Ivan Anoè, fondatore di ZeroMic

Di recente ho scoperto ZeroMic, collettivo tutto italiano di doppiatori e creator specializzato in parodie anime, adattamenti e produzioni audio-video originali. Con oltre dieci anni di storia alle spalle, il progetto si è evoluto nel tempo fino a diventare una realtà strutturata: oggi coinvolge oltre 75 collaboratori tra doppiatori, adattatori, tecnici audio e creativi. Il gruppo è conosciuto in particolare per l’adattamento e il doppiaggio in italiano delle parodie di Dragon Ball Z Abridged del collettivo americano Team Four Star, di cui rappresenta di fatto l’edizione italiana.
Aspetto fondamentale nel lavoro di ZeroMic è il forte rispetto per il materiale di partenza, adattando dialoghi, doppi sensi e ritmo comico al contesto italiano senza perdere l’identità dell’opera originale.
Nel futuro immediato, ZeroMic punta ad affermarsi anche con format e storie originali, sviluppati insieme ad artisti, creator e autori, con l’obiettivo di costruire nel tempo produzioni sempre più autonome.
Ne abbiamo parlato con Ivan Anoè, fondatore di ZeroMic.

Clack: Cos’è oggi ZeroMic, volendo dare una definizione più romantica al progetto?

Ivan: Per definire ZeroMic, forse, dovrei tornare indietro nel tempo, a quando ero bambino e cercavo un modo per esprimermi e inventare. All’inizio l’ho trovato disegnando, poi attraverso il teatro, all’età di 13 anni. Lì è cambiato tutto. Perché il disegno lo guardi, mentre il teatro lo vivi. Il corpo, la voce, il respiro… non puoi nasconderti. E forse ZeroMic è nato esattamente da questa esigenza. Creare un punto di incontro tra persone che vogliono esprimersi e trasmettere emozioni. Al mio fianco in questa idea, Daniele Mezzasalma, che mi ha aiutato ad avviare il progetto nei primi mesi. Poi mi ha lasciato le redini e oggi siamo
diventati un gruppo creativo organizzato, con oltre 75 talenti che lavorano insieme in modo coordinato. E non facciamo solo doppiaggio: gestiamo internamente tutto il processo, dall’adattamento dei testi fino al missaggio finale. Questo ci permette di avere un controllo completo sul risultato e di costruire prodotti coerenti, non semplicemente assemblati.

C: Come funziona, in pratica, il vostro lavoro?

I: Partiamo sempre dal testo, dal copione. L’adattamento è già una riscrittura (soprattutto quando si tratta di parodie). Poi c’è la direzione del doppiaggio, che è un lavoro molto delicato: devi tirare fuori da ogni voce qualcosa di coerente con il progetto, non solo una buona interpretazione. Dopo arrivano le registrazioni, spesso con più versioni della stessa battuta. E infine c’è il missaggio, che è la fase in cui tutto prende forma davvero. È lì che costruisci ritmo, peso, atmosfera.

C: Ti occupi in prima persona anche del missaggio: è una scelta tecnica o creativa?

I: Entrambe. All’inizio è stata una necessità, poi è diventata una scelta precisa. Il suono non è un dettaglio tecnico, è parte fondamentale della narrazione. Se lasci quella fase a qualcun altro, perdi una parte del controllo creativo. Io volevo evitare proprio quello e costruire un prodotto che fosse coerente in ogni passaggio. Ho capito che dovevo diventare indipendente nella produzione per poter controllare ogni sfumatura. Per non lasciare niente al caso.

C: Com’è rapportarsi e gestire un gruppo di lavoro così grande?

I: Serve chiarezza. Non puoi permetterti ambiguità quando lavori con tante persone. Io cerco di mantenere una direzione molto precisa su ogni progetto, ma allo stesso tempo di lasciare spazio alle persone di portare qualcosa di loro. Altrimenti diventa un lavoro meccanico, e quello si sente subito nel risultato. Nella mia vita, ho lavorato a contatto con ragazzi giovani, con
adulti, con anziani. E in ogni contesto, in ogni situazione, ho sempre visto la stessa cosa: il bisogno di esprimere qualcosa. E che sia rabbia, frustrazione, tristezza, gioia, felicità, calore, ognuno deve sapere cosa sta facendo e perché.

C: Quand’è che, da gioco, è diventata “una cosa seria”?

