Articolo a cura di Antonio Petito che trovate qui
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Ok, parliamoci chiaro; il tempo è un giudice spietato, soprattutto con il cinema. Quante volte ci è capitato di rivedere un film che adoravamo da bambini solo per scoprire – con una punta di amarezza – che non era invecchiato affatto bene? È quasi un piccolo tradimento, un momento in cui ci rendiamo conto che la magia era legata più al contesto che alla bellezza effettiva e che la polvere del tempo, alla fine, si posa inesorabilmente su quasi tutto.

Poi però, ci sono le eccezioni, quei piccoli miracoli cinematografici che, contro ogni previsione, con il passare degli anni non solo non perdono smalto, ma brillano di una luce ancora più forte. E forse nessun film moderno incarna questa idea meglio di Scott Pilgrim vs. The World, un’opera che, a quindici anni dalla sua uscita italiana, non sembra semplicemente invecchiata bene, ma quasi ringiovanita, come se il mondo avesse finalmente ottenuto i mezzi per stare dietro al suo strano linguaggio, soprattutto considerando il periodo d’uscita (2010), durante il quale Hollywood si preparava a sfornare una quantità enorme di film tratti da fumetti grazie a Marvel, DC e qualche altro esperimento sparso, andato più o meno bene.

Inizialmente infatti, Scott Pilgrim sembrava appartenere proprio alla categoria di quei film nati “un po’ storti”, ma poi qualcosa è cambiato.

Un glorioso fallimento

Mettiamola così: il botteghino di Scott Pilgrim vs The World fu un disastro. Costato circa 60 milioni di dollari, ne recuperò meno di 50 a livello globale, diventando sulla carta uno dei più grandi flop del 2010. Il problema era semplice: nessuno sapeva come etichettarlo.

Era troppo strano per essere una commedia romantica, troppo surreale per essere un film d’azione e troppo autoreferenziale per il grande pubblico, che non capì il suo linguaggio fatto di estetica 8-bit, onomatopee a schermo e battaglie in stile videogioco.

Ma fu proprio quando le luci della ribalta si spensero che la vera fortuna del film ebbe inizio. Lontano dai cinema, grazie al passaparola e a un fandom che cresceva esponenzialmente e in modo quasi carbonaro, Scott Pilgrim guadagnò sempre più fama, e la sua ascesa divenne inarrestabile, fruttando più nel decennio successivo che durante la sua run cinematografica, dimostrando che, a volte, il giudizio più importante non è quello del presente, ma quello del tempo.

Un film a tempo di musica (letteralmente)

La verità è che per capire Scott Pilgrim vs. The World non basta guardarlo, ma bisogna… ascoltarlo.

La sua genialità sonora, va infatti ben oltre una semplice “soundtrack azzeccata”, ma è molto di più.

Tanto per cominciare, Edgar Wright aveva infatti un sogno proibito, un capriccio artistico molto difficile da realizzare: usare un brano di The Legend of Zelda. Sapendo però che i normali canali legali con Nintendo sarebbero stati un vicolo cieco, decise di scavalcare gli avvocati e scrivere direttamente all’azienda. Nella sua lettera, descrisse il brano che voleva non come semplice musica, ma come “la ninna nanna di un’intera generazione“.

Questa singola frase fece breccia nel cuore di Nintendo, che non solo gli concesse la musica, ma fornì con entusiasmo anche una serie di effetti sonori iconici del gioco, da poter usare nel film.

Questo aneddoto è la chiave di tutto: la cura per il sonoro, orchestrata dal produttore Nigel Godrich (il “sesto Radiohead”), era la costruzione di un mondo. È sua l’idea di affidare a Beck il compito di scrivere le sgangherate canzoni dei Sex Bob-omb, ed è sua la scelta di coinvolgere colossi come i Metric o i Broken Social Scene per dare un’identità unica a ogni band.

E a proposito dei Metric, eccovi una scena in cui Brie Larson (che nel film interpreta Envy Adams) esegue una cover della loro Black Sheep, in una scena che fa capire quanto il montaggio sia stato influenzato dalla colonna sonora, in maniera quasi maniacale.

Come ti anniento un archetipo

Lasciando da parte il grandissimo comparto visivo e volendo parlare di scrittura, è inutile dire che anche qui il lavoro è stato dei migliori; il soggetto iniziale è di qualità, l’ironia è particolare e la narrazione scorrevole, ma ciò che valorizza al massimo la sceneggiatura di Scott Pilgrim vs. The World è la caratterizzazione dei personaggi, in particolare di uno: Ramona Flowers.

In superficie, il personaggio col volto di Mary Elizabeth Winstead potrebbe sembrare l’incarnazione di un cliché che il cinema indipendente dei primi anni 2000 ha usato fino alla nausea, ovvero la Manic Pixie Dream Girl, quella ragazza cool, misteriosa, con i capelli colorati e una personalità eccentrica che arriva per salvare il protagonista maschile dalla sua noiosa esistenza, essendo più una sorta di estensione della sua personalità che un personaggio tridimensionale.

Film come 500 Giorni Insieme di Mark Webb (Sì, proprio il regista dei due The Amazing Spider-Man) uscito appena un anno prima, avevano già provato a mettere in discussione questa figura, mostrandone i “danni” dal punto di vista del protagonista, ma Edgar Wright (e in origine Bryan Lee O’Malley) fanno un passo ulteriore e molto più radicale: la annientano dall’interno.

Ramona non è un premio da vincere o un sogno da realizzare; è una persona reale, con un passato ingombrante e complicato, e i suoi sette malvagi ex non sono un bizzarro espediente narrativo, ma la metafora più potente e letterale del concetto di “bagaglio emotivo”.

Scott, per stare con lei, non deve semplicemente conquistarla; deve affrontare, letteralmente, i suoi traumi, i suoi errori, le sue relazioni passate. Ramona non è perfetta; commette errori, è irritante e a volte è egoista e scappa dalle sue responsabilità. Non è lì per salvare Scott. Anzi, per gran parte del film, è lei stessa a dover essere salvata, ma non da un nemico esterno, bensì da sé stessa e dalle sue scelte. Non un trofeo, ma una persona, che diventa anche un motivo di maturazione per il protagonista.

Un film generazionale

Sì lo so, a volte la definizione è usata a sproposito, ma per stavolta facciamo finta di essere tutti d’accordo.

Sì, Scott Pilgrim vs. The World è un film generazionale. E il perché è presto spiegato.

