Come sarà quest’anno secondo il cinema?

Iniziamo il nuovo anno

Un nuovo anno è al via e, com’è ormai diventata tradizione su queste pagine, ci domandiamo cosa ci aspetterà per il 2026. Non siamo certo in grado di prevedere il futuro né siamo esperti di oroscopi e quindi ci limitiamo al nostro campo di competenza: come è stato immaginato il 2026 dal mondo del cinema, quando era ancora un lontano (o prossimo) futuro?
A differenza di altri anni, il 2026 non è stato particolarmente utilizzato dal mondo del cinema (ma, niente paura, ci rifaremo a dovere con il 2027!) e sono riuscita a trovare solamente due film ricollegabili ai mesi che ci aspettano. Sarà un anno positivo o negativo? Scopriamolo subito!

Apes Revolution – Il pianeta delle scimmie

Ottavo film del franchising de Il pianeta delle scimmie, è stato diretto nel 2014 da Matt Reeves (mente dietro quel capolavoro che è Cloverfield). Interpreti principali della pellicola sono Andy Serkis (ancora nel ruolo di Cesare), Gary Oldman e Keri Russell. Il film si ambienta dieci anni dopo gli eventi mostrati nel primo capitolo, collocandosi quindi proprio nel 2026.

La storia ci mostra un pianeta Terra ormai decimato dall’espandersi del virus ALZ-113, inizialmente creato come cura per il morbo di Alzheimer ma sfuggito drammaticamente al controllo, dimostrandosi non solo mortale per l’essere umano ma anche in grado di aumentare l’intelligenza delle scimmie.
In questa desolata situazione, lo scimpanzé Cesare è riuscito a liberare e radunare altri membri della sua specie, creando una colonia in una foresta di sequoie.

Dobbiamo ammetterlo: il 2026 che troviamo in questo film non è propriamente incoraggiante… Con l’umanità appesa a un filo e una situazione distopica che, come vedremo nel proseguo della saga, non potrà che degenerare, c’è solo da augurarsi che la realtà si dimostri completamente diversa dalla fantasia.

Metropolis

Il 2026 è stato rappresentato in soli due film, è vero, ma uno dei due vale decisamente tantissimo perché Metropolis è un autentico capolavoro della storia del cinema.
Film muto del 1927 diretto da Fritz Lang è una meraviglia visiva che ha segnato la strada per la fantascienza a seguire (fonte di ispirazione, tra gli altri, per Blade Runner e Guerre Stellari).

In un 2026 distopico (esattamente 100 anni dalla scrittura del film), racconta un mondo fortemente diviso in classi in cui i ricchi industriali governano la città dall’alto di imponenti grattacieli mentre la classe proletaria è relegata nel sottosuolo.
Metropolis resta una delle pellicole più iconiche e citate della storia del cinema, caratterizzato da innovazioni visive che sono rimaste nell’immaginario comune.
Il 2026 a cui dà vita, per nostra fortuna, non sembra vicino ad avverarsi, anche se la forbice sociale continua ad allargarsi sempre di più. Si dice, tuttavia, che il cinema di fantascienza possa insegnare e aprire gli occhi sul futuro, in modo da non commettere gli errori mostrati su schermo: speriamo che sia proprio quello che avverrà in questo caso!

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Film classici

Lo sapevamo già e durante la quarantena abbiamo avuto modo di rendercene conto ancora di più: viviamo in un’epoca fortunata, a livello cinematografico, perché i servizi di video streaming on demand ci danno accesso ad un catalogo pressoché infinito di pellicole di ogni genere.

Questa grandissima opportunità ci permette di fruire di moltissime novità ma ci permette anche di recuperare film classici che, per una questione temporale (magari sono usciti prima che nascessimo), non abbiamo mai avuto l’occasione di guardare prima.
Tra tutti, Amazon Prime Video è il servizio che più di ogni altro rivela un’anima cinefila: presenta in catalogo autentiche chicche, infatti, che non possono mancare nella vostra esperienza di spettatori. Soprattutto considerando che vi basta un click dal divano di casa per gustarvi la visione.
Tra tutti, ho selezionato 5 film classici dal catalogo Amazon Prime Video che secondo me non potete proprio lasciarvi scappare!

