Signore e signori, John Carpenter!

Per gli appassionati di cinema c’è un nome che rientra a pieno titolo tra i grandi: quello di John Carpenter. Autore di pellicole culto come Halloween – La notte delle streghe, Fuga da New York, Grosso guaio a Chinatown, Essi vivono, Il seme della follia, giusto per citarne alcuni, Carpenter ha saputo imprimere un timbro unico alla cinematografia e lo ha fatto anche e soprattutto con il film che oggi spegne ben 40 candeline: La Cosa.

Uscito nel 1982 e interpretato da Kurt Russell, La Cosa mescola sapientemente horror e fantascienza, ispirandosi liberamente al racconto del 1938 La cosa da un altro mondo, già trasposto al cinema nel 1951 nel film omonimo diretto da Howard Hawks.
Per festeggiare il 40° anniversario de La Cosa, dunque, abbiamo pensato di raccontarvi alcune curiosità sul film!

Un successo…lento

Nonostante oggi sia considerato un film di culto, La Cosa si rivelò un gigantesco flop nel 1982. Probabilmente, a decretarne l’insuccesso fu più di un fattore: nello stesso anno era uscito E.T., che aveva messo in evidenza un immaginario sugli alieni concepiti come amichevoli e positivi, decisamente lontano da quello portato invece in scena da Carpenter. Inoltre nel 1951 era già uscito il film di Hawks: in molti, all’uscita di La Cosa, lo liquidarono come un banale remake, non concedendo al film l’attenzione che invece avrebbe meritato.

Gli incassi si rivelarono deludenti e anche la critica lo bollò come “sciocco” o “deprimente”. È un vero peccato, perché invece La Cosa è un film incredibile, angosciante e dal ritmo serrato. Il tempo comunque, come succede in molti casi, è stato galantuomo: negli anni La Cosa è stato rivalutato molto positivamente, assurgendo al rango di cult movie per eccellenza.
Una bella rivincita per John Carpenter, che lo ha sempre indicato come il suo preferito tra i film che ha girato.

Colonna sonora

John Carpenter ha l’abitudine di occuparsi personalmente della colonna sonora dei suoi film: lo aveva fatto, ad esempio, in Halloween – La notte delle streghe, dando vita a sonorità uniche e identificative del suo cinema.
Per La Cosa, invece, desiderava un approccio più “europeo”: decise quindi di affidarsi a quello che oggi viene universalmente riconosciuto come uno dei più grandi registi di tutti i tempi, Ennio Morricone.

Per La Cosa, Morricone cerò di avvicinarsi il più possibile allo stile del regista: è così che la colonna sonora dà grande spazio a sonorità elettroniche, in pieno stile Carpenter. Purtroppo per il grande compositore italiano, il suo lavoro gli fruttò quell’anno una nomination ai Razzie Awards. Quell’anno Ennio Morricone fu candidato nella stessa categoria anche per Butterfly – Il sapore del peccato. A vincere, comunque, fu Kit Hain per Il film pirata.

Effetti speciali

Grande importanza in La Cosa rivestono gli effetti speciali, curati da Rob Bottin, già collaboratore di Carpenter per The Fog. Le tecniche utilizzate per il film spaziavano moltissimo: animatronic, animazione a passo uno (in realtà non particolarmente amata dal regista) e perfino una grande dose di inventiva.
Per dare vita ai tentacoli presenti in una scena, infatti, furono usate delle fruste manovrate a mano dallo stesso Bottin; gran parte dei materiali necessari per le scene più splatter era costituito invece da chewing gum riscaldati, crema di mais, marmellata, gelatina e altri cibi addensati.

Inoltre, Kurt Russell si trovò coinvolto in una scena decisamente più esplosiva del previsto: nella sequenza in cui utilizza della dinamite, infatti, l’attore non aveva previsto la forza dell’esplosione, rimanendo leggermente ferito e regalando un’interpretazione assolutamente genuina.

Spoiler… norvegesi

Chi ha già visto La Cosa, ricorderà bene come all’inizio della pellicola si senta una frase in norvegese. Sebbene alla maggior parte degli spettatori risulti incomprensibile, si tratta di uno spoiler perfettamente udibile da parte dei parlanti norvegesi, dato che recita: “Non è un cane, è una specie di Cosa!”.