Semplicemente, parlava la lingua di una generazione prima ancora che quella generazione si rendesse conto di averne una. Per chi è cresciuto negli anni ’90 e 2000, tra Super Mario, Street Fighter, fumetti indipendenti e la musica di MTV, il film di Wright non era un esercizio di stile, ma una specie di dichiarazione d’amore.

La sua estetica non era un vezzo, ma il modo in cui quella generazione vedeva il mondo: una serie di livelli da superare, di boss da sconfiggere, con una colonna sonora indie rock a fare da sottofondo. Ma al di là del linguaggio, la sua eredità risiede nei suoi temi, oggi più attuali che mai, parlando della difficoltà di entrare nell’età adulta, di relazioni complicate e, soprattutto, del bisogno di imparare ad amare sé stessi, in un’ultima, vera battaglia in cui Scott non lotta per Ramona, ma per il rispetto di sé, guadagnando il potere più grande che una persona possa avere, ovvero il “Potere dell’Amor Proprio“.

Questo, era su per giù Scott Pilgrim vs. The World.
Se lo avete già amato, è il momento perfetto per un rewatch. Scoprirete che, quindici anni dopo, non ha perso un briciolo della sua energia. Anzi, come un buon vino o un classico videogioco, è solo migliorato.

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Recensione

Era il lontano 2004 quando il fumettista canadese Bryan Lee O’Malley stupiva il mondo con il suo Scott Pilgrim, pubblicato in Italia in 6 volumi da Rizzoli Lizard a partire dal 2010.
Proprio in quell’anno, il fumetto diventava un film di successo: Scott Pilgrim vs. The World, diretto da Edgar Wright, manteneva inalterata l’atmosfera dell’opera originale, trasponendola in un ispirato live action.

Oggi, quasi vent’anni dopo, Scott Pilgrim, Ramona Flowers e tutta la banda di personaggi fuori dal comune nati dalla mente creativa di O’Malley tornano indiscussi protagonisti grazie a Scott Pilgrim: La serie, serie animata disponibile su Netflix a partire dal 17 novembre 2023.
L’abbiamo guardata in anteprima e…personalmente ne sono rimasta rapita ancora di più di quanto mi sarei aspettata!

Trama

Nella Toronto di qualche anno fa, il giovane musicista Scott Pilgrim resta sconvolto quando incontra nella vita reale la ragazza che popola i suoi sogni: Ramona Flowers si è appena trasferita da New York ed è avvolta da un alone di mistero e fascino.
Scott trova il coraggio di invitarle ad uscire insieme ma, già dopo il primo appuntamento, dovrà scoprire che frequentare Ramona non è certo una faccenda semplice, perché chiunque voglia provarci dovrà prima vedersela con 7 malvagi ex…

Stile

Lo dico subito: Scott Pilgrim: La serie mi ha lasciata davvero a bocca aperta! Sono una grandissima fan del lavoro di Bryan Lee O’Malley, ma devo ammettere che l’ho conosciuto tramite il film.
Nel 2010 ho guardato Scott Pilgrim vs. The World e ne sono rimasta folgorata! Da lì, ho poi riscoperto il fumetto, innamorandomene come e più della pellicola cinematografica.
Adoro lo stile grafico di O’Malley, il suo umorismo e il suo saper tratteggiare personaggi e storie totalmente fuori dalle righe eppure così veri. Tutte queste caratteristiche sono state rese alla perfezione dal lavoro cinematografico di Edgar Wright, rendendo Scott Pilgrim vs. The World di fatto un gioiellino fin troppo sottovalutato.

Quando ho scoperto che Netflix aveva in lavorazione una serie animata basata su Scott Pilgrim, sono letteralmente impazzita di gioia. Sapere poi che il cast del film avrebbe ripreso i rispettivi ruoli (e non era un cast da buttar via: Micheal Cera, Mary Elizabeth Winstead, Kieran Culkin, Chris Evans, Anna Kendrick, Brandon Routh, Brie Larson, Aubrey Plaza, Jason Schwartzman) non ha fatto altro che accrescere l’hype.
L’unico timore era quello di trovarmi di fronte una copia carbone del film, che non aggiungesse nulla di nuovo a quanto già mostrato su schermo.

Ebbene, ho dovuto ricredermi e di molto: Scott Pilgrim: La serie ci presenta una storia totalmente originale (di cui non starò certo a raccontarvi i dettagli), che prende la sua strada pur tenendo ben presenti fumetto e film.
Se lo stile grafico è un primo indizio del rapporto strettissimo tra le due opere, durante la visione potrete divertirvi a scovare rimandi sia al fumetto che al film. Non solo i doppiatori sono gli attori originali, infatti, ma ci sono anche molte altre chicche che si ricollegano agli altri due media.
La crossmedialità, d’altra parte, è da sempre un elemento che contraddistingue l’universo di Scott Pilgrim. Un po’ fumetto, un po’ videogioco, un po’ film: questa è una caratteristica che viene mantenuta anche nella serie TV e che personalmente ho gradito tantissimo! (nda il titolo di ogni puntata richiama nello stile grafico un famoso videogioco, sta a voi scoprire tutte le citazioni!).

Concludendo

Insomma, Scott Pilgrim: La serie si rivela un vero tripudio di emozioni, sensazioni vintage e risate. Ho apprezzato moltissimo la scelta di coinvolgere Bryan Lee O’Malley nella scrittura della serie, perché questo ci ha permesso di avere di fronte qualcosa di completamente nuovo ma che allo stesso tempo consentisse di respirare appieno l’atmosfera originale.
Anche il legame con il film mi ha particolarmente convinto: non avrebbe avuto senso rivedere le stesse vicende live action in una nuova veste, è invece stupendo ritrovare i protagonisti, le musiche e i rimandi a quanto abbiamo visto su grande schermo.

Promosso a pieni voti, quindi? Per me sì, decisamente. Avevo aspettative molto molto alte, che sono state pienamente ripagate. Non vi rivelo nulla sulla serie, vi dico solamente che, così come fumetto e film, la vicenda si conclude senza lasciare nulla in sospeso. Ciononostante spero davvero che ci saranno nuove incursioni televisive nell’universo narrativo di Scott Pilgrim, perché merita davvero!

Scott Pilgrim: La serie è disponibile su Netflix dal 17 novembre 2023: io ve la straconsiglio e aspetto le vostre opinioni a riguardo!
Un grazie a Netflix per avermi permesso di guardare l’intera serie in anteprima.

Nerdando in breve

Scott Pilgrim: La serie ci trascina in una Toronto fuori dal tempo e dallo spazio per raccontarci una storia totalmente nuova. Imperdibile.

