Recensione

I viaggi nel tempo, il multiverso, ormai sono sdoganati. Ne parlano tutti e tutti ne hanno una propria versione. Lo sceneggiatore Garth Ennis e il disegnatore Goran Sudžuka ci mostrano la loro versione dei paradossi temporali in Marjorie Finnegan Ladra Temporale, pubblicato in Italia da SaldaPress da una miniserie originale AWA.

Trama

Marjorie Finnegan è, come da titolo, una ladra temporale, che vive in una casa ancorata nel flusso temporale insieme alla testa di Tim, che le fa da supporto tecnico. Inseguita dalla sorella Harriet, poliziotta temporale, dovrà sventare la minaccia del signore del male e del suo ex marito Stan.

Insomma, ci sono già abbastanza elementi weird da portarci nel mondo di Ennis. L’autore nordirlandese è sempre stato sboccato e pieno di trovate bizzarre. Dunque l’occasione dei viaggi temporali non può che portarlo a sbizzarirsi in trovate sempre più eccessive. Spesso non servono manco molto alla storia, sono semplici flashback che mostrano Marjorie fare cose nel passato, incontrando Gesù, Enrico VIII e pure Donald Trump.

A spasso nel tempo

Questa volta la pietra angolare della storia riguarda il rapporto tra l’umanità e le religioni e i piani del cattivo riguardano proprio il divino. Ennis è come al solito interessato a buttarla in caciara, con qualche riflessione comunque interessante. Alla fine è difficile chiedere di più a questa storia. Ci si diverte e un minimo si ragiona su temi complessi su umanità e religione. Nessuno può accusare Ennis di essere un fine pensatore, ma bisogna saper ridere.

Ai disegni c’è Goran Sudžuka che con Ennis aveva già collaborato per Discesa all’inferno. Lì il fumetto era più realistico e horror, mentre qui siamo più sullo sci-fi comico. Lo stile è chiaro, pulito, non grottesco come in altri fumetti simili scritti da Ennis. Non vi faranno gridare al miracolo, ma sono funzionali al racconto. Chissà, forse in Sudžuka Ennis ha ritrovato un fido scudiero come poteva essere ai tempi il compianto Matt Dillon, altro disegnatore funzionale più che spettacolare e in grado di rappresentare il grottesco e il quotidiano.

Edizione

Marjorie Finnegan Ladra Temporale è proposto con un volume cartonato di 206 pagine uscito il 6 maggio 2022 al prezzo di €24,90. Contiene i sei capitoli della saga, più una conclusione scritta da Ennis per descrivere la genesi del progetto. Esiste anche una versione variant al prezzo di €26 con cover disegnata da Frank Cho.

Nerdando in breve

I viaggi del tempo secondo Ennis, tra demoni, sex toys e pessimismo cosmico.

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Siamo in quel magico periodo dell’anno in cui ci sono i saldi. Il bello è che non riguardano ormai solo i vestiti e altre cose noiose, ma anche i nostri amati fumetti. SaldaPress infatti a partire dal 6 settembre e fino al 3 ottobre ha messo uno sconto del 20% su tutto il suo catalogo sia in vendita in libreria che online, a patto che siano volumi usciti da più di sei mesi. Dopo aver consigliato cosa scegliere tra i volumi BAO, è il momento di passare a quelli SaldaPress.

Il mondo di Kirkman

Dici SaldaPress e non puoi non dire The Walking Dead. La casa editrice infatti ha portato in Italia tutta la serie creata da Robert Kirkman e illustrata da Tony Moore e Charlie Adlard, vero e proprio fenomeno editoriale mondiale e decisamente un gran fumetto.

Non solo, ma SaldaPress ha pubblicato negli anni tutte le altre serie scritte da Kirkman per la sua etichetta Skybound. In particolare, l’altra grande serie scritta da lui, Invincible, una delle più grandi serie supereroistiche degli ultimi anni e di recente al centro di una serie animata per Amazon Prime Video. Ma ci sono anche Fire Power, Die! Die! Die!, Thief of Thieves, Outcast, Oblivion Song e Hardcore. Insomma, tante opere diverse per conoscere l’autore.

Insieme a Kirkman, SaldaPress negli anni ha anche pubblicato quasi tutte le serie indipendenti create da Donny Cates, tra gli autori più interessanti attualmente in Marvel, e di Aleš Kot. Del primo potete scegliere tra i vampiri di Redneck, la fantascienza di Relay e i camionisti di The Ghost Fleet, mentre del secondo potete iniziare le avventure di Zero e Il nuovo mondo.