I: Lo è sempre stata. Io ho sempre preso tutto molto seriamente, non ho mai fatto questa cosa come “un hobby”. Anche quando ero all’inizio, anche quando non avevo niente, anche quando stavo ancora cercando la strada, dentro di me c’era già quella necessità: comunicare, lasciare qualcosa.
Con ZeroMic lo sto facendo: è cresciuto, ha preso forma nel tempo, con pazienza e tanto studio, con empatia e creatività. E posso dire che è diventato uno splendido percorso, condiviso con tantissimi professionisti, ognuno con la sua sensibilità. Quindi no, non è un gioco e non facciamo ‘solo’ le voci. Ogni volta che registriamo, stiamo lasciando qualcosa, perché una battuta è per sempre. “Come la dici, così rimane per l’eternità. Sei tu e la tua vita in un composto di suoni della tua anima.” Lo ripeto ancora oggi, soprattutto alle nuove leve che inserisco in ZeroMic. Può sembrare solo una frase a effetto, ma si tratta di una responsabilità, di un pezzo di te che rimane.

C: ZeroMic è spesso associato a Dragon Ball Z Abridged: quanto vi rappresenta, oggi, quel progetto?

I: È stato ed è ancora un pilastro, ma non ci definisce completamente. È il progetto che ci ha dato più visibilità online e una base di pubblico molto forte, però nel tempo abbiamo ampliato tanto. Oggi lavoriamo su più produzioni contemporaneamente e stiamo cercando di diversificare sempre di più, sia nei contenuti che nei linguaggi.

C: Su cosa state lavorando adesso?

I: Stiamo portando avanti Dragon Ball Super Abridged di TheKaiGames, che è un progetto importante perché ci permette di lavorare su un materiale più recente. In parallelo stiamo sviluppando Sailor Moon Abridged e persino dei format originali. Come la serie fanmade ideata da CrazyBulma, La Rotta delle 7 Sfere, che è un progetto su cui abbiamo investito
molto, sia a livello di cast che di qualità tecnica.

C: Riguardo a questo progetto: che tipo di lavoro c’è dietro?

I: È un lavoro corale, ma molto strutturato. Il cast è composto da voci che lavorano con noi da anni, quindi c’è già un’intesa forte. Abbiamo Simona Meneghin (Bulma), Alessandro Bianchi (Goku e Crilin), Antonio Amoruso (Nappa), Riccardo Ricobello (Freezer), Giorgia Venditti e tanti altri. Io mi occupo della direzione e del missaggio, oltre a doppiare Vegeta e altri personaggi, mentre tutta la parte sonora – musiche ed effetti – è seguita da Daniele Mezzasalma. Gli episodi vengono distribuiti progressivamente su YouTube e su tutti i nostri canali social, con una strategia pensata per intercettare sia il pubblico storico sia nuove community.

C: Guardiamo al futuro: dove vuoi portare ZeroMic nei prossimi anni?

I: Il pubblico che ci segue è molto attento e riconosce quando c’è cura e quando no. Questo ti obbliga a mantenere sempre uno standard alto. Voglio consolidare quello che abbiamo costruito, ma anche aprire a nuove collaborazioni e nuovi format. Oggi ci sono progetti in divenire, tante idee che stanno crescendo. E questa è la cosa che mi emoziona di più.
Perché significa che non è finita. Significa che sta evolvendo, che ormai “ha le nostre cellule” all’interno! (citazione a Cell in Dragon Ball Z Abridged, uno dei personaggi insieme a Vegeta a cui ho avuto l’onore di dare la mia voce negli ultimi quasi tredici anni).
E alla fine, se devo dirla nel modo più semplice possibile… ZeroMic è questo. È un modo di visualizzare e concretizzare i sogni. È un modo di comunicare. È un modo di trasmettere emozioni, è qualcosa che non ho mai smesso di costruire e mai smetterò finché avrò vita… o fino a quando mi resusciteranno con le Sfere del Drago.

E come sempre… viva ZeroMic!

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Abbiamo già avuto modo di parlare, su queste pagine, di Martha is Dead, nuovo lavoro della italianissima LKA, con a capo il vulcanico Luca Dalcò e che arriverà a breve su PC, Xbox e Playstation.
Oggi ho avuto modo di scambiare due chiacchiere con la voce protagonista di questo promettente Indie che siamo certi saprà emozionarci come e più di The Town of Light.
Non indugiamo oltre, però, e andiamo a fare la conoscenza della giovane e bravissima Joy Saltarelli, artista straordinaria già insignita nel 2009 del “Premio Voce femminile di un cartone animato” al Gran Galà del Doppiaggio di Romics e nel 2016 del Premio come miglior voce giovane di un’eroina al festival “Le voci del Cinema”.