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Marzo 2022

Nell’aria si sente già profumo di primavera ed è infatti un momento di grandi novità per l’home video. Andiamo a scoprire cosa ci attende in casa Universal per marzo 2022: sarà un mese ad alto tasso di emozioni.

Film

Dopo aver segnato la rotta per il genere horror negli anni Settanta, Micheal Myers è pronto a scrivere un nuovo capitolo della saga cominciata da John Carpenter nel 1978 con Halloween – La notte delle streghe. Il franchise, che aveva preso una strada piuttosto dissestata nel corso degli anni, è stato riportato alle origini da David Gordon Green, che nel 2018 ha realizzato un seguito diretto del primo film, interpretato ancora una volta da Jamie Lee Curtis nel ruolo che la lanciò, quello di Laurie. Halloween Kills continua la felice operazione, riprendendo la storia proprio dove l’avevamo lasciata.
Dal 3 marzo sarà disponibile in DVD, Blu-Ray e Steelbook 4K. All’interno, una serie di contenuti speciali tra cui anche la versione estesa con finale alternativo.

È stata una delle pellicole rivelazione della stagione cinematografica, nonché ritorno in grande stile del regista inglese Edgar Wright. Ultima notte a Soho, interpretato da Anya Taylor-Joy e Thomasin McKenzie, ci trasporta nella seducente e scintillante Londra degli anni Sessanta e ci coinvolge in un fitto e intricato mistero.
Sarà disponibile dal 3 marzo in DVD, Blu-Ray e 4K UHD.

Da non perdere, infine, il cofanetto speciale Hunger Games – 10° anniversario. L’esclusiva edizione, disponibile in DVD e Blu-Ray, contiene i 4 film della saga, oltre che l’O-ring speciale il poster con tutti i personaggi della saga. Potrete trovarlo a partire dal 24 marzo 2022.

Serie

È una delle serie più amate del piccolo schermo e ora sta per sbarcare al cinema con il secondo lungometraggio tratto dalle avventure televisive. Stiamo parlando di Downton Abbey, la serie inglese che ha stregato il pubblico di tutto il mondo. Per celebrare la seconda sortita nei cinema, la serie completa torna disponibile in formato DVD. Inoltre, anche il primo film sarà disponibile in DVD, Blu-Ray e 4K UHD. Se non vedete l’ora di rituffarvi nella Londra vittoriana, la data da segnare è quella del 3 marzo.

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Un San Valentino a tutto cinema

Anche quest’anno, puntuale come un orologio, si avvicina la festa degli innamorati: che siate o meno tipi romantici, è innegabile che a febbraio San Valentino diventa una presenza fissa nel nostro quotidiano, spargendo cuori fin dove è possibile spingere lo sguardo.
Se vi va di festeggiarlo o anche se non vi va, abbiamo pensato a una selezione di cinque pellicole un po’ diverse dal solito: il romanticismo c’è, ma declinato in modi sempre diversi.
Ecco, quindi, i nostri 5 consigli a tema film per il San Valentino 2022!

La La Land

Uno dei miei film preferiti e anche uno di quelli di cui si è parlato di più negli ultimi anni: La La Land è uscito nel 2016 ed è un appassionante e colorato omaggio al grande cinema e alla grande musica. Emma Stone e Ryan Gosling (incredibili) interpretano Mia e Sebastian. Aspirante attrice lei, jazzista con un sogno lui, si incontrano e si innamorano nella scintillante Los Angeles.
Al momento migliore pellicola diretta dall’astro nascente Damien Chazelle, La La Land ci regala grande musica, uno stupendo piano sequenza iniziale, un bellissimo abito giallo (ne cerco ancora uno così) e qualche lacrima.

Ladyhawke

Torniamo indietro nel tempo per un altro dei miei film preferiti di sempre (ormai lo avrete capito: questi cinque titoli li adoro tutti) e cambiamo genere per tuffarci nel fantasy puro.
Ladyhawke racconta la storia d’amore impossibile del cavaliere Navarre e la dama Isabeau, maledetti dall’invidia del Vescovo di Aguillon e condannati perciò a vivere “sempre insieme, eternamente divisi”: lei di giorno assume le sembianze di un falco per tornare umana solo di notte, quando Navarre si trasforma in un lupo.
Diretto nel 1985 da Richard Donner e interpretato da Rutger Hauer e Michelle Pfeiffer, Ladyhawke è una favola emozionante che non invecchia mai.

Scott Pilgrim vs. the World

Cercate qualcosa di meno sdolcinato? Che dite di un film tratto da un fumetto e che sembra un videogioco? La scelta giusta non può che essere Scott Pilgrim vs. the World, diretto nel 2010 da Edgar Wright (sì, quello della Trilogia del Cornetto), interpretato da Micheal Cera e Mary Elizabeth Winstead e tratto dall’omonimo fumetto di Bryan Lee O’Malley.
Il giovane Scott si innamora a prima vista della misteriosa Ramona: per poter stare con lei, però, dovrà sconfiggere i suoi sette malvagi ex.
Un film fuori di testa, scanzonato e anticonvenzionale per una storia che poteva essere resa egregiamente su grande schermo solo da Edgar Wright. Ve lo straconsiglio! E poi è il modo migliore per prepararsi alla serie animata che Netflix sta producendo sul fumetto.

Across the Universe

Mi concedo un’altra incursione nel musical perché Across the Universe è un progetto davvero unico: l’idea di partenza è quella di prendere le canzoni dei Beatles e trasformarle in un film, rendendolo coerente e visionario allo stesso tempo. A cimentarsi nell’impresa apparentemente impossibile è Julie Taymor nel 2007 e il suo esperimento può dirsi pienamente riuscito.
Negli anni Sessanta il giovane Jude (Jim Sturgess) parte da Liverpool alla volta degli Stati Uniti: qui fa amicizia con Max e si innamora al primo sguardo della sorella Lucy (Evan Rachel Wood). Il loro amore sarà minacciato da una serie di avvenimenti, tra cui la guerra del Vietnam.
Across the Universe è pura emozione e psichedelia quanto basta. E poi le musiche sono una vera garanzia.