Altre perle

Se non volete imbarcarvi in serie lunghissime, SaldaPress ha pubblicato negli anni serie più corte o volumi autoconclusivi di alto livello, oltre a serie ancora in corso di pubblicazione, come Undiscover Country di Scott Snyder, Charles Soule e Giuseppe Camuncoli o la brillante Outer Darkness di John Layman e Afu Chan.

Un grande recupero che consiglio caldamente è quello di Rocketeer, di cui SaldaPress ha pubblicato sia la serie storica di Dave Stevens che le serie recenti create da tanti grandi autori come Mark Waid e Chris Samnee. Altra perla del catalogo SaldaPress sono le Storie di Guerra di Garth Ennis, illustrate da grandissimi disegnatori. Se invece volete solo farvi due risate, il mio consiglio non può che essere Liberty Meadows di Frank Cho.

Tra i volumi singoli, spicca Murder Falcon di Daniel Warren Johnson. Ma consiglio anche Godzilla: la guerra dei 50 anni di James Stokoe, il Robocop di Frank Miller, La Lupa di Lorenzo Palloni, Oudeis di Carmine Di Giandomenico e Brindille di Frédéric Brrémaud e Federico Bertolucci.

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In questo periodo difficile abbiamo tutti avuto bisogno di una risata. Per questo mi sono riavvicinato ad un mio vecchio amore, le strisce umoristiche. Avendo letto a spizzichi e bocconi tante serie diverse, ho approfittato delle settimane chiuso in casa per recuperare integralmente una serie che mi era piaciuta ma che non era troppo lunga.

La serie in questione è Liberty Meadows uno dei primissimi lavori di Frank Cho. Originariamente uscito sui giornali americani come striscia giornaliera, Liberty Meadows racconta le traversie di un santuario per animali. Accanto ai due protagonisti umani, il timido nerd Frank e la prosperosa Brandy (è pur sempre un fumetto di Cho), gli altri protagonisti sono gli animali in cura, ognuno con le sue idiosincrasie molto umane.

Con Liberty Meadows Cho realizza un po’ la summa del suo lavoro e delle sue influenze, stilistiche e non. La striscia è un calderone in cui l’autore inserisce omaggi più o meno velati ad altre strisce famose, a disegnatori che gli piacciono, a film, a pubblicità. Insomma c’è di tutto.

È vero che alcuni personaggi e alcune situazioni possono sembrare un calco di altre strisce – in particolare Pogo e per alcuni personaggi i Peanuts – ma Liberty Meadows l’ho trovata più che altro un’evoluzione, non una copia. Cho si concede situazioni più spinte, battute più nonsense e un ritmo più moderno che non c’è nei suoi modelli.

Parlando di battute spinte, questa è la parte in cui dovrei dire due parole sulla storia editoriale della serie. Come detto, all’inizio usciva sui giornali americani ma le continue censure e riscritture esasperarono Cho al punto da decidere di togliere la serie dai giornali e ripubblicarla come albo a fumetti. Adesso è disponibile in cinque volumi per Image Comics in inglese e per SaldaPress in italiano nella versione voluta da Cho. Fine delle informazioni di servizio.

Per battute spinte comunque non intendo niente di eccessivo. Certo magari non è una serie da far leggere a un bambino di 10 anni, ma non ci sono nudità o volgarità gratuite. Ci sono battute e situazioni un po’ più piccanti della media, in linea con l’umorismo che si vede in altri fumetti di Cho. È un umorismo simpaticamente adulto e giocoso.

Cho si diverte molto e cerca continuamente nuovi modi per inserire omaggi ai suoi miti e quindi nella serie ci sono dinosauri, forzuti, donne maggiorate e rotture continue della quarta parete. Cho compare come personaggio e come autore ad esempio e spesso gioca con i limiti della vignetta con risultati molto divertenti.

Come tutti le strisce, Liberty Meadows si può leggere in due modi. Singolarmente, una striscia alla volta per due minuti di umorismo, oppure leggendo tutto di fila le varie storie di più lungo respiro. In entrambi i casi ci si diverte.

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Sapete cosa disegna bene Frank Cho? Le tette, i dinosauri. Sapete come l’ho scoperto? Leggendo Shanna, un fumetto pieno di dinosauri (e pieno di tette, ok). In Skybourne, portato in Italia da saldaPress che ringraziamo per avercelo concesso in anteprima,  ci sono un po’ di entrambe le cose.

Recensione

Skybourne è una mini di cinque numeri uscita per i Boom! Studios tra 2016 e 2018. È una storia autoconclusiva e da cui potrebbe scaturire pure un seguito, volendo, ma questo volume è fruibile da solo.