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L’evento

È stata un’edizione turbolenta quella dei David di Donatello 2021: posticipata causa covid, anticipata dalle polemiche sollevate da Gabriele Muccino (che, giura, non concorrerà mai più con un suo film né entrerà a far parte della giuria), modificata nel regolamento per poter ammettere in gara anche le pellicole uscite direttamente in streaming (con le sale cinematografiche chiuse per gran parte dell’anno, si rischiava di gareggiare solamente con due o tre titoli).

La cerimonia di premiazione dei riconoscimenti assegnati dall’Accademia del Cinema Italiano si è svolta a Roma l’11 maggio 2021. L’edizione numero 66 è stata trasmessa in diretta su Rai 1 con la conduzione di Carlo Conti e si è aperta con un’incursione nel Teatro dell’Opera di Roma per l’esibizione di Laura Pausini, fresca candidata agli Oscar con Io sì, dalla colonna sonora di La vita davanti a sé e candidata anche ai David.

Proprio dal Teatro dell’Opera di Roma è stato trasmesso l’omaggio al Maestro Ennio Morricone, vincitore di ben 10 David di Donatello. Per l’occasione, l’orchestra diretta dal figlio Andrea Morricone ha eseguito il tema di Nuovo Cinema Paradiso e a seguire altre composizioni immortali del grandissimo musicista.
Non poteva mancare, naturalmente, un omaggio al compianto Gigi Proietti: a introdurlo, Enrico Brignano per un applauso sincero e commosso da parte dei protagonisti presenti alla cerimonia.

Grandissimo successo per Volevo nascondermi: il film su Antonio Ligabue, che aveva fatto il pieno di candidature, riceve ben 7 statuette. Grande delusione invece per Favolacce e Hammamet, che restano invece a bocca asciutta o quasi.

Miglior film e miglior produttore

Era una partita apertissima quella per il miglior film, anche se l’andamento generale dei David di quest’anno lasciava immaginare chi avrebbe portato a casa la vittoria. E infatti non ci sono state sorprese: il miglior film dell’edizione numero 66 dei David di Donatello è Volevo nascondermi.

Categoria fondamentale quella del miglior produttore, che ha visto vincitori Marta Donzelli e Gregorio Paonessa per Vivo Film con Rai Cinema per Miss Marx. I due produttori hanno ritirato il premio anche a nome dei colleghi Joseph Rouschop e Valerie Bournoville per Tarantula Belgique.

Regia e sceneggiatura

Sguardo ai giovani nella categoria miglior regista esordiente: non ci sono troppe sorprese e la statuetta se la porta a casa Pietro Castellitto per il suo I predatori.

Per quanto riguarda la scrittura, il premio per la migliore sceneggiatura originale è andato a Mattia Torre per il film Figli.
Per la sceneggiatura adattata a incassare il premio sono invece Marco Pettenello e Gianni Di Gregorio per Lontano lontano.

Gara aperta tra grandi nomi e nuovi protagonisti nella categoria miglior regista: a prevalere, alla fine, è Giorgio Diritti per Volevo nascondermi, che batte la concorrenza di Fabio e Damiano D’Innocenzo, Gianni Amelio, Emma Dante e Susanna Nicchiarelli.

Attori

Ad aprire le danze della cerimonia di premiazione è stata la categoria migliore attrice non protagonista: c’erano performance interessanti in gara e a spuntarla è stata infine Matilda De Angelis per il ruolo interpretato ne L’incredibile storia dell’isola delle rose, produzione Netflix.
Il film Netflix ha poi bissato il successo nella categoria migliore attore non protagonista con la vittoria di Fabrizio Bentivoglio.

Tra le candidate come migliore attore protagonista, come da pronostico, ha vinto Sophia Loren per La vita davanti a sé battendo la concorrenza di Vittoria Puccini, Paola Cortellesi, Micaela Ramazzotti e Alba Rohrwacher.

Migliore attore protagonista è risultato infine Elio Germano per l’intensa interpretazione in Volevo Nascondermi. L’attore ha prevalso su Pierfrancesco Favino, Valerio Mastandrea, Kim Rossi Stuart e Renato Pozzetto.

Premi tecnici

Il premio per la migliore scenografia è stato consegnato da uno spiritoso Valerio Mastandrea nelle mani di Ludovica Ferrario, che ha ritirato il David anche per conto delle colleghe Paola Zamagni e Alessandra Mura per l’eccellente lavoro svolto in Volevo Nascondermi.

