ribalto la domanda. Aspettarsi delle critiche sul “malcostume” è fin troppo banale; ma c’è il rischio che invece questa cosa venga presa come bandiera del femminismo, con un sottotesto che va oltre i vostri presupposti?
Roberto: No, penso di no.
Giulia: Secondo me c’è più il rischio di venire etichettate come se lo facessimo apposta per aver maggior visibilità, quindi più per un fatto commerciale che non per divertimento.
Giada: In effetti, anche di recente hanno criticato un post prettamente erotico.
Roberto: Lo hanno criticato perché rispondeva a determinati stereotipi della bellezza femminile, ma chi ha criticato semplicemente non aveva capito di cosa stessimo parlando. Se sto descrivendo una donna che vende il suo corpo per vivere, è ovvio che sia poco vestita, ha un suo senso logico. Diversamente avrei capito le critiche se avessimo disegnato “la ragazzina” completamente nuda.
Francesca: Ci sono persone che criticano solo per il gusto di criticare. E ci saranno sempre.
Giulia: Sì, ma abbiamo le spalle larghe nonostante stiamo ingobbite sui fogli tutto il giorno.

Maurizio: Ok, concludiamo l’intervista dicendo a tutti quando e dove vi troveremo.
Giulia: Siamo a Lucca, nella Self Area. E tanto per chiudere il cerchio, siamo in una chiesa. E a me l’idea dell’erotico in chiesa piace moltissimo.

Maurizio: Grazie mille per il vostro tempo e tanti auguri per il progetto.
Tutti: Grazie a te e a Nerdando.com!

L'articolo Due chiacchiere con le Blankets (PanTimeOnium) proviene da Nerdando.

Il rapporto tra fumetti e tv non è mai stato stretto come in questo momento, dominato al cinema dai fortunatissimi cinecomic e in tv dalle serie tratte dalle opere a fumetti, che riscuotono altrettanto successo. E le produzioni italiane? Non si può dire che stiano a guardare: è in corso di sviluppo, infatti, un progetto davvero interessante, che prende spunto proprio da un fumetto nostrano. Si tratta di Black Death: The Series e promette di rilanciare l’horror scanzonato all’italiana sul piccolo schermo, senza tuttavia tralasciare un tocco on the road dal tipico stile americano.
Abbiamo avuto la possibilità di parlare della serie insieme al suo regista, Luca Canale Brucculeri che, tra l’altro, è un autentico nerd per quanto riguarda horror e fumetti.

Clack: Ciao Luca e benvenuto su Nerdando.com! Ti andrebbe di presentare ai nostri lettori Black Death: The Series dal punto di vista del suo regista? 
Luca: Ciao a tutti! Dunque, come presentare Black Death: The Series dal punto di vista registico? Innanzitutto è una sfida per me, un nuovo mondo a cui approcciarmi e che adoro: sono un divoratore di fumetti, in particolare di Dylan Dog, ho amato Black Death fin dalle prime pagine con il suo stile accattivante, un misto di azione e B-Movie ma su carta, con personaggi carismatici, “cazzari” che non si prendono sul serio ma, quando è il momento di entrare in azione per salvare il mondo, diventano dei veri e propri eroi al 100%.

C: Puoi svelarci qual è l’approccio stilistico che hai scelto per Black Death: The Series?
L: La sfida più grande è appunto quella di presentare Black Death: The Series come una vera e propria ventata d’aria fresca per i cinecomic: sappiamo che negli ultimi anno hanno dominato il mercato cinematografico mondiale con successi ma anche con insuccessi; Black Death porterà in scena qualcosa di visivamente innovativo, un misto tra realtà e finzione, tra celluloide e carta stampata, con uno stile dinamico che possa intrattenere lo spettatore. Il fumetto è un VM 14 a tutti gli effetti, e questo è un elemento che non abbandonerò proprio perché è uno dei punti di forza della storia! Nonostante le novità, cercherò di rimanere il più possibile fedele all’opera originale, pur inserendo uno stile e una firma più personale.