Un uomo si butta da un aereo in Cina e sopravvive. Quell’uomo è Thomas Skybourne, figlio di Lazzaro (si proprio quel Lazzaro resuscitato da Gesù). Ventinove anni dopo, Grace Skybourne cerca di comprare una misteriosa spada da un ricettatore turco, ma la vendita non va come sperato e inizia una girandola di sequenze d’azione che si concludono praticamente solo quando finisce il volume.

Scopriremo che Grace e il fratello Thomas sono immortali e indistruttibili e che esiste una divisione speciale del Vaticano, la Mountain Top Foundation, incaricata di gestire minacce soprannaturali. Una specie di CIA che combatte demoni e creature mitologiche e infatti la minaccia principale arriva dai miti arturiani.

Scrivere di miti

Skybourne è quindi un fumetto fantasy d’azione, lanciato a mille all’ora senza soluzione di continuità.

È un male? Assolutamente no.

Cho decide di fare il verso a Mark Millar e si butta sul blockbuster a fumetti, forte della sua bravura alle matite e del suo stile cinematografico, amplificato dall’impostazione delle vignette, spesso a doppia pagina o con grandi vignette verticali a tutta pagina. Il risultato è un fumetto che scorre veloce e diverte, ben disegnato da Cho.

La trama è semplice (a volte pure troppo) e lineare. Il protagonista Thomas è il classico eroe riluttante e in crisi e i comprimari sono un misto di archetipi in cui Cho piazza qualche zampata iconoclasta (il prete Swiggy). Nei suoi lavori da autore completo, Cho non ha mai brillato per profondità di scrittura, ma il suo stile è semplice e dritto al punto, perfetto per una storia del genere a cui si richiede di intrattenere.

Le situazioni umoristiche non stonano affatto con la storia. Cho d’altronde è diventato famoso con le strisce di Liberty Meadows e in generale l’atmosfera è quella degli action sopra le righe degli anni ‘80 dove accanto a sequenze distruttive c’erano sempre battute e one-liners. Volendo usare un paragone attuale, Cho realizza un fumetto simile a molti film più spensierati del MCU, tipo Ant-Man o Iron Man 3 (che non a caso fu scritto e diretto da un vate delle commedie d’azione come Shane Black).

Cho si concede la sua solita protagonista prosperosa (Grace in effetti assomiglia un po’ a Brandy di Liberty Meadows) e un paio di scene del suo “classico” umorismo a sfondo sessuale. Non siamo certo dalle parti dell’irriverenza di un Ennis, Cho ha un umorismo meno cattivo e più spensierato.

Inoltre, come accennato all’inizio, Cho disegna benissimo dinosauri e affini e si è scritto una storia in cui si sbizzarrisce a disegnare esseri mitologici come draghi, minotauri, sirene, centauri, unicorni e così via. Insieme ai disegni, gran parte del merito per la riuscita della serie sono i colori leggeri e accesi di Marcio Menyz.

Conclusioni

Skybourne è un fumetto semplice, intrattenimento puro e fracassone. La storia scorre via velocissima e molti personaggi, compreso il cattivo, sono tagliati con l’accetta. Però è una bella lettura che diverte senza troppi fronzoli arriva al dunque. Inoltre è disegnata ottimamente. A memoria non ricordo un fumetto di Cho disegnato male o con disegni buttati via, il suo è un nome di qualità. In una storia del genere Cho è a suo completo agio ed è un gran pregio di questo fumetto.

Nerdando in breve

L’equivalente fumettistico di un blockbuster tutto azione ed effetti speciali.

Nerdandometro: [usr 3.6]

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Parlando di fumetti e Giappone in generale, è sorta nella redazione una diatriba fra le più violente e agguerrite: ma cosa ci trovate mai di tanto bello nei manga? Perché mai dovrebbero piacere (o non piacere) questi fumetti? Ecco le nostre risposte!

LC

Trovo che sia difficile dare un parere generale su manga ed anime, che sono dei mondi molto più ampi e variegati di quello che si può pensare ed abbondano di generi, stili e, chiaramente, hanno livelli di qualità diversissimi.

Personalmente ci trovo solo una caratteristica comune al 99% di tutti i manga (ed in maniera minore degli anime), e cioè che l’autore o gli autori sono gli stessi dall’inizio alla fine, laddove i comics americani ed i fumetti europei “classici” hanno una varietà di scrittori e disegnatori che cambia di numero in numero.
Questa stabilità nei prodotti giapponesi mi piace molto, in quanto non mi trovo affatto a mio agio con l’idea che per dire Batman può essere totalmente diverso a seconda di chi stia scrivendo, del periodo in cui lo stia facendo, della testata e così via. Se leggo One Piece so che è frutto della mente di Oda e sempre e solo di lui.