Metropolis

Diretto nel 1927 da Fritz Lang, questo titolo è considerato un vero e proprio pilastro del cinema di tutti i tempi.
Siamo ancora nell’ambito del muto e del bianco e nero, in pieno espressionismo: Metropolis si ambienta nel futuro e offre scenografie in grado di influenzare il cinema di fantascienza a venire fino ai giorni nostri (la città di Blade Runner, per dirne una, attinge a piene mani da qui).
In un futuro distopico in cui la società è fortemente gerarchizzata, si consuma la lotta tra i più umili e i vertici che vogliono schiacciarli.
Accompagnati dalle stupende musiche di Giorgio Moroder, è un viaggio che non potete perderevi.

Freaks

Anche in questo caso siamo di fronte a un classicone imperdibile, con l’aggiunta che questo film non è mai stato doppiato in italiano e finora era praticamente introvabile nel nostro paese.
Freaks è stato diretto nel 1932 da Tod Browning ed è ambientato in un circo di “fenomeni da baraccone”, tutti interpretati da veri disabili, i “freaks” del titolo, appunto.
In appena un’ora di film, Browning mette al centro i freaks non per deriderli o shoccare ma per mostrare la loro estrema normalità nonostante la differenza fisica.
Una pellicola ancora tremendamente attuale, osteggiata dai distributori nel corso degli anni. Recuperarla vale decisamente la pena! Su Amazon Prime Video è in versione originale sottotitolata in italiano.

Il settimo sigillo

Restiamo nel bianco e nero e voliamo fino in Svezia: Il settimo sigillo è stato diretto nel 1957 da Ingmar Bergman ed interpretato da Max von Sydow. Al centro della pellicola, la più famosa partita a scacchi mai giocata: quella tra il cavaliere Antonius Block e la Morte.
Il settimo sigillo non è l’unico film di Bergman presente su Amazon Prime Video (io stessa conto di recuperare presto Il posto delle fragole) ma è senz’altro quello che vi consiglio se vi avvicinate per la prima volta al regista: citatissimo, elegante e introspettivo.

Il cielo sopra Berlino

Nel 1987 il colore al cinema era ampiamente sdoganato ma c’era chi utilizzava il bianco e nero come scelta non solo stilistica ma concettuale: Wim Wenders sceglie nel suo film proprio questa tonalità per rappresentare visivamente il punto di vista degli angeli che vivono sopra la città di Berlino e osservano il fluire della vita dei suoi abitanti.
Ispirato dalle poesie di Rainer Maria Rilke e interpretato da Bruno Ganz, Il cielo sopra Berlino è un classico sognante che merita di essere riscoperto in ogni generazione.

Bellissima

Anche per l’ultimo suggerimento non posso che restare fedele al filo conduttore di questo articolo: il bianco e nero.
L’ultimo film che vi consiglio di recuperare su Amazon Prime Video è l’italiano Bellissima, diretto nel 1951 da Luchino Visconti e interpretato da Anna Magnani e Walter Chiari.
La povertà e il mito della fama a tutti i costi, per raggiungere la quale si è disposti a qualunque sacrificio: argomenti dei giorni nostri, senza dubbio, eppure qui siamo sul finire del Neorealismo.
Anna Magnani interpreta una madre disposta a tutto pur di ottenere per la figlioletta Maria un ruolo nel nuovo film del regista Alessandro Blasetti (qui interpretato da se stesso).
Non il titolo più iconico del Neorealismo italiano ma senza dubbio una visione meritevole, non fosse altro che per l’estrema attualità della trama e la stupenda Anna Magnani.

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Donne toste al cinema

Film, serie TV, videogiochi, libri, animazione: le forme di intrattenimento sono costellate di protagoniste femminili emancipate, in gamba e intriganti.
Dopo avervi ricordato alcune tra le migliori protagoniste del panorama videoludico, mostrato le nostre eroine della TV preferite e presentato le donne regista della storia, per la festa della donna 2020 abbiamo pensato di passare in rassegna le più memorabili donne toste del panorama cinematografico.

