Christopher Paolini e il suo Ciclo dell’Eredità sono stati pilastri della mia infanzia fantasy, diventare un cavaliere dei draghi era un fantasia stupefacente ed Eragon e Saphira contribuivano a renderla reale.

Recentemente Paolini è ritornato molto attivo sui social, facendo diversi passi avanti e allusioni al voler sviluppare Alagaesia, il mondo di Eragon, in modo da renderla compatibile alla costruzione di scenari per giochi di ruolo.

Cosa c’è di succoso

Prima domanda: come è nata la voglia di ritornare ad Algaesia con la maturità che hai ora? Christopher Paolini ha confessato di aver sempre voluto ritornare a scrivere di Alagaesia, ritornare a casa dopo una lunga assenza durata ben 10 anni.

Murtagh ricerca la redenzione alla fine del ciclo dell’eredità, come lo troviamo ora, nel nuovo libro? Lo troviamo molto poco dopo, con il suo drago, impegnato a dover risolvere dei problemi misteriosi, redimersi dalle proprie colpe ed elaborare il trauma di un passato da “cattivo”.

Paolini pensa che nel nuovo libro abbia approfondito molto le conoscenze dei lettori riguardo Alagaesia e come funziona la magia nel mondo, rendendo però comunque l’avventura piacevole, cosa che 10 anni fa sarebbe stata impossibile.

Come si relazionerà la scrittura matura del Paolini adulto con il fan di Eragon adulto? Lui pensa bene, voleva dei temi più maturi, ma non voleva che diventasse come Game of Thrones, perché sarebbe stato pesante. Ha quindi cercato di scrivere storie adulte senza essere crudo, con delicatezza. Sarà un libro che apprezzeranno anche i fan di vecchia data.

C’è inoltre un gioco da tavolo, attualmente in sviluppo, incentrato sul mondo di Eragon, con un game design custom incentrato sull’antica lingua. Finora non era mai stato sviluppato perché Disney e Fox possedevano buona parte del merchandising, ora che la questione si è risolta, però, ci stanno seriamente lavorando.

Esperienza esterna e storie passate ti influenzano nella scrittura o il lasci fuori? Christopher dice di essere sempre stato aperto nelle influenze che ha avuto dall’esterno, basti guardare il suo romanzo SCI-FI To sleep in a sea of stars, dove ci sono diverse  citazioni. A lui piace lavorare sulle spalle dei giganti.

La serie TV di Eragon è correntemente in pausa perché quando andava fatto il passo decisivo a Hollywood c’è stato lo sciopero degli sceneggiatori, ma, ci ha assicurato, ci saranno altri cicli ambientati in Alagaesia.

Secondo Paolini il personaggio più difficile da creare è stata Arya, perché si tratta di una principessa elfica di 100 anni e, nel darle forma, ha dovuto svolgere un sacco di ricerca antropologica sugli elfi per poterla descrivere al meglio.

L’autore pensa che la cosa che è piaciuta di più del ciclo dell’eredità è la relazione tra Eragon e Saphira mentre le cose che sono piaciute di meno sono sicuramente personali di ogni lettore. In ogni caso quella più popolare è che gli viene fatto pesare la poca esperienza.

Murtagh è disponibile in una edizione speciale fatta esclusivamente per LuccaC&G 2023, con una variant in pelle di drago.

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OSCAR 2021

La 93esima edizione degli Academy Awards, celebrata nella notte tra il 25 ed il 26 aprile 2021 ha appena decretato i suoi vincitori, in un’insolita versione dovuta agli ormai noti problemi universali di assembramento e mascherine. Hollywood non si ferma e non rinuncia alla storica parata di star che tra la diretta da Los Angeles ed i collegamenti da Londra, Parigi, Seoul, Kilkenny, Sidney, Berlino, si sono alternate per presentare ed effettuare le premiazioni.

È stata un’edizione diversa e bellissima, presentata in parte dalla spettacolare sede della Union Station (ex caserma dei pompieri, ex banca ed ora sede di eventi) ed in parte presso il Dolby Theater di Los Angeles con un numero limitato di partecipanti che si sono avvicendati nel presentare e ringraziare, rendendo la manifestazione dinamica ed emozionante.
Tantissimi gli attori ed i registi non caucasici e tante donne, finalmente. A sottolineare l’importantissimo cambiamento la presenza di nuovi protagonisti: piccoli film sconosciuti, registe e sceneggiatrici talentuose e volti nuovi. Il tema dell’impegno sociale è rimasto uno dei fil rouge dell’evento.

Dopo aver assistito alle nomination presentate da Priyanka Chopra e Nick Jonas, scopriamo insieme i protagonisti di questa magica serata.

CORTOMETRAGGIO, DOCUMENTARIO, ANIMAZIONE

MIGLIOR DOCUMENTARIO

Per il titolo di miglior documentario la competizione se l’è aggiudicata My octopust teacher.

MIGLIOR CORTOMETRAGGIO

Tra i cortometraggi vince Colette, produzione francese sulla Resistenza.

MIGLIOR CORTOMETRAGGIO ANIMATO

Per il miglior corto animato è stato decretato vincitore il meraviglioso cortometraggio strappalacrime If Anything Happens I Love You.

MIGLIOR FILM D’ANIMAZIONE

Tra i film d’animazione ha vinto Soul, i cui autori hanno voluto ringraziare tutti gli insegnanti di musica e arte nel mondo ed invitato tutti a seguire l’esempio dei jazzisti, capaci di trasformare quello che toccano in qualcosa di bello.

TRUCCO E COSTUMI

MIGLIORI COSTUMI

In questa categoria il vincitore è Ma Rainey’s black bottom.