Penny

Dunque, premettendo che non sono una lettrice accanita di manga e fumetti in generale, sebbene mi piacciano assai, di quelli giapponesi apprezzo il formato. Infatti, poiché la maggior parte è generalmente piccolino (circa A5 per intendersi), riesco a portarli nello zaino o in borsa senza rischiare di rovinarli. Detesto gli angolini arricciati o, peggio, doverli arrotolare, e se sono in treno o in metropolitana faccio molta meno fatica a tenermi aggrappata e contemporaneamente a leggere se la dimensione è contenuta.

Poi oh, a me piacciono le cose colorate quindi non dirò mai cose come “manga>>fumetti americani”, personalmente ritengo che entrambi abbiano punti di forza e punti deboli.

Giando

Da appassionato nippofilo quale mi ritrovo ad essere, questa domanda mi vede molto poco imparziale – tant’è che sono pronto ad affrontare i flame dei miei co-redattori (no FrankieDedo, non mi sto riferendo a te).

Cosa c’è di così bello? Per me c’è di bello che ciò che mi trasmette un manga, non riesco a sentirlo dalla maggior parte dei comics/fumetti in circolazione. Probabilmente è solo frutto di una passione o predisposizione personale, ma vi assicuro che ho letto anche tanta altra roba che, per quanto io stesso ne riconosca l’ottimo valore (tra tutti citerei Watchmen oppure Arkham Asylum, ma anche tanti altri), non mi dà la stessa emozione che provo leggendo ciò che viene dalla terra nipponica. Sia ben chiaro, non vivo di assoluti (non essendo un sith): c’è tanto ciarpame e c’è tanta roba che non mi interessa, ad esempio i vari shonen che ricalcano troppo quanto già visto con grandi classici quali Dragon Ball – che, udite udite, non è nemmeno uno dei miei preferiti – o Naruto, così come alcune delle produzioni forse troppo settoriali che, è innegabile, sono rivolte ad un pubblico specifico e che spesso, vuoi per differenze culturali o di interessi, sono poco fruibili a chi non è giapponese.

Ma, parallelamente, ci sono una marea di titoli che mi emozionano e che mi divertono, a partire da titoli più leggeri – uno dei miei preferiti più recenti è il geniale Assassination Classroom, fresco e divertente – per finire a quelli veramente più profondi come “20th Century Boys” o i manga tratti dai lavori di Makoto Shinkai (qualcuno ha detto Your Name?), passando per gioielli quali “Trigun” o “Kenshin Samurai Vagabondo” e per finire con piccole perle quali “Le memorie di Emanon” e “I viaggi di Emanon“, manga meno famosi ma dai contenuti che ti fanno emozionare davvero. Oppure, semplicemente, manga che hanno una storia particolarmente complessa dove divori volume dopo volume per scoprire cosa succede, come nell’ottimo “Erased” o ne “L’attacco dei giganti” che, per quanto graficamente mi faccia alquanto pena, ha una storia intrecciatissima dove niente è come sembra, oppure una pietra miliare quale “Inferno e Paradiso“, che unisce una storia pazzesca ad una grafica letteralmente divina.

Certo, per me è fondamentale anche il versante grafico: ho sempre pensato che il comic/fumetto sia meno capace di trasmettermi sensazioni rispetto ai manga anche dal punto di vista visivo. Adoro il disegno di matrice giapponese, soprattutto a partire dagli anni ’90 in poi, e penso che l’espressività dei personaggi sia unica nel suo genere. E, sia chiaro, non è solo “questione di tette”: se prendiamo le supereroine Marvel, ad esempio, di certo non c’è carenza di fisicità importanti – basta pensare alle produzioni di Frank Cho, letteralmente esplosive; eppure, la femminilità di alcuni personaggi dei manga mi sembra quasi inarrivabile e di certo è un bel plus – anche l’occhio vuole la sua parte!

Last but not least, adoro il fatto che il manga in Giappone sia un qualcosa perfettamente intrecciato nel tessuto socio-culturale: durante il mio viaggio a Tokyo ho visto cose che non avrei mai pensato di vedere “per strada”, e ho notato come ciò che qui è quasi “da sfigati” sia perfettamente normale, quindi per esempio non c’è nulla di strano nel salire nella Tokyo Tower e trovare una gigantesca mostra di One Piece – tra l’altro appena giunto nel suo ventennale, e vi assicuro che i giapponesi ne sono ancora pazzi – come se nulla fosse e che non attira solo “i nerd” ma anche un pubblico di, che so, impiegati in giacca e cravatta, cosa che qui da noi sembrerebbe impossibile. Di certo un qualcosa di unico e che, per un appassionato come me, non può che essere una fantastica ciliegina sulla torta!

