Ma quanti giochi ha messo sul mercato Milestone nel 2026? Partendo dall’ottimo RIDE 6, autentico compendio delle 2 ruote, passando per il consueto MotoGP annuale, fino ad arrivare all’acclamato Screamer. Pensavi fosse finita qui? E invece no, la carrellata di titolo motoristici si conclude con l’arcade racing-game Hot Wheels Infinite Rush. Il celeberrimo brand di macchinine Mattel, dopo Hot Wheels Let’s Race: Ultimate Speed torna nelle sapiente mani della software-house italiana. Al contrario che nei due eccellenti Hot Wheels Unleashed, Milestone, questa volta, punta sull’open-world in salsa Forza Horizon, piuttosto che sui circuiti chiusi.

Recensione

Ho testato Hot Wheels Infinite Rush in lungo e largo grazie a una copia per la recensione ricevuta dalla redazione. Ci tengo, pertanto, a ringraziare il publisher in questa sede.

Ho riscattato il codice su Steam e ho giocato il video game interamente su Steam Machine. Dopo diversi tentativi ho deciso di settare il gioco sui 1080p, 60 fps, con dettagli grafici al massimo. L’FSR integrato ha ovviamente fatto il resto in termini di qualità dell’immagine. Durante la mia prova non ho incontrato bug game-crashing ma più di una volta mi sono imbattuto in evidenti cali di frame-rate. Questi ultimi mi sono sembrati completamente randomici e non sono riuscito a determinare in quali situazioni avvenissero.

La novità open world

Come anticipato poco più su, Hot Wheels Infinite Rush presenta un modello di gioco open world, il tutto diviso in 4 mappe a tema. Si va dall’urbana Wheelwood, caratterizzata da un’ambientazione metropolitana tutta acciaio e cemento per arrivare a Drifty Temples, isola d’ispirazione orientale. Le isole si sbloccano tutte in una manciata di ore e sono caratterizzate e diversificate a dovere. È stato sempre un piacere esplorarle sebbene ritengo che, alla lunga, possano risultare un po’ piccole e facili da memorizzare.

Quasi ogni elemento dell’ambiente può essere distrutto. Panchine, staccionate, semafori, tutto ciò che abbatterai ti garantirà punti stile utili poi per generare monete d’oro. Ho particolarmente apprezzato il fatto che le macchinine presenti nel traffico non rappresentino un ostacolo al passaggio del giocatore. Queste, infatti, sono leggerissime, quasi immateriali, e verranno sbalzate al nostro passaggio. Per quanto anti-intuitivo, questo sistema è per me vincente perché non spezza il ritmo in un gioco basato su velocità e divertimento.

Le mappe sono disseminate di eventi secondari, contrassegnati da punti interrogativi, i quali verranno scoperti avvicinandosi ad essi. Non mancano, inoltre, eventi dinamici casuali come quelli ribattezzati Daredevil, che ho molto apprezzato. Di tanto in tanto ti capiterà di incontrare una Hot Wheels rara, nel mondo di gioco. Se riuscirai ad avvicinarti e a sfidarla, avrai la possibilità di gareggiare contro di lei e, potenzialmente, di vincerla.

Le mappe di gioco però soffrono della mancanza dello spostamento rapido. È vero, come detto, che gli ambienti non sono sconfinati ma dover raggiungere gli eventi certe volte risulta tedioso.

Gameplay

Pad alla mano il feeling di guida è assolutamente soddisfacente. D’altronde stiamo parlando della software house che ha dato i natali ai già citati e pluripremiati due capitoli di Hot Wheels Unleashed. Le fondamenta sono senz’altro quelle e dai quei giochi Infinite Rush eredita l’importanza del controllo della derapata, manovra sempre divertente da effettuare e che esalta il buonissimo sistema di guida arcade. Questa si attiva premendo il tasto del freno durante l’inserimento in curva. Una volta iniziata starà a te domare il bolide di turno.

Parlando di mezzi è interessante notare come questi appartengano a 4 classi diverse. Saltare da una all’altra, tra l’altro, è comodissimo e in tempo reale (nel free roaming). Di seguito ti elenco le classi. Versatile: come dice il nome, un mezzo tuttofare senza particolari specialità. ​Drifter: per gli amanti delle derapate, caricano il turbo solo se messe di traverso. Speeder: auto votate alla velocità pura, meno stabili da controllare ma capaci di altissime velocità. ​Titan: Veicoli pesanti e di conseguenza più stabili. Tra tutte presentano la meccanica del turbo più interessante.

Se da un lato il gameplay puro è forse il lato migliore di Hot Wheels Infinite Rush, non posso affermare lo stesso della progressione. Il gioco presenta una struttura a punti, utili per sbloccare boss e mini boss ma, onestamente, risulta alquanto ripetitiva molto presto. Ogni isola, tra l’altro, costringe il giocatore a reiniziare questa scalata per arrivare al boss finale di turno. A peggiorare la situazione concorrono eventi “doppi” che richiedono di ripetere il circuito appena affrontato. Purtroppo, non ho mai sentito un incentivo ad andare avanti nella campagna nelle mie ore spese con Hot Wheels Infinite Rush. Il sistema di valuta in game, tra l’altro, è parecchio avaro e accumulare monete per comprare altre macchinine può risultare in un noioso esercizio di grinding.

Comparto artistico e editor

Milestone da anni delizia gli occhi dei giocatori con comparti grafici da urlo e Hot Wheels Infinite Rush, a mio parere, non fa eccezione. Certo, parliamo di un gioco che riproduce dei toy, dei mezzi di plastica non realistici ma che sono riprodotti in maniera maniacale in 3D. I fan non potranno che essere felici dei modelli dei veicoli, oltre che delle loro texture. Il roster al lancio, tra l’altro, vanta circa 150 veicoli.

Ho particolarmente apprezzato l’audio del gioco. La colonna sonora è di ottima qualità e accompagna alla grande sia la fase esplorativa che le gare. Inoltre, gli effetti audio sono credibili ed efficaci, che sia nelle derapate, negli scontri o, perché no, nella distruzione degli ambienti.

Se sei un appassionato di editing, sappi che la modalità messa a disposizione dei giocatori è di tutto rispetto. Io non sono un asso con questo tipo di attività ma ho potuto saggiare la bontà del track builder. Questo si attiva nell’open world e sono rimasto piacevolmente impressionato dalla semplicità con cui i pezzi del circuito interagiscono, non solo tra loro, ma anche con le mappe di gioco. Ovviamente non può mancare, in pieno stile Milestone, un notevole editor delle livree.

Versioni e prezzi

Come detto in apertura, ho giocato Hot Wheels Infinite Rush su Steam Machine. Parlando di PC, il gioco è acquistabile anche sull’Epic Games Store. Se invece possiedi una console, sappi che il gioco è stato pubblicato anche su PlayStation 5, Xbox Series X/S e Nintendo Switch 2.

Il gioco è acquistabile in 3 edizioni differenti: ​Standard Edition (49,99 €), ​Deluxe Edition (79,99 €) e ​Ultimate Edition (99,99 €). Ovviamente aspettati di trovare nelle edizioni più costose pacchetti di veicoli aggiuntivi. Trovo molto corretto il prezzo della Standard Edition. Qui i contenunti, nel dettaglio, di ogni versione.

Concludendo

All’interno di Hot Wheels Infinite Rush convivono due anime. Da un lato il gioco convince e sorprende per il suo ottimo modello di guida arcade mentre, dall’altro, è azzoppato da una progressione che avrebbe potuto offrire di più. Il passaggio all’open world è promosso, ma rimane un po’ di amaro in bocca vista l’intrinseca ripetitività degli eventi che propone. Un titolo senz’altro consigliato agli appassionati accaniti delle Hot Wheels che potrà trovare l’interesse anche di molti giocatori di racing arcade.

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Nerdando in breve

Hot Wheels Infinite Rush è un video game di corse arcade sviluppato da Milestone.

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Lo guardo o non lo guardo?

L’ho recuperato adesso, The Drama. Dopo che quasi tutti mi avevano detto di non vederlo. L’ho fatto comunque e non so ancora se me ne sia pentita.

“Davvero è questo?“.
Credo sia la reazione più sincera di qualsiasi spettatore che lo guarda oltre i confini americani.

Le aspettative erano alte. E, sorprendentemente, ero riuscita a non farmi influenzare dai pareri altrui, che lo descrivevano come una delusione. Anche perché i protagonisti non sono per me volti qualunque: Zendaya e, soprattutto, Robert Pattinson hanno segnato un pezzo della mia infanzia. E qui danno prova, ancora una volta, della loro bravura. Zendaya è magnetica nei momenti più disturbanti; Pattinson, invece, sembra quasi interpretare una versione di se stesso — mi viene in mente il suo modo di rispondere durante le interviste ai tempi di Twilight, sempre sul filo dell’autosabotaggio.