MIGLIOR TRUCCO

Per trucco e parrucco sempre Ma Rainey’s black bottom che purtroppo ha battuto il nostro Pinocchio.

VISIVI

MIGLIORE FOTOGRAFIA

Tra Judas and the Black Messiah, News from the world, Nomadland e Processo ai Chicago 7, la miglior fotografia è andata, meritatamente a Mank.

MIGLIOR MONTAGGIO

Sound of Metal ha vinto in questa categoria presentata da Harrison Ford, che leggendo qualche appunto di critiche rivolte al montaggio di Blade Runner, ha fatto capire quanto questo passaggio possa essere importante per la riuscita di un film.

MIGLIORI EFFETTI VISIVI

Tra i candidati ha trionfato Tenet di David Fincher.

MIGLIOR SCENOGRAFIA

Tra i dieci Oscar per i quali era candidato, il premio per le scene migliori è andato a Mank.

INTERPRETAZIONE

MIGLIOR ATTORE PROTAGONISTA

Tra gli attori candidati la statuetta è andata a Anthony Hopkins (The Father), a 29 anni di distanza dal premio ricevuto nella stessa categoria per Il silenzio degli innocenti.

MIGLIOR ATTRICE PROTAGONISTA

Per quanto riguarda le attrici protagoniste annunciatissimo il premio a Frances McDormand che con la sua terza statuetta (Fargo e Manifesto ad Ebbing, Missouri) raggiunge la storica Katherine Hepburn.

MIGLIOR ATTORE NON PROTAGONISTA

Vincitore tra i non protagonisti un ispiratissimo Daniel Kaluuya (Judas and the Black Messiah).

MIGLIOR ATTRICE NON PROTAGONISTA

Il premio è andato all’attrice coreana Yuh-Jung Youn per Minari. La bravissima interprete è stata premiata da Brad Pitt che ha raccontato i film preferiti dalle attrici candidate da bambine.

REGIA E FILM

MIGLIOR REGIA

Per la categoria miglior regista Chloé Zhao per Nomadland, premiata in collegamento dal Dolby Cinema di Seul dal regista di Parasite Bong Joon-ho. È la prima regista asiatica a ricevere il premio e la prima donna dopo Kathryn Bigelow ad aver vinto in questa categoria.

MIGLIOR FILM

La categoria più ambita ha visto trionfare Nomadland, storia sulle comunità di nomadi che vivono e si spostano nei grandi spazi naturali d’America. Frances McDormand, protagonista del film nel ruolo della vedova Fern, ha voluto celebrare Michael Wolf, il sound mixer della produzione mancato a 35 anni, ululando sul palco.

MIGLIOR FILM STRANIERO

Nella categoria miglior film straniero Un altro giro (Danimarca e Paesi Bassi), il cui regista ha voluto ricordare la figlia scomparsa quattro giorni dopo l’inizio delle riprese a causa di un incidente stradale.

TESTI E DIALOGHI

MIGLIOR SCENEGGIATURA ORIGINALE

Vincitore della gara per la miglior sceneggiatura originale Promising young Woman, interessantissima storia scritta ed diretta da Emerald Fennell.

MIGLIOR SCENEGGIATURA NON ORIGINALE

Nella categoria delle sceneggiature adattate troviamo The father.

AUDIO E MUSICA

MIGLIOR COLONNA SONORA

Tra i candidati per la migliore colonna sonora hanno trionfato Trent Reznor e Atticus Ross, nominati sia per Soul (vincitore) che per Mank.

MIGLIOR CANZONE ORIGINALE

Nella cinquina delle canzoni candidate la nostra Laura Pausini (Io sì, – La vita davanti a sé), purtroppo non ha vinto nonostante una bellissima canzone scritta da Diane Warren ed un’esibizione spettacolare trasmessa dal vivo. Il premio è andato a Fight for you (Judas and the Black Messiah).

MIGLIOR SONORO

In questa categoria trionfa il bellissimo Sound Of Metal.

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Emmy Awards 2020

La pandemia di Covid-19 ha rallentato il mondo del cinema ma non ha fermato gli Emmy Awards 2020.
L’edizione numero 72 dei Primetime Emmy Awards 2020, che sono ormai considerati uno dei più importanti riconoscimenti per l’ambito delle produzioni televisive, vedrà svolgersi regolarmente la cerimonia di premiazione il 20 settembre presso il Microsoft Theatre di Los Angeles.

Nel frattempo, nella giornata di oggi sono state ufficializzate le nomination in gara per ottenere l’ambito premio. La parte del leone, in questa fase, è spettata a Netflix, che ha guadagnato ben 160 candidature; segue a ruota HBO con 107.
La serie più candidata, comunque, è Watchmen, che aspira a 26 statuette. La inseguono La fantastica signora Maisel (20 nomination) e Ozark e Succession, entrambe attestate a quota 18.

Le nomination

Nella categoria miglior serie drammatica la lotta è apertissima e vede contrapposte Better Call Saul (AMC), The Crown (Netflix), The Handmaid’s Tale (Hulu), Killing Eve (BBC America), The Mandalorian (Disney), Ozark (Netflix), Stranger Things (Netflix) e Succession (HBO).

Lotta interessante anche nella categoria comedy, dove troviamo in lizza Curb your enthusiasm (HBO), Dead to me (Netflix), The Good Place (NBC), Insecure (HBO), Il metodo Kominski (Netflix), La fantastica signora Maisel (Amazon), Schitt’s Creek (Pop TV) e What we do in the shadows (FX).