E per chi non apprezza: beh, il mondo è bello perché è vario, no?

Zeno2k

Posso dire: “nulla”? No, non posso lo so: la verità è che sono il meno titolato a poter rispondere. Per quanto ami i fumetti, devo aver letto una manciata di manga in tutto, di cui la metà erano Ogenki Clinic.

Ho avuto occasione, recentemente, di leggere un manga e ne ho parlato in un articolo dedicato; la cosa che mi ha colpito non sono certo i disegni (che oggi come allora trovo cordialmente tremendi), ma una grande cura nella costruzione della trama e dei personaggi.
Da quel che ho potuto apprezzare c’è un grande movimento interiore che muove i mangaka a trasferire su carta la propria arte ed è quel che apprezzo di più.

A contraddire tutto quello che ho appena detto, tuttavia, devo citare quello che secondo me è uno degli artisti più eccezionali che abbiano solcato il XX secolo: Jiro Taniguchi, scomparso quest’anno, che grazie a capolavori come “Gourmet” e “L’uomo che cammina” mi ha regalato l’emozione di visitare il Giappone restando comodamente seduto a casa.
Ma il maestro Taniguchi era unico. Tutto il resto, forse, lo affronterò più avanti.

jedi.lord

Che domandaccia… cosa c’è di bello nei manga?

Allora, premesso che, se trovo l’argomento o la storia interessanti anche solo vagamente, non guardo in faccia alla provenienza, al formato e leggo di tutto (fatto di cui mi vanto spesso), il mio rapporto con i manga è sempre stato un po’ contrastato.

Sono cresciuto in un periodo storico in cui c’è stato un vero e proprio boom del fumetto giapponese, tutti super infognati con i manga, tutti super esperti… io ci ho provato, ve lo giuro, ma ai nipponici ho sempre preferito le produzioni italiane, europee ed americane.
Il motivo?

Sinceramente non saprei spiegarvelo: mi avranno prestato i titoli sbagliati? Non mi piace molto lo stile narrativo? Gli argomenti? Si tratterà di una cementificazione del pregiudizio?

E chi può dirlo?

Un fatto è certo: la mia conoscenza del mondo manga è molto limitata e ciò è male per uno che si definisce un amante del fumetto tout-court. A mia discolpa posso però affermare che quei pochi manga che ho letto perché li ho scelti e che ho deciso di portare fino in fondo li ho amati davvero.

Vi lascio quattro titoli: Video Girl AI, Planetes, Alita, Eden. Insomma, la fantascienza giappa mi garba a quanto pare. Per tornare alla domanda iniziale: cosa c’è di bello nei manga?

Credo ci sia tutto ciò che di bello c’è nei fumetti del resto del mondo, semplicemente con uno stile e una sensibilità diversi che apprezzo meno.

E purtroppo è una roba a pelle, deal with it.

FrankieDedo

Vuoi perché sono cresciuto a pane, Marvel e Alan Moore, vuoi perché difficilmente sopporto i cliché, io i manga non sono mai riuscito a digerirli, salvo pochi, pochissimi casi. Nonostante abbia divorato molti anime, soprattutto il martedì sera, i fumetti giapponesi mi risultano ostici e un po’ antipatici. Sarà per il modo di esprimersi troppo diverso (che spesso trovo esagerato) o per quella che percepisco come un’estrema commercialità, che porta a creare valanghe e valanghe di libriccini in bianco e nero con disegni deformi, probabilmente entrambe. Non ci riesco, perdo l’interesse dopo poco e non riesco a connettermi con le opere.

Le eccezioni però ci sono! Akira mi ha preso abbastanza, magari anche per la sua natura un po’più “in grande”, rispetto alle produzioni più comuni. Anche Jiro Taniguchi mi ha catturato, e Gourmet resta uno dei racconti che più mi ha colpito, per la sua delicatezza e per il grande equilibrio che trasmette. Grande anomalo: Dragon Ball! Forse perché Akira Toriyama è un giapponese così poco… giapponese, o anche perché il fumetto è pregno di una demenzialità che con me funziona e che risalta sulle scene di combattimento, decisamente ristrette rispetto all’anime. Ho apprezzato anche Planetes (anche se ho gradito molto di più la versione animata) soprattutto per la resa della tecnologia aerospaziale molto plausibile, ma qui sono di parte. Datemi lo spazio e non capisco più nulla.

Tencar

Non lo so, non leggo manga da un bel po’.