Trama

Il film mette in scena la morale, il giudizio, cui tutti sono sottoposti, entro lo schermo e nella vita.
Il contesto è un matrimonio imminente. I due protagonisti, futuri sposi, organizzano una cena con la coppia di amici che farà loro da testimoni. Tra un bicchiere e l’altro — e a partire da un commento apparentemente banale sulla DJ del matrimonio, sorpresa a fumare erba sul ciglio della strada — si innesca un gioco pericoloso: rivelare la cosa peggiore mai fatta, a turno.

Da lì in poi, la tensione cresce. Lo spannung lascia presagire una rivelazione choc, soprattutto da parte di Emma, personaggio di Zendaya, ultima a parlare. Ci si aspetta un’esplosione, qualcosa che superi quantomeno il segreto dell’amica Rachel — da cui però si potrebbe ricavare l’apertura di una seconda parte. Lo speravo davvero.

Poi il segreto scivola tranquillamente dalla bocca di Emma.
E non succede nulla o, meglio, non succede quello che ci si aspetta. Si tratta di un’intenzione, mai realizzata. Un’ombra, non un atto. E proprio per questo destabilizza.
Sembra addirittura paradossale che sia Rachel a scagliare la prima pietra.
Non voglio essere fraintesa: non è meno grave, riflette anzi e senz’altro una società precisa. Ma resta lontana dall’immaginario “gotico” che il film sembrava promettere.

Un film che invita alla riflessione

E, mentre sullo schermo vorresti vedere di tutto tranne che le immagini imbarazzanti di una giovane Emma, continui a chiederti con morbosa insistenza perché sia proprio l’amica a iniziare a giudicare, seguita ovviamente dal testimone Mike e dal futuro sposo Charlie. Tutti loro sono consapevoli della gravità del loro segreto, tra l’altro un fatto compiuto, non solo immaginato.
Lì, allora, le domande che ti poni sono altre e sottopongono te stesso a giudizio: in quale momento inizia la colpa? E in quale subentra la morale? Quando hai l’intenzione di compiere un gesto ma non lo puoi fare? Quando lo pensi ma non lo devi fare? E se lo volessi compiere ma le circostanze te lo impedissero, saresti comunque colpevole?

E quando, allora, subentra il giudizio? Prima di compierla? Quando è compiuta?
Sono immorale se non voglio giudicare Emma perché l’ha pensato, sì, l’ha progettato, ma non l’ha fatto?
Quello che intendo è: siamo autorizzati a giudicare un’intenzione allo stesso modo di un’azione?

Il cortocircuito inizia qui. Chi accusa è davvero nella posizione di farlo? E perché un’intenzione viene trattata come un crimine, mentre un gesto concreto sembra quasi passare in secondo piano?

Insomma, Kristoffer Borgli ha colpito nel segno: poche azioni, tanti pensieri. Fino all’ultimo ci si aspetta che qualcuno scatti. Ma, alla fine, non scatta nulla. Tutto rimane uguale, sospeso. Tutto torna alla normalità e, sempre paradossalmente, si annulla la tensione all’equilibrio dopo la crisi. Non c’è un ristabilimento, c’è una rimozione. Perché nulla cambia, eppure è cambiato tutto.
Alla fine ci ho pensato: non mi pento di averlo visto. Anche se non sono americana.

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Trailer

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Recensione (che è anche un’anteprima!)

Questo articolo è un po’ particolare visto che si tratta di un’anteprima, in quanto Bubble and Shadow sarà presente alla prossima fiera di Essen. Devo ringraziare Broadway per avermi mandato sia la copia per la recensione sia le bustine!

Cos’è Bubble and Shadow

Si tratta di un gioco di carte entry level da due a cinque persone con ambientazione fantasy (anche se si sente quasi per nulla). Infatti i giocatori nel loro turno saranno maghi che usano patti per scambiare risorse. La classica solfa? Niente affatto!

Il gioco

Flusso

Nel proprio turno il giocatore veste i panni del Mago e deve proporre un patto. Per farlo o gioca direttamente una carta dalla propria mano o prima la scambia con una delle tre scoperte al centro del tavolo. In entrambi i casi piazza un patto davanti ad un altro giocatore indicandolo quindi come Mortale con cui siglare l’accordo. È il “bersaglio” che sceglie il verso in cui orientare il patto e, di conseguenza, il prezzo che i due pagheranno l’un l’altro dato che i bordi della carta indicano i segnalini da sborsare. Entrambi completano lo scambio, per quello che riescono a pagare con tutto quello che ne consegue a livello tattico. Quanto ricevuto va messo davanti al proprio schermo, quindi pubblico, mentre i segnalini iniziali fino a quando non vengono spesi rimarranno privati. Ora il Mortale diventa il Mago per il prossimo turno.

Esempio

Il Mago, cioè chi è di turno, sceglie una delle carte in mano e la posiziona davanti al Mortale, cioè il giocatore scelto per lo scambio. Quest’ultimo orienta il Patto nel senso che lui preferisce se può pagare entrambi i requisiti o nessuno dei due per intero, mentre se può soddisfare solo la richiesta di un lato non avrà alternative.
Nella foto sopra vediamo come abbia scelto di pagare tre bolle e di ricevere due lune e una moneta d’argento. Così si libera delle bolle, che con le regole base assolutamente non vogliamo, e al contempo sa che l’avversario ha due lune visto che sono pubbliche.

Fase di assegnazione punti

Dopo che ogni giocatore ha quattro patti davanti a sé, il round finisce e si svolge la risoluzione, che poi è il modo in cui si accumulano segnalini anima che sono in pratica i punti vittoria.
Il sistema di attribuzione anime, che si può definire ad eliminazione, non è dissimile da quello presente in Lords of Xidit, anche se in Bubble and Shadow avviene alla fine di ogni round anziché a fine partita.
Le fasi sono tre:
1) Chi ha più bolle è escluso, ma varranno come tali anche le monete d’argento dalla settima in poi;
2) Chi ha meno argento guadagna un punto e non partecipa all’assegnazione punti finale;
3) Vengono assegnati tre punti per chi ha più lune o si è gli unici rimasti e due punti per chi è arrivato a questa fase.

Regolamento

Di base viene spiegato molto bene come si gioca e ci sono anche gli esempi che chiariscono ulteriormente la situazione. Avrei preferito ci fossero anche per uno specifico segnalino speciale e che, in generale, alcune situazioni limite fossero esplicitate meglio.

Versione “liscia” e “avanzata”

Il regolamento consiglia di giocare la prima partita coi segnalini base, mentre solo dalla seconda in poi suggerisce eventualmente di introdurre quelli speciali. Questi sono particolari, visto che hanno degli effetti come ad esempio la mela che vale come una luna, ma durante la fase di risoluzione varrà come bolla.
Tali token avanzati creano caos e danno ancora meno controllo ai giocatori. Condivido col regolamento di andare per gradi soprattutto se al tavolo sono presenti neofiti: non perché sia difficile, anzi, ma c’è tanto da ragionare visto che così quasi ogni gettone ha qualche effetto che crea nuove interazioni. I giocatori più esperti, invece, possono tranquillamente buttarsi a pesce fin da subito. In definitiva consiglio gli “Special Price Token”, visto che mettono tutto in discussione permettendo più scelte strategiche!

Impressioni

Non mi vengono in mente titoli simili a Bubble and Shadow, sicuramente questa frase mi si ritorcerà contro, ma è così! Per questo, scemenze a parte, è inaspettatamente originale visto che non riesco a paragonarlo ad altri giochi da tavolo nel gameplay unito alla modalità di punteggio.
Il flusso di gioco è essenziale e al tempo stesso perfetto, visto che centra il punto. La modalità di conteggio dei punti in tre fasi rende i turni tesi costringendo tutti a riflettere per trovare il giusto equilibrio per arrivare “salvi” alla fine.

Senza contare che apprezzo molto la meccanica dell’ “I cut you choose” a cui ho dedicato un articolo intero qui!

Materiali

Carte

Le carte sono splendide, impreziosite da un effetto dorato riflettente fantastico. Hanno le dimensioni di un tarocco grande e per proteggerle ho utilizzato le bustine protettive 70×120 mm inviatemi da Broadway insieme al gioco.
Già so cosa stai pensando, ma tranquillo: nel momento in cui scrivo questo formato di bustine si trova sia sul negozio online più famoso sia in quelli specializzati in giochi da tavolo. Ovviamente non faccio nomi, visto che nessuno mi paga per fare pubblicità!
Anche la fattura sembra ottima, nonostante le abbia imbustate fin da subito e quindi non possa dirti quanto reggano.