Il mondo del cinema è da sempre capace di creare figure femminili in grado di imprimersi nella mente dello spettatore e, di fatto, la scelta è quanto mai ampia. Per la nostra lista, quindi, abbiamo deciso di escludere tutti i personaggi che provengono da altri media e solo in un secondo momento hanno preso vita al cinema. Non troverete, quindi, protagoniste di libri, fumetti o ispirate a figure reali ma solamente eroine che sono nate direttamente sul grande schermo.

9. Juno (da Juno, 2007)

Anticonformista, sicura di sé e in grado di non lasciarsi influenzare dall’opinione comune, Juno è la protagonista dell’omonimo film diretto da Jason Reitman e ha le fattezze della talentuosa Ellen Page. Premiato agli Oscar per la migliore sceneggiatura originale, il film racconta le vicende dell’adolescente Juno che, rimasta incinta alla prima esperienza sessuale, decide di portare avanti la gravidanza e far adottare il nascituro.
Buona scrittura, verve e colonna sonora stupenda fanno da contorno a una protagonista iconica.

8. Maria (da Metropolis, 1927)

Poteva nel 1927 il cinema dare spazio a una protagonista femminile non stereotipata e al centro dell’azione? Poteva, se a dirigere c’era Fritz Lang. In Metropolis la giovane Maria è la guida spirituale e politica degli oppressi nel futuro distopico che ci viene mostrato.
Nonostante gli anni, il film è all’avanguardia per la presenza femminile ma è anche uno dei migliori esponenti del cinema espressionista e fonte di ispirazione per gran parte del cinema di fantascienza moderno.

7. Thema e Louise (da Thelma & Louise, 1991)

Doppietta in settima posizione per la coppia tutta al femminile più iconica della storia del cinema. Susan Sarandon e Geena Davis interpretano due amiche che intraprendono un viaggio che si trasforma presto in fuga per la libertà a bordo di una Ford Thunderbird.
Premiato con l’Oscar alla migliore sceneggiatura originale, il film diretto da Ridley Scott è  tuttora un capolavoro insuperato sul desiderio di libertà.

6. Shosanna Dreyfus (da Bastardi senza gloria, 2009)

Interpretata da Mélanie Laurent, Shosanna Dreyfus è uno dei personaggi più riusciti e iconici del capolavoro di Quentin Tarantino Bastardi senza gloria.
Nell’ucronia immaginata dal regista, Shosanna è una giovane ragazza ebrea che, scampata al massacro della sua famiglia, coglie un’occasione propizia per potersi vendicare dei nazisti.
Premiato con un Oscar al miglior attore non protagonista (Christoph Waltz nei panni del Colonnello Landa), per me resta il miglior Tarantino finora.

5. Leila Organa (da Guerre Stellari, 1977)

Perfettamente interpretata da Carrie Fisher, la Principessa Leila è l’unico personaggio femminile presente nella prima trilogia cinematografica creata da George Lucas ma riesce a rappresentare al meglio le donne.
Caparbia, scaltra, indomita e tenace, Leila è in grado di cavarsela in qualunque situazione e di guidare al meglio la Ribellione prima e la Resistenza poi.
Una vera eroina.

4. Beatrix Kiddo (da Kill Bill: Volume 1, 2003)

Quentin Tarantino sembra essere parecchio bravo a tratteggiare donne forti e indipendenti, tanto che appare due volte nella nostra lista. La Sposa, interpretata da Uma Thurman, è un personaggio a tutto tondo, temibile e inarrestabile nel suo proposito di vendetta.
Un personaggio che è rimasto nella storia del cinema.

3. Imperatrice Furiosa (da Mad Max: Fury Road, 2015)

Diretto da George Miller, il film è stato tra le rivelazioni dell’ultimo decennio cinematografico e vanta tra i protagonisti una splendida figura femminile interpretata da Charlize Theron.
In un futuro distopico in cui le risorse sono praticamente esaurite e l’umanità è regredita ad un livello praticamente tribale, Furiosa è una fiera combattente, che non si tira indietro nel difendere le donne della Cittadella.
L’incarnazione dei valori femministi, quelli veri.

2. Sarah Connor (da Terminator, 1984)

Creata dalla mente di James Cameron e protagonista di uno dei migliori film mai girati, Sarah Connor si ritrova ad essere, da ragazza comune, l’ultima speranza dell’umanità nel futuro distopico dominato dalle macchine.
Interpretata da Linda Hamilton, sa tirare fuori i muscoli e competere con i terribili cyborg inviati per ucciderla.