A rivelare il nome del miglior costumista è Claudia Gerini: il premio va a Massimo Cantini Parrini che ritira il David assegnatogli per il lavoro fatto con Miss Marx in collegamento dal teatro dell’opera di Roma.

Il miglior montatore è stato decretato essere Esmeralda Calabria per Favolacce, uno dei film rivelazione dell’ultima stagione cinematografica.
Il premio per il migliore autore della fotografia è stato consegnato da Kim Rossi Stuart ed è stato assegnato a Matteo Cocco per Volevo nascondermi.

Risultato a sorpresa nella categoria migliore canzone, in cui Luca Medici, in arte Checco Zalone ha portato a casa il David per la sua Immmigrato dal film Tolo Tolo battendo la decisamente più quotata Laura Pausini.
Come migliore compositore ad ottenere il David è stato poi Gatto Ciliegia contro il Grande Freddo e Downton Boys per la colonna sonora di Miss Marx.

Come miglior acconciatore è stato premiato Aldo Signoretti, acconciatore nel film Volevo Nascondermi.
Il film diretto da Giorgio Diritti continua la scia positiva portando a casa anche il premio per il miglior suono.
Nella categoria del miglior truccatore si prende una rivincita Hammamet, premiato nella figura di Luigi Ciminelli, Andrea Leanza e Federica Castelli.

Infine i migliori effetti visivi sono stati riconosciuti quelli realizzati da Stefano Leoni ed Elisabetta Rocca per L’incredibile storia dell’isola delle rose.

Documentario, cortometraggio e film straniero

Il David al miglior documentario è stato assegnato ad Alex Infascelli per l’apprezzato Mi chiamo Francesco Totti. Il riconoscimento è stato consegnato da Pierfrancesco Favino.

Il miglior cortometraggio è stato riconosciuto Anne, di Domenico Croce e Stefano Malchiodi.
Come miglior film straniero ha trionfato 1917 di Sam Mendes.

David Speciali

I riconoscimenti speciali di questa edizione hanno riguardato Monica Bellucci, vincitrice del David Speciale alla luce della sua grande carriera internazionale e Diego Abatantuono, grande protagonista del cinema di casa nostra, in grado di spaziare dalla commedia al film impegnato.

Il David alla carriera è stato assegnato ad una commossa Sandra Milo, riconosciuta come un autentico pezzo vivente della storia del cinema italiano. L’attrice ha avuto modo di ricordare il suo pigmalione Federico Fellini e i momenti più emozionanti della sua carriera.

Il David Giovani, il premio assegnato dagli studenti ogni anno è andato a 18 regali di Francesco Amato.

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In un maledetto lunedì mattina, arriva un fulmine a ciel sereno: a 91 anni è morto Ennio Morricone. Probabilmente il più famoso compositore di colonne sonore al mondo, con tanti riguardi a John Williams ma consentiteci un occhio di riguardo patriottico, iniziò come arrangiatore per il cinema e per la musica pop.

A cambiarne per sempre la carriera fu Sergio Leone, suo compagno di scuola alle elementari (!), che lo volle per un film di discreto successo, Per un pugno di dollari. Da allora deliziò il mondo con colonne sonore sempre bellissime e indimenticabili. Cambiò per sempre come “suona” un Western, lavorò con tutti i più grandi registi del suo tempo e per film diventati indimenticabili anche per la sue colonne sonore.

Di seguito, noi di Nerdando vogliamo ricordare il grande maestro con alcuni pezzi che ci hanno fatto emozionare negli anni.

Morgana

Le opere del grande Maestro sono tutte meravigliose, ma ce ne sono due in particolare che mi sono rimaste nel cuore, le uniche che ho ascoltato più e più volte negli anni.

La prima è la colonna sonora del bellissimo film di Giuseppe Tornatore La Leggenda del Pianista sull’oceano: in particolare ho amato il tema d’amore Playing Love, dolce e commovente, e il pezzo pazzesco con il quale il protagonista vince la sfida musicale al pianoforte.

L’altra colonna sonora che adoro è quella di un altro bellissimo film che secondo me purtroppo non ha avuto il riconoscimento che meritava, Canone Inverso di Ricky Tognazzi: questa volta lo strumento protagonista è il violino, e il pezzo che prende il titolo del film mi fa venire i brividi ogni volta che lo ascolto.