Per chi non lo sapesse, Joy Saltarelli (che mi auguro avere di nuovo a breve ospite dei nostri microfoni), è tra le altre anche la voce di Jennifer Lawrence in Hunger Games e di Trilli nella serie di film Disney.

Intervista

Zeno2k: Ciao Joy e benvenuta su Nerdando.com, vuoi iniziare raccontandoci come sei approdata a Martha is Dead?

Joy: Faccio la doppiatrice da tantissimi anni, fin da quando ero piccola. Sono arrivata a questo progetto grazie ad un collega di lavoro. Sapendo che non ne avevo mai fatti sono venuta a fare un ascolto voce, perché mi incuriosiva questa sfera.
Mi hanno presentato questo progetto e ne sono stata entusiasta, perché è tutto tranne che “doppiaggio”. L’abbiamo creato con Luca [Dalcò, N.d.R.] ed è stato meraviglioso.

Zeno2k: Quindi: processo creativo oltre che alla mera interpretazione?

Joy: Esatto: è stato molto più processo creativo, piuttosto che legarmi io ad una recitazione già creata e ad una creatività già stabilita da qualcun altro e cucirmici io sopra, insieme abbiamo gli dato noi vita… ed è stato molto bello.

Zeno2k: Se dovessi parlare a chi si avvicina per prima volta a questo titolo che cosa aspettarsi, cosa gli vorresti raccontare?

Joy: Gli direi sicuramente di essere pronto a passare tante fasi emotive, in tanti aspetti e sfaccettature del personaggio. Tanti stati di anima diversi: molto affascinanti, ma anche molto bui.

Zeno2k: È molto impegnativo dal punto di vista emotivo, quindi.

Joy: Più che impegnativo, affascinante: molto “vero”.

Zeno2k: Per te è stato sfidante, come lavoro, o ti sei trovata a tuo agio con questa sfera del videogioco?

Joy: All’inizio ero molto ansiosa, ma mi hanno aiutato a sentirmi a mio agio. Non pensavo di essere in grado di riuscire a rendere effettivamente tutte le sfumature, perché, facendo doppiaggio appunto, sono abituata a “vedere” quello che devo fare, piuttosto che ricercarlo dentro di me. È stato molto bello.

Zeno2k: Qual è stata l’emozione più intensa di questa fase creativa e dell’interpretazione di questo personaggio?

Joy: In realtà, per me, tutte: dall’inizio riuscire a creare il personaggio di Martha, immedesimarmici e riuscire a vivere fino in fondo nella mia anima tutte le sue sfaccettature. Anche nei suoi cambi, quindi: Martha piccola, Martha grande, le sue trasposizioni degli affetti che le sono orbitati intorno. È stato tutto abbastanza impegnativo, ma al contempo meraviglioso… quindi in realtà tutto il progetto mi ha affascinata: arrivare poi fino alla fine, anche con tutte le problematiche di Giulia [la sorella gemella di Martha N.d.R.], è stato bello.

Zeno2k: Domanda classica: sei una gamer?

Joy: No! (ride) Purtroppo no: non lo sono…

Zeno2k: Farai un’eccezione per Martha is dead o nemmeno?

Joy: Non lo so: non ho neanche una console sinceramente (ride)

Zeno2k: Altra domanda classica: quanto è difficile doppiare un’onda sonora invece che un attore che parla?

Joy: In realtà è differente: sono proprio due cose che non sono paragonabili, perché in questo caso non si è trattato di doppiaggio, c’è stata proprio una creazione passo passo del personaggio. Rimanendo in un “tempo”, per carità, però non è proprio equiparabile al doppiaggio: lì ho la possibilità di vedere gli occhi di un’altra persona; le movenze, che dicono tutto di un sentimento, di quello che sta provando o di un pensiero, e io devo legarmi a quel pensiero. Qui l’abbiamo proprio dovuto ricercare insieme, mano mano, passo passo, sviscerando anche le parole che aveva scelto Luca, capire perché le aveva scelte in un determinato modo; capire perché dove dire quelle cose, che cosa sto pensando. Quindi è stato un lavoro di squadra, piuttosto che di doppiaggio…

Zeno2k: … e quindi quanto c’è, di te, in questo personaggio?