Espiazione

Concludiamo la carrellata con il dramma storico rappresentato alla perfezione da Espiazione diretto nel 2007 da Joe Wright a partire dal romanzo di Ian McEwan e interpretato da Keira Knightley, James McAvoy e una giovanissima Saoirse Ronan.
L’amore tra Robbie e Cecilia viene sconvolto in un colpo solo quando Briony, sorella minore di Cecilia, assiste a una scena che mal interpreta e accusa Robbie di essere uno stupratore. Per riprendersi la sua vita, il giovane sarà costretto a scontare il carcere e tentare la sorte arruolandosi nell’armata inglese durante la Seconda Guerra Mondiale.
Io ve lo dico: con Espiazione si piange. Resta tuttora l’unico film (per ora) in cui ho singhiozzato senza ritegno in una sala cinematografica. Però che meraviglia che è! Non solo a livello di storia, ma anche di messa in scena, con uno dei migliori piani sequenza mai girati e uno dei più begli abiti della storia del cinema.

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Dungeon Fighter

Giando: cosa c’è meglio di un party game per riprendersi dalla tristezza del rientro a lavoro? Il mio consiglio del mese è Dungeon Fighter, appena uscito nella sua seconda edizione ad opera di Cranio Creations. L’unione di un dungeon crawler con un gioco di destrezza e abilità vi farà divertire non poco, e soprattutto spargerete dadi per tutta la casa, sicuro!

Superstore

Clack: era dalla fine dell’ennesimo rewatch di Scrubs che ero in cerca di una sitcom divertente e senza troppe pretese per farmi compagnia: Superstore è stata una sorpresa graditissima, a cui mi sono affezionata a tempo di record.
Creata da Justin Spitzer (che, guarda caso, aveva scritto diversi episodi proprio per Scrubs) e interpretata da America Ferrera (resa celebre dal ruolo principale interpretato in Ugly Betty), la serie segue un gruppo di commessi di un tipico grande magazzino americano.

Tra situazioni surreali ma realistiche, battute e personaggi esilaranti e un po’ matti, la serie è arrivata a sei stagioni, tutte interamente disponibili su Netflix. Con le sue puntate da 20 minuti e il suo umorismo sopra le righe, è diventata per me il filler perfetto: sono già disperata all’idea di concludere la visione!

Spaced

Clack: Ho un’autentica venerazione per Edgar Wright, che mi porta a recuperare tutto quello che ha diretto. Se poi al suo nome trovo associato quello di Simon Pegg, beh, non posso assolutamente farmi sfuggire quel titolo. È così che ho recuperato la visione di Spaced, serie comedy inglese andata in onda tra il 1999 e il 2001, in due stagioni da 7 puntate ciascuna.

Creata e interpretata da Jessica Hynes e Simon Pegg, racconta le disavventure di un’aspirante scrittrice e un aspirante fumettista, che decidono di spacciarsi per una coppia per poter ottenere in affitto un appartamento. Tra gli interpreti non poteva certo mancare Nick Frost (qui in un’inedita versione magra) e c’è anche un gustoso cameo di Mark Gatiss. In cabina di regia si fa notare quello che diventerà lo stile inconfondibile di Edgar Wright.

Spaced è una serie davvero divertente, nonostante siano ormai passati parecchi anni dalla prima messa in onda. Ho apprezzato in particolare i numerosi rimandi nerd e l’umorismo tipicamente inglese delle situazioni. Se non l’avete mai guardata, merita una chance: con le puntate da 25 minuti, poi, fila via che è un piacere.

The Book of Boba Fett

Giando: Disney+ e Star Wars iniziano l’anno col botto con la nuova serie The Book of Boba Fett, spin-off di The Mandalorian. Scopriremo le sorti di uno dei villain (?) più amati della saga, conoscendo il suo passato ma anche il suo presente, in seguito agli avvenimenti della seconda stagione del Mandaloriano.

Non c’è che dire, qualità ancora altissima e, a discapito di una partenza forse un po’ troppo lenta, nel corso delle puntate l’azione prende sempre più piede, con l’attuale culmine nell’episodio 5. Sono prontissimo al gran finale, appuntamento a febbraio!

The Witcher – Season 2

Jedi.lord: Dopo esser tornato nel mondo moderno grazie alla mia nuova fiammante connessione ad internet, finalmente sono riuscito a recuperare l’attesa seconda stagione di The Witcher.
Io sono uno di quelli che avevano apprezzato lo sviluppo della prima stagione su due diversi piani temporali, e in generale avevo trovato la serie molto bella; questa seconda stagione per me è una conferma, grazie al maggior approfondimento sui personaggi, alla qualità tecnica decisamente superiore e in generale all’intreccio che trovo davvero interessante.

Non so quali siano le differenze con la fonte letteraria, essendomi fermato nella lettura ai soli racconti; di contro, ho apprezzato le strizzatine d’occhio alla saga videoludica.
The Witcher è una serie di cui abbiamo parlato parecchio anche a TV spenta, segno che ci stia piacendo, e che non vediamo l’ora prosegua.
Nel frattempo, sanerò la grossa mancanza di non aver mai giocato a The Witcher III!

The Witcher III – Wild Hunt

Jedi.lord: Dopo aver adorato il primo gioco dedicato allo strigo del nostro cuore, ho tergiversato per anni sul secondo, e ho perso il treno del terzo.
I tempi mi sembravano maturi per rimediare e finalmente ho fatto mia la GOTY di The Witcher III: Wild Hunt. Ho scelto la banale versione PS4 per potermela godere spaparanzato sul divano, e così sto facendo.
So che è un titolo immenso, e mi ci sto immergendo pian piano, capendo perché lo si chiama capolavoro.
Scusami, Geralt, se mi ero dimenticato di te.

Locke & Key – Season 2

Jedi.lord: Finalmente recupero la seconda stagione di una delle serie che mi era piaciuta di più l’anno passato, Locke & Key, tanto da spingermi a recuperare il fumetto originale (bellissimo, leggetelo senza indugio: si meritò il mio premio per il miglior fumetto letto l’anno scorso).
Questo nuovo gruppo di episodi parte più lento e più cupo, ma sa tenere come sempre con il fiato sospeso! Diverge ormai abbastanza dall’opera da cui deriva, tanto da rendermelo ancora più interessante; i personaggi, inoltre, crescono e conoscono un’evoluzione credibile che è forse uno degli ingredienti che rende la storia di Locke & Key così interessante.
Mi sarei aspettato una conclusione definitiva in questa stagione (che poteva starci), speriamo che la terza non mandi in vacca tutto e non deluda.

Strappare lungo i bordi

Jedi.lord: Altro recuperone che non vedevo l’ora di fare: che dire, oltre a tutto quello che è stato già detto su questa splendida opera, Strappare lungo i bordi?
Sono un grande fan di Zerocalcare fumettista, e ora lo sono anche della controparte animata. Non poteva essere altrimenti, perché sempre di lui si tratta, con un mezzo espressivo differente, maneggiato con la stessa maestria e con la stessa passione. E anche in grado, in egual misura, di tirarti gli stessi calci in faccia.
Per me, capolavoro (anche per me, ndGiando).