Zeno2K

Ci sono questi tre uomini, mezzi avanzi di galera, mezzi poveri diavoli risputati da un inferno che stava ricevendo troppe anime per ospitare anche le loro. Scoprono che da qualche parte c’è un bel gruzzolo che aspetta solo di essere recuperato e portato via. E così si mettono in viaggio, pestandosi i piedi l’un l’altro, attraversano chilometri e chilometri di un Paese martoriato dalla guerra civile. Finché, bene o male, riescono ad arrivare ad un vecchio cimitero dove è sepolto l’agognato denaro.

A quel punto uno dei tre, il più brutto diciamo, nonostante fosse allo stremo delle forze, riesce chissà come ad alzarsi, ed entrando in quella che sembra una bolgia dantesca, trova le energie per mettersi a correre, in un turbine di immagine che gli vorticano attorno, sospinto da questa irrefrenabile estasi dell’oro.

L’intera sequenza, che trasuda di genialità registica e ricca di quella potenza visiva che solo Sergio Leone sapeva regalare ad un film, è accompagnata attimo dopo attimo da quella che è a mio avviso la più bella delle colonne sonore di Ennio Morricone e senza la quale la scena avrebbe avuto molto, molto meno efficacia.

L’emozione più grande? Averlo sentito dal vivo e averlo visto dirigere il pezzo due volte durante la serata.

Gattiveria

Immagino sia capitato anche a voi di pensare almeno una volta nella vita “Non devo perdermi uno spettacolo dal vivo di quell’artista straordinario…” A me è successo con i Guns ‘N Roses (quelli del periodo d’oro), Freddie Mercury, Madonna, Michael Jackson. L’opportunità di assistere alla magia di un musicista o gruppo che sai rimarrà nella Storia, e non solo nella tua.

In tutti gli altri casi ho perso l’attimo, ma per fortuna nel caso del maestro Morricone sono riuscita ad esserci, in occasione dei suoi 60 anni di attività e me lo sono goduta in compagnia di Zeno2K e JediLord.

Vedere questo vecchietto che saliva tremolante le scale per arrivare al palco fragile come una foglia e poi suonare e dirigere senza alcuna esitazione e con l’energia di un ventenne è stato meraviglioso. Ancora più tenera l’immagine della moglie Maria che lo aspettava in piedi sotto al palco per tutta la durata della rappresentazione. Immenso musicalmente e come esempio di vita.

70 milioni di dischi venduti, 2 Oscar, 5 nomination, 3 Grammy, 10 David di Donatello, 11 Nastri d’argento, il Leone d’oro alla carriera e la capacità di rimanere un uomo semplice.

Ci mancherai, maestro.

Clack

Ennio Morricone è una di quelle personalità fondanti della storia del cinema, quelle che lasciano un segno indelebile e tracciano la via per le generazioni a venire.

Ogni colonna sonora composta dal Maestro è un pezzo d’arte ma, tra le innumerevoli, quelle a cui sono più affezionata restano senza dubbio le note che accompagnano la Trilogia del Dollaro di Sergio Leone.

Si tratta di musiche entrate di diritto nella memoria collettiva, in grado di rendere alla perfezione la tensione, il deserto, il selvaggio west. Un capolavoro.

jedi.lord

Sono un grande appassionato di colonne sonore, e come tale non posso rimanere indifferente al fascino immortale dell’enorme lavoro di Ennio Morricone.

Oltre alle sue incredibili partiture, del Maestro conservo tre ricordi indelebili che in un certo qual modo esulano dal campo prettamente musicale.

Il primo, una sua conferenza a L’Aquila, dove studiavo all’epoca, durante la quale compresi che essere una leggenda vivente del cinema non vuol dire essere arroganti e campare di rendita, ma piuttosto fare di umiltà, schiettezza e impegno profondo la base della propria carriera. Un incontro davvero ispirante, del quale gelosamente conservo un autografo su CD.

Il secondo, la notte degli Oscar del 2016, e l’iconico abbraccio con l’altra leggenda vivente del cinema, il Maestro John Williams. Due miei miti assoluti, insieme, da commuoversi.

Il terzo, il concerto cui assistetti nel dicembre di tre anni fa, in occasione del tour per i 60 anni di carriera. Due ore di direzione d’orchestra perfette, a 88 anni. Ma ciò che mi stupì, ancor più della meravigliosa musica, fu la tenerezza del rapporto con la moglie, sempre accanto a lui lì, dietro al palco.