Joy: Tutto: c’è tutta me stessa in questo personaggio. Tutta me stesse con ovviamente le direttive di Luca, ma c’è tutta la mia anima. Ve lo assicuro.

Zeno2k: Grazie mille per il tuo tempo. Vuoi lasciare un ultimo messaggio, liberamente?

Joy: Posso dire che è stata un’esperienza magnifica e che spero mi sia data in futuro un’altra occasione per farla di nuovo! È stata un’esperienza mistica e speciale…

E anche noi, dal profondo del cuore, speriamo davvero di poter sentire ancora Joy non solo al cinema e in televisione, ma anche nel nostro media preferito: il videogame.
Da parte mia, e di tutta la Redazione, un ringraziamento speciale a Luca Dalcò e naturalmente a Joy Saltarelli. Per voi, invece, appuntamento per la recensione dell’attesissimo Martha is Dead!

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C’è stata una volta, qualche mese fa, in cui all’improvviso mentre ero sommerso dalle frattaglie di Locuste, facendomi strada grazie al mio fidato lancer, ho sentito tra la folla spiccare la voce decisa e sicura di Kait Diaz.
Le mie orecchie da elfo sono immediatamente scattate e scavalcando di getto lo Sciame, mi sono fiondato da lei, obbligandola a darmi un appuntamento per un’intervista.

Eccomi quindi a raccontarvi di quella volta (molto prima del lockdown da COVID-19, non preoccupatevi) in cui ho raggiunto la dolcissima Katia Sorrentino negli studio milanesi di Disc To Disc Productions e l’ho torturata per farmi raccontare di quella volta in cui ha doppiato Kait Diaz nella serie Gears, Mary Jane nello splendido Marverl’s Spider-Man e Rikki in Days Gone.

Due personaggi molto diversi da loro, splendidamente interpretati, che mostrano quanto talento ci sia nella voce di questa giovane doppiatrice che non ha mancato di mettere il suo sigillo non solo nei videogame, ma anche in film, serie TV e anime… tanti anime.

Insomma, non mi resta che augurarvi buona visione: prendete i popcorn e mettetevi comodi. Torniamo a visitare l’affascinante mondo del doppiaggio.

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L’ho cercata, l’ho rincorsa, l’ho inseguita per anni. Ho rinunciato e sono tornato alla carica, ma alla fine (e per fine intendo: infinite peripezie, passate anche da problemi tecnici micidiali) ce l’ho fatta. Ho rapito la splendida Benedetta Ponticelli, voce ufficiale di Lara Croft dal reboot del 2013, e l’ho torturata per un paio di ore abbondanti con le mie domande sul mondo del doppiaggio.

Benedetta è una di quelle persone che emanano solarità da ogni poro, capace veramente di illuminare una stanza col suo splendido sorriso; ed è grazie a questo che ho potuto tempestarla di domande senza paura o remore, pur sapendo di essere davanti alla voce di tanti, tantissimi personaggi eccezionali: non solo la giovane e splendida Lara, ma anche di Emilia Clarke in Solo: A Star Wars Story, di Rose Leslie in Downton Abbey, di Anna Diop in DC Titans e tanti, tanti altri.

Posso assicurarvi che il tempo con lei è volato e anche tagliando all’osso ne è emersa un’intervista di oltre un’ora. Non mi resta che augurarvi buona visione e invitarvi a seguirci sempre.

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Durante il recente Cartoomics 2017 ho avuto modo di incontrare uno dei miei doppiatori preferiti. Parlo di Christian Iansante, eccezionale doppiatore abruzzese (anche se nato in Svizzera) che ha dato la voce ad attori del calibro Bradley Cooper, Rainer Strecker, Christian Bale, Ewan McGregor, Jeremy Renner, Johnny Depp e Michael Fassbender.
L’occasione è l’incontro presso lo stand dell’associazione Spawns of Gallifrey dedicato, come suggerisce il nome, a Doctor Who dove, oltre a Iansante, ho avuto modo di conoscere anche Marco Mete, di cui parleremo in un prossimo articolo.
Rubando Christian all’assalto dei fan che facevano la fila per un autografo e per farsi registrare un mitico “allons-y!” detto con la voce di Ten, sono riuscito a rivolgergli qualche domanda sul suo rapporto con David Tennant. Ne è nato un confronto molto interessante, dove non sono mancati anche riferimenti ad altri suoi personaggi.
Prima di lasciarvi all’intervista, una piccola curiosità: sia io che Christian abbiamo una figlia col medesimo nome, che, a quanto pare, non è appassionata di Doctor Who e in generale non ha mai seguito nessuna delle serie doppiate dal padre.