Per quanto riguarda le miniserie, a giocarsi la vittoria ci sono Little Fires Everywhere (Hulu), Mrs. America (FX on Hulu), Unbelievable (Netflix), Unorthodox (Netflix) e Watchmen (HBO).

Recitazione

Per quanto riguarda la recitazione, a contendersi il primato di miglior attore protagonista in una serie comedy sono Anthony Anderson (Black-ish), Don Cheadle (Black Monday), Ted Danson (The Good Place), Micheal Douglas (Il metodo Kominski), Eugene Levy (Schitt’s Creek) e Ramy Youssef (Ramy).
Candidate a miglior attrice protagonista in una serie comedy troviamo invece Christina Applegate (Dead to me), Rachel Brosnahan (La fantastica signora Maisel), Linda Cardellini (Dead to me), Catherine O’Hara (Schitt’s Creek), Issa Rae (Insecure), Tracee Ellis Ross (Black-ish).
Nell’ambito dei non protagonisti, tra gli uomini sono in gara Andre Braugher (Brooklyn Nine-Nine), Mahershala Ali (Ramy), Kenan Thompson (Saturday Night Live), Daniel Levy (Schitt’s Creek), William Jackson Harper (The Good Place), Alan Arkin (Il metodo Kominski), Tony Shaloub (La fantastica signora Maisel) e Sterling K. Brown (La fantastica signora Maisel).
Tra le attrici, si sfidano Betty Gilpin (Glow), Yvonne Orij (Insecure), Cecily Strong (Saturday Night Live), Kate McKinnon (Saturday Night Live), Anny Murphy (Schitt’s Creek), D’Arcy Carden (The Good Place), Alex Borstein (La fantastica signora Maisel) e Marin Hinkle (La fantastica signora Maisel).

Tra le interpretazioni drammatiche il ruolo di miglior attore protagonista vede contrapporsi Jason Bateman (Ozark), Sterling K. Brown (This is us), Steve Carell (The Morning Show), Brian Cox (Succession), Billy Porter (Pose), Jeremy Strong (Succession).
Per la migliore attrice protagonista le candidate sono Jennifer Aniston (The Morning Show), Olivia Colman (The Crown), Jodie Comer (Killing Eve), Laura Linney (Ozark), Sandra Oh (Killing Eve), Zendaya (Euphoria).
Tra gli attori non protagonisti sono stati nominati: Giancarlo Esposito (Better Call Saul), Nichola Braun (Succession), Kieran Culkin (Succession), Matthew MacFadyen (Succession), Bradley Whitford (The Handmaid’s Tale), Billy Crudup (The Morning Show), Mark Duplass (The Morning Show), Jeffrey Wright (Westworld).
Le attrici non protagoniste in gara sono invece Laura Dern (Big Little Lies), Meryl Streep (Big Little Lies), Fiona Shaw (Killing Eve), Julia Garner (Ozark), Sarah Snooke (Succession), Helena Bonham Carter (The Crown), Samira Wiley (The Handmaid’s Tale) e Thandie Newton (Westworld).

Nell’ambito delle miniserie come miglior attore protagonista si sfidano Jeremy Irons (Watchmen), Hugh Jackman (Bad Education), Paul Mescal (Normal People), Jeremy Pope (Hollywood) e Mark Ruffalo (I know this much is true).
Per la migliore attrice protagonista troviamo Cate Blanchett (Mrs. America), Shira Haas (Unorthodox), Regina King (Watchmen), Octavia Spencer (Self-Made), Kerry Washington (Little Fires Everywhere).
Nella categoria miglior attore non protagonista sono candidati: Dylan McDermott (Hollywood), Jim Parsons (Hollywood), Tituss Burgess (Unbreakable Kimmy Schmidt: Kimmy vs. The Reverend), Louis Gossett Jr. (Watchmen), Yahya Abdul-Mateen II (Watchmen), Jovan Adepo (Watchmen).
Come controparti femminili ci sono Holland Taylor (Hollywood), Uzo Aduba (Mrs. America), Margo Martindale (Mrs. America), Tracey Ullman (Mrs. America), Toni Collette (Unbelievable), Jean Smart (Watchmen).

In nomination anche le migliori guest star. La migliore maschile in una serie drammatica è contesa da Andrew Scott (Black Mirror), James Cromwell (Succession), Giancarlo Esposito (The Mandalorian), Martin Short (The Morning Show), Jason Bateman (The Outsider), Ron Cephas Jones (This is us).
Tra le interpreti femminili troviamo invece Cicely Tyson (How to get away with murder), Laverne Cox (Orange is the new black), Cherry Jones (Succession), Harriet Walter (Succession), Alexis Bladel (The Handmaid’s Tale), Phylicia Rashed (This is us).
La miglior guest star maschile in una serie comedy verrà individuata tra Fred Willard (Modern Family), Dev Patel (Modern Love), Brad Pitt (Saturday Night Live), Eddie Murphy (Saturday Night Live), Luke Kirby (La fantastica signora Maisel); quella femminile tra Angela Bassett (A Black Lady Sketch Show), Maya Rudolph (Saturday Night Live e The Good Place), Phoebe Waller Bridge (Saturday Night Live), Wanda Sykes (La fantastica signora Maisel) e Bette Midler (The Politician).

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La questione razziale

Nelle settimane che stiamo vivendo gli Stati Uniti sono a ferro e fuoco e, come mai prima d’ora, la questione razziale è (finalmente) al centro dell’attenzione pubblica.
La scintilla è scattata a causa della morte di George Floyd, avvenuta a Minneapolis il 25 maggio scorso in seguito all’arresto: è l’ennesima vicenda che mette in evidenza come le forze di polizia negli Stati Uniti spesso abusino del loro potere e ha dato il via a manifestazioni in tutti i 50 Stati.