C: Sei un cultore di un certo cinema horror italiano: chi sono i tuoi registi di riferimento e quanto di loro metterai nella serie?
L: Il cinema horror l’ho amato, lo amo e lo amerò per sempre. Faccio horror sostanzialmente perché da piccolo ero molto pauroso, avevo realmente paura di qualsiasi film horror, addirittura mi spaventavo nel vedere semplicemente uno scheletro umano! Ma da un lato ne ero attratto: ad esempio, intorno ai 5/6 anni, amavo una serie a cartoni chiamata “Little Dracula” che narrava appunto le gesta del figlio minore del più famoso Conte Dracula, avevo paura del mondo del sovrannaturale, dell’orrore ma non potevo fare a meno di dormire con la bara di Little Dracula sul comodino. Diciamo che mi dava un senso di protezione! Di conseguenza, l’arrivo del cinema horror nella mia vita è stato graduale e sono amante del cinema della old generation sia come stile che come effetti speciali, tra tutti Mario Bava (che ha anche diretto Diabolik), Lucio Fulci, Michele Soavi ma anche gli internazionali Carpenter e Raimi. Probabilmente però, nella serie, ci sarà molto di più un’impronta nostrana del grande Cinema horror italiano, pur mantenendo un’atmosfera da road trip internazionale.

C: Black Death: The Series è tratto da un fumetto (scritto da Andrea Gallo Lassere): com’è trasporre in tv qualcosa che nasce su carta? L’autore sta collaborando alla realizzazione?
L: Io e Andrea parliamo molto, ci confrontiamo su ogni scelta: ad ogni passo avanti io parlo direttamente con lui e gli comunico le novità che apporterò alla controparte cinematografica. Ha delle grandi idee che ha praticamente utilizzato per il 5% nel fumetto ed ora, con l’arrivo della serie, stiamo raddrizzando il tiro, cercando di utilizzare almeno il 50% delle idee che ha Andrea attualmente. Lavorare ad una trasposizione non è propriamente semplice, hai una grande responsabilità tra le mani: devi accontentare i fan del fumetto, l’autore ma anche il nuovo pubblico e naturalmente te stesso. Fortunatamente ci ha pensato Paola Barbato a scrivere una sceneggiatura che potesse aiutarmi in queste scelte, prendendo la storia di base e trasformandola in qualcosa di più dinamico e ancora più accattivante!

C: Puoi dirci se si tratterà di una trasposizione o se, partendo dal fumetto, la serie avrà uno sviluppo autonomo e parallelo?
L: Posso dire che, per quanto riguarda il pilot (a cui stiamo lavorando al momento), sarà molto fedele alla controparte cartacea ma in alcuni punti si dilungherà e trasformerà ulteriormente, dando più respiro ai personaggi e alle vicende. Per gli episodi successivi, nel momento in cui verrà ordinata la prima stagione, cercheremo di rimanere fedeli al fumetto ma allo stesso tempo di raccontare qualcosa di nuovo, cercando di espandere il mondo di Black Death come lo conosciamo: come per due linee rette affiancheremo la storia originale ma in determinati punti, i più salienti, la incroceremo.

C: Puoi svelarci qualcosa sulla colonna sonora? Ad esempio gli AC/DC, citati esplicitamente nel fumetto, saranno presenti?
L: Per quanto riguarda la colonna sonora ci stiamo ancora lavorando: posso dire che del reparto audio si occuperà un’importante studio di Torino ma per il main theme abbiamo in serbo grosse sorprese legate ad un gruppo amante dell’horror italiano d’annata, allo stesso tempo votati all’innovazione.

C: L‘opera originale presenta moltissime citazioni, anche cinematografiche: sarà così anche per la tua serie?
L: Non ne avete idea! Se il fumetto era pieno zeppo di citazioni anche la serie le avrà, sia basate sul fumetto sia vere e proprie scene nuove dove i protagonisti avranno a che fare direttamente con personaggi del mondo del cinema e non… Ma non voglio svelarvi nulla!