Gli altri componenti

I segnalini mi hanno meravigliato, visto che non sono di cartoncino: sono simili alle fiches, ma più piccoli e molto più leggeri.
Il sacchetto di stoffa è molto bello e nemmeno così scontato, visto che a volte non viene fornito costringendo spesso i giocatori ad arrangiarsi.

Edizione

Bubble and Shadow, attualmente, è in preordine a 25 dollari. La mia copia è in inglese, ma niente paura: il gioco è indipendente dalla lingua, cioè il testo è presente solo nel regolamento. Se vuoi approfondire la locuzione indipendenza dalla lingua qui trovi l’articolo dedicato.

A chi si rivolge Bubble and Shadow

Bubble and Shadow è adatto al grande pubblico, anche a chi non è avvezzo ai giochi da tavolo contemporanei se non si usano gli “Special Price Token”. Infatti le partite sono da una trentina/quarantina di minuti, il prezzo è basso e non ci sono strategie di lungo periodo, in quanto si ragiona di round in round. I giocatori esperti si divertiranno di più coi segnalini avanzati.
Se per te l’ambientazione è la prima cosa non ti consiglio questo titolo.

Per quanti giocatori è Bubble and Shadow?

È normale che l’editore cerchi di tirare la corda nello scrivere il numero di persone supportate! Visto che Bubble and Shadow è in anteprima e di conseguenza BoardGameGeek non può ancora aiutarci in tal senso, vediamo se il 2-5 sia veritiero.
A quattro gira perfettamente ed è quindi la configurazione da me preferita, ma anche le altre funzionano, compresa quella a due che ha regole diverse per la fase di risoluzione.

Concludendo

Sul mercato escono tantissimi titoli che usano carte bellissime mettendo la parte ludica in secondo piano. Non è questo il caso e inoltre Bubble and Shadow è adatto sia ai novellini sia agli esperti, cosa rara, soprattutto se si pensa che il divertimento è stato sempre lo stesso! Avevo letto il regolamento e mi sembrava interessante, ma giocandoci mi ha meravigliato, senza urlare al capolavoro!

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Nerdando in breve

Bubble and Shadow è un gioco di carte che offre di più oltre ai materiali molto belli.

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Recensione

Quando Resident Evil fece la sua comparsa per la prima volta correva l’anno 1996, i nostri monitor a tubo catodico misuravano circa 15 pollici, le radio cicalavano i successi delle Spice Girls, Fox Mulder continuava a “credere” e io, beh, io ero piantato al mio quarto anno di università.

Tutti questi fatti mirabili – a eccezione dell’ultimo, ovviamente – avrebbero rappresentato tasselli essenziali nella vita di coloro che hanno attraversato gli anni ’90 nel pieno della loro giovinezza.
Tutti mirabili, appunto, ma, forse, nel cuore di molti il posto più speciale è occupato ancora da Resident Evil.

Ringrazio Sony Pictures per l’invito alla proiezione per la stampa.

Come ti rimescolo i media

Fa un certo effetto pensare al ribaltamento velocissimo che si è registrato nel rapporto tra videogiochi e cinema nel corso degli anni.
Se ripensiamo agli anni ’90, ci rendiamo conto che quella era l’epoca dei disastrosi tie-in, videogiochi sviluppati su licenza in brevissimo tempo per sfruttare l’onda del successo di roboanti film.
In quel tempo, i videogiochi erano tristi epigoni al servizio dei film, di cui inseguivano l’ispirazione e, da ultimo, il successo.

Oggi il rapporto di fatto si è invertito.

Il mondo del cinema è sempre più asfittico, privo di idee e allora ecco che fioriscono i sequel/prequel, i remake, e le trasposizioni di videogiochi famosi.
Quella di Resident Evil, d’altronde, è una delle più emblematiche e rappresenta, credo, la più longeva.
Inaugurata nel 2002 ha sempre cercato, più o meno fedelmente, di seguire le orme del videogioco, sia per atmosfera sia per lore, sebbene con risultati altalenanti.

Così, dopo ben sette film e un reboot un po’ “meh”, qualcuno lì, ai piani alti, deve aver sentito l’impellenza di un cambiamento.
Le premesse per un successo stavolta ci sono tutte.
Il regista pare avere talento da vendere e, stando alle sue dichiarazioni, con questa opera vuole dare alla saga un capitolo di rottura.
Come? Beh, semplice, ambientando nell’universo di Resident Evil una storia completamente inedita con personaggi altrettanto sconosciuti.
Sarà l’idea vincente?

Non esistono più mestieri tranquilli

Che occuparsi di consegne sia un mestiere faticoso, credo sia cosa cognita, ma che, addirittura, potesse mettere il povero fattorino a confronto con un’apocalisse zombie, beh, questa è una situazione davvero impensabile.
E, se è insolita la premessa, ti lascio immaginare il resto!

La storia narra le vicende di Bryan, interpretato da un bravissimo, quanto (a me) sconosciuto Austin Abrams, un corriere che viene incaricato di trasportare materiale medico in quel di Raccoon City, di notte e nel pieno di una tempesta di neve.
Basteranno pochi minuti al nostro antieroe per precipitare in una situazione kafkiana che lo vedrà confrontarsi con una donna zombie piuttosto insistente, un cane non-miglior amico dell’uomo e una fantastica creatura-Cirque Du Soleil dalle mani lunghe.
E questo è solo l’inizio!

Con un montaggio serratissimo, ben presto seguiranno altre situazioni, in cui il nostro anti-eroe potrà dare pieno sfoggio della sua umanissima e simpatica inadeguatezza. Ad accomunarle ci sarà sempre la totale assenza di controllo di Bryan su tutto quanto gli capita attorno e a cui reagisce come reagiremmo un po’ tutti: imprecando (il suo “What the F***k è un vero tormentone), scappando e sparando (quasi sempre mancando il bersaglio).

È quindi da subito che lo spettatore/fan è costretto a confrontarsi con la prima grande rottura rispetto al passato, forse la più evidente: scordatevi il machismo di Leon o il sangue freddo di Jill, qui abbiamo un fattorino che si comporta da fattorino e che, peraltro, a dirla tutta, è perseguitato da una sfiga fantozziana.

Tra Voltaire e Shaun (no, non la pecora)

Nell’ora e trenta che segue, osserviamo, quindi, il nostro buon Bryan sballottato da una situazione disperata all’altra, sul filo di una trama che è, a tutti gli effetti, un mero pretesto per goderci questo viaggio all’inferno.

Calato in una serie di incubi, il protagonista affronta ogni situazione con l’innocenza di Candido e l’inadeguatezza di Shaun.
Ecco, se non rischiassi di passare per eretico, mi sentirei di dire che questo film, in diversi momenti, mi ha fatto rivivere la gloria di quel gran cult che è Shaun of the Dead (da noi genialmente tradotto in L’Alba dei Morti Dementi).
Anche qui l’ironia sfocia nella demenzialità a causa dell’inadeguatezza del protagonista di fronte alle situazioni da incubo in cui si trova coinvolto.

È questione di gusti ovviamente, ma a me questo tipo di horror, capace di spezzare un sorriso con un salto dalla sedia, piace anche più dell’horror più serioso e classico.
Peraltro, nel discreto numero di situazioni folli in cui viene a trovarsi Bryan, ve ne sono diverse che anche visivamente suggestionano moltissimo e rimangono impresse. Che dire, per esempio, della pioggia di zombie tra i palazzi o della scena dell’ascensore che si sgretola all’interno della Umbrella Corp.? Chicche del genere nel franchise di Resident Evil, te lo assicuro, non si erano mai viste.

Insomma, non farmi dire di più sulla trama, ma tra una grassa risata e un brivido, il film riesce a costruire una tensione che non ti mollerà mai neanche un secondo.

Caccia all’indizio

So già cosa stai pensando, qualcosa del tipo “Raga, ma allora sto film è una figata, corro a vederlo” (vabbè i miei pensieri, per forza di cose, usano un linguaggio da boomer…), ma mi trovo costretto a fermarti.

E già, perché il titolo di un film non è un fatto secondario, che può essere bellamente ignorato, soprattutto quando si porta dietro un simile lignaggio.
Insomma, va bene la storia inedita, va bene rinunciare – e per fortuna, direi – alle battutacce di Leon, ma di Resident Evil in questo film cosa rimane?
E qui, diciamocelo francamente, scatta la caccia all’indizio, perché nel corso della visione a dimenticarsi di stare vedendo un film appartenente a questo franchise si fa presto.

Io, personalmente, ho contato una decina di “riferimenti” al videogioco, tra quelli più evidenti (la macchina da scrivere o la scatola delle cartucce) a quelli più velati (il cambio di visuale in prima persona con l’arma in pugno ecc.), ma ci limitiamo a quello.