La questione razziale, che covava da tempo sotto la cenere, è esplosa, portandosi all’attenzione di tutti a livello politico, sociale, civile e istituzionale. Ma anche il mondo dello spettacolo negli ultimi tempi ha affrontato l’argomento e continua a prendere provvedimenti in questo senso sempre più spesso.
È proprio di quest’ultimo aspetto che intendo parlarvi; non entrerò nel merito delle questioni politiche ma mi limiterò al campo che conosco meglio: quello del cinema. E lo farò attraverso mie riflessioni personali, condivisibili o meno, che non hanno la pretesa di ergersi a verità assoluta ma attraverso le quali spero di dare uno spunto di riflessione a un dibattito più che mai aperto.

È giusto censurare la storia, riscrivendola attraverso i film, eliminando i prodotti realisti a favore di quelli di fantasia? O piuttosto non sarebbe meglio conoscere il passato, imparando da esso e creando un futuro diverso e più equo?

Il caso Hollywood

Riflessioni, queste, che avevano già affollato la mia mente il mese scorso, quando su Netflix è uscita Hollywood, miniserie creata da Ryan Murphy e ambientata nello scintillante mondo dello star system del secondo dopoguerra.
Una serie sul cinema e sulla storia, per di più creata da Ryan Murphy (di cui mi ero artisticamente innamorata ai tempi di Scream Queens): come potevo perdermela? E infatti mi sono tuffata immediatamente nella visione, senza nemmeno aspettare il doppiaggio e, inizialmente, la serie mi stava anche piacendo molto.
Hollywood (di cui vi ha già parlato approfonditamente Gattiveria qui) è stata apprezzata da molti ma ha fatto storcere il naso ad altrettanti spettatori per la sua revisione storica. E io faccio parte di quest’ultima fetta di pubblico.

Chiariamoci subito: la fantastoria esiste da sempre e non ho nulla in contrario. Qui però si maschera da versione storica, con tanto di personaggi realmente esistiti, una rilettura completamente fantasiosa degli Stati Uniti e della Hollywood degli anni Quaranta. Sarebbe stato bello vedere davvero un’attrice protagonista di colore, in un film in cui il personaggio principale non doveva necessariamente esserlo, vincere un Oscar in quell’epoca. Sarebbe stato bello vedere una donna a capo di uno studio cinematografico di punta. Sarebbe stato bello vedere un progetto cinematografico ambizioso e in anticipo sui tempi avere un successo clamoroso. Sarebbe stato bello vedere l’omosessualità sdoganata liberamente già all’epoca, per di più durante la notte degli Oscar.
Sarebbe stato bello. Ma nella realtà non è andata così. E dimenticarlo è pericoloso.

Nella realtà avremmo dovuto aspettare il 2001 per vedere un’attrice nera vincere l’Oscar come migliore interprete principale (Halle Berry, per Monster Ball. La prima afroamericana a vincere nella categoria non protagonista, invece, era stata Hattie McDaniel nel 1939 per il ruolo di Mami in Via col vento). Nella realtà Rock Hudson, attore apprezzato e amato, ha sofferto tutta la vita per la propria omosessualità, che era costretto a tenere nascosta. Ma è stata proprio la sua morte per AIDS a scuotere l’opinione pubblica nei confronti di questa malattia.

Cambiare il ricordo di anni di sofferenza e lotte, cancellarlo per sostituirlo con un passato idilliaco e perfetto, in cui le ingiustizie non sono mai esistite, a mio modo di vedere non aiuta ad appianare le criticità che viviamo ancora oggi ma, anzi, mi suona più come un lavarsi la coscienza, spostando l’attenzione dal problema. Un guardare il dito e non la luna, cosa che oggi avviene troppo spesso.

Il caso Via col vento

In Hollywood un’ottima Queen Latifah interpreta Hattie McDaniel, prima afroamericana a vincere un premio Oscar per il ruolo interpretato in un kolossal indiscusso: Via col vento.
È curioso che proprio in questi giorni sia questo grande classico ad essere sotto le luci della ribalta a proposito della questione razziale.

Via col vento, diretto nel 1939 da Victor Fleming e interpretato da Clark Gable e Vivien Leigh si è dimostrato un film dal grandissimo e duraturo successo, vincitore di ben 8 premi Oscar.
La storia è ambientata durante la Guerra di Secessione americana e Rossella, la protagonista, vive in uno stato del Sud, la Georgia. Non solo, la sua famiglia è proprietaria di una piantagione di cotone: come è prevedibile aspettarsi, i personaggi di colore che compaiono nel film, tra cui la già citata Mami, sono rappresentati realisticamente rispetto l’epoca di ambientazione, tramite stereotipi antiquati non solo per lo spettatore di oggi ma già per uno del 1939 (uno che fosse particolarmente progressista, a dirla tutta: gli Stati Uniti del 1939, in effetti, non brillavano per uguaglianza sociale).

Ha fatto discutere molto la decisione di HBO Max, servizio di streaming disponibile negli Stati Uniti, che in questi giorni ha “momentaneamente rimosso” Via col vento dal proprio catalogo per “contenuti razzisti“. La piattaforma ha chiarito che il film verrà reintrodotto (in un futuro imprecisato) con l’aggiunta di una discussione sul suo contesto storico.
Non un vero e proprio episodio di censura (il film esiste ancora, non è che ne sia stata data alle fiamme la pellicola, come in un fin troppo celebre rogo di libri di storica memoria e contestualizzare il periodo storico per uno spettatore che non lo conosca è senz’altro una buona idea) ma sicuramente un segnale su cui riflettere. L’operazione di HBO Max, per quanto compiuta in buona fede, non può che portare alla mente episodi di censura tristemente appartenenti al nostro passato e che non sono mai giustificati, in nessun caso, quando si tratti di arte.