Maurizio: Nessuna delle tue serie? Ma è voluto o solo un caso?
Christian: Solo un caso, davvero. Diciamo che quando mi sente non le frega niente, per lei è normale: lo sa da quando è nata. Un po’ come mia sorella, che ormai ha 40 anni; quando è nata io ne avevo undici e poco dopo ho iniziato a fare radio; lei era talmente piccola che non si ricorda il mio inizio: per lei ho sempre parlato al microfono, per cui quando mi sente in televisione, radio, pubblicità nemmeno ci fa più caso perché diventa una sorta di normalità.
In realtà questo mestiere è una normalità; poi chi dall’esterno se lo pensa in un certo modo, magari se lo vive facendosi le pippe mentali di tutto ciò che non è.

Maurizio: Personalmente, da appassionato del doppiaggio, lo considero un universo magico: la capacità di essere solo con la voce quella persona, quell’emozione; è molto più complesso che portare un personaggio in teatro?
Christian: Guarda, sinceramente non sono d’accordo con quello che stai dicendo. Perché costruire un personaggio attraverso corpo, la faccia, e quindi crearlo è molto più difficile che replicare un qualcosa che è già stato fatto da qualcun altro in un altra lingua.
Il doppiatore riproduce. Io faccio anche l’attore, non tantissimo, ma lo faccio; proprio questa settimana è uscito un film che ho fatto con Maccio Capatonda in cui faccio l’attore. Faccio poco, ma sono scene: devi studiare; mentre un doppiatore non studia: vede e interpreta leggendo. Sembra una cazzata ma un monologo di venti righe che in doppiaggio te la cavi con cinque minuti, se lo devi interpretare ti passi una giornata ad impararlo. E poi quando metti la tua faccia in gioco, il tuo sguardo, devi coinvolgere tutto. Mentre quello che viene coinvolto nel caso del doppiaggio, è, ripeto, all’interno del processo imitativo solo l’aspetto emotivo. Lo dico perché qualcuno pensa che siano solo parole appiccicate ad una bocca, questo non è. Però quelle emozioni ti vengo suggerite da qualcuno che in un’altra lingua ha già creato quel personaggio. Tu lo stai riproducendo.
Per questo non sono d’accordo che sia più difficile: è molto più facile. Dopodiché attenzione però che anche il doppiaggio ha i suoi tranelli: se uno pensa di andare con i propri tempi, sbaglia. Tu devi andare con quelli dell’altra persona, dell’altro attore, che se fa un verso in un determinano momento della scena, tu devi farlo in quel momento. Ecco: diciamo che devi imparare a respirare con lui, ma questa è tecnica, non è arte.
La parte artistica attiene alle emozioni e le emozioni, ripeto, sono già suggerite da chi le ha vissute prima di te.

Maurizio: Parliamo di Tennant. Il Decimo Dottore è un personaggio molto tormentato, sofferente, emotivo: cosa ricordi in particolare nella creazione di questo doppiaggio?
Christian: Allora, io ricordo in particolare che purtroppo come capita spesso in Italia, a proposito della magia, non ci poteva essere nessuna magia per doppiare questo prodotto che, essendo di nicchia, ha un budget limitato.
Io facevo una quantità di scene che forse equivaleva ad un mese di lavoro di David Tennant. Capisci che replicare è più facile di creare, ma alcune cose che lui faceva benissimo io ho cercato di replicarle al meglio delle mie capacità ma in un tempo troppo piccolo. Se mai io ho un rammarico, perché a differenza dell’attore che doppio in The Walking Dead (Andrew Lincoln, N.d.R.) che è un attore mediocre, David Tennant è un grandissimo attore che ha fatto in queste stagioni delle cose molto belle, in certi momenti veramente alte. E quindi quello che ricordo è che io non ho avuto il tempo di farle bene come le ha fatte lui.
Questi però sono quegli attori che ti insegnano a recitare, ecco: io ho imparato a dire bene le battute perché avendo la fortuna di doppiare i più grandi attori del mondo della mia generazione, sono stati loro ad insegnarmelo.
David Tennant fa parte di quei dieci attori che me lo hanno insegnato. Questo lo dico con grande convinzione, quindi il ricordo che ho è quello di uno che mi ha dato molto dal punto di vista artistico. Poi, personaggio tormentato o no non è quello che fa la differenza: io posso fare un pazzo, un prete, un drogato o il medico che lo cura, tutti i personaggi sono interessanti se li vivi in maniera profonda con il gusto di farli, così come tutti i personaggi bellissimi diventano una rottura se quel giorno non ha voglia perché hai i cazzi tuoi, perché succede anche questo. Nella vita del doppiatore certe giornate vanno storte per motivi tuoi personali, che naturalmente non devi portare al leggio, però magari una cosa bellissima la vivi male, anche se poi cerchi di farla al meglio delle tue capacità; però poi non te la ricordi come una cosa bella perché quella è una giornata sbagliata per te.
In generare di questa serie ricordo alcuni episodi particolari, ad esempio quella in cui va a Pompei alcuni giorni prima che esploda il Vesuvio; quella in cui arriva ai margini dell’universo quando sta per esplodere il Big Bang; cioè ricordo delle cose che mi hanno affascinano anche per la materia che mi piace e mi interessa, a differenza degli zombi dei quali non me ne frega proprio niente.
Ma neanche i vampiri per cui lo dico molto onestamente, io quella cosa non la vedrei: ma non perché è fatta male, proprio perché non rappresenta il mio gusto. Del resto noi facciamo tanta di quella roba che non è che possiamo condividerla tutta. Io cerco di farla bene, ma poi come spettatore la giudico come la giudicherei come se non fossi stato il doppiatore.