Uscendo dalla sala, ho captato il commento di una persona che ha detto “se si fosse chiamato in un altro modo, il film sarebbe stato meglio”. Non credo, in realtà, non sarebbe stato meglio, sarebbe stato semplicemente più corretto.

A dirla tutta, di un videogioco che ha fatto dei morti viventi i protagonisti assoluti del lore rimane poco e niente.
Vedere le strade di Raccoon City, nella timeline del secondo capitolo peraltro, deserte o quasi, un po’ sconforta. Anche di zombie veri e propri se ne vedono pochini, mentre si affacciano nell’universo del franchise creature che, sebbene azzeccatissime, sono di fatto inventate di sana pianta.
Insomma l’impressione che questo film Zach Cregger l’avesse in mente già da prima che gli fosse proposto di dirigere un capitolo di Resident Evil è piuttosto forte.

In conclusione

Ed è arrivato il momento di tirare le fila del discorso.

Mai come in questo caso, vorrei poter assegnare all’opera un doppio voto, perché, se come film horror a mio avviso funziona perfettamente, come capitolo di Resident Evil potrebbe irritare anche i fan meno accaniti.

Premessa la futilità della storia e la bontà della caratterizzazione dei personaggi – regola d’oro, questa, per ogni ottimo horror –, il film diverte, emoziona e spaventa sul filo di un ritmo che si mantiene indiavolato per tutta la sua durata, trovando persino le energie per riservare, allo sfiancato spettatore, un bel plot-twist finale.
Bravissimo Austin Abrams e bravissimo Zach Cregger, ma, porca miseria, chiamarlo in un altro modo, no!?!

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Nerdando in breve

Ironia e tensione, demenzialità e orrore, tutto in 90 minuti che bruciano in un secondo.

Trailer

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L’evento

Nel fine settimana 11-13 settembre si è svolto il Pescara Comix 2026: la manifestazione ha celebrato la XIII edizione, dal titolo Age of Heroes, nella ormai consueta location del Pala Dean Martin di Montesilvano.
Tra i molti appuntamenti, nel primo pomeriggio di domenica Tencar e io abbiamo assistito alla proiezione del docufilm Semplice Cliente, che racconta la storia di una delle prime icone di viralità che l’Italia ricordi: Mario Magnotta.

L’icona

Io con le audiocassette del celebre scherzo a Mario Magnotta non ci sono cresciuta, le ho scoperte da grande. Ma conosco moltissime persone, in tutta Italia, per le quali hanno rappresentato un vero e proprio pezzo di vita.
Mario Magnotta era un bidello aquilano vittima di alcuni scherzi telefonici circa una fantomatica lavatrice, il cui contratto di acquisto lo avrebbe obbligato a nuove spese periodiche.

Il tutto era nato come un semplice scherzo telefonico tra conoscenti, come ce ne sono tanti. L’anno era il 1987: la tecnologia era molto diversa da quella che conosciamo oggi, identificare l’autore di una telefonata non era semplice e immediato come siamo abituati noi. E così, Mario Magnotta ci casca in pieno: è convinto di parlare davvero con il Direttore dell’azienda e poi con vari rappresentanti della ditta. E va in escandescenza quando le cose diventano troppo surreali, con risultati involontariamente comici.

Poteva finire tutto lì ma qualcuno ha diffuso i nastri, creando il primo fenomeno virale vero e proprio a cui abbiamo assistito. Quelle cassette vengono ascoltate in lungo e in largo e Mario Magnotta diventa un vero e proprio personaggio di costume. Tanto che oggi, a distanza di quasi 40 anni, non c’è solo un fumetto ispirato alla vicenda (Magnotta Wars) ma anche un film e un vasto merchandising (a proposito, l’ultima uscita è il libro da colorare: lo adoro!).

Il film

Semplice Cliente è il docufilm che racconta tutta la vicenda, coinvolgendo anche i protagonisti. Gli autori dello scherzo, naturalmente, ma anche Romina, la figlia di Mario Magnotta.
La proiezione al Pescara Comix è stata introdotta da Alessio De Leonardis, autore e regista della pellicola, e dal produttore Stefano Bacchiocchi in rappresentanza di Duende Film.

E, devo dirlo, si è trattato di una proiezione emozionante. Il docufilm viaggia in perfetto equilibrio tra ricordi, umanità e ironia, tutti in giuste dosi. Non c’è voyeurismo o ricerca della macchietta, in Semplice Cliente, ma il racconto autentico di una storia e di una figura che è stata profondamente amata dal pubblico e dai suoi concittadini.
A me, lo ammetto senza vergogna, è scesa perfino una lacrimuccia. Una scoperta che mi ha conquistato e che, se non l’hai ancora visto, ti consiglio di recuperare!

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La stagione della Magia di Dungeons & Dragons, che segue quella dell’horror, ha inizio il 15 settembre 2026.

Ringrazio Wizards of the Coast per avermi spedito i materiali che hanno permesso la stesura di questo articolo.

Il Manuale Arcana Unleashed

Arcana Unleashed raggiunge gli scaffali dei negozi specializzati in inglese ed è stato pubblicato direttamente da Wizards of the Coast. Si tratta di un manuale interamente dedicato alla magia che permetterà di scoprire meglio questa tematica arcana ed è indirizzato alle giocatrici, ai giocatori e alle/ai dungeon master.

Sulla copertina dell’edizione standard, opera di Javier Charro, è raffigurata Alustriel Silverhand, figlia di Mystra, dea degli incantesimi e della magia, mentre sprigiona un incredibile potere magico.

Anche per questo volume, lo sfondo della costola va, partendo dall’alto, dal colore nero al rosso.

Le 160 pagine sono divise in un’introduzione, 6 capitoli, un’appendice e un indice delle regole.

L’introduzione, come ormai siamo abituati, spiega cosa troveremo nelle pagine successive. Il primo capitolo contiene delle opzioni di creazione del personaggio, con 8 sottoclassi (Arcana Domain per Chierico, Arcana Archer per Guerriero, Warrior of the Mystic Arts per Monaco, Vestige Patron per Warlock e, giustamente, 4 per Mago: Conjurer, Enchanter, Necromancer e Transumuter), 10 background e 29 talenti. 33 nuove magie sono descritte all’interno del capitolo 2 (5 di secondo livello, 2 di terzo, 3 di quarto, 7 di quinto, 1 di sesto, 5 di settimo, 5 di ottavo e 5 di nono). Il terzo capitolo, dedicato alle/ai DM, presenta delle linee guida per far sì che la magia diventi una parte centrale delle sessioni. Il capitolo 4 contiene nove organizzazioni che fanno della magia il loro punto di forza e che potranno aiutare od ostacolare il party. Il quinto capitolo ha al suo interno 47 nuovi oggetti magici da usare nelle sessioni e spiega come farli evolvere. Il capitolo sei contiene archimaghi, NPC, mostri e villain per permettere alle/ai master di condire le avventure. Chiude l’opera un’appendice di 9 pagine con un’avventura – che coinvolge Venger – per personaggi di primo livello.

Il prezzo di copertina di Arcana Unleashed è fissato a 49.99 dollari.

Il Manuale Arcana Unleashed: Deadfall

Arcana Unleashed: Deadfall è un volume dedicato alle/ai Dungeon Master, contiene un’avvincente avventura per personaggi che partiranno all’undicesimo livello per finire al ventesimo.

L’illustrazione di copertina dell’edizione standard è di Johan Grenier e raffigura Szass Tam, potentissimo mago rosso, mentre scatena addosso a degli eroi un’orda di non morti.

Anche per questo prodotto, lo sfondo della costola sfuma, partendo dall’alto, dal colore nero al rosso.

L’opera è composta da 128 pagine suddivise in un’introduzione, 7 capitoli e due appendici.

L’introduzione spiega come usare il libro, il setting e come iniziare l’avventura, il primo capitolo è un atlante geografico, molto dettagliato, di Thay, il teatro dell’avventura che si trova nei Forgotten Realms. Il secondo capitolo spiega cosa succederà all’interno di Operation Deadfall, la missione che vedrà coinvolto il vostro party. I capitoli dal terzo al settimo descrivono l’operazione nello specifico. La prima appendice, descrive 14 nuovi oggetti magici, la seconda è un bestiario che presenta nuovi nemici e PNG.

Il prezzo di copertina di Arcana Unleashed: Deadfall è di 29.99 dollari.

Arcana Unleashed: Map Pack

Concludo, a titolo informativo perché non ho avuto modo di vedere il prodotto, descrivendo ciò che troverai nel Map Pack: 5 mappe double face e vari token che riproducono mostri, trappole e oggetti arcani. Tutto questo viene proposto a 24.99 dollari.