Concludendo

E quindi? Non possiamo più sognare? Aboliamo completamente le opere di fantasia? Certo che no, non è questo che dico. Dico solamente che non possiamo eliminare o rimaneggiare film realisti quando raccontano parti della Storia che non ci fa piacere ricordare.
Prendiamo il caso di Via col vento: il film rappresenta un’epoca in cui il razzismo negli Stati Uniti era una solida realtà e la schiavitù praticata senza problemi. Edulcorarne la rappresentazione nella pellicola non cambierebbe quello che è avvenuto.
Prendiamo il caso di Hollywood: negli anni Quaranta (e talvolta ancora adesso) lo star system hollywoodiano non lasciava spazio a minoranze. Fingere che non fosse così non aiuta in nessun modo le lotte per il raggiungimento dell’uguaglianza nel mondo dello spettacolo. Anzi, sembra il classico “contentino” per tutti gli attori e attrici che rivendicano di essere considerati per il proprio talento e non per l’aspetto fisico.

Ma non solo: la censura sull’arte non è mai tollerabile. Eliminare un film storico, che racconta un’epoca che era davvero razzista, perché razzista non ha nessuna giustificazione. Per lo stesso ragionamento, allora, dovremmo eliminare tutti i film sul Nazismo perché il Nazismo era sbagliato? Dovremmo eliminare tutti i film di Roman Polanski perché condannato per stupro su minore? Dovremmo privarci del talento di un attore come Kevin Spacey per via delle accuse che lo hanno coinvolto? (oh, aspetta…)
Ogni volta che si sceglie di censurare un’opera d’arte si intraprende una china scivolosa, che ci avvicina pericolosamente all’immagine che con quel gesto cerchiamo invece di sopprimere.
La rappresentazione artistica di qualcosa che abborriamo, da sempre, è spesso lo stimolo ad eliminare dalla nostra vita certi comportamenti e idee.

E inoltre, per come la vedo io, il nostro passato è importantissimo nei suoi aspetti piacevoli ed eroici quanto in quelli negativi e terrificanti: tutto quello che è accaduto può e deve lasciarci un insegnamento affinché non ripetiamo certi errori e non reiteriamo certi atteggiamenti.
Per lo stesso motivo per cui smettere di ricordare gli orrori del Nazismo sarebbe catastrofico, riscrivere il passato ci può far sentire più leggeri e con la coscienza a posto, fingere che certe cose non siano mai accadute può farci sentire meglio; ma rimuovere completamente gli eventi negativi non ci permette di migliorare, farne tesoro e scrivere un futuro migliore. Dimenticare non permette di progredire. E cancellare persone ed eventi che ci hanno permesso di arrivare alle conquiste etiche ed egualitarie che abbiamo oggi, ne offende la memoria.

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Cultura cinematografica

Ciao, sono Penny e sono nata nel 1996. Essere nati nel 1996 è una cosa che è capitata a un sacco di persone e anche alla pecora Dolly, mentre ad altrettanta gente sono toccati anni diversi, più o meno fortunati, ma signoramia non ci sono più le mezze stagioni, si stava meglio quando si stava peggio e il nuoto è uno sport completo. Un discorso generalista insomma, che sembra non voler andare a parare da nessuna parte. Invece, posso garantirvelo, un punto c’è: sono nata nel 1996, mi hanno cresciuta in un contesto abbastanza rurale, il multisala più vicino stava a quasi un’ora di macchina, internet è arrivato che finivo le medie e per questo e altri motivi non ho una cultura cinematografica.

Il che non sarebbe un grosso problema, se non fosse per gli amici con i quali condivido questi anni da fuorisede: hanno tutti una specie di devozione (che spesso sfocia in ossessione) verso pellicole di qualche tempo fa. Un po’ per nostalgia, un po’ perché effettivamente si tratta di capolavori, molti di quei film hanno segnato la loro crescita personale in parte più o meno consistente. C’è chi si è appassionato talmente tanto che ha scelto di laurearsi in cinema, chi si è iscritto a ingegneria aerospaziale dopo aver visto abbastanza fotogrammi ambientati fra le stelle, chi ne parla con una sorta di cinismo competente e via così.

Non puoi non averlo visto!

Quando si parla di kolossal arriva immancabilmente il turno in cui ammetto la mia ignoranza, alla quale segue sempre la stessa frase sconvolta: “Non puoi non averlo visto!” e, pensandoci bene, un po’ hanno ragione. Perché finché resta una mancanza mia, è sì un peccato, ma si può far finta di niente. Il problema però diventa tale quando esce il remake (o il sequel) di una pietra miliare del cinema che io non ho visto, e mi viene chiesto di recensire la novità. Allora devo documentarmi il più possibile, recuperare i pezzetti persi e arrivare preparata all’anteprima con quasi la stessa ansia che mi accompagna agli esami. Dopo l’ennesima tirata d’orecchi perché “In che senso non hai mai visto Blade Runner?”, ho capito che era tempo di dire basta.

Ciao, sono Penny, ho 23 anni e ho deciso di farmi una cultura cinematografica (o comunque di aggiungere qualche must all’indice dei film guardati). Tuttavia, visto che se mi metto da sola davanti a un film mi addormento, poi mi passa la voglia e finisce che non lo riprendo più, ho deciso che voi, miei amati lettori, diventerete la mia maestra che controlla se ho fatto i compiti.