Maurizio: Ultima domanda, la mia puntata preferita è Blink (Colpo d’occhio).
La ricordi? “Non battere ciglio. Se lo fai sei morto…”
Christian: No, non mi è rimasta impressa. Di questa battuta non ricordo assolutamente nulla, però sono contento ti sia piaciuta: vuol dire che sono stato convincente.

Maurizio: Assolutamente sì…
Senti, me lo butti un “allons-y” che poi me ne vado e ti lascio ai tuoi fan?
Christian:

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Ivo De Palma & Zeno2k

Mentre spulciavo il programma del Torino Comics, mi era caduto l’occhio su alcuni panel interessanti dedicato al mondo del doppiaggio. Chi ci segue attentamente sa quanto io sia innamorato di questa nobile arte e che, a mio avviso, in Italia vantiamo l’eccellenza assoluta in questo campo.
Avvicinandomi quindi all’area dedicata, la mia attenzione viene immediatamente catturata da una voce storica: Ivo De Palma sta mostrando come si svolge il suo lavoro, usando immagini tratte dall’ultimo film dei Cavalieri dello Zodiaco. Infatti, per chi non lo sapesse, Ivo è la voce ufficiale di Pegasus.

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L’inizio di questo viaggio è datato 1985 quando, come per magia, a casa mia compare la videocassetta de Il mago di Oz. Ed è solo l’inizio di un lunghissimo percorso.
Nel 1996 faccio la conoscenza di Broken Sword.
Poi nel 1997 metto le mani su uno dei miei primi giochi per PC: Tomb Raider 2.
Il 1998 è la volta di Starcraft e da lì è un crescendo.

Qual è il fil-rouge che unisce tutte queste date?
Naturalmente è la splendida voce di Elda Olivieri, che, a mia insaputa, ha iniziato ad accompagnarmi fin da ragazzo; da prima che iniziassi a capire cosa fosse il doppiaggio.
Confesso che scoprire che Elda aveva accettato il mio invito per l’intervista ha messo a dura prova il mio aplomb professionale.
Ho preso da parte una delle mie figlie e le ho sussurrato: “Sto per incontrare Lara Croft…”.
Il suo sguardo appannato mi ha spinto a tentare ancora: “Dorothy, del mago di Oz…”
Non importa: per lei c’è tempo per capire. Per me, invece, c’è solo il tempo di emozionarmi di fronte ad una delle figure più illustri del doppiaggio italiano e internazionale.

Ma Elda è un’artista dal volto umano eccezionale; mi accoglie negli studi che la Top Digital ci mette gentilmente a disposizione per l’intervista e mi mette subito a mio agio.
Mi prende per mano, e, come Dorothy, mi accompagna in un bellissimo viaggio nel suo mondo: dal teatro alla televisione, da Virginia Woolf a Jadzia Dax, da Nicole Collard a Lara Croft.

Ed è un viaggio talmente stupefacente, che oggi lo condivido volentieri con voi.