Grazie, Maestro.

Giakimo

Non voglio ridurre Morricone solo ai suoi film con Sergio Leone, ma è difficile non farlo. D’altronde parliamo di musiche stupende che hanno cambiato per sempre il genere e la musica da film. Musiche che emozionano anche senza l’uso di parole, come il tema di C’era una volta il West.

Morricone non è stato solo Leone, nemmeno nel genere Western – le colonne sonore di Tepepa, Il mio nome è Nessuno e Il mercenario sono belle tanto quanto quelle dei film di Leone – ma per una volta dovendo indicare un pezzo solo, cambio genere.

Anni fa al Flaiano Film Festival di Pescara vidi la versione restaurata di Sacco & Vanzetti, film di Giuliano Montaldo sulla storia vera di due immigrati italiani ingiustamente condannati a morte negli USA. La colonna sonora è manco a dirlo splendida, mi rimase immediatamente impressa. In particolare ho sempre amato molto la canzone Here’s to you, cantata nel film da Joan Baez. Impossibile non commuoversi.

Here’s to you, rest forever here in our hearts.

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Clint Eastwood

Proprio oggi, 31 maggio 2020, Clint Eastwood compie 90 anni: quale occasione migliore per ripercorrere la carriera di questa icona del cinema?
Attore simbolo dello spaghetti-western, regista due volte premio Oscar in grado di dare un’impronta personale e rappresentativa alla cinematografia mondiale, perfino protagonista di una canzone (dei Gorillaz, intitolata appunto a lui), Clint Eastwood è una di quelle figure che lasciano il segno.

Nato a San Francisco il 31 maggio 1930, Clint Eastwood è molto attivo politicamente: è stato sindaco di Carmel-by-the-Sea tra il 1986 e il 1988 e si autodefinisce di orientamento repubblicano sebbene, come emerge chiaramente dai suoi film da regista, le sue idee sui temi etici siano decisamente aperte.

L’interesse principale, comunque, è per il cinema: Eastwood inizia la carriera di attore negli anni Cinquanta con piccoli ruoli secondari, conquistando il primo ruolo da protagonista in TV, nella serie Gli uomini della prateria. La fama, però, la raggiunge in Italia, grazie alla collaborazione con Sergio Leone.
Recitare gli interessa ma la sua vera strada è dietro la macchina da presa, come dimostra prediligendo sempre più spesso il ruolo di regista e dirigendo, in particolare negli anni Duemila, film entrati di diritto nella storia.

Attore

Dopo diversi piccoli ruoli nel corso degli anni Cinquanta, la carriera di attore di Clint Eastwood subisce una svolta in seguito all’incontro con il regista Sergio Leone: Eastwood diventa protagonista di alcuni dei suoi più famosi spaghetti-western, genere cinematografico tanto amato da Quentin Tarantino ed entrato nella storia del cinema.
A partire da Per un pugno di dollari, girato nel 1964, Eastwood sarà il protagonista dell’apprezzata e conosciuta Trilogia del dollaro di Sergio Leone, completata da Per qualche dollaro in più (1965) e Il buono, il brutto e il cattivo (1966) e famosa anche per le stupende colonne sonore firmate da Ennio Morricone.
Remake di La sfida del samurai di Akira Kurosawa, Per un pugno di dollari reinventa il genere western, ridefinendone gli archetipi.
Nella Trilogia, il cui più compiuto esemplare è il terzo film, Eastwood interpreta la solitaria figura dello Straniero senza nome.

Tornato negli Stati Uniti, Clint Eastwood continua a recitare inizialmente in pellicole western, come Impiccalo più in alto, diretto nel 1968 da Ted Post e primo film prodotto dalla Malpaso Company, casa di produzione di proprietà dell’attore.

Un’ulteriore svolta arriva grazie al genere poliziesco: nel 1971 interpreta il ruolo di protagonista in Ispettore Callaghan: il caso Scorpio è tuo!, diretto da Don Siegel e primo episodio della serie cinematografica dedicata a Dirty Harry. Ispirato liberamente al caso reale del serial killer Zodiac, il film è considerato una pietra miliare di questo genere cinematografico.
Il successo è tale da dare vita a quattro seguiti, tutti con Clint Eastwood nei panni di Harry Callaghan: Una 44 Magnum per l’ispettore Callaghan (1973), Cielo di piombo, ispettore Callaghan (1976), Coraggio…fatti ammazzare (1983) e in cui riveste anche il ruolo di regista e Scommessa con la morte (1988).