Ogni giovedì alle 13, per le prossime settimane, vi parlerò di un “film che non si può non aver visto” ma che evidentemente sono riuscita a perdermi per strada. Non saranno vere e proprie recensioni, più che altro il punto di vista di una millennial curiosa, farcito di qualche aneddoto che ha accompagnato la pellicola, dall’anno di uscita ai giorni nostri. Sentitevi liberi di suggerirmi nei commenti quali sono stati i film che vi hanno segnato maggiormente e che mi consigliereste assolutamente: la probabilità che io non li abbia visti è quasi 1, ma è tempo di rimediare.

Top Gun (1986)

Ad agosto mi sono finalmente decisa a riattivare l’account Netflix, il che aumenta considerevolmente l’elenco dei film ai quali posso avere accesso. Ho deciso di dare avvio alla rubrica partendo dalla mia categoria preferita: i film d’azione. Così ho cercato quelli non troppo recenti, e complici gli attraenti combattimenti aerei e un giovane Tom Cruise, in men che non si dica eccomi davanti a Top Gun. La pellicola è del 1986 ed è stata quella con il maggiore incasso per quell’anno (in America); in Italia è arrivata seconda, subito dopo Il Nome della Rosa (altro kolossal che magari un giorno recupererò, chissà).

Trama

Per chi non sapesse di cosa parla, Top Gun racconta la storia di Pete “Maverick” Mitchell (Tom Cruise), giovane pilota della Marina degli Stati Uniti, che per un evento fortuito viene spedito a frequentare la United States Navy Fighter Weapons School (altrimenti nota come Top Gun), ossia la scuola di combattimento per piloti della Marina Militare Statunitense. Lì l’aitante Mav deve subito rendersi conto che un soldato non può fare sempre di testa propria e che gli ordini non sono semplici consigli facoltativi. Deve anche imparare a scendere a patti con il suo orgoglio, capendo come reagire ai numerosi imprevisti che incontrerà, lungo il cammino per diventare il miglior aviatore.

Dettagli che straniscono

Tolta la trama altamente lineare e parecchio prevedibile, guardando il film ho colto qualche dettaglio che rimarca quanto effettivamente la pellicola non sia proprio recentissima. Tanto per cominciare, agli studenti erano permessi tutta una serie di atteggiamenti che a me sono sempre stati proibiti. Dalle elementari alla maturità mi è stato detto di non masticare chewing gum in classe, soprattutto durante la lezione, e che anche bere acqua dalla borraccia fuori dalla ricreazione sarebbe stato da evitare. (A ben pensarci, soprattutto il secondo, era un divieto un po’ troppo rigoroso, ma tant’è.) Però ben capite quanto mi abbia stranita la naturalezza con cui Maverick, Iceman e molti altri piloti masticassero cicche, bevessero caffè dalle americanissime mug e addirittura fumassero durante il discorso iniziale del comandante in capo della Top Gun, Viper. Certo, anche in serie recenti ambientate negli anni ottanta abbiamo avuto modo di vedere che il fumo nei luoghi pubblici non fosse proibito (qualcuno ha detto Stranger Things?), ma ad avermi sorpresa non è stata tanto l’assenza del divieto, quanto più il differente approccio educativo che permea l’intera scena.

Un altro dettaglio da “vecchio film” sono sicuramente i discorsi impostati. Ogni volta che qualche personaggio deve affermare un concetto più o meno importante, la scena si fa quasi solenne: mani ai fianchi, sguardo perso nel vuoto, musichetta di sottofondo e via così. Non che nei cinecomic recenti si sia persa l’abitudine di sottolineare momenti topici con appropriate colonne sonore, non sia mai, però di primo acchito direi che in questi ultimi c’è una minor affettazione e una maggior naturalezza.

Curiosità

Ho capito finalmente da che film deriva Take my breath away, la canzone dei Berlin che mamma mi propina ogni tanto. Tale componimento fa parte della colonna sonora di Top Gun e ha fatto vincere alla pellicola il premio come Miglior Canzone sia agli Oscar che ai Golden Globe del 1987.

Spulciando per la rete mi sono poi imbattuta in alcune curiosità che magari possono interessare anche a voi.

Tanto per cominciare, sappiate che l’intera sceneggiatura si basa su un articolo pubblicato sul California Magazine nel maggio del 1983. Lì Ehud Yonay, istruttore della Miramar Naval Air Station di San Diego, descrive l’addestramento dei cadetti. Il pezzo originale è stato divulgato come tributo all’autore e potete leggerlo direttamente cliccando qui.

È bene inoltre sapere che la scuola ritratta nel film è proprio quella vera. Questo perché i produttori (Don Simpson e Jerry Bruckheimer) chiesero a un vero istruttore della Top Gun (Pete Pettigrew) di aiutarli nella revisione della sceneggiatura, così che fosse verosimile, e costui si dimostrò disposto a collaborare a condizione che, appunto, la scuola fosse ritratta in maniera fedele.

Tutto ciò si è però rivelato d’intralcio qualche anno dopo. Infatti, Top Gun: Maverick (il sequel del film che uscirà in America il prossimo 26 giugno) è stato girato fra quest’anno e lo scorso, ma la sceneggiatura è pronta da più di 30 anni. Solo che quando fu il momento di prepararsi per girare il secondo capitolo, il Dipartimento di Difesa Militare aveva appena rinnovato la tecnologia militare, e ovviamente non voleva telecamere in giro. Così si dovette aspettare parecchio, e ora, finalmente, pare sia giunta l’ora di vedere come il non-più-giovane Maverick se la caverà nel ruolo di istruttore.