Impressioni

Questa seconda stagione, realizzata sotto la guida della Game Designer Amanda Hamon, conferma ciò che avevo già scritto in occasione dell’articolo sul materiale dedicato a Ravenloft: l’esperimento di rilasciare volumi tematici funziona e permette di approfondire un argomento in maniera esaustiva.

Non ho mai subito il fascino della magia, escludendo ovviamente gli oggetti magici, ma la lettura di Arcana Unleashed si è rivelata interessante fornendomi tanti spunti per le mie campagne e mi ha dato parecchie idee nuove per qualche personaggio che vorrei ruolare quanto prima.

Entrambi i manuali, come sempre, sono ottimamente illustrati e perfettamente leggibili grazie ai font utilizzati e alle tabelle di facile consultazione. Ciò che ho apprezzato maggiormente di Arcana Unleashed sono le note di Alustriel Silverhand, presenti in alcune pagine, perché forniscono un tocco di colore all’opera, insieme all’avventura finale che aiuta le/i dm a mettersi in gioco e a mettere in pratica alcune delle nozioni che hanno appreso.

Arcana Unleashed: Deadfall è un’avventura intrigante che deve essere gestita bene, poiché i personaggi del party che la affronta saranno molto forti, dato che partono dall’undicesimo livello per arrivare al ventesimo. Il libro si apre con due capitoli che introducono molto bene la storia e quelli successivi hanno un immediato specchietto che riassume il livello dei personaggi del party che affronteranno le varie vicende e in quante sessioni dovrebbero portarle a termine.

Mi sento di promuovere la stagione della Magia e di consigliarvela se amate tutto ciò che è arcano o, semplicemente, D&D e vi piace il completismo. C’è tanto da leggere che aiuterà a rendere le vostre sessioni più magiche.

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Nerdando in breve

Arcana Unleashed e la stagione della Magia forniscono nuovi strumenti arcani a master e player per divertirsi, ancora una volta, con D&D.

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Comix and Wrestling

Il fine settimana appena trascorso Tencar e io siamo stati al Pescara Comix, di stanza al Pala Dean Martin di Montesilvano dall’11 al 13 settembre 206.
La XIII edizione ha preso il nome di Age of Heroes e sono stati moltissimi gli eventi e le attrattive nel corso della tre giorni abruzzese.

Tra gli appuntamenti del programma della giornata di sabato 12 settembre, abbiamo scelto di non lasciarci sfuggire la Royal Rumble di wrestling prevista nell’apposito ring allestito nell’area esterna della fiera.
Se ci segui da un po’ lo sai, Tencar è un grande appassionato di Wrestling. Io lo seguo di tanto in tanto ma, finora, non avevo mai assistito a un evento dal vivo: quale occasione migliore di questa, quindi, per scoprire il panorama del wrestling italiano?

30 contendenti, un solo vincitore

Organizzata in collaborazione con la FIW, Federazione Italiana Wrestling, la Royal Rumble ha visto ben 30 lottatori e lottatrici contendersi la vittoria, in uno spettacolo ricco di emozioni, colpi di scena e sorprese.
Ho apprezzato la presenza di figure femminile, rappresentate al meglio dalla istrionica Camilla e dall’idolo di casa Miss Monica, lottatrice abruzzese che, non a caso, ha avuto i favori del pubblico per tutto il tempo di permanenza sul ring.

Abbiamo trovato posto proprio nei pressi del tappeto di ingresso al ring: abbiamo così potuto gustarci appieno le entrate dei contendenti, tutte di grande effetto.
L’occasione mi ha permesso di scoprire un panorama di altissimo livello. Ogni personaggio era studiato nei minimi dettagli e la competenza tecnica di tutti era di altissimo livello. La competizione, infatti, ci ha permesso di scoprire wrestler davvero bravissimi, sia per quanto riguarda l’esecuzione tecnica che per l’interpretazione.

L’idolo del pubblico

Fin dall’inizio, comunque, il pubblico pescarese è stato tutto dalla parte di Violenzo, il primo a salire sul ring. Dopo quasi due ore di lotta in cui si sono susseguiti ingressi e clamorose uscite di scena, la sfida è diventata a due proprio tra Violenzo e l’amatissimo Fabio Ferrari. Due autentiche leggende, che hanno dato vita a un finale all’insegna del rispetto e della tecnica. A prevalere alla fine, per la gioia del pubblico, proprio Violenzo, in un simbolico passaggio di testimone tra le due icone del settore.

Un’esperienza unica ed emozionante, che mi ha fatto scoprire un settore e che mi ha convinto che, probabilmente, questa Royal Rumble sarà solo il primo degli eventi di wrestling cui assisterò dal vivo!

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Ci stiamo avvicinando inesorabilmente (o forse dovrei dire ineluttabilmente?) all’arrivo nelle sale cinematografiche di Avengers: Doomsday, il nuovo gigantesco appuntamento del Marvel Cinematic Universe dedicato agli Avengers.

E di Doomsday, diciamolo, abbiamo già sentito parlare parecchio. Tra annunci, teaser, trailer, ritorni più o meno improbabili e notizie bomba che personalmente avrei preferito scoprire direttamente al cinema invece che mesi prima, Marvel ha deciso di prepararci con largo anticipo. Pensate soltanto a Robert Downey Jr.: non sarebbe stato meraviglioso entrare in sala senza sapere nulla e scoprire lì, davanti allo schermo, che il volto di Tony Stark era diventato quello di Victor Von Doom? Io probabilmente sarei morta sul posto, ma almeno sarei morta felice.

Avengers: Doomsday sarà il quinto film degli Avengers e addirittura il 39º film del Marvel Cinematic Universe, quel piccolo esperimento cinematografico iniziato nel lontano 2008 con Iron Man e trasformatosi nel frattempo in un mostro tentacolare composto da film, serie TV, speciali, universi paralleli, linee temporali, mutanti, dei, stregoni e gente che dovrebbe essere morta ma evidentemente aveva altri impegni.

Siamo ormai nella Fase 6, verso la conclusione della cosiddetta Multiverse Saga, e Doomsday farà da gigantesco preludio ad Avengers: Secret Wars, previsto per il 2027.

A questo punto qualcuno potrebbe avere una domanda perfettamente ragionevole: ma per vedere Doomsday devo davvero recuperare diciotto anni di MCU?

La risposta ufficiale da vera fan Marvel è ovviamente solo una: sì. TUTTO.

I film, le serie, gli speciali, le scene post-credit. Se un personaggio è comparso per sette secondi in fondo a un episodio di una serie del 2021, tu devi sapere chi è, cosa vuole e possibilmente anche il gruppo sanguigno.

La risposta destinata invece alle persone che conducono una vita normale è: tranquillo. Puoi arrivare preparato a Doomsday anche senza rinchiuderti in casa per quattro mesi con Disney+ acceso ventiquattr’ore al giorno.

Se poi sei tra quelli che vogliono fare le cose per bene e guardare tutto il Marvel Cinematic Universe in ordine cronologico, ho già pensato anche a te: trovi QUI il mio articolo con la timeline completa di film e serie.

Qui ci occuperemo invece della lista di sopravvivenza: cosa bisogna davvero recuperare per capire la situazione da cui parte Avengers: Doomsday, conoscere i personaggi che abbiamo visto nei trailer e non passare metà film a sussurrare alla persona accanto «scusa, ma questo chi è?».

E soprattutto niente spoiler su Doomsday, per l’ottima ragione che il film deve ancora uscire mentre scrivo questo articolo. Tutto quello di cui parleremo deriva esclusivamente dai film e dalle serie già pubblicati e dal materiale promozionale ufficiale mostrato finora.

Prima di tutto: cosa sta succedendo nell’MCU?

Per capire Doomsday bisogna partire da un concetto fondamentale: il Multiverso è nei guai.

Una volta sconfitto Thanos e conclusa la Infinity Saga con Avengers: Endgame, l’MCU ha cominciato ad allargare sempre di più i propri confini. Realtà alternative, varianti dello stesso personaggio e universi che fino a pochi anni fa appartenevano a saghe cinematografiche completamente separate sono entrati progressivamente nella stessa storia.

Ed eccoci quindi a Doomsday, la cui sinossi ufficiale parla esplicitamente di eroi provenienti da tre universi distinti destinati a trovarsi su una rotta di collisione.

Loki, stagioni 1 e 2

Da vedere? Sì!

Se dovessi indicare una sola serie indispensabile per capire come siamo arrivati al caos multiversale attuale, sceglierei sicuramente Loki.