Quel che è certo è che questo genere di fumetti ci racconta un mondo diverso rispetto a quello a cui siamo abituati e quindi ci permette di farci avvicinare ad una cultura così lontana dalla nostra e così ricca di affascinanti sfaccettature.

E poi oh, vogliamo parlare dei capolavori che ha tirato fuori Naoki Urasawa?

Wiwo

Che domanda del cavolo.

Innanzitutto: come nel fumetto occidentale, ci sono molti generi, molti stili, molte trame. E, come nel fumetto occidentale, alcuni manga fanno schifo e altri sono stupendi, per cui generalizzare è poco sensato.

Ciò detto, generalizziamo. Personalmente, di solito non apprezzo le serie shounen infinite (tipo Naruto, che era partito tanto bene. Kishimoto, why?) o gli shoujo manga che parlano solo e soltanto d’amore, perché spesso si tratta di produzioni di stampo commerciale che perdono di vista la trama e lo spirito con cui erano partite. Questa eccessiva commercializzazione, però, alla fine dei conti è l’unico difetto che trovo nel panorama generale dei manga.

I manga che rimangono “integri”, al di là di valutazioni personali e legate al singolo fumetto (o autore), sono belli proprio perché sono manga. Mi spiego: gli elementi che spesso ci fanno storcere il naso, come l’eccessiva formalità, i giri di parole, gli ambienti e i cliché ricorrenti, per non parlare dei finali incomprensibili, sono parte della componente culturale giapponese. Possono piacere o non piacere, specialmente al lettore occidentale, ma, a mio parere, l’identità dei manga è basata anche su questi.

Faccio un esempio. Ho letto parecchi manga con ambientazione scolastica in Giappone di vari generi (Le situazioni di lui e lei, Bakuman, Il giocattolo dei bambini…). Ognuno ha le sue esagerazioni, ma, quando sono stata in Giappone, ho visto la periferia e ho conosciuto studenti universitari, mi è sembrato di essere stata catapultata dentro un fumetto, da tanti elementi in comune che potevo trovare con ciò che avevo letto. Per questo ritengo che sia stupido chiedere che cosa ci sia di bello nei manga: come tutte le produzioni artistiche, rispecchia la cultura di un popolo, che è necessariamente diversa da quella di altri popoli e che non può venire giudicata a prescindere.

I manga stessi sono ciò che c’è di bello dei manga: un tuffo nell’identità giapponese. Poi, se trovate un manga oggettivamente brutto, non è colpa del fatto che sia un manga: è solo davvero brutto.

Giakimo

Domanda rischiosissima per chi, come me, è appassionato di fumetti da sempre eppure non legge manga (non regolarmente almeno).

Potrebbe finire in caciara, siete avvertiti.

Mi sono sempre chiesto cosa ci fosse di bello nei manga: intendiamoci, anche io come tutti sono cresciuto guardando i cartoni giapponesi e di molti ho letto il manga corrispondente (ad esempio Holly & Benji, Dragon Ball, Lupin III e Ranma 1/2) e come tutti quelli della mia generazione ho subito un’esposizione ai prodotti nipponici che non ha eguali, ma non è mai scattata la molla dell’amore a prima vista. Provo a parlare da un punto di vista diciamo stilistico. Sicuramente, lo stile di disegno “classico” dei manga, con occhioni, nasi piccoli, fisici irreali e tante troppe faccette, è una convenzione e una tradizione che ci sta (come lo è il modo di disegnare occidentale) e che il loro sistema con le riviste costringe le serie ad essere strutturate come sono.

Chiarisco che parlo sopratutto del manga medio, non delle vette che sono tante e che ho letto e apprezzato, ma in generale ci sono troppi elementi che ritornano sempre e comunque nei manga anche quando non c’entrano niente. Ad esempio, l’impostazione della tavola, con vignette sempre spezzate o cinetiche al massimo anche quando ci sono due tizi a prendere il caffè alla lunga stanca, non è funzionale al racconto ed è sinonimo di piattezza. Esiste un motivo per cui Watchmen ha una gabbia classica e Contratto con Dio no, per fare un esempio, e se nei manga d’azione o sportivi di solito funziona avere così tanto movimento su una pagina, su Nana dopo un po’ mi girava la testa.

Altra cosa, e mi rendo conto che deriva dalla divisione dei manga in sottogeneri, non sopporto il proliferarsi di manga ambientati nelle scuole superiori e con protagonisti adolescenti. Sarà che non sono più un teenager (per quanto, pure allora mi rompevo a leggere storie ambientate a scuola, cazzo passi tutto il tempo a studiare, almeno quando mi distraggo vorrei non pensare alla scuola!), ma sembra praticamente impossibile trovare manga con personaggi adulti o senza il topos del ragazzo che da sfigato diventa centrale nella storia (situazione declinabile in tutte le salse, dal ragazzo che deve salvare il mondo a quello che diventa il fenomeno della squadra).