Elda Olivieri

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Gianluca Iacono mi invita a Pavia, nella sua scuola di recitazione e dizione, e lì diamo vita ad un percorso intenso sul mondo del doppiaggio che mi porta a scoprire aspetti sempre più affascinanti di questa arte misteriosa, invisibile a tutti ma onnipresente nel nostro quotidiano.

Per chi non lo sapesse, Gianluca Iacono è una delle voci ufficiali di Gordon Ramsay, quella “cattiva” come dice lui stesso, quella di Hell’s kitchen e Masterchef USA; forse è per questo che mi rivolgo a lui con un briciolo di timore reverenziale, come se la prossima domanda fosse quella giusta per scatenare la furia dello chef scozzese.

Ma Gianluca, in realtà, è una persona squisita, gentile e disponibilissima a seguirmi nel mio excursus dal teatro ai videogiochi, dalla tv allo speakeraggio.

La sua scuola, inoltre, è un luogo davvero accogliente e la sua professionalità talmente vasta che il pensiero di seguire uno dei suoi corsi è tutt’altro che remota.

Non mi resta che suggerirvi di mettervi comodi e gustarvi questa passeggiata tra Vegeta, Ramsay e alcuni dei più celebri personaggi dell’industria videoludica.

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Da amante del teatro, dei videogiochi e del doppiaggio tutto, non posso nascondere una certa emozione nel trovarmi davanti all’uomo che ha dato vita a due dei miei personaggi preferiti: Adam Jensens di Deus Ex: Human revolution e Vaas Montenegro, lo squilibrato villain di Far Cry 3. E tuttavia Francesco riesce a mettermi subito a mio agio, grazie alla sua simpatia e al piglio scanzonato della nostra chiacchierata.
Con Francesco abbiamo ripercorso le tappe della sua carriera, dagli inizi fino ai lavori più importanti come, appunto, quello di Vaas e Jensen che, a quanto pare, hanno divertito ed emozionato tanto lui quanto noi che li abbiamo giocati.

Insomma, per oltre un’ora sono stato in compagnia di una delle voci più belle dell’industria del doppiaggio italiano. Non mi resta quindi che augurarvi buona visione e a presto con un’altra intervista!

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Claudio Beccari in azione

Maurizio: Ciao Claudio e benvenuto su Nerdando.com. Che effetto fa doppiare un videogioco? È molto diverso da un film o da un cartone animato?
Claudio: C’è una differenza tecnica dovuta al fatto che, in genere, sullo schermo non vediamo un video, ma due tracce sonore: quella originale e la nostra, che si disegna al momento. Così abbiamo un riferimento preciso per i tempi, le pause e la durata di ogni battuta. A parte questo aspetto, per il doppiatore non ci sono grosse differenze.

M: È più difficile immedesimarsi e trasmettere le emozioni volute?
C: Dato che manca quasi sempre la suggestione visiva, il doppiatore di un videogioco deve basarsi solo sulla voce del doppiatore orginale (non sull’intera colonna sonora, perché non sentiamo né gli effetti né l’eventuale musica). Ma direi che se la linea da seguire è chiara, non è affatto difficile immedesimarsi. Anzi, dal punto di vista interpretativo può essere molto stimolante il fatto di avere solo il riferimento sonoro. Aggiungerei comunque che un aiuto importante, per quanto riguarda la scelta della giusta chiave interpretativa, deve venire da chi dirige il doppiaggio (e ha giocato il videogioco).

M: Prima di iniziare il doppiaggio, vi vengono fornite informazioni sulla trama? Sui personaggi? Sul concept del videogioco stesso?
C: Sì. Ma devo dire che le informazioni sulla trama non sono fondamentali. Anzi, essendo necessariamente molto stringate, rispetto alla complessità di certe trame, a volte rischiano di essere addirittura fuorvianti. Fondamentali invece sono le informazioni sul personaggio e sullo stile complessivo del videogioco.

M: Come funzionano i dialoghi nei videogiochi? Devi doppiare tutte le linee da solo o c’è un rapporto con gli altri doppiatori?
C: Non c’è un rapporto con gli altri doppiatori. Siamo sempre in “colonna separata”. Qualche volta, ma molto raramente, capita di sentire quello che hanno già inciso i colleghi; ma in genere sentiamo solo la voce originale del personaggio. Non solo: il doppiatore di un videogioco non vede un copione tradizionale, con tutte le battute del dialogo una dopo l’altra, come per un film o un cartone; vede solo le proprie battute, affiancate, a volte, da una nota sulla situazione o sullo stato d’animo del personaggio. Insomma, direi che anche qui, perché il risultato sia equilibrato, è importante il ruolo di chi dirige il doppiaggio.