Qui vengono introdotte e sviluppate la TVA, le ramificazioni della Sacra Linea Temporale, le varianti e buona parte delle regole con cui l’MCU ha costruito il proprio Multiverso. La seconda stagione, soprattutto, ci lascia Loki in una posizione decisamente importante per tutto ciò che riguarda le diverse linee temporali.

E considerando che Tom Hiddleston è ufficialmente in Doomsday, direi che sapere dove avevamo lasciato il Dio dell’Inganno potrebbe essere una buona idea.

Doctor Strange nel Multiverso della Follia

Da vedere? Sì, decisamente

Se Loki ci ha spiegato che esistono moltissime realtà, Doctor Strange nel Multiverso della Follia ci ha insegnato una cosa ancora più rassicurante: quelle realtà possono anche schiantarsi l’una contro l’altra.

È qui che entra in gioco il concetto di incursione, cioè la collisione tra due universi che può portare alla distruzione di uno o di entrambi. Tieni a mente questa parola, perché quando un film viene presentato parlando di «universi in rotta di collisione» potrebbe tornare utile.

Deadpool & Wolverine

Da vedere!

Qui Marvel smette praticamente di bussare alla porta dei vecchi universi cinematografici e la sfonda direttamente.

Deadpool & Wolverine porta definitivamente dentro la Multiverse Saga personaggi provenienti dalle precedenti produzioni Marvel della Fox, gioca apertamente con universi differenti e TVA e, soprattutto, rende molto meno assurda la frase che qualche anno fa sarebbe sembrata una fanfiction: «Nel prossimo Avengers ci sono anche gli X-Men dei film degli anni Duemila».

I Fantastici 4: Gli inizi

Da vedere? Obbligatorio.

The Fantastic Four: First Steps introduce nell’MCU Reed Richards, Sue Storm, Johnny Storm e Ben Grimm, anche se lo fa all’interno della loro realtà, Terra-828, separata dall’universo principale (Terra-616) che abbiamo seguito finora.

Kevin Feige ha inoltre confermato che il film conduce direttamente a Doomsday e che proprio il nuovo Avengers metterà in contatto Fantastici Quattro, Avengers e X-Men.

Perciò sì: guardalo, e non dimenticare la scena post-credit.

Ok, ma chi devo conoscere?

Ed eccoci al momento in cui il cast di Doomsday comincia ad assomigliare all’elenco telefonico.

Il trailer ufficiale ci ha mostrato personaggi provenienti da praticamente ogni angolo della storia cinematografica Marvel. Per rendere la faccenda un minimo gestibile, dividiamoli per famiglie.

Gli Avengers: vecchi e nuovi

Thor

Da recuperare: i film degli Avengers, soprattutto Infinity War ed Endgame, e Thor: Love and Thunder.

Chris Hemsworth torna ancora una volta nei panni di Thor e uno dei teaser dedicati a Doomsday ci mostra chiaramente quanto sia cambiata la sua vita dopo Love and Thunder. Se sei fermo al Thor depresso con la birra in mano di Endgame, ti manca un pezzo.

Steve Rogers & Bucky Barnes

Da recuperare: come per Thor, i film degli Avengers e i film su Cap.

Chris Evans torna nei panni di Steve Rogers, e i trailer ci hanno già fatto capire che la situazione del vecchio Captain America merita qualche domanda.

Per sapere chi è e perché il suo ritorno ha fatto alzare contemporaneamente qualche milione di sopracciglia, l’essenziale rimane Captain America: The First Avenger, Captain America: Winter Soldier, Captain America: Civil War e soprattutto Avengers: Endgame.

Molto importante: in questi film viene introdotto anche un altro personaggio che ritroveremo in Doomsday, cioè Bucky Barnes: ti risparmio la visione della serie TV Falcon & The Winter Soldier, inutile in qualsiasi universo.

Sam Wilson / Captain America

Da vedere se proprio vuoi soffrire e buttare 2 ore di vita: Captain America: Brave New World

Il Captain America dell’MCU attuale è Sam Wilson, che ha raccolto ufficialmente lo scudo di Steve Rogers.

La serie The Falcon and the Winter Soldier racconta il percorso che lo porta ad accettare quel ruolo, mentre Brave New World è il primo film in cui lo vediamo pienamente operativo come Captain America e introduce anche Joaquin Torres come nuovo Falcon.

Se vuoi evitare di passare Doomsday chiedendoti perché ci siano apparentemente più Captain America nello stesso film, fai questo ripasso.

I New Avengers

Da vedere: Thunderbolts*

Questo è un altro dei titoli che metto senza esitazione nella lista dell’essenziale.

In Doomsday ritroveremo Yelena Belova, Bucky Barnes (vedi sopra), Red Guardian, Ghost, John Walker/U.S. Agent e Bob/Sentry, cioè buona parte della squadra che abbiamo lasciato alla fine di Thunderbolts*.

Il trailer ci mostra già Yelena in azione, addirittura alle prese con la mia adorata Mystica. Per Yelena, se vuoi conoscerla un po’ meglio, aggiungerei anche Black Widow e la serie Hawkeye. Ma se stai facendo il recupero espresso, Thunderbolts* rimane la tappa davvero fondamentale, Black Widow si può evitare (io lo cancellerei dalla memoria collettiva) mentre Hawkeye mi è piaciuto molto quindi può restare.

I Fantastici Quattro

Da vedere: The Fantastic Four: First Steps

Reed Richards/Mister Fantastic, Sue Storm/Invisible Woman, Johnny Storm/Human Torch e Ben Grimm/The Thing arrivano tutti in Doomsday, interpretati rispettivamente da Pedro Pascal, Vanessa Kirby, Joseph Quinn ed Ebon Moss-Bachrach.

Sono probabilmente il gruppo per cui il recupero è più facile: c’è un solo film da guardare e li presenta tutti insieme.

IMHO nonostante abbiamo potuto rivedere il caro vecchio Johnny Storm dei primissimi film sui F4 in Deadpool & Wolverine, dubito fortemente che ci potranno mai essere ulteriori rimandi a quell’universo, quindi puoi evitare di recuperarli.

Gli X-Men

Da vedere: solo 2 film sugli X-Men + Deadpool & Wolverine

Arriviamo alla mia parte preferita, i miei amatissssssimi X-Men.

Doomsday riporta sullo schermo parecchi degli attori della saga degli X-Men della Fox: Patrick Stewart come Professor X, Ian McKellen come Magneto, James Marsden come Ciclope, Rebecca Romijn come Mystica, Alan Cumming come Nightcrawler e Kelsey Grammer come Bestia.

A loro si aggiunge il Gambit di Channing Tatum, che abbiamo conosciuto in Deadpool & Wolverine.

Suggerisco di recuperare solo ed esclusivamente X-Men del 2000 e X2 del 2003. Perché non invece tutti gli altri? Prima di tutto perché i film “flashback” come Days of future past sono carini ma non sono assolutamente utili per Doomsday, ma poi perché nel trailer di Doomsday appunto vediamo Ciclope, e cosa succede a Ciclope all’inizio di X-Men: Conflitto finale?? Beh, viene svampato! Quindi se invece nel trailer è ancora vivo direi che gli eventi si svolgono necessariamente prima di quel momento [ndr: non lamentarti che ti ho fatto uno spoiler di un film di 20 anni fa, please]. Va bene, Bestia viene introdotto nel terzo film, ma sorvoliamo su questi dettagli e facciamo finta di conoscerlo già da prima.

Deadpool & Wolverine completa poi il passaggio verso la situazione multiversale attuale e presenta il Gambit che vedremo in Doomsday.

Shang-Chi

Da vedere: Shang-Chi e la leggenda dei Dieci Anelli

Simu Liu torna finalmente come Shang-Chi dopo essere stato introdotto nel 2021 e poi lasciato ad aspettare pazientemente che qualcuno a parte me si ricordasse di lui.

Il suo film è sufficiente per conoscere il personaggio, Katy, la sua famiglia e soprattutto i misteriosi Dieci Anelli, sulla cui origine il finale aveva lasciato un grosso punto interrogativo.

Il trailer di Doomsday lo mostra addirittura scontrarsi con Gambit. Nessuno di noi sa ancora perché, ma è bello sapere che dopo cinque anni qualcuno ha finalmente ritrovato il suo numero di telefono.

Black Panther e Namor

Da vedere: Black Panther: Wakanda Forever

Il trailer conferma la presenza di Shuri/Black Panther, M’Baku, Namor e Namora, quindi Wakanda Forever è tutto ciò che ti serve per capire i rapporti tra questi personaggi e la situazione politica lasciata dopo la morte di T’Challa.

Ant-Man e Cassie

Da vedere, se hai tempo da sprecare: Ant-Man and the Wasp: Quantumania

Paul Rudd torna come Scott Lang insieme a Kathryn Newton nei panni di Cassie.