1. Ellen Ripley (da Alien, 1979)

Ancora Ridley Scott a dirigere uno dei capisaldi della fantascienza. Alien e Aliens – Scontro finale (diretto invece da James Cameron) portano sullo schermo la protagonista femminile senza dubbio più tosta e carismatica del cinema. Interpretata da Sigourney Weaver, qui al suo primo ruolo importante, rappresenta tuttora una delle migliori eroine mai apparse su celluloide.
E pensare che Ripley non doveva essere nemmeno una donna…

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George Lucas

Star Wars è al giorno d’oggi qualcosa con cui chiunque di noi è venuto in contatto prima o poi nel corso della propria vita. Che lo abbiate amato o che lo abbiate odiato, è innegabile che sappiate di cosa si sta parlando, infatti. E pensare che nel lontano 1973, quando un illustre sconosciuto di nome George Lucas aveva iniziato a mettere insieme i tasselli della sua personale epica ambientata in una galassia lontana lontana, ben pochi avrebbero creduto in un progetto del genere.

Guerre Stellari era nato nella mente del giovane George Lucas in un periodo in cui gli Studios Hollywoodiani non puntavano a investire sulla fantascienza (o space opera, che dir si voglia) e, per questo, il regista faticò non poco a trovare un produttore. Alla fine, riuscì a convincere la Fox, a cui spillò senza troppe difficoltà anche la clausola che ne decretava i diritti su eventuali sequel, sulla colonna sonora e sul merchandising. Sì, proprio quella clausola che lo ha reso ricchissimo.

In ogni caso, prima di presentare al pubblico Guerre Stellari (poi diventato Una nuova speranza) nel 1977, Lucas era da un bel po’ che ci pensava a quella storia ambientata nello spazio. Nel tempo aveva avuto la possibilità di limarla, di prendere tutto ciò che lo aveva colpito nel corso della sua vita e mescolarlo, dando vita ad una narrativa innovativa e classica allo stesso tempo. E in fondo, la forza di Star Wars sta proprio lì: nel far convivere elementi classici con spunti moderni, nell’attingere dalla fantascienza, dalla mitologia, dalle tragedie greche, dal cappa e spada.

Dopo esserci tuffati nell’entusiasmante viaggio dedicato alle colonne sonore dei film, così importanti per la riuscita finale, curiosiamo un po’ nelle ispirazioni dietro alla saga di Star Wars.

La fantascienza

“Ma Star Wars è di fantascienza o fantasy?” L’annosa questione non è mai stata del tutto risolta (ci eravamo soffermati brevemente anche noi sulla domanda in uno dei nostri discutendo) ma resta innegabile che tra le fonti di ispirazione del giovane George Lucas la fantascienza classica ha un ruolo di primo piano.

Le astronavi, le battaglie spaziali, i droidi e i pianeti lontani venivano dall’infanzia del regista, di quando guardava Il pianeta proibito o Metropolis (se C3PO vi ha sempre ricordato Maria robot del film di Fritz Lang, non è certo un caso) e sognava di esplorare un giorno le galassie più recondite.
Ma la fonte di ispirazione primaria viene dalla space opera, in particolare da Flash Gordon: George Lucas ne era un accanito lettore, tanto che cercò in più di un’occasione di acquistare i diritti per trarne un film. Alla fine non ci riuscì (un film su Flash Gordon vedrà la luce solo nel 1980, diretto da Mike Hodges) ma questo fornì lo sprone necessario perché Lucas decidesse di dedicarsi a una sceneggiatura originale di ambientazione simile: era nato Star Wars.

Il Giappone

Tra le influenze più preponderanti e mai nascoste per l’immaginario di Star Wars c’è sicuramente il Giappone. A livello di cinematografia, senza dubbio, in particolare nella persona del regista Akira Kurosawa. Del cineasta giapponese Lucas apprezzava in particolare lo stile esotico e l’abitudine di iniziare i propri film con i protagonista già nel bel mezzo dell’azione; tratti, questi, che ha scelto di includere nel suo Guerre Stellari.
In particolare, I sette samurai e La fortezza nascosta sono i film che maggiormente hanno influenzato Star Wars, a livello di trama e anche a livello di suggestioni visive: non è difficile, infatti, cogliere scene che sembrano rievocare quelle dei due film di Kurosawa.