Sebbene alcuni manga ambientati a scuola o con personaggi adolescenti siano molto belli (penso a Ranma 1/2 che è uno dei fumetti più divertenti che abbia mai letto), dopo un po’ mi annoia leggere adolescenti con problemi di cuore, adolescenti con i pugni nelle mani, adolescenti che combattono giganti o pilotano robottoni, adolescenti che fanno i tornei scolastici ecc. Insomma avete capito.

Per chiudere, sicuramente ci sono tante cose belle nei manga e quando posso o sono interessato li leggo volentieri (ad esempio in questi giorni sto leggendo 20th Century Boys e mi sta piacendo parecchio), ma percepisco la distanza, sopratutto culturale, tra i manga e me. Per cui, se mi consigliate qualcosa me la leggo pure e magari mi piacerà molto, ma continuerò a pensare che i fumetti più belli li fanno i francesi.
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La giornata di Halloween al Lucca Comics & Games offre moltissime attrattive. Tanti eventi e conferenze interessanti, infatti, prima di festeggiare la notte delle streghe.
Per scegliere cosa fare lunedì 31, come già fatto per le giornate precedenti, ho selezionato le proposte che mi sono sembrate più particolari: se volete, potete prendere spunto e organizzare così la vostra giornata.

Cominciamo con la mattina: alle 10.00 a Villa Gioiosa si terrà una sessione di gioco “Stranger Things“. Per celebrare l’enorme successo della serie prodotta da Netflix, infatti, dodici giocatori avranno la possibilità di affrontare un’avventurosa sessione di gioco di ruolo. Unici requisiti: vestirsi anni ’80 ed iscriversi scrivendo a torneodungeongs&dragons@gmail.com.
Alle 11.00, invece, nello Showcase Chiesa di San Francesco (Si2), potrete assistere a Dragon Ball Event, con esibizioni e giochi a premi.

Gli eventi più caldi della giornata, tuttavia, sono nelle ore centrali. In particolare, alle 13.00 vi segnalo due iniziative entrmbe interessanti. La prima si svolgerà nell’Auditorium San Girolamo (Si7) e consisterà in “Saldapress presenta: Frank Cho, Milo Manara e le donne – Un dialogo tra due Maestri“.
La seconda avrà luogo nell’Auditorium Fondazione Banca del Monte (Si6) e avrà titolo “L’epoca d’oro del cinema internazionale attraverso gli aneddoti e le pennellate di Nano (Silvano) Campeggi“, autore dei principali manifesti pubblicitari dei più grandi successi cinematografici della Warner Bros.

Per quanto riguarda il mondo del fumetto, diversi saranno gli eventi salienti. Segnalo alle 14.00 “Disney presenta: il ritorno di Xadhoom“, presentazione della nuova saga di PK sulle pagine di Topolino, che si terrà nella sala Chiesa di San Giovanni (Si5).
Alle 15.00, invece, sarà possibile incontrare Zerocalcare, impegnato in “Arte e politica, passato e presente: un dialogo con Zerocalcare” in Sala Showcase Chiesa San Francesco (Si2) e Gabriele Dell’Otto, protagonista dell’evento speciale “Gabriele Dell’Otto – Nel mezzo del cammin..“. L’autore analizzerà la dimensione religiosa nel mondo del fumetto italiano nel Salone Dell’Arcivescovato in Piazzale Arrigoni.

Infine, interessanti proposte per l’ambito cinematografico. Alle 14.00 nel Cinema Astra si potrà assistere ad alcune clip di “Valerian e la città dei mille pianeti“, tratto dal fumetto di Luc Besson, mentre nell’Auditorium San Girolamo si potrà visionare il pilota di “L’Insonne“, serie italiana tratta dall’omonima opera su carta.
Alle 15.30 il Cinema Astra proporrà la visione degli episodi 4 e 5 della seconda stagione di Ash vs Evil Dead e alle 18.00, nell’ambito di Fox Presenta, si potrà assistere alla anteprima nazionale del secondo episodio della settima stagione di The Walking Dead.

Per concludere la serata, vi consiglio caldamente “Metallo, Martello e Tutù” concerto dei Nanowar of Steel, alle 19.00 al Palco Baluardo San Donato e, alle 21.00, l’anteprima del film “Snowden” presso il Cinema Astra.