L’Eastwood attore resterà sempre legato a ruoli simili a quello dell’ispettore Callaghan, interpretando anche Una calibro 20 per lo specialista di Micheal Cimino nel 1974 e Nel centro del mirino di Wolfgang Petersen nel 1993.
Da segnalare anche la sua interpretazione in Fuga da Alcatraz, particolarmente elogiata dalla critica, e diretto nel 1979 da Don Siegel.

Regista – Gli inizi

L’esordio di Clint Eastwood dietro la macchina da presa avviene nel 1971, quando dirige Brivido nella notte, pellicola sullo stalking in cui interpreta anche il ruolo del protagonista.

Il secondo lungometraggio da regista vede l’attore tornare al suo genere di maggiore successo, il western. Nel 1973 dirige e interpreta Lo straniero senza nome, che si rivela una sorta di thriller di ambientazione western.
Le incursioni nel genere continueranno poi nel 1976 con Il texano dagli occhi di ghiaccio, nel 1985 con Il cavaliere pallido e nel 1992 con Gli spietati, che gli regala il suo primo Oscar in veste di regista.

Gradualmente, Eastwood si cimenta in nuovi generi: è del 1982 Firefox – Volpe di fuoco, che mescola fantascienza e spionaggio mentre nello stesso anno dirige anche Honkytonk Man, che esplora Grande Depressione e musica country.

Regista – I grandi successi

La svolta dal punto di vista registico, quella che lo fa notare in maniera più decisa dalla critica, è nel 1994 con I ponti di Madison County, interpretato dallo stesso Clint Eastwood e da Meryl Streep. Tratto dall’omonimo romanzo di Robert James Waller, si dimostra uno dei più apprezzati e conosciuti film romantici di sempre.

Nel 1997 Eastwood abbandona momentaneamente il ruolo di attore per dirigere un cast di primo piano in Mezzanotte nel giardino del bene e del male, thriller drammatico in cui recitano John Cusack, Kevin Spacey e Jude Law.
Nel 2000 torna invece a dirigere e recitare contemporaneamente con Space Cowboys, avventura ambientata nello spazio in cui è affiancato da Tommy Lee Jones e Donald Sutherland.

La critica e il pubblico apprezzano i suoi lavori ma a consacrarlo definitivamente sono le pellicole dirette a partire dagli anni Duemila. È in questo periodo, infatti, che Clint Eastwood dirige i suoi film migliori.
Nel 2003 realizza Mystic River, il mio preferito tra i titoli da lui diretti: cupo dramma sul concetto di colpa splendidamente interpretato da Sean Penn, Tim Robbins (entrambi premiati con l’Oscar) e Kevin Bacon.

Nel 2004 realizza invece quello che viene considerato il suo capolavoro: Million Dollar Baby, interpretato dallo stesso Eastwood e da Hilary Swank, è una storia di redenzione che mette in evidenza le idee progressiste del regista in fatto di eutanasia. La pellicola ottiene ben 4 premi Oscar: miglior film, miglior regia, miglior attrice protagonista e miglior attore non protagonista, assegnato a Morgan Freeman.

Nel 2006 Clint Eastwood passa al genere storico di guerra con l’audace progetto di due film gemelli: Flags of our Fathers e Lettere da Iwo Jima raccontano la stessa battaglia, l’uno dal punto di vista degli americani, l’altro da quello dei giapponesi.

Nel 2008, poi, l’attore regista si cimenta con Gran Torino, che si rivelerà uno dei suoi film migliori e più ispirati in assoluto. A partire dal 2009, poi, Clint Eastwood si concentra su un altro dei suoi generi preferiti, la biografia. In quell’anno dirige Invictus, con Morgan Freeman e Matt Damon e incentrato sulla figura di Nelson Mandela e sulla Coppa del Mondo di rugby del 1995.
Nel 2011 racconta invece la vita del diretto della CIA John Edgar Hoover in J.Edgar, interpretato da Leonardo Di Caprio.

Nel 2014 è molto apprezzato il suo American Sniper, che si ispira all’autobiografia del Navy Seal Chris Kyle e viene interpretato da Bradley Cooper e Sienna Miller.
L’ultimo film finora diretto da Clint Eastwood è poi ancora una biografia: Richard Jewell è uscito nel 2019.

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