Non solo cinema, comunque, il Giappone feudale è stato una costante fonte di ispirazione per la figura di Darth Vader, la cui maschera ricorda da vicino gli elmi tipici dei Samurai. Ma anche l’utilizzo della spada (seppure laser) da parte di questi futuristici guerrieri e il loro abbigliamento si rifa ai Samurai, così come il termine Jedi deriva dai Jidai Geki, i drammi in costume ambientati durante l’epoca, appunto, dei Samurai.

L’epica classica

L’idea di dare vita a dei veri e propri cavalieri dello spazio, con tanto di spada e codice d’onore, deriva a Lucas sicuramente dai film che guardava da bambino: Scaramouche, Robin Hood e in generale tutti i classici di cappa e spada ricordano da vicino alcune sequenze di Guerre Stellari.

Ma le radici di Star Wars affondano ancora più indietro: a L’anello del Nibelungo di Richard Wagner, per esempio, ai poemi cavallereschi del ciclo arturiano e, ancora più indietro, alle tragedie greche e a Omero. E sono proprio queste origini a conferire a Star Wars il pathos che tanto viene apprezzato. La dimostrazione definitiva che, non importa quanto tempo passi, l’epica e il viaggio dell’eroe restano sempre temi amatissimi dal pubblico.

Il western

Chi sta guardando The Mandalorian non sarà particolarmente sorpreso da questa affermazione: tra le fonti di ispirazione per Star Wars il western riveste un ruolo di primo piano.
Abbiamo già detto quanto le suggestioni di un Lucas bambino abbiano saputo forgiare il suo immaginario di regista e tra le visioni infantili che hanno lasciato un segno indelebile c’è anche Sentieri Selvaggi.
Le ambientazioni sabbiose di Tatooine, i tramonti all’orizzonte, i Sabbipodi che, novelli indiani, assalgono la fattoria di Luke e ne trucidano gli zii, tutto grida western a pieni polmoni.

Il “futuro usato”

Quest’ultima, più che una vera e propria ispirazione, la potremmo definire un’intuizione destinata a cambiare per sempre il modo di rappresentare lo spazio al cinema.
Una delle critiche maggiori che venivano mosse alla fantascienza negli anni Settanta era che era asettica; superfici lucidissime e intonse, colori nettissimi: tutto, nei film di fantascienza, sembrava essere stato appena costruito e mai utilizzato da essere vivente.

Lucas rovesciò questa convinzione: d’altra parte, la sua storia era ambientata “tanto tempo fa in una galassia lontana lontana“…
Via, quindi, i metalli scintillanti tipici dei film ambientati nello spazio e largo a astronavi, robot e dispositivi che mostrassero i segni del tempo e dell’usura. George Lucas era infatti convinto che per rendere più verosimile possibile l’universo che stava creando si doveva dare visivamente allo spettatore l’impressione che quei luoghi fossero effettivamente abitati da qualcuno e quegli oggetti fossero davvero usati da qualcuno.
Aveva ragione, se consideriamo che da allora il “futuro usato” è diventato quasi un obbligo dei film di ambientazione fantascientifica ed è stato applicato anche al fantasy da Peter Jackson al momento di creare le location per il suo Il Signore degli Anelli.

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La Luna al cinema

Divinità antica e misteriosa, guida e fonte di luce per i viaggiatori dalla notte dei tempi, immaginario habitat di creature aliene e sconosciute: la Luna ha sempre esercitato un fascino magnetico per l’essere umano.
Indecifrabile e misterioso, in grado di influenzare la vita sulla Terra pur trovandosi nella profondità dello spazio, il pallido astro notturno è stato da sempre al centro della creatività e dell’arte, ispirando poemi, leggende, ballate, romanzi e creazioni in ogni ambito umano.

Il sogno mai nascosto, comunque, è sempre stato quello di poterla raggiungere, per scoprirne di persona i misteri e i segreti. Quel sogno si è realizzato 50 anni fa: il 20 luglio 1969, infatti, Neil Armstrong è entrato nella Storia come il primo uomo a mettere piede sulla superficie lunare.