Tapestry

Jedi.lord: Tapestry è un gioco estremamente divisivo, c’è chi lo ama e chi lo odia. Come tematica mi aveva sempre attratto moltissimo, ma poi le mezze stroncature e il prezzo non indifferente mi avevano fatto desistere.
Ora che è approdato su BoardGameArena ho potuto finalmente provarlo, seppur in versione virtuale (realizzata in modo magistrale, ndR).
E devo dire che capisco il perché delle critiche e dei giudizi polarizzati. Il problema, a mio avviso, è che bisogna solo capire cosa si cerca da lui: non è un titolo di civilizzazione vero e proprio, non è esente da alea e sbilanciamenti, ma penso personalmente che sia molto divertente da giocare, molto accessibile pur mostrando una bella profondità, e soprattutto ti lascia la voglia genuina di fare un’altra partita, che è la cosa più importante in un gioco.
Assolutamente da rivalutare e chissà, forse anche da tenere in collezione!

Beyond the Sun

Jedi.lord: Beyond the sun è stata, per me, la grande rivelazione dell’anno passato; ora sta finalmente per uscire anche in Italia, e su questi schermi lo recensiremo prima possibile.
Grazie a BoardGameArena ho potuto scoprire questa piccola perla di gioco, che non mi stanca mai partita dopo partita e che mi ha rapito con la sua idea geniale dell’albero delle tecnologie da scoprire, che rende ogni partita divertente e sorprendente da giocare anche grazie al gusto della scoperta che danno le sue meccaniche.
Scoperta scientifica e colonizzazione di pianeti con meccanismi semplici e profondi: una ventata di freschezza, con un’estetica minimale che, personalmente, me lo fanno piacere ancora di più.
Non vedo l’ora di averlo tra le mani!

Decorum Vol. 1

Tencar: Decorum è un’opera sci-fi edita da Image Comics, portata in Italia da SaldaPress, scritta da Jonathan Hickman e illustrata da Mike Huddleston che mi ha colpito molto. Ne ho scritto, in maniera più precisa, nella recensione. Voi fatevi un favore e procuratevela perché vale, sia per la storia che per i disegni.

Archive 81 – Universi alternativi

Tencar: La prima stagione di Archive 81 – Universi Alternativi è molto intrigante e, per certi versi, mi ha ricordato un po’ le storie di Lovecraft.
Le autrice e gli autori, però, dovrebbero iniziare a fare stagioni autoconclusive e a non lasciare cliffhanger che, se la serie non dovesse essere rinnovata, rimarranno per sempre non raccontati.

Ozark

Tencar: La prima parte della quarta e ultima stagione di Ozark è davvero tanta roba, a metà tra House of Cards e Breaking Bad ma quello che mi stupisce è la calma di Martin Byrde (il protagonista, interpretato da Jason Bateman) che, anche nelle situazioni più disperate, resta con le mani in tasca, parla sempre con voce bassa e ferma e non perde la calma.

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Recensione

Edgar Wright è tornato. Il regista inglese che ci aveva fatto innamorare con la Trilogia del Cornetto si è fatto attendere ma per il suo ritorno al cinema ha scelto di osare e cambiare nuovamente genere con Ultima notte a Soho, un thriller dall’aria vagamente sovrannaturale e smaccatamente retrò.
E, sarò di parte, ma devo ammettere che ha decisamente fatto centro.

Ultima notte a Soho è un film elegante, ricercato e teso il giusto. Un cast perfettamente in parte e una regia ispirata danno vita a una pellicola in grado di spiazzarci sul più bello, indicandoci una strada che sembra chiara per poi sterzare bruscamente e lasciarci a bocca aperta.

Trama

La giovane Eloise è una aspirante stilista che sogna di andare a Londra e sfondare nel panorama della moda, desiderio che condivide con la defunta ma mai dimenticata madre. Quando viene accettata in una prestigiosa scuola di moda di Londra, non vede l’ora di fare la valigia e partire, nonostante le preoccupazioni della nonna per la spiccata sensibilità di Eloise, che la porta a vedere spiriti e frammenti del passato.

Una volta arrivata nella capitale ed essendo una ragazza di campagna, Eloise fatica ad ambientarsi nello studentato snob in cui abita e decide quindi di trovarsi un appartamento tutto per sé nel quartiere di Soho. Da quel momento, però, ogni notte inizia a vivere la vita di Sandy, aspirante stella della rutilante Londra anni Sessanta.

Stile

Avevo aspettative altissime per Ultima notte a Soho e sono andata al cinema con un certo timore che venissero disattese. Sono una grande fan di Edgar Wright e finora ho apprezzato tutti i suoi film, soprattutto per la capacità di spaziare tra i generi e rinnovarsi ogni volta che ha saputo dimostrare. Proprio per questo, ero preoccupata che con questa prova potesse deludermi, che  magari avesse puntato troppo in alto. Già dai trailer, infatti, la pellicola si dimostrava un’opera ambiziosa, complessa e scintillante, con tantissima carne al fuoco.

E invece sono rimasta rapita da Ultima notte a Soho, ancora più di quanto mi sarei aspettata. Il film è davvero uno spettacolo per gli occhi, con un’attenzione precisa nei confronti della fotografia e del ritmo. Non a caso, come avevamo già visto nel precedente Baby Driver, anche qui la musica ha un ruolo narrativo di primo piano, integrandosi perfettamente tra i piani diegetico ed extradiegetico e contribuendo a tuffarci nell’atmosfera anni Sessanta.

Altro tema fondamentale di Ultima notte a Soho è senza dubbio quello del doppio e dell’identità: lo specchio è un elemento costante nel susseguirsi di sequenze, espediente visivo del continuo scambio tra i piani della realtà e del tempo che ci porta a smarrirci anche noi, come la protagonista, nella tana del coniglio, faticando a distinguere il sogno dal reale.

Un balletto così ben orchestrato non funzionerebbe allo stesso modo senza un cast di prim’ordine e Ultima notte a Soho vanta dei protagonisti perfetti. Su tutti, spicca Anya Taylor-Joy (La regina degli scacchi), semplicemente perfetta nel dare corpo alla tormentata Sandy. Ma anche la protagonista, Thomasin McKenzie (Jojo Rabbit) non è certo da meno: la sua Eloise è tenera, spaesata e determinata quanto basta a rendere la sua storia credibile e appassionante per gli spettatori. Meritano una menzione anche Matt Smith (Doctor Who, The Crown), alle prese con un personaggio disprezzabile e Diana Rigg (la regina di spine de Il Trono di Spade).