C: L‘Italia ha un panorama fumettistico vario e notevole, finora perlopiù ignorato dalla tv: pensi che il tuo lavoro con Black Death: The Series possa segnare un punto di svolta in questo senso, come accade già in America? (Pensiamo, ad esempio, alla Marvel e alle sue fortunate trasposizioni televisive).
L: L’idea è proprio questa: partire da Black Death ed espandere il tutto ad un livello superiore! La stessa serie potrebbe fungere in futuro da backdoor pilot per nuove serie, chi lo sa? L’interesse per ora è molto alto e questo è un punto a nostro favore, in particolare all’estero!

C: Quando potremo vedere Black Death: The Series?
L: Per ora stiamo lavorando al pilot che sarà pronto per l’estate 2017, da quel momento grazie a Marco Milone, che ha creduto in me e nella mia follia, e a FILMIKA che si occuperà della produzione pratica, si decideranno le sorti del franchise: di sicuro non vogliamo assolutamente fermarci qui, ma espandere Black Death (proprio come la sostanza presente nel fumetto) il più possibile. Le prime immagini in movimento comunque si potranno vedere dopo la fine di ottobre e vi assicuro che i protagonisti non vedono l’ora di mostrarsi, ma per ora il cast e la produzione sono blindatissimi, ma abbiamo le nostre buone ragioni, non vogliamo fare gli antipatici!

C: Grazie per aver chiacchierato con noi, non vediamo l’ora di vedere la serie!
L: Grazie e a presto!

L'articolo Due chiacchiere con: Luca Canale Brucculeri (Black Death: The Series) proviene da Nerdando.

Abbiamo avuto l’occasione di scambiare due chiacchiere con Kelly Hill Tone, eclettica performer italiana che unisce la passione per il DJ-Set al colorato mondo del cosplay. Non solo: la sua vena artistica va a raccogliere le sonorità della musica elettronica vintage 8-bit. Ecco cosa ci ha raccontato.

Maurizio: Ciao Kelly e benvenuta su Nerdando.com.
Vuoi raccontare in breve ai nostri lettori chi sei e cosa fai nella vita?
Kelly: Ciao a tutti gli amici di Nerdando.com! Mi chiamo Kelly, ho 22 anni e sono una DJ/Cosplayer; ho unito le mie due più grandi passioni: la musica e il cosplay!

M: Iniziamo subito con una domanda spinosa: DJ-Set e Musica vintage 8-bit. Un’accoppiata originale, come ti è venuta l’idea?
K: L’idea mi è venuta qualche anno fa, pensando che sarebbe stato carino portare in consolle le colonne sonore di videogiochi retro e arcade remixati in stile Electro, mantenendo comunque il tipico sound 8-bit che le caratterizza!
Grazie a questa idea ho avuto la possibilità di esibirmi alla Games Week di Milano e alla Games District all’interno del Model Expo di Verona! Sono molto contenta.

M: Dove trovi l’ispirazione per il tuo lavoro?
K: Trovo l’ispirazione in tante cose diverse fra loro. Sicuramente mi ispiro moltissimo al mondo nipponico, il mio personaggio da DJ/Cosplayer si basa sulla mia idol virtuale preferita cioè Hatsune Miku, la famosa Vocaloid giapponese. Inoltre mi ispiro a diversi artisti con i quali sono cresciuta ascoltando la loro musica, come ad esempio i Daft Punk e deadmau5. Ovviamente mi sono ispirata anche a videogiochi e anime, specialmente vintage.

M: Domanda tendenziosa: qual è, tra i videogame, la tua colonna sonora preferita?
K: Per quanto riguarda il retrogaming mi piace da morire Star Maze da Super Mario Land 2, ci sto anche lavorando: sto facendo un remix!

M: Ora ti dico la nostra, che siamo ben più vecchi di te: The Secret of Monkey Island. Ci dedichi qualcosa ispirato a questo main theme alla prima occasione?
K: Ci posso provare! Ogni occasione è buona per mettersi in gioco.

M: A proposito della tua (giovane) età: abbiamo notato che c’è un grande interesse nella musica vintage elettronica, secondo te da dove deriva?
Secondo me è perché ci siamo stufati di ascoltare sempre le solite canzoncine commerciali, le solite hit tutte uguali: vogliamo qualcosa di più autentico, unico e originale. Abbiamo bisogno di apprezzare qualcosa di diverso, di davvero creativo, artistico e ben fatto. Ancora adesso ci sono dei pezzi degli anni ’80-’90 che vengono suonati come se fossero attuali: sono immortali; forse perché una volta nella musica gli artisti ci mettevano il cuore e non avevano le pressioni che si hanno al giorno d’oggi. Per quanto mi riguarda, è un interesse che sto portando avanti dall’adolescenza, quindi ormai da qualche anno, e deriva semplicemente dal mio gusto personale e dalla mia preferenza per certe sonorità ricercate piuttosto che per le solite e banali “commercialate”.

M: Credi sia una moda passeggera?
K: Spero vivamente di no, per me non lo è!

M: Ma parallelamente alla tua attività di DJ, sei anche una cosplayer. Cosa rappresenta per te il cosplay?
K: Rappresenta un mondo fantastico in cui per un giorno posso essere Hatsune Miku, Sailor Moon o la Principessa Peach! Insomma posso essere “irreale” e evadere dalla monotonia e dalla noia di tutti i giorni. Io lo dico sempre: il mondo è troppo grigio e noioso per fare sempre la persona seria.

M: Qual è il processo per cui scegli un particolare personaggio piuttosto che un altro?
K: Scelgo sempre i personaggi in cui mi rispecchio di più. Ho iniziato a inserirmi nel mondo del cosplay interpretando personaggi piuttosto vintage come ad esempio Queen Millennia o Kei Yuki da Capitan Harlock, passando poi per Hatsune Miku, Sailor Moon, DJ Sona e Princess Peach. Preferisco interpretare personaggi attinenti al mondo della musica, infatti mi sono soffermata molto su Hatsune Miku e ne ho fatto diverse versioni tratte dal videogame Project Diva Arcade ma anche su DJ Sona da League of Legends, con tanto di consolle con luci a led.

M: Il tuo personaggio preferito?
K: Senza dubbio è Hatsune Miku!

M: Quanto incide la cultura nipponica sulla tua arte?
K: Moltissimo: sia musicalmente, sia per quanto riguarda cosplay, stile e moda.

M: Le tue performance davanti al pubblico sono molto apprezzate e ti hanno fatto vincere diversi contest: qual è il tuo segreto? Perché piacciono tanto?
K: Non ho segreti: quando sono sul palco sono me stessa e cerco di dare il meglio di me. Quando sono sul palco mi sento viva e piena di energia, voglio trasmettere la mia grinta a chi mi sta guardando.

M: Abbiamo notato che usi il cosplay durante i tuoi DJ-Set. Possiamo considerarlo il tuo marchio di fabbrica?
K: Assolutamente si! Mi piace indossare i miei costumi e parrucche anche al di fuori degli eventi cosplay. È bello perché la gente viene a conoscenza di questa arte e inizia a considerala come tale: una vera forma d’arte e non una carnevalata. Portiamo un po’ di allegria in un mondo in cui sono tutti vestiti uguali!

M: Che impatto ha sul pubblico vedere in carne ed ossa un personaggio virtuale come Hatsune Miku?
K: Molto positivo! Mi capita spesso di incontrare gente che mi chiede qualche foto oppure fan con cui condividere la stessa passione per Vocaloid e per Hatsune Miku.

M: Come possono fare i nostri lettori ad ammirare dal vivo una tua performance? Dove ti vedremo la prossima volta?
K: Questo mese parteciperò a un evento molto noto nella mia zona cioè il Nipponbashi di Treviso.
Interpreterò la Principessa Peach assieme al mio Super Mario: se siete della zona venite a trovarci, vi aspettiamo con una performance speciale!

M: Grazie mille per il tuo tempo. Vuoi dedicare un saluto ai nostri lettori?
K: Certo. Un caro saluto a tutti i lettori di Nerdando.com e colgo l’occasione per fare un ringraziamento speciale alla redazione!
Ciao!

L'articolo Due chiacchiere con: Kelly Hill Tone (DJ e Cosplayer) proviene da Nerdando.