Per celebrare i 50 anni dell’allunaggio, noi di Nerdando abbiamo pensato ad una programmazione ad hoc, che possa declinare l’importante anniversario nelle nostre corde, cioè quelle di inguaribili nerd. Oggi, per esempio, vi accompagno in un viaggio alla scoperta della Luna al cinema!

Gli inizi

Poteva un elemento affascinante e misterioso come la Luna non essere incluso nell’immaginario in via di definizione del cinema delle origini? Certo che no! E in particolare non poteva sfuggire ad un talento visionario e pioniere del nuovo mezzo espressivo come George Méliès.
Geroge Méliès, di cui ho già avuto il piacere di parlarvi qui, è stato uno dei padri fondatori del cinema e ha dato origine agli effetti speciali come li intendiamo oggi.
Uno dei suoi capolavori indiscussi è il film muto Viaggio nella Luna, del 1902. La pellicola, di ben 15 minuti (moltissimi per l’epoca) e colorata a mano, si ispira ai romanzi Dalla Terra alla Luna di Jules Verne e I primi uomini sulla Luna di H.G. Wells e vanta una delle sequenze simbolo della storia del cinema (ne trovate un fotogramma in cima a questo articolo).

Méliès non è stato l’unico Maestro del cinema delle origini a dedicarsi alla Luna: anche il grande Fritz Lang ha diretto una pellicola legata al satellite. Una donna nella luna, film muto del 1929, potrebbe essere definito un “melodramma spaziale”, basato sul romanzo omonimo di Thea von Harbou, allora moglie del regista. Il film, tuttavia, vanta un primato: per la prima volta vengono presentati al grande pubblico i fondamenti scientifici dei viaggi spaziali, grazie alla consulenza di Hermann Oberth e Willy Ley, antesignani della missilistica.

Dobbiamo far trascorrere trent’anni, invece, perché la Luna compaia nella cinematografia giapponese: nel 1959 Ishirō Honda dirige Inferno nella stratosfera, che porta sullo schermo un’invasione aliena da parte di pericolosi extraterrestri che hanno posto la propria base sul lato oscuro della Luna.

La commedia all’italiana

La commedia all’italiana è un patrimonio della cinematografia del nostro Paese e non ha mancato di omaggiare la Luna in più di un’occasione, per di più con nomi di grande prestigio.
Qualche esempio?
Nel 1958 Steno dirige il popolarissimo Totò nel film Totò nella luna, parodia dei lungometraggi di fantascienza tanto in voga all’epoca. In particolare, la pellicola prende spunto da Uomini sulla Luna (1950) e L’invasione degli Ultracorpi (1956).

Anche il duo comico per eccellenza composto da Franco e Ciccio non ha mancato di volare sulla Luna: lo ha fatto nel 1965 con il film 002 Operazione Luna, che irride a temi di grande attualità per l’epoca come la corsa allo spazio, la Guerra Fredda e la popolarità della fantascienza al cinema. A dirigere, il Maestro Lucio Fulci.

La fantascienza

Il regno della Luna al cinema, comunque, non può che essere la fantascienza. Il genere ha visto il candido astro declinato davvero in ogni salsa.
È stato, per esempio, teatro di un vero e proprio “western lunare” in Luna zero due, diretto nel 1969 da Roy Ward Baker per la Hammer Films, regina dei mostri su grande schermo.

Solo un anno primo, nel 1968, Stanley Kubrick inseriva alcune sequenze ambientate sulla Luna in quello che all’unanimità viene considerato il suo capolavoro, 2001: Odissea nello spazio. A scrivere il soggetto, insieme allo stesso regista, c’era Arthur C. Clarke, stimato autore di fantascienza: il nucleo della pellicola (e del romanzo omonimo) è peraltro ispirato proprio al suo racconto La Sentinella, ambientato anch’esso sulla Luna.

Nel 1997, invece, Starship Troopers – Fanteria dello spazio, diretto da Paul Verhoeven, vedeva la Luna come centro di addestramento per i soldati spaziali impegnati a combattere contro giganteschi insetti; nel 2012, invece, Iron Sky portava su grande schermo la leggenda degli UFO nazisti: l’idea alla base del film, infatti, è che, dopo essere stati sconfitti nel 1945, i nazisti siano volati sulla Luna e abbiano costruito una flotta di dischi volanti per invadere la Terra decenni dopo.