Non vi dico altro su Ultima notte a Soho perché è una pellicola che merita di essere gustata senza anticipazioni o suggerimenti, in modo che possiate perdervi tra le strade della Swinging London. Vi consiglio però di correre al cinema, non resterete delusi.

Nerdando in breve

Ultima notte a Soho è la nuova prova di Edgar Wright, che stavolta si cimenta con il thriller paranormale. Una visione che conquista.

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Autunno 2021

Ci siamo, è il momento di tornare al cinema. Il grande schermo ci è mancato come l’aria, in questa lunga epoca pandemica ma adesso sembra proprio arrivato il momento di riprendere possesso della sala cinematografica, pur con qualche piccola limitazione.

E le case di distribuzione, in effetti, non si sono fatte attendere e per i prossimi mesi promettono di sfornare più di una pellicola interessante. Andiamo allora a scoprire il cinema per l’autunno 2021, da qui fino a dicembre.

Settembre

Il primo mese d’autunno 2021 si è aperto sotto i migliori auspici e, al momento in cui scrivo, sono già usciti alcuni titoli da non perdere. Il primo è stato senz’altro Dune, per il quale c’era sicuramente moltissima attesa. Il film diretto da Denis Villeneuve a partire dal romanzo di Frank Herbert è interpretato da un cast di stelle, tra cui Timothée Chalamet, Zendaya, Oscar Isaac e Josh Brolin. È uscito in Italia il 16 settembre e sembra aver soddisfatto le aspettative di chi sperava nel riscatto dopo il drammatico lungometraggio diretto nel 1984 da David Lynch.

È uscito il 23 settembre, invece, Space Jam: New Legends, sequel del cult a base di Looney Toons e basket interpretato da Micheal Jordan nel 1996. Questa volta a sfidare il mondo dei cartoni animati a colpi di schiacciate a canestro è LeBron James, per un film che è stato stroncato dalla critica oltreoceano. Ma, diciamocelo, Space Jam ci fa battere il cuore e andremo lo stesso tutti a vederlo.

Il mese si conclude poi con l’agente segreto più famoso del mondo: No Time to Die (o Bond 25) arriva finalmente, dopo rinvii su rinvii, nelle sale italiane a partire dal 30 settembre. In cabina di regia c’è Cary “True Detective” Fukunaga e a vestire i panni di James Bond c’è per l’ultima volta Daniel Craig. Aggiungiamoci anche che parte delle riprese si è svolta nella splendida cornice di Matera e il gioco è fatto.

Ottobre

Ottobre ci regalerà emozioni di ogni genere. A partire dal 14 ottobre, data in cui usciranno due film che più diversi non si potrebbe. Il primo è The Last Duel, (pen)ultima fatica di Ridley Scott ambientata nel medioevo e interpretata da Ben Affleck, Matt Damon e Adam Driver.
A partire dalla stessa data troverete Venom: La furia di Carnage, che vedrà tornare Tom Hardy nei panni del villain di Casa Marvel, affiancato stavolta da Woody Harrelson nei folli panni di Carnage.

Il 21 ottobre avremo poi modo di prepararci alla festa delle streghe con Halloween Kills: diretto da David Gordon Green e interpretato dall’inossidabile Jamie Lee Curtis è il secondo capitolo del reboot/sequel del 2018 che ha dato nuova linfa alla saga di Micheal Myers.

Il mese si conclude con un gioiellino di casa nostra: Freaks Out, nuovo film di Gabriele Mainetti (Lo chiamavano Jeeg Robot) con Aurora Giovinazzo, Pietro Castellitto, Claudio Santamaria e Giorgio Tirabassi ci porta indietro nel tempo fino alla Seconda Guerra Mondiale in compagnia di un circo itinerante di personaggi dotati di poteri particolari. Arriverà in sala il 28 ottobre.

Novembre

Il mese più ricco tra quelli in arrivo è però sicuramente quello di novembre, che ci porterà anche alcuni dei titoli che aspetto di più in assoluto.

Si comincia il 3 con Eternals, ultima fatica del Marvel Cinematic Universe che lascia intendere una svolta autoriale grazie alla regia della Premio Oscar Chloé Zhao. Nel cast Richard Madden, Angelina Jolie, Kit Harington e Salma Hayek.

Il 4 novembre, invece, arriverà il film che mi ha rubato il cuore già dai primi trailer: Ultima notte a Soho, nuovo film di quel genio di Edgar Wright (qualcuno ha sentito parlare della Trilogia del Cornetto?) che promette suspense, brividi e colpi di scena. A dare volto ai protagonisti sono Anya Taylor-Joy (La regina degli scacchi), Thomasin McKanzie (Jojo Rabbit) e Matt Smith (The Crown).

L’altro pezzo da novanta del mese è senza dubbio Ghostbusters: Legacy, l’attesissimo sequel del franchise degli Acchiappafantasmi. Diretto da Jason Reitman, il film è interpretato da Paul Rudd e Finn Wolfhard ma promette anche apparizioni del cast storico (Bill Murray, Dan Aykroyd, Sigourney Weaver, Ernie Hudson, Annie Potts) e sembra davvero aver catturato lo spirito di Ghostbusters. Per scoprire se ha colto nel segno, dovremo aspettare l’11 novembre.

Nella stessa data, per gli amanti delle eleganti simmetrie del cinema di Wes Anderson il titolo da segnalare è The French Dispatch. L’ultima fatica del regista texano promette di essere un omaggio al mondo del giornalismo e vanta un cast di stelle, tra cui possiamo ricordare Timothéè Chalamet, Adrien Brody, Willem Dafoe, Saoirse Ronan, Tilda Swinton, Bill Murray e Owen Wilson.

Dicembre

Per concludere, a dicembre saranno molti i titoli interessanti in compagnia dei quali potremo scegliere di festeggiare un Natale a tutto cinema. Una scelta potrebbe essere Diabolik, trasposizione in pellicola del celebre ladro creato dalle sorelle Giussani. In cabina di regia, un’altra coppia di fratelli, i Manetti Bros., per un film interpretato da Luca Marinelli, Miriam Leone e Valerio Mastandrea.