Conclusione

Insomma, benché fra nuovo e vecchio io sia ancora portata a scegliere un film recente, devo ammettere che Top Gun mi ha davvero conquistata. Complici tutti gli avvitamenti a bordo degli F-14 o gli inseguimenti ai MiG-28 (rispettivamente, gli aerei degli americani e quelli dei sovietici), la colonna sonora apprezzabile e la presenza di personaggi carismatici, sono proprio contenta di averlo recuperato. Per chi volesse, il film è su Netflix sia in italiano, sia in lingua originale (con sottotitoli disponibili). Consigliatissimo a chi ama i film d’azione!

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Come tutti sapete ricorre questa settimana il cinquantenario del finto sbarco sulla luna, la più grande cospirazione mondiale mai ordita ai danni dei cittadini della Terra insieme alla sfericità del mondo e della scomparsa dei rettiliani.
Hollywood, che ha attivamente partecipato alla realizzazione delle finte immagini dell’allunaggio, ha tentato negli anni successivi di raccontare a modo suo come sono avvenute realmente le cose.

Naturalmente non era possibile parlarne apertamente e quindi ha confezionato una pellicola su un argomento analogo, ovvero lo sbarco su Marte. A riprova di ciò, l’incredibile fatto che la stessa NASA, nonostante sia il villain di questa pellicola, abbia partecipato alla sua produzione sia in veste di consulente che mettendo a disposizione le proprie attrezzature.

Ma veniamo al film: ambientato negli anni ’70, Capricon One mostra il fallimento della prima missione su Marte da parte della celebre agenzia spaziale americana. Per nascondere l’insuccesso, però, la NASA fa portare i tre astronauti della missione in una località segreta e, tramite la minaccia di ritorsioni e vendette trasversali, li convince a girare le scene dell’atterraggio su Marte in uno studio di posa.

Pochi sono a conoscenza dell’inganno, e i tecnici che iniziano a nutrire dubbi vengono agilmente fatti sparire, così come le loro famiglie, rimpiazzate da personaggi di comodo. Tutto all’ordine del giorno, insomma, e se avete seguito un po’ X-Files sapete di cosa parlo.
C’è però un giornalista che non si dà per vinto, e anche se viene attentato più volte alla sua vita, riesce a districare lentamente la matassa.

La capsula priva degli astronauti, nel frattempo, viene fatta rientrare sulla Terra ma a causa di un difetto nello scudo termico, esplode. Gli astronauti vengono dichiarati morti e questo vuol dire che i tre uomini devono sparire per davvero.
Compreso l’imminente pericolo, i tre si danno alla fuga e tramite vicende rocambolesche che hanno fatto la storia del cinema (avete mai sentito qualcuno venire appellato “amico del sole”?) riescono a far smascherare il grande inganno.

La pellicola, chiaramente di denuncia delle macchinazioni di Apollo 11, vanta un cast di eccezionale valore: da James Brolin (padre di Josh, tanto MIB quanto Thanos – un caso?) a O.J. Simpson (sì, un altro al centro di vicende giudiziarie dai contorni complottistici), per non parlare di Telly Savalas (il Blofeld a capo della Spectre di 007 – un altro caso?) e per finire ben due ex mariti di Barbra Streisand (Elliott Gould e il già citato James Brolin)!

Chiude il cast tecnico Jerry Goldsmith, autore di colonne sonore immortali come L.A. Confidential, e anche lì le cospirazioni non mancavano.

Insomma: mi sembra evidente che Hollywood e la NASA abbiano fatto di questo film la loro malcelata confessione pubblica di quanto per anni abbiamo creduto essere successo nel 1969.
Dopo tutto, da una pellicola che nei manifesti riportava la scritta “Would you be shocked to find out that the greatest moment of our recent history may not have happened at all?” cosa altro potevamo aspettarci?

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Ciak! è un gioco di carte che ha un meccanismo “basale” abbastanza semplice. Ogni giocatore (da un minimo di 2 ad un massimo di 5) a inizio partita sceglie, casualmente tra 11 possibilità, una mini-plancia che rappresenta una compagnia cinematografica, che avrà un variabile numero di punti dominio – che sono, in realtà, punti vita – e alcune proprietà particolari. I nomi delle compagnie si rifaranno, ovviamente, ai nomi delle compagnie reali, ma in maniera parodistica: avremo quindi la DreamWars, riferimento alla DreamWorks, che sarà una società di animazione a sfondo bellico, oppure la 14th Century Fox, che avrà un bel castello medievale al posto dei grattacieli della 20th Century Fox. Idea simpatica, come tra l’altro accade anche con tutti i personaggi di Ciak!, che riprendono i personaggi cinematografici e gli attori di hollywood sempre con ironia: avremo quindi Ganjalf, oppure Quentin Tarantolato, Kevin Space e così via. Scopo del gioco? Semplice: usando i nostri personaggi, dotati di caratteristiche di attacco e difesa e di abilità, dovremo puntare alla riduzione totale dei punti dominio delle compagnie avversarie, di modo da farci strada e conquistare l’ambita Lollywood! I personaggi hanno tutti un costo di gioco indicato in alto a sinistra, e si possono guadagnare i soldi sia ogni inizio turno, sia con meccanismi particolari (rubandoli all’avversario oppure ottenendoli in altri modi creativi). Ogni personaggio ha anche un numero di stelle, da 1 a 3, e si possono avere sul campo un numero massimo di stelle pari a 6: buona scelta per impedire board troppo affollati, dato che qui si andrà da un minimo di 2 personaggi (3+3 stelle) ad un massimo di 6 (tutti da 1 stella). C’è una serie di personaggi, i Miti, che potremmo definire “leggendari” (Magic docet!), che sono giocabili a costo zero e sono particolarmente potenti, ma se ne può averne solo uno in campo, pena il sacrificio del vecchio in favore del nuovo. Abbiamo poi carte Addetti, che rappresentano la crew cinematografica, che potranno, TAPpandosi – ovvero ruotando la carta di 90°, per i non Magic-addicted – darci la possibilità di piazzare un segnalino sui personaggi abilitati e usare altri poteri per aiutarci nel nostro predominio di Lollywood; anche qui, ogni addetto ha un numero di stelle da 1 a 3 e potrà usare le proprie abilità solo con i personaggi con lo stesso numero di stelle. Abbiamo infine carte Oggetto, equipaggiabili ai personaggi, e poi carte Evento e Ciak, giocabili le prime solo nel proprio turno e le seconde anche durante il turno avversario, che avranno vari effetti: milioni extra, modifiche istantanee ai valori di attacco e/o difesa, sacrificio di personaggi, e così via. Anche qui, per chi ha giocato a Magic, è come se avessimo stregonerie ed istantanei. Sì: per sua stessa ammissione, Francesco è un patito del gioco di Richard Garfield, e quindi lo ha voluto omaggiare in maniera profusa. A volte anche troppo!