Se conosci già Ant-Man dagli Avengers, per Doomsday può bastare un ripasso di Ant-Man and the Wasp: Quantumania, soprattutto per ritrovare Cassie ormai adulta e avere qualche riferimento in più alla fase multiversale dell’MCU.

Qui però farei una distinzione: non lo considero indispensabile quanto Loki, Thunderbolts* o Fantastic Four. Se hai poco tempo puoi tranquillamente lasciarlo nella pila del «se riesco».

I grandi assenti

E poi ci sono loro: quelli che non abbiamo visto nei trailer, almeno per ora.

Dalla formazione mostrata ufficialmente mancano infatti alcuni nomi che sarebbe stato quasi automatico aspettarsi in un film di queste dimensioni.

Spider-Man

Tom Holland non compare nel cast ufficialmente annunciato e non è presente nel trailer, nonostante Spider-Man: Brand New Day esca pochi mesi prima di Doomsday.

Il che può voler dire tutto oppure assolutamente niente, soprattutto considerando la scena post credit appunto di Spider-Man: Brand New Day, che secondo me significa una certa cosa che però non dirò.

Doctor Strange

Anche Stephen Strange è assente dal materiale mostrato finora, cosa piuttosto curiosa considerando che è uno dei personaggi che ha avuto più direttamente a che fare con Multiverso e incursioni.

Benedict Cumberbatch ha inoltre contribuito negli anni a rendere la faccenda ancora meno chiara con dichiarazioni apparentemente contraddittorie sulla sua presenza.

Ho delle succosissime teorie sia su di lui che su Wanda Maximoff che su Clea ma anche queste le terrò per me.

Captain Marvel

Niente Carol Danvers nel trailer e niente Brie Larson nel cast ufficiale annunciato finora.

La sua assenza è particolarmente curiosa perché The Marvels si conclude con un collegamento molto evidente a una realtà alternativa legata agli X-Men.

Resta da capire se quel filo verrà ripreso in Doomsday, in Secret Wars o altrove. O mai.

Deadpool e Wolverine

Dopo aver passato un intero film a spalancare le porte tra l’MCU e l’universo Fox, né Ryan Reynolds né Hugh Jackman fanno parte del cast ufficialmente annunciato.

Ci credo? Assolutamente no. Posso dimostrare che ci saranno? Assolutamente no.

Quindi, fino a quando Marvel non deciderà di rovinarmi anche questa eventuale sorpresa con un trailer, rimangono nella mia personale categoria «nessuna conferma, ma vi tengo d’occhio».

La lista dell’essenziale per chi ha poco tempo

Dunque: hai deciso di andare a vedere Doomsday, hai saltato metà MCU negli ultimi anni e improvvisamente ti sei accorto che nel trailer ci sono circa quarantadue persone che non riconosci. Niente panico.

Se dovessi costruire una maratona ridotta all’osso, io recupererei questi:

1. X-Men
2. X2
3. Avengers
4. Avengers: Age of Ultron
5. Avengers: Infinity War
6. Avengers: Endgame
7. Loki, stagioni 1 e 2
8. Shang-Chi e la leggenda dei 10 anelli
9. Doctor Strange nel Multiverso della Follia
10. Black Panther: Wakanda Forever
11. Deadpool & Wolverine
12. Thunderbolts*
13. The Fantastic Four: First Steps
14. Spider-Man: Brand New Day

A questo punto non mi resta che augurarti buona avventura nel recupero: hai ancora qualche mese per metterti in pari, ripassare chi è morto, chi è tornato, chi viene da un altro universo e chi probabilmente tornerà anche se Marvel giura di no. Ci vediamo a dicembre al cinema per Avengers: Doomsday.

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Recensione

Il mio rapporto con Assassination Classroom parte dalla carta. Il manga di Yūsei Matsui l’ho amato, ed è uno di quei titoli che ti fregano: lo apri aspettandoti una commedia demenziale su una classe di ragazzini che deve ammazzare un polpo giallo sorridente e lo chiudi con il groppo in gola. Anche il live action di qualche anno fa mi era piaciuto, per quanto l’abbia visto nelle condizioni meno cinematografiche possibili, ossia sullo schermetto di un aereo durante un volo intercontinentale. Dieci anni dopo la fine della serie, la 3-E torna al cinema con L’ora di tutti noi, lungometraggio inedito diretto da Masaki Kitamura, scritto da Makoto Uezu e animato ancora una volta dallo studio Lerche, che Eagle Pictures e Yamato Video portano in Italia come evento speciale il 14, 15 e 16 settembre. Ringrazio Eagle Pictures che ci ha invitato all’anteprima di questa nuova serie di avventure della 3-E.

Trama

Partiamo dalla domanda che si fanno tutti: che cos’è questo film? Un riassunto della serie? Un sequel? Dunque, L’ora di tutti noi prende gli episodi del manga che l’anime televisivo aveva dovuto saltare per questioni di minutaggio e li anima da zero, montandoli dentro una cornice ambientata a quindici giorni dalla scadenza, quando il conto alla rovescia verso il diploma e verso la fine di Korosensei è ormai una presenza fissa nella testa di tutti gli alunni. Matsui in persona ha tenuto a precisare che non si tratta di un’operazione celebrativa per il decennale ma di materiale che appartiene alla storia principale, che infatti abbiamo potuto leggere nel corso della serie.

Il risultato è un film costruito a blocchi. C’è la parte più smaccatamente comica, quella in cui la classe si accanisce sul professore con l’entusiasmo suicida che ben conosciamo e in cui Sugaya e Kataoka trovano finalmente lo spazio che la serie non aveva potuto concedergli e ci sono le vacanze invernali con un segmento più lungo e più costruito centrato su Korosensei, con un vero arco narrativo e un finale che chiude il cerchio. In mezzo, il collante: la 3-E che parla, si prende in giro, si organizza, e intanto conta i giorni.

Una cosa la si può dire già adesso: il film presuppone che tu sappia chi sono queste persone. Non c’è una riproposizione delle premesse, non c’è un ripasso, si entra in classe come se non ne fossimo mai usciti. È una scelta coerente e per chi il manga l’ha letto è quasi un regalo, ma pone un problema di accessibilità che non si può totalmente ignorare.

Cast

Il primo motivo per cui L’ora di tutti noi funziona è che nessuno ha cambiato voce. In Italia il doppiaggio è diretto da Luca Ghignone, con Paolo De Santis su Korosensei e con tutte le altre voci dei personaggi che continuano sulla traccia iniziata tanti anni fa. Come al solito, in Italia siamo davvero bravi col doppiaggio, e il buon De Santis fa davvero tantissimo per l’ottima riuscita di Korosensei, a volte anche un po’ sopra le righe, ma è il giusto tributo a un personaggio folle e profondo come il nostro professore preferito.

Sul fronte tecnico, la regia di Kitamura e il character design di Aya Higami mantengono la continuità visiva con la serie televisiva, e qui c’è un discorso da fare. È una scelta che protegge l’identità dell’opera, perché un restyling avrebbe spezzato l’illusione del ritorno in classe, ma è anche una scelta che rinuncia a qualsiasi ambizione propriamente cinematografica: chi si aspetta il salto di qualità produttivo che di solito accompagna il passaggio al lungometraggio non lo troverà. Ma alla fine, non è che era così necessario, viste le premesse.

Anche in questo caso, quindi, è tutto “al proprio posto“: l’aula, i comprimari (fra tutti la mitica Bitch-sensei, protagonista di un momento molto simpatico), gli alunni della 3-E e anche altri studenti e “professionisti” che gravitano attorno al mondo di Korosensei.

Concludendo

Assassination Classroom: L’ora di tutti noi è un gradito ritorno tra i banchi della 3-E. Alto tasso di comicità, quella tipica di quest’opera, con un po’ di nostalgia e un po’ di “buoni sentimenti” che in fondo non guastano. Il film è realizzato bene, doppiato benissimo, e sono certo che sarà apprezzato dal fandom della serie.

Resta il fatto che questo è un film per chi c’era. Se hai letto il manga o seguito le due stagioni animate, L’ora di tutti noi è esattamente quello che promette, un’ora e mezza passata di nuovo dentro quell’aula sulla collina con gente a cui hai voluto bene, con l’aggiunta non trascurabile di pagine che non avevi mai visto in movimento. Se invece Assassination Classroom non l’hai mai frequentato, questo non è il posto da cui cominciare: il film non spiega niente, non ripassa niente e dà per scontato un decennio di affetto accumulato. Bene, ma non per tutti: se sei un fan, allora il mio bollino diventa dorato all’istante.