Nella stessa data usciranno altri due film che si preannunciano interessanti. Il primo è House of Gucci, rivisitazione a firma Ridley Scott di una delle vicende più oscure della moda. A dare volto ai protagonisti saranno Lady Gaga, Adam Driver, Jared Leto, Jeremy Irons, Salma Hayek e Al Pacino.
Arriverà anche il West Side Story di Steven Spielberg, musical che promette di essere ancora più fedele al libretto originale di quanto ha fatto il film del 1961 con Natalie Wood.

Infine, per chiudere l’anno in bellezza, il 29 dicembre è previsto l’arrivo in Italia di The King’s Man – Le origini, terzo capitolo della fortunata saga cinematografica ispirata ai fumetti di Mark Millar. A dirigere c’è ancora una volta Matthew Vaughn e i protagonisti sono incarnati da Ralph Fiennes, Daniel Bruhl e Djimon Hounsou.

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L’horror ironico secondo John Landis

Era il 1981 e il mondo del cinema viveva un periodo florido di sperimentazione, che avrebbe gettato le basi per molta della filmografia a venire. E proprio quell’anno John Landis, uno dei registi più interessanti del periodo a Hollywood, realizzò un gioiellino che mescolava horror e ironia dal titolo di Un lupo mannaro americano a Londra.

Il film aveva l’ambizione di mescolare folklore e antiche leggende di paura con i tempi contemporanei, fondendo toni cupi e spiritosi. La storia? Due giovani studenti statunitensi sono in viaggio in Inghilterra. Quando vengono attaccati da quello che sembra un grosso cane, la loro vita subirà una svolta che mai avrebbero potuto prevedere.

Nonostante di anni ne siano passati un bel po’, non vi racconto troppo della trama nel caso vi siate lasciati sfuggire questo cult cinematografico. Anche perché in questo caso potete correre a recuperarlo: al momento in cui scrivo è disponibile nel catalogo di Amazon Prime Video. Nel giorno in cui compie la bellezza di 40 anni, comunque, vi racconto qualche curiosità su Un lupo mannaro americano a Londra.

L’ispirazione

L’idea alla base di Un lupo mannaro americano a Londra affonda le sue radici ancora più indietro del 1981 e in particolare al 1969. In quell’anno il giovane John Landis stava girando I guerrieri in Jugoslavia e, durante uno spostamento da un set all’altro, si è imbattuto in un curioso funerale gitano. Il morto, uno stupratore seriale della zona, venne seppellito con i piedi legati da corone di aglio: in questo modo non sarebbe potuto risorgere per perpetrare i suoi crimini.

L’incontro stuzzicò la mente del regista, che iniziò a pensare a un progetto che trasponesse il folklore e le antiche credenze popolari in un contesto contemporaneo. L’obiettivo era portare in epoca moderna temi classici dell’horror. Come il mito del lupo mannaro, per esempio.

Tra le fonti di ispirazione apertamente citate c’è inoltre il più popolare romanzo di Sir Arthur Conan Doyle, Il mastino dei Baskerville. Il rimando all’avventura di Sherlock Holmes è evidente nell’ambientazione iniziale, una misteriosa brughiera nebbiosa nei pressi di Londra.

La casa di produzione, la Polygram, aveva accettato di produrre un soggetto così insolito ma spingeva per scegliere i protagonisti: i nomi su cui puntare, per loro, erano Dan Aykroyd e John Belushi. In questo modo speravano di bissare il successo di The Blues Brothers, sempre diretto da John Landis e uscito l’anno prima. Il regista, però, fu irremovibile su questo punto e alla coppia di comici preferì David Naughton, scelto dopo averlo visto nella pubblicità della Dr. Pepper, e Griffin Dunne.

Eredità

Un lupo mannaro americano a Londra ha colpito molto l’immaginario cinematografico, grazie alla sua carica dirompente. Uno dei più grandi fan del film fu nientemeno che Micheal Jackson: il cantante apprezzò tantissimo l’opera di Landis, tanto da volere fortemente il regista per quello che diventerà il suo videoclip più famoso, Thriller. Girato l’anno seguente, nel 1982, il video vede riunita la premiata ditta dietro Un lupo mannaro americano a Londra: Landis in cabina di regia e Rick Baker agli effetti speciali. Inoltre, alla fine del girato è riportata la stessa frase che troviamo in chiusura del film.

Anche Edgar Wright, autore della Trilogia del Cornetto, è un grande fan di Un lupo mannaro americano a Londra, tanto che lo ha omaggiato nel suo film L’alba dei morti dementi. La scena in cui il protagonista Shaun viene spaventato dal riflesso della figura di Pete nello specchio del bagno, viene direttamente dal film di Landis. La curiosità nella curiosità è che anche la scena di Un lupo mannaro americano a Londra era a sua volta un omaggio: a Repulsion di Roman Polanski.

Dal film è stato tratto, un decennio più tardi, anche uno spinoff: Un lupo mannaro americano a Parigi, uscito nel 1997, era interpretato da Tom Everett Scott e Julie Delpy ma non è stato in grado di replicare il grande successo dell’originale.

Lupo ululà

Perdonatemi, ma non potevo esimermi dal citare quel capolavoro della comicità che è Frankenstein Jr. Come è lecito aspettarsi, il lupo mannaro era il fulcro del film di John Landis e sulle sue sembianze pesavano grandi aspettative. Regista e direttore degli effetti speciali, il già citato Rick Baker, non riuscivano proprio a mettersi d’accordo ma, alla fine, l’aspetto dell’uomo lupo è stato ispirato dal cane di Baker.

La scena della trasformazione, una delle più impegnative da girare oltre che tra le più famose della storia del cinema, necessitò di ben sei giorni per essere realizzata, con circa 10 ore di lavoro al giorno. Servivano cinque ore per applicare il trucco e tre per toglierlo. Il risultato, però, è stato di gran lunga sopra le aspettative, tanto che Rick Baker venne premiato con il premio Oscar per il miglior trucco: la categoria non esisteva prima, venne creata proprio con Un lupo mannaro americano a Londra.

Luna storta

John Landis era uno che sapeva curare ogni dettaglio e dare vita ad autentici capolavori (prima del fatto drammatico che avvenne sul set e che di fatto rallentò definitivamente la sua carriera. Ma questa è un’altra storia che vi raccontiamo qui) e per Un lupo mannaro americano a Londra si occupò con attenzione della colonna sonora: tutte le canzoni che ascoltiamo nel film, hanno la paura “moon” nel titolo.

Tra le varie possiamo ricordare Moondance di Van Morrison e la stupenda Bad Moon Rising dei Creadence Clearwater Revival. Landis avrebbe voluto anche Moon Shadow di Cat Stevens, ma l’autore non concesse il permesso perché credeva nell’antico folklore secondo cui i lupi mannari esistono e non voleva mancare loro di rispetto.

Questione di stile

Nel corso del film ci imbattiamo in una sala cinematografica che proietta un film pornografico, di cui scorgiamo anche le locandine: See you next wednesday è un finto filmino hot, girato ad hoc prima delle riprese e che appare spesso nei film diretti da John Landis. Il titolo See you next wednesday, a ben guardare, è un inside joke costante nella filmografia di John Landis: lo vediamo apparire in tutti i suoi film e ogni volta si riferisce ad una pellicola di genere diverso (c’è perfino nel già citato videoclip Thriller). Ma perché proprio questo titolo? È un rimando a una battuta di 2001: Odissea nello spazio, di Stanley Kubrick.

Alla fine del film, dopo i titoli di coda, appare una scritta con le congratulazioni per il matrimonio del Principe Carlo con Lady Diana, celebrato il 29 luglio 1981. Questo perché nel corso del film il personaggio di David, nel tentativo di farsi arrestare, aveva urlato un insulto proprio alla figura del Principe Carlo.

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Halloween 2020

Dolcetto o scherzetto? La notte delle streghe è arrivata ma Halloween 2020 sarà un po’ diverso dal solito. A causa della pandemia feste in maschera e serate di casa in casa in cerca di dolciumi per il momento sono accantonate e quest’anno saremo costretti a trascorrere la notte più paurosa dell’anno ognuno in casa propria.
Per fortuna ci viene in soccorso Amazon Prime Video, che quest’anno mette in campo un catalogo perfetto per trascorrere Halloween 2020 anche in casa.

Film

Il catalogo di film di Amazon Prime Video è il paradiso dell’appassionato di horror e in occasione di Halloween offre spunti adatti davvero a tutti i gusti.
Interessante, ad esempio, è la serie tematica di film originali che Prime Video ha realizzato in collaborazione con Blumhouse: Welcome to the Blumhouse mette in campo i marchi di fabbrica della popolare casa di produzione: brivido e suspense.
I primi quattro lungometraggi, Black Box, The Lie, Evil Eye e Nocturn raccontano storie incentrate sull’amore e la famiglia.

Per gli appassionati degli horror nostrani, la scelta è ampia: si spazia da Suspiria (l’originale di Dario Argento ma anche il remake di Luca Guadagnino) a L’uccello dalle piume di cristallo. Ma anche per gli spettatori più internazionali c’è di che rallegrarsi: Halloween, il nuovo film che riprende la storia esattamente da dove era stata lasciata nel 1978, Sinister (recentemente eletto film più spaventoso di sempre), lo spettacolare Quella casa nel bosco, The Void, Hellraiser sono solo alcuni dei titoli che potrete trovare.

Se preferite la commedia horror, invece, non potete lasciarvi scappare L’alba dei morti dementi, capolavoro di Edgar Wright interpretato da Simon Pegg e Nick Frost.

Serie

E per gli appassionati di serialità? Niente paura, tanti prodotti anche per soddisfare questo tipo di pubblico. A cominciare da Truth Seekers, nuova serie comedy soprannaturale con protagonisti proprio Nick Frost e Simon Pegg nei panni di investigatori del paranormale.

Ma in catalogo troverete anche The Walking Dead: World Beyond, nuovo spinoff della popolare serie zombie, The Head, American Horror Story, Buffy l’ammazzavampiri e l’intrigante (almeno per quanto riguarda la prima stagione) Lore.

Per i più piccoli

Avvicinare i più piccoli all’horror senza terrorizzarli? Si può fare con prodotti ad hoc per le fasce d’età più giovani, pensati per far scoprire loro tutta la magia di Halloween.
In catalogo troverete Vampiretto, Fuchsia – La strega in miniatura e i grandi classici La famiglia Addams e Casper.

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Ottobre 2020

Ottobre ci porta direttamente nel cuore dell’autunno e torna ufficialmente il tempo di divano, copertina, tisana e…un buon film (o una serie TV)!
Scopriamo quindi le novità home video di Koch Media per ottobre 2020, comprese quelle di Midnight Factory e Anime Factory.

Koch Media

Scott Pilgrim vs. The World è nato come un prodotto di nicchia ma 10 anni dopo si è trasformato in autentico cult. Il film di Edgar Wright tratto dai fumetti di Bryan Lee O’Malley ha saputo col tempo conquistarsi una fetta di appassionati sempre più ampia e, in occasione del decimo anniversario, torna in un’edizione speciale.
L’edizione limited in 2 dischi contiene una serie di contenuti aggiuntivi tra cui commento audio, scene eliminate, curiosità, montaggi alternativi. Dal 15 ottobre in DVD e Blu-Ray.

I supereroi più divertenti sono quelli del film parodia di Ben Stiller Mystery Men, che torna in occasione del ventennale. Anche in questo caso sono moltissimi i contenuti bonus ad accompagnare il film, tra cui commento, interviste, dietro le quinte e scene tagliate. Da 15 ottobre in DVD e Blu-Ray.

Midnight Factory

Midnight Factory ci ha da sempre abituati a grandi culti in edizioni da collezione e anche a ottobre 2020 non fa certo eccezione: Day of the Dead, il capolavoro horror di Romero, in una speciale edizione a tiratura limitata e numerata, ricca di contenuti extra. L’edizione limited, completa di booklet, sarà disponibile solo su Amazon dal 29 ottobre in DVD e Blu-Ray.

E dove ci sono originali non possono mancare i remake: a ottobre arriva anche L’alba dei morti viventi – Dawn of the Dead, rifacimento firmato da Zack Snyder che rende omaggio all’opera di George A. Romero.
Dal 29 ottobre sarà disponibile in DVD e Blu-Ray.

Anime Factory

È uno degli eroi degli anime più amati in assoluto e adesso, a 40 anni da Lupin III – Il Castello di Cagliostro, torna in una nuova veste grafica e con una nuova, irresistibile, avventura.
Lupin III – The First arriva in edizione limited accompagnato da un esclusivo booklet di 24 pagine e tantissimi contenuti bonus.
Sarà disponibile dal 29 ottobre in DVD e Blu-Ray.

A ottobre, inoltre, arriva anche l’atteso debutto dell’icona generazionale Lamù, per la prima volta in Blu-Ray alta definizione in una versione rimasterizzata.
Lamù – La ragazza dello spazio Beautiful Dreamer arriva in edizione limited con tantissimi contenuti extra a partire dal 15 ottobre in DVD e Blu-Ray.

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