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Anno dopo anno Lucca Comics & Games, già evento di riferimento sul territorio italiano, sta ottenendo credito e si sta affermando sempre più anche all’estero: è sufficiente vedere il numero degli autori internazionali che la fiera e gli editori riescono ad ospitare in Toscana e, soprattutto, la loro caratura. Il grande nome di quest’anno è senza dubbio Frank Miller, la leggenda vivente del fumetto sarà ospite dell’editore RW Lion e terrà due sessioni di autografi presso il Batman Village allestito nella Casermetta San Donato sulle Mura Urbane.

Se vi state chiedendo “ma come faccio ad avere l’autografo di Miller?” o vi state ponendo domande simili questo è l’articolo che fa per voi. Nei prossimi paragrafi vi spiego come fare per incontrare i vostri autori preferiti e le modalità decise dai vari editori per avere accesso alle sessioni di autografi e sketch.

BAO Publishing – Al Grand BAO Hotel sarà possibile avere dediche e sketch sia su volumi acquistati in fiera che su quelli portati da casa, purché siano editi da BAO, c’è un’importante eccezione a questa regola: Dustin Nguyen e Skottie Young autograferanno fino ad un massimo di due volumi di altri editori a patto di essere in possesso di un loro volume BAO, sul quale si potrà anche richiedere uno sketch. Leo Ortolani farà 15 sketch su libro ad ogni sessione, dopodiché si dedicherà ad autografare copie di CineMAH. Zerocalcare accetterà richieste di sketch solo per i personaggi principali dei suoi libri; durante le sessioni verrà formata una coda vicino la sua postazione, se dovesse diventare troppo lunga verranno forniti biglietti numerati per permettere il regolare accesso allo stand. Per Zerocalcare, Nguyen, Young, Recchioni e Pedrosa non sarà possibile lasciare i volumi allo stand per ritirarli direttamente con lo sketch, è dunque necessario fare la fila: coloro che non hanno modo o tempo di aspettare il proprio turno possono trovare in vendita ogni giorno, a partire da sabato, alcuni volumi già autografati dai principali ospiti.
Trovate il calendario completo delle sessioni di ogni autore in questo post presente sulla pagina Facebook di BAO Publishing.

SaldaPress – Charlie Adlard sarà presente il 28 ottobre con una sessione da due ore e mezza in cui realizzerà 400 autografi e 40 doodle, mentre saranno due le sessioni nei giorni 29 e 30 ottobre, dureranno un’ora e mezza ed in ognuna di esse l’autore firmerà 200 autografi e 20 doodle. Per ottenere un autografo dal disegnatore britannico bisogna acquistare un volume a scelta tra Come una pietra, Guerra bianca, L’arte di Charlie Adlard o tutte le variant del numero 43 di The Walking Dead, se invece si compra il Charlie Adlard Kit,che comprende Come una pietra, Guerra bianca e L’arte di Charlie Adlard, si ha diritto sia al doodle che all’autografo. Frank Cho sarà invece disponibile per tutta la durata della fiera con due sessioni da un’ora e mezza al giorno, in cui realizzerà 200 autografi e 20 doodle. Anche per Cho è necessario acquistare un volume a scelta tra Liberty Meadows vol. 1 – Eden, Liberty Meadows Sundays vol. 1 o Women, sia nella loro versione regolare che in quella con stampa a tiratura limitata, per avere diritto all’autografo, mentre comprando il Frank Cho Kit, che comprende Liberty Meadows vol. 1 – Eden, Liberty Meadows Sundays vol. 1, Women ed una Print a tiratura limitata, è possibile avere anche il doodle. Dopo ogni acquisto vi verrà dato un biglietto per accedere alla sessione, i biglietti che danno l’accesso solo agli autografi sono validi fino ad esaurimento posti.
È possibile trovare gli orari delle sessioni non solo di Adlard e Cho, ma anche di tutti gli altri ospiti dello stand sulla pagina Facebook di SaldaPress.

RW Edizioni – Come già accennato sarà Frank Miller l’ospite di punta del RW Point, con due sessioni di soli autografi che si terranno alle ore 11.30 di venerdì 28 ottobre e domenica 30 ottobre presso il Batman Village. Per accedere alle sessioni è necessario acquistare il volume DC Prestige – Batman: Il Ritorno Del Cavaliere Oscuro online con ritiro in fiera (a questo link per la sessione di venerdì o questo link per la sessione di domenica), oppure direttamente al RW Point qualora non dovessero esaurirsi le prevendite online: saranno disponibili solo 225 copie per sessione. Non sono invece state annunciate iniziative particolari per gli altri autori presenti allo stand: Lee Bermejo, Giuseppe Camuncoli, Matteo Casali, Davide Gianfelice, Alberto Ponticelli ed Emanuel Simeoni.

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