Il turno quindi ha una fase di inizio, dove si guadagna un milione (ogni segnalino moneta è un milione) e si pesca, dopodiché si possono giocare personaggi, eventi, oggetti, aiutanti e ciak, poi si può decidere se attaccare o meno, e infine si passa il turno, con la rimozione di effetti e danni. Come si abbassano praticamente i punti dominio avversario? Avendo i personaggi dei valori di attacco e difesa, per fare danno, o meglio saccheggio, la somma dei valori di attacco dei nostri personaggi deve superare di almeno 1000 punti la somma dei valori di difesa dell’avversario. Preparate l’abaco però: può essere a volte un po’ complesso fare i conti, perché non saprete mai se il giocatore in difesa dispone di carte (oppure attiverà poteri) che alzeranno il valore di difesa dei propri personaggi e quindi si passerà ad un contrattacco: il linciaggio, dove potrete anche far secco un personaggio attaccante. Esempio: avete un personaggio da 800 e un altro da 500 in attacco, per un totale di 1300; il difensore ha due personaggi con solo 100 di difesa, per un totale di 200. 1300-200=1100, quindi siete sopra i 1000 punti e farete un saccheggio all’avversario. Ma attenzione! L’avversario gioca un ciak (istantaneo, ricordate?) e dà 1500 punti in più ad un suo personaggio, quindi 1300-1700=-400! L’attaccante non fa più alcun danno, mentre il difensore può scegliere un personaggio attaccante da linciare. Complicato? Ammetto che lo è un po’, soprattutto perché se farete i conti ad alta voce, potreste suggerire un po’ troppo all’avversario che fare, e a volte parte lo sclero perché pensi di fare anche più di un saccheggio (ogni 1000 se ne fa uno, quindi non è impensabile anche fare +3000!) e invece l’avversario ti annichilisce senza nemmeno troppa fatica. Diciamo che c’è un po’ di sbilanciamento a favore del giocatore in difesa, che ha due effetti potenzialmente positivi (linciaggio e assenza danno) contro l’unico effetto positivo dell’attaccante (saccheggio). Mal di testa? Chiedete una mano a Ganjalf.

Ciak! è un gioco che, dato il grande numero di carte che lo compongono, si presta ad un multiplayer corposo al di là del semplice 1 vs 1. Infatti il buon Francesco ha pensato di suggerire ai giocatori delle modalità di gioco extra: abbiamo la classica tutti contro tutti, il gioco a squadre e la modalità dominio, dove tutte le case cinematografiche si alleano per combattere la “Malvagia Compagnia Straniera”, che è dotata di un grande numero di punti dominio e un’abilità decisamente forte, ossia la possibilità di compiere un saccheggio ad una compagnia a scelta ogni inizio turno. Potremmo quasi dire che è un tentativo di mettere una “trama” di fondo, cosa che non guasta mai!

Concludendo, direi che sono soddisfatto ma c’è ancora da fare: la CosplaYou è una giovanissima casa editrice e con Ciak! si affaccia in un mondo difficile da conquistare. Si possono commettere quindi delle leggerezze, che non pregiudicano affatto il prodotto ma rendono magari l’esperienza di gioco un po’ macchinosa in alcuni momenti. Risulta importante strutturare bene il gameplay e dargli una base forte, solida e semplice, che deve fungere da impalcatura per poi tirare su il background e la personalità del gioco. Qui qualche fondamentale è stato preso forse un po’ troppo da Magic the Gathering – per carità, gli omaggi sono sempre graditi! – e si punta forse troppo sull’aspetto parodistico, che è divertente e fantasioso, senza alcun dubbio, che deve essere un punto di forza ma non l’elemento cardine. Divertente infatti capire ed apprezzare tutti i riferimenti, gli ammiccamenti, le chicche e i dettagli anche grafici, e sarà ancora più bello, con un’espansione, implementarle con delle meccaniche nuove che possono dare ancora più forza alla struttura di gameplay, che, forse, soprattutto nella fase di saccheggio/linciaggio, a volte può essere poco chiara. Ci rivediamo col prossimo titolo, quindi, dato che la CosplaYou e Francesco ci hanno fatto vedere che hanno le carte in tavola per creare giochi con grande potenziale, e non possiamo fare altro che invogliarvi a provare Ciak!

Menzione d’onore: Bomb Raider. E ho detto tutto.

Si ringraziano Francesco e CosplaYou per averci gentilmente fornito il materiale per questo articolo.

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