M: Com’è il rapporto di un doppiatore col personaggio doppiato? Hai modo di affezionarti? Cosa si prova a lavoro finito?
C: Sì, ci sono personaggi a cui mi sono affezionato. E non necessariamente sono stati quelli che parlavano di più. A volte, anche dopo aver fatto un personaggino di contorno… esci divertito dalla sala.

M: Hai prestato la voce in alcuni dei titoli più famosi degli ultimi anni, tra cui Assassin’s Creed 3 e Black Flag e la serie Broken Sword. Ce n’è uno che ti è rimasto particolarmente impresso?
C: Più di uno, come dicevo prima. Forse l’impressione più forte è stata con George Stobbart, di Broken Sword. Anche perché era una delle mie prime esperienze con i videogiochi. È un personaggio che mi è piaciuto.

M: Ti è capitato di riascoltarti durante un gioco? Che effetto fa? E in altri prodotti?
C: Sì, mi è capitato. Direi che la propria voce suona sempre un po’ diversa, quando la si risente. A volte si resta positivamente sorpresi, altre volte… meno!

M: Domanda tendenziosa: il videogioco è una cosa per bambini?
C: Non direi proprio.

M: Sei un gamer? Se sì, che giochi ti piacciono?
C: In realtà gioco… di riflesso, seguendo i giochi dei miei figli. Adesso li seguo giocare spesso a The Crew e Assassin’s Creed. Non mi piacciono i giochi con troppi combattimenti (ma il mio è un parere tendenzioso, perché so quanto sia faticoso doppiare urla e versi vari).

M: Chiudiamo con un paio di domande che non riguardano il mondo dei videogiochi, ma il doppiaggio in generale: film, telefilm, soap opera, cartoni animati… quali di questi mondi rappresenta la sfida maggiore, e perché?
C: Credo sia difficile fare una classifica. Banalizzando, potremmo dire che sullo schermo di un cinema, la bocca e gli occhi di un attore sono più grandi, quindi eventuali errori di sync o imprecisioni interpretative risultano più evidenti. Ma è anche vero che per il doppiaggio di un film/cinema si ha più tempo, in sala. Per il doppiaggio di un cartone o di una soap, invece, i tempi sono così stretti che, di solito, si ha il tempo di vedere l’originale solo una volta, e poi bisogna incidere. Insomma, ogni genere ha le sue difficoltà.

M: Il grande Tonino Accolla diceva che si da sempre troppo poco credito al lavoro di adattamento dei dialoghi. Tu ti occupi anche di questo: qual è il confine tra fedeltà al testo e licenza per adattarsi alla cultura italiana?
C: Sono d’accordo. L’adattamento dei dialoghi ha un’importanza fondamentale. Anche nei videogiochi, ovviamente: un buon testo non solo semplifica il lavoro, ma è indispensabile per un buon risultato. Quanto al confine tra fedeltà e licenza, è una questione non da poco. Si dice che il solo fatto di tradurre un testo sia di per sé un tradimento. Se poi consideriamo che nel doppiaggio ci sono da rispettare vincoli di tempo e di aderenza al labiale… si capisce quanto sia difficile trovare il giusto equilibrio.

M: Altra domanda tendenziosa: noi di Nerdando.com consideriamo il doppiaggio italiano un’autentica arte, ma non mancano i detrattori… soprattutto tra i puristi del linguaggio. Esiste davvero il “doppiagese”?
C: Certo, esiste. Ma spesso è una necessità. Faccio un esempio: l’espressione “chiudi il becco”, che è diventata comune, è stata un’invenzione azzeccata per doppiare l’inglese “shut up!” Se ci pensate, qualunque altra soluzione – “zitto!”, “taci”, “silenzio!”, “piantala!” e così via – non avrebbe rispecchiato il movimento delle labbra in inglese, con quella “p” alla fine. Altra cosa è il ricorso senza motivo a espressioni di moda che non rispecchiano una vera necessità. Questo è il doppiaggese da evitare.

M: Grazie mille per il tempo che ci hai voluto dedicare. Possiamo chiederti un saluto per la redazione e i lettori di Nerdando.com?
C: Certo. Ciao a tutti da George Stobb… ehm, da Claudio Beccari.

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