L’ispirazione reale

Non solo ispirazioni fantasiose, comunque: quando si parla di Luna e di spazio, la realtà offre più di uno spunto interessante per un buon film.
Negli anni, in particolare, è stata la missione Apollo 11, quella che ci ha portati per la prima volta sulla Luna, a suggerire idee ai registi cinematografici.
Ad esempio, proprio nel 2018, Damien Chazelle ha dedicato il suo First Man – Il primo uomo alla figura di Neil Armostrong, interpretato per l’occasione da Ryan Gosling.

La missione Apollo 11 è sempre al centro ma svolta verso derive horror fantascientifiche in Moontrap – Destinazione Terra, diretto nel 1989 da Robert Dyke.
Se invece siete tra coloro che credono alla teoria del complotto riguardo l’allunaggio, il film da non perdere è Capricorn One, diretto nel 1978 da Peter Hyams. Ma di questo vi parlerà approfonditamente Zeno2k.

Apollo 11, comunque, non è l’unica missione lunare ad aver ispirato il mondo del cinema. La sfortunata missione Apollo 13 è stata infatti protagonista nel 1995 del film omonimo diretto da Ron Howard e interpretato da Tom Hanks, Bill Paxton, Kevin Bacon, Gary Sinise, Ed Harris, diventato rapidamente un cult.

Infine, nel 2009, Duncan Jones ci ha portati sulla Luna mettendoci nei panni di Sam Bell, magistralmente interpretato da Sam Rockwell, unico abitante della superficie lunare a causa di un contratto di lavoro triennale come supervisore dell’estrattore minerario che opera sul pianetino nel capolavoro Moon.

L’animazione

Infine, può mancare la Luna di apparire nel mondo dell’animazione? Probabilmente, se pensiamo a cartoni animati e Luna, ci salta subito in mente Sailor Moon. Ma il satellite terrestre è apparso in una serie di altre produzioni di qualità anche superiore (un titolo su tutti, Cowboy Bebop).

Sul grande schermo, comunque, è stata presente in Cattivissimo me, in cui l’aspirante super cattivo Gru elabora un piano malefico quanto ambizioso: rubare la Luna.

E se siete a Milano

Se il 20 luglio 2019 vi trovate a Milano e avete voglia di festeggiare in grande i 50 anni dell’allunaggio, non potete perdervi Fly me to the moon, giornata-evento dedicata alla Luna e organizzata da MIC – Museo Interattivo di Cinema Milano e Fondazione Cineteca Italiana.

Per l’occasione, la programmazione sarà tutta dedicata all’importantissimo anniversario: si parte alle 16.00 con la proiezione di First Man – Il primo uomo, per continuare alle 19.00 con L’uomo che comprò la Luna, film italiano diretto nel 2018 da Paolo Zucca.
Alle 21.00, poi, si svolgerà uno speciale evento sulla terrazza del MIC: mentre gustate bevande e dolci “lunari”, potrete assistere alla lettura di brani da L’epopea delle lunatiche di Valeria Palumbo (Hoepli 2018) alternate alla proiezione della top ten delle più celebri sequenze cinematografiche con la Luna per protagonista.

Per la proiezione dei film pomeridiani è previsto un biglietto di 6.50€, l’evento in terrazza, invece, è completamente gratuito ma con prenotazione obbligatoria. Per avere tutti i dettagli e prenotare il vostro posto, consultate il sito del MIC.

Concludendo

Insomma, dopo questo rapido e per forza di cose parziale excursus una cosa è chiara: la Luna ha esercitato e continua ad esercitare sull’umanità un fascino arcano e irresistibile, rappresentato al cinema in contesti sempre nuovi e diversi.

Cinquant’anni dopo aver mosso i primi passi sulla sua superficie, sappiamo ancora relativamente poco del nostro piccolo satellite e continuiamo a sognarlo e immaginarlo in film sempre più vari.
C’è ancora tanto da scoprire e ancora tanto da inventare: tra cinquant’anni, ne sono sicura, avremo fatto qualche altro passo sul lato oscuro della Luna.

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