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Nerdando in breve

Assassination Classroom: L’ora di tutti noi ci riporta dopo tanti anni all’interno della 3-E, mostrandoci dei momenti che la serie animata non aveva potuto raccontare sul piccolo schermo, ma rivolgendosi esclusivamente a chi sa già tutto.

Trailer

L'articolo Assassination Classroom: L’ora di tutti noi – Un ritorno nella 3-E proviene da Nerdando.

In passato ti ho parlato di diverse tipologie di cartucce Evercade, da quelle che contengono una gran moltitudine di titoli, a quelle dual-cartridge. In alcune rare occasioni ci si può imbattere però in quelle che vengono chiamate single-cartridge: cartucce che contengono un solo gioco. Ricevere un trattamento simile da parte di Blaze Entertainment è quasi una garanzia di qualità, come a voler gridare a piena voce che quel particolare gioco è così ben progettato che non ha bisogno di essere inserito in una selezione. La mia prima esperienza con questa tipologia di pubblicazioni è avvenuta nelle scorse settimane, dove mi sono divertito come un matto giocando a Roguecraft DX. Il titolo sviluppato da Badger Punch Games è un’assoluta gemma modern-retro, una cartuccia must-have al pari di Goodboy Galaxy & Witch n’ Wiz. Evercade: Roguecraft DX, pur essendo una single-cartridge (o single-game-catridge), farà la gioia degli appassionati di roguelike dungeon crawler retro-style.

Recensione

La cartuccia Roguecraft DX è stata pubblicata meno di un anno fa, nell’Agosto 2025. È la numero 9 della “collezione blu”, quella dedicata al mondo home computer.

Ho terminato svariate run (molte delle quali senza successo) di Roguecraft DX e me lo sono goduto un po’ su tutte le console Evercade che posseggo, ma in particolare su VS-R. Come sempre, vale la pena ricordare che le cartucce in questione sono compatibili con i sistemi Evercade (Alpha, EXP-R, VS-R) e il Super Pocket di HyperMegaTech!.

In ogni recensione, ti consiglio di dare un’occhiata al libretto allegato nelle confezioni Evercade. La raccomandazione vale doppio per Roguecraft DX, che vanta un booklet particolarmente sostanzioso da cui ho estrapolato tante nozioni interessanti, incluse in questo articolo. Qui invece trovi la pagina dedicata sul sito ufficiale Evercade.

Lo sviluppo di Roguecraft DX

La storia di Roguecraft inizia nel dicembre del 2020, quando il publisher Bitmap Soft organizzò un evento di beneficenza. Il tema dell’evento fu ribattezzato “Cassette 50”, una selezione di 50 giochi che potessero girare su home-computer 8-bit del 1983. Il compito degli sviluppatori che vi parteciparono non fu semplice. D’altronde, con un hardware così limitato e uno spazio di appena 4 kilobytes, non riesco nemmeno a immaginare come si possa creare qualcosa di appetibile ancora oggi.

Lo sviluppatore Badger Punch Games portò Rogue4K, un nome che sicuramente ti dirà qualcosa se segui questa particolare tipologia di pubblicazioni ludiche. In ogni caso, in Rogue4K si possono intravedere le basi per quello che poi diventerà Roguecraft DX. Seguì poi Rogue64, altro nome che gli appassionati Evercade conoscono da tempo e che è stato inserito come gioco segreto nelle console Evercade come EXP-R e VS-R.

Lo sviluppo di Roguecraft però iniziò solo nel 2022 e, anche in questo caso, il videogame fu rivelato a un altro evento che richiamava sviluppatori modern-retro chiamato AmiGameJam. Dopo il rilascio di alcune demo e dei conseguenti feedback della community, Badger Punch Games pubblicò ufficialmente il gioco nel settembre 2024. Nel 2025 Roguecraft ricevette il prestigioso Retro World Award ai Debug Indie Game Awards, consolidando il suo status di gemma assoluta del mondo Amiga. La versione per Evercade, ribattezzata appunto Roguecraft DX, aggiunge diverse feature, tra cui una grafica migliorata, una colonna sonora più ricca e un gameplay rifinito.

Gameplay

Anno: Roguecraft 2024, Roguecraft DX 2025 – Sviluppatore: Badger Punch Games – Genere: Isometric Roguelike / Dungeon Crawler RPG – Player: 1
Piattaforme originali: Roguecraft – Amiga 500
Disponibile su piattaforme contemporanee: sì, Roguecraft su itch.io – Versione di Roguecraft DX su Steam

La virtù più emblematica di Roguecraft DX è, probabilmente, la sua innata immediatezza. Attenzione: non sto dicendo che il gioco sia facile, ma per giocarlo non sono necessarie chissà quali doti manuali o mnemoniche. Questo RPG si gioca letteralmente solo con le direzioni. È vero che c’è un inventario da gestire, ma quest’ultimo è minuscolo e sempre su schermo.

Con il d-pad si sposta il proprio eroe (potrai sceglierne uno tra i 3 proposti) e, per attaccare i nemici, basterà andargli incontro. Credimi, in queste poche parole ti ho spiegato tutti i comandi necessari per giocare a Roguecraft DX. Immediatezza a parte, ti basterà davvero una partita per intuire la bontà del game design, il divertimento offerto dal core loop e la profondità strategica.

Lo scopo di ogni livello è quello di sopravvivere (ovviamente) e di trovare la botola che fa scendere a quello successivo. Ogni quadro, generato proceduralmente, è disseminato di nemici molto aggressivi (e, non chiedermi perché, di polli altrettanto antipatici) i quali droppano randomicamente dei potenziamenti. Nel corso di una run si possono migliorare la propria vita e la potenza del proprio attacco, oltre che raccogliere pozioni che presentano effetti diversi a ogni partita. La sopravvivenza passa per la tua abilità nel gestire questi pochi elementi e, fidati, arrivare in fondo non è per nulla una passeggiata. Le partite a Roguecraft DX sono pensate per durare 30/40 minuti ma, magicamente, mi sono ritrovato a spendere ore, sia in portatile che su VS-R, su questo piccolo gioiello.

Comparto artistico

La visuale di gioco è splendidamente isometrica. Senz’altro causa qualche grattacapo iniziale ma, dopo un po’, la memoria muscolare ti aiuterà ad associare le direzioni del D-Pad al movimento dell’eroe. Seppur il comparto tecnico sia quello di un videogame modern-retro, le ambientazioni sono ottimamente caratterizzate e dense di un immaginario estetico fortemente Lovecraftiano.

Anche la qualità della colonna sonora si allinea a quella generale del comparto visuale. Tra l’altro, si può mutare completamente la musica di sottofondo semplicemente premendo il tasto dorsale; funzione utile se preferisci ascoltare altro mentre giochi.
Come dicevo, ho testato il gioco su tutte e 3 le piattaforme ad oggi acquistabili firmate Evercade. Roguecraft DX brilla su ognuna di esse, configurandosi anche come un’ottima scelta sul Super Pocket di HyperMegaTech!. Faccio notare, però, che sulla più economica delle console compatibili con cartucce Evercade, non è presente la funzione di “sospensione” che permette di riprendere una partita interrotta.

Versione e prezzi

Nel momento in cui scrivo, ovviamente la cartuccia Evercade Roguecraft DX non è in stato “Legacy”. Ti ricordo, qualora te ne fossi dimenticato, che questo è il gergo che Evercade usa per indicare le cartucce non più in produzione. In Italia è acquistabile sia su Amazon che su Funstock. Il prezzo ufficiale è di 25 €, ma per qualche ragione questa single-game-cartridge è piuttosto rara. Non posso dirlo con assoluta certezza ma, probabilmente, il fatto che sia un videogame così tanto amato dalla community aiuta a renderlo più richiesto e quindi più difficile da trovare.

Roguecraft DX è disponibile, dal 10 settembre 2026, anche su Steam e Tencar lo ha testato, grazie a una copia ricevuta dagli sviluppatori. Il suo giudizio è estremamente positivo: la prova è andata bene su PC e benissimo su Steam Deck.

Concludendo

Un videogame come Roguecraft DX, così immediato, divertente e strategicamente profondo, merita senz’altro di essere inserito in una cartuccia Evercade single-game-cartridge. Basta davvero poco per innamorarsi di questo roguelike RPG e ritengo che rappresenti, da solo, un ottimo motivo per entrare nel mondo Evercade. Il mio consiglio è quello di accaparrarti questa cartuccia o di procurartelo su Steam/itch.io, indipendentemente dal tuo genere di preferenza.

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Nerdando in breve

Evercade Roguecraft DX è una single-single-cartridge contenente un fantastico videogame Roguelike / Dungeon Crawler RPG.

Trailer

L'articolo Roguecraft DX – La gioia degli appassionati di Roguelike Dungeon Crawler retro-style proviene da Nerdando.