“Sento le loro voci dietro la porta e i colpi ritmici
carichi di rabbia.
I loro lamenti nuotano nella mia mente confusa come
papere in uno stagno torbido.
Persino il loro olezzo mi disturba, tradisce un
desiderio di morte.
Non ricordo da quanto tempo sono rinchiuso in
questa stanza,
ma so che sono senza speranza.
Prima o poi verranno a prendermi e mi uccideranno
nel modo più atroce che conoscono.
Vi odio, maledetti… vivi!”

Recensione

Alcuni giochi nascono da idee semplici, per certi versi quasi scontate eppure poi, a pensarci bene, sono idee che in decenni non sono mai venute in mente a nessuno.
Questo è più o meno quello che ho pensato quando ho lanciato (si dice ancora così?) per la prima volta Vultures – Scavengers of Death (VSoD, per gli amici).
Insomma, parliamoci chiaro, perché finora nessuno ha mai pensato di realizzare una versione dei classici Resident Evil a turni?
In fin dei conti, al giorno d’oggi, si realizza qualunque cosa a turni, persino giochi di calcio o addirittura di corse (!).
Questo è quello che devono aver pensato quei ragazzacci di Team Vultures, quando hanno gettato le basi per il gioco che ora abbiamo tra le mani.
Mezzi, diciamocelo chiaramente, ne devono aver avuti davvero pochi, ma passione e talento secondo me sono cose che davvero non gli mancano.
Il risultato – lo so, non dovrei anticipare nessun giudizio, ma un po’ di sana anarchia non guasta – è un piccolo gioiello, forse il miglior gioco indie di questo scorcio di 2026, secondo il mio modestissimo parere.
E allora senza ulteriori indugi, andiamo a vedere più da vicino di che pasta è fatto questo VSoD.

C’era un duro, una contorsionista e una pessima multinazionale…

Allora, togliamoci subito il dente e ammettiamo che il presupposto, e forse anche un po’ la storia nel suo complesso, non trasudano certo originalità da tutti i pori, ma in fondo, siamo onesti, non è che i Resident Evil classici facessero di meglio. Insomma, se Romero non hai mai fatto causa alla Capcom non è perché non avesse le sue ragioni, ma solo perché, molto probabilmente, era un tipino pacifico.
Detto questo, VSoD ci mette nei panni di un gruppo di mercenari, denominato appunto VULTURES, impegnato in una missione estrema: cercare di far luce sulla diffusione di un virus, seguendo le tracce dello scienziato Thiago Schultz, investigando, nel contempo, sul losco coinvolgimento della misteriosa Eugenesys Corporation.
Insomma, sostituiamo Umbrella a Eugenesys e il gioco è fatto.

La circostanza curiosa, però, è che questa marcata somiglianza nell’incipit, anziché far storcere il naso, produce la reazione opposta, quella confortante familiarità che ci fa sentire subito a nostro agio.
Insomma, un ritorno a casa così confortante che nemmeno le traversate del continente americano per il giorno del Ringraziamento sanno regalare.
Va detto inoltre, che, tanto per aumentare ancora un po’ l’amarcord, gli sviluppatori hanno deciso di darci la possibilità di interpretare due personaggi diversi che seguono storie e missioni del tutto distinte.
Da un lato, infatti, abbiamo Leopoldo (lo so, il nome potevano sceglierlo meglio…), il classico action man anni ’80, uno di quelli che si sfrega i cerini sulla barba e si spegne le cicche sulla guancia.

Dall’altro, Amber, una tipetta silenziosa e letale, talmente snodata che solo a vederla fa venire sogni erotici a base di contorsionismo anche al più ascetico dei santi.

Ora, assolto questo faticoso dovere, passiamo a parlare di gameplay vero e proprio.

Sta fermo che ti sparo!

Come dicevo in apertura, l’idea di fondo è quella di ricostruire il gameplay dei classici survival horror in chiave strategica, donandogli quindi la struttura classica di un gioco a turni.
Il mio primo timore, quindi, è stato proprio quello di andare a valutare la bontà del sistema di combattimento, perché se quella sezione non fosse stata all’altezza, il resto del gioco avrebbe perso subito ogni appeal ai miei occhi.
Così, ignorando la regola d’ora secondo la quale “se c’è una sezione Tutorial è sempre caldamente consigliato farla”, ho gonfiato il petto (compatibilmente con le mie limitate capacità fisiche) e mi sono fiondato nel gioco, forte della mia inettitudine decennale nei giochi strategici.
Inutile dirlo, non è stata la migliore delle idee.
Il gioco, infatti, affrontato senza la dovuta conoscenza, mi è parso da subito ripetitivo e difficilissimo.
Così, dopo circa un’ora di gioco e una buona dose di colorite imprecazioni, stanco di ridurre il buon Leopoldo alla leggendaria “mappina”, ho preso la dolorosa decisione di ricominciare tutto daccapo, Tutorial compreso, e qui mi si è aperto un mondo!
E già, perché il sistema di combattimento che all’inizio mi era parso un po’ limitato, ha iniziato ad acquisire molto più senso e profondità.
Ho capito l’importanza delle manovre, dell’uso tattico delle armi, dell’ambiente e così via.
Insomma, tra una spinta, uno scambio di posizione ed un uso oculato dell’uncino, il campo di battaglia si è presto trasformato in una sala da ballo e io… beh… ho cominciato a innamorarmi letteralmente del gioco.
Il loop del gameplay, invero, è piuttosto semplice. Dal nostro quartier generale possiamo selezionare una missione tra quelle disponibili che potranno essere affrontate solo dal mercenario prefissato dal gioco.
In alternativa, prima di cominciare a far strage di zombie, possiamo investire i nostri soldi nell’acquisto e/o nel potenziamento della nostra attrezzatura o nella scelta (inutile) di un diverso vestito.

Una volta calati nella missione, poi, ci muoveremo per gli intricati scenari alla ricerca di indizi, armi e oggetti vari, cercando il più possibile di evitare i morti viventi.
Ucciderli, infatti, non ci porterà alcun beneficio se non quello di sgomberare una stanza o un passaggio.
Non appena uno di loro si accorgerà della nostra presenza si aprirà la fase dello scontro a turni.
il giocatore a questo punto avrà a disposizione un magrissimo bottino di 3 punti azione e 3 punti movimento. Apparentemente pochi, ma con un po’ di… ehm… “materia grigia” (come battuta è il minimo sindacale, ma visto che si parla di zombie…) si possono creare delle manovre assolutamente esaltanti. Il bello, più di ogni altra cosa, è che, per quanto gli scontri siano sempre ostici e ci vedano in costante inferiorità numerica, non ci si sente mai davanti a un puzzle mascherato da gioco strategico dove si deve per forza trovare la soluzione pensata dagli sviluppatori per ripulire la stanza.
Al giocatore è lasciata ampia libertà e tra manovre, trappole e insidie ambientali, abbiamo un ventaglio di opzioni davvero sconfinato.
Terminata che avremo la nostra missione, faremo ritorno alla base dove il loop acquisti-scelta equipaggiamento-missione riprenderà il suo corso, secondo un andamento piuttosto lineare.

Non è vecchio, è vintage

Questa è più o meno la frase che dicono sempre le amiche di mia figlia quando mi vedono e mi sembrava adatta anche per dare il titolo a questo paragrafo.
Insomma, sul piano grafico, il prode duo di sviluppatori, pur volendo chiaramente evocare i tempi d’oro della PS1, ha optato saggiamente per uno stile molto più personale, applicando una serie di filtri che, attraverso un’immagine perennemente sporca, donano al gioco un fascino davvero unico e, nel contempo, mascherano la ruvidezza dei pochi poligoni.
Questo contribuisce enormemente all’atmosfera horror complessiva sempre molto tesa, e capace anche di non lesinare derive splatter raccapriccianti.
Forse sul piano delle animazioni si poteva fare qualcosina di più, ma, considerando i valori produttivi, penalizzarlo per questo sarebbe davvero ingiusto.
Il sonoro, dal canto suo, fa il suo dovere e richiama spesso alla mente effetti che ben riposavano in qualche angolino della nostra non più giovanissima mente.

Conclusioni

Lo dico in modo puro e semplice e me ne assumo tutta la responsabilità: a mio modesto avviso Vultures – Scavengers of Death si candida ad essere uno dei migliori giochi indie del 2026. Semplice nell’idea e pressoché perfetto nell’esecuzione, ti farà venire una gran voglia di giocarlo ancora e ancora, finché non vedrai la parola fine.
Il suo pregio più grande è, forse, quello di riuscire a giocare con la nostalgia senza adagiarcisi sopra, ma anzi declinando il genere del survival horror in qualcosa di praticamente nuovo.
Chapeau a tutto il Team Vultures!
Ora resta solo un interrogativo: a quando il DLC o Vultures 2?

Prezzo

Vultures – Scavengers of Death lo trovi su Steam al prezzo di lancio di € 13,99, una miseria in confronto al divertimento che saprà regalarti!

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Nerdando in breve

Trucidare gli zombie non è mai stato così divertente e impegnativo.

Trailer

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Introduzione

Da quando faccio parte di Nerdando, sono inevitabilmente diventata “l’esperta furry” della redazione, vista la mia passione per tutto ciò che ha come protagonisti animali antropomorfi. Sebbene una parte di me volesse scrollarsi di dosso questa etichetta, quando ho visto il trailer di Back to the Dawn, come un vero animale, non ho potuto rinunciare alla mia vera natura e ho voluto assolutamente giocarlo e ringrazio tantissimo Spiral Up per avermi dato questa possibilità per poterne poi parlare qui.

Nonostante questa mia fama, ci tengo a sottolineare che la presenza o meno di furry è un elemento marginale che attira la mia attenzione, ma che non condiziona il mio giudizio finale su un prodotto. Back to the Dawn, infatti, è un gioco che può perfettamente funzionare anche con personaggi umani o umanoidi e ora ti spiego perché mi è piaciuto e voglio continuare a giocarlo ancora per parecchio tempo.

Recensione

Back to the Dawn è un RPG sviluppato da Metal Head Games e ambientato in una prigione di massima sicurezza. Sebbene sia uscito a luglio 2025 su Steam, ha recentemente fatto il suo debutto anche su Switch e, avendo avuto modo di giocarlo su Switch 2, devo dire che è un titolo che si adatta bene alla portatilità della console.

A colpire principalmente in questo gioco non è solo la pixel art dettagliatissima, ma anche la narrazione con le sue scelte da prendere e la struttura del GDR, con tiri di dado per superare sfide. Ma andiamo per piccoli passi e iniziamo a parlare della storia.

La Storia

In Back to the Dawn avrai la possibilità di scegliere se affrontare la dura vita del carcere nei panni di Thomas la Volpe o di Bob la Pantera. Io, da sempre amante di personaggi Disney come Robin Hood e Nick Wilde (la volpe di Zootropolis), non potevo non scegliere Thomas, un giornalista d’inchiesta che viene incastrato e arrestato dopo aver indagato su un grave caso di corruzione che coinvolge il sindaco.

All’inizio dell’avventura, dopo aver scelto difficoltà e personaggio, potrai scegliere anche tra tre diversi background, in questo caso legati alla tipologia di giornalista (televisivo, d’inchiesta o reporter in guerra), che determineranno non solo il passato del personaggio, ma anche le sue caratteristiche e le sue abilità da usare durante il gioco.

Dopo aver effettuato queste scelte e aver assistito al momento in cui il povero Thomas viene ingiustamente arrestato, ha inizio la nostra vita in carcere. Ogni giornata è scandita da orari precisi; dopo la conta mattutina possiamo decidere se lavorare e guadagnare denaro o svolgere altre attività all’interno del carcere, come parlare con altri detenuti, sgraffignare oggetti dall’infermeria e svolgere quest per le guardie o le gang della prigione.

In prigione potremmo svolgere alcuni lavori, come in lavanderia o in cucina. Non importa cosa deciderai di fare, l’importante è guadagnare perché in questo carcere ogni cosa ha un prezzo e spesso sarà pure caro.

Avremo tempo sino a mezzogiorno e mezza, ora dedicata al pranzo in cui potremo riempire il nostro stomaco con piatti che varieranno ogni giorno e che daranno dei bonus alle statistiche. Ma ricorda, tutto ha un costo e per questo converrà sempre lavorare un po’ la mattina o fare quest ben retribuite.

Terminato il pranzo, avrai un po’ di tempo da passare all’aria aperta prima che scatti l’ora di cena. L’esterno della prigione ci offre varie possibilità come allenarsi, pregare in chiesa per purificare la nostra mente dagli incubi notturni, leggere o semplicemente parlare con altri detenuti e fare amicizia.

Il coprifuoco è alle 21:30, ma prima che scatti potrai decidere di passare il tuo tempo con attività ricreative come guardare la TV o scommettere sui combattimenti clandestini. Quando sarà l’ora, potremo andare a dormire e sperare di non avere incubi, per poi ricominciare con una nuova giornata quasi identica.

Nonostante le restrizioni, potrai uscire a prendere una boccata d’aria, sempre che non commetti qualche sbaglio e finisci in isolamento per un paio d’ore…

Se si è innocenti e si desidera vendicarsi di chi ci ha incastrato, la voglia di rimanere ad attendere in prigione è molto scarsa. Per questo motivo, Thomas pian piano elaborerà un piano di fuga e cercherà di ottenere oggetti utili e favori dagli altri prigionieri affinché questo piano si realizzi.

Narrativamente parlando, mi è piaciuta la suddivisione in capitoli e la presenza di flashback che danno al gioco un taglio quasi cinematografico ma, soprattutto, la presenza di numerosi personaggi con cui interagire che hanno diverse storie da raccontare.

Gameplay

Back to the Dawn ha tutte le caratteristiche per essere un buon GDR. Innanzitutto, dà al giocatore la possibilità di fare diverse scelte sia di dialogo che morali. Infatti, potremmo decidere di commettere furti, attaccare altri carcerati con armi improvvisate o entrare a far parte di una gang. In base a come deciderai di interpretare il personaggio, vedrai dei cambiamenti in Thomas o in Bob e la loro reputazione nel carcere cambierà, così come il modo in cui gli altri interagiranno con loro.

Un altro elemento che ho apprezzato tantissimo come GDR è sicuramente il lancio dei dadi per azioni un po’ più di sfida o scelte di dialogo che richiedono abilità specifiche. In caso di fallimento potremmo ritentare usando punti focus, ma se li abbiamo terminati e non abbiamo oggetti che aiutano a ripristinarli, subiremo eventuali conseguenze.

Come ho detto in precedenza, scegliendo il background del personaggio avremo delle specifiche abilità e caratteristiche; tuttavia, nel corso del gioco sarà possibile ottenere punti per poterne sbloccare di nuove e ottenere così dei vantaggi durante i tiri dei dadi.

Una piccola anticipazione di cosa ci attende durante la fuga.

Le giornate possono sembrare ripetitive e richiedono una buona organizzazione del tempo e del denaro per poter sopravvivere alla dura vita del carcere, in quanto dobbiamo tenere sempre alte le nostre statistiche (salute, energia, salute mentale, fame e igiene personale). Nonostante ciò, avremo alcuni momenti in cui svolgere minigiochi per passare il tempo o ottenere oggetti. Per esempio, prima di automatizzare il lavoro in lavanderia, ho dovuto fare un minigioco in cui bisogna azzeccare i secondi necessari per stirare un indumento specifico. Personalmente, nella vita vera stirare è qualcosa che detesto fare, ma come minigioco l’ho trovato parecchio divertente.

Parlare con gli altri detenuti può essere la chiave per la tua libertà, ma non potrai contare solo sugli altri e dovrai farcela con le tue zampe. Dentro la tua cella, infatti, avrai la possibilità di craftare oggetti: alcuni saranno utili alle missioni, altri si riveleranno indispensabili per la  tua fuga.

Insomma, le giornate sono apparentemente tutte uguali, ma avremo la possibilità di fare cose diverse ogni giorno e trovare così pian piano la via di fuga.

Grafica e Sonoro

Trovo impossibile non rimanere colpiti dalla bellezza della pixel art di questo gioco e, fin da subito, si nota una cura nei dettagli, sia nella realizzazione delle ambientazioni che nel character design. Sebbene lo stile sia cartoonesco, la combinazione di pixel ci fa comunque immergere nei tristi ambienti della prigione. Tuttavia, facendo salti nel passato dei nostri protagonisti, vediamo anche ambienti diversi da quello del carcere e anche in questi è impossibile non ammirarne la bellezza e la cura dei dettagli.

Ecco un esempio di un ambiente diverso da quello della prigione, un locale con dettagli su cui indagare.

Inoltre, ho apprezzato l’estetica di vari elementi di gioco, partendo dall’interfaccia della schermata, che ci permette di tenere sotto controllo le statistiche del personaggio, fino ai vari menù, che risultano semplici ma chiari e, in questi casi, vale assolutamente il concetto di “Less is More“.

Tale immersione nella storia è garantita anche dalle musiche, le quali intensificano l’esperienza della vita in carcere creando pathos nei punti salienti; per questo consiglio di giocarlo con il volume e di spuntare l’opzione del voice over anche se in giapponese (il gioco è localizzato in inglese, ma è doppiato solo in cinese e giapponese). Sebbene solitamente io preferisca i doppiaggi italiani o americani, ho trovato l’interpretazione del voice actor giapponese di Thomas molto espressiva e coinvolgente.

In conclusione

Back to the Dawn è un gran bel GDR e, sebbene i character design degli animali giocano una forte componente per i miei gusti personali, sono convinta che se al posto di Thomas la volpe avessimo avuto un uomo un po’ smilzo con i capelli rossi, mi sarei divertita lo stesso tantissimo a interpretarlo, perché questo gioco ha le caratteristiche giuste per essere un buon gioco, soprattutto perché dà al giocatore quello che ci si aspetta da un’evasione dal carcere.

Io continuerò a giocarlo sulla mia Switch perché l’ho trovato davvero coinvolgente e voglio assolutamente provare anche l’arco narrativo della pantera Bob per vedere eventuali differenze tra i due personaggi e nella storia. Magari una volta completato, chissà, potrebbe entrare tra i miei Nerdando’s Choice, per il momento si dovrà accontentare dell’oro, perché è un titolo che mi sta piacendo parecchio soprattutto a livello narrativo e di gameplay.

Il tropo narrativo della fuga dalla prigione ha funzionato in passato con film come Fuga da Alcatraz o in serie TV come Prison Break, ma anche in videogiochi come A Way Out, e continua a funzionare anche qui in Back to the Dawn. Quindi, al di là della presenza di animali antropomorfi, se ti piacciono i GDR e le grandi fughe, questo è il titolo adatto a te.

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Nerdando in breve

Back to the Dawn è un RPG ambientato in una prigione di massima sicurezza per animali antropomorfi da cui dovrai scappare. Un ottimo gioco per chi adora i furry, ma soprattutto per chi ama fare scelte tirando dadi e organizzare evasioni come nei grandi film.

Trailer

L'articolo Back to the Dawn – Una fuga da Alcatraz bestiale proviene da Nerdando.

Le collezioni Evercade sono notoriamente sinonimo di retrogaming. Ma se ti dicessi che esistono cartucce con selezioni di videogame recenti modern retro? È proprio questo il tema del filone di cartucce chiamato Indie Heroes di cui oggi ti propongo la recensione della numero 2. Una solida collection di 12 titoli indie capace di mostrare quanto variegato e creativo sia il mondo del videogame indipendente.

Recensione

Ho testato, in lungo e largo, i videogame presenti in Indie Heroes 2, sul mio fidato Super Pocket Capcom Edition. Come sempre, vale la pena ricordare che le cartucce in questione sono compatibili con i sistemi Evercade (Alpha, EXP-R, VS-R) e, appunto, il Super Pocket di HyperMegaTech!.

Quella che ti presento è la lista completa dei videogame presenti nella selezione, ordinati così come compaiono nel bellissimo booklet allegato. Ho cercato di essere sintetico nel mio commento su ogni gioco così da non rendere questa recensione un noioso libretto delle istruzioni. Qui invece la pagina dedicata sul sito ufficiale Evercade.

Tapeworm Disco Puzzle

Anno: 2021 – Sviluppatore: Lowtek Games – Genere: Puzzle – Player: 1-2 simultanei

Il videogame più riconoscibile di Indie Heroes 2, nonché quello più evidente sulla copertina del case. Tapeworm Disco Puzzle nasce, sostanzialmente, come risposta alla dislessia da cui lo sviluppatore Alaister Low è affetto. Questo puzzle game ha infatti pochissimi testi e un gameplay comprensibile da tutti in pochi istanti. È quello che in gergo chiameremmo un grid based puzzle game, che a una prima distratta occhiata potrebbe ricordare lo storico Snake dei Nokia.

In Tapeworm Disco Puzzle si controlla un lombrico. Livello dopo livello si collezionano note musicali e si aiutano le pulci a muoversi nella schermata fissa. I puzzle sono estremamente intelligenti, la grafica è personale e accattivante e la colonna sonora è azzeccata. Sicuramente è il titolo migliore di Indie Heroes 2 e si configura come il videogame ideale per partite mordi e fuggi in portabilità.

Nessy the Robot

Anno: 2020 – Sviluppatore: Daniel T. Gaming – Genere: Platformer – Player: 1

Nessy The Robot è il primo gioco sviluppato dallo YouTuber Daniel T. Gaming. Per essere il suo primo approccio al mondo dello sviluppo, il risultato mi sembra più che buono. Non posso dare un giudizio completo del videogame perché mi è stato impossibile continuare dopo essermi imbattuto in un bug. Però posso assicurarti che, in quell’ora in cui mi ha tenuto compagnia, ho potuto apprezzare diversi suoi aspetti. Al di là di un certo manierismo di fondo, Nessy The Robot può comunque vantare un platforming preciso e un comparto audio/video convincente. Gli darei una chance fossi in te.

Reknum: Souls Adventure

Anno: 2022 – Sviluppatore: Nape Games – Genere: Action RPG – Player: 1

Questo Action RPG Zelda-Clone viene dallo sviluppatore spagnolo Nape Games. Rappresenta un chiaro e riuscito tributo all’epoca del videogame 8-bit. La particolarità di Reknum: Souls Adventure è che propone due tipologie di gameplay, una con vista dall’alto e una 2D a scorrimento. Presenta situazioni di gioco molto varie condite da ambientazioni ispirate e riconoscibili. Al di là del sottofondo musicale dimenticabile, ciò che più mi ha convinto è la componente esplorativa, decisamente riuscita. Uno dei migliori giochi della collezione.

The Cowlitz Gamers Adventure

Anno: 2017, 2017, 2020 – Sviluppatore: Lukasz Kur and M-Tee – Genere: Platformer – Player: 1-2 simultanei

Trilogia di platform 8-bit Arcade-style sviluppata da uno duo di developer polacco/americano. Delle 3 esperienze offerte, tutti puzzle game a schermo fisso dove il giocatore deve arrivare al traguardo, la prima mi è sembrata la più interessante. The Cowlitz Gamers Adventure non è di certo il motivo per cui comprerei questa collection. Vale comunque la pena dare un’occhiata ai 3 titoli proposti.

Gruniozerca

Anno: 2016, 2018, 2019 – Sviluppatore: Lukasz Kur and M-Tee – Genere: Puzzle – Player: 1

Questa seconda trilogia di puzzle game (che, se ci pensi, porta il totale di giochi a ben 16), è ben più interessante della prima. Tra i giochi proposti ho trovato particolarmente inusuale e interessante il secondo che propone un’idea di platforming diversa dal solito. In questo gioco si controlla un porcellino d’india e bisogna utilizzare dei blocchi, simil-Tetris, per aprirsi la strada verso le agognate carote e le vie d’uscita. La trilogia più riuscita e, per via del suo puccioso personaggio, anche più simpatica del due polacco/americano.

Eyra: The Crow Maiden

Anno: 2021 – Sviluppatore: Second Dimension – Genere: Platformer – Player: 1

Il progetto iniziato come 8-bit, riuscì, grazie a una fruttuosa campagna Kickstarter, a diventare 16-bit. Questo action Platformer 2D di Second Dimension ti farà vestire i panni di una guerriera leggendaria. Fiancheggiata da un corvo utilizzabile per attacchi a distanza, Eyra può anche migliorare il proprio armamentario. Ho particolarmente apprezzato la possibilità di salvare dei prigionieri che con il loro “Thank you” sono un chiaro tributo all’indimenticabile Metal Slug. Di sicuro il videogame col comparto grafico migliore di tutta la collection Eyra: The Crow Maiden avrebbe giovato di un po’ di velocità in più. Tutto sommato, però, è sicuramente un buonissimo gioco che merita la tua attenzione.

Beerslinger

Anno: 2021 – Sviluppatore: Bite the Chili Productions – Genere: Action RPG – Player: 1

Non c’è molto da dire su Beerslinger, al di là di avermi permesso di realizzare il sogno che tutti noi abbiamo di diventare barman. In questo Time Management Game si serve birra ai clienti facendo in modo di spillarla correttamente nel minor tempo possibile. Nonostante l’idea sia carina e la musica sia decisamente catchy, Beerslinger è troppo corto e troppo poco profondo per essere memorabile.

Anguna: Scourge of the Goblin

Anno: 2021 – Sviluppatore: Bite the Chili Productions – Genere: Action RPG – Player: 1

Secondo Zelda-clone proposto in questa selezione, questa volta nato dalla mente di Nathan Tolbert, americano, programmatore.

Dotato di un open world non lineare e interessante il giusto, Anguna: Scourge of the Goblin, è senz’altro un buon gioco. Può contare su un comparto grafico buono e su una giocabilità abbastanza profonda. Peccato sia stato, per me, troppo punitivo. Inoltre ho trovato incredibilmente tedioso il sottofondo musicale. Tra i due Zelda-clone proposti, dovendo scegliere, spenderei il mio tempo con l’ottimo Reknum: Souls Adventure.

Lunar Journey

Anno: 2021 – Sviluppatore: Greenboy Games – Genere: Avventura – Player: 1

Di tutti i giochi proposti, Lunar Journey è probabilmente il mio preferito. Il gioco è  sviluppato da Greenboy Games, developer nato in Spagna ma emigrato in Cina proprio per migliorare la sua relazione professionale coi produttori di cartucce. Giocando a Lunar Journey traspare tutta la sua passione per i videogame 8-bit monocromatici in pieno stile Game Boy.

Questo videogame, sebbene molto breve, ha diverse frecce al suo arco. L’ambientazione lunare è straordinaria e sorprendentemente variegata. La leggerezza e lo humour che contraddistinguono i dialoghi, inoltre, rendono la sequela di fetch quest strampalata e stranamente interessante. Ho adorato Lunar Journey e non posso che consigliartelo.

Yeah Yeah Beebiss II

Anno: 2022 – Sviluppatore: Rigg’d Games – Genere: Platformer – Player: 1-2 simultanei

La storia dello sviluppo di questo videogame è decisamente interessante. Infatti, nato dalla mente di Rigg’d Games, rappresenta il seguito di un gioco mai uscito. Un lost media più volte citato nelle riviste americane degli anni ’80 ma di cui non si è mai vista una reale e ufficiale release.

Questo platformer a schermata fissa richiede di eliminare tutti i nemici nel tempo prestabilito. Per sua stessa natura, il Yeah Yeah Beebiss II mi è sembrato un po’ ripetitivo sebbene sia sempre divertente correre più veloce del cronometro. Sono rimasto soddisfatto del comparto grafico e, soprattutto, della colonna sonora che definirei straordinaria. Peccato non ci sia più varietà nei nemici e che il platforming non sia più preciso. In ogni caso, più che sufficiente.

Gelatinous: Humanity Lost

Anno: 2022 – Sviluppatore: The Retro Room – Genere: Platformer – Player: 1

Tra tutti i videogame proposti Gelatinous: Humanity Lost è quello che mi ha convinto di meno, nonostante le premesse promettenti. Di per sé il concept è decisamente interessante ed è ben replicato nel gameplay. Però un sottofondo musicale terribile, i numerosi glitch grafici e la difficoltà calibrata senza alcun senso, non gli permettono di spiccare il volo.

Nix: The Paradox Relic

Anno: 2020 – Sviluppatore: Dustin Huddleston – Genere: Action Adventure – Player: 1

Altro titolo per cui vale la pena prendere la Indie Heroes Collection 2. Nix: The Paradox Relic è decisamente un buon metroidvania, con una progressione ben calibrata e un back-tracking riuscito. Il feeling dei comandi, inoltre, è sempre preciso. Peccato che il comparto grafico sottotono possa, per molti, risultare una barriera. Dagli una chance e vedrai che saprà sorprenderti in positivo.

Versione e prezzi

La Indie Heroes 2 collection fa parte della console series (cartucce rosse) di Evercade. Al momento in cui scrivo questa collezione è ancora disponibile e non in stato “Legacy” (gergo per definire cartucce non più in produzione). In Italia è acquistabile sia su Amazon che su Funstock. Il prezzo è di 25 €.

Concludendo

Come dicevo in apertura, la Indie Heroes Collection 2 è sicuramente una buona raccolta di titoli indipendenti Modern retro. Per quanto nessuno dei giochi proposti sia propriamente un capolavoro, la qualità media è comunque buona. Tra questi, per me, spiccano Tapeworm Disco Puzzle, Lunar Journey, Reknum Souls Adventure, Eyra: The Crow Maiden e Nix: The Paradox Relic.

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Nerdando in breve

La Evercade Indie Heros 2 collection presenta una buona selezione di videogame indipendenti Modern Retro. La cartuccia è compatibile con tutti i sistemi Evercade e l’HyperMegaTech! Super Pocket.

Trailer

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Il 2026 è qui, l’anno nuovo è qui, il “January Blues” è quasi alle spalle: ciò vuol anche dire che è il momento del #NerdandoConsiglia di Gennaio 2026!

Cronos: The New Dawn

Zeno2k: Te ne ho parlato tempo fa e oggi torno a consigliartelo. Soprattutto ti consiglio di sopravvivere alla tentazione di rompere il controller nelle prime ore di gioco.

Non è impossibile, ma è dannatamente stretto e cattivo: girerai con le munizioni contate e le tasche sempre piene, continuando a decidere a cosa rinunciare nell’esplorazione di questo mondo crudele e contorto.

Ottima la lore, che si approfondisce centellinandola, ma non terribilmente astrusa come in altri titoli in cui occorre rivolgersi alle wiki anche dopo averlo finito. E non manca un easter egg di Bloober Team a Silent Hill 2 Remake!

The Pitt

Zeno2k: Sei abbastanza “agée” da essere orfano di E.R.? Non hai mai trovato un altro medical drama degno del grande predecessore? Qui non c’è Seattle o New York che tenga, perché andiamo direttamente nelle profondità del “pozzo“.

Ambientato a Pittsburg ed ovviamente erede spirituale di E.R. (anche perché prodotto e interpretato da Noah Wyle) presenta una struttura assolutamente originale: ogni stagione (è in corso la seconda, su HBO Max) è composta da un unico turno di lavoro e ogni episodio è un’ora di lavoro. Stupendo.

Il resto è il solito carosello di disperazione, speranze e problemi umani con le classiche contrapposizioni tra medici in carriera o aspiranti tali, tossici, barboni, molestatori o semplici disgraziati con malattie astruse. Il tutto ben scritto e con un ritmo serrato che la sua natura oraria gli regala.

Una nota finale: la cosa che ho davvero apprezzato per la verosimiglianza e che, a memoria, non ho mai visto in nessun altro show del genere, è la totale assenza di censura. Non lo auguro a nessuno, ovviamente, ma quando si viene presi e curati si è generalmente nudi e se l’emergenza lo richiede non c’è spazio per il pudore. In The Pitt nemmeno. Non mancano primi piani di vagine partorienti, seni e peni eretti affetti da priapismo.

Non per i deboli di cuore.

Animal Crossing: New Horizons

Kiarakala: Nel marzo 2020, durante la pandemia e i vari lockdown, Nintendo venne in mio soccorso facendo uscire un gioco molto atteso che si rivelò in qualche modo terapeutico in un periodo così provante per la salute mentale di molti. Sto parlando di Animal Crossing: New Horizon, il primo capitolo uscito per Switch che ci donò uno scopo nella vita quando eravamo chiusi in casa senza sapere cosa sarebbe successo.

Ho passato almeno 200 ore a giocarci, ma ammetto che, come tanti, una volta che è ripresa la normalità e ho iniziato a lavorare, pian piano la voglia di giocarci è scemata a tal punto da abbandonarlo per 3 anni (riprendendo ogni tanto a giocare il DLC in cui si arredano delle stanze senza dover occuparsi della raccolta di materiali o costruzione di oggetti).

Ti starai chiedendo perché, se ho abbandonato questo gioco, lo sto consigliando, domanda legittimissima. La risposta è che il 15 gennaio è uscito un aggiornamento piuttosto grosso che mi ha fatto tornare la voglia di rigiocare e riscoprire la bellezza di questo titolo.

Nell’aggiornamento, se saremo andati abbastanza avanti col gioco, troveremo un nuovo edificio: il Kappa Hotel. Ogni giorno possiamo decorare due stanze dell’hotel e sfogare così la nostra creatività e ottenere nuovi oggetti; inoltre, per far conoscere la nostra isola ci verrà richiesto di creare degli oggetti ogni settimana e questo è un nuovo stimolo a svolgere attività ripetitive come il farming di risorse, che forse è qualcosa che in questo momento mi sta aiutando.

Nuovi stimoli a collaborare con gli altri giocatori grazie alla presenza di isole sogno collaborative e soprattutto, se si è stufi della propria isola ma non si vuole perdere tutto, sarà possibile rimuovere tutti gli oggetti grazie al ritorno del signor Resetti (che è molto meno aggressivo).

Insomma, Animal Crossing è un gioco consigliatissimo per chi ha bisogno di un po’ di calma e tranquillità e questo aggiornamento è perfetto per coloro che, come me, lo hanno abbandonato in cerca di nuovi stimoli.

P.S. L’aggiornamento è gratuito sia per Switch 1 sia per Switch 2, ma se acquisti la versione pensata per la 2, avrai qualche funzione in più e una maggiore ottimizzazione del gioco.

I Pirati Dei Caraibi – La Trilogia

Cavaliere: Avevo un bellissimo ricordo di La maledizione della prima luna (il primo Pirati dei Caraibi) e per questo mi sono detto “Vediamo com’è la saga nel 2025”. La trilogia è ancora oggi perfetta per il suo scopo: una saga per il grande pubblico (fossero tutti così i film pop!). Non mi dilungo, visto che ho scritto un Nerdando Consiglia dedicato qui! 

Balatro

Cavaliere: Mi sono divertito veramente tanto con Balatro e quindi sono contento per la sua vittoria ai Nerdando Awards 2024 e in generale per il successo di critica e pubblico. Un ottimo titolo che devi assolutamente recuperare se ami i giochi di carte e i roguelike/roguelite! Ti lascio alla recensione di Tencar.

Il Ragazzo e l’Airone

Cavaliere: Se di Miyazaki ti piacciono film come Ponyo sulla scogliera o Kiki – Consegne a domicilio, ti dico che l’ultima opera del regista giapponese è agli antipodi. “È divisivo”, per usare un’espressione abusata. Infatti mi ricordo che al cinema c’era un clima di spaesamento.

Invece a me a caldo piacque, ma per dare un giudizio definitivo avevo bisogno di una seconda visione e Rai 3 me ne ha dato l’occasione! “E quindi?” E quindi guardalo!

A Short Hike

Ayr: come già evidente dal titolo, l’indie game sviluppato da Adamgryu è, appunto, “short”. Tanto compresso da permettere di vedere i titoli di coda in appena un’ora e mezza. Eppure, questa brevissima avventura è stata perfettamente capace di affascinarmi e catturarmi.

Forte di una grafica molto personale e di un gameplay chill, A Short Hike riesce anche a emozionare per via del suo finale e della metaforica scalata che coinvolge, contemporaneamente, sia la protagonista principale che il giocatore.

Giocato interamente su Steam Deck, posso dirti che A Short Hike è presente praticamente su ogni piattaforma a prezzi sempre accessibili. Te lo consiglio!

Piccoli Atti di Misericordia – Dennis Lehane

Hardcase: L’autore lo conosciamo tutti, è quello che già tante volte in passato ci ha fatto emozionare e riflettere con le sue storie capaci di mescolare umanità e quotidiana violenza. Uno di quelli spesso saccheggiati dai grandi registi che, nel suo caso, hanno tirato fuori film memorabili come Mystic River di Clint Eastwood o Shutter Island di Martin Scorsese.

Di certo è uno scrittore che, anche quando tratta temi scottanti come la pedofilia, non ama utilizzare filtri o indorare la pillola. Preferisce colpire forte per scuotere le coscienze addormentate di tutti noi.

Lo fa anche con questo libro che tratta il tema del razzismo, affrontato, però, da una prospettiva non convenzionale, per dimostrarci che alle volte veleni come questo contaminano non solo l’anima dei persecutori, ma anche quella delle vittime, senza lasciare scampo per nessuno.

È un’opera che fa piangere, infuriare, ma soprattutto riflettere sulla fragilità delle cosiddette società progredite, sempre più edificate sull’odio.

Peggio di Niente – Ministri

Hardcase: Francamente non so se questa rubrica possa ospitare anche consigli dedicati alla musica, io, però, nel mio piccolo ci provo, anche perché sono uno di quei tipi che, qualunque cosa facciano durante il giorno, non possono fare a meno di ascoltare musica.

Non mi sono mai posto limiti di “genere”, motivo per cui posso passare dal blues, al country o, come in questo caso, all’indie rock.

La canzone, dal titolo geniale, è stata scritta da Ministri durante il periodo del lockdown e ha il merito, secondo me, di ricordarci quanto l’umanità possa cadere in basso quando a guidarla è solo la paura e l’istinto di sopravvivenza.

Il ritmo infernale e versi come “Ho visto il tempo volare, ho visto il tempo cadere, ho visto il buio per sempre” ci trasmettono bene il senso di cieco terrore che abbiamo provato tutti noi, soprattutto nelle prime fasi della pandemia.

Chiudo con una piccola (e facile) sfida: nella canzone è citato un verso del grande De Andrè. Vediamo chi lo trova.

Philna Fantasy

Hardcase: Vi capita mai di trovarvi ad accendere il computer con la voglia di giocare a qualcosa che sia semplice, divertente e non troppo impegnativo?

Voglio dire, persino io, che solitamente sono un tipo da CRPG a turni piuttosto complicati, alle volte sento il bisogno di staccare completamente il cervello e dedicarmi a un RPG più immediato.

Ecco, in casi come questo, un gioco come Philna Fantasy può risultare davvero perfetto.

Per intenderci, è un classico ARPG con visuale dall’alto, che per certi versi ricorda i primi Zelda, ma che attualizza la formula mettendoci dentro tutto quello che ormai siamo abituati a trovare nei giochi più recenti: un mondo semi-open world, dungeon, puzzle, crafting, pet e così via.  Insomma, sulla carta non manca nulla e quasi tutto quello che c’è è realizzato con competenza.

Intendiamoci, nulla di innovativo o che faccia gridare al miracolo, ma chi l’ha detto che deve essere sempre così?

Philna Fantasy è semplicemente quel “giochino” che ogni tanto ognuno di noi sente il bisogno di lanciare per divertirsi anche solo per 15 minuti, lasciandosi alle spalle cogitazioni e affanni quotidiani.

WWE: la storia dietro le quinte

Tencar: La prima stagione di WWE: la storia dietro le quinte mi aveva spiazzato e, stavolta, sapevo già cosa aspettarmi. Nonostante questo, sono riuscito a emozionarmi ancora una volta sentendo le storie di questi fantastici atleti e scoprendo il loro lato umano. Imperdibile sia se ti piace il wrestling, sia se ami i documentari sportivi.

Rick and Morty

Tencar: Credo che Rick and Morty sia la serie, assieme a South Park, che più mi fa divertire e riflettere. Anche questa ottava stagione è un caleidoscopio di emozioni: imperdibile.

Vuoi chiacchierare e giocare con noi? Vienici a trovare sul nostro Server Discord e sul nostro Gruppo Telegram.

L'articolo #NerdandoConsiglia – Gennaio 2026 proviene da Nerdando.

Introduzione

Bye Sweet Carole è sicuramente uno dei videogiochi che mi hanno colpito di più quest’anno, tant’è che ho voluto candidarlo ai Nerdando Awards. Essendo una produzione italiana, volevo provare a fare qualche domanda al suo creatore, Chris Darril, per scoprire alcune curiosità sul gioco e comprenderne meglio il lavoro dietro. Con nostro grande piacere siamo riusciti a organizzare un’intervista e ringrazio tantissimo Chris e il suo team per averci dato questa opportunità.

Nato a Catania nel 1989, Chris Darril è un creativo a tutto tondo: scrittore, regista, art director, game director e fondatore di Little Sewing Machine. Prima del successo di Bye Sweet Carole si era già fatto conoscere per il suo lavoro con la saga di Remothered e per la regia di alcuni corti tra cui Before Saying Goodbye.

Inizialmente, doveva essere un’intervista scritta tuttavia, per esigenze di Chris, si è trasformata in una piacevolissima chiacchierata fatta di domande ma anche digressioni su cinema, videogiochi, femminismo e cancel culture.
Un testo molto lungo generalmente scoraggia la lettura, lo so, ma ho voluto ridurre al minimo l’editing dell’intervista, cercando di far vivere l’esperienza di sentire parlare Chris anche a chi ci legge, limitandomi a tagliare le digressioni che fanno perdere un po’ il filo del discorso.

Intervista

Kiarakala: Ciao Chris, grazie per aver accettato di fare questa intervista, per me è un piacere e un onore parlare con te.

Chris Darril: Dai, no, veramente, anzi è un piacere veramente… Vi ringrazio dello spazio che ci state concedendo ma anche della recensione, quindi sono onorato io in realtà.

K: Fa molto piacere. Adesso inizio con le domande. Dai, partiamo con la prima. Da dove nasce l’idea di realizzare un gioco come Bye Sweet Carole dove c’è questo ritorno alla tecnica tradizionale, nonostante la tendenza odierna nel mondo dell’animazione di usare la computer grafica e i modelli 3D?

C: Allora, da dove nasce? Se vogliamo, l’esperimento in sé nasce da un errore a tutti gli effetti. Perché mi era capitato di rieditare un vecchio prototipo, una vecchia build dei miei precedenti titoli, quindi Remothered, che nasceva sotto forma di prototipo su RPG Maker XP che, non so se ricordi, è una sorta di software che ti permette di fare questi giochini un po’ stile RPG, con visuale isometrica, ecc.
Io all’epoca lo spinsi un po’ oltre, per così dire, con charset, tileset, quindi scenari e personaggi che comunque uscivano fuori dagli schemi di RPG Maker, e quello fu il primo prototipo di Remothered, che poi è uscito nel 2018 con un software Unreal Engine, quindi tutt’altra formula.
Mi ricapitò questa build in un periodo abbastanza particolare, perché lasciavo il progetto Remothered, una condizione sofferente già agli inizi della produzione del secondo capitolo, per via di un ambiente tossico dove non mi trovavo minimamente bene.
Secondo me, tanto più che stiamo facendo arte, credo che non ci debba essere mai nessuna condizione di clima di tensione perché altrimenti non si lavora, come dire, con la giusta ispirazione.

Quindi ho lasciato questo progetto: sicuramente è stata una scelta sofferta e in più attraversavo la fase dell’inizio dell’accettazione del lutto per la perdita di mia madre, dopo una sofferta malattia – un cancro contro cui ha lottato per oltre sette anni.
E quindi, un po’ come quando si cerca di strimpellare al pianoforte qualche nota, così a tempo perso volevo strimpellare con questa vecchia build di questo prototipo di Remothered, e mi ero deciso che avrei fatto una versione in 4K.

Nel modificare i frame di animazione disattivai su Photoshop i layers che corrispondevano a luci e ombre, quindi tutti quei layers che gli davano un senso di tridimensionalità e profondità, e mi comparve questo fotogramma flat, letteralmente piatto, con quei colori, oltretutto non propriamente saturi. E lì ho detto: potrebbe essere una bella idea. Poi io sono da sempre un amante dell’animazione tradizionale, ancor più che dell’animazione attuale in 3D con la computer grafica. Quindi da lì nasce questa idea. Non ti nego che i primi tempi ho valutato anche la questione di farne piuttosto un film d’animazione. Però alla fine ho detto: a tutti gli effetti comunque è andata molto bene con Remothered, quindi tutto sommato c’era già un seguito che non vedeva l’ora eventualmente di mettere le mani su una produzione che si rifaceva a Clock Tower, genere hide and seek classico che è stato appunto introdotto da Clock Tower stesso. E quindi nasce questa idea, che prima era solo un’idea e poi diventa una cosa, come dire, concreta a tutti gli effetti. Non senza dubbi o rischi, della serie: testiamo, valutiamo se una cosa del genere è fattibile. E alla fine almeno in parte ce l’abbiamo fatta.

Chris mi ha raccontato quanto fosse stato difficile lasciare Remothered, ma col senno di poi abbandonare la saga si è rivelata la scelta giusta da fare per il proprio benessere e la sua creatività

K: Sì, ce l’avete fatta ed è uscito comunque un gran bel lavoro, devo dire. Prima hai parlato della tua passione per l’animazione tradizionale, da dove nasce?

C: Per me sono indelebili quegli anni, ogni volta poco prima di Natale quando usciva un nuovo classico della Disney e tu lo attendevi tutto l’anno. E non lo so, è un’associazione forse anche involontaria, perché quello lo ricordo come un periodo bellissimo. Usciamo dalle sale super eccitati, entusiasti del nuovo capolavoro della vecchia Disney, sapendo che da lì a un anno ne sarebbe uscito uno nuovo e chissà di cosa avrebbe parlato stavolta.
Il mio primo approccio, anche col cinema, fu la prima volta che vidi al cinema La Bella e la Bestia nel ’92, quindi i primi mesi del ’92: avevo due anni e perciò fu da subito la mia passione.
Mia madre stessa fu sorpresa dal fatto che un bambino di due anni riuscisse a stare calmo e sereno a guardare per intero il film. Tra l’altro mi ci riportò un’altra volta e, da lì, nacque anche una sorta di mio desiderio di scoprire com’è che nascevano i cartoni animati, una volta che avevo ben appreso che non si trattava di attori in carne ed ossa.
Mia madre mi volle spiegare come funzionava la tecnica che si fa disegnando fotogramma per fotogramma. E quella cosa mi è rimasta così impressa che forse ho voluto, onorando mia madre, risvegliare un po’ la mia infanzia, probabilmente quello che io associo a dei bellissimi ricordi.

Una pagina dell’artbook in cui è possibile vedere il processo fatto per realizzare Lana, la protagonista di Bye Sweet Carole

K: Trovo che sia una cosa meravigliosa quella che hai fatto e quindi mi viene da dire che con questo videogioco, oltre a omaggiare i grandi registi dell’animazione del passato, hai fatto anche un grosso omaggio a tua mamma. Da questo aspetto bellissimo capisco anche una cosa che volevo chiederti. Ovvero come hai fatto a non cadere nel rischio del plagio. Perché per quanto lo stile ricordi molto Disney e alcuni cartoni di Don Bluth, giocandolo ti rendi conto che Bye Sweet Carole ha un’anima tutta sua.

C: Non saprei dirti. È vero che a me ogni lavoro che dirigo piace riempirlo di citazioni. Io adoro l’omaggio. Anche perché non c’è un solo artista o un solo artigiano che non si rifaccia ai grandi del passato. Come ti dicevo poc’anzi, io penso di essermi trascinato dietro questo desiderio di fare qualcosa associato all’animazione tradizionale quando da bambino mia madre mi regalò una risma di carta, quella per la stampante, e sapendo che appunto i film di animazione venivano disegnati fotogramma per fotogramma, la mia intenzione fu subito quella di disegnare, scarabocchiare foglio per foglio e infilarlo nel videoregistratore, convinto che il film avrebbe preso vita nella TV a tubo catodico invece… distrusse il videoregistratore.

Mia madre l’ha preso come una cosa ammirevole, dopo il primo cazziatone, l’ha presa come una cosa che denotava probabilmente una mia predisposizione per questo settore affascinantissimo; nel produrre qualcosa come è stato fatto in passato, e quindi chiaramente omaggiando registi come Gary Trousdale e Kirk Wise, i registi de La Bella e la Bestia, ma anche Glen Keane e sicuramente Don Bluth. Ovunque c’è qualche richiamo a qualche scena da qualche cult, anche d’annata, come Cenerentola nel caso della trasformazione di Lana. Non solo ispirazione da Don Bluth, ma, volendo, anche da L’Incantesimo del Lago, che non è conosciutissimo, però, sicuramente alla fine degli anni ’90 è stato uno dei capisaldi, per così dire, dell’animazione che cercava di primeggiare con altre major…

Quindi sì, per me è stato una sorta di bisogno di risvegliare il fanciullo che c’era in me, quasi con una morale pascoliana, se vogliamo. Perché ogni tanto si cresce in fretta ed è giusto che sia così. Purtroppo, nella vita accadono cose che sicuramente possono essere spiacevoli e ci cambiano. Anziché guardare subito avanti e mirare a reagire come un adulto dovrebbe fare, ho preferito guardare al passato e rivivere in qualche modo quella spensieratezza, sempre con quelli che sono un po’ i miei marchi di fabbrica: l’avventura un po’ piu creepy, una storia un po’ più articolata che poi si sbroglia alla fine come una matassa, con colpi di scena.

Chissà, magari gli anni cambieranno la mia poetica. Per il momento, è stato molto terapeutico lavorare a Bye Sweet Carole. Consiglierei a tutte le persone che stanno vivendo un periodo grigio della propria vita, chi per un lutto, chi perché decide di abbandonare un’altra realtà, ma anche chi ha una relazione che finisce, di dedicarsi tantissimo all’arte, di fare arte, di provare a scrivere, o a disegnare, di mettersi in gioco. Credo che non ci sia veramente terapia superiore a questa.

K:Mi trovi perfettamente d’accordo, un ottimo consiglio.

C: Lo sai qual è la reazione tipica? Lasciarsi prendere dallo sconforto e deprimersi. È brutto da dire, perché ovviamente la morte di mia madre è stata l’evento più traumatico di tutta la mia vita, non lo potrei paragonare a nient’altro, ma in quello stesso periodo io decisi di prendere la mia vita letteralmente in pugno e dissi: Io non me la sento di continuare così.

Io volevo già lasciare il progetto Remothered a gennaio 2020, e poi alla fine ho lasciato il gioco a ottobre 2020, quindi già mesi prima rispetto dell’effettivo lancio. Non mi sentivo minimamente ispirato, ero game director, ma solo di facciata, perché a tutti gli effetti non avevo nessuna responsabilità creativa. Quello che vedevo in gioco era tutta un’altra cosa rispetto a quelle che erano le mie specifiche.
Lì, definitivamente, ho detto: Io non voglio continuare con qualcosa che non mi rende felice. Oggi ci siamo, purtroppo domani potremmo non esserci più. Quindi a un certo punto lo potevo fare e ho deciso di tagliare corto e voltare completamente pagina.

C’è stato un periodo in cui non volevo più fare niente e non fare videogiochi per un po’. Poi invece, fortunatamente, ho detto no, proprio questo è un periodo in cui devo, secondo me, sublimare i miei stati d’animo e creare qualcosa che potrebbe far sentire meglio una persona. Per me riuscirci è già un successo.

Pagina dell’artbook dedicata al buffo Mr. Baesie, fedele suddito di Corolla pronto ad aiutare Lana nella sua terrificante avventura.

Bye Sweet Carole nasce come reazione a quello che mi stava succedendo. Ci voleva questo progetto che nasce proprio in quel periodo un po’ buio, ed è andato avanti senza subire variazioni sino al lancio.
C’era qualche dubbio sul nome. Inizialmente avevo pensato a Hide Sweet Carole, ovvero Nasconditi, Dolce Carole, ma aveva più un’impronta sulla questione del bullismo. Poi ho detto a un certo punto: Perché non un arrivederci? Perché non un addio? Perché associamo tutti l’addio a una cosa tragica, tristissima, ma l’addio alle volte può essere utile per andare avanti. Un po’ come si direbbe nella poetica siciliana, la questione della “teoria della cozza”: si rimane attaccati allo scoglio a tal punto che poi si rimane lì. Ogni tanto bisogna dire addio alle cose affinché queste possano andare meglio, ma non solo per noi, spesso anche per gli altri.
Stessa cosa quando purtroppo c’è un lutto (la tematica principale del gioco è anche l’accettazione del lutto), lo si fa anche per il bene delle persone che non ci sono più, che fino a quel momento sicuramente ci hanno dato tanto e per loro in primis bisogna reagire e andare avanti, fare cose belle nel loro nome, volendo.

K: Non posso che concordare e il gioco rende bene questo concetto del dire addio al passato o comunque alle persone care per poi poter andare avanti, verso il proprio futuro come fa Lana, la protagonista.
Abbiamo parlato di traumi e del ritornare all’infanzia, di risvegliare il bambino interiore. Recensendo Bye Sweet Carole l’ho definito un horror che risveglia un po’ quei traumi dell’infanzia, quelle paure che magari ci hanno trasmesso certi cartoni animati degli anni ‘80-’90. Da dove nasce questo desiderio di risvegliare certe paure?

C: La paura è il sentimento della formazione. Cosa attiva l’ansia da prestazione è il fatto di doversi concentrare e impegnare più del dovuto pur di raggiungere un obiettivo. La paura è un’emozione accessoria, in ogni singolo aspetto. Ho paura prima di un esame oppure mi piace quella ragazza, vado a lottare per quella ragazza, ci provo, mi lancio nonostante la paura di fallire, ma si può anche fallire. Quella paura, comunque, ha permesso di conoscerti meglio, di sapere come approcciarti magari la prossima volta.
Secondo me il genere horror, diciamo quello canonico, è quello che veramente nei videogiochi ha permesso anche l’evoluzione del settore. A partire da com’è cambiato il game design, com’è cambiata la caratterizzazione dei personaggi, anche la crossmedialità col cinema.

Se io penso ogni volta a produzioni, quelle un po’ più blasonate, quelle un po’ più importanti, quelle che poi hanno fatto la differenza, prevalentemente sono giochi horror. Basti pensare che ormai tutti i giochi action con una visuale in seconda persona sono di moda, non c’è più un gioco action con una visione in seconda persona, quello nasce da Resident Evil 4. O la questione della psicologia, in un horror come Silent Hill e Silent Hill 2, o la struttura della trama come elemento cardine ma anche elemento portante di un’opera, basti pensare a Rule of Rose, ma tanti altri titoli, lo stesso Silent Hill 2, dove la narrazione è veramente il fulcro di un’opera videoludica.

Pagina dell’artbook dedicata all’inquietante Mr. Kyn, fonte di incubi e distruzione.

K: Io lo ammetto, non sono una grande amante dei giochi horror o dei film horror, quindi per me è stata una bella sfida iniziare a giocare Bye Sweet Carole e affrontare la paura, un’ansietta che pian piano inizi ad apprezzare e diventa compagna di viaggio.

C: L’hanno chiamato più un “cutie horror”, nel senso che sì, hai momenti in cui fa un po’ paura, fa sobbalzare, mette un po’ d’ansia, però poi fortunatamente l’aspetto grafico più gradevole, ti dice “vai tranquillo, non avere paura”.
Ti dico che ci sono stati anche scontri, non negativi ma comunque scontri, durante il brainstorming, anche col publisher. Si discuteva sul rendere un po’ più esplicita la componente grottesca del gioco, ma anche la gore. Io mi sono sempre opposto: per carità loro hanno capito benissimo, hanno creduto veramente in me e nel progetto sin dal principio.
Io non volevo uscire fuori dai binari. Secondo me l’eleganza dell’animazione tradizionale andava rispettata anche nella sua natura. L’horror era già preesistente secondo me nei film d’animazione, che a loro volta hanno dovuto fare un procedimento artistico e creativo nel portare sul grande schermo delle favole che comunque erano veramente crude, veramente toste.
Sequenza un po’ più creepy, come Malefica che spunta nel caminetto per incantare Aurora ne La Bella Addormentata o la regina Grimilde che prende la pozione e minaccia di uccidere Biancaneve, oppure L’ala Ovest ne La Bella e la Bestia, che ritengo il miglior film di animazione mai creato, e quindi diciamo che io ho voluto adottare la stessa filosofia.

Idem per la questione della violenza, è come se avessi voluto creare una storia che poteva essere presa come una favola a sé perché, se togliamo tutta la questione delle suffragette, dell’emancipazione femminile, il giallo da risolvere e qualche elemento creepy, in realtà, a tutti gli effetti potrebbe passare per una favola.
Con l’elemento portante della favola ho voluto trattare tematiche attuali. A partire dal fiocco per i capelli di Lana. Questo non è stato molto afferrato come concetto, ma il fiocco che lega i capelli di Lana e viene tolto dalla protagonista durante la trasformazione è un riferimento alla forma di ribellione delle donne iraniane che lasciano i capelli sciolti per protestare contro il regime che impone loro il velo e altre forme di oppressione. Ho messo il fiocco in parallelo come simbolo.

O la questione stessa dei conigli, i conigli non sono solo simbolo della codardia, della paura di ribellarsi o della preda. I conigli rappresentano il modo in cui le donne venivano viste e tutt’ora vengono percepite: fattrici destinate solo a fare figli, figli e figli. Ed è brutto da dire, ma purtroppo fa parte della nostra storia, che lo si voglia o meno, abbiamo fatto schifo tutti, tutti indistintamente. E il coniglio a tutti gli effetti è quella rappresentazione del figliare costantemente.

Con la presenza dell’automa, che è fuori contesto e fuori epoca, ho voluto rendere un parallelismo di come la società andasse di fretta e furia con ottenimenti di un certo livello da un punto di vista industriale e tecnologico, ma ancora arrancasse per i diritti umani. E questo è tuttora così, perché tutti hanno l’iPhone, però poi molti non hanno neanche una professione stabile, le coppie dello stesso sesso vengono additate e insultate, oppure le donne che tuttora subiscono cat calling.
Ma parlare ancora nel 2025 di diritti delle donne, dei diritti delle minoranze è ridicolo. Bisognerebbe dare diritti a essere umani in quanto esseri umani, quindi col diritto che deve essere innato a prescindere.

Da questo momento in poi io e Chris abbiamo iniziato un lungo discorso su diritti e femminismo, soffermandoci anche sul rischio di essere accusati di aver realizzato un gioco woke.[N.d.A.]

C: Qualcuno mi ha criticato dicendo: “Perché un uomo grande e grosso dovrebbe fare una storia sull’emancipazione femminile dove il cast è prevalentemente di donne?”  Non ha senso come critica, nel senso che, per carità, sicuramente non avrò gli stessi strumenti per riuscire a immedesimarmi in un personaggio che chiaramente non sono io, per date caratteristiche. Però credo che sia giusto dare l’assoluto supporto anche se non si fa parte direttamente di certe comunità o minoranze e dare almeno la possibilità di un maggiore spazio e di rappresentazione al genere femminile e altre categorie che subiscono più discriminazioni.

K: Guarda, mi trovi assolutamente d’accordo. Di solito c’è questa tendenza a pensare in negativo i personaggi femminili scritti da uomini anche perché spesso lo fanno attraverso stereotipi e per questo ricevono critiche. Io personalmente, prima di recensire un gioco, preferisco non avere troppe informazioni, quindi non sapevo nulla di te e su chi avesse realizzato Bye Sweet Carole, quindi l’ho giocato senza sapere che l’avesse scritto un uomo. E in tutta onestà non ho percepito la componente delle sufragette e dell’emancipazione femminile come una forma di femminismo performativo per cercare di passare per attenti al problema e fare bella figura. L’ho percepito più come un elemento in linea con il periodo storico che fa da cornice e motiva maggiormente le azioni di Lana e Carole.

C: Sono consapevole del fatto che, se non avessimo trattato la questione dell’emancipazione, la storia poteva andare serena comunque. Nel senso che poi a tutti gli effetti era la storia di questa ragazzina che viveva per la seconda volta la situazione dell’abbandono e questa volta ancora più risonante perché aveva una responsabilità diretta nella sparizione della sua amica.
La storia poteva andare comunque. Io ho preteso di inserire questo argomento non solo per quanto ho detto prima, ma perché mia madre teneva molto all’argomento delle suffragette. Ricordo quando mi raccontò da bambino la questione delle suffragette, quando vidi Mary Poppins e non capivo la madre dei due bambini che cosa facesse con quel nastro che pensavo fosse una cosa di Miss Italia. Lei aveva la capacità di spiegare con parole adeguate a un bambino. È una tematica che mi è rimasta molto impressa e, anche riguardando Mary Poppins, l’ho visto totalmente da tutt’altra prospettiva, sapendo cosa la madre rappresentava.

C’è molto di Mary Poppins, se vogliamo, anche in Bye Sweet Carole, ma ripeto, io ho voluto fare un omaggio in generale a quello che per me sono stati gli anni ’80 e gli anni ’90. C’è tanto di Labyrinth, La Storia Infinita e, anche se visto da grandicello, ovviamente anche il Labirinto del Fauno.

Ho detto: voglio fare questa storia, sono consapevole che se tratterò questa tematica ci additeranno come woke. Sì, sono sicuro che le recensioni verranno seccate almeno di un 20-30%, e così è stato, ma non me ne frega niente.
Io penso che se non abbiamo noi la libertà come indipendenti di scrivere e di raccontare la storia come vogliamo, chi lo deve fare più?
Io non ho mai voluto dirigere un videogioco per attirare pubblico. È triste da dire, ma la formula per il gioco che spacchi c’è, si sa. Basta mettere orde di zombie, i fucili, personaggi come Duke Nukem.
Fondamentalmente, il gioco che ha la formula perfetta per la killer application o il best selling game ce l’abbiamo, ma non mi interessa. Io ho sempre preferito puntare a una nicchia di pubblico che poi può essere rimasta contenta o delusa.

Volendo, il gioco è molto polarizzante anche per sua natura, perché è un gioco che è anche difficile da schematizzare; anche col publisher ho avuto difficoltà nel decidere quale genere di riferimento per recensirlo, se dirlo come un adventure game, un punta e clicca, o solo horror, anche là abbiamo avuto delle difficoltà.
A me piace fare in questo modo. Non è detto che incontri i gusti di tutti, ma ripeto, credo che almeno la libertà autoriale debba essere rispettata.
Fortunatamente dal lato prettamente imprenditoriale è andato molto meglio delle aspettative e delle previsioni del publisher.
Quindi vuol dire che abbiamo incontrato anche un pubblico più vasto. Ma, soprattutto, la cosa che non mi aspettavo è che il gioco diventasse addirittura trend su X e siamo più che felici di aver fatto quello che abbiamo fatto e di essere rimasti fino alla fine integri e fedeli a noi stessi e all’idea del progetto che volevamo lanciare dal principio. Poteva venire meglio, certo, ma poteva anche uscire peggio.

Parlando di Cancel Culture, Chris mi ha rivelato che in origine aveva pensato al personaggio di una cameriera nera, Erietta, per aiutare Lana e le altre ragazze.

K: Ok. Allora adesso ti volevo chiedere qualcosa riguardo alla tua carriera, perché comunque magari tra i nostri lettori c’è chi sta ancora decidendo che studi intraprendere o comunque magari è appassionato di videogiochi e vorrebbe intraprendere questa carriera. Qualche consiglio e puoi dirci anche come è stato il tuo percorso per arrivare a realizzare prima Remothered e poi Bye Sweet Carole?

C: Allora, partendo dal consiglio, sicuramente è quello di restare sempre fedeli a se stessi, sempre e comunque. Se io credo di avere a cuore una storia, una tematica, un soggetto, devo portarlo avanti: è lì che probabilmente eccellerò maggiormente rispetto a fare qualcosa che attira il pubblico perché gli piace. Secondo me quest’ultimo è il metodo più errato, perché credo che gli autori più grandi dei videogiochi hanno fatto la storia rimanendo fedeli alle loro idee pur ispirandosi alle cose che amano. Per esempio Kojima: il fatto che non puoi paragonarlo a nessun altro è perché ha deciso di fare qualcosa che all’epoca andava fuori dagli schemi, pur omaggiando sci-fi e action degli anni ‘80 come Commando e 1997: Fuga da New York, da cui ha preso il personaggio di Jena (Kurt Russell) per ispirarsi nel creare Solid Snake. Che cosa vuol dire questo? Rendi tuo ciò che ti piace, fai parlare la tua ispirazione piuttosto che il guadagno facile, poiché il pubblico apprezza davvero un gioco quando ci vede il cuore dietro. Quindi questo è il consiglio che do: restare assolutamente fedeli a se stessi, giocare sempre d’intelligenza e integrità, e fare le cose come piace farle. È normale all’inizio, ai primi tempi, accettare di lavorare per altri progetti perché non si può partire in quinta e pensare già di dirigere una produzione hollywoodiana.

Per quanto riguarda invece il mio percorso, è un po’ particolare, nel senso che io potevo fare tutt’altro. Il mio sogno quando stavo alle superiori era quello di fare il chirurgo plastico, quindi tutt’altro ambiente. Mi piaceva l’idea di specializzarmi nella ricostruzione del volto per pazienti che avessero malformazioni congenite, tipo il labbro leporino. Poi il destino ha voluto che finisse una relazione con una ragazza che si è poi iscritta a Medicina e quindi ho cambiato strada. Non so esattamente come ho iniziato… mi piaceva già molto disegnare, quindi ho iniziato a illustrare per qualche piccola realtà come il supermercato sotto casa volantini e manifesti. In parallelo iniziava il prototipo di Remothered, quindi la mia prima idea di gioco realizzato e diretto da me, come sviluppatore da casa.
Inizio a far parlare di me e mi contattano due aziende in parallelo. La prima era la canadese Psychose Interactive e la seconda era la Nude Maker, per il progetto di NightCry. Nel giro di due mesi vengo promosso dall’azienda canadese come direttore artistico, quindi lì ho visto letteralmente la differenza, non perché ho sbloccato un guadagno maggiore, ma perché ho appreso che veramente c’è una forma di meritocrazia. Io ho fatto un passo avanti perché avevo dimostrato che al di là delle mie capacità nel disegno per fare concept art avevo un’ambizione, avevo altre capacità che potevano essere impiegate in altro, come in questo caso la direzione artistica di Forgotten Memories e in parallelo come head maker mi hanno affiancato a Masahiro Ito e Kiyoshi Shirai (Kiyoshi Shirai e un illustratore di diversi Final Fantasy e Masahiro Ito e l’art director di Silent Hill 2 e Silent Hill 3). Potermi permettere di dire che a ventiquattro anni ero un direttore artistico assieme a due pilastri del genere è stata una cosa che sicuramente mi ha permesso la svolta.

K: Ti sei sentito finalmente davvero valorizzato. Passiamo alla domanda successiva. Bye Sweet Carole è per me la dimostrazione che in Italia è possibile realizzare giochi di qualità. Mi piacerebbe sapere la tua opinione riguardo alla situazione attuale del settore videoludico in Italia, pensi si possa fare qualcosa per valorizzarlo di più?

C: Purtroppo il problema dell’Italia è anche quello. Per farti capire: è uscito Bye Sweet Carole, non abbiamo scoperto l’acqua calda, ne siamo consapevoli e nessuna rivista generalista ne ha parlato. Ma è una produzione che comunque si distingue in Italia e direi anche in diversi Paesi per diverse motivazioni, non solo la questione dell’animazione tradizionale ma anche il fatto che si tratta di una produzione italiana con un budget veramente striminzito, dove oltretutto il team è formato per oltre il 70% da donne. La cosa comica è che però siamo finiti sul New York Times o su Forbes. Cioè, in Italia si è ignorato il discorso che ci possa essere una produzione videoludica di questo tipo, mentre sono subito pronti a fare servizi in cui si dice che i videogiochi sono diseducativi, fanno male ai bambini ecc.

Poi, ti dico, ci sono realtà che fortunatamente stanno un po’ ammortizzando la situazione in Italia. Mi viene da pensare a IIDEA, che comunque sta facendo tanto e fa quello che può. A noi ha permesso, anche insieme al MIC, il Ministero della Cultura, di avere l’attivazione del 25% sul tax credit. Siamo stati riconosciuti da loro come opera di interesse artistico e culturale. Quindi qualcuno, purtroppo anche se nell’ombra, si muove. Ma rimane nell’ombra perché viene messo nell’ombra…

Al tempo stesso, tante persone mi hanno scritto disgustate dall’assenza totale di Bye Sweet Carole alle nomination all’evento dei The Game Awards, che almeno meritava, secondo molti, la nomination come miglior direzione artistica. Ma anche solo per il lavoro che è stato fatto. Tutti pensano a Cuphead, ma il lavoro che abbiamo fatto noi, con tutto il rispetto per Cuphead, risulta tipo tre volte tanto.

Per cui ho pubblicato quel post riguardo ai TGA perché per la decima edizione consecutiva dei The Game Awards ancora una volta non c’è un solo titolo italiano. Molti dicono che c’è stato Mario + Rabbids, lo sappiamo, ma sappiamo anche che è una produzione francese che si è avvalsa dell’outsourcing di Ubisoft Milano, basato su un IP giapponese per metà francese, perché sono appunto Super Mario e Rayman.
Quindi chiaramente è opinabile come l’unico titolo italiano che sia mai finito in una delle cinquine dei The Games Awards. Chiaramente sono deluso che in un anno come questo, in cui sono uscite produzioni del calibro di The Lonesome Guild o Simon the Sorcerer Origins, neanche uno, anche noi nel nostro piccolo, sia riuscito a entrare in una delle cinquine, sebbene abbiamo veramente dimostrato che in Italia non per forza si deve fare produzioni che fanno il verso a oltreoceano.
E purtroppo, ancora una volta, a determinare la situazione dei videogiochi in Italia, in primis è il pubblico della stampa stessa. Molti della stampa italiana fanno parte della giuria dei Game Awards, loro stessi fanno il cosiddetto ballot, in cui inseriscono i titoli candidabili per categorie X piuttosto che Y.

K: Tra pochissimo ti lascio andare, ti chiedo giusto un’ultima domanda. Con Bye Sweet Carole mi hai fatto ritornare indietro nel tempo e hai risvegliato la paura che provavo da bambina guardando Biancaneve perduta nel bosco o Brisby e il segreto di NIHM. Qual è il cartone della tua infanzia che ti ha terrorizzato così tanto da in qualche modo condizionarti anche nella realizzazione del gioco?

C: Ti dirò, mmm, forse già quando guardavo allora i film d’animazione avevo quell’accezione dell’ansia e della paura come qualcosa di affrontato, vivendola con quell’inquietudine impastata alla curiosità, quindi non ricordo di aver avuto particolare paura per qualche scena in particolare di Biancaneve o di altri vecchi classici. Forse quella che mi ha inquietato di più è stata Lady Tramaine, quando chiude in camera Cenerentola e le si evidenziano gli occhi carichi di odio. Mi ha veramente inquietato in quanto era una persona normale, una figura che doveva essere materna anche per la protagonista che si rivela spietata per il bene delle sue figlie; tra i vari cattivi Disney e l’unica che, volendo, ha una motivazione comprensibile, in quanto quasi tutti i genitori darebbero un braccio per garantire la felicità ai propri figli.

Con Chris abbiamo poi continuato la chiacchierata parlando di altri traumi infantili provenienti da altri cartoni come Gli Animali di Bosco Piccolo e di come oggi i cartoni affrontino meno certe tematiche più crude e violente, chiedendoci se effettivamente sia un bene cancellare il brutto e il male del mondo, o addirittura gli eventi storici considerati scomodi. [N.d.A.]

Lascio la riflessione a te, caro lettore (se vuoi anche la parola sui social o sul nostro Discord) e ti ringrazio per aver letto sino alla fine. Ringrazio ancora Chris Darril per la sua disponibilità e la bella chiacchierata.

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Introduzione

Chi mi conosce sa molto bene che amo i topolini e tutto ciò che li riguarda, dai film ai videogiochi, e persino le carte di Magic nell’espansione Bloom Burrow. Per questo motivo sono stata attirata dalla demo di Winter Burrow durante lo Steam Next Fest ma, ora che ho avuto modo di giocare la versione completa grazie a Pine Creek Games, posso affermare che la bellezza di questo gioco non è dovuta solo all’adorabile topino protagonista.

Recensione

Winter Burrow è un videogioco di sopravvivenza nel bosco molto “cozy” in cui un topolino si impegna a riportare al suo vecchio splendore il rifugio della sua infanzia. Ho atteso un po’ a scrivere questa recensione perché volevo testare se e dopo quanto tempo mi sarei annoiata a cercare risorse, ma ancora non è successo, anzi, se non fosse stato per gli impegni della vita privata e il lavoro avrei giocato senza sosta. Ma come ha fatto questo gioco a crearmi tale dipendenza? Analizzando diversi aspetti, cercherò di spiegartelo.

Trama

La storia in questo gioco è portata avanti da poche immagini fisse, ma decisamente evocative. L’inizio del gioco ci porta prima a un ricordo del passato del protagonista, quando la sua famiglia ha lasciato la tana nel bosco per trasferirsi in città e vivere una vita migliore. La città si rivela però un’illusione e viverci è un incubo. Per questo motivo, quando i genitori del protagonista muoiono senza poter soddisfare il desiderio di tornare a vivere nel bosco, lui decide di recuperare le proprie origini e abbandonare la città.

Nel bosco troverà una tana abbandonata e decadente con molte cose da riparare. Ma non disperare, in suo soccorso arriverà l’anziana zia Betullina, che con la sua saggezza lo aiuterà, così come altri abitanti del bosco, tra cui uno scoiattolo smemorato e un rospo fabbro.

La trama non è particolarmente elaborata, ma le vicende del bosco e le storie dei suoi abitanti spingono il giocatore a cercare risorse per aiutare tutti rendendo il “farming” per nulla noioso.

Gameplay

Winter Burrow può essere suddiviso in due fasi: una di esplorazione e l’altra di crafting. Fin dall’inizio, il gioco ti richiederà di trovare risorse per riparare parti della casa e costruire utensili necessari per ottenere le materie prime. Questo processo sarà graduale: dai ramoscelli e sassi vicino alla tana, dovrai poi addentrarti nel bosco per ricavare materiali più rari, come il granito o la seta, affrontando il rigido inverno e pericolosi insetti.

Durante l’esplorazione scoprirai nuovi luoghi e materiali, ma soprattutto farai la conoscenza degli altri abitanti del bosco che ti aiuteranno a migliorare il tuo inventario con nuove ricette per strumenti e missioni che rendono l’esplorazione sempre interessante e mai noiosa.

Una volta che abbiamo raccolto materiali sufficienti e il nostro zaino sarà troppo pieno, sarà meglio fare rientro a casa prima che si faccia troppo buio; quando scende la sera, infatti, il freddo è più pungente e, se non ti scaldi in tempo, potresti perdere i sensi e tutte le risorse ottenute.

Solo quando sarai nuovamente all’interno delle mura domestiche riscaldate da un bel fuoco, potrai fabbricare oggetti utilizzando il tavolo da lavoro. Il crafting in questo gioco include però anche la cucina e il lavoro a maglia: infatti, il topolino potrà cucinare utilizzando gli ingredienti trovati in giro (bacche, noci, funghi, ecc.) deliziosi piatti o snack da portare con sé durante le sue escursioni e realizzare indumenti più caldi per affrontare il freddo.

L’inventario inizialmente sarà ridotto, tuttavia, andando avanti con il gioco, sarà possibile realizzare zaini più capienti e decidere così di affrontare spedizioni più lunghe usando fuochi da campo e scorte di cibo che aiutano a migliorare le statistiche.

Ogni volta che esci dalla tana dovrai tenere sotto controllo queste statistiche: la salute, la fame, il calore e l’energia. Gli indicatori dei livelli di queste statistiche si trovano in basso a sinistra e potrai tenerli sotto controllo con facilità, se però sei troppo impegnato a “farmare” risorse e non ti accorgi che il tuo topino rischia di morire per la fame o per iportemia, una vibrazione ti farà notare che il livello è vicino al limite.

Cosa succede se queste statistiche raggiungono lo zero? Nel caso dell’energia il topolino avrà bisogno di riposarsi un po’ per recuperare fiato, correre e usare l’ascia o il piccone consumano energia, quindi meglio non affaticarsi troppo. Nel caso della fame e del calore, se questi saranno pari a zero, faranno diminuire anche il livello di salute. Tuttavia, se dovessi perdere tutta la salute, non temere, non sarà game over. Ti ritroverai, infatti, nella tua tana ma senza risorse. Nonostante ciò, sarà possibile recuperare dalla cassetta delle lettere una piccola parte del contenuto del tuo zaino e tentare così una nuova spedizione.

Per orientarti nel bosco non avrai l’ausilio di alcuna mappa, ma dovrai fare affidamento sulla tua memoria e ricordare dettagli del bosco per percorrere il sentiero giusto, e se ti dovessi perdere potrai tornare indietro sui tuoi passi, letteralmente, visto che le impronte delle zampine rimangono a lungo sulla neve e potrai seguirle per ritrovare la strada di casa.

Come accennato sopra, durante le esplorazioni potresti incontrare sia nuovi amici sia diversi nemici, per lo più insetti con pattern d’attacco ben precisi e quindi facili da prevedere. Ucciderli ti permetterà di ottenere carne (da mangiare sia cruda che cotta) e materiali. Tra i nemici più difficili da abbattere si trovano i ragni e devo dire che, da aracnofobica, ho apprezzato tantissimo la possibilità di toglierli e vederli sostituiti da altri insetti simili a formiche.

Uno degli aspetti che ho apprezzato di più in questo gioco è che, sebbene presenti caratteristiche classiche dei giochi survival, diversamente da questi, la sopravvivenza diventa qualcosa di rilassante e non angosciante. Inoltre, la violenza è qualcosa di non strettamente necessario, in quanto potremmo decidere di usare l’ascia o il piccone per attaccare gli insetti e difenderci, ma anche evitare gli scontri nascondendoci nell’erba alta o correndo lontano da loro.

Il gioco è localizzato in diverse lingue tra cui anche l’italiano e le traduzioni sono fatte piuttosto bene, quindi non troverai alcuna difficoltà nel comprendere le missioni da portare avanti.

Grafica e Sonoro

L’estetica di questo gioco ha un che di fiabesco, un videogioco che sembra muoversi tra le pagine di un libro per l’infanzia. Nello specifico, gli animali un po’ antropomorfi, ma non troppo, mi hanno ricordato I Racconti del Bosco di Tony Wolf, un libro che adoravo da bambina.

I paesaggi innevati sono piacevoli da attraversare, non risultano mai vuoti e invitano il giocatore a esplorarli completamente. Saranno diverse le zone in cui muoverci, ma in qualche modo tutte collegate tra loro, e avranno flora e fauna diverse per accrescere l’inventario.

In Winter Burrow è impossibile non apprezzare la cura dei dettagli. Partendo dai singoli oggetti dell’inventario, che sono numerosi e tutti diversi tra loro o i mobili e i vestiti, che sembrano quasi delle miniature realizzate per bambole o pupazzetti della Sylvanian Families.

Ad essere particolarmente gradevole non è solo l’ambiente di gioco, ma anche l’aspetto e le grafiche dei vari menu e dell’UI che riprende lo stile di un’opera cartacea e non solo audiovisiva.

La musica gioca un ruolo importante nel trasmettere tranquillità e rendere questo titolo un “survival cozy” (così è stato definito dai suoi sviluppatori). Sarai confortato da una piacevole musica quando ti troverai nei pressi di un caldo fuoco o vicino a un abitante del bosco che si mostra amichevole; tuttavia, quando gli abitanti non saranno amichevoli e vorranno attaccarti, la musica cambierà per allertarti del pericolo e dovrai scegliere se combattere o scappare.

La musica è un’ottima compagna di viaggio durante le esplorazioni e dà un senso di calma così piacevole che sto valutando di tenerla in sottofondo anche mentre lavoro. Un’altra cosa che ho adorato un sacco sono i versi del topino, tipo quando mangia o è affaticato dopo aver tagliato tanta legna, sono semplicemente adorabili.

In Conclusione

Winter Burrow è un gioco che dà assefuazione e non stanca mai grazie all’ambientazione fiabesca e ai suoi tempi lenti che ti permettono di fare tutto con calma e senza agitazioni. Ottimo per chi cerca giochi cozy con personaggi carini o vuole un survival più rilassato.

Io ho giocato la demo sul PC, ma il gioco completo su Switch (anche Switch 2) e devo dire che è un titolo perfetto per le console portatili perché ti permette di goderti l’avventura rilassandoti tranquillamente sul divano con una bella coperta per proteggerti pure tu dal vero e unico nemico del gioco: il freddo.

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Nerdando in breve

Winter Burrow è un survival cozy che non stanca mai, grazie alla sua ambientazione un po’ fiabesca e alle missioni da portare avanti senza alcuna fretta. Un titolo perfetto per chi adora i giochi rilassanti con personaggi adorabili, ma anche i giochi di sopravvivenza.

Trailer

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Il 7 novembre è uscito A Pizza Delivery, un nuovo titolo indie realizzato da Eric Osuna ed edito da Dolores Entertainment. Si tratta di un gioco narrativo ed esplorativo con qualche enigma da risolvere per poter andare avanti.
Un grazie a JF Games PR Agency per avermi mandato una copia (e per la pazienza con le tempistiche!)

Trama

Consegnare una pizza non sembra qualcosa di particolarmente entusiasmante, ma A Pizza Delivery propone al giocatore una consegna piuttosto insolita. Infatti, vestendo i panni di B, ti ritroverai a vagare con il tuo scooter per le consegne in un mondo surreale, fatto di spazi liminali e paesaggi immersivi e al contempo vuoti, come se si trattasse di un “luogo non luogo“.

B si ritrova a consegnare la sua ultima pizza della giornata, tuttavia, nel corso del viaggio potrà incontrare altre persone con cui condividere una fetta di pizza e la loro storia. Parlando con questi personaggi, pian piano iniziamo a formulare ipotesi su dove effettivamente ci troviamo, sbrogliando la matassa di mistero che avvolge il gioco.

Come si gioca

Per consegnare le pizze, B potrà usare il suo scooter, tuttavia alcune zone saranno interdette e dovrà procedere a piedi facendo attenzione a non bagnare il cartone della pizza in caso di pioggia: una pizza fredda è sempre buona, una pizza bagnata no. Dal momento che si deve guidare la moto è consigliabile l’utilizzo di un controller per aver un maggior controllo del mezzo. Il gioco è tradotto in diverse lingue tra cui l’italiano, il che può aiutare a immergersi di più nei dialoghi e nella storia.

Concludendo

La consegna della pizza è una scusa per fare in realtà un viaggio introspettivo, su chi siamo noi e su chi è B. L’atmosfera, a tratti calma ma a volte anche angosciante, ci accompagna per tutto il percorso; il mondo in cui ci troviamo sembra solo in parte reale e ti farà domandare: Dove mi trovo?

Sebbene nella mia esperienza di gioco si siano presentati alcuni problemi, A Pizza Delivery è stata una piccola avventura introspettiva. Quel senso di blocco che prova la protagonista, in qualche modo, è qualcosa che accomuna un po’ tutti: tutti abbiamo passato momenti in cui non sapevamo che fare della nostra vita, una sorta di paralisi che nel gioco prende la forma di una panchina. Chi si ferma è perduto. Il gioco invita a riflettere su quel blocco ma anche ad andare avanti affrontando le difficoltà che la vita ci propone e questo concetto è stato stimolante anche per la mia di vita.

Sebbene all’uscita il gioco presentasse qualche bug, A Pizza Delivery secondo me è una breve avventura che merita per l’esperienza introspettiva e la narrazione che offre.

Nel frattempo, però, è stato rilasciato un aggiornamento per risolvere i problemi segnalati dagli utenti, pertanto se siete curiosi lo si può trovare sia per PC che per Playstation 5 e Xbox Series X|S.

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Nerdando in breve

A pizza delivery è un breve viaggio in cui una consegna diventa più un’esplorazione di se stessi. Gioco narrativo con enigmi che immerge il giocatore in paesaggi liminali di un mondo a tratti surreale.

Trailer

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Introduzione

La mia infanzia così come quella di altri redattori di Nerdando è stata segnata dai cartoni Disney ma anche dai traumi causati dai film realizzati dallo straordinario Don Bluth, che ha dato vita a capolavori come Anastasia e Fievel Sbarca in America ma anche a scene spaventosissime come il T-Rex ne Alla Ricerca della Valle Incantata e le sperimentazioni sui topi nel film Brisby e il segreto di NIMH.

Chris Darril e il team di Little Sewing Machine omaggiano l’animazione tradizionale e i grandi registi del passato, realizzando un piccolo gioiello tutto italiano: Bye Sweet Carole, un mix tra un gioco platform con elementi horror e un vero e proprio film d’animazione.

Recensione

Non appena ho visto il trailer di Bye Sweet Carole sono rimasta colpita dalla qualità dell’animazione e dal suo stile e volevo assolutamente giocarlo sebbene io sia una fifona di prima categoria. Ringrazio Maximum Entertainment che mi ha permesso di soddisfare la mia curiosità e, anche se ho perso qualche anno di vita per gli spaventi, ti spiego perché sono felice di essere uscita dalla mia comfort zone giocandolo.

Da fifona quale sono, qui ammetto di aver perso qualche anno di vita e urlato una serie di parolacce.

Storia

Bye Sweet Carole ci catapulta nell’Inghilterra dei primi del ‘900, un periodo segnato dalla rivoluzione industriale e dai primi movimenti femministi guidati dalle suffragette. In questa atmosfera di cambiamento ti troverai a vestire i panni di Lana Benton, una giovane ragazza ospite dell’orfanotrofio Bunny Hall, che decide di indagare sulla scomparsa della sua migliore amica Carole.

Le indagini di Lana si fanno sempre più interessanti e scopriamo la presenza di un misterioso ragazzo, soprannominato il “francese”, con cui Carole aveva una corrispondenza epistolare. Nel cercare di scoprire la verità, però, Lana si ritrova a dover sopravvivere in bilico tra due mondi, quello reale e quello di Corolla, un regno di cui lei è la principessa, ma che è minacciato dall’inquietante Mr. Kyn, noto anche come la pece che corrompe e distrugge tutto.

Sarà proprio Mr. Kyn la fonte principale dei nostri incubi, insieme al suo gufo e alle altre creature fatte di pece perciò, mentre cercherai di indagare sulla scomparsa di Carole, dovrai cercare di scappare da lui e soprattutto non cedere alla sua richiesta di consegnarli Corolla.

La narrazione è un punto di forza enorme di questo gioco, ti sembrerà, infatti, di guardare un film vero e proprio grazie alle splendide cut scenes. La trama non è affatto scontata e tiene attanagliati al controller, tant’è che sono passata dal giocarlo lentamente perché avevo bisogno di fare qualche pausa per riprendermi dall’adrenalina delle fughe, al non voler chiudere il gioco e divorare i capitoli uno dopo l’altro.

Gameplay

Bye Sweet Carole si presenta come un mix tra un gioco platform e un horror survival, capace di far sobbalzare dalla sedia grazie ad alcuni jump scare, senza però davvero terrorizzare come giochi propriamente horror come Silent Hill o Resident Evil.

Nei panni di Lana dovrai esplorare il Bunny Hall e risolvere enigmi, eventualmente combinando oggetti per riuscire ad andare avanti. La risoluzione degli enigmi risulta piuttosto intuitiva e difficilmente si rischia di rimanere bloccati in qualche area.

In Bye Sweet Carole conviene sempre guardarsi intorno perché potremmo trovare oggetti molto utili.

Lana acquisterà inoltre la capacità di trasformarsi in coniglio e questa sua dote le permetterà di raggiungere aree interdette e saltare più in alto. Personalmente ho apprezzato tantissimo questa meccanica così come la possibilità di usare Mr. Baesie, il fedele servitore di Corolla che verrà spesso in aiuto di Lana.

Sebbene abbia trovato alcune meccaniche molto interessanti, ho trovato il gioco un po’ ripetitivo, specialmente verso la fine e sono rimasta un po’ delusa dalle sezioni rhythm game e combat, le quali sembrano molto meno curate rispetto al resto e inserite solo ai fini della trama.

Grafica

L’altro grande punto di forza di questo gioco è senza ombra di dubbio la sua estetica e la perizia con cui sono state realizzate le animazioni, fotogramma dopo fotogramma e tutte a mano come in tecnica tradizionale. La cura dei movimenti non la troviamo solo nelle cut scenes ma anche nelle sezioni di gameplay in cui vediamo Lana trasformarsi in coniglio, nascondersi dai nemici e ahimè anche morire se non faremo attenzione.

Per poter apprezzare appieno la cura dei dettagli di questo gioco, ammetto di essermi trasformata in una sadica curiosa e ho fatto morire Lana in modi diversi solo per poter guardare le diverse animazioni della sua morte. Giuro che era solo per scopi di ricerca e nella realtà non torturerei mai una persona, ma devo confessare che quelle animazioni le ho trovate geniali e divertenti, e mi hanno ricordato un po’ le scene di Dragon’s Lair, il celebre videogioco anni ’80 realizzato in collaborazione con Don Bluth.

Lana che si destreggia nel pantano mi ha riportato all’ansia provata da bambina quando Biancaneve si ritrovava nella foresta impaurita.

L’estetica di Bye Sweet Carole a tratti ricorda molto quella disneyana delle principesse. La protagonista, infatti, mi ha ricordato un po’ sia Biancaneve che Alice, per via dell’aspetto ma anche del carattere dolce e curioso. Il mondo fiabesco con le sue forme morbide e i colori pastello è temporaneo e viene corrotto dalla pece che ingrigisce tutto e diventa un posto ostile da cui è difficile scappare.

Audio

Il senso di cupo e l’ansia non sono dati solo dai colori scuri, ma anche e soprattutto dalle musiche. Molta della tensione è data proprio dai suoni dell’ambiente apparentemente desolato e dagli improvvisi cambi della musica che riesce ad accrescere la paura e l’adrenalina. Anche qui, ritroviamo, come nei vecchi cartoni, i suoni terrificanti che accompagnavano le scene più spaventose in cui compariva il mostro di turno.

Altro aspetto importante di questo gioco è sicuramente il doppiaggio, che troviamo sia in inglese che in italiano. Nella versione italiana, inoltre, Lana è stata doppiata da Rossa Caputo, doppiatrice e dialoghista famosa per diversi ruoli, ma nell’ultimo periodo soprattutto per essere la voce di Charlie in Hazbin Hotel.

Screenshot di una delle cut scenes, per darvi una maggiore idea della qualità elevata delle animazioni di questo gioco che sembra uscire da una delle nostre videocassette dell’infanzia.

Il doppiaggio nel complesso risulta fatto bene e le voci azzeccate; ho riscontrato, tuttavia, qualche problema verso gli ultimi capitoli dove la registrazione della voce di qualche personaggio secondario risultava meno pulita e con i volumi non sempre coerenti con la scena, ma è risaputo che doppiare i videogiochi senza una scena da guardare o indicazioni precise risulta parecchio difficile e, nel complesso, trattandosi di un gioco indie, è stato fatto un lavoro incredibile.

In Conclusione

Bye Sweet Carole è un gioco che colpisce per la sua storia e per la sua altissima qualità, nonostante presenti qualche difetto e io sia una fifona mi è piaciuto molto giocarlo. Un titolo perfetto se ami l’animazione 2D e ti piace provare un po’ il brivido con giochi horror molto soft come ad esempio Little Nightmares o Limbo, che generano un’ansietta e un senso di inquietudine.
Questo gioco è l’ennesima dimostrazione che in Italia è possibile creare videogiochi di qualità e bisogna continuare a crederci sostenendo realtà come Little Sewing Machine.

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Nerdando in breve

Bye Sweet Carole è una perfetta favola horror che combina la magia delle principesse alla paura dei mostri che popolavano gli incubi dell’infanzia e lo fa con animazioni incredibili e una storia coinvolgente che segna un po’ il passaggio all’età adulta.

Trailer

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Recensione

Attendevo Formula Legends visto che lo avevo già provato, e apprezzato, tramite la demo su Steam. Quindi sono stato ben felice di recensirlo non appena lo studio italiano 3DClouds, che ringrazio, ha messo a disposizione la chiave.

Cos’è Formula Legends

Formula Legends è un videogioco di corse che ripercorre, orgogliosamente senza diritti -e su questo ci torneremo-, la storia della Formula 1. Si tratta di un “simcade”, cioè combina l’accessibilità e il divertimento dell’arcade con caratteristiche simulative come consumo delle gomme e della benzina. Comunque l’ago pende, e di tanto, verso l’arcade e l’immediatezza, ma ciò non vuol dire che sia facile.

Modalità

Non appena lo avviamo per la prima volta Formula Legends ci suggerisce di fare un breve ma esaustivo tutorial. Fatelo!
In Formula Legends ci sono diverse opzioni ludiche: la modalità storia, quella personalizzata in cui sia per la gara singola sia per il campionato potrete impostare ogni singolo aspetto che più desiderate, la sfida a tempo e infine lo showroom dove poter ammirare quanto sbloccato.

Ecco la modalità storia

Storia

La modalità storia, che è quella principale, ci fa partire con una coppa ambientata nel 1968 con quattro piste storiche. Questo sarà il modello della modalità storia che ci presenterà dei mini-campionati che ripercorrono l’evoluzione del motorsport. Man mano che giocheremo raggiungeremo determinati traguardi, come fare un tot di podi, sbloccando in questo modo, ad esempio, piloti e vetture.
Mi piace molto come col passare degli anni si percepisca, sia ludicamente che visivamente, l’evoluzione delle piste e delle vetture.

Piste

Le piste, nonostante anch’esse siano senza diritti, restituiscono le caratteristiche peculiari oltre ad essere ricreate in modo molto evocativo. Si nota subito di che pista si tratta, replicando perfettamente lo spirito del circuito.
Bello che lo scorrere del tempo coincida con l’evolversi delle piste negli anni. Infatti se negli anni ‘60 e ‘70 le piste sono spartane, spesso con i limiti della corsia non molto chiari, e piene di fascino nostalgico. Invece le piste contemporanee presentano cordoli e linee di vernice che delimitano la sede stradale, giusto per citare due aspetti che caratterizzano il motorsport di oggi.

Ecco come ci vengono presentate le piste ed ecco un esempio di nomi inventati

Comparto estetico

Formula Legends non è e non vuol essere fotorealistico. Ciò è in linea con la voglia di celebrare la storia del motorsport, visto che ciò crea un’atmosfera sognante e romantica. Mi sa di quando nei cartoni animati si racconta una storia epica del passato!
Poi lo stile delle vetture, stilizzato e giocattoloso, lo trovo perfetto: possiamo ammirarlo al suo massimo nella modalità foto (la si può attivare durante le gare)! Inoltre è una gradita chicca il modificarsi delle grafiche a seconda delle epoche.

La partenza a Montec… Pardon sulla Riviera!

Come si guida in Formula Legends?

La guida è molto intuitiva e ci permette fin da subito di divertirci. Di base, con riferimento al controller Xbox, si accelera con RT e si frena con LT. Quando guidiamo le vetture storiche non ci saranno altri tasti se non  l’analogico destro per guardare indietro.
Durante il pit stop dovremo “risolvere” nel modo più veloce possibile il minigioco per cambiare le quattro ruote attraverso i quattro tasti da premere nel momento giusto. Nel frattempo con i grilletti riforniremo carburante e ripareremo eventuali danni subiti che, se non ripristinati, ci rallenteranno, mentre per ripartire dovremo premere i due analogici.

Invece le vetture più moderne presentano anche le versioni senza diritti di DRS (cioè l’alettone che flette per farci andare più veloce) e potenza extra data dalla batteria che ricaricherà progressivamente.
Si sente la differenza tra le vetture del passato e quelle contemporanee soprattutto nelle frenate, così come si sente tra le gomme usurate e quelle nuove. Infatti ci dovremo adattare alla vettura e alle varie condizioni come quelle meteo, che possono cambiare anche due volte nella stessa gara. A proposito: la pista che si evolve insieme alle condizioni atmosferiche è un grande pro di Formula Legends.

Quindi un “simcade” che si traduce in un gioco arcade con spruzzate di realismo come il non oltrepassare i limiti della pista pena secondi di penalità, a partire dalla quarta infrazione in poi.

Con la modalità foto ci si può sbizzarrire

Diritti e Pro Evolution Soccer

A livello teorico per un titolo sportivo avere i diritti dovrebbe essere un gran vantaggio, giusto? Avere Charles Leclerc e Ferrari dovrebbe essere il massimo. Forse, se ci fossero stati i soldi, si sarebbe provato ad averli, salvo eventuali diritti di esclusiva da parte di EA che pubblica i titoli sulla F1.
Invece se vi dicessi che avere Charlie Lacreme e Ferenzo rendono il tutto ancora più divertente per nerd della F1 che devono scavare nelle loro conoscenze per cogliere tutte le citazioni? Tutto questo aveva creato momenti di condivisione dei nomi molto divertenti già nelle due demo. Mi ha fatto venire in mente i tempi dei Pro Evolution Soccer quando c’erano squadre e giocatori coi nomi “pezzotti”, come si dice dalle mie parti. Anche se qui il livello è più alto, visti anche l’intento ironico e la passione che traspare in ogni aspetto di Formula Legends.

Ecco una pista contemporanea

Difficoltà e aiuti

Con riferimento alla difficoltà in senso stretto potrete scegliere tra facile, medio e difficile. Inoltre potrete attivare o disattivare controllo trazione, l’antislittamento e gestire manualmente o meno il DRS. Quindi tutto nella norma e comodo per adattare la sfida alle vostre esigenze.
La difficoltà facile è effettivamente facile, mentre quella media è … media! Battutacce a parte, quest’ultima offre una sfida che ho trovato giusta ed equilibrata.
Un piccolo ma fastidioso contrattempo che ho trovato è che, se chiudevo il gioco durante un campionato, una volta che lo riprendevo la difficoltà andava su facile senza poterla più modificare. Però c’è da dire che ci ho giocato prima dell’uscita.

IA

L’intelligenza artificiale delle auto fa alla grande quello che deve fare. Solo in un caso ho visto cose strane ma, va detto anche in questo caso, che era prima del giorno del lancio.

Un cosa che non mi convince è che i rivali sbattono contro di noi in assoluta scioltezza facendoci calare l’energia e a volte rovinandoci la gara. Diciamocelo: quando siamo primi e un doppiato esce dal pit venendoci addosso e, di conseguenza, rovinandoci la gara non è il massimo del divertimento. Da un lato è bello che le altre vetture ti calcolino per ostacolarti un minimo, ma a volte è proprio gratuito. Inoltre in certe piste, soprattutto quelle del passato, se seguiremo le stesse linee delle vetture guidate dall’IA ci beccheremo il superamento dei limiti della pista…
Quindi ho odiato i doppiati come Verstappen (anzi Peerstallen) odiò Ocon (anzi Acon) qualche anno fa.

Versioni e prezzo

Formula Legends sarà disponibile dal 18 Settembre su PC, Xbox Serie X e S, PlayStation 5 e Nintendo Switch a 19,99 euro.
Ho giocato alla versione Steam con un PC ormai vecchiotto con qualche minimo compromesso e di conseguenza si tratta di un titolo non troppo esoso anche come requisiti, quindi non solo nel prezzo!

Concludendo

Formula Legends è un ottimo gioco di corse che ripercorre le grandi tappe della Formula 1. Essere appassionati delle ruote scoperte è di certo un pro per cogliere tutte le citazioni, ma si tratta anche di un titolo adatto a chi vuol godersi semplicemente un gioco di corse ben fatto.
Lo stile volutamente non fotorealistico regala un’atmosfera sognante che sottolinea l’epicità soprattutto della vecchia F1.

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Nerdando in breve

Formula Legends è un gioco di corse che ripercorre, rigorosamente senza diritti, la storia della Formula 1.

Trailer

L'articolo Formula Legends – Orgogliosamente senza diritti proviene da Nerdando.

Bullismo

Forse questo è uno dei titoli più “facili” da interpretare, almeno tra quelli che ho selezionato per questa rubrica che mi sta tanto a cuore. Tuttavia ho scelto di affrontarlo per due ragioni, primo perché qualcosa potrebbe comunque essere sfuggito, e secondo perché il tema di fondo è secondo me cruciale e la metafora che Tequila Works ha saputo creare è stata a mio avviso delicata e allo stesso tempo potente e funzionale.

Ambientato a Bethelwood, Maine, Gylt è un survival horror che ci mette nei panni di una ragazza alla ricerca della cugina scomparsa. Sulla sua strada un gruppetto di bulli che la spinge a cercare rifugio tramite la funicolare che unisce la vecchia miniera al centro città. Qui incontra uno strano bigliettaio, dall’evocativo nome Charon, e tramite la funicolare giunge in una versione distorta della città e della scuola, in cui ritrova immediatamente Emily, la bambina scomparsa, ma, purtroppo, scopre che questa versione della scuola è infestata da orribili mostri che pietrificano le loro vittime.

Ne sono la riprova i dieci minatori scomparsi che Sally Kauffman, la nostra protagonista, incontra in giro per il campus in stato di pietrificazione (e che potrà liberare grazie ad una particolare pietra collezionabile) mentre raccoglie diari, lettere e disegni che la aiuteranno a comprendere la natura di questo non-luogo che fagocita le persone.

L’indizio principale ci arriva fin dal titolo, quel GYLT che si pronuncia proprio come guilt (e ne è una versione arcaica), colpevole, e che ci mette già sui giusti binari. Altri indizi non sono solo i messaggi minatori in giro per la scuola, scritti un po’ ovunque, ma anche i manichini fossilizzati in pose evocatiche che davvero poco lasciano all’immaginazione.
GYLT è una enorme metafora del bullissimo e dei danni che queste azioni possono causare nelle persone che ne sono vittima.

Ma c’è di più. Per tutta la durata della partita siamo propensi a immaginare Emily come fuggita, persa, a seguito del bullissmo subito, mentre Sally che, essendo più grande, si sente in obbligo di difenderla, ha cercato di proteggerla prima e di salvarla dopo.
Tuttavia man mano che procediamo nella storia, scopriamo che Emily prova un profondo rancore nei confronti della cugina, e se subito non riusciamo a spiegare questa difficoltà nel farsi aiutare, se non come mero infantilismo, nel climax finale scopriremo che invece Sally stessa, pur senza rendersene conto, è una dei suoi carnefici. E per questo ancora più dolorosa e crudele.

Cos’ha fatto di così sbagliato Sally? Principalmente non è stata in grado o non ha avuto la forza di proteggere Emily, ma c’è di più: Emily è stata letteralmente abbandonata da Sally che, di fronte alla scelta se stare con la cugina o restare con i suoi amici, ha scelto questi ultimi. Vigliaccheria? Superficialità? Non lo sapremo mai, ma quel che è certo è che Emily non riesce a sopportare il tradimento di quella che le aveva promesso di starle sempre accanto e di proteggerla. E questo dolore la sconvolge e la fa perdere nella versione distorta di Bethelwood dove viene portata da un enorme mostro fatto di paura e dolore incarnati.

Il finale è straziante: nel momento in cui Emily e Sally, finalmente riconciliate, tornano alla funicolare, Charon rivela loro che solo chi ha il biglietto può fuggire dal mondo incubo. Saremo noi, quindi a decidere il destino delle due bambine e chi deve sacrificarsi restando per sempre intrappolato.
Tuttavia c’è una terza via, per quanto difficile.
Abbiamo parlato dei minatori pietrificati, le cui storie sono altrettanto dolorose e piene di tensione. Liberando ognuno di essi, si ottiene un frammento di biglietto. Se entro la fine saremo riusciti a liberarli tutti e dieci, Charon potrà costruire un nuovo biglietto e consentire a entrambe le bambine di salvarsi.

La miniera

Questo per quanto riguarda la storia esplicita, il plot che possiamo seguire giocando. Ma c’è molto di più da scoprire. Leggendo i diari dimenticati scopriamo come la compagnia mineraria che ha installato la miniera abbia scoperto che all’interno della montagna c’era molto di più che semplici minerali da estrarre.
La miniera stessa era affamata e aveva il potere di far emergere la medesima insaziabile fame in coloro che vi lavoravano.

La montagna si ciba della paura che riesce ad evocare, genera un nuovo mondo, distorto, in cui intrappola le persone e le loro paure e qui ne ruba l’essenza vitale, creando quei quarzi rossi che a Sally servono per poterli liberare dalla loro prigionia. La situazione precipita quando la montagna inizia a collassare e una frana sommerge e distrugge metà della città.
Per la compagnia mineraria è l’occasione di mettere a tacere la scomparsa dei minatori, e quindi costruisce una copia identica della città sull’altro lato della montagna, trasferendo lì tutti i residenti.

Ricominciano le estrazioni minerarie, ma la situazione non migliora: i minatori entro breve vengono nuovamente colpiti dalla maledizione della montagna, perdendo la gioia di vivere, venendo piegati dalle loro stesse paranoie.
Chi ha tentato di salvarsi e di salvare i colleghi è stato allontanato e licenziato.

Scopriamo quindi che la Bethelwood in cui Sally è imprigionata è sì una dimensione alternativa, popolata da creature che sono l’incarnazione di paure, gelosie e paranoie, ma è anche una città fisica, quella che è stata abbandonata dopo il crollo.
Gli indizi c’erano in effetti: in una delle scene esterne si può notare una seconda funivia, capendo così che nella sua fuga per tornare a casa, Sally ha preso quella sbagliata finendo quindi nella città distrutta.

Non è chiaro cosa muova esattamente i fili, però nella sezione finale di gioco, se abbiamo liberato tutti e sei i canarini sparsi nel mondo di gioco, abbiamo accesso a un’area altamente tecnologica posta al di sotto della piazza della città. Qui troviamo una sorta di potere ancentrale imbrigliato da qualche macchinario, che però ha portato alla pietrificazione dell’ennesimo lavoratore.

La storia della bambina

Ma veniamo all’ultimo grande dilemma: la storia di Emily. La scopriamo non solo dai suoi diari sparsi ovunque, ma anche dai disegni che possiamo trovare e recuperare. Da bambine Emily e Sally erano molto unite, poi i genitori si sono trasferiti altrove portando Emily con sé. La bambina ha passato molte ore felici in compagnia del nonno, che amava raccontarle storie meravigliose.
Con la malattia e la morte del nonno, la famiglia torna a Bethelwood e le due ragazze si riuniscono.

Le cose, però, vanno male e iniziano gli atti di bullismo, compresi quelli di Sally, indiretti ma ugualmente dolorosi.
Questo ci dà anche un grande indizio su chi sia Charon. In uno dei diari leggiamo di una testimonianza di una donna dagli occhi luminosi, e l’autore suggerisce che possa trattarsi di un fantasma.
In una delle ultime sequenza, Charon è mostrato proprio con la stessa tipologia di occhi: è il fantasma del nonno, che porta Sally nella Bethelwood distorta per salvare l’adorata nipote.

Questo spiega anche la scena finale in cui le bambine, se riescono a salvarsi entrambe, regalano a Charon l’orsacchiotto di Emily, poco prima che lui sparisca nel nulla, la sua missione compiuta.

Resta un ultimo dettaglio da raccontare: i canarini. Come detto sono sei da trovare e liberare, ma perché?
Per chi non lo sapesse, i minatori portavano con loro una gabbietta con dentro dei canarini, era il loro “salvavita”: se l’aria diventava tossica, i piccoli uccelli erano i primi a cadere e questo per secoli è stato il modo in cui i minatori cercavano di salvarsi la vita dalle esalazioni